INSTITUCIÓN EDUCATIVA RURAL “LA INMACULADA CAUCHERAS”

MUTATÁ-ANTIOQUIA-COLOMBIA
NIT. 900.144.490-9 DANE:205480000341

Creada mediante Ordenanza Departamental No. 33 de 1968 y aprobada mediante las Resoluciones
Departamentales No. 0508 del 23 de enero de 2003, No. 0966 del 9 de julio de 2004, No. 11342 del
23 de diciembre de 2004, No. 7251 del 28 de junio de 2005, No. 26954 del 18 de diciembre de
2007, No. 08104 del 02 de mayo de 2008, No. 050906 del 23 de mayo de 2013, No. 037080 del 7 de
mayo de 2014, No. 131113 del 05 de noviembre de 2014 y No. 132339 del 13 de noviembre de 2014
I. DATOS GENERALES

DOCENTE WALTER ELID MURILLO PALACIO

NIVEL: 11 BÁSICA JORNADA: MAÑANA
PERÍODO 4 SEMANA 2
ASIGNATURA: Educación Artística GUÍA N° 2 Historia del arte (arte cubista,
arte figurativo, arte realista)
OBJETIVO Diferenciar los tipos de movimientos artísticos a través de la historia
del arte
DBA
FECHA DE INICIO TALLER: 19/10/2021 FECHA DE DEVOLUCIÓN DEL TALLER: 29/10/2021
MEDIO DE RECPCIÓN TALLER: Físico o virtual WhatsApp 320 592 79 59

2. PRESENTACIÓN DE LA GUÍA
Estimados padres de familia y educandos del grado, UNDECIMO esta guía taller, sobre artes consta de dos partes una
de lectura de conocimiento general y la otra práctica, en tu cuaderno.

2.1. INTRODUCCIÓN
Arte cubista

El arte cubista es una corriente artística que se originó en el año 1907 y duró hasta el año
1914 en Francia. A este estilo de arte le podemos considerar como un arte muy importante y
destacado ya que fue el que dio origen a diversos estilos de arte vanguardistas en Europa.

Al arte cubista se le considera como un movimiento artístico que estuvo presente entre los
años 1907 y 1914. El cubismo está considerado como una vanguardia pionera ya que se
encargó de romper con la perspectiva, el último principio renacentista que seguía vigente a
comienzos de siglo. El cubismo tuvo como centro neurálgico la ciudad de París, y como jefes y
maestros del movimiento figuraban los españoles Pablo Picasso y Juan Gris y los franceses
Georges Braque y Fernand Léger, pero el artista Cézanne ya habría marcado el camino, que,
recibiendo la influencia del Impresionismo, reaccionó contra él, rechazando la impresión en
favor de una comprensión más profunda de la realidad. Cézanne creía en que la naturaleza
no se dibuja, sino que se manifiesta a través del color, siendo su pintura no dibujada, sino una
pintura de volúmenes, de formas, relacionándolas entre sí una vez creadas, surgiendo aquí el problema de los planos, que lo
impulsa a mirar los objetos desde varios puntos de vista.

Fue originada en Francia y se hizo famosa por los artistas de este estilo entre los que podemos destacar a Pablo Picasso. Este
estilo de arte fue una clase de arte esencial ya que dio origen a las demás vanguardias de Europa en el siglo XX. Por lo tanto, se
trata de la rotura final que tenía el arte con la pintura tradicional.
El cubismo tuvo como base ideológica la noción de que una imagen es siempre observada desde diferentes puntos de vista, al ser
esta tridimensional. Esto llevó a los artistas que desarrollaron esta corriente a buscar nuevas formas de representación pictórica
entre las cuales el quiebre con la imagen real se hizo presente a través de la formación de cubos y otras formas geométricas. La
presencia de numerosas y ciertamente caóticas formas geométricas daba a la imagen una complejidad única que tenía como
objetivo representar la complejidad de la vida cotidiana.

2.2.SABERES PREVIOS
El concepto de cubismo fue creado por el crítico Louis Vauxcelles, el mismo que bautizó a los fauvistas. Este término
se originó por una crítica que hizo a una obra artística que según él denominó que estaba representada por “cubos”,
desde entonces nació el concepto de cubismo.

