FUNDAMENTOS DE LA COMUNICACIÓN GRAFICA

1. COMUNICACIÓN.- Una primera aproximación para entender el concepto de comunicación es a

partir de su etimología. Comunicar viene del vocablo latino communicare, que significa “compartir
algo, hacerlo común”, y por “común” entendemos comunidad; o sea, comunicar se refiere a hacer
a “algo” del conocimiento de nuestros semejantes. Su etimología nos lleva a suponer que la
comunicación es un fenómeno que se realiza como parte sustancial de las relaciones sociales.
Ahora bien, ¿qué es ese “algo” que mencionamos? Pues se trata de la información. Tanto las
personas como los animales constantemente estamos recopilando datos de nuestro entorno, los
procesamos y compartimos con nuestros semejantes esperando lograr una reacción en ellos que
nos permita resolver alguna necesidad. Como se mencionó anteriormente, la comunicación no es
exclusiva del ser humano, ya que todos los seres vivos tenemos la capacidad de comunicarnos y
de compartir información de nuestro entorno, lo cual nos ayuda a sobrevivir. Los animales se
comunican para encontrar comida, escapar de sus depredadores y para establecer ciertas
relaciones jerárquicas entre ellos que les posibilitan un orden dentro de su comunidad.

1.1. MODELO BÁSICO DEL PROCESO COMUNICATIVO.- basado en el modelo aristotélico El

primer intento registrado por entender el proceso comunicativo se remonta a la antigüedad
clásica, en la época de los sabios griegos. Fue Aristóteles (384-322 a.C.) quien en sus tratados
filosóficos diferenció al hombre de los animales por la capacidad de tener un lenguaje y
conceptualizó a la comunicación la relación de tres elementos básicos: emisor, mensaje y receptor.
A partir de aquí derivan todos los demás modelos que al tiempo se han realizado.
1.1.1. Emisor: Dentro del proceso comunicativo, es la parte que inicia el intercambio de
información y conduce el acto comunicativo. Es quien transmite el mensaje, el que dice o
hace algo con significado.
1.1.2. Mensaje: Se refiere a la información transmitida. Es lo que se dice.
1.1.3. Receptor: Es quien recibe el mensaje.

2. LOS MEDIOS DE COMUNICACIÓN MASIVA.- Los medios de comunicación masiva son de suma
importancia para la vida cotidiana, pues existen más de 6 mil millones de personas en el planeta,
separados por diferentes continentes e inmersos en distintas actividades, lo que dificulta que se
comuniquen entre sí, sin embargo, lo hacen. Todas las personas en el mundo tienen necesidades
que son satisfechas por la comunicación, desde las más simples hasta las más complejas, desde
qué comer hasta dónde encontrar la comida, incluso, cómo preparar la misma. Los medios de
comunicación masiva son los que nos permiten ser parte del mundo en que vivimos. Los medios
de comunicación masiva son las herramientas para lograr que un solo emisor se comunique de
forma idéntica con millones de receptores al mismo tiempo.

Todos los días las mayoría de las personas comúnmente encienden el radio o la televisión por las
mañanas para saber qué pasa en el mundo o para entretenerse y distraerse mientras realizan sus
tareas cotidianas, todos los días estamos rodeados por los medios de comunicación masiva, sin
embargo la mayoría de la gente no lo nota, pues forman parte de la vida de los individuos, por lo
tanto queda una pregunta importante ¿qué son los medios de comunicación masiva y cómo
podemos distinguirlos? Los medios de comunicación masiva (“mass media”), son aquellos que se
envían por un emisor y se reciben de manera idéntica por varios grupos de receptores, teniendo
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así una gran audiencia; el mundo los conoce y reconoce como la televisión, la radio, el periódico,
entre otros.

Los medios masivos son utilizados en la publicidad, la mercadotecnia, la propaganda y muchas

formas más de comunicación. Su principal objetivo es reducir el tiempo invertido en la
comunicación, enviando un solo mensaje a toda la sociedad, si bien los mensajes tienen un público
deseado, no quiere decir que este público será el único que lo reciba, añadiendo así más audiencia
al mensaje. La principal finalidad de los medios masivos es informar, formar y entretener, es por
ello que dentro de los mismos medios existen diferentes tipos, para distintas finalidades; por
ejemplo; dentro de la televisión, hay programas de entretenimiento, de noticias e información,
culturales y educativos, y formativos para infantes de todas la edades.
Por otro lado, la comunicación en masa suele reducir o eliminar las relaciones interpersonales del
proceso de la comunicación, y tiende a separar a los individuos de su entorno sociocultural
tradicional, generando una masa integrada por miembros heterogéneos, es decir, personas de
distintos estratos sociales, niveles culturales, diversas ocupaciones, intereses y modos de vida muy
diferentes. De esta manera se puede inferir que los medios de comunicación masiva proporcionan
modelos de conducta económica y de valores sociales, fomentan el consumo, la participación en
la vida política y el desarrollo del sentimiento nacionalista, entre otros aspectos a considera.

2.1.1. CLASIFICACIÓN Los medios de comunicación masiva son tantos y tan variados, sin
mencionar la evolución que presentan a través del tiempo, por esta razón, con el crecimiento
de la tecnología, la necesidad de un clasificación se hizo plausible y en 1972, el profesor de la
Universidad Libre de Berlín y científico de la comunicación, Harry Pross, clasificó por primera
vez los medios masivos de la siguiente manera.

2.1.1.1. Medios primarios Medios primarios (propios): son aquéllos que están ligados al
cuerpo, no necesitan de ninguna tecnología para su comunicación, la cual a su vez es
asincrónica, se les considera medios de comunicación masiva pues cuando un grupo supera los
siete integrantes, se deja de considerar un grupo para ser considerado como una masa, así que
un profesor dando un clase, puede ser considerado un comunicador en masa (dependiendo de
la cantidad de estudiantes que tenga el grupo). Ejemplo: un orador, un sacerdote, o una obra
de teatro.

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 2.1.1.2. Medios secundarios (máquinas) Éstos requieren del uso de técnicas (tecnologías)
de parte del emisor de contenidos, para la emisión del mensaje. El o los receptores del mensaje
no necesitan de ningún tipo de técnica (tecnología) para recibir el menaje, quiere decir que
cuando las personas transitan por la calle no necesitan de ningún aparato especial para poder
ver o escuchar los anuncios producidos en esta categoría. Ejemplo: periódicos, revistas,
gacetas, folletos, espectaculares, entre otros.

2.1.1.3. Medios terciarios (medios electrónicos): requieren del uso de técnicas (tecnologías)
tanto del emisor de contenidos como del receptor de los mismos, es decir, para poder recibir
el mensaje enviado necesitamos de un aparato para descifrar el mensaje, cuando las personas
quieren ver televisión requieren de un aparato de televisión que muestre los programas
transmitidos. Ejemplo: televisión, radio, telégrafo, teléfono, música.

2.1.1.4. Medios cuaternarios Medios cuaternarios (medios digitales): los denominados

nuevos medios de comunicación son el producto del avance tecnológico. Permiten que los
individuos se comuniquen de manera bilateral y masiva al mismo tiempo, acortan distancias
entre individuos y utilizan lo último de la tecnología para facilitar la comunicación con una alta
calidad de emisión y recepción de los mensajes, lo cual resulta de menor calidad con medios
incluidos en otras clasificaciones. Ejemplo de medios cuaternarios: internet, celulares,
televisión satelital, televisión HD, entre otros.

ACTIVIDAD

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1. ¿Qué es comunicación?
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.........................................................................................................................
2. Dibuja los medios de comunicación masiva

3. ¿Qué son medios de comunicación secundaria y cuáles son?

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.........................................................................................................................
4. ¿Cómo clasifica los medios de comunicación?
.........................................................................................................................
.........................................................................................................................
5. Identifica del proceso de comunicación

INVESTIGACION

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1. ¿Qué es la Comunicación Visual?

2. Que es la comunicación oral

3. Que es comunicación escrita

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 SEMIOTICA
3. Semiótica es un término acuñado por Charles Sanders Pierce (1839–1914) asociado a la ciencia
que estudia los signos en el seno de la vida social. Ferdinand de Saussure (1857–1913), utiliza el
concepto de Semiología, para referirse a la misma idea, y las expone en una publicación
denominada “Teoría de la Lingüística General”. Para la Lingüística, existen diferentes tipos de
signos, entre ellos, los lingüísticos y los no lingüísticos. Un signo puede ser tanto una palabra, una
imagen o una cosa. En Diseño, estos términos son de uso frecuente, siendo menester su
conocimiento para incorporarlos en la construcción de imágenes. Así, en una pieza de diseño
gráfico se encuentran relacionados signos lingüísticos y no lingüísticos y estos forman entre ellos
relaciones de significación. Es en este tipo de relaciones que se plantea lo fundamental de esta
ciencia para un diseñador. La Semiótica propone niveles de relación y propone un significado para
todo aquello que pueda ser denominado como un signo.

En la Figura 1, se observan dos elementos: un tiburón y un lápiz de color. La relación asociativa

sobre la imagen se entiende en la lectura del texto “true colours” o “colores verdaderos”. El
significado indica que con los lápices de color de la marca Faber Castell el usuario obtendrá una
alta calidad en la representación del color propio de un tiburón.

Para el diseñador gráfico, la Semiótica es una herramienta que apoya y sustenta el diseño, ayuda
a tomar decisiones, y permite evaluar lo que se comunica, cómo se comunica y si es que nuestro
destinatario está entendiendo nuestro mensaje.

En la Figura 2, la marca de autos VW promociona el nuevo sistema de Parqueo asistido diseñado

para sus autos, la idea a comunicar involucra un puerco espín ubicado en línea con bolsas
conteniendo peces y agua, la relación visual se aproxima a un parqueo de autos en la calle. El
puerco espín no ha pinchado ninguna bolsa y se mantiene quieto en la línea, señalando el concepto
de alta precisión en el proceso de estacionamiento. Profundizando al respecto, Ferdinand de
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 Saussure propone que el signo es completamente arbitrario y que no necesariamente existe una
relación directa entre el signo y su significado de manera natural, ésta relación se establece en la
sociedad, y por lo tanto no hay relaciones estáticas, o inamovibles. Un diseñador se puede servir
de esta naturaleza para proponer nuevos significados a signos ya conocidos. Las formas de hacer
esto son variadas y en este curso se darán a conocer algunas de ellas. Gracias a la Semiótica
podemos develar la intrincada relación de significados que se pueden encontrar en una pieza
gráfica y saber si nuestro público objetivo entenderá o no nuestra pieza.
3.1. El proceso de la comunicación visual La comunicación es un proceso donde intervienen
diversos agentes: el emisor, el mensaje y el receptor. Cuando nos referimos a la comunicación
visual, entendemos básicamente una relación entre un objeto y un receptor. Por lo general, el
objeto puede ser una impresión gráfica, o elemento volumétrico, incluso las imágenes que emiten
la televisión o una pantalla de computadora. En esta circunstancia, el emisor y mensaje están
contenidos en el objeto, es decir, cada objeto debe contener la información necesaria y apropiada
para comunicar una idea a un receptor (público objetivo) a quien va dirigida esa comunicación.
Bajo esta premisa, debemos señalar que no todos los objetos están dirigidos a toda la población o
comunidad, las imágenes desarrolladas como parte de la comunicación gráfica o publicitaria están
dirigidas a públicos específicos.

En la Figura 3, el emisor es la marca Scholl, el producto es un desodorante para pies, el público objetivo
es el usuario, por lo general masculino, que tiene mal olor de pies, ello se evidencia por el color de las
zapatillas, la idea de comunicación señala a un pajarito tendido en su jaula intoxicado por el olor que
expelen un par de zapatillas. Alguien podría imaginar que este producto es para todos los usuarios, quizás
de manera preventiva alguien podrá utilizar, pero en general está dirigido a todos aquellos que necesitan
aplicar a sus pies un desodorante.

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La comunicación es un proceso complejo, pero sencillo a la vez, existen muchos elementos a considerar
dentro del gráfico de la Figura 4, tales como el canal, medio, las barreras, los filtros, etc. Sin embargo, el
interés de este manual pretende señalar el nivel básico de comunicación que se propone entre un emisor
y un receptor. Las Agencias Publicitarias suelen realizar estudios de investigación para ayudar al proceso
de comunicación de un producto o servicio y transmitirlo al cliente o usuario, y realiza un proceso de
codificación, el usuario por su parte de acuerdo a sus necesidades u objetivos decodifica el mensaje. 1.1.3.
Imagen y Público Objetivo Cierto es, que la comunicación visual debe ser directa y atender un objetivo de
comunicación, es decir, el mensaje debe ser legible y claro para el usuario a quien está dirigida la
comunicación. Es probable que en este tema muchos refieran que la publicidad es para todos, pero no es
así, probablemente está en todas partes, pero solo llamará la atención de quien tenga la necesidad. En tal
sentido, un elemento esencial para poder realizar un eficaz trabajo como diseñador es tener en cuenta
cuál es el público objetivo, porque solo así se podrán utilizar los códigos apropiados para que el público
pueda interpretar el mensaje propuesto sin confusiones. Probablemente, uno de los factores que
canalizan el correcto entendimiento de los mensajes son los códigos culturales, y es que los mensajes
pueden ser interpretados según el nivel o procedencia cultural. Por ello, la construcción de la imagen es
importante en el proceso de universalización de la idea principal de comunicación, a fin que pueda
trascender espacios culturales y no afecten el entendimiento del mensaje. A continuación, un reconocido
caso de campañas internacionales, para el modelo Pajero de Mitsubishi

En países, no hispano-hablantes el modelo de esta reconocida marca no presenta ninguna contrariedad o

doble significación; sin embargo, en un país como el Perú, el nombre “Pajero” trae problemas de
interpretación. La marca Mitsubishi, pensó luego en un nombre alternativo: La Mitsubishi Montero

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Culturalmente, de país a país, o incluso a nivel religioso, hay ciertas figuras simbólicas que pueden tener
significados muy distintos. Si quisiéramos proponer un significado profundo de la palabra cerdo y qué
ideas pueden remitir, saldrían cosas como suciedad, promiscuidad o incluso enfermedades. Sin embargo,
en la cultura china, el cerdo es asociado con otras cosas. Pero en casi todas las culturas por igual, al cerdo
se le asocia directamente con la lujuria.

En la Figura 7, aparece el personaje Oolong, creado por Akira Toriyama, representa a un simpático cerdito
como un símbolo que junto con el Maestro Roshi encarnan a la lujuria en la famosa serie de televisión
Dragon Ball. La interpretación estará también supeditada a la capacidad del intérprete que busque
decodificar el mensaje y si no se tiene la cultura visual suficientemente desarrollada, probablemente la
pieza publicitaria no sea lo suficientemente efectiva. En conclusión, en semiótica o diseño debemos tener
en cuenta siempre el público objetivo, como parte importante de nuestro proceso de comunicación, sobre
ello se eligen los códigos o elementos que formarán parte de nuestros trabajos y lograr una comunicación
eficaz, clara y precisa. Los públicos objetivos son diversos pero a la vez específicos, y son identificados
gracias a estudios preliminares realizados por la marca de producto o servicio.
3.2. Publicidad y Diseño Un comunicador, diseñador o publicista que desee sorprender al
público objetivo y crear marca y diseño de alto impacto, deberá entonces servirse de la Semiótica
para poder codificar su mensaje y saber si su público objetivo se encuentra en condiciones de
decodificarlo. Es de primordial importancia tener en cuenta un concepto: la persuasión. Todo
profesional debe partir de la siguiente pregunta: ¿cómo es que se puede influir en otras personas
para modificar su conducta y convencerlos de consumir ciertos productos o de realizar cierto tipo
de cosas? En el mundo de la publicidad cualquier pieza publicitaria, propaganda o similar será
interpretada teniendo en cuenta que existe un emisor y, por lo tanto, una intencionalidad. Por
esta razón, cuando un diseño es sometido a un análisis semiótico se debe tener en cuenta quién

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 es el anunciante y cuál es el mensaje para poder saber si es que se está comunicando cumpliendo
los objetivos que persigue.

Una empresa puede recurrir a los servicios de una agencia publicitaria, ésta construye una idea que luego
se convertirá en una imagen, en la figura 8, la forma de resolver el problema de comunicación es a través
de la construcción de una escena con fotografía, utilizando una modelo o persona. También, como en la
figura 9, el problema se puede resolver con fotografía, pero con personajes inertes y efectos de
iluminación y un poco de Photoshop. No obstante, habría que señalar que el público objetivo
probablemente no sean adultos, sino niños.

O puede darse el caso contrario, recurrir al tema de la ilustración digital, pero con elementos simbólicos
que solo un público entendido comprendería, como pasa en el caso de la figura 10, y la campaña de Ray-
Ban y sus modelos estilo Rare Prints.

4. QUE ES DISEÑO
Muchos piensan en el diseño como en un algún tipo de esfuerzos dedicado a embellecer la
apariencia exterior de las cosas . Ciertamente, el solo embellecimiento es una parte del diseño,
pero el diseño es mucho mas que eso.
Miremos en nuestro derredor. El diseño no es solo adorno. La silla bien diseñada no solo posee
una apariencia exterior agradable, sin o que se mantiene forme sobe ell piso y da un confort
adecuado a quien se siente en ella. Además debe ser segura y bastante duradera, puede ser
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 producida a un coste comparativamente económico, puede ser embalada y despachada en forma
adecuada y desde luego, debe cumplir una funciones especifica, sea para trabajar, para descansar,
para comer o para otras actividades.
El diseño es un proceso de la creación visual con un propósito a diferencia de la pintura y de la
escultura, que son realización de las visioens personales y los sueño de un artista, el diseño cubre
exigencias prracticas. Una unidad de diseo grafioc debe ser colocada frente a los ojos del publico
y transportar un mensaje prefijado. Un producto industrial debe cubrir las necesidades de un
consumidor.
En pocas palabras, un buen diseñador es la mejor expresión visual de la esencia de “algo”, ya sea
esto un mensaje o producto. Para hacerlo fiel eficazmente,el diseñorador debe buscar la mejor
forma posible para que ese “algo” sea conformado, fabricado, distribuido, usado y relacionado
con su ambiente. Su creación no deber ser solo estética sin no también funcional, mientra refleja
o guía el gusto de la época.
4.1. LENGUAJE VISUAL.- El diseño es practico. El diseñador es un hombre practico. Pero antes
de que este preparando para enfrentarse con problemas prácticos, debe dominar un lengua visual.
Este lenguaje visual es la base de la creación del diseño.dejando aparte el aspecto funcional del
diseño, existen principios, reglas o conceptos en lo que se refiere a la organización visual, que
pueden importar a un diseñador. Un diseñador puede trabajar sin un conocimiento consciente de
ninguno de tales principio, reglas o conceptos, porque su gusto personal y su sensibilidad a las
relaciones visuales son mucho mas importantes, pero una prolija comprensión de ellos habrá de
aumentar en su forma definida su capacidad para la organización visual.
4.2. INTERPRETANDO EL LENGUA VISUAL. Hay numerosa forma de interpretar el lenguaje
visual. A diferencia del lenguaje hablado o escrito cuyas leyes gramaticales están mas o menos
establecidas, el leguaje visual carece de leyes obvias. Cada teorico del diseño puede poseer un
conjunto de descubrimientos distinto por completo.
No debemos olvidar que el diseñador es una persona que resuelve los problemas. Los problemas
que debe encarar le son siempre dados. Esto supone que el no puede alterar ninguno de los
problemas, sino que deber encontrar las soluciones apropiadas. Ciertamente, una solución
inspirada podrá ser conseguida de forma intuitiva, pero en casi todos los casos el diseñador deber
confiar en su mente inquisitiva, la que explora todas las situaciones visuales posibles, dentro de
las exigencias de los problemas específicos.
5. DISTINCIÓN ENTRE EL DISEÑO GRÁFICO, EL ARTE Y LA PUBLICIDAD EN el diseño gráfico podemos
encontrar obras que se complementan con el arte y llegan a formar parte de la publicidad.
Su relación ayuda al espectador a saber de lo que el anuncio, cartel o folleto están hablando, llamando
con eso su atención y gravando en su subconsciente la publicidad que estos le ofrecen.
Es así como se relacionan en diseño, el arte y la publicidad.
La publicidad es una forma de comunicación impersonal y de largo alcance que es pagada por un
patrocinador identificado para informar, persuadir o recordar a un grupo objetivo acerca de los
productos, servicios, ideas u otros que promueve, con la finalidad de atraer a posibles compradores,
espectadores, usuarios, seguidores u otros.
El arte lo hace el artista para su propio goce, para desahogarse, para comunicar sus sentimientos,
críticas o visión del mundo, sin tener algún otro propósito.
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En cambio el diseñador gráfico tiene un encargo, crea algo funcional, casi siempre respondiendo a un
cliente o a una necesidad humana. El diseño tiene una razón de ser, como hacer propaganda, vender,
hacer las cosas más cómodas. El diseño no existe solo para ser estético y ser admirado.
Y por ultimo la publicidad es una forma de comunicación masiva, destinada a difundir un mensaje
impersonal y pagado, a través de los medios, con el fin de persuadir a la audiencia, siendo su meta el
consumo de productos o servicios específicos.
Es una disciplina o profesión cuya finalidad es satisfacer necesidades de comunicación visual. Para
comprender mejor esta definición, primero tenemos que entender lo que significan los conceptos
comunicación y diseño.
Pero el diseño no es el producto o el mensaje, sino el proceso mediante el cual traducimos un
propósito en un producto o mensaje.
En el diseño gráfico, el emisor o usuario de diseño es una persona, empresa o cualquier tipo de
organización.
6. DIFERENCIAS ENTRE EL DISEÑO GRÁFICO EN COMPUTADORA Y DESARROLLADO EN MÓVILES

Una computadora para diseño gráfico tiene características específicas para que ésta
pueda soportar los programas así como las gráficas visuales que son necesarias en dicha disciplina.
El regreso a clases siempre es una buena oportunidad para adquirir una máquina o simplemente
para renovarte.
Antes de realizar cualquier gasto debes tomar en cuenta ciertas cuestiones para investigar,
comparar y comprar la mejor opción para ti, es por eso que te enlistamos las cuatro cosas que
debes tomar en consideración.

