Trabajo final

Crítica y análisis de espectáculos

Profesor: José Manuel Lazaro

Alumno: Rodrigo Chávez

Código: 20074163

Ciclo: 2019-II

Diciembre 2019
Este lugar no existe:
Cuando la realidad supera a la ficción.

Sin duda, Este lugar no existe, es un buen punto de partida para la carrera de Alejandra Viera.
Joven directora que incursiona en el medio teatral limeño. Formada en la carrera de Artes Escénicas
de la PUCP y en la escuela de directores de Aranwa, despliega sus recursos creativos con mucha
fluidez. Viera genera imágenes poéticas hermosas que son agradecidas por el espectador.

Entre los actores convocados para esta puesta encontramos a Yaremís Rebaza y Santiago Torres.
Ambos estudiantes de pre grado de la carrera de Teatro de la facultad de Artes Escénicas de la
PUCP. Además podemos apreciar el trabajo y la experiencia de Irene Eyzaguirre que le da al
universo de la obra un equilibrio interesante. La energía e impulsividad de los jóvenes actores lleva
al espectador a una estado de alerta que es contrarrestado por la calma y la pausa que agrega
Eyzaguirre. Ese juego de tiempos y perspectivas mantiene la atención a lo largo de la obra. La
construcción de los personajes de Rebaza y Torres es marcadamente infantil. Se puede suponer que
es parte del estilo de la obra. Ambos interpretan un amor joven irrealizable, nos remite a una versión
moderna de Romeo y Julieta en un contexto lejano pero no por eso más sencillo. Ambos actores
sostienen sus personajes a lo largo de obra a pesar de su poca experiencia profesional. Sin duda son
dos jóvenes valores a tener en cuenta para el futuro. Resultará muy interesante ver su evolución en
el tiempo.

Sobre la dramaturgia podemos agregar que es correcta. De estructura clásica, aristotélica. Con las
tres partes del relato notoriamente reconocibles. Sin embargo, por momentos el texto rompe con el
naturalismo planteado y nos lleva a planos más reflexivos, oníricos (haciendo alusión al nombre de
la productora) y como ya mencionamos, poético. Estos momentos son puntuales y para nada
distraen de la atención que le debemos prestar a la historia primaria. Los apartes, que son
enteramente territorio de Eyzaguirre, nos permiten conocer más el universo y las vida pasada del
personaje de Rebaza.

La obra es ambiciosa con respecto al tema ya que abarca la prostitución y la minería ilegal.
Específicamente en los campamentos móviles que se encuentran en Madre de Dios. Nos referimos a
que es ambicioso ya que hay muy poca información con respecto al tema. En el imaginario
colectivo se suele hablar de estudios de impacto socio ambientales, cálculos demográficos inexactos
y perdidas de vidas humanas debido a la trata de personas. No obstante para el conocimiento común
esta poca información no es de fácil acceso. La obra es valiente al hablar de estos temas y llega a
ser conmovedora a la hora de retratar las vidas de dos víctimas de esta forma de esclavismo
moderno. Sin embargo, solo llega a una capa muy superficial de la problemática. Para un espectador
informado, la obra puede llegar a ser desconcertante ya que trata con mucha inocencia los temas
previamente expuestos. El iniciamiento en la prostitución, la explotación de la que son víctimas los
mineros ilegales, el ajusticiamiento y muerte que se puede dar dentro de este contexto es
romantizado peligrosamente. No podemos asegurar con certeza si es que este edulcoramiento de la
realidad se debe a una falta de información con respecto al tema, o a una decisión de dirección a la
hora de presentar este universo. En ambos casos podemos señalar que esta es la falencia más
notable del montaje. Siendo lo más grave el tratamiento final del problema. La obra nos presenta un
universo complejo, lleno de claro oscuros que puede llegar a ser de mucho interés para el
espectador pero la historia de amor se termina llevando el protagonismo. Lamentablemente, el
contexto, el tema más atrayente, el ponerle el foco a una situación real en nuestro país, solo termina
siendo la excusa para desarrollar un amor imposible.

La obra se desarrolla en la Sala Tovar de la municipalidad de Miraflores. Con respecto al espacio,

usan un escenario circular. Las butacas son acomodadas de tal manera de que la obra puede ser vista
desde cualquier dirección. Sin embargo, al no ser un espacio diseñado para este fin, podemos
apreciar los cambios de escena con facilidad y este hecho puede distraer al espectador más distraído
y romper con la convención teatral planteada.

Podemos decir que la obra tiene muchos aciertos. La juventud es su principal rasgo atrayente y a la
vez su debilidad más aparente. Pero creemos que es importante el ejercicio de trasladar la acción
teatral a situaciones y lugares complicados de nuestro país. Por más alejados de la realidad que
pueda llegar a ser. Por lo menos genera diálogo. Una conversación post obra qué valoriza y pone en
agenda, aunque sea por un instante, problemas presentes y urgentes. Es por estas razones que “Este
lugar no existe” es recomendable si se llega a reponer en algún momento.
Hedda:
Como lograr empatizar desde el cinismo.