El arte cubista no hubiese sido posible sin la aparición de la fotografía, pues

esta, al representar la realidad visual de manera más exacta que la pintura,
liberó a este último arte de la obligación de representar las cosas tal como
aparecen ante nuestros ojos y forzó a los artistas a buscarle un sentido diferente
a la mera transcripción a las dos dimensiones de la apariencia externa de las
cosas.

La aparición del cubismo se ha relacionado, además, con otros dos hechos

acontecidos en la misma década que fueron el psicoanálisis, al evidenciar que
pueden existir motivaciones más profundas para los actos y pensamientos
humanos, y la teoría de la relatividad, que revela que el mundo no es
exactamente, en su estructura profunda.

Características principales del cubismo

La desvinculación con la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, en
planos, que serán estudiados en sí mismos y no en la visión global de volumen.
El cubismo es un arte mental, teniendo la obra valor en sí misma, expresando ideas.
El cubismo fue la definitiva rotura del estilo renacentista. Por lo tanto, en las obras de arte del cubismo la visión
tradicional que se tenía del arte desaparece completamente.
Este estilo de arte se basa principalmente en la naturaleza representada mediante figuras o formas geométricas y
fragmentando superficies y líneas, de una forma simplificada, en cubos, cilindros y esferas.
Aparece un nuevo concepto denominado “perspectiva múltiple”, es decir, todas las partes se desarrollaban en un
mismo plano.

Las obras pasaron a no poseer ningún compromiso en referente a la estética de

las cosas, esta es la razón por lo que aparecían en el mismo plano y tiempo
diferentes visas por ejemplo si hablamos de los rostros humanos la nariz estaba
representada de perfil y el ojo estaba representado de frente.
Ya no existen una única visión, por eso en las obras de arte no se tiene ningún
tipo de sensación de profundidad.
Los temas principales que fueron más destacados a la hora de ser representados
fueron los retratos, los paisajes, los bodegones y las naturalezas muertas
urbanas.
En cuanto al color, los más usados son los tonos apagados como por ejemplo los
tonos marrones, tonos verdes o grises, es decir, se quitan todos los colores que
caracterizaba al fauvismo o al impresionismo.
Desaparecerán las gradaciones de luz y sombra y no se utilizarán los colores de
la realidad, apareciendo en las representaciones el blanco y negro.
Las formas geométricas invaden las composiciones.
No utilizaron el estilo abstracto, la forma siempre fue respetada.

Las etapas principales del arte cubista

Existen diferentes etapas que fue desarrollando poco a poco este estilo de arte entre las cuales podemos destacarArte
cubista analítico
 Se conoce como la primera fase del cubismo que va desde el 1909 y termina en 1912 y
como precursor tenemos a Paul Cézanne. Los artistas se dedicaban al análisis de las
imágenes y a la reconstrucción de las mismas a través de estas formas geométricas, su
objetivo se convierte en una búsqueda más profunda, que trata de extrapolar a partir de
la realidad y representar a la la esencia misma de lo visible. Esta etapa se caracterizó
por la descomposición y desequilibrio de las figuras y las formas. Su objetivo principal
fue observarlas e intentar establecer un orden por separado. Fue en esta etapa donde
se pudo ver un cubismo con dificultad a la hora de comprenderlo y muy puro. Se
caracterizó por la descomposición de la forma y de las figuras en múltiples partes, todas
ellas geométricas, formas del cono, el cilindro y la esfera” y mediante el uso del color
puro, el segundo un proceso analítico llama inducción.

Arte cubista sintético

Un término que por lo general identifica la segunda parte del
movimiento pictórico que comúnmente se remonta a 1912, cuando
Picasso pinta Naturaleza muerta con silla. Los autores desarrollaron
nuevas técnicas que permitían el trabajo con diversas texturas y
superficies tales como el collage para crear novedosas obras
pictóricas Las principales características de composición de cubismo
sintético reside en la elección de la yuxtaposición o superposición de
distintas partes de una actuación, a menudo haciendo uso de las
técnicas pertinentes, tales como el collage y el papel collé,
favoreciendo así las composiciones de objetos polioculari visiones de
un mismo objeto. En esta etapa los objetos ya no eran observados y ordenados si no que hace un resumen de la
figura esencial, por ello se resaltan diferentes partes del cuadro. La síntesis se realiza resaltando en el lienzo las
partes más significativas de la figura que serán vistas por todos sus lados.