Procesador:
Éste es el elemento primordial a la hora de escoger una computadora, pues la mayor parte del
trabajo cae en el. La velocidad de frecuencia debe ser al menos de 3 GHz, y tomar en consideración
el número de núcleos y su rendimiento (a mayor cantidad, más procesos podrás realizar, pero
considera también la potencia de éstos. (Te recomendamos Intel Core o un AMD Ryzen).

Memoria RAM
La memoria RAM almacena la información con la que trabajan los software en el momento, por
lo que entre mayor sea ésta, menos se trabará. El mínimo de una RAM es de 8GB, pero te
sugerimos una de 16GB. Así como un sistema de memoria DDR4 y una velocidad de 2400 Mhz en
adelante.
También considera configurar tu memoria en Dual-Channel y Quad-Channel, es decir, que en lugar
de comprar una memoria de 16, compres dos de 8 o cuatro de 4GB para conseguir mayor fluidez.

Tarjeta gráfica
Este dispositivo ayuda al CPU a acelerar el procesamiento de imágenes, lo que es muy útil a la
hora de renderizar, modelar en 3D o editar imágenes. Así mismo agrega memoria RAM a la ya
existente.

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Lo importante es decidir entre una tarjeta AMD o una Nvidia Geforce. Por lo general una Nvidia
es la mejor opción, ya que cuenta con la tecnología exclusiva de renderizado CUDA, usada por
muchos programas de diseño y edición.
HISTORIA DEL DISEÑO GRAFICO
El génesis del diseño lo podemos encontrar en las pinturas rupestres, 20 mil A.C.
aproximadamente, en las mismas se observan figuras representando animales y otros seres
humanos, se estima, con
fines religiosos. Los Egipcios elaboraron un avanzado sistema de escritura, los jeroglíficos, pronto
diseñaron también un soporte mas resistente al paso del tiempo llamado papiro.

Llegando a la edad media se comienza a prestar atención a las ornamentaciones y decoraciones,

añadiendo atractivas misceláneas e ilustraciones a los textos principalmente religiosos. Había
especial interés de la iglesia en escribir biblias llamativas para ayudar difundir el mensaje religioso.

Ya para el año 1440 Johan Gutenberg diseña la imprenta, un artefacto capaz de reproducir textos
e imágenes sobre papel en escala masiva. Nace la industria de la imprenta moderna, esto permitió
lanzar un sinfín de productos impresos en todo el mundo. Se crean nuevos materiales, nuevas
tintas, fuentes tipográficas de todo tipo y se crea una nueva profesión: el tipógrafo o cajista, un
técnico especialista en maquetación y ajuste de textos que luego serían impresos por los
impresores.

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Una etapa decisiva en la concepción del diseño gráfico como profesión actual, fue durante la
revolución industrial. Con el surgimiento de la industria mecanizada se desarrollan la economía y
los mercados, los campesinos se desplazan a las ciudades para trabajar en las fabricas y aparecen
las zonas comerciales y la competencia para vender a las masas los nuevos productos
elaborados, es así como se desarrolla la técnica publicitaria que se ocupa de enviar a los posibles
consumidores información acerca de las nuevas mercancías. Esto provoco la necesidad comercial
de un profesional con los conocimientos necesarios para manejar de manera correcta diversos
elementos visuales: formas, textos, tipografías, tonos, ilustraciones fotografías, debían ser
orquestadas coherentemente para comunicar masivamente ideas puntuales a los posibles
consumidores, es entonces que aparecen los primeros diseñadores gráficos y la comunicación
publicitaria cobra gran fuerza.

A finales el siglo XX comienza la era digital, las computadoras, al principio muy costosas, se
vuelven productos cada vez más y más masivos. Esto y el uso de programas especiales, permitió
que el diseño gráfico pueda ser realizado de manera digital, empujando los limites visuales mas
lejos y redefiniendo toda la profesión. Los diseñadores deben re daptarse a las nuevas
tecnologías. Con las computadores los tiempos de producción se aceleran, pero también, al
multiplicarse los medios y los formatos, crece la demanda de diseño gráfico. Internet es el ultimo
de los desafíos hasta el día de hoy, la interacción de animaciones, contenidos multimedia con
textos y aplicaciones online, abre nuevos caminos y propone nuevos desafíos, hoy en día son
comunes los híbridos diseñadores gráfico/multimedial que tienen la capacidad de manejar video
y contenido interactivos. Ya veremos que nos espera, mas adelante.

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 7. CONCEPTO BASICO DE DISEÑO
El diseño gráfico puede considerarse como la expre-sión visual de una idea. La idea es transmitida en
forma de composición. Las formas (sus tamaños, posiciones y direcciones) constituyen la composición en
la que se introduce un esquema de color. Desde tiempos prehistóricos las personas han buscado maneras
de comunicación en forma visual, en el curso de la historia esta necesidad se ha satisfecho por diferentes
formas de expresión como la pintura, el diseño y la escritura, por mencionar algunas.En cuanto a los
antecedentes históricos del Diseño Grá-fico, se debe ir un poco más a fondo, y es por ello que se toma en
consideración como historia del diseño desde que el hombre empieza a encontrar la forma de repre-
sentar gráficamente sus vivencias
Utilizamos conceptos gráficos a cada momento, sobre todo en el diseño gráfico pues son fundamentales
para la comuni-cación visual del día a día, pero al tomar en cuenta estos conceptos puede lograr un
concepto nuevo en base a los primeros
Composición. Cuando las varias partes de una imagen en una expresión visual están conscientemente
equilibradas en cuanto a el área de la imagen, el resultado es una composición. Siendo que el todo de
cualquier expresión visual esta estructurado por sus partes, y que la composición es un arreglo de las
partes de un todo, puede ser entonces definido como un método de estructuración. En las artes visuales,
una definición correcta sería: método de estruc-turación empleado para organizar los componentes o las
partes de una imagen visual. Realmente no hay una diferencia en cuanto a la aplicación de este término
dependiendo de la bidimension-alidad o tridimensionalidad de la composición. En cuanto a “los límites de
la una composición bidimensional, están determinados por las bordes de la superficie, ya sea papel, lienzo
o canvas. Estos limites o bordes se llaman de diversas maneras desde espacio negativo, plano y marco de
referencia. Los limites en una composición tridimensional, están determinados por los bordes físicos del
objeto creado tridimensionalmente.”28 Las partes individuales de una composición tridimensional son los
llamados componentes o espacio positivo, y el área alrededor es llamado espacio negativo. Las
composiciones bidimensionales y tridimensionales afectan seriamente la comunicación visual. En los dos
tipos de composiciones encontramos que se pueden clasificar en: simétrica, asimétrica y simétrica-
asimétrica.-Composición simétrica:en la composición simétrica, todos los componentes de una imagen
están arregladas de tal modo que se pueden dividir en partes iguales a partir de un eje central. El espacio
negativo y positivo dentro del marco de refer-encia puede ser dividido de igual manera desde un eje,
cortando la figura en el centro y creando dos figuras idénticas. La composición simétrica puede referirnos
a un estado de equilibrio pues esta formado por fuerzas opuestas: espacios positivos y negativos dentro
de un campo de balance visual. Con esta creación de equilibrio se pueden lograr respuestas perceptuales
del público pues está muy cerca de dar una respuesta hipnótica al poder y al equilibrio. La simetría puede
referir estabilidad, pero también puede parecer como rigidez, tranquilidad, control, estática o monotonía.
-composición asimétrica: En la composición asimétrica, todos o casi todos los elementos de una imagen
están organizados de tal modo que no se pueden dividir o colocar desde un eje central. “Las características
visuales y las respuestas preceptúales a la asimetría son opuestas a las de la simetría, pues estas están
balanceadas, estáticas, sin movimiento, mientras que las composi-ciones asimétricas son visualmente sin
equilibrio, inestables.”29 Esta inestabilidad puede ser emocional, intelectual o hasta física. Algunas de las
características de las composiciones asimé-tricas se pueden usar para tener otros resultados. Movilidad o
acción puede ser percibida como emocionante, frenético. Las características de reflejar dinamismo
pueden generar sentimientos de cambio, crecimiento y vitalidad. La asimetría, igual que la simetría, puede
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evocar muchas respuestas dependiendo de la intención del diseñador. -composición simétrica-
asimétrica:La com-posición simétrica-asimétrica no es estrictamente simétrica ni estrictamente
asimétrica.

Simetría.El estudio de las formas nos lleva a cuerpos más comple-jos que surgen de la acumulación de dos
o más formas iguales. La simetría estudia la manera de acumular estas formas, y por lo tanto, la relación
entre la forma básica, repetida y la forma global obtenida por la acumulación. “El equilibrio se puede
logran en una declaración visual de dos maneras simétrica y asimétricamente. La simetría es el equilibrio
axial.”33 En ocasiones la simetría es considerada por su evocación de la belleza y la armonía. Para otros
tiene una connotación mecánica, decorativa. Por una parte, la simetría sugiere la colocación regular de
elementos idénticos, repetidos para producir un todo estructural, llevando enfoque, fortaleza, integridad,
elegancia y unidad a las obras. Por otra parte, la simetría parece rígida, formal, impersonal, matemática y
precisa, la antítesis de la expresión creativa singularmente humana. Espacio.Toda forma o figura puede
ser percibida como existente dentro de un espa-cio. En el caso de no tener formas o figuras, una sensación
de vacío o espacio vacío ocurre. El espacio puede ser definido como: la distancia, intervalo o área entre,
alrededor o con los elemen-tos gráficos. “Cuando se utiliza el espacio en el diseño gráfico y en general en
las artes visuales, se define específicamente como la distancia actual o ilusoria, intervalo o área, entre,
alrededor o con los componentes de una expresión visual. Las expresiones visuales pueden tener espacios
planos, ilusorios o actuales, ya sea uno o varias combinaciones.”34 -espacio flat:Este espacio con-siste en
dos dimensiones-alto y ancho- y es el más utilizado para los trabajos en dos dimensiones. Y siendo este
espacio, de dos dimensiones hay poca ilusión de profundidad. Las imágenes resul-tantes son directas y
parece que están apoyadas de manera plana con la superficie.

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 RAMAS DE DISEÑO GRAFICO

diseño gráfico no solo se trata de diseñar logotipos. Las ramas que estudia el diseño gráfico son diversas,
hay una gran variedad de ramas en esta carrera que tal vez no conocías. Cada una de ellas es un mundo
totalmente único por lo que un titulado del diseño gráfico profesional no podría dominarlas todas por
completo.
DISEÑO WEB:
Si te especializas en la rama del diseño web podrás realzar la imagen de una compañía u organización a
través de elementos gráficos reforzando su identidad visual.
La creatividad será tu mejor arma para innovar y lograr una estructura eficaz en la página web de tu
cliente. Necesitarás hacer bocetos, definir colores y tipografía, tamaños de pantalla, símbolos, imágenes,
entre otros factores para desarrollar un sitio web.
Si logras que los usuarios tengan una sensación de confianza con la página web que diseñaste, podrás
decirte a ti mismo que cubriste sus expectativas.
Puedes trabajar en agencias de publicidad, empresas privadas y estatales, freelance, medios de
comunicación, etc.

DISEÑO EDITORIAL:
En diseño editorial podrás diseñar publicaciones de carácter informativo, de entretenimiento y todo tipo
de contenidos escritos, en algunos casos también con fotografías, ilustraciones y hasta animación. Podrás
maquetar libros, revistas o periódicos. Puedes usar tu creatividad para manejar la estética de cada
publicación, claro que, siguiendo los requerimientos de los editores, además de, encargarte del proceso
de pre-prensa en el caso de medios impresos.
Puedes trabajar en editoriales, medios de comunicación, organizaciones del estado y no
gubernamentales, agencias, freelance, etc.

DISEÑO DE EXPERIENCIA DE USUARIO:

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Esta es una de las nuevas ramas del diseño gráfico que surgió por la necesidad de hacer más fácil la
usabilidad y accesibilidad del usuario por la interfaz. Las agencias de publicidad y grandes empresas de
negocios están centrando todos sus esfuerzos en este sector por lo que esta especialidad es muy
demandado en la actualidad.

DISEÑO TEXTIL:
Podrás desarrollar tu creatividad creando tu propia marca, diseño de colecciones de ropa dirigido a
diferentes segmentos de consumidores y cadenas de tiendas. Esta rama también te permite crear tu
propia empresa.

DISEÑO DE ENVASE:
Todos los productos que ves en el supermercado han sido diseñados con un propósito, convencerte de
que lo compres. Algo así como “amor a primera vista”. Si crees estar hecho para esto entonces puede
especializarte en esta rama deldiseño gráfico profesional.
Aquí podrás enfocarte en la forma como se presentan visualmente los envoltorios o empaques de
cualquier producto. Esto incluye diseño publicitario, diseño de stands, marketing, persuasión y percepción
visual.
Puedes trabajar en empresas privadas de rubro comercial, freelance, etc.

DISEÑO DE IDENTIDAD CORPORATIVA:

Este es el diseño de marcas y requiere de mucha investigación y disciplina. Depende de ti cuál será la
nueva personalidad de la empresa ante el público por lo que el mensaje debe ser claro, conciso y debe
crear valor. Puedes trabajar para agencias de publicidad, corporaciones, freelance, gubernamentales,
etc.

18
Diseño tipográfico:
El diseño de caracteres caligráficos es todo un arte y podrás usar técnicas para crear y componer una gran
variedad de tipos para comunicar un mensaje. Esta rama es muy exigente, son pocos los que se
especializan en esta disciplina. También es considerada la más antigua y la más bella.
Gracias a este arte puedes dar una personalidad única y estilo a una palabra para diferentes usos en
muchos contextos. ¿Crees que esto es para ti?

DISEÑO MULTIMEDIA:
Esta rama es muy amplia y puedes crear videos usando múltiples medios de expresión (texto, animación,
sonido, video, efectos) para comunicar algo. Puedes crear increíbles spots publicitarios, videos de corte
social, tráilers, etc.
Sin duda las agencias de publicidad y diversas empresas te querrán en su equipo.

ILUSTRACIÓN:
Esta es una rama mucho más específica del diseño. Si te gusta dibujar y pintar esta especialidad es para
ti. Los ilustradores suelen trabajar en editoriales, revistas, diarios, agencias de publicidad, freelance, etc.

ANIMACIÓN 3D:

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La animación se encarga de dar vida a los objetos que creas. Esta rama del diseño gráfico está muy
demandada por las agencias de publicidad al momento de realizar comerciales o spots. Eso sí, tienes que
practicar mucho si quieres ser un experto al que quieran contratar.

FOTOGRAFÍA:
Te apasiona retratar momentos especiales, insólitos, artísticos, y más. En esta rama puedes capturar
imágenes que transmitirán mensajes, emociones y sentimientos. Puedes trabajar en medios de
comunicación, agencias de publicidad, empresas, freelance, etc.

Realmente los diseñadores gráficos son capaces de hacer diversos trabajos creativos que requieran del
conocimiento de las ramas que hemos mencionado. Ahora que ya sabes que estudia el diseño
gráfico puedes aprenderlas todas, sin embargo depende de ti en que te especializarás. ¿Ya elegiste alguna
de las ramas del diseño gráfico que te mostramos? Potencia tu conocimiento con nosotros y conoce los
detalles de lo que esta carrera te brinda.

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 TEORIA DEL COLOR
El color se produce como respuesta a una sensación de la estimulación del ojo y los mecanismos nerviosos
frente a la luz. Por lo tanto,el color no existe en sí, y no es tampoco una característica de los objetos, sino
una mera percepción de nuestros ojos ante ciertas longitudes de onda que componen algo que se
denomina “espectro” de luz blanca. “Cuandopercibimos un objeto de un determinado color, esla
superficie de ese objeto que refleja una parte del espectro de luz blanca que recibe y absorbe las
demás.”3“La luz blanca está formada por tres colores básicos: rojo, verde y azul. Estefenómeno fue
descubierto por Issac Newton al hacerpasar un rayo de luz blancapor medio de un prisma de cristal, este
haz de luz se dividió en un espectro de colores idéntico al del arco iris.

La materia en sí es incolora, pero; poseela característica de absorber ciertas longitudes de onda del
espectro luminoso. Por ejemplo, en el caso de un objeto de color azul, éste absorbe el verde y el rojo, y
refleja el resto de la luz que es interpretado por nuestra retina como color azul.
Percepción del color
“El mundo material es incoloro. La materia posee la característica de absorber determinadas partes del
espectro lumínico. La luz que no es absorbida es remitida y transmite estímulos de color diferentes al de
la ambientación general, al llegar estos estímulos espectrales distintos hasta el órgano de la vista es
cuando nos produce una sensación de color.
Consideramos el poder de absorción del material como el color propio de su cuerpo, y la composición
espectral de un haz de luz como su color luminoso. Aunque la absorción sólo es una cualidad latente y los
rayos de luz sólo son sus transmisores de información. El color sólo es sensación de color, producto del
órgano de la vista”.6“Los tres colores primarios.
El ojo cuenta con tres tipos de células visuales, que rigen tres tipos diferentes de sensaciones,
correspondientes a los colores primarios azul (azul violáceo), verde y rojo (rojo anaranjado). A partir de
ellos se forma para cada sensación de color un código de tres 16partes.”7Estoscolores no se pueden
formar de la mezcla de ningún color, son absolutos.Los colores secundarios son aquellos que surgen de la
mezcla por partes iguales de dos primarios es decir: de la mezcla del azul y el amarillo surge el verde, del
rojo y amarillo, el naranja y del rojo y azul, el violeta.Por su parte, los colores terciarios se forman con la
mezcla,por partes iguales, de un color primario con unosecundario adyacente.Así, de esta combinación
resulta el rojo violáceo, rojo anaranjado, amarillo anaranjado, amarillo verdoso, azul verdoso y azul
violáceo.“A los tres componentes del órgano de la vista le corresponden ocho colores elementales, dos
acromáticos (blanco y negro) y seis colores elementales cromáticos (amarillo, magenta, cyan, azul, violeta,
verde y rojo naranja). Los ocho colores elementales son las ocho posibilidades indivisas de variación que
resultan de los tres colores primarios. Representan las sensacionesde color extremas que el órgano de la
vista es capaz de producir.
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¿Qué es la psicología del color?
La psicología del color es el estudio de los colores en relación con el comportamiento humano. Su objetivo
es determinar cómo el color afecta nuestras decisiones cotidianas, como los artículos que compramos.
¿El color de un vestido nos motiva a comprarlo? ¿Los colores de un empaque nos hacen elegir una marca
sobre otra? ¿El color de un ícono nos hace más propensos a hacer clic en él? La respuesta rápida es sí.
Pero explicar el por qué es un poco más complicado. Los significados de los colores tienen un impacto en
por qué preferimos ciertos colores sobre otros. Un mismo color también puede tener diferentes
significados que dependen de nuestra crianza, sexo, ubicación, valores y otros factores.

Imagen original de: Huffington Post

Lista de los significados de los colores
Psicología del color rojo
En marketing, el color rojo se usa para captar la atención. El significado del color rojo está asociado con la
emoción, la pasión, el peligro, la energía y la acción. Seguramente has notado que algunas marcas usan el
rojo para los botones de “comprar ahora” o para su embalaje como una forma de destacarse en el estante.
En la psicología del color el rojo es el color más intenso, y por lo tanto, puede provocar las emociones más
fuertes. El color rojo también puede relacionarse con peligro, por lo que deberías utilizarlo con

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moderación. Si utilizas el color rojo en tu sitio web, inclúyelo en los íconos de llamada a la acción (call to
action) o de venta, si es que este color contrasta bien con el diseño de tu tienda online.
El rojo es un color icónico utilizado por marcas como Coca Cola y YouTube. El color rojo tiende a generar
apetito, por lo que marcas como Coca Cola lo utilizan a menudo en sus diseños. También usan palabras
como ‘felicidad’ en su marca, por lo que utilizan el color rojo para crear emoción. Es probable que YouTube
use el color rojo debido a la emoción de ver videos en línea. Nota cómo la parte roja de su logotipo es el
botón de reproducción, que puede tentar a alguien a darle clic. El uso del color rojo alienta a querer
presionar play en sus videos.

Psicología del color naranja

En la psicología del color, el naranja representa la creatividad, la aventura, el entusiasmo, el éxito y el
equilibrio. El color naranja agrega un poco de diversión a cualquier imagen, sitio web o material de
marketing en el que se encuentre. A pesar de que el naranja es un color que atrae, no es tan imponente
como el color rojo. Muchos vendedores utilizan el color anaranjado para los botones de llamada a la
acción (CTA) o áreas de un sitio web que quieren destacar.
El significado del color naranja resalta en logotipos de marcas como Nickelodeon y The Home Depot.
Nickelodeon es un canal de televisión para niños, por lo que el logotipo representa con precisión la
creatividad y el entusiasmo que un programa para niños necesita a través de un color naranja lúdico. The
Home Depot vende productos para el hogar. Muchísimas personas se dirigen a Home Depot para comprar
productos para renovar su hogar o hacer ajustes, así que aquí el logo naranja también representa la
creatividad.