Cuando pensamos en Ibsen, se nos viene a la cabeza su obra más resaltante: La señorita Julia. Una
pieza fundamental para el teatro contemporáneo. No siempre se nos viene a la cabeza la idea de que
muchos consideran a Ibsen misógino. Cuando hacemos el visionado de Hedda, podríamos entender
de que hay un ambiente cínico bastante marcado en muchos personajes. Sobretodo en la
protagonista. Y podríamos adivinar un cierto ensañamiento de Ibsen con este personaje que no nos
deja empatizar del todo. Sin embargo, debemos tener en cuenta de que esta versión de Hedda
Gabler ha sido adaptada y traída a Londres de nuestros días. Este hecho, de por sí, trae muchas
preguntas. Los tiempos han cambiado, y si bien el rol de la mujer sigue siendo bastante disparejo
con respecto al hombre, estamos a millas de distancia de los tiempos en que se creía que el lugar de
la mujer era la casa y la familia. Este hecho es el principal conflicto de Hedda Gabler de Ibsen. Su
descontento con su posición en la sociedad, su rebeldía, su tragedia. Lamentablemente, la obra
dirigida por Vanessa Vizcarra tiene un contexto muy distinto.

Vanessa Vizcarra es una directora de teatro ya consolidad en nuestro medio. Es dramaturga, actriz y
profesora teatral. Muchas de sus obras han sido premiadas tanto por su dramaturgia como por su
dirección. No obstante, este trabajo escénico falla desde la base. La adaptación del libreto a nuestros
días es caprichosa. Notamos el uso de celulares y tecnología en ciertos momentos, pero, justamente,
en los momentos en donde la tecnología puede ayudar mucho a la trama, desaparecen. Esta
desaparición de celulares y herramientas modernas de comunicación solo hacen evidenciara que la
dramaturgia corresponde a otro tiempo. Sin bien este hecho es bastante sutil, puede ser muy
desconcertante para un ojo entrenado. Por otro lado y para nuestro criterio, el problema más grave
de la obra, es la construcción del personaje principal: Hedda Gabler. Interpretada por Gisela Ponce
de León. El personaje es inconsistente desde la dramaturgia. La obra narra la historia de una mujer
muy hermosa que no trabaja ni tiene la intención de hacerlo. Hedda se pasa la obra entera
quejándose de que su natural aburrimiento y por más que es incentivada a trabajar o a buscar alguna
actividad, ella no parece tener la fuerza necesaria o la voluntad necesaria para salir de su
amodorramiento. Lo que conlleva a una queja permanente de su posición en el mundo sin siquiera
una intensión por remediarlo. Todo esto en el contexto de Londres del 2019. La creación realizada
por la actriz que la interpreta también es inconsistente. El papel exige una sensualidad que la actriz
carece. Este rasgo es compensado por gestos y actitudes que alejan al espectador ya que parece que
su personalidad es dominada por un cinismo incomprensible. Y decimos incomprensible por qué
todos los nombres que conforman el elenco están enamorados de Hedda. Los rasgos atrayentes de
este personaje son nombrados constantemente. Ella es inteligente, hermosa, delicada, extrovertida,
empática. Sin embargo como espectadores no lo podemos notar. Sus méritos son descritos pero
nunca visibles lo que hace que nos alejemos de los personajes masculinos al no poder entender qué
es lo que ven en ella. Cuál es el encanto del que ellos están prendidos. Estos actores son: Eduardo
Camino, Cesar Ritter y Juan Carlos Pastor. Bastante correctos en sus roles. Cada uno tiene
motivaciones diferentes en la historia, pero los une la pasión que sienten por la protagonista.
Ella está casada con el personaje desarrollado por Juan Carlos Pastor. Este matrimonio es reciente,
pero esta visiblemente roto. Roto por la apatía y desinterés de Hedda. Muy por el contrario, vemos
al esposo, completamente enamorado, sosteniendo la relación sin ninguna ayuda. Hedda parece
empecinada a tratarlo mal. Provocándolo y poniéndolo al limite constantemente. Sin embargo Juan
Carlos Pastor no se inmuta, sufre y parece disfrutarlo. Situación parecida ocurre con Eduardo
Camino, este es un abogado muy amigo de Pastor. Durante toda la obra se dedica a seducir a la
esposa de su mejor amigo y Hedda le sigue el juego sin caer en su provocación totalmente.
Para la mitad de la obra llega el personaje de Cesar Ritter, un antiguo interés romántico de Hedda.
Aparentemente el único de los tres personajes masculinos que respeta. Sin embargo esto no quita
que pueda jugarle una mala pasada que llevará al personaje de Ritter a un destino trágico.