El cubismo se mantuvo activo hasta el año 1918, fue un flash en la historia, un movimiento realmente corto, sin
embargo, su importancia fue mucho más allá, estilos contemporáneos de toda Europa como el Dada o el Futurismo
(en Italia), nacieron como movimientos miméticos del cubismo. Posteriormente también estilos como el surrealismo y
la mayoría de corrientes asociadas al modernismo, estuvieron plenamente empapadas de su influencia.

Pablo Picasso y sus seguidores, buscaban una ruptura absoluta con todo vestigio de la norma clásica en la
composición. La profundidad, la descripción de la naturaleza y la perspectiva se comenzaron a transformar.

El estilo se desarrolló en 2 fases bien diferenciadas, la primera llamada cubismo analítico, pretendía representar
cuerpos complejos en versiones simplificadas, mediante masas fragmentadas en figuras geométricas.
Aproximadamente desde 1912 se comenzó a manifestar la segunda fase del estilo: el cubismo sintético, este ya ni
siquiera utilizaba las figuras con volumen, sino que se entregó totalmente a la composición bidimensional.

En los años 20 otras fuerzas artísticas, como el surrealismo, comenzaban a cobrar importancia por lo que rápidamente
desapareció.

Pintores del arte cubista

arte cubista Picasso

Pablo Ruiz Picasso: sus obras destacadas dentro del arte cubista fueron varias, como ejemplo tenemos Las Señoritas
de Avignon, la obra representa un burdel de Barcelona, con mujeres desnudas con sus rostros desfigurados, con
influencia Cézanne, del arte ibérico y de la escultura negra, donde rompe con todas las normas tradicionales de la
pintura figurativa fragmentando la perspectiva en volúmenes cuadrados y angulosos. Otras obras que realizó Pab Ruiz
Picasso fue el Desnudo con toalla, La fábrica de Horta de Ebro, y retrato de Ambosio Vollard. Una de sus mejores
obras fue El Guernica, el cuadro símbolo del horror de la guerra civil española y el bombardeo que destruye la ciudad
vasca de Guernica, con un estilo cubista y con una simbología del surrealismo y de las deformaciones expresionistas.

George Braque: Es el otro gran creador del cubismo. Descubrió que se pueden simplificar las formas reduciéndolas a
prismas y cilindros. En su obra Naturaleza muerta con naipes reduce el cromatismo a colores grises y geometriza y
descompone las formas para crear una nueva realidad mediante superposiciones y transparencias. También se
adentrará en el collage. Obras también destacadas son El bodegón de la guitarra, El bodegón del violoncelo, El taller
del pintor.

Juan Gris: Su cubismo es fundamentalmente sintético y coloreado. Utiliza composiciones que tienen una firme
estructura y un ritmo armonioso. Mezcla la suavidad y la energía, que lo vemos en la ordenación de sus bodegones,
realizados a base de planos muy violentos. Se centra en el tema de los bodegones, con elementos como vasos,
botellas, diarios, fruteros, pipas, arlequines, elementos musicales. Tenemos obras destacadas como Naturaleza
muerta, El desayuno, Naturaleza muerta sobre una silla.

Fernand Leger: trabaja un cubismo que tiende hacia formas de aspecto mecánico y tubular. Sus temas más utilizados
eran con relación con la vida cotidiana y el maquinismo de la gran ciudad, con personajes con cierto carácter
autómatas. Tenemos obras como Partida de cartas, donde los protagonistas han sido convertidos en una especie de
robots metálicos, con otras obras también importantes como Los acróbatas, Los cilindros, Las hélices.