Psicología del color amarillo

En la psicología del color, el significado del color amarillo gira en torno a la luz del sol. Evoca sentimientos
de felicidad, positivismo, optimismo y verano, pero también de engaño y advertencia. Algunas marcas
optan por utilizar un color amarillo alegre como fondo o para el borde del diseño de su sitio web. También
puedes optar por usar amarillo para una barra de ‘envío gratis‘ en la parte superior de tu tienda online, si

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es que este color combina bien con el resto del diseño de tu sitio web. Además, un pequeño toque de
amarillo puede ayudar a los visitantes de tu Ecommerce a asociar tu tienda con algo positivo.
El color amarillo es utilizado por marcas como Ferrari e Ikea. Mucha gente sueña con conducir un Ferrari.
Esta marca de lujo está asociada con sensaciones de felicidad, verano y un estilo de vida sin
preocupaciones. La marca Ikea también usa el color amarillo en su marca. ¿Qué tiene que ver comprar
muebles con la felicidad? Bueno, veamos quién compra sus productos. Muchas personas que acaban de
comprar su primera casa o se mudan por primera vez irán a Ikea para comprar productos para amueblar
su hogar. Cambiarse de casa suele ser un evento lleno de felicidad y optimismo, lo que hace que el amarillo
sea un color excelente para asociarse con la marca.

Psicología del color rosa

El rosa es un color popular para las marcas que sirven principalmente a un público femenino. En la
psicología del color, el significado del color rosa gira en torno a la feminidad, el juego, la inmadurez y el
amor incondicional. Algunas marcas optan por utilizar el color rosa para el embalaje de sus productos,
especialmente para los juguetes de niñas, mientras que otras marcas destacan el color rosa en su logotipo,
diseño del sitio web o para resaltar mensajes clave.
Ya que el color rosa se asocia con la feminidad, no sorprende que marcas como Victoria’s Secret y Barbie
usen este color tan intensamente. Victoria’s Secret incluso nombró una de sus marcas Pink. En su sitio
web usan una combinación de rosa y negro para resaltar los detalles clave de marketing. Su logotipo y
ciertos mensajes también usan el color rosa. En el sitio web de Barbie, los botones de llamada a la acción
tienen un color rosa brillante. Los menús de navegación superior y desplegable también utilizan
sutilmente el color. Y, por supuesto, el empaque y el logotipo de sus productos refuerzan el femenino
color rosado de la marca.

Psicología del color verde

En la psicología del color, el verde está muy conectado con la naturaleza y el dinero. El crecimiento, la
fertilidad, la salud y la generosidad son algunos de los significados positivos de este color. Sin embargo, el
color verde también conlleva algunas asociaciones negativas, como la envidia. Si estás en el nicho de la
salud o la actividad física, puedes optar por agregar más verde a tu tienda en línea. Por ejemplo, la imagen
del banner de tu página principal o el logotipo pueden incluir un fondo verde.

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El uso del verde es popular entre marcas como John Deere y Roots. Toda la marca de John Deere gira en
torno a la naturaleza. Su línea de productos se centra en jardinería, agricultura, equipos de cuidado del
césped y más. El color verde está tan arraigado en su marca, que incluso sus equipos tienen el mismo tono
verde que el logotipo. De esta manera, cuando alguien vea ese producto, inmediatamente sabrá que es
un John Deere. Roots es una marca de moda. Sin embargo, al navegar por las imágenes de su sitio web y
redes sociales, a menudo encontrarás a sus modelos en entornos naturales al aire libre. El logotipo verde
se combina bien con sus imágenes de la naturaleza y los ayuda a atraer a los entusiastas del aire libre
como su mercado objetivo. Por lo tanto, incluso si tus productos no se relacionan necesariamente con un
nicho, puedes usar el color para atraer a un grupo demográfico específico.

Psicología del color azul

En la psicología del color, el significado del color azul se relaciona estrechamente con el mar y el cielo. La
estabilidad, la armonía, la paz, la calma y la confianza son sólo algunos de los sentimientos que tus clientes
pueden sentir con respecto a tu marca cuando integras el color azul en tu identidad de marca. Por el
contrario, el color azul también puede tener algunos significados negativos, como la depresión, y puede
provocar una sensación de frialdad. El azul se puede utilizar en el logotipo de tu sitio web o en la
navegación superior de tu tienda online. Algunas tiendas agregan el color azul en su garantía, certificado
de confianza e íconos de envío gratis para fortalecer el aspecto de confianza por el cual este color es
conocido.
Algunas marcas de tecnología como Facebook, Twitter y Skype a menudo usan el azul en sus logotipos.
Pero marcas como Walmart y Oral B también usan este color. El azul en el logotipo de Walmart puede
ayudar a posicionar a la marca como confiable y relajante. Después de todo, Walmart es un lugar donde
puedes hacer la compra en un lugar conveniente. Oral B es una marca de salud dental que vende cepillos
de dientes. Los nichos de salud, como Oral B, generalmente usan azul en su marca para que las personas
asocien la marca con un producto de calidad, confiable y seguro.

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Psicología del color púrpura
En la psicología del color, el púrpura es un color real. El significado del color para el púrpura está
relacionado con el poder, la nobleza, el lujo, la sabiduría y la espiritualidad. Pero evita usar demasiado
este color, ya que puede causar sentimientos de frustración. Algunos perciben su uso excesivo como
arrogante. Puedes agregar toques violeta al diseño de tu sitio web, como en la barra de envíos gratis, en
tu logotipo y como un color de acento en tus gráficos.
El púrpura es un color que usan marcas como Hallmark y Yahoo. Al navegar por ambos sitios web, notarás
que el color púrpura es un color de acento. En Hallmark, el logotipo y la navegación superior son de color
violeta, pero el resto del sitio web usa una variedad de otros colores. En Yahoo, el logotipo, las palabras
de navegación principales y los íconos del correo electrónico usan el color púrpura.

Psicología del color blanco

En la psicología del color, el blanco muestra inocencia, bondad, limpieza y humildad. Sin embargo, ten en
cuenta que éste es el significado en la cultura norteamericana. En otras partes del mundo el blanco tiene
el significado opuesto. Deberás tener esto en cuenta según el público objetivo al que te dirijas. El color
blanco también tiene un lado negativo, donde simboliza la esterilidad y el frío. En una tienda en línea, el
color blanco tiende a ser el más utilizado como color de fondo para las fotos de producto. Las páginas de
tu Ecommerce probablemente tendrán un fondo blanco con una fuente negra. Esto se debe a que la
fuente negra sobre fondo blanco es la mejor combinación de colores para la legibilidad.
El blanco es el color que usan tanto ASOS como Adidas en sus logotipos y campañas de marketing. En
ASOS, las palabras en el encabezado, logotipo y fondo son blancas. Cuando el fondo es gris o negro, la
fuente es blanca y cuando el fondo es blanco, la fuente es negra. En la tienda en línea de Adidas, la barra
de navegación superior es negra. El uso de un logotipo blanco ayuda a crear contraste. Como el fondo de
la página es blanco, han elegido usar gris como fondo para las fotos de producto y así agregar otro tono a
la mezcla. Muchas marcas que tienen el blanco como color central tienden a combinarlo con negro o gris.

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Psicología del color negro
El negro es un color popular en la venta minorista. En la psicología del color, el significado del color negro
es simbólico del misterio, el poder, la elegancia y la sofisticación. Por el contrario, el color negro también
puede evocar emociones como la tristeza y la ira. Muchas tiendas de moda utilizan el negro en sus
logotipos. El negro también es un color popular para el texto, ya que es fácil de leer. Algunas marcas optan
por usar fotos en blanco y negro para sus imágenes de estilo de vida e íconos para crear un cierto tono y
consistencia en su tienda online.
El negro es un color que usan los minoristas como Chanel y Nike. Chanel usa negro para su logotipo y tiene
varias imágenes en blanco y negro a lo largo de su sitio web para mantener un aspecto uniforme. Una vez
que comienzas a explorar su tienda online, aparece un fondo de navegación superior negro grueso. Usan
una fuente negra en los gráficos para las imágenes y textos. Notablemente, sus botones de llamada a la
acción también son negros. Particularmente en el nicho de la moda, los minoristas usan botones de
llamada a la acción en negro, que contrastan bien con un fondo blanco. Nike también usa un esquema de
color negro, blanco y gris para su sitio web. Su logotipo y fuente son negros en todo el sitio web, lo que lo
hace muy fácil de leer. Al igual que Chanel, sus botones de llamada a la acción también son negros, lo que
genera un énfasis visual para agregar artículos al carrito de compra.

Psicología del color gris

En la psicología del color, el gris representa la neutralidad y el equilibrio. Este significado probablemente
proviene de ser la mezcla entre blanco y negro. Sin embargo, el gris tiene algunas connotaciones
negativas, particularmente cuando se trata de depresión y pérdida. Su ausencia de color lo hace aburrido.
El color gris se puede usar para color de fuente, encabezados, gráficos e incluso productos, para así atraer
a un público masivo.
Apple es un ejemplo de una marca que usa el color gris en su identidad de marca. Después de todo,
muchas de sus computadoras portátiles son de un tono gris o plateado, y este color neutro no desalienta
a nadie a comprarlas. En su sitio web utilizan el color gris para el encabezado y así contrastar con su

27
logotipo blanco. Sin embargo, a lo largo de su tienda online verás un equilibrio entre blanco, negro y gris
que ayuda a mantener un aspecto limpio y neutral.

Psicología del color marrón o café

El marrón es un color terroso. Después de todo, es el color de la tierra, la madera y la piedra. Así que,
naturalmente, la psicología del color resalta que su significado se relacione con la comodidad, la seguridad
y la naturaleza. En marketing encontrarás que el marrón o café se usa a menudo para productos naturales
y alimentos. El marrón es un color que aparece en logotipos, imágenes e incluso texto, debido a su
contraste sobre un fondo blanco.
UPS es un ejemplo de una marca que aprovecha los significados de color en su branding. En su sitio web,
el color marrón de su logotipo se destaca en los menús de navegación y desplegables. Puedes notar que
los colores complementarios incluyen amarillo y verde, los cuales también tienen elementos naturales.
Por ejemplo, el amarillo podría representar el sol y el verde podría representar la naturaleza. En conjunto,
ayuda a posicionar a la marca UPS como una empresa segura, confiable y práctica, que es exactamente lo
que querrías de un servicio de entrega.

28
 MICROSOFT POWER POINT
INTRODUCCION
Microsoft PowerPoint es un programa de presentación desarrollado por la empresa Microsoft para sistemas
operativos Microsoft Windows y Mac OS, ampliamente usado en distintos campos como la enseñanza,
negocios, etc. Según las cifras de Microsoft Corporation, cerca de 30 millones de presentaciones son
realizadas con PowerPoint cada día. Forma parte de la suite Microsoft Office.
Es un programa diseñado para hacer presentaciones con texto esquematizado, fácil de entender,
animaciones de texto e imágenes prediseñadas o importadas desde imágenes de la computadora. Se le
pueden aplicar distintos diseños de fuente, plantilla y animación. Este tipo de presentaciones suele ser muy
llamativo y mucho más práctico que los de Microsoft Word.
PowerPoint es uno de los programas de presentación más extendidos. Viene integrado en el
paquete Microsoft Office como un elemento más, que puede aprovechar las ventajas que le ofrecen los
demás componentes del equipo para obtener un resultado óptimo.
Con PowerPoint y los dispositivos de impresión adecuados se pueden realizar muchos tipos de resultados
relacionados con las presentaciones: transparencias, documentos impresos para los asistentes a la
presentación, notas y esquemas para el presentador, o diapositivas estándar de 35mm.

PRESENTACION.-
Un programa de presentación es un paquete de software usado para mostrar información, normalmente
mediante una serie de diapositivas.
Típicamente incluye tres funciones principales: un editor que permite insertar un texto y darle formato, un
método para insertar y manipular imágenes y gráficos y un sistema para mostrar el contenido en forma
continua.

DIAPOSITIVAS
No es mas que una de las muchas pantallas que forman parte de una presentación. Es como la pagina de un
libro. Cada diapositiva puede contener textos, gráficos, dibujos, videos entre otros.
INGRESO AL PROGRAMA

1. Clic en inicio
2. Clic en todos los programas
Otra forma
29
 Clic en inicio
Clic en ejecutar
Escribir POWERPNT
Clic en aceptar

PARTES PRINCIPALES DEL PROGRAMA

30
Al cargar el programa, aparece una plantilla que sirve para establecer el diseño general de la
presentación. La presentación en blanco: sirve para utilizar la presentación que tiene el programa por
defecto.

La parte central de la ventana es donde visualizamos y creamos las diapositivas que formarán la
presentación.

Una diapositiva no es más que una de las muchas pantallas que forman parte de una presentación, es
como una página de un libro.

La ventana de trabajo muestra algunos elementos comunes entre todas las aplicaciones de Office tales
como el Botón de Microsoft Office, Barra de Titulo, Barra de Acceso rápido, Cinta de Opciones,
Iniciadores de cuadro de dialogo, Ficha de Herramientas contextuales, Fichas de programa, Minibarra de
Herramientas, Barra de Estado, Zoom, etc. pero algunas son específicas para este programa, veamos
algunas:

La pantalla inicial
Al iniciar PowerPoint aparece una pantalla inicial como la que a continuación te mostramos. Ahora
conoceremos los nombres de los diferentes elementos de esta pantalla y así será más fácil entender el resto
del curso. La pantalla que se muestra a continuación puede no coincidir exactamente con la que ves en tu
ordenador, ya que cada usuario puede decidir qué elementos quiere que se vean en cada momento, como
veremos más adelante.

31
 PRACTICA 1
1. ¿Qué Versión de Microsoft Office PowerPoint esta utilizando?
........................................................................................................................
........................................................................................................................
........................................................................................................................
........................................................................................................................
2. ¿con que extensión a sus archivos de Microsoft PowerPoint?
........................................................................................................................
3. Que son Objetos
........................................................................................................................
........................................................................................................................
........................................................................................................................
........................................................................................................................
4. Que es una Presentación
........................................................................................................................
........................................................................................................................
........................................................................................................................
........................................................................................................................

5. Que es una Diapositiva en PowerPoint

.....................................................................................................................
.....................................................................................................................
.....................................................................................................................
.....................................................................................................................

6. Indique los pasos en modo ejecutar para ingresar a Microsoft PowerPoint

........................................................................................................................
........................................................................................................................
........................................................................................................................

32
 MANEJO DE POWERPOINT

CÓMO CERRAR POWERPOINT

Para cerrar PowerPoint , puedes utilizar cualquiera de las siguientes operaciones:
Hacer clic en el botón cerrar de la barra de título.
Pulsar la combinación de teclas ALT+F4.
Hacer clic sobre el Botón Office y elegir la opción Salir de PowerPoint. Si lo que queremos es
cerrar la Presentación actual sin cerrar el programa haremos:
Clic sobre el Botón Office y elegir la opción Cerrar.

CREAR UNA PRESENTACIÓN EN BLANCO

Para crear una presentación en blanco sigue estos pasos:
Despliega el Botón Office.
Selecciona la opción Nuevo.
En el cuadro de diálogo Nueva presentación haz doble clic sobre Presentación en blanco o selecciónala
y pulsa el botón Crear.
Así es como te puede quedar una presentación en blanco. Tienes una diapositiva y dos cuadros de texto
para añadir un título y añadir un subtítulo.

CREAR UNA PRESENTACIÓN CON UNA PLANTILLA

Para crear una presentación con una plantilla sigue estos pasos:
Despliega el Botón Office.
Selecciona la opción Nuevo.
En el cuadro de diálogo Nueva presentación haz clic sobre la categoría Plantillas instaladas y te
aparecerá un cuadro de diálogo similar al que te mostramos a continuación.

33
Selecciona la plantilla de diseño que más te gusta, en la parte de la derecha te aparecerá una vista
previa de la plantilla que has seleccionado para que puedas elegir mejor.
Una vez hayas encontrado la plantilla que más se adapte a tus gustos pulsa el botón Crear.

En nuestro caso hemos elegido la plantilla Álbum de fotos moderno y así es lo que nos ha generado:

Esto solo es un ejemplo de lo que se puede hacer con esta plantilla, a partir de aquí deberemos ir
añadiendo nuevas diapositivas predefinidas donde colocaremos nuestro propio contenido utilizando la
apariencia de esta plantilla.

Guardar una Presentación

Para guardar una presentación podemos ir al Botón Office y seleccionar la opción Guardar o también se
puede hacer con el botón .
Si es la primera vez que guardamos la presentación nos aparecerá una ventana similar a la que mostramos
a continuación.

34
De la lista desplegable Guardar en seleccionaremos la carpeta en la cual queremos guardar la presentación.

Abrir una Presentación

Para abrir una presentación deberemos ir al Botón Office y seleccionar la opción Abrir o pulsar la
combinación de teclas CTRL + A.

Insertar una nueva diapositiva

Para insertar una nueva diapositiva te aconsejamos que si te encuentras en la vista normal selecciones la
pestaña diapositiva del área de esquema ya que de esta forma es más fácil apreciar
cómo se añade la nueva diapositiva a la presentación.
1. Clic en inicio
2. Clic en Nueva Diapositiva
3. Elegir el estilo de diapositiva

DISEÑO DE DIAPOSITIVA
1. Clic en Inicio
2. Boton Secundario sobre la diapositiva
3. Clic en diseño
4. Elegir el diseño de la diapositiva (en blanco recomendable)

35
También.
CONTROL + M

COPIAR UNA DIAPOSITIVA

Si estás situado en la vista normal te aconsejamos selecciones la pestaña de diapositiva del área deesquema
ya que te será más fácil situarte en el lugar dónde quieres copiar la diapositiva.
Para copiar una diapositiva en una misma presentación puedes hacerlo de varias formas:

Si quieres copiar más de una diapositiva selecciónalas manteniendo pulsada la tecla CTRL, si las
diapositivas están consecutivas puedes seleccionarlas manteniendo pulsada la tecla SHIFT y seleccionando
la última diapositiva. Una vez seleccionadas sigue los mismos pasos de copiar, posicionar y pegar.
Duplicar una diapositiva
Otra forma de copiar una diapositiva es duplicándola, la diferencia es que duplicar sirve para copiar una
diapositiva en la misma presentación mientras que con copiar puedes copiar la diapositiva en otra
presentación.
Para duplicar primero selecciona las diapositivas a duplicar. Una vez seleccionadas puedes duplicarlas de
varias formas, elige la que más cómoda te resulte:

• Hazlo desde la banda de opciones desplegando el menú Nueva diapositiva y seleccionando la opción
Duplicar diapositivas seleccionadas.
36
 • bien utilizando la combinación de teclas Ctrl + Alt + D

MOVER DIAPOSITIVAS
Mover arrastrando.
Para mover las diapositivas de lugar dentro de una misma presentación tienes que seleccionar la diapositiva
que quieras mover y sin soltar el botón izquierdo del ratón arrástrala hasta la posición donde quieres situarla.
Al desplazarla verás que el puntero del ratón es una flecha con un rectángulo debajo y aparece una línea
entre diapositiva, esta línea indica en qué posición se situará la diapositiva, por ejemplo si queremos colocar
la primera diapositiva entre las diapositivas 5 y 6, moveremos el ratón hasta que la línea esté entre la 5 y la
6.
Una vez te hayas situado en la posición donde quieres poner la diapositiva suelta el botón del ratón y
automáticamente la diapositiva se desplazará a la posición e incluso se reenumerarán las diapositivas.

ELIMINAR DIAPOSITIVAS
Selecciona las diapositivas a eliminar, si están consecutivas puedes seleccionarlas manteniendo
pulsada la tecla SHIFT y seleccionando la última diapositiva, en cambio si no están unas al lado de
otras mantén pulsada la tecla CTRL para seleccionarlas.

Una vez seleccionadas puedes eliminarlas de varias formas, elige la que más cómoda te resulte:
37
 • Desde la pestaña Inicio y seleccionando la opción Eliminar.
• Otra forma de eliminar diapositivas es utilizando el menú contextual que aparece al pulsar sobre
una diapositiva con el botón derecho y seleccionando Eliminar diapositiva.
• La última forma de eliminar es pulsando la tecla SUPR.

TIPOS DE VISTAS
Antes de empezar a explicar cómo personalizar una presentación es importante saber cómo manejarnos en
los distintos tipos de vistas que nos ofrece PowerPoint.
El saber manejar los tipos de vistas es muy importante ya que nos va a permitir tener tanto una visión
particular de cada diapositiva como una visión global de todas las diapositivas, incluso nos permitirá
reproducir la presentación para ver cómo queda al final.
VISTA NORMAL

La vista normal es la que se utiliza para trabajar habitualmente, con ella podemos ver, diseñar y modificar
la diapositiva que seleccionamos.

38
En la parte izquierda de la pantalla aparece el área de esquema en el cual podemos seleccionar la diapositiva
que queremos visualizar y en la parte derecha aparece la diapositiva en grande para poder modificarla. En
la parte inferior se encuentra el área de notas en el cual se introducen aclaraciones para el orador sobre la
diapositiva.
Esta es la vista que más utilizarás ya que en ella podemos insertar el texto de las diapositivas, cambiarles
el color y diseño y es además la que más se aproxima al tamaño real de la diapositiva.
VISTA CLASIFICADOR DE DIAPOSITIVAS

Para ver las diapositivas en vista clasificador tienes que hacer clic en la pestaña Vista y seleccionar la opción
Clasificador de diapositivas.

Este tipo de vista muestra las diapositivas en miniatura y ordenadas por el orden de aparición, orden que
como podrás ver aparece junto con cada diapositiva.

Con este tipo de vista tenemos una visión más global de la presentación, nos permite localizar una
diapositiva más rápidamente y es muy útil para mover, copiar o eliminar las diapositivas, para organizar las
diapositivas.

39
VISTA PRESENTACIÓN CON DIAPOSITIVAS

La vista Presentación con diapositivas reproduce la presentación a partir de la diapositiva seleccionada, con
este tipo de vista podemos apreciar los efectos animados que hayamos podido insertar en las distintas
diapositivas que forman la presentación.
Para ver la diapositiva en esta vista haz clic en la pestaña Vista y selecciona la opción Presentación con
diapositivas.