Como ya ha sido descrito, la obra es difícil de ver. Con casi 160 minutos de función, resulta cansado
el visitando principalmente por el grado de cinismo presente en la mayoría de personajes planteados
en esta historia. Esto, sumando a que los personajes “buenos” son extremadamente buenos, nos deja
una serie de claro oscuros que no permiten la empatía ni el compromiso con sus historias.

Es muy difícil recomendar este montaje pero, a falta de propuestas limeñas de la dramaturgia de
Ibsen, y siendo considerado un autor clásico moderno, es importante darle una oportunidad.
Debemos de considerar lo difícil y admirable que puede ser el trabajo de adaptación de un clásico y
a pesar de que este en particular tiene notorias falencias, creo que es posible ver al dramaturgo a
pesar de todo.
Como criar dinosaurios rojos:
El homenaje a Velasco en el teatro.
Como criar dinosaurios rojos es un reto admirable. Principalmente por qué desnuda a los
protagonistas en un viaje personal e intimo. Estos protagonistas son Nani Pease y Tirso Causillas.
Pareja de esposos y productores generales de Otro/Colectivo. Grupo de teatro independiente que ya
lleva varios años proponiendo un estilo bastante particular en sus montajes.

Como ya mencionamos, la obra nos narra, en una forma bastante lúdica, los procesos de crianza de
Nani y Tirso en familias (citando a los propios actores) progresistas, izquierdistas, rojos, y hasta en
ciertos momentos, velasquistas. Este afán por reconstruir sus crianzas se debe a que ellos se
encuentran en medio del proceso de crianza de Valentin. Hijo de 11 años de la pareja y principal
motor de inspiración de la pieza teatral. La obra nos invita a revisar nuestros propios recuerdos y
ver cómo estos han formado las personas que somos ahora. Pero sobre todo cómo estas personas
impactan en la vida de futuros “dinosaurios rojos”. Esta revisión de las vidas de los protagonistas es
bastante conmovedora.

Para la creación del montaje, Nani y Tirso, convocaron a los jóvenes directores Fernando Castro (de
la compañía de teatro físico) y Sammy Zamalloa. Que los acompañaron en el proceso de creación
colectiva y posterior ensamblaje del material recolectado. Esta información, no es producto de
alguna entrevista o programa de mano, si no que es narrada al inicio de la obra, en un juego meta
teatral bastante contemporáneo. Nani y Tirso rompen constantemente la cuarta pared para
comunicarse con el público. Esta comunicación es de solo un frente, ya que el espectador nunca
participara activamente con estímulos para los actores, sin embargo, el efecto de contacto actor-
espectador es bastante bueno. Se nota que hay un ensayo exhaustivo que provoca la sensación de un
caos ordenado de la que todos somos parte.

Una pequeña observación con respecto a los temas tratados por Nani y Tirso sería que por
momentos, los sketches son bastante personales. Un espectador que no conozca a la pareja podría
perderse detalles importantes. Estos aspectos, que son sobre entendidos por los actores, producen un
efecto cálido y humorístico a la pieza. Sin embargo estos referentes no podrían llegar a ser
entendidos por el gran publico. Por ejemplo, la diferencia de edades de Nani y Tirso, se convierte en
un chiste repetitivo que de no ser captado, deja muchos espacios vacíos para el espectador.
Como ya hemos mencionado, no hay una historia con principio medio y fin, si no, un repaso por
distintos escenarios que nos dan una idea del crecimiento de los protagonistas. Estos modelos se
dividen en dos momentos. El primero bastante lúdico y jocoso y el segundo y último, bastante
personal, sentido y esperanzador. El espacio del MALI es utilizado al máximo con una escenografía
minimalista que resalta las destrezas actorales y performáticas de la pareja. Sin embargo a nivel de
vestuario vemos un gran despliegue y muchas maneras creativas de hacer las transiciones a los
distintos sketches propuesto.

Para última parte de la obra, y con la presencia del mencionado Valentín, se genera un clima de
reflexión muy interesante con respecto a nuestra responsabilidad con la generación por venir. El
hecho de relatar la crianza socialista de los protagonistas como punto de partida en busca de un
diálogo es importantísima. Se cuestiona permanentemente si el modelo capitalista es el adecuado
para forjar una sociedad más empatía y sobrellevaba para las generaciones futuras y el montaje
cierra con un mensaje esperanzador y positivo.

Deseamos de todo corazón muchas reposiciones para este montaje, ya que es apreciable el cariño y
la dedicación tan personal con la que ha sido creada. Y, a pesar de que tiene un fuerte contenido
político, este en ningún momento se plantea como el correcto, si no, como una opción personal, una
decisión que respecta las opiniones y se presta al dialogo y a la argumentación de ideas en pro de
formar una sociedad mas inclusiva, empática y humana para nuestra dependencia. Quedamos con
buenas sensaciones y, si se diera el caso de una reposición, recomendamos verla.