Semiología, la piedra angular de la multimedia.

El Nombre de la Rosa

Dirigida por Jean -Jacques Annaud

Adaptación del libro de Umberto Eco

La historia contada por parte de Umberto eco es perfectamente un reflejo de la realidad de

aquella época. Desde el ámbito multimedial me llama la atención la planificación con la que se
planteó cada escena, cada personaje, cada adaptación y sobre todo el cuidado en los detalles de la
fotografía y el ambiente realista envuelto en tal misterio del que esta cobijada la película.

Una película llena de símbolos de principio a fin, particularmente le encuentro fascinante desde la
objetividad con la que se representa pasando por la oralidad con la que se deducen los crímenes.
Dejando ver que no todos los símbolos son logos y que en el particular donde se desarrolla el film
La religiosidad versus la razón es uno de los símbolos que se evidencia, esa la relación entre la fe y
la razón con sus posibles verdades vistas desde posiciones ambiguas.

Sin embargo, el libro de Aristóteles se lleva toda mi

atención. El miedo al cambio que genera la comedia es
envolvente, el temor a la risa como su máxima
expresión, desencadenado en censura hasta el punto
de envenenar sus páginas para que no pudieran ser
reproducidas o incluso leídas, refleja los paradigmas
que se tienen de lo desconocido; por un lado la
tradicionalidad tajante de la religión lo enmarcaba
como el mal, lo satánico y desde esa visión manejar los
hilos de sus creencias, por el otro lado, la objetividad
que se tiene de ver las cosas con sentido sin atribuirle
nada a seres o males inexistentes refleja una manera
de ser dueño de los pensamientos y acciones.

La simbología es el factor principal de este film y que, sin importar la posición, el rango, si eres
abad o franciscano, la búsqueda de la verdad siempre esta de la mano de la curiosidad y que nadie
esta exento de sentirla. Los laberintos llevados a nuestra época no son tan diferentes que en el
siglo 14. Vivimos en un mundo movido por la simbología, una lucha cultural que desea ser
escuchada y otra tradicional que desea ser conservada, válidas las dos y que desde nuestro campo
multimedial siempre debemos contar esas historias, potenciar la simbología, y con ella generar
tantas hipótesis que desencadenen en infinidad de posibles mundos.

Si no cuestionas, no hace falta usar veneno para encerrar el conocimiento.

Trainsportting

Director Danny Boyle

Escrita por Irvine Welsh un escoces con redacción en dialecto local que pone un estilo con
bastantes referencias de la cotidianidad propia de la cultural británica en esa época de los 80´s,
donde el futbol y el Punk eran la voz del pueblo.

Es una película que combina todos los elementos de una gran muestra de producción de
multimedia de una forma maestral. Danny Boyle y su equipo nos transportan a la narración en
primera persona de una manera en la que con efectos visuales y auditivos logran escenas
realmente alucinantes.! ¡Como el caso de la escena en el putrefacto baño! O la secuencia donde
Renton tiene su sobredosis, realmente sientes esa impotencia, en la que todo pasa a tu alrededor
y no eres dueño de tus decisiones, como en un estado vegetativo. Como exprese anteriormente
alucinante, la posición de la cámara te hace sentir en primera persona, los audios se distorsionan o
se agudizan, el eco de las voces en definitiva una secuencia épica.

Para las personas que amamos la música, un gusto

total de las bandas elegidas para las escenas
quirúrgicamente bien referenciadas, logrando el
efecto deseado. Desde la primera escena con la épica
“Lust for Life” de Iggy Pop (Tommy es fanático y tiene
posters) pasando por bandas como Sleeper, New
Order, el gran Lou Reed, Elastica, Underworld, o los
espectaculares Blur. Pero sin lugar a dudas la
referencia musical que me encanto no fue escuchada,
fue visual. Un Cameo con un gran homenaje al Abbey
Road de los Beatles.

Una película con una semiología fantástica e innumerables referencias de todo tipo, auditivas y
visuales ya mencionadas e incluso imperceptibles en tipografías como las del bar Vulcano o las de
Azar Diversión en el hogar. Colores vibrantes, revolucionarios enlazados principalmente en el color
rojo.