Moverse por la vista presentación

En la vista presentación vemos cómo se ejecuta la presentación. La ejecución empieza en la diapositiva
donde estábamos cuando hemos dado la orden de pasar a vista presentación.
A continuación te mostramos las teclas que puedes utilizar para llevar a cabo las acciones más útiles cuando

40
presionar F1 durante la presentación con diapositivas para ver una lista de esas teclas. En este punto hemos
incluido las acciones básicas.

41
 PRACTICA # 2

1. Crea una carpeta en el Disco Local D con el nombre de "Prácticas de Power Point"
2. Iniciar la aplicación Power Point 2007. Por defecto aparece una presentación en blanco.
3. Guardar esta nueva presentación con el nombre de "Curso PPT"
4. En la primera diapositiva, hacer clic sobre el cuadro de texto superior e introducir el texto "Curso de
PowerPoint".
5. Hacer clic sobre el cuadro de texto inferior e introducir el texto "Presentación inicial".
6. Insertar una nueva diapositiva en esta nueva presentación, y en este caso seleccionar el segundo de los
diseños que se presentan, Título y objetos.
7. Hacer clic sobre el cuadro de texto superior e introducir el texto "Objetivos del curso".
8. Hacer clic sobre el cuadro inferior e introducir el texto que muestra la siguiente imagen:

9. Insertar una nueva diapositiva, la tercera, y seleccionar el diseño Dos objetos.

10. Introducir en esta diapositiva el texto que muestra la siguiente imagen.

42
11. Duplicar esta última diapositiva. Observar en la barra de estado que la presentación ahora contiene
cuatro diapositivas.
12. Visualizar la primera de las diapositivas.
13. Ir visualizando, una a una todas las diapositivas de la presentación.
14. Eliminar la última diapositiva.
15. Guarda los cambios realizados en esta presentación y cierra el programa.

43
 PRACTICA # 3
1. Abre la presentación "Curso PPT"
2. Establecer la vista Clasificador de diapositivas.
3. Desplazar la tercera diapositiva colocándola en primer lugar.
4. Desplazar las dos primeras diapositivas colocándolas al final.

5. Volver a situar las diapositivas como se encontraban inicialmente.

6. Visualizar la vista Presentación con diapositivas.

7. Hacer clic sobre la pantalla para pasar de una diapositiva a otra. Al hacer clic sobre la última diapositiva
la presentación finalizará.
8. Cerrar la presentación que se ha creado guardando los cambios realizados.
9. Finalmente salir del programa.

44
ZOOM

El zoom permite acercar o alejar las diapositivas en la vista en la que nos encontremos.
Para aplicar el zoom a las diapositivas sitúate primero en la diapositiva sobre la cual quieres que se aplique
el zoom y después selecciona la pestaña Vista y selecciona la opción Zoom.

Una vez seleccionada esta opción se desplegará una ventana como la que te mostramos a continuación.
En esta ventana seleccionamos el porcentaje de zoom que queremos aplicar a las vistas.
Puedes seleccionar uno de los zooms que aparecen en la lista (33,50,66,100, ...) o bien se puede aplicar un
porcentaje que nosotros especifiquemos en el cuadro Porcentaje.
También se puede aplicar el zoom a través de la barra de estado con el control
desplaza el marcador para establecer el zoom que quieres aplicar.
Aquí te mostramos un ejemplo de cómo puedes aplicar el zoom a las diapositivas del área de esquema.

45
Como puedes apreciar las diapositivas que aparecen en el área de esquema han aumentado su tamaño, han
pasado del 33% de zoom que tenían aplicado al 150%.
Lo mismo podemos hacer con las demás áreas de trabajo, lo único que hay que hacer es situarse antes en el
área al cual queramos aplicar el zoom.

ESTILO DE FONDO
1. Clic en Diseño
2. Clic en Estilos de Fondos

46
FORMATO DEL FONDO
1. clic en diseño
2. clic en estilo fondo
3. clic en formato del fondo
Otra forma
1. Botón Secundario sobre la diapositiva que se va aplicar el fondo.
2. Clic en formato de fondo

Relleno Solido

Relleno Degradado

Relleno Con Imagen O Textura

3. Aplicar a todo (aplica a todas la diapositivas)

Cerrar (aplica solo a la diapositiva que esta seleccionada)
TEMAS DE DIAPOSITIVAS
Aplica diseños a todas las diapositivas o diapositiva seleccionada, colocando colores automáticos.
47
 1. Ubicarse en la dispositiva (si solo va aplicar el diseño a la diapositiva).
2. Clic en diseño
3. Luego…

4. Clic sobre el tema (aplica a todas las diapositivas) ó

Botón secundario sobre el tema clic aplicar a las diapositivas seleccionadas

MODIFICAR EL TAMAÑO DE LOS OBJETOS

Girar y Voltear

Insertar sonidos en una presentación

Para insertar un sonido en una presentación despliega la pestaña Insertar y elige Sonido.

48
Después aparecerá una lista donde podrás insertar un sonido que ya tengas almacenado en tu ordenador
(con la opción Sonido de archivo), o grabar tú mismo el sonido e incluso insertar como sonido una pista de
un CD de audio.

Cambiar las propiedades del sonido

Para modificar los parámetros de alguno de los sonidos insertados en la diapositiva podemos utilizar la
nueva pestaña opciones que aparecerá. En ella encontramos estas Opciones de sonido:

Si marcas la casilla Repetir la reproducción hasta su interrupción el sonido no parará hasta quecambies de
diapositiva. Esto puede ser útil cuando queremos incluir una música de fondo a ladiapositiva.
En Reproducir sonido, podemos elegir si el sonido se reproduce Automáticamente al iniciar ladiapositiva,
si lo hace al Hacer clic encima, o si se reproduce para Todas las diapositivas.
Podemos también refinar las propiedades del sonido.Despliega la pestaña Animaciones, y haz clic en el
botón Personalizar animación. Aparecerá un cuadrode diálogo con el listado de los elementos en pantalla.

En ese listado despliega el cuadro referente al sonido y selecciona la opción Opciones de efectos como te
mostramos a continuación.
Se abrirá la ventana Reproducir sonido.

49
En esta ventana podemos hacer que el sonido se inicie en la diapositiva y continúe en las siguientes
diapositivas (útil para definir una música de fondo para toda la presentación), y otras opciones que puedes
ver.
Insertar sonidos desde un archivo
Despliega la pestaña Insertar y despliega Sonido.
Después selecciona Sonido de archivo....
Te mostrará una ventana en la que tendrás que buscar la ruta del archivo de sonido, una vez lo encuentres
pulsa Aceptar.
Insertar pista de un CD de audio
Despliega la pestaña Insertar y despliega Sonido.
Después selecciona Reproducir pista de audio de Cd
Te mostrará la siguiente ventana:

Indícale desde qué pista hasta qué pista quieres reproducir y pulsa Aceptar.
Insertar películas desde la galería multimedia
Despliega la pestaña Insertar y despliega Película.
Después selecciona Películas de la galería Multimedia...
Aparecerá una lista con las distintas películas que incorpora la galería de PowerPoint.
Haz doble clic sobre la que te guste para insertarla en la diapositiva.

Insertar películas desde un archivo

Despliega la pestaña Insertar y despliega Película.
Después selecciona Película de archivo....
Te mostrará una ventana en la que tendrás que buscar la ruta del archivo de película, una vez lo encuentres
pulsa Aceptar.

50
 ANIMACIONES Y TRANSICION

En las presentaciones podemos dar movimiento a los objetos que forman parte de ellas e incluso al texto
haciéndolas así más profesionales o más divertidas, además de conseguir llamar la atención de las personas
que la están viendo.
Animar Textos y objetos

Para animar un texto u objeto lo primero que hay que hacer es seleccionarlo, a continuación ir a la pestaña
Animaciones y Personalizar animación.
Después aparecerá en el panel de Personalizar animación.

En este panel aparece el botón desplegable Agregar efecto en la cual seleccionaremos el tipo de efecto que
queramos aplicar, incluso podremos elegir la trayectoria exacta del movimiento seleccionándola del menú
Trayectorias de desplazamiento.
Podemos utilizar el botón Quitar para eliminar alguna animación que hayamos aplicado a algún texto.
En la lista desplegable Inicio podemos seleccionar cuándo queremos que se aplique la animación (al hacer
clic sobre el ratón, después de la anterior diapositiva, etc).
Las demás listas desplegables cambiarán en función del tipo de movimiento y el inicio del mismo.

51
La Velocidad suele ser una característica común por lo que podemos controlarla en casi todas las
animaciones que apliquemos a un objeto.
La lista que aparece debajo de velocidad nos muestra las distintas animaciones que hemos aplicado a los
objetos de la diapositiva, como podrás comprobar aparecen en orden.
El botón Reproducir te muestra la diapositiva tal y como quedará con las animaciones que hemos aplicado.
Transición de diapositiva
La transición de diapositiva nos permite determinar cómo va a producirse el paso de una diapositiva a la
siguiente para producir efectos visuales más estéticos.
Para aplicar la transición a una diapositiva despliega la pestaña Animaciones y selecciona una de las
opciones de Transición a esta diapositiva.

Los diferentes diseños te permite seleccionar el movimiento de transición entre una diapositiva y la
siguiente. Hay una lista muy larga de movimientos.

En la lista Velocidad podemos indicarle la velocidad de la transición entre una y otra

diapositiva
CONFIGURAR PRESENTACION
Configuraremos nuestra presentación para que cuando mostremos en la presentación muestre todas la
diapositivas pero cuando llegue al final de la presentación se reinicie a la primer diapositiva, para salir se
tendrá que presionar la tecla ESC.
1. Clic en presentación con diapositiva
2. Clic en configuración de la presentación con diapositiva
3. Clic en Repetir el ciclo hasta presionar ESC.
4. Clic en aceptar

ESTABLECER COMO PAPEL TAPIZ UNA DIAPOSITIVA

1. Mostrar con diapositiva de PowerPoint F5
2. Ir a la diapositiva que se va a colocar como papel tapiz
3. Presionar la tecla
4. Presionar la tecla ESC
5. Minimizar la ventana mi Microsoft PowerPoint
6. Clic inicio- todos los programas – accesorios – paint
7. Clic en archivo - clic en pegar
8. Clic en archivo- Guardar- Escribir El Nombre del Archivo – Guardar
9. Clic en Archivo- Establecer Como Fondo Centrado
10. Cerrar la ventana de paint.

GUARDAR PRESENTACION CON DIAPOSITIVA

Esto nos permite guarda la presentación con presentación diapositiva de powerpoint, es quiere decir cuando
se abra la presentación nos mostrara directamente presentación con diapositiva.
52
1. Clic en inicio
2. Clic en guardar como
3. Definir donde ira la presentación
4. Escribir el nombre de la presentación
5. Definir el tipo de archivo (presentación con diapositiva de power point)
6. Clic en guardar

53
 PRACTICA # 4
1. Genera una presentación nueva que consista en una única diapositiva con un
título y un subtítulo que indique “Universitat de València”. Haz esta
presentación de las dos maneras posibles:
• Como una diapositiva en blanco
• Usando una plantilla de diseño entrando en Formato -> Estilo de la
diapositiva
2. Usa el asistente de autocontenido para generar automáticamente el esquema de
una presentación.
3. Visualiza la presentación del ejercicio 2 en los siguientes tres modos
• Como diapositiva con página de notas. Introduce algún comentario o
nota a tu diapositiva
• Como clasificador de diapositivas
• Como modo presentación (pantalla completa) pulsa el icono de la
esquina inferior izquierda y elige la opción de “ver las notas del orador”
4. Modifica el patrón de las diapositivas de tu presentación para que tenga las
siguientes características:
• Título de la diapositiva: Arial 48 en negrita
• Primer nivel de texto: Times New Roman 32 negrita
• Segundo nivel de texto: Times New Roman 24 normal
Modifica también el patrón de las notas para que tengan el estilo: Arial 14
cursiva.
Observa cómo ha cambiado el estilo de todas las diapositivas de tu presentación
5. Inserta un pie de página en tu presentación que ponga “Curso de la Nau 2005.
Universitat de València” También haz que aparezca el número de la diapositiva.
Pon también un encabezado a tu página de notas que ponga “Notas del Curso”
6. Inserta en una diapositiva el siguiente organigrama:

54
7. Inserta en una diapositiva el siguiente gráfico
Inserta también una tabla que represente los datos del gráfico
8. Cambia el estilo de diseño de la diapositiva a otro prediseñado que te guste.
Observa como al cambiar de estilo también ha sido reemplazado el patrón de diseño
que habías definido en el ejercicio 4 por el propio de la plantilla elegida.
Cambia el color del fondo de la diapositiva a un fondo degradado en dos colores.
9. Elige un efecto de animación que te guste y aplícalo al título de todas las
diapositivas. Igualmente aplica un efecto de animación a la gráfica que has
construido en el ejercicio anterior. Visualiza los efectos activando la
presentación con “Presentación ->Ver Presentación”
10. Elige una diapositiva o constrúyela asignando varios efectos de animación (en el
título, en los diferentes niveles de texto, en dibujos, gráfica, etc.). Tras ello
personaliza las animaciones de esta diapositiva para que vayan algunas más
lentas y otras más rápidas. Establece el orden de aparición de los efectos, para
que primero aparezca el efecto de animación del título, luego el del primer nivel
de texto, luego el segundo nivel etc. Y por último la animación del gráfico.
11. Establece tiempos para cada una de las diapositivas de una presentación, para
luego visualizarla de manera automática (sin que debas tocar el teclado o el
ratón).
12. Introduce efectos de transiciones entre diapositivas.
13. Configura la presentación para que se ejecute en modo automático y se reinicie
una vez ha terminado.
14. Realizar un póster de presentación para un congreso, consistente en una única
diapositiva que tendrá
• Un fondo (preferentemente de color claro)
• Una o varias gráficas
• Varias cajas de texto. Entre ellas una caja para el título del trabajo
y el autor/a. Y otra para las referencias bibliográficas
Nota: para hacer posters , un tamaño adecuado es el A0 (84.1 X 119 cm.)

55
 PRACTICA # 5
A través de una presentación con diapositivas se desea exponer las principales
características de PowerPoint.
1) Abrir una nueva presentación con autodiseño en blanco, y desde la vista Esquema,
elaborar las siguientes diapositivas.

2) Guardar la presentación actual con el nombre PPoint1.ppt

3) Agregar al final de esta presentación, dos nuevas diapositivas con el siguiente texto.

4) Guardar la presentación actual con el nombre PPoint12.ppt en su disquete.

5) En la presentación actual realizar los siguientes cambios:
a) Intercambiar el orden de la 6ta y la 7ma diapositiva.
b) Eliminar la 4ta diapositiva (Ejecución y control...).
6) Guardar la presentación actual con el nombre Ppoint3.ppt en su flash memory.

56
Debido a que a través de una presentación con diapositivas se desean exponer algunas delas cualidades de
la Educación Pública en nuestro país, se nos encomendó la confección de una presentación que contemple
parte de esta temática.
7) Abrir una nueva presentación de PowerPoint con autodiseño en blanco, y en la vista
Esquema, generar las siguientes diapositivas.

Bolivia

8) Guardar la presentación actual con el nombre Educacion.ppt en su disquete.

9) Al final de la presentación actual, generar tres nuevas diapositivas con los puntos de
último nivel de la 3ra diapositiva (una nueva diapositiva por cada punto) y desarrollar
brevemente los cometidos que Ud. entiende cumplen cada uno de ellos.
10) Guardar la presentación actual con el nombre Educacion2.ppt en su flash memory.

57
 PRACTICA # 6
Un profesor de Geografía con su par de Astronomía han decidido realizar conjuntamenteuna charla para
sus alumnos de temas inherentes a sus respectivas materias. Por tal motivo senos ha encargado la realización
en PowerPoint de una presentación con diapositivas. Para estodebemos seguir las recomendaciones
sugeridas.
Solicitar al docente que le indique el lugar de donde extraer las imágenes requeridas parala confección de
esta presentación. En todos los casos se deben respetar los tamaños y ladisposición de los objetos así como
las proporciones establecidas en cada una de lasdiapositivas. Todos los efectos especiales de texto
agregados presentan fuente Arial Black de36 ptos y en negritas (varía el estilo y los colores establecidos
para cada caso).
1) Luego de ingresar a la aplicación, en la vista Esquema, generar las siguientes diapositivas.

2) Guardar la presentación actual con el nombre Tierra.ppt en su disquete.

3) En las tres primeras diapositivas de la presentación, agregar las imágenes según se indica a continuación,
respetando la posición, la proporción y su tamaño. Las dos primeras poseen borde con línea de 4 ptos, tipo
punteada de color rojo.

4) Las siguientes diapositivas desarrollan los puntos descriptos en la diapositiva 4. Estas

presentan como título efectos especiales de texto WordArt con diferentes estilos y
colores; además de incorporar las imágenes y objetos que se indican.

58
5) Las imágenes de las diapositivas 5 y 6 presentan borde con línea de 3 ptos, tipo continua, de color
fucsia y verde respectivamente. El efecto de texto de la diapositiva 5 es azul, mientras que el de la
diapositiva 6 es blanco, ambos con borde negro.

6) En la diapositiva 7 se agregan los siguientes elementos: a) una autoforma tipo flecha de

color rojo; b) la imagen prediseñada reloj; c) el texto "Uruguay tiene una diferencia de 3
horas menos con respecto al meridiano de Greenwich" a la derecha de la misma en fuente
Tahoma 20 ptos y color azul; d) un efecto especial de texto color violeta con borde azul;
e) la imagen husoshorarios.jpg. En la diapositiva 8 se agregan: a) unefecto especial de texto con efecto de
relleno degradado en colores verde y violeta con borde de color rojo.

7) La diapositiva 9 presenta la imagen estaciones.gif. Para cada estación del año se deben agregar elipses
con efecto de relleno con diferentes tramas y colores. Además se agrega el efecto especial de texto que se
muestra y una flecha de bloque color de relleno celeste indicando la dirección de giro.

59
8) La diapositiva 10 presenta una representación de los planetas interiores del sistema solar confeccionada
con elipses, formas y llamadas indicando el nombre de cada planeta en cada caso. Esta diapositiva presenta
dos cuadros, uno para el título y otro para el detalle.
La fuente definida para ambos es Tahoma con 36 y 28 ptos respectivamente en color
negro; ambos textos están centrados. El título presenta sombra en la fuente, fondo de
color aguamarina con borde línea azul, estilo 6 pto y grosor 20 ptos. El detalle presenta
borde con línea verde azulado, estilo 3 pto y grosor 10 ptos.
9) La diapositiva 11 presenta la imagen america.jpg, Bolivia,jpg y la lupa (imagen
prediseñada). Los cuadros de texto presentan fuente Tahoma 24 ptos y presentan
resaltes en negrita. También se ha agregado un efecto especial con el texto “Uruguay”,
estilo según se muestra, en color azul marino y borde rojo.
10) Guardar la presentación actual con el nombre LaTierra y BOLIVIA.ppt en su flash memory.

60
 PRACTICA # 8

1. Ingresar a Power Point y cambiar el diseño de la diapositiva a diapositiva en blanco

2. Capturar lo que en las siguientes imágenes se muestra:

61
3. Darle formato al texto
4. Insertar objetos para darle un mejor formato

5. Darle un formato rápido utilizando temas predeterminados

6. Personalizar animación a todas las diapositivas

7. Aplicar Transición de diapositiva a todas las diapositivas

8. Configurar su presentación que repita el ciclo hasta presionar ESC.

9. Guardar la presentación con el nombre de Temario

62
 PRACTICA # 9

1. Ingresar a PowerPoint
2. Con ayuda de los diseños de diapositiva capturar las siguientes diapositivas que a continuación se
muestran

63
3. Agregar Imágenes para ilustrar las diapositivas

4. Darle formato a las presentaciones con ayuda de los Temas

5. Establecer como fondo de papel tapiz la diapositiva # 1

6. Personalizar animación a todas las diapositivas

7. Aplicar Transición de diapositiva a todas las diapositivas

8. Configurar su presentación que repita el ciclo hasta presionar ESC.

9. Guardar la presentación con el nombre de Educación en Bolivia

64
 PRACTICA # 10
1. Ingresar a Power Point
2. crear las siguientes diapositivas en vista esquema
3. Cambiar el diseño de cada una de las diapositivas
4. Insertar imágenes para ilustrar la presentación

65
5. Personalizar animación a todas las diapositivas
6. Aplicar Transición de diapositiva a todas las diapositivas
7. Configurar su presentación que repita el ciclo hasta presionar ESC.

8. Guardar su presentación con el nombre de Especies

66
 PRACTICA # 11
1. Ingresar a Power Point
2. Crear las siguientes diapositivas en vista esquema (solo las 3 primeras)
3. Agregarle los objetos Smart Art en la presentación como se muestra.

67
68
5. Personalizar animación a todas las diapositivas
6. Aplicar Transición de diapositiva a todas las diapositivas
7. Configurar su presentación que repita el ciclo hasta presionar ESC.
8. Guardar la presentación con el nombre de academia Tec

69
 PRACTICA #14
1. Relacione cada elemento de la ventana del programa con su denominación.

2. Señale la extensión que tienen, por defecto, los archivos de Microsoft

PowerPoint.
a. *.ppt.
b. *.potx.
c. *.pptx.
d. *.xml.

3. ¿Cuál será la extensión de un fichero guardado como plantilla personalizada?

a. *.potx.
b. *.pptx.
c. *.plantx.
d. *.mdb.
5. ¿Qué entidad o personas crean las plantillas de Microsoft Office Online?
a. Microsoft.
b. Usuarios de Microsoft PowerPoint 2007 que las ponen a disposición de otros
usuarios.
c. Las opciones a y b son correctas.
d. Ninguna de las opciones anteriores es correcta.