Hay muchos más pintores, muy famosos todos, de este estilo de arte. Entre ellos podemos destacar algunos de los
cuales hoy en día todavía se conocen, tantos ellos como sus obras, estos artistas son: Jean Metzinger, Robert
Delaunay, Albert Gleizs. Evidentemente hoy en día pueden conocerse muchísimos más artistas de esta etapa, aunque
los más conocidos y por lo tanto los más famosos serían estos artistas.
3. PRESENTACIÓN TEMÁTICA
Arte figurativo

El arte figurativo es un movimiento artístico que se basa en la representación precisa de los

objetos o figuras. Estas figuras pueden ser objetos o imágenes, estos objetos o imágenes suelen
ser identificables y reconocibles. Además, este tipo de arte se creó para ser lo opuesto al arte
abstracto y por esta misma razón es por lo que se pueden diferenciar distintas características
como puede ser el realismo o también llamado verosimilitud

En la actualidad probablemente haya muchas personas que no conozcan qué es el arte

figurativo o en que se base este tipo de arte. En esta clase de arte, a pesar de ser el contrario al
arte abstracto, la información suele ser escasa ya que son pocas las fuentes que nos pueden
hablar del arte figurativo como tal, porque lo más famoso del arte figurativo siempre han sido los
diferentes estilos que hay dentro de este tipo de arte.

Sin embargo, esta clase de arte es uno de los estilos más buscados en todo el mundo ya que sus pinturas tienen
ciertas características muy llamativas, como por ejemplo el realismo que ponen a dichas obras de arte. Posiblemente
esta fama por este estilo de arte es porque las obras de artes realizadas por
diversos artistas se han ido catalogando como “Obras identificables” pero que
representaban imágenes totalmente reconocibles. Este tipo de obras siempre
han sido reconocibles por diferentes cosas o por su realismo artístico
inconfundible o por su idealismo artístico, también por su expresionismo y
caricatura, entre otras cosas.
Fue la primera expresión del arte del hombre, maravillado ante lo natural, y ya
lo hallamos en las antiquísimas
pinturas rupestres. El arte medieval plasmaba figuras religiosas y en el
Renacimiento éstas fueron sustituyéndose por las figuras humanas en la
nueva concepción antropocéntrica del mundo.

¿Qué es el arte figurativo?

El arte figurativo (o también llamado arte representacional o figurativismo) es
aquel arte que podemos definir como una representación exacta de figuras,
dichas figuras pueden ser imágenes identificables u objetos reconocibles,
manifestado sobre todo en la pintura y la escultura, que imita la naturaleza,
copiándola, lo que lo griegos denominaban “mímesis” y tuvo una gran manifestación en el arte clásico. No exige en el
observador ningún esfuerzo mental para comprenderlo, pues todo está expuesto ante los ojos de quien lo contempla,
comprendiendo inmediatamente el mensaje que el artista nos quiere transmitir.

Como hemos comentado anteriormente, el arte figurativo es el contrario del arte abstracto y por esta razón se puede
distinguir diferentes características en el arte figurativo como por ejemplo su realismo artístico (también llamado
verosimilitud). Este realismo artístico puede usar técnicas de distorsionado como por ejemplo el idealismo artístico, el
expresionismo o la caricatura, o bien puede optar por alguna forma de representar sus obras como pueden ser el
simbolismo, el detallismo, el preciosismo, el arcaísmo, entre otros métodos artísticos más.

Con la aparición de la fotografía en el siglo XIX, el arte figurativo fue perdiendo vigor, pues este nuevo arte representó
la máxima expresión del realismo, captando las imágenes de modo idéntico.

Características del arte figurativo

El arte figurativo es representativo de la apariencia de cosas reales.

Lo que quiera expresar será reconocible por su aspecto, pudiéndose aproximar a su representación con distintos
énfasis:
Veracidad: Los elementos condicionados a imitar apariencias y a crear la ilusión de realidad
Mímesis: imitación de la naturaleza como fin esencial
Realismo: representación con objetividad
Distorsión: representación de características generales, sintetizando elementos visuales, deformando o estilizando
acorde con la interpretación de la realidad del artista
Idealización: uso de formas geométricas y sintetizadas
Expresionismo: exageración y deformación resaltando los rasgos más característicos comunicando una interpretación
más introspectiva.
Simbolismo: interpretación de las figuras por su significado en un contexto cultural.

arte figurativo Historia de este tipo de arte

La historia de este estilo de arte es tan larga como puede ser la historia de la representación, posiblemente uno de las
primeras obras de este estilo de arte fue una figura escultura y tallada cuidadosamente de una mujer, esta obra se
descubrió en una cueva al sur de Alemania llamada “Hohle Fels”. Lo increíble de la dicha obra es que fue tallada en un
colmillo de mamut, por lo tanto, la figura por lo menos ha de tener más de 35.000 años de historia.