No podía dejar de lado la increíble fotografía. Los paisajes de las montañas fríos y tranquilos de
escocia y en contraparte el contemporáneo agitado Londres con una arquitectura imperialista,
moderna y cosmopolita. El rojo de sus clásicos autobuses y emblemáticas cabinas telefónicas
resaltan del gris de sus calles. No obstante, no es solo a nivel panorámico, una muestra de ello es
la habitación de Dianne quien tiene unos auto posters al estilo Andy Warhol, otra como el arte
callejero de la casa de la madre superior y en donde particularmente después del funeral cuando
se reúnen, en mi opinión la luz del reflector le da un ambiente tan espectacular, como desolado
que a nivel de fotografía es fantástico y capta las sombras y el monologo como épico en un
enfoque.

El bonus de este film no debe ser por casualidad ya que uno de sus protagónicos “Sick Boy”
Siempre está dando referencias cinematográficas, realizando comparaciones y categorizando, para
ser más ilustrativos se imagina hablando a si mismo con Sean Connery. Pero como si fuera poco en
la escena del disparo al perro hace hincapié en la película El nombre de la Rosa, como una chispa
de trayectoria descendente, algo así como la simbología de la vida.

Watchmen: Los vigilantes

Film Dirigido por Zack Snyder

Escrita y dibujada (Comics) por Alan Moore y Dave Gibbons

¿Qué más simbólico que un superhéroe?

Un film de superhéroes está cargado de semiología desde el ángulo que se vea, por demás
cargado de una dualidad entre la vida de un superhéroe y la normalidad que afrontan cuando no
tienen sus trajes, y para empezar ese es el principal motivo donde se fija conexión con el público al
verse reflejados.

Siendo Watchmen: Los vigilantes una adaptación del noveno arte “el Comic” se torna bastante
interesante el enfoque que tiene, en vista que tiene muchas referencias reales, cargado de un
contenido político muy cercano a la realidad.

A diferencia de las anteriores películas donde la simbología es mas abierta pero menos evidente,
en Watchmen es más que evidente. No obstante a nivel multimedial los efectos especiales con los
que fue concebida saltan a la vista y sin ir muy lejos en el Dr Manhattan, un personaje dios que
puede cambiar de tamaño, multiplicarse hacer explotar personas y un sin numero de habilidades
desproporcionadas de la realidad, sin embargo, la manera como lograron ese color azul de su
cuerpo, además de ese brillo no se puede dudar que se trata de un trabajo realizado y planificado
con mucho detalle, al igual que la máscara de Rorschach que es una maravilla con sus manchas de
tinta que si cambia constantemente de acuerdo a lo que el personaje esta sintiendo.

Una particularidad que llama la atención es la manera como se ve el

ambiente de toda la película, es decir, la calidez de la cámara, es
diferente a las de otras películas de este género, ya que sin ser vivido el
color, la gama que se trabajó está en un marco de los opacos, dejando
punto muy focales como es el caso del traje de Espectro de seda que es
de un vivido amarillo, y que al ser llevado en contexto con la historia
empieza a tener conexión psicológica con el color del logo del
comediante; pero no solo está mal llamada coincidencia, los colores y
texturas que se manejan en cada personaje es relevante para dar un
todo de combinación. La magnifica paleta de colores en cada personaje les da identidad, de
acuerdo a sus características.

La luz es un factor determinante en el film, la ubicación estratégica de los focos resalta de manera
impecable los personajes sin dejar de lado la ambientación de un Nueva York atemporal y único.
Los focos de luz de la nave de Búho Nocturno (Archie) son fantásticos, cuando atraviesa la ciudad.
La narración en Off desde el personaje de Rorschach es un elemento fenomenal que permite
sentir el comic de una manera vivida, dándole esa relevancia en su esencia.

La música es un contraste con lo que sucede en la película la violencia que tiene y lo espectacular
de sus efectos. Bob Dylan es un poeta que cantaba al popular y eso lo hace tener mas contraste
con las escenas y muy por el contrario de quedar rezagada la música le daba ese aire de
humanidad y vivencias cotidianas de la que los personajes son sometidos dejando atrás los
momentos de gloria que tanto le dieron a su nación.

Una frase que me llamo la atención es un grafiti que decía: ¿Quién vigila a los vigilantes? Con una
caligrafía super urbana.

Film rudo, fuerte, violento gráficamente y en lenguaje, sexualidad etcétera, todos los elementos
no aptos para un comic, y que trasmitidos de la manera maestral tienen como producto final una
épica razón para cuestionar todos los enfoques a los que podemos acceder o crear si de ello
convenimos, para nuestras producciones de multimedia.

Fabián Andrés Melo Ceballos