70
6. Si activa la casilla Guardar información de Autorrecuperación, puede determinar
que sea el propio programa el encargado de almacenar los cambios
efectuados durante la creación de una presentación cada cierto tiempo.
a. Verdadero.
b. Falso. Para guardar una presentación, siempre hay que utilizar la opción
Guardar como.
7. Ordene los pasos que hay que seguir para crear un álbum fotográfico desde
una presentación en blanco.

71
 MICROSOFT PUBLISHER
INTRODUCCION

Microsoft Publisher (anteriormente Microsoft Office Publisher) es la aplicación de autoedición o DTP

(por DeskTop Publishing en inglés) de Microsoft Corporation. A menudo es considerado como un programa
para principiantes o de «nivel de entrada» (entry level), que difiere del procesador de textos Word en que
se hace hincapié (que se refuerza) en el diseño y la maquetación de las páginas, más que en el proceso y
corrección de textos.

Microsoft Publisher es un programa que provee un historial simple de edición similar al de su producto
hermano Word, pero a diferencia de Adobe InDesign y Adobe InCopy, no proporciona una posibilidad
integrada (built-in) de manejo de código XML.

Ayuda a crear, personalizar y compartir con facilidad una amplia variedad de publicaciones y material de
marketing. Incluye una variedad de plantillas, instaladas y descargables desde su sitio web, para facilitar el
proceso de diseño y maquetación.

Publisher tiene una cuota de mercado (market share) relativamente pequeña, en un segmento claramente
dominado por Adobe InDesign y QuarkXPress.1 Esto se debe a que este editor ha sido históricamente menos
querido o deseado por parte de los centros gráficos o de impresión, en comparación a las otras aplicaciones
DTP recién mencionadas.2

Además, su posición como una aplicación de «nivel de entrada» agrava algunas de su limitaciones (sobre
todo en sus versiones antiguas), como las tipografías (fonts) no disponibles, o la imposibilidad de mostrar
objetos incrustados (object embedding) en otras computadoras (no obstante, Publisher provee de
herramientas para empaquetar múltiples archivos en un único archivo auto-extraíble, y así lidiar con este
problema). Algunas típicas características de una aplicación de alto nivel de este tipo, como las
transparencias, el sombreado de objetos o la exportación directa a formato PDF no son funcionales o
directamente no están soportadas (sobre todo, en las versiones más viejas del software).

Sin embargo, las versiones recientes del producto tienen una mayor capacidad en relación a la separación
y el procesamiento de varios (niveles de) colores. Microsoft Publisher 2007 también incluye la capacidad
para la exportación de archivos en formato PDF, con la posibilidad de incluir o incrustar (embed) las propias
fuentes tipográficas dentro de ellos (garantizando así su fiel reproducción en computadoras que no tienen
instaladas demasiadas fonts, particularmente aquellas que no son tan populares). No obstante, esta
característica está disponible como una descarga (download) adicional desde el sitio web de Microsoft.

El formato de archivo propietario de Publisher no es soportado por la mayoría de las otras aplicaciones,
con la única excepción de Adobe PageMaker. No obstante, el plug-in PUB2ID (Publisher to InDesign) de
Markzware's convertirá documentos de Publisher de las versiones 2002 hasta 2007 a los formatos CS2 y
CS3 de Adobe InDesign. Asimismo, Publisher soporta otros formatos como el EMF (Enhanced Metafile,
«meta-archivo mejorado»), el cual está relativamente difundido en la plataforma Windows.

Publisher está incluido entre la gama alta de los programas de Microsoft Office. Esto refleja el énfasis de
Microsoft de posicionar su producto como una alternativa relativamente barata a los dos «pesos pesados»
de la industria. También está enfocado al mercado de las pequeñas empresas, las cuales usualmente no

72
disponen de profesionales específicamente dedicados al diseño y maquetación de páginas y documentos. 1
3

INGRESO AL PROGRAMA

Ingresar desde el cuadro de diálogo Ejecutar

También puede utilizar el cuadro de diálogo Ejecutar para acceder mediante el ejecutable de Publisher
2007. 1º Active el cuadro de diálogo Ejecutar. 2º Escribe: MSPUB. 3º Pulse clic en Aceptar.

73
PANTALLA DE MICROSOFT PUBLISHER

Al seleccionar un tipo de publicación aparecerá lo siguiente:

En donde podemos escoger un diseño clásico que podemos personalizar, para hacer la publicación a
nuestro gusto. Una vez personalizada nuestra publicación, damos clic en crear.

74
Cuando damos clic en crear, aparecerá un panel del lado izquierdo para seguir personalizando
la publicación.
Cada publicación tiene diferentes formatos para personalizarse,
los mas comunes son:
a) Opciones de la pagina: aquí establecemos regularmente el tamaño y la
orientación de la pagina
b) Combinaciones de colores: Se escogen las combinaciones de color de los
objetos como tablas, líneas, rellenos, fuentes, etc
c) Combinaciones de fuentes: son diferentes estilos de letras que podemos
seleccionar para la publicación
d) Opciones de la publicación: estas dependen del tipo de publicación
que vamos a realizar
También podemos insertar los objetos de Publisher que a continuación
veremos.

Tipos de publicaciones que se pueden crear en Publisher

Publisher incluye publicaciones prediseñadas, también conocidas como asistentes para

publicaciones, para diversos tipos de publicaciones de negocios y marketing. Cada una de estas
publicaciones prediseñadas está disponible en muchos diseños distintos. Puede examinar la selección de
publicaciones prediseñadas por tipo de publicación o estilo de diseño.

Si desea crear una publicación con rapidez, puede seleccionar el diseño de publicación que desee,
agregarle contenido y gráficos propios y personalizar su diseño, sus combinaciones de colores y sus
combinaciones de fuentes.

CREAR ANUNCIOS

Un anuncio publicitario o comercial es el mensaje destinado a dar a conocer un producto, suceso o similar
al público. Actualmente los anuncios están relacionados con un propósito persuasivo y están encauzados a
la promoción de artículos, productos y servicios. El mayor ámbito de actuación de los anuncios son los
medios de comunicación.

También puede decirse que es un soporte visual, auditivo o audiovisual de breve duración que transmite un
mensaje que se limita a un hecho básico o a una idea, generalmente de carácter publicitario, entendiendo
con esto último a que forma parte de la publicidad. Como se puede apreciar en el aserto anterior, un anuncio
puede estar constituido exclusivamente por sonidos, por imágenes o por ambos en conjunto.

1. Clic en Anuncios
2. Seleccionar el modelo de anuncio
3. Elegir la combinación de colores
4. Elegir la combinación de fuente
75
 5. Elegir el tamaños de la pagina
6. Clic en crear
CREAR TARJETA DE PRESENTACION
La tarjeta de presentación es "cara" de un profesional, así que es importante disponer de tarjetas que
refuercen la imagen y los objetivos empresariales. Microsoft Office System puede ayudarle a lograr este
objetivo creando tarjetas de presentación sin tener que gastar una fortuna en el diseño de un logotipo ni en
una impresión profesional. A continuación, le ofrecemos una sencilla guía con los pasos básicos para
crear sus propias tarjetas de presentación.
La medida universal de una tarjeta de presentación es de 5cm X 9cm.
1. Clic en tarjetas de presentación
2. Elegir el diseño de la tarjeta
3. Elegir la combinación de colores
4. Elegir la combinación de fuentes
5. Elegir el tamaño de pagina (horizontal o vertical)
6. Clic en crear

CREAR CALENDARIO
El calendario es una cuenta sistematizada del transcurso del tiempo, utilizado para la
organización cronológica de las actividades humanas.
1. Clic en calendarios
2. Elegir el diseño
3. Elegir la combinación de colores
4. Elegir la distribución de de fuentes
5. Elegir el tamaño de pagina (horizontal / vertical)
6. Elegir el periodo del tiempo

7. Definir fecha de calendario

* el rango de fechas enero-diciembre se aplica si es elegido en el periodo de tiempo un mes cada pagina
8. clic en crear

76
CREAR DIPLOMAS
Diploma escualquier instrumento o documento expedido por alguna Autoridad pública. Debe ser
entregado en el domicilio del premiado. Entre los diferentes nombres con que se le conoce en la
antigüedad, se hallan como más comunes los siguientes: cártula, carta o karta, instrumento,
testamento, página o escritura. Se da el nombre de cartulario, libro, becerro o tumbo al códice que
reúne las copias literales de los diplomas o privilegios concedidos a una iglesia o corporación y que se
guarda en el archivo de la misma.
1. Clic en Diplomas
2. Definir el diseño del diploma
3. Elegir la combinación de colores
4. Elegir la combinación de funtes
5. Clic en crear.

CREAR TARJETAS DE FELICITACION / INVITACION

Aplicaremos en la opción Tarjetas de felicitación ya que esta compaginado en una hoja de tamaño carta
(letter) para dos invitación (en anverso y reverso).
1. Clic en Tarjetas de Felicitación
2. Seleccionar el tipo de diseño
3. Elegir la combinación de colores
4. Elegir la combinación de fuentes
5. Elegir el tamaño de la pagina (un cuatro de pagina plegada, un cuatro de pagina plegada
horizontalmente, media página plegada)

6. Elegir el diseño

7. Clic en crear

77
CREAR TRIPTICOS - FLOLLETOS
Un tríptico es una obra de arte (por lo general un panel pintado) que se divide en tres secciones, o tres
paneles tallados que están unidos por bisagras. Por lo tanto es un tipo de políptico (término que se
aplica a todas las obras que se componen de varios paneles). El panel central por lo general es el mayor
y está flanqueado por dos obras relacionadas algo menores, aunque también existen trípticos en los que
los tres paneles son de igual tamaño.
1. Clic en folletos
2. Elegir el diseño del folleto
3. Elegir la combinación de colores
4. Elegir la combinación de fuentes
5. Elegir el tamaño de la pagina
6. Seleccionar si tendrá formulario
7. Clic en crear.

BARRA DE HERRAMIENTAS FORMATO

En las barras de herramientas se encuentran botones o iconos que fueron creados para facilitar el trabajo,
se puede profundizar en estas funciones en los menús, ya que todas ellas las encontraremos dentro de un
menú.

Para realizar una modificación de formato es necesario seleccionar el objeto o texto a modificar. Si se va a
escribir por primera vez solo basta con elegir el formato deseado antes de escribir.

Estilo y Formato.- Aquí encontramos una lista de los estilos sugeridos y modificar así el texto donde
se encuentre el cursor.

Fuente.- Podemos modificar el tipo de letra, es importante mencionar que siempre que
veamos una punta de flecha mirando hacia abajo quiere decir que nos mostrará una lista
de opciones.

Tamaño.- Es aquí donde podemos aumentar o reducir el tamaño de la letra, si el número no lo

encontramos podemos dar un clic en el recuadro blanco, borrar y escribir el nuevo número de
tamaño.

Estilo Negrita, Cursiva y Subrayado.- Estos son estilos que se pueden aplicar en una fuente,
negrita intensifica el color de una fuente; cursiva, inclina la fuente seleccionada y subrayado
agrega una línea inferior del texto. Recuerda siempre seleccionar el texto que vas a modificar.

78
 Alineación Izquierda, Centrado, Derecha, Justificado.- Las alineaciones se utilizan para
acomodar los párrafos de un texto, esta se puede definir al principio o al final del documento.

Numeración y Viñetas.- La numeración se utiliza en una lista por ejemplo y esta numeración se va
actualizando después de un punto y aparte, a diferencia de la numeración pone un punto en el inicio
de cada párrafo, esta puntuación puede modificarse por otro carácter o símbolo incluso el color y
tamaño, esto se realiza en el menú de formato.

Reducir y aumentar sangrías.- Las sangrías son esos espacios que se dejan al iniciar un párrafo con
esta opción podremos aumentarlas o disminuirlas.

Color del Relleno.- Podemos rellenar el fondo de cualquier objeto que este seleccionado o activo,
para poder seleccionar un objeto, basta con dar un clic sobre de el. Si damos un clic en la cubeta
rellenará del color que tiene la marca que se encuentra debajo de ella, si
necesitamos modificar el color es necesario dar clic en la punta de flecha y
muestra la siguiente ventana:

Deshacer o repetir.- Deshacer, elimina la última acción realizada; Repetir realiza lo

contrario que deshacer.

Traer al frente.- Cuando trabajamos con Publisher utilizamos diferentes objetos, esto quiere decir
que podemos poner una imagen, un fondo, un texto; aquí estamos manejando 3 objetos y puede estar uno
sobre otro, a esto le llamaremos capas; dichas capas las podemos mover una sobre otra, y para ello se utiliza
traer al frente. Si se da clic en este botón traerá al frente el objeto seleccionado, si se da clic en la punta
de flecha nos muestra las siguientes opciones:

79
 Traer al frente Enviar al fondo Traer adelante/ Enviar atrás

Insertar hipervínculo.-

Vista previa de la página Web.-

Columnas.- Se utiliza para poder dividir un cuadro de texto en columnas, si el documento ya existe
lo acomoda automáticamente; los pasos son:
1. Seleccionar o crear cuadro de texto
2. Dar clic en el botón de columnas.
3. Marcar arrastrando el Mouse el número de columnas que se necesitan.

Caracteres especiales.- Con este botón podemos visualizar todos aquellos caracteres que representa
a enter, espacio en blanco, tabulador, insertar página, etc.

Zoom, Alejar, Acercar.- El zoom, es el acercamiento que tenemos a la hora de

trabajar este puede ser entre 10 % y 800%, no se relaciona con el tamaño de la
impresión, cuando realizamos la impresión es al 100% del zoom. Acercar y alejar es el movimiento del
zoom automático.

Ayuda.- Nos proporciona ayuda sobre cualquier tema.

80
PRACTICA

1. Elabore un boletín sobre la especialidad de Secretariado. Debe contener una hoja por cada subárea, la
portada y el nombre de la persona que la confecciona. Utilice la plantilla llamada MODULAR. Grabe el
archivo como: Ejecutivo de Centros de Servicios o Secretariado Ejecutivo según sea su caso.

2. Realice una tarjeta de presentación con su nombre y con la profesión o negocio que usted va a realizar
en su vida como adulto. Llene toda la información, nombre completo, celular, número de teléfono de su
casa, dirección e imágenes de acuerdo a su profesión o empresa. Configure la impresión de tal manera
que le quede 9 tarjetas en un cartón tamaño carta. Oriente la hoja horizontalmente. Grabe el archivo como
TarjetapresentacionANA (con su I nombre).

3. Elabore un calendario del mes actual, anote en al menos 10 actividades importantes para las diferentes
fechas. Ej: cumpleaños de amigos, fechas de extra clases, exámenes entre otros…. Guarde el archivo
como OCTUBRE.

4. Realice una pancarta para una bienvenida o despedida de algún compañero de su grupo. Utilice al
menos 06 hojas ,orientadas horizontalmente. Debe tener marco y una pequeña imagen. Utilice la plantilla
BORDE A CUADROS. Grabe como FRASE.

EJS:

“Adiós muchachos de 12 año, que tengan mucho éxito en su practica supervisada….”

“El que no Vive para Servir, no sirve para vivir.”

Al terminar, muestre la práctica completa a su profesora.

81
 PRACTICA
CREAR LOS SIGUIENTES ANUNCIOS

82
83
PRACTICA

84
CREAR LAS SIGUENTES TARJETAS DE PRESENTACION

85
 PRACTICA
REALIZAR LOS SIGUIENTES CALENDARIOS

86
CREAR CALENDARIOS DE BILLETERA

87
88
 PRACTICA
REALIZAR LOS SIGUIENTES DIPLOMAS O CERTIFICADOS

89
90
91
 PRACTICA
REALIZAR LOS SIGUIENTES TRIPTICOS

92
FOTOGRAFIA
93
La fotografía
La palabra fotografía viene de dos palabras griegas: fotós (NTJ`H) y grafein ((DVN,4

Elementos de la fotografía

Los elementos más básicos de la fotografía son la cámara, el sujeto u objeto que se va a fotografiar,
la luz existente y cómo no, el fotógrafo.
Resumiendo podemos decir que la fotografía consiste en que un fotógrafo capta una escena que
tiene una luz determinada utilizando una cámara.
Aunque pueda parecer muy obvio, conocer los elementos de la fotografía es muy importante
porque así conocemos qué elementos pueden influir el resultado final de una toma.
A lo largo del curso se explicarán los conceptos más simples que nos ayudarán a manejar estos
elementos. Sabremos qué tendrá que hacer el fotógrafo para controlar la cámara, la luz y porqué
no, también al sujeto (siempre que le sea posible, claro). Si uno de estos elementos falla o no existe
no habrá fotografía.

Resolución

La gran mayoría de imágenes digitales, y casi todas las fotos digitales, son archivos de tipo “bitmap”.
Esto significa que son imágenes compuestas de miles y miles (y hasta millones y millones) de puntos
llamados píxeles. “Píxel” viene directamente de la palabra en inglés “pixel”, que es un acrónimo
formado de “pix”, forma coloquial de la palabra “picture” (retrato o imagen), y “el” de la palabra
“element” (elemento). Entonces, píxel literalmente significa un elemento de la imagen.
Técnicamente hablando, un píxel es un punto pequeño y homogéneo de color y brillo. Es pequeño
porque hay millones en una sola foto, y es homogéneo porque todo el píxel comparte el mismo color
y brillo (no hay variación dentro del mismo píxel).
En la fotografía digital, la palabra “resolución” refiere a la cantidad de píxeles usados para archivar
una imagen. Mientras mayor la resolución, más píxeles usados (conservando así más información
gráfica y mayor detalle). También resulta en archivos más grandes. Mientras menor la resolución,

94
menos píxeles usados (conservando menos información y menor detalle). También resulta en
archivos más pequeños.
Hay tres maneras comunes de hablar de resolución, cada una señalando la misma realidad, pero
desde diferentes puntos de vista. La primera refiere a la cantidad de píxeles o puntos por pulgada
(p.p.p.) usada para archivar una imagen (normalmente se mide por pulgada, pero también puede ser
medida por centímetros). Esta forma de describir la resolución es común con escáneres e impresoras.
Tomemos, por ejemplo, una foto que queremos escanear. La foto mide cuatro pulgadas por seis. Si
escaneamos esta foto a una resolución de 300 p.p.p., la imagen digital resultante sería de 1.200
píxeles por 1.800 píxeles. Esto significa que usaría un poquito más de dos millones de píxeles en total
para archivar su información gráfica (1.200 x 1.800 = 2.160.000 píxeles).
La segunda manera de referir a resolución es por describir la cantidad total de píxeles usados para
archivar una foto. Esto es lo que hicimos arriba cuando decimos que la imagen escaneada usaría un
poquito más de dos millones de píxeles para archivar su información gráfica. Esta manera de referir
a la resolución es la usada con cámaras digitales. Así, tenemos cámaras de dos megapíxeles, tres
megapíxeles, cuatro megapíxeles, seis megapíxeles, etc.

Imagen con un total de 100 píxeles – 10 x 10 I Imagen con

un total de 2.500 píxeles – 50 x 50

95
 Imagen con un total de 10.000 píxeles – 100 x 100 Imagen con
un total de 62.500 píxeles – 250 x 250

Proporción

En la fotografía, “proporción” refiere a la relación entre las dimensiones de la imagen o foto.

Normalmente, está relación se expresa por dos números separados por un “:”. Por ejemplo, la proporción
3:2 refiere a una imagen que mide tres unidades por dos unidades (como 3 cm por 2 cm, 6 cm por 4 cm,
ó 27 cm por 18 cm).
El formato común y estándar del mundo de la fotografía de 35 mm (el mundo de película normal para
negativos y diapositivas) tiene una proporción de 3:2. Si usted mide la imagen en la película misma, va a
ver que mide 36 mm por 24 mm. La proporción de 3:2 también se usa en las fotos con tamaño 4 pulgadas
por 6 pulgadas (10 cm x 15 cm) y 8 pulgadas por 12 pulgadas (20 cm x 30 cm).
Al contraste, el formato común y estándar del mundo digital es 4:3. Esta es la proporción de la mayoría
de las cámaras digitales, la pantalla de una computadora, la pantalla de un televisor, y la imagen
proyectada por un proyector de video. Además, es la proporción aproximada de las fotos con tamaño 3,5
pulgadas por 5 pulgadas (9 cm x 13 cm), 5 pulgadas por 7 pulgadas (13 cm x 18 cm) y 8 pulgadas por 10
pulgadas (20 cm x 25 cm).
Ahora, ¿qué importancia tiene la proporción? Entre otras cosas, determina cuál porción de la foto será
visible en cuál formato. Como se puede notar en las dos fotos arriba, la proporción 3:2 tiene una altura
inferior a la de la proporción 4:3, cuando

Diapositiva con proporción de 3:2

96
 Foto digital con proporción de 4:3
ambas están ajustadas para tener la misma anchura. Entonces, si deseo proyectar la imagen
de la diapositiva usando un formato digital (pantalla de la computadora, televisor, proyector
de video, etc.), tendré problemas debido a la diferencia de proporciones. Frente a esta
realidad, tengo dos opciones básicas. La primera es cortar aproximadamente un 10% de lo
ancho de la imagen de la diapositiva. Esto me dará una nueva imagen cuya proporción es 4:3,
y que se proyectará en su totalidad en el formato digital. La segunda opción es simplemente
dejar la imagen de la diapositiva tal como está, y proyectarla. Pero tendré una barra negra
arriba y debajo de la imagen. Estas barras se producen porque una imagen 3:2 no tiene
suficiente resolución vertical para llenar una pantalla 4:3 cuando está ajustada para su
anchura.

97
 PRACTICA
1. Recortar y pegar fotografía de exteriores

2. Recortar fotografía de interiores.

3. Definir la resolución en megapíxeles de las siguientes medidas

98
 CAMARA FOTOGRAFICA

Se puede decir que una cámara fotográfica es una caja oscura que deja pasar la luz el tiempo
preciso para que la imagen enfocada a través del objetivo sea registrada por un sensor digital o una
película.