Otro ejemplo, posiblemente fuera el segundo ejemplo, fue unas pinturas rupestres halladas
en Francia que hacían una representación de la variedad de animales que existían en esa
región. Estas pinturas deben de tener más de 16.000 años de antigüedad.

En la actualidad, se han encontrado obras de este estilo de arte por todo el mundo y de
diferentes culturas y lo más curioso es que probablemente todavía haya miles de obras más
por descubrir.

4. EJERCITACIÓN Y RETROALIMENTACIÓN
Estilos utilizados en esta clase de arte
Las caricaturas: que son obras que deforman lo real a través de dibujos deformados dando un aspecto real pero
distorsionado.

El expresionismo: que muestra lo real, exagerándolo, comenzando esta tendencia Goya en sus últimas obras,
tergiversando la realidad y haciéndola subjetiva, y plasmando en ella la angustia y una visión trágica del mundo,
empleando tonalidades violentas.

El idealismo artístico: se pinta la realidad, pero eligiendo lo bello y elegante y suprimiendo lo vulgar.
 Para ser figurativa es imprescindible que la obra de arte sea
representativa de la apariencia de cosas reales, no estando, el artista, ha
copiar e imitar. El tema que quiera comunicar ha de ser reconocible por su
aspecto, pero se puede aproximar a su representación con distintos
énfasis:

Veracidad: Los elementos de la obra están condicionados a imitar las

apariencias, a dar la impresión de forma y espacio y crear la ilusión de
realidad, se procura representar las cosas tal y como son, con objetividad.
Distorsión: Los elementos de la obra representan solo las características
generales de las figuras. Se sintetizan los elementos visuales, se deforma
o estiliza acorde con la interpretación que hace el artista de la realidad, se
usan formas más geométricas y sintetizadas, se deforma el referente para
resaltar sus rasgos más característicos.
Actualmente se ha podido observar dentro del arte figurativo se encontraban diferentes estilos de arte como por
ejemplo el Barroco, el Renacimiento y el Realismo, todos ellos intentaban buscar la capacidad de mostrar la realidad.

Además, se ha podido ver diferentes corrientes en el arte figurativo de la actualidad como pueden ser la de
Hiperrealismo y Foto realismo

arte figurativo realismo Características principales del estilo de arte

Las obras de este estilo de arte se reconocen por su aspecto externo del modelo al que representaban.

Se representaba sobre todo animales, personas, paisajes o flores.

Cualquier artista figurativo, ya sea de épocas anteriores o de la

actualidad, tenía el modelo que debía representar delante de él con lo
cual podía comprobar el aspecto de dicho modelo a medida que iba
realizando su obra sin embargo.

También para crear las obras había otros artistas que preferían usar la
memoria. Es por ello, que normalmente el artista figurativo

Se tenía en frente al modelo que debía representar, pero antes de

finalizar la obra iba a su taller para terminarla.

Se define por la representación de figuras, entendiendo éstas como

objetos identificables mediante imágenes reconocibles.

Es una manera de decir cosas sin usar palabras, los artistas utilizan las imágenes llenas de formas, colores, tamaños
texturas para contar y expresar sus ideas, emociones, preocupaciones y fantasías.

El arte figurativo se puede hacer por cualquier medio y en una variedad de estilos.
Aquí podemos ver un breve vídeo explicativo sobre el Arte figurativo.

Arte realista

El arte realista es un estilo artístico que pretende enseñar y representar

diversos temas que estén de acuerdo con las reglas seculares y empíricas,
dicho de otra manera, este tipo de arte crea obras a partir de unos temas que
pueden ser explicados por teorías naturales y no por apariciones divinas.

El Realismo es una tendencia artística europea que se enmarca,

aproximadamente, en la segunda mitad del siglo XIX y que aspira a reflejar la
realidad cotidiana de modo objetivo.

La burguesía revolucionaria,, que impulsó el movimiento romántico se convierte, en la clase social dominadora, y
tiende hacia postulados más conservadores, imponiendo una nueva visión de la vida y del ser humano.