Más o menos complejas, todas las cámaras cuentan con los siguientes elementos mínimos. Cada
uno de ellos tiene una misión:

• El sujeto o la escena es encuadrada y enfocada utilizando un objetivo en un extremo, que

dirige los rayos de luz hacia un sensor digital en el otro extremo.
• El sensor digital capta la imagen.
• En el objetivo, una abertura variable o diafragma, limita el tamaño del rayo de luz que
penetra (apertura de diafragma).
• Entre el objetivo y el sensor existe también un obturador, que controla el tiempo que el
sensor está expuesto a la luz (tiempo de exposición).
• Para componer la escena se observa a través de un visor o a través de una pantalla
incorporada en la cámara digital.
• Para elegir el momento de la exposición posee un botón disparador.
• La imagen recogida por el sensor es procesada por un chip y se almacena en un soporte de
almacenamiento digital (tarjeta de memoria).
• Una batería alimenta la circuitería electrónica durante todo el proceso.
• Un fotómetro mide la luz proyectada a través del objetivo para que la cámara pueda
calcular la exposición correcta.

99
 11

En las cámaras analógicas el funcionamiento es muy similar. La diferencia principal es que en vez de
haber un sensor digital hay una película sensible a la luz que registra las imágenes.
Durante el curso veremos cómo se utiliza cada uno de estos elementos y cómo afectarán al
resultado final de las fotos.
Tipos de cámaras
Las cámaras se pueden clasificar en función de muchas cosas: del soporte en que se almacenan las
imágenes (analógico o digital), del tamaño del sensor o película, del tamaño (compactas, bridge,
DSLR) o también en función del grado de automatismo (esto más bien en la era analógica en la que
había cámaras manuales y cámaras automáticas).

12

100
Entre las digitales podemos distinguir básicamente los siguientes tipos, que se diferencian
principalmente por su tamaño, el tamaño del sensor y por sus funcionalidades:

Compactas
Son las más extendidas por su facilidad de manejo.
Son pequeñas y por tanto el tamaño de su sensor
también lo es. Es su principal desventaja.
Son ideales para viajar o llevar a cualquier sitio
porque caben en un bolsillo.
Aunque cada vez permiten más ajustes con este
tipo de cámaras la creatividad es algo limitada.
Aunque algunas llevan un visor, éste suele ser más
bien simbólico, y se encuadra utilizando la pantalla.
El uso que se le da a las cámaras compactas es de aficionado.
Intermedias o bridge
Es el siguiente escalón en tamaño. A diferencia de las
compactas el sensor de este tipo de cámaras es
ligeramente superior, lo que supone un aumento en la
nitidez y calidad de las fotos, así como en la posibilidad
de obtener ampliaciones más grandes sin perder calidad.
Tienen más funcionalidades que las compactas. Las
lentes son de mejor calidad y suelen tener un zoom no
intercambiable habitualmente con mayor alcance que
las compactas.
Algunas tienen visor, también simbólico por no ser réflex (esto se explicará en el tema del visor).

Son cámaras ideales para viajar sin mucho cachibache y que te permiten hacer fotos de buena
calidad controlando lo que haces.
El uso que se les da a las cámaras bridge es de aficionado.

101
 Réflex o DSLR

El tamaño del sensor es notablemente mayor que

en las cámaras bridge. Por tanto la nitidez y calidad
de las fotos es claramente superior.
Como principales ventajas la cámara DSLR permite
el intercambio de objetivos, dispone de un visor
réflex que muestra con mucha precisión el
resultado definitivo de las fotos, cuenta con más
funcionalidades que te permiten ser mucho más
creativo y controlar con más exactitud el proceso de
tomar una foto.
Tienen un sinfín de accesorios y permiten ampliaciones en papel de calidad de un tamaño mayor
que en las bridge y las
compactas.
Existe una gama muy amplia de modelos DSLR, habiendo mucha diferencia entre los básicos y los
modelos profesionales.
El uso que se le da a las cámaras DSLR puede ser de aficionado y de profesional, dependiendo entre
otras cosas de la gama (no todo es la cámara).

Medio formato
Las cámaras de medio formato tienen un sensor mucho
más grande que las DSLR.
Son cámaras dedicadas únicamente al ámbito
profesional y científico donde la clave es poder realizar
ampliaciones realmente grandes. Fuera de este tipo de
fotografía no tiene sentido una cámara de estas
características.
Por ello todos sus componentes y accesorios son de la
máxima
calidad y precisión, al igual que sus precios son muy muy altos.
14
No hay un tipo de cámara perfecta, sino una cámara adecuada a las necesidades de cada uno. No
obstante la cámara DSLR suele ser la idónea para el aficionado interesado en controlar qué hace con
su cámara al hacer fotos y quiere ser creativo en sus fotos.

Si bien la mayoría de los temas serán válidos para todos los tipos de cámaras, el curso está más bien
orientado a las cámaras DSLR.

102
Visores
Además de por el tamaño de la cámara o del sensor podemos clasificar las cámaras también según
el tipo de visor que tengan en:

Pantalla LCD
La mayoría de las cámaras compactas actuales no tienen visor como tal. Utilizan la pantalla LCD
para encuadrar.

Visor directo
Se llama así porque el visor es independiente del objetivo. El sujeto se ve a través de un sistema
óptico montado aparte en el que aparece encuadrado el área de la escena cubierta por el objetivo.
Este tipo de objetivos es el que suelen usar las cámaras compactas que tienen visor, en las que no
es necesario enfocar.

15

Visor réflex
La imagen proyectada en el sensor por el objetivo esta boca abajo e invertida lateralmente. El visor
réflex utiliza un espejo para volverla boca arriba y un pentaprisma (bloque de cristal de cinco caras,
tres de ellas plateadas) o un pentaespejo, para corregir la inversión lateral. Por tanto el fotógrafo
contempla la escena en su posición real. En el momento del disparo el espejo se levanta y deja
pasar la luz al sensor.
Este es el tipo de visor que llevan las cámaras DSLR, también llamadas réflex por esta razón.

103
Fiabilidad de los visores
La pantalla LCD es el visor más fiable en
cuanto a recorte, ya que lo que aparece
en la pantalla es exactamente lo que quedará
recogido en la foto. Sin embargo este
método no es el más fiable en cuanto a
enfoque, ya que no tiene la nitidez suficiente
para ver si los objetos están correctamente
enfocados. Igualmente no es fiable en cuanto a exposición, ya que se alteran fácilmente con el
exceso de luz ambiente. En caso de mucha luz veremos las imágenes oscuras en la pantalla y al
verlas en nuestro ordenador las veremos mucho más brillantes y claras.
El visor directo es el menos fiable de los tres, ya que tiene un problema llamado paralelaje,
acentuado en las fotografías en las que el sujeto está cerca de la cámara. Tal como muestra la
imagen, consiste en que la imagen visualizada a través del visor no coincide con la imagen enfocada
por el objetivo. Lo he exagerado un poco, pero se puede ver cómo aunque tú hayas encuadrado al
caballo bien con el visor directo (en azul), la imagen que el objetivo registra es otra (en rojo), y
pueden no coincidir exactamente.
16

El visor réflex es muy fiable en cuanto al enfoque, pero tienen un factor de recorte, dependiendo
del modelo de cámara.

104
 ISOenFotografía:QuéesyCómoSeUsa

La sensibilidad ISO es, junto con la apertura del diafragma y el tiempo de exposición, uno de los tres
elementos que definen la exposición en tus fotos, lo que se conoce como el famoso triángulo de la
exposición.

La sensibilidad ISO marca la cantidad de luz que necesita nuestra cámara para hacer una fotografía. Este
concepto, que viene arrastrado de la fotografía convencional, se mantiene en la fotografía digital,
aunque sus fundamentos son algo diferentes.

Los Orígenes de la Sensibilidad ISO en Fotografía

Pese que se use cada vez menos, la sensibilidad ISO es un concepto que hemos heredado de la fotografía
analógica. Las películas fotográficas están formadas por haluros de plata, millones de cristales
transparentes sensibles a la luz, agrupados. Podríamos decir que equivaldrían, a grosso modo, a
los píxeles del sensor de nuestra cámara digital. El tamaño de estos cristales es lo que marca la
sensibilidad de la película y el grano que se aprecia al obtener las copias reveladas.

Con el paso a la fotografía digital, se conservó el concepto de sensibilidad ISO, aunque el funcionamiento
del sensor no tiene mucho que ver en este aspecto, y el resultado, tampoco.

ISO en Fotografía Digital: ¿Qué Es y Cómo Influye en Nuestras Fotografías?

105
Como ya te hemos dicho en otras ocasiones, la luz es el elemento más importante a la hora de realizar
fotografías. Para controlar la luz que entra en nuestra cámara, contamos con 3 parámetros
fundamentales, el conocido como "triángulo de la exposición":

• Velocidad de obturación

• Diafragma

• ISO

La diferencia principal entre la ISO y los otros dos parámetros es que tanto la velocidad de obturación
como el diafragma dejan pasar naturalmente más o menos luz hacia el sensor de la cámara, mientras
que la ISO lo que hace es amplificar digitalmente la señal, haciéndonos ganar más luz, pero a costa de
perder calidad en la imagen.

Por eso, siempre que sea posible, es recomendable dejar la ISO lo más baja posible (100 o 200
dependiendo del modelo de tu cámara), y modificar solamente los parámetros de velocidad de
obturación y diafragma. Sin embargo, esto no siempre será una opción, ya que nos podemos encontrar
diversas situaciones en las que nos veremos obligados a aumentar la ISO si queremos realizar
una fotografía bien expuesta:

• Cuando hay demasiada oscuridad

• Cuando queremos congelar un movimiento y no podemos abrir más el diafragma
• Cuando queremos cerrar bastante el diafragma para ganar más profundidad de campo
• Cuando queremos sacar más estrellas en nuestra fotografía nocturna

106
 Arriba, una fotografía disparada a 1/40, f.1,8 e ISO 100. Abajo, la misma fotografía disparada a 1/160,
f.5 e ISO 3200. Como se puede apreciar, el incremento de ruido, sobre todo en las zonas oscuras, es muy
significativo

Ruido al Incrementar el ISO: ¿Qué Es y Por Qué se Produce?

A incrementar la ISO para ganar más luz, vamos a generar ruido en nuestras fotografías. El ruido es esa
especie de grano que aparece sobre todo en las zonas más oscuras de la foto. Para entender el concepto
de ruido y cómo se genera, primero debemos comprender cómo funciona la captura de imágenes en
nuestra cámara.

Todas las cámaras digitales poseen un sensor, normalmente de tipo CMOS o CCD. El sensor de nuestra
cámara es el chip encargado de la captura de la imagen. Está compuesto por una malla de miles de celdas
fotosensibles en las que se recibe la imagen formada por la lente.

Cada una de esas celdas genera una corriente eléctrica en presencia de la luz. Esa corriente eléctrica será
luego convertida en datos numéricos que se almacenarán en forma digital binaria en la memoria de la
cámara dando origen a un píxel. Gracias a la suma de todos estos píxeles conseguiremos nuestra fotografía
final.

Además de activarse con la corriente eléctrica, cada una de esas celdas genera una cantidad más o menos
fija de corriente eléctrica (y por lo tanto de datos) al azar, aún en ausencia de la luz y en relación a la
temperatura (cuanto más elevada sea la temperatura, más generará). Estos datos aleatorios y carentes
de contenido son el tan temido ruido.

Al subir la ISO lo que hacemos no es incrementar la sensibilidad de esos elementos captores, sino por
una amplificación posterior de la señal que estos emiten. Como estos elementos tienen una emisión de
señal de base más o menos fija, al capturar una señal lumínica débil y amplificarla,
estamos amplificando también una buena porción de la emisión de datos aleatoria del chip, con lo que
se mezclará una cantidad de señal aleatoria sin contenido a la señal correspondiente a la imagen. Y
es por eso que al incrementar la ISO incrementamos también el ruido en nuestras fotos.

El ISO y el Ruido en la Edición Digital

107
Después de saber cómo se genera el ruido en nuestra cámara, que merecería la pena subexponer una
fotografía antes que incrementar la ISO, para no generar ruido. Pues estás muy equivocado. Una
fotografía mal expuesta siempre tendrá una calidad inferior a una fotografía bien expuesta. E intentar
exponerla después en programas como Photoshop o Lightroom siempre generará más ruido que si la
hubiésemos expuesto correctamente al disparar, aunque hubiera sido incrementando la ISO. Así
pues, subir la ISO no es malo, simplemente hay que controlarla y saber hasta dónde puede llegar tu
cámara.

Cada cámara tiene un tratamiento del ruido diferente, y deberás ser tú el que considere hasta qué ISO
puedes subir en tu cámara y sacar fotografías con un ruido aceptable. Siempre podemos reducir un poco
el ruido en programas de edición, pero perderemos definición y si nos pasamos podemos emborronar
tanto la fotografía que acabe pareciendo una pintura al óleo. Así pues, desgraciadamente el ruido es un
enemigo con el que tendremos que lidiar siempre.

Sin embargo, no siempre lo consideraremos "nuestro enemigo". La nostalgia vintage que se vive hoy en
día ha hecho que muchos fotógrafos opten por añadir ruido en sus fotografías con programas de edición
digital. Añadiendo ruido a tu fotografía, puedes crear un aspecto antiguo, emulando el grano tan
característico de las fotografías analógicas. Así pues, tú mismo serás el que juzgue qué cantidad de ruido
le favorece más a tus fotografías.

Conclusiones con la configuración ISO

• La mayor calidad de imagen con una cámara digital se obtendrá usándola a su menor sensibilidad
ISO equivalente.

• El uso de sensibilidades ISO mayores se traducirá en un aumento de pixeles distribuidos al azar,

principalmente en las zonas de sombra de la imagen. El ruido, a diferencia del grano, no será
proporcional en toda la imagen, sino que se manifestará de forma más evidente en las zonas oscuras.

• El ruido se manifiesta más en algunos canales que en otros. Normalmente el canal azul suele ser el
que contiene más ruido. Se puede editar este canal posteriormente con algún programa de edición
para reducir el ruido mediante una aplicación de filtros.

• Pero cuidado: es fundamental realizar una correcta exposición en nuestra foto indiependientemente
del ISO que tengamos seleccionado, ya que utilizar ISOs bajos a costa de subexponer en exceso una
foto puede dar como resultado fotos de peor calidad que las equivalentes bien expuestas con ISOs más
altos.

• Si queréis ampliar información sobre la sensibilidad ISO y ver ejemplos prácticos sobre los resultados
obtenidos con diferentes niveles de sensibilidad en distintas condiciones de luz, no os perdáis los
artículos "Sensibilidad ISO: Cuando Apertura y Velocidad no son Suficientes" y "La sensibilidad ISO y la
Importancia de una Correcta Exposición".

108
 LaAperturadelDiafragma:

La apertura de diafragma es uno de los conceptos básicos más importantes en fotografía. Conociendo y
sabiendo controlar la apertura de diafragma serás capaz de manejar aspectos tan fundamentales para
tu toma como la exposición o la profundidad de campo.
Por eso va a ser tan importante saber qué es, cómo se usa y cómo influye en nuestras fotografías. ¿No lo
tienes claro? No te preocupes, en este artículo vamos a verlo en profundidad de una manera fácil y
sencilla.
¿Qué es el Diafragma?
El diafragma es un dispositivo que forma parte del objetivo. Este dispositivo consta de unas palas que se
abren y se cierran, dejando un orificio central que permite pasar más o menos luz hacia el sensor de
nuestra cámara. Funciona de manera similar a como lo hace el iris de nuestro ojo. Se podría decir que el
diafragma "es el iris de nuestra cámara".
Es importante que tengas claro que el diafragma está dentro de nuestro objetivo, no del cuerpo de la
cámara. Por eso dependiendo del objetivo que usemos podremos tener un diafragma mínimo y máximo
diferente. En el símil que te comentaba antes, podríamos decir entonces que "el objetivo es el ojo de
nuestra cámara, y que el diafragma es su iris".

109
¿Qué es el Número f?
La apertura del diafragma normalmente aparece representada por un número llamado número f.
El número f hace referencia precisamente a esta abertura física del diafragma, es decir, al diámetro del
orificio que dejan las palas. Cuanto menor sea el número f, mayor será ese orificio, es decir, mayor será
la apertura del diafragma y, por tanto, más luz entrará en nuestra cámara. Y viceversa, cuanto mayor
sea el número f, menor será el orificio que dejan las palas y, por tanto, menor será la apertura de
diafragma, lo que se traducirá en menos luz entrando hacia nuestra cámara.

Si situamos dos objetivos muy diferentes (por ejemplo un 200mm y un 20mm) en un mismo número f
no conseguiremos un mismo diámetro real del orificio del diafragma. Para tener un estándard, se
adoptó que el número f es relativo y equivaldría al diámetro del diafragma respecto a la distancia focal
del objetivo. Así pues en todos los objetivos tendremos la misma escala de números f aunque el
tamaño físico de sus diafragmas sea más grande o más pequeño.

Por otra parte, el número f que aparece en la descripción de un objetivo es el la apertura máxima que
podremos obtener con él. En muchos objetivos zoom verás que hay un intervalo de números f. Esto
significa que la apertura máxima irá variando dependiendo de la distancia focal que estés utilizando.

110
Por ejemplo, en este objetivo vemos que el número f indicado es f/4.5-5.6. Esto significa que a su
distancia focal mínima, 55 mm, el objetivo será capaz de abrir hasta f/4.5. Sin embargo, a su distancia
focal máxima, 300 mm, solamente será capaz de abrir el diafragma hasta f/5.6.

Normalmente los objetivos zoom con un número f fijo son mejores aunque también más caros. También
cabe destacar que los objetivos de focal fija suelen tener una apertura máxima mucho mayor que los
objetivos zoom.

Cuando se dice que un objetivo es muy luminoso, lo que se está indicando es que su apertura de
diafragma máxima es muy grande (por ejemplo a partir de f/2.8).

La Apertura de Diafragma y la Exposición

La apertura de diafragma determina la cantidad de luz que entrará en nuestra cámara e incidirá sobre el
sensor. Por eso es uno de los 3 pilares básicos que forman el triángulo de la exposición:

• Velocidad de Obturación
• ISO
• Apertura de diafragma
Manejando estos 3 parámetros conseguiremos exponer correctamente nuestras fotografías. Recuerda
que, para mantener un mismo nivel de exposición, si cambias uno deberás compensar los otros usando
la famosa ley de reciprocidad.

111
Si nos centramos solamente en la apertura de diafragma, cuanto más lo abramos (número f más bajo)
más luz entrará hacia el sensor de nuestra cámara, y viceversa, cuanto más lo cerremos (número f más
alto) menos luz recibiremos.

La apertura de diafragma está distribuida en pasos o f stops. Los pasos de diafragma (o f stops) no
siguen una secuencia lineal. Como te comentaba antes, se refieren directamente al tamaño de la
abertura del orificio que dejan las palas. Así pues, encontramos que la lista de los pasos completos de
diafragma es: f/1.4, f/2, f/2.8, f/4, f/5.6, f/8, f/11, f/16, f/22. De un paso al otro dejaremos pasar
exactamente el doble (o la mitad) de luz que en el anterior. Se suele decir entonces que “abrimos” o
“cerramos” un paso de diafragma.

Sin embargo habrás visto otros números f diferentes a los que hemos dicho, ¿verdad? Eso es porque en
la mayoría de las cámaras puedes tener 2 o 3 pasos intermedios entre los pasos de diafragma
habituales, que te ayudarán a manejar la exposición con mayor precisión. Son conocidos como
“medios” o “tercios”, y puedes activarlos o desactivarlos a través del menú de la cámara.

112
La Apertura de Diafragma y la Profundidad de Campo

Además de la exposición, otro aspecto de nuestra fotografía que va a variar cuando cambiemos la
apertura de diafragma es la profundidad de campo.
La profundidad de campo es la parte de nuestra foto que apreciamos como nítida o enfocada. No solo
consta del punto de enfoque, sino toda la zona por delante y por detrás de éste que nuestro ojo capta
con una nitidez aceptable.
La profundidad de campo depende directamente de 3 factores diferentes:
• Distancia focal
• Distancia al plano de enfoque
• Apertura de diafragma

113
En lo que respecta a la apertura de diafragma, que es el tema que nos ocupa, cuanto mayor sea la
apertura de diafragma (menor número f), menor será la profundidad de campo (menos zona nítida). Y
viceversa, cuanto menor sea la apertura de diafragma (mayor número f), mayor será la profundidad de
campo (más zona nítida).

Al cerrar el diafragma se aprecia notablemente un incremento de la profundidad de campo

La Apertura de Diafragma y la Nitidez

Finalmente también es importante nombrar la nitidez cuando hablamos de la apertura de diafragma. La

nitidez es un tema que preocupa mucho a los fotógrafos, tanto profesionales como aficionados. Siempre
queremos intentar conseguir la mayor definición y nitidez posible, para que nuestra fotografía luzca en
todo su esplendor. Y parte de esta nitidez la ganamos (o la perdemos) a causa de la apertura de
diafragma.

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En términos de nitidez y apertura de diafragma podemos tratar dos temas diferentes: el punto dulce y
la difracción.

1. Punto dulce

Seguro que alguna vez has escuchado el término punto dulce o sweet spot referido al diafragma de un
objetivo. El punto dulce de un objetivo hace referencia a la apertura de diafragma óptima en la que ese
objetivo en concreto consigue una mayor nitidez en el plano de enfoque.

Cada objetivo tiene su propio punto dulce, que normalmente suele corresponder a dos o tres pasos de
diafragma por debajo del diafragma máximo. De todas formas podrás encontrar fácilmente qué punto
dulce tiene un objetivo buscando en Google “sweet spot” o “punto dulce” y el nombre del objetivo en
cuestión.

También es algo que tú mismo puedes comprobar. Simplemente coloca tu cámara sobre un trípode o
superficie estable y haz varias fotos iguales, con el mismo punto de enfoque, pero variando la apertura
de diafragma (recuerda usar la ley de reciprocidad para tener una misma exposición en todas las
fotografías). Después compara un recorte del punto de enfoque para descubrir en qué aperturas te da
los mejores resultados.

Nota: En los objetivos zoom también encontrarás el término “punto dulce” referido a la distancia focal en
la que el objetivo ofrece una mayor nitidez.

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 Podemos observar claramente que a f/5.6 ganamos más nitidez porque es el punto dulce de este
objetivo

2. Difracción

La difracción es algo que también afecta mucho a la nitidez de nuestra fotografía. Aunque ya la vimos en
profundidad en este artículo, vamos a ver rápidamente este concepto, ya que está muy vinculado a la
apertura de diafragma.

A grandes rasgos, lo que debemos saber sobre la difracción es que de manera natural un haz de luz
tiende a dispersarse al pasar por un orificio muy estrecho. Así pues, si el orificio que deja libre el
diafragma de nuestro objetivo es muy estrecho, la luz se dispersará al pasar por él, llegando de
116
manera distorsionada al sensor de nuestra cámara. Esta distorsión en la captación de la luz se traducirá
en un descenso de la nitidez de nuestra fotografía.

Después de muchas pruebas y estudios se estableció como apertura límite el f/16. Es decir, en
diafragmas más cerrados que f/16 es más probable que nos topemos con este fenómeno tan molesto
que es la difracción. Como te comentaba al principio, es cierto que dependiendo del tamaño de nuestro
objetivo las palas de su diafragma serán más grandes o más pequeñas, y el orificio que dejen a f/16 no
será igual de grande para todos. Esto quiere decir que es posible que no en todos los objetivos la
difracción se dé a partir de f/16, pero se ha establecido como una referencia estándard.

Recorte de la misma fotografía tomada con diferentes aperturas. A medida que vamos cerrando el
diafragma vamos perdiendo nitidez a causa de la difracción

117
 VelocidaddeObturación

La velocidad de obturación no solo sirve para darle mayor o menor exposición a nuestras fotografías.
Quizás en fotografías más normales, como de paisaje o de retrato, en las que nuestro punto de interés
no se mueve en absoluto, no le des mayor importancia a la velocidad. Sin embargo, en otros tipos de
fotografía dominar la velocidad de obturación será clave para conseguir buenos resultados.

La velocidad de obturación es el tiempo que va a permanecer el obturador de nuestra cámara abierto,

que es el dispositivo que deja pasar la luz hacia el sensor. Se podría decir que la velocidad de obturación
es básicamente el tiempo que tardará en hacerse nuestra fotografía.
Puede durar desde una pequeñísima fracción de segundo, hasta diversos segundos e incluso minutos.
Cuando la velocidad de obturación es mayor que un segundo se suele pasar a llamar "tiempo de
exposición".

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La velocidad de obturación forma parte del famoso triángulo de la exposición, formado también por
la apertura de diafragma y la sensibilidad ISO. Jugando con estos 3 parámetros conseguirás obtener
una exposición adecuada de tu fotografía.

En los siguientes ejemplos te aconsejaremos situar la velocidad de obturación en unos niveles concretos.
Así pues, deberás compensar esto con los otros dos parámetros para exponer correctamente tu
fotografía. Para hacerlo, puedes disparar una fotografía bien expuesta con los parámetros habituales, y
ayudarte de la Ley de reciprocidad para saber cómo compensar la subida o bajada de la velocidad de
obturación que requieras para cada situación.

10 Situaciones en las que Requerirás Dominar la Velocidad de Obturación

1. Congelar el Movimiento
Existen muchas situaciones en las que vas a necesitar congelar un movimiento. Fotografiar a alguien
corriendo sin que salga movido, captar a tu mascota mientras salta o congelar las gotitas de agua de una
fuente o cascada son ejemplos muy claros de este tipo de situación.
Para ello, necesitarás aumentar la velocidad de obturación, para que la cámara dispare lo
suficientemente rápido como para congelar el movimiento de tu sujeto e impedir que salga movido.
Evidentemente cada sujeto va a tener una velocidad diferente, por lo que lo mejor será hacer algunas
pruebas para averiguar qué velocidad de obturación requieres para congelar su movimiento.
Para que te hagas una idea, normalmente usaríamos velocidades como 1/1000 seg. para vehículos
rápidos o animales corriendo, 1/500 seg. para bicicletas y 1/250 seg. para las olas del mar. Aun así, esto
son velocidades orientativas, ya que la velocidad de cualquiera de estos motivos fotográficos puede
variar mucho.
119
Por eso lo mejor que puedes hacer es realizar algunas pruebas y, si no tienes la opción, mejor usar una
velocidad lo suficientemente alta, aunque sea demasiado, para no arriesgarte a perder la foto. Piensa
que siempre será mejor obtener una foto bien hecha aunque con algo de ruido por haber tenido que
compensar esa velocidad de obturación excesiva, que obtener una foto con el centro de interés
trepidado.

2. Barridos
Muchas veces con congelar el movimiento no nos basta. A veces, congelar por completo el movimiento
puede hacer que nuestra fotografía no transmita lo que buscamos. Por ejemplo, si congelamos el
movimiento de una moto de carreras, va a parecer que está parada, no va a transmitirnos esa sensación
de velocidad vertiginosa.
Para este tipo de fotografías, en que queremos que un sujeto en movimiento quede congelado pero no
perder ese efecto de velocidad, se suele usar el barrido. El barrido es una técnica a la que cuesta un
poco cogerle el punto, pero una vez la controles verás lo sencillo que te resulta conseguir buenos
resultados.
Para realizar un barrido deberás usar una velocidad de obturación lenta y seguir a tu sujeto a su misma
velocidad mientras el obturador está abierto. Así, tu sujeto aparecerá estático mientras que el fondo se
verá trepidado, dando esa sensación de velocidad. Si lo prefieres, puedes hacer uso de un trípode para
ayudarte a seguir a tu sujeto en línea recta.
Normalmente suelen usarse velocidades de 1/70 o 1/50 seg., aunque puedes arriesgarte y atreverte a
disparar a 1/30 seg. Cuanto más lenta sea la velocidad de obturación mayor será el efecto de barrido,
pero también será más difícil conseguir que tu sujeto no se trepide.

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3. Efecto Zoom
El efecto zoom (o zooming) sigue la misma premisa que un barrido, solo que en lugar de desplazar la
cámara de manera lateral la desplazaremos hacia adelante (o hacia atrás) o, en su defecto, variaremos
el zoom con el anillo del objetivo.
Así pues, de la misma manera que antes, usaremos velocidades de obturación lentas aunque tampoco
demasiado para evitar trepidación en nuestro sujeto. Mientras el obturador esté abierto, moveremos
la cámara o el anillo del zoom, procurando mantener a nuestro sujeto situado en la misma posición,
para conservar su nitidez y conseguir el fondo trepidado. Esta trepidación seguirá el movimiento que
hayamos hecho, así que creará un desenfoque de movimiento hacia nuestro sujeto, transmitiendo
velocidad, agobio o desesperación, por ejemplo.
Si usas un objetivo zoom, te será más fácil conseguir este efecto si montas la cámara sobre un trípode.

foto por T. J. Lentz (licencia CC)

4. Trepidación Creativa
La trepidación no siempre es un error técnico. Algunas veces se puede usar la trepidación para crear
fotografías creativas, que transmitan alguna sensación mediante esa trepidación. Por ejemplo, hace
poco me preguntaba una usuaria cómo poder sacar unas manos movidas, porque iba a hacer unas

121
fotografías a unos enfermos de parkingson. También puedes usar este recurso, por ejemplo, para
transmitir sensación de velocidad, o de mareo y desorientación.
Para conseguir que nuestro centro de interés se trepide, pero no nuestro fondo, lo mejor será montar
nuestra cámara sobre un trípode y usar velocidades lentas. Si no dispones de un trípode, calcula cuál es
la velocidad más lenta que puedes aguantar sin trepidar (normalmente rondará el 1/30 seg.), y usa
algunos trucos para ganar estabilidad, como pegar los codos a tu cuerpo, abrir las piernas o apoyarte en
una pared o superficie.
Con la cámara bien estabilizada, haremos que nuestro sujeto se mueva mientras el obturador esté
abierto, todo lo contrario a lo que se suele recomendar. Así conseguiremos que aparezca movido o
trepidado en nuestra fotografía. Como siempre, si un efecto es buscado no debe considerarse un fallo
de técnica, y así es en este caso.

5. Fotografías de Noche o con Poca Luz

Cuando el sol empieza a esconderse habrás notado que tu cámara empieza a requerir una mayor
cantidad de luz. Y cuando ya es de noche, incluso aunque estemos iluminados por las farolas de la
ciudad, nos va a seguir faltando luz para exponer nuestra fotografía correctamente.
En estas situaciones tendrás que bajar la velocidad lo máximo posible para ganar luz sin tener que
subir la ISO demasiado, para evitar el ruido. Eso sí, no la bajes demasiado si no quieres que tu sujeto
salga trepidado. Aunque uses un trípode, piensa que si tu centro de interés es una persona, ella también
se moverá. Así pues, intenta usar velocidades de obturación que ronden los 1/30 o 1/40 segundos, y
exponer correctamente tu fotografía abriendo el diafragma al máximo y subiendo la ISO lo que haga
falta.

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6. Efecto Seda
El efecto seda es uno de los efectos más buscados en fotografías de paisaje que contengan agua (ríos,
cascadas o el mar). Ese aspecto tan suave del agua transmite una belleza y una paz muy atractivas.
¿Pero qué es realmente el efecto seda? No es más que el agua trepidada; el movimiento del agua
registrado en una larga exposición.
Así pues, para conseguir el efecto seda en el agua deberás usar velocidades de obturación largas,
normalmente más lentas que 1 segundo. Cuanto más rápido y con más fuerza corra el agua, menor
velocidad requerirás para conseguir el efecto seda.
Para este tipo de fotografía sí vas a necesitar normalmente contar con un trípode, ya que en la mayoría
de ocasiones vas a disparar a velocidades más lentas que lo que tu pulso te puede permitir. Además,
normalmente también requerirás el uso de un filtro de densidad neutra (ND), sobre todo si fotografías
a plena luz del día, para evitar que tu fotografía se sobreexponga a causa de una velocidad de
obturación tan lenta.

7. Nubes en Movimiento

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Las nubes en movimiento se consiguen de la misma manera que el efecto seda del agua: usando
velocidades de obturación muy lentas. Cuanto más viento haga y más rápido se muevan las nubes,
menor velocidad de obturación requerirás para que se note este efecto. Aun así, es probable que
requieras tiempos de exposición de varios segundos para que se note bien el movimiento en las
nubes.
De la misma manera que con el efecto seda, vamos a necesitar un trípode y un filtro de densidad neutra
(ND) si disparamos de día.
Puedes conocer todos los detalles acerca de este efecto en el artículo "Cómo Conseguir el Efecto Nubes
en Movimiento con los Filtros de Densidad Neutra".

foto por Jeff Wallace (licencia CC)

8. Fotos a Estrellas
La fotografía nocturna es un tipo de fotografía muy especial. Con los parámetros habituales o el modo
automático no conseguiremos sacar gran cosa. Uno de los parámetros más importantes que deberemos
dominar para conseguir un buen resultado, es la velocidad de obturación.
Si queremos fotografiar las estrellas vamos a tener que usar tiempos de exposición bastante largos, de
entre 15 y 30 segundos. Eso sí, ten en cuenta que la rotación de la tierra hará que las estrellas salgan
movidas si nos pasamos de cierta velocidad. Aunque esto va a depender mucho de la distancia focal que
estés usando, normalmente se sitúa el límite entre los 25 y 30 segundos.
Aunque, por otra parte, sacar las estrellas movidas no tiene por qué ser un fallo técnico. Las fotografías
circumpolares precisamente utilizan esto para captar las trazas que van dejando las estrellas y conseguir
capturas muy originales.

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9. Fotografías de Lightpainting
El lightpainting es otro tipo de fotografía nocturna en el que la velocidad de obturación será clave. Como
su nombre indica, el lightpainting consiste básicamente en pintar con luz. Cualquier herramienta que
produzca luz será susceptible de ser usada para crear estas originales fotografías: linternas,
flashes, sables láser, juguetes con luz, herramientas específicamente diseñadas para lightpainting, las
luces de los coches e incluso fuego y chispas.
Para "pintar con luz" simplemente deberemos disparar una fotografía de larga exposición y mover la
fuente de luz haciendo la forma que nosotros queramos, mientras el obturador permanezca abierto.
Así, todo el movimiento quedará registrado, creando formas y dibujos, o alumbrando selectivamente
diferentes zonas de la fotografía.
El problema que nos encontramos con el lightpainting es que, normalmente, a priori no sabremos
cuánto tiempo vamos a necesitar para hacerlo. Puede que pongas 10 segundos de exposición y te
quedes corto, o que pongas 20 y te sobre demasiado tiempo. Afortunadamente contamos con el modo
Bulb, con el que podremos decidir exactamente cuándo queremos que acabe nuestra fotografía. Para
usarlo cómodamente necesitarás usar un disparador remoto. Con él simplemente deberás pulsar
cuando quieras que la cámara abra el obturador, y volver a pulsar para cerrarlo y terminar así la foto.

10. Fotografía con Flash

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Tanto si usas el flash montado sobre la zapata de tu cámara, como si usas iluminación strobist o
incluso flashes de estudio, tendrás que tener muy en cuenta la velocidad de obturación. A no ser que
uses flashes especiales con sincronización de alta velocidad (HSS), normalmente no vas a poder subir la
velocidad más de 1/200 o 1/250, ya que ésta es la velocidad de sincronización de la mayoría de
flashes. Si superas esta velocidad te aparecerá la tan temida "cortinilla", es decir, una banda más oscura
en tu fotografía.

Esto ocurre porque, al usar una velocidad de obturación tan rápida, el flash dispara cuando la cortinilla
del obturador ya está cerrándose, impidiendo así que su luz alcance a toda la fotografía.

Si estás en interior o en un ambiente muy oscuro la cortinilla será negra, pero si estás de día en
exteriores, aunque se note menos, también está ahí. Verás que el flash tan solo habrá alcanzado una
parte de tu sujeto.

foto por Steven Tsai (licencia CC)

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 LaProfundidaddeCampo
Uno de los aspectos en fotografía que más suele llamar la atención cuando empezamos a aprender,
son los juegos con la profundidad de campo: ¿cómo conseguir desenfocar el fondo? ¿de qué factores
depende? ¿por qué hay ocasiones en que por mucho que lo intento no lo consigo? ¿qué podría hacer
para conseguirlo? Si te has formulado alguna vez alguna de estas preguntas, quédate conmigo y te lo
explicaré con todo lujo de detalles.

Fotografía con poca profundidad de campo

ahora que compara la foto anterior con la que añado a continuación, y te pregunto cuál de las dos fotos
tiene más y cuál menos profundidad de campo, ¿qué me dirías?

Fotografía con la misma profundidad de campo que la anterior

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¿la profundidad de campo es la misma en las dos fotografías? La fotografía está hecha con los mismos
valores, solo cambia una cosa, y es la distancia de los elementos secundarios respecto al elemento
principal (y por ende, también respecto a la cámara). Es decir, hablando del ejemplo concreto, la canica
principal que es completamente opaca, es nuestro punto de enfoque. La profundidad de campo es la
misma en las dos tomas, aunque en una aparezcan las tres canicas enfocadas, y en la otra solo una. Esto
se debe a que hemos desplazado dos de las canicas, y por tanto las hemos sacado de la zona que vamos
a ver enfocada, es decir, de la profundidad de campo.

Ambas fotos están hechas con los mismos valores, y podemos comprobar que la zona de enfoque es
exactamente la misma.

Esto nos hace pensar que la profundidad de campo no es tan objetiva como parece. No por ver más
elementos enfocados dentro de la toma significará que tenemos una mayor profundidad de
campo. No es un concepto que podamos encorsetar, porque va a depender de distintos factores, y es
muy fácil, pero que muy fácil, afectar al resultado final de la toma.

¿Qué Es la Profundidad de Campo?

La profundidad de campo es un recurso de composición excelente como ya te contábamos en este otro

artículo. Jugando con la profundidad de campo tenemos el poder de dirigir la mirada del que ve nuestra
fotografía hacia un lugar concreto de la imagen, o hacia el conjunto general de la misma.

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Entendemos por profundidad de campo la parte de la imagen que podemos apreciar como nítida o
enfocada. Es decir, cuando vemos una fotografía y en ella se distinguen zonas más nítidas y zonas más
borrosas, la profundidad de campo se correspondería con el área de la imagen que apreciamos como
nítida. La zona por delante y por detrás del sujeto u objeto que hemos enfocado y que nuestro ojo ve
con una nitidez aceptable.
Si somos estrictos, enfocado al 100% solo va a haber un plano, que es el que traducirá, por así
decirlo, un punto de la realidad en un punto de nuestro sensor. El resto estará desenfocado. Pero es
cierto que ese desenfoque va a ser muy pequeño entre los elementos que estén situados cerca del
plano de enfoque que hayamos escogido, y que nuestro ojo puede percibirlos como enfocados. A
medida que nos alejemos del plano de enfoque, ese desenfoque se hará más evidente.

Así pues, al área en la que nuestro ojo considera que los elementos tienen un grado de nitidez
admisible, es a lo que llamamos profundidad de campo.
Se suele apuntar a que en ese rango de nitidez que es la profundidad de campo, la distancia enfocada es
de 1/3 por delante del punto de enfoque, y 2/3 por detrás del punto de enfoque. Pero lo que tienes que
saber es que la profundidad de campo NO tiene por qué corresponderse con la mayor o menor cantidad
de elementos nítidos que aparezcan en el encuadre. No debemos confundirnos, porque eso NO ES la
profundidad de campo.
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Factores que Influyen en la Profundidad de Campo
Ahora que ya comprendemos un poco más el concepto de profundidad de campo, vamos a ver cuáles
son los factores que van a influir en la mayor o menor profundidad de campo que pueda tener una
fotografía.

1. Apertura de diafragma (nºf)

La primera variable que influye en la profundidad de campo es la apertura de diafragma.

Cuanto más abierto tenemos el diafragma, es decir, cuanto menor sea el número f, menor será la
profundidad de campo de nuestra imagen, por lo que serán más los elementos que aparezcan
desenfocados en ella.
Y al revés, cuanto menos abierto esté el diafragma (o cuanto más cerrado esté), es decir, cuanto mayor
sea el número f, mayor será la profundidad de campo, y serán más los elementos que aparezcan con
una nitidez aceptable.
Veámoslo en el gráfico.

Como se observa en el gráfico, con un número f mayor la distancia que aparecerá con una nitidez
aceptable será mayor que si utilizamos un número f más pequeño.
Así, una fotografía tomada desde un punto de vista y con un objetivo con apertura a f16 tendrá mayor
profundidad de campo (más zona nítida) que otra tomada con el mismo objetivo y desde ese mismo
punto con una apertura de f2.

130
Como vemos en el ejemplo, la primera de las imágenes está realizada a un número f menor, por lo que
la zona nítida es muy concretra. A medida que cerramos el diafragma observamos como empezamos a
distinguir los elementos que se sitúan detrás del punto de enfoque.Con el último ejemplo, incluso ya se
adivinan los número sque aparecen en el objetivo.

El número f es el elemento utilizado en fotografía para identificar la apertura. Si no estás familiarizado

con el concepto o simplemente te interesa conocer el motivo por el que se utilizan esos valores a la hora
de identificar las aperturas en los objetivos, te recomiendo que no dejes de leer el artículo "El Misterioso
Significado del Número F".

2. Distancia al plano de enfoque

La segunda de las variables es la distancia que existe entre la cámara y el plano de enfoque.

Conforme el sujeto u objeto que vayamos a fotografiar esté más cerca de la cámara, tendremos una
profundidad de campo menor. Mientras que si nuestro sujeto u objeto está más lejos de la cámara, la
profundidad de campo será mayor.

131
Eso significa que partiendo de que estamos haciendo la fotografía con el mismo objetivo y la misma
apertura fijada de antemano, cuanto más cerca nos encontremos del elemento que estemos
enfocando, menor será la profundidad de campo, y cuanto más lejos nos encontremos del elemento
que estemos enfocando, la profundidad de campo será mayor. En el siguiente gráfico podemos
comprobarlo.

Y para ver cómo afecta, en las siguientes fotografías verás como con un mismo encuadre y una misma
distancia focal, la profundidad de campo ha ido variando a medida que hemos desplazado el objeto a
fotografiar. Conforme la figura estaba más cerca del fondo y más alejada por tanto de la cámara, la
profundidad de campo era mayor. Sin embargo, al ir desplazando la figura y alejandola de ese fondo
para acercarla a la cámara, la profundidad de campo se va reduciendo.

132
3. Distancia focal del objetivo (zoom)
Por último, la distancia focal de nuestro objetivo también va a influir en la mayor o menor profundidad
de campo de nuestras fotografías.

133
A medida que usamos objetivos con una focal más larga como por ejemplo los teleobjetivos (85mm,
200mm, 300mm, etc.), si hacemos más zoom con una lente, nuestra toma tendra una profundidad de
campo menor. Mientras que si utilizamos focales cortas (10 mm, 16mm, 20mm,etc.), dicho de manera
muy siemple si quitamos zoom, nuestra foto tendrá una profundidad de campo mayor. Veámolo en el
gráfico.

Esto podríamos simplificarlo diciendo que a menos milímetros de focal, más zona nítida conseguirás en
tu fotografía, tal y como queda reflejado en las siguientes tomas.

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Hemos recortado las tomas para comparar en la misma zona cómo influye el uso de una distancia focal u
otra.

¡Cálcúla la Profundidad de Campo!