El realismo surge después de la revolución francesa de 1848. El desencanto por los fracasos revolucionarios, hace
que el arte abandone los temas políticos y se concentre en temas sociales.

Así mismo, el Realismo es un estilo que refleja la realidad histórica y que no copia objetos mitológicos, religiosos o
alegóricos.

Su fidelidad al detalle lo diferencia de la glorificación idealizadora romántica, y su concentración en los rasgos

esenciales y típicos de los caracteres, situaciones y acciones, lo distingue del reflejo de la realidad en sentido
naturalista o fotográfico.

La meta del realismo no es la belleza, sino la verdad, y por tanto, el conocimiento de la realidad.

Lo escandaloso de los realistas está en los temas, la manera que tienen de afrontar la realidad, ya que la técnica es
más tradicional. Se niegan a idealizar las imágenes, y el hombre aparece en sus tareas normales.

El concepto de realismo ofrece una amplitud significativa, difícil de precisar en sus límites, pues la captación de la
realidad inmediata y su plasmación en una obra, es una tendencia que recorre toda la historia del arte.
¿Qué es el arte realista?

El realismo es una forma de expresión en que se retienen las impresiones básicas de la realidad, además de relatar e
interpretar la realidad que se esconde debajo de la apariencia de las cosas. Al arte realista se le considera aquel estilo
de arte que intenta representar y exponer temas que estén conformes con las reglas empíricas y seculares, es decir,
este estilo de arte representa obras en las cuales sus contenidos pueden explicarse por causas naturales y que no
haya ningún tipo de participación divina o sobre natural. Es por esta razón por la cual al arte realista se le considera
una realidad muy objetiva tanto del artista como de la persona que observe dicha obra y por lo tanto carece de
cualquier conclusión idealista o cualquier forma de embellecimiento.
El realismo surge después de la revolución francesa de 1848 y se extiende aproximadamente hasta 1870. El
desencanto por los fracasos revolucionarios hace que el arte abandone los temas políticos y se concentre en temas
sociales. Cronológicamente este movimiento sigue al Romanticismo.

Características del arte realista

Fue un movimiento histórico que aspira a ofrecer una representación
verdadera y objetivo del mundo sensible.
Se opone a todo lo artificioso e indeterminado y traduce la realidad
como única verdad del hombre y del mundo, sin falsas
representaciones.
Los temas preferidos son los retratos, en su actitud natural, sin poses
estudiadas, la gente en su trabajo, al aire libre.
Los artistas se basan fundamentalmente en la observación y plasman
no sólo lo bello, sino también lo feo y revulsivo.
Se describe las cosas con precisión y objetividad, los artistas
representan las cosas tal como son, tal como se ven y tal como se
conocen.
Es un estilo que refleja la realidad histórica y que no copia objetos mitológicos, religiosos o alegóricos, dejando a un
lado los temas sobrenaturales, mágicos y se centraron en temas más corrientes.
Son fieles al detalle, característica que lo diferencia de la glorificación idealizadora romántica.
Su concentración en los rasgos esenciales y típicos de los caracteres, situaciones y acciones lo distingue del reflejo de
la realidad en sentido naturalista o fotográfico.
La meta del realismo no es la belleza, sino la verdad, y por tanto, el conocimiento de la realidad.
El Realismo abre nuevos y diversos caminos de expresión, que terminarán desembocando en otros movimientos,
como el Naturalismo, que no es otra cosa que un Realismo exagerado o llevado a su último extremo. Arte realista
paisaje
Tipos de realismo
Realismo Pictórico: Fue una corriente artística que se desarrolló a mediados del Siglo XIX y que alcanzó su máximo
esplendor en Francia. Se caracteriza por que los artistas dejaron a un lado los temas sobrenaturales y se centraron en
temas más corrientes como la vida cotidiana.

Realismo Socialista: Fue una corriente estética cuyo propósito fue llevar los ideales del comunismo al terreno del arte.
Generado en la Unión Soviética en la década del 1930 hasta 1991. Su objetivo es exaltar al trabajador común como
algo admirable.

El arte realista reflejado en el arte antiguo y prehistórico

Como la gran mayoría de nosotros sabe, las primeras
representaciones artísticas surgieron en la prehistoria. En estas
representaciones se podía observar la oposición que había entre la
abstracción y la idealización, pero lo que más destacaban en las
obras de arte que encontraron era el realismo tan impresionante que
durante muchos años se dudó de las obras encontradas en las
cuevas de Altamira.

Sin embargo, el arte griego definía a este tipo de arte como una
búsqueda constante entre belleza, la armonía y la proporción que
sobrepasaba cualquier rasgo real de los seres humanos. Por ello, en
el siglo V apareció el helenismo que se caracterizaba por la búsqueda de representaciones de la vida cotidiana, de
personas de distintas edades, entre otras cosas y con el surgió el arte roma que desarrollo lo que hoy conocemos
como retrato.

El arte realista reflejado en el arte medieval y el arte moderno

Este estilo de arte se puede ver reflejado en la disciplina plástica románica, al igual que la bizantina, que tenían
influencias del arte paleocristiano. Todos estos estilos de arte se relacionan con el realismo porque iban en busca de
la definir y perfeccionar los rasgos de los santos. En cambio, la plástica gótica buscaba la humanización de las figuras
e intentaba reflejar en ellas la ternura y el dolor que caracterizaba a los seres humanos.

El barroco se consideró realista también, no solo por la

representación de la pobreza y el dolor sino también por las
representaciones de otros tipos de sentimientos como son la
gloria o incluso el triunfo. Pero fue en el siglo XVIII cuando
apareció un estilo de arte barroca diferente al barroco que
había entonces, ese estilo se llamó arte tardío y con este tipo
de arte se hizo un contraste con el clasicismo.

Arte realista naturaleza

El arte realista en la edad contemporánea
Este tipo de arte denominado como un arte completamente
realista se relacionó en Francia en el siglo XIX como la oposición
de las emociones excesivas que representaba el romanticismo y
con ello se reflejó en las obras realistas una búsqueda incansable
de la verdadera precisión. Los temas más destacados de este tipo
de arte en la edad contemporánea no eran los tipos temas como
el medievalismo, exotismo u orientalismo, sino que se
representaban temas que hablaran de los conflictos que había en
esa época, de la vida cotidiana de las personas y sobre todo de
las clases sociales que en esos momentos había.

Gracias a los avances científicos y tecnológicos se pudieron introducir en este estilo de arte la fotografía como una
nueva disciplina, además también surgieron en el siglo XX otras disciplinas realistas como son el hiperrealismo o el
pop art.

Pintores realistas y sus obras

En pintura destacaron:

Gustave Courbet: nació en el 1819, en Ornans, sus pinturas suscitaron enormes polémicas por su selección de temas
vulgares como Un entierro en Ornans (1849), donde aparece de
una forma clara la manera de ver la realidad, creando un cuadro
desolador y por sus ideas pragmáticas sobre el arte. es un cuadro
desolador. Una de sus obras más significativas, que denotan el
modo de ser del autor, es El Taller (1855).

Camille Corot: nació en el 1796, Perteneciente a una familia de

comerciantes, en su juventud se inició en el oficio de pañero. Fue
uno de los más
grandes pintores
del paisaje, siendo
una influencia muy
importante para los impresionistas. Además del paisaje, practicó
también la figura humana, por lo que parte de su obra privada se
centró en realizar retratos de amigos y familiares y escenas de
género. Una de sus obras destacada fue Le Petit Berger. Jean-
François Millet: nació en el 1841-1875, fue hijo de campesinos
pobres, fue uno de los máximos representantes de la Escuela de
Barbizón. Se distinguió como paisajista, pero en sus paisajes no
olvida nunca a los campesinos, humildes, cabizbajos, pesimistas y
redimidos por el trabajo. Es el mejor intérprete de la vida campesina y del hambre y la miseria que éste trae consigo.
Representó la situación en la que vivía tal y como era, plasmó la realidad. Sus obras más características son Los
Gavilladores, El Ángelus, Los canteros, La costurera, La colada y Las espigadoras. El Ángelus, La muerte del leñador.

5. PRÁCTICA
Deacuerdo a l estudiado y leído debes presentar 4 trabajos sobre al guno de los movimientos pictóricos en 1/8 de cartulina
6. RECURSOS
Materiales utilizados, páginas web, libros… Sobre arte cubista, arte figurativo, arte realista