Como hemos explicado, la profundidad de campo depende pues, de estos tres factores: apertura del
diafragma, distancia al objeto y focal del objetivo. A partir de estos parámetros es posible calcular el
valor de la profundidad de campo que vamos a obtener al hacer una foto.

Si quieres calcular la profundidad de campo para unas características determinadas, a continuación te

recomendamos un par de calculadoras que te permitirán conocer el valor de la profundidad de campo
para tu cámara digital a partir de las distintas variables que hemos comentado.

Simplemente tienes que introducir los parámetros de los que depende la profundidad de campo y la
herramienta te dirá cual es la profundidad de campo que vas a conseguir.

• DOFMaster
• Calculadora profundidad de campo (Photopills)

135
Premisas Antes de Adentrarse en el Maravilloso Mundo de la Profundidad de Campo

Vale, me has pillado. No solo son los tres factores que te explicado antes los que van a influir en el
concepto de profundidad de campo. Como muchos de vosotros habréis podido adivinar, el tamaño del
sensor de vuestra cámara y el tamaño del círculo de confusión van a influir tanto o más en el concepto
que estamos abordando, pero hemos preferido hablar de los tres más destacables y partir de que
trabajamos con un mismo círculo de confudión y un mismo tamaño de sensor. Aún así, para que
entendáis por qué hay más factores que influyen en la profundidad de campo, hagamos una breve
explicación.

Del círculo de confusión ya te hablábamos en este otro artículo, pero hagamos memoria. Lo que viene a
decirnos este complejo término, es que ese rango de nitidez que van a tener nuestras imágenes, esa
zona que vamos a considerar como aceptablemente nítida y que llamamos profundidad de campo,
dependerá de múltiples variables. No quiero liaros con esto, pero por tratar de dejarlo más claro... no
es lo mismo ver una imagen en nuestra pantalla de 24 pulgadas del ordenador, que en la de 5 pulgadas
de nuestro móvil, por ejemplo. Si vemos esa misma imagen, en el móvil nos parecerá que hay más
elementos enfocados por lo pequeña que estamos viendo la toma. Sin embargo, al verla en un monitor
mucho más grande, comprobaremos que no había tantas cosas enfocadas como pensábamos.

Seguro que alguna vez has hecho una toma con tu cámara y creías que estaba perfectamente enfocada,
pero al llegar a casa y verla en el ordenador te has dado cuenta de que podías haber afinado más el
foco. Esto es porque al verlo en una pantalla mucho más pequeña, los "fallos" nos pasan más
desapercibidos, así como también nuestro criterio de profundidad de campo o "zona nítida aceptable"
es bastante más amplia que en monitor grande.

Y este es solo uno de los ejemplos que puede hacer que el círculo de confusión varíe, afectando por
tanto a la profundidad de campo. También influye la distancia a la que veamos esas fotografías por
136
ejemplo, o la agudeza visual del que las observa, así como también el tamaño de impresión y por
supuesto, el tamaño del sensor de la cámara con la que haremos la foto.

El tamaño del sensor va a influir en la mayor o menor profundidad de campo en la toma puesto
que cuanto más grande sea el sensor, podremos lograr una menor profundidad de campo, y cuando
menor sea el sensor, mayor será la profundidad de campo. Y esto se entiende si pensamos en la
cámara de nuestro móvil o una cámara de acción por ejemplo como las Gopro, que tienen un sensor
muy pequeño y por eso aparecerá casi todo enfocado. Mientras que si cogemos una réflex full frame o
de formato completo, la profundidad de campo con los mismo valores será muchísimo menor.

TemperaturadeColor: BALANCEDEBLANCOS

Es posible que hayas oído hablar alguna vez de la "temperatura de color", pero que no tengas claro lo
que es. Está muy relacionada con el "balance de blancos", otro concepto que probablemente te suene.

fotografia más rojiza o anaranjada (cálida), o mucho más azulada (fría). Es decir, ha salido con una
"temperatura de color" diferente. Esto lo podemos corregir con el balance de blancos, que te explicaré
más adelante. Vamos primero con la temperatura de color.

137
 A la izquierda, una fotografía con temperatura de color fría, tomada a 3230K. A la derecha, la misma
fotografía con una temperatura de color cálida, a 7690K.

¿Qué es la Temperatura de Color?

Podríamos definir temperatura de color como la dominancia de alguno de los colores del espectro
lumínico sobre los demás, de modo que altera el color blanco hacia el rojo o hacia el azul en dicho
espectro. ¿Qué quiere decir eso? Pues que la luz, ya sea natural o artificial, tiene una dominante de
color que tiende hacia el rojo (pasando por el amarillo y el naranja), o hacia el azul (pasando por el
blanco). Esto hará que los tonos de nuestra fotografía se alteren, y que el blanco no aparezca como un
blanco puro, sino que tenderá a ser rojizo o azulado.
El color de la luz, o la temperatura de color, se mide en Kelvin, donde el color blanco o neutro se sitúa
en los 5.500 K, que equivaldría a la luz del mediodía. La luz con temperatura menor de 5.500K se irá
haciendo más amarillenta gradualmente, hasta alcanzar tonos anaranjados y finalmente rojizos. Por
otra parte, la luz con temperatura mayor de 5.500K se irá haciendo más azulada gradualmente, desde
un tono cian hasta un tono azul marino.

Así pues, un día nublado podría llegar a los 12.000K, es decir, tendría una luz muy azulada, mientras que
un atardecer bajaría hasta los 2.000K, es decir, tendría una luz muy anaranjada. A continuación
encontrarás una tabla donde están situados varios ejemplos en su correspondiente temperatura de
color.

138
¿Cómo Influye el Balance de Blancos en la Temperatura de Color?
Así como nuestros ojos son capaces de compensar la temperatura de color que hay, nuestra cámara no
será capaz de hacerlo correctamente por sí sola. Por eso será importante decirle a nuestra cámara qué
temperatura de color hay en el ambiente en el que estamos, mediante el balance de blancos. Hoy en
día la mayoría de las cámaras digitales tienen un apartado de balance de blancos en su menú. Podremos
encontrar 4 maneras diferentes de decirle a nuestra cámara qué temperatura de color tiene la luz en
donde estamos haciendo la fotografía.
1. Modo automático: El modo automático es el menos preciso de todos, ya que la cámara interpreta
mediante su sensor qué tipo de luz hay. Normalmente funciona bien con luces neutras, pero si nos
encontramos en un atardecer, o una habitación con luz artificial, es posible que no nos de un buen
resultado.

2. Modos semiautomáticos: La mayoría de cámaras tienen unos presets de balance de blancos en los
que le podemos indicar a la cámara situaciones específicas, como luz artificial, día soleado, día
nublado, atardecer, etc. Estos modos suelen funcionar bastante bien en situaciones estandard, ya
que podremos indicarle a la cámara en qué situación nos encontramos. Sin embargo, no nos
servirán si nos encontramos en un ambiente diferente, o si queremos conseguir un balance de

139
 blancos que no sea neutro.

3. Personalizado: Aunque no todas, muchas cámaras te darán la opción de personalizar el balance de

blancos haciéndole una fotografía a una superficie blanca o con un gris neutro, para que la cámara
determine cuál es el blanco en ese ambiente y adecúe los demás tonos a ese que le hemos
indicado. Pese a que existen unas tarjetas llamadas "carta de grises" que te permiten llevar
siempre encima blanco, gris y negro neutros, también puedes usar un folio, o incluso una pared
blanca que haya en el lugar.

4. En Kelvin: Muchas cámaras también te ofrecen la opción de especificar tú mismo en qué número
Kelvin queremos tomar la fotografía. Sin embargo, esto tenemos que entenderlo bien porque
puede llevarnos a confusiones. Si por ejemplo ponemos 2000K en este menú pensando en la tabla
que hemos visto anteriormente, podríamos pensar que la fotografía nos saldrá con una
temperatura de color anaranjada. Sin embargo nos saldrá una foto muy azulada.¿Por qué ocurre
esto? No, no nos hemos equivocado. Lo que ocurre es que la cámara no está disparando a 2000K,
sino que está intentando compensar los 2000K que "le hemos dicho que hay en el ambiente" con
ese tono azulado, para que el blanco sea blanco puro. Eso es lo que hace este modo: nosotros le
indicamos qué Kelvin tenemos en el ambiente, para que ella lo compense y deje el blanco de color
blanco. Sin embargo, este modo normalmente no lo usaremos así, sino que lo usaremos para
"engañar" a nuestra cámara, para conseguir exactamente la temperatura de color que más nos
interese.
140
Finalmente, recuerda que un balance de blancos que no sea neutro no siempre será incorrecto.
Muchas veces no buscaremos que el blanco sea blanco, sino que querremos darle a nuestra fotografía
una temperatura de color más atractiva. Por ejemplo, en una atardecer será más interesante tener una
dominante anaranjada o cálida, mientras que en una fotografía nocturna quizás nos interese más tener
una dominante azulada o fría.

Por eso es importante conocer también los modos manuales del balance de blancos, y no depender
únicamente de los modos automáticos. Así podremos determinar exactamente qué temperatura de
color queremos que tenga nuestra fotografía.

La Temperatura de Color en la Edición Digital

Pese a que siempre recomiendo intentar sacar tu fotografía lo mejor posible directamente en tu cámara,
para tener que procesar lo menos posible, también podemos ajustar la temperatura de color en
programas de edición como Photoshop o Lightroom. Podremos editar imágenes tanto en formato RAW
como en formatos comprimidos como JPG, PNG o TIFF.

141
 PLANOS DE FOTOGRAFIA
Qué Son los Tipos de Plano?
Cuando encuadramos mirando a través de nuestro visor o de la pantalla de nuestra cámara, estamos
decidiendo qué tipo de plano vamos a disparar. Tanto la posición de la cámara como la escala del
elemento protagonista determinarán el encuadre final de nuestra foto, es decir, el tipo de plano.
Los tipos de plano nos describen una serie de estándares a la hora de encuadrar nuestro elemento
protagonista. Aunque muchos de estos tipos de plano están enfocados a planos para retratos, no se
usan exclusivamente en este tipo de fotografía, sino que los podemos generalizar a cualquier tipo o
estilo. Van a referirse al objeto protagonista de nuestra foto, ya sea una persona, un animal, un objeto,
o cualquier elemento en el que se focalice la fotografía.

Tipos de planos de fotografía

Los tipos de plano son una guía, no una norma, y es por eso que, como siempre, podemos romper las
reglas y realizar el encuadre a nuestro gusto y criterio. Sin embargo, pueden ayudarte a mejorar tus
fotos, sobre todo si te estás iniciando en la fotografía. Gracias a los tipos de plano vas a aprender a
analizar tu fotografía antes de disparar, y no después. Esto es porque al intentar realizar un tipo de
plano concreto vas a mirar por completo tu encuadre a través del visor o de la pantalla, visualizando así
dos cosas que normalmente pasamos por alto, sobre todo cuando estamos empezando, y que son tan
importantes como nuestro sujeto o elemento protagonista:

• El fondo: Normalmente obviamos el fondo y solo nos centramos en mirar a nuestro elemento o
sujeto protagonista. El fondo es igualmente importante y debemos cuidarlo también. Observa qué
aparece detrás de tu protagonista, y pregúntate cómo podrías mejorarlo. Quizás simplemente
moviéndote unos pasos puedas disparar una foto mucho más atractiva, gracias al fondo.

• Los bordes del encuadre: Muchas veces nos fijamos solamente en la parte central de nuestro
encuadre, y no nos damos cuenta, por ejemplo, de que nuestro borde está cortando alguna parte de
nuestro sujeto protagonista o del fondo. Prestar atención a los bordes será importante para realizar
una buena fotografía.Recuerda siempre que si tu elemento principal es una persona, nunca deberías
realizar un plano que corte alguna de sus articulaciones o alguna mano o pie, ya que será
técnicamente incorrecto. Aunque, como siempre, las reglas pueden romperse siempre y cuando esté
justificado.

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Tipos de Plano Según la Situación del Elemento Protagonista

La primera clasificación que encontramos para definir los tipos de plano es respecto a la situación de
nuestra persona o elemento protagonista, es decir, respecto a su escala dentro de la propia fotografía.
En orden, de más abierto a más cerrado encontramos los siguientes tipos de plano:

1. Gran Plano General

Este tipo de plano es el más abierto de todos, y comprende una gran cantidad de paisaje. Suele hacerse
con objetivos gran angular u ojo de pez, ya que abarcan un mayor ángulo de visión. Otro buen recurso
para realizar este tipo de plano es montar una fotografía panorámica realizando diversas fotos del lugar.

2. Plano General

Este tipo de plano muestra también una gran cantidad de paisaje, pero no de una manera tan
lejana. Suele tener también algo que protagoniza el plano, un punto de interés, no es simplemente un

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paisaje amplio. Pese a tener un elemento o persona protagonista, el fondo tendrá casi la misma
importancia que éste, por lo que deberemos prestarle especial atención a la hora de encuadrarlo.

3. Plano Entero
Nuestra persona o elemento de interés sale completamente, protagonizando la fotografía y ocupando
de arriba a abajo todo el encuadre. Puedes apurar más o menos este encuadre, para llenar más o menos
la fotografía, pero mucho cuidado con cortar los pies. Muchas veces nos centramos tanto en el centro
de la fotografía que olvidamos mirar a los bordes antes de disparar.

A partir de este tipo de plano hasta el Plano Medio, la importancia de la persona reside en su pose, ya
que su cara va a estar demasiado alejada como para ser el foco de atención. Pese a esto, el protagonista
de nuestro ejemplo va a quedarse en una postura neutra para que puedas visualizar más
fácilmente todos los tipos de plano.

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4. Plano Americano
A partir de esta escala, estos tipos de plano ya están pensados más bien para fotografía de retrato. El
plano americano viene heredado de la cinematografía americana, concretamente de los
westerns. Muestra 3/4 de la persona, cortando justo por debajo de las caderas, a medio muslo.

Es importante que tengas en cuenta el borde inferior de tu encuadre, ya que cortar la articulación, justo
a la altura de la rodilla, está considerado como técnicamente incorrecto.

5. Plano Medio Largo

Este tipo de plano encuadra a nuestro protagonista a la altura de la cadera. Ten mucho cuidado a partir
de este tipo de plano, ya que los brazos entran en acción. En este tipo de plano es posible que, si no nos
fijamos, cortemos las manos o los dedos. Como te comentaba antes es muy importante fijarse en los
bordes de nuestro encuadre para visualizar qué entra y qué se queda fuera.

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6. Plano Medio

Este tipo de plano encuadra a nuestro protagonista a la altura de la cintura. Aquí el tema del corte de
brazos será mucho más delicado, ya que si nuestro protagonista tiene los brazos estirados, las manos se
saldrán del encuadre. Procura no cortar las manos a la altura de las muñecas.

7. Plano Medio Corto

Este tipo de plano encuadra a nuestro protagonista por debajo del pecho, a modo de busto. Al ser un
tipo de plano más cercano, ya empezamos a focalizarnos más en la cara de nuestro sujeto más que en su
pose. Como te comentaba al principio, es importante no cortar articulaciones, por lo que si el sujeto
tiene los brazos estirados deberías cortarlos a mitad de antebrazo, antes de llegar al codo.

8. Primer Plano

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Este tipo de plano encuadra a nuestro protagonista por encima del pecho y debajo de los hombros,
focalizándonos en su rostro. De la misma manera que antes, procura cortar los brazos a la altura del
bíceps, para no cortarlos a la altura del codo.

9. Primerísimo Primer Plano

Este tipo de plano es más cercano que el primer plano, focalizándose principalmente en la cara de
nuestra persona retratada. Normalmente corta a mitad de frente y a mitad de barbilla si hacemos la
foto en horizontal, o a mitad de cuello y a mitad de cabeza si la hacemos en vertical.

Suele usarse para enfatizar algún rasgo de la cara, como la mirada o los labios, o para centrarnos en su
expresión facial (sorpresa, miedo, felicidad, enfado...).

10. Plano Detalle

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Este tipo de plano se centra en alguna parte concreta de nuestra persona o elemento protagonista, en
algún detalle de éste, para resaltarlo. Si, además, usamos profundidades de campo pequeñas, este
detalle se enfatizará todavía más.

Tipos de Plano Según la Angulación de la Cámara

Otra de las clasificaciones de tipos de plano que podemos encontrar se determina en función de la
angulación de la cámara respecto al suelo. Estas dos clasificaciones no son exclusivas la una de la otra,
sino que se combinan.
Estos tipos de plano no solo van a mostrar a nuestro protagonista de diversas maneras, sino que van a
generar sensaciones muy diferentes.
1. Plano Normal
Este es el plano estándard, y corresponde a una situación no angulada de la cámara, es decir, está
situada paralela al suelo. En este tipo de plano, el elemento protagonista de la foto está a la misma
altura que la cámara. En el caso de las personas, la cámara se sitúa a la altura de los ojos de nuestro
protagonista.

2. Plano Picado

Este tipo de plano se consigue situando la cámara por encima de la persona o elemento protagonista de
nuestra foto. En el caso de las personas, la cámara debe estar por encima de sus ojos, ligeramente
angulada mirando hacia abajo. El plano picado empequeñece a nuestro sujeto, haciéndolo parecer
inferior.

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3. Plano Contrapicado

Este tipo de plano se consigue situando la cámara por debajo de la persona o elemento protagonista de
nuestra foto. En el caso de las personas, la cámara debe estar por debajo de sus ojos, ligeramente
angulada mirando hacia arriba. El plano contrapicado consigue engrandecer a nuestro sujeto,
haciéndolo parecer superior, magnificente, y lo dota de poder o importancia.

4. Plano Cenital

En este tipo de plano la cámara se sitúa justo encima de nuestro sujeto o elemento protagonista,
mirando directamente hacia el suelo. No es un tipo de plano muy común, ya que solo funciona bien en
situaciones específicas, pero precisamente por eso suele llamar la atención. Conocerlo y experimentar
con él será muy útil para desarrollar nuestra creatividad.

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5. Plano Nadir

Al contrario que en el plano anterior, en este tipo de plano la cámara se sitúa por debajo del sujeto,
mirando completamente hacia arriba. Al ser una perspectiva muy poco usada, este tipo de plano atrae
mucho visualmente, porque nos muestra el mundo desde un punto de vista diferente. También es ideal
para desarrollar nuestra creatividad.

6. Plano Holandés o Aberrante

Este tipo de plano es un plano especial, que estaría a parte de todos los demás, ya que no es exclusivo
con el resto, sino que podemos combinarlo con cualquiera de los planos que hemos visto hasta ahora.
Aquí la angulación con el suelo va a ser indiferente, ya que en el plano holandés lo que prima es la
angulación con el horizonte.

Para conseguir este tipo de plano, inclinaremos significativamente nuestra cámara dejando el
horizonte en diagonal. Es importante inclinarlo lo suficiente para que se note que está hecho a
propósito, y no se confunda con un error técnico.

Este tipo de plano nos puede servir para dirigir la mirada del espectador, para jugar con las líneas de la
imagen, para crear sensación de movimiento o, incluso, para crear una sensación de inestabilidad.

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 LaRegladelosTercios:

La Regla de los Tercios es una de las reglas más básicas de composición fotográfica. Quien más y quien
menos la ha oído mencionar alguna vez, aunque es posible que no tengas claro del todo lo que significa.
En las siguientes líneas te explicamos en qué consiste la regla de los tercios, y como aplicarla para mejorar
drásticamente tus composiciones fotográficas. Tus fotos nunca volverán a ser iguales una vez entiendas
qué es y cómo funciona.

La Famosa Regla de los Tercios

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La regla de los tercios es una de las reglas de composición más famosas dentro del mundo de la
fotografía. Es uno de los primeros recursos compositivos que uno descubre y probablemente sea de los
primeros en aprenderse tanto por su sencillez como por lo efectivo que es en sus resultados.

La regla de los tercios es un medio simple de aproximación a la proporción áurea, de la que ya te

hablábamos en este otro artículo, y que trata la distribución del espacio dentro de la imagen que genera
una mayor atracción respecto al centro de interés.

Con la regla de los tercios conseguirás dotar a tus fotografías de una sensación de profundidad y
lograrás que se aprecie un mayor equilibrio, guiando al ojo del espectador directamente al punto de
mayor interés.

¿En Qué Consiste Exactamente la Regla de los Tercios?

Mira una de tus fotografías y mentalmente divídela en tres tercios imaginarios, tanto horizontales
como verticales. La imagen te quedará dividida en 9 partes iguales, y los cuatro puntos de intersección
de esas líneas son los que van a fijar los puntos adecuados para situar el centro, o centros, de interés de
nuestra foto. De esa forma estaremos rompiendo con la común costumbre de situar a nuestro sujeto o
elemento protagonista justo en el centro del encuadre.

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 Cada uno de estos cuatro puntos de intersección se denominan puntos fuertes. Cuando estemos
haciendo una foto, si solo existe un único punto de interés, es preferible situarlo en uno de los cuatro
puntos de intersección mencionados en lugar de hacerlo directamente en el centro de la foto. Esto suele
generar mayor atracción en el espectador que cuando el centro de interés esta en el mismo centro de la
fotografía.

Varios Centros de Interes

En caso de que en la foto hubiera dos centros de interés, es recomendable buscar dos de estos puntos, y
siempre que sea posible opuestos, formando una diagonal en la foto. Veámoslo mejor con un ejemplo.

¿Qué Consigo Aplicando la Regla de los Tercios?

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 No en todas tus fotografías tendrá sentido aplicar la regla de los tercios, pero por norma general, tus
imágenes serán más atractivas debido a que:
• Se crea una sensación de equilibrio.
• La imagen adquiere más interés y complejidad que si colocáramos simplemente al sujeto u objeto en
el centro del encuadre.
• La foto tiene más fuerza y energía.
• La imagen gana sensación de profundidad y deja de ser plana.

Algunos Ejemplos Ilustrativos

Podría hablarte largo y tendido sobre la regla de los tercios, pero sin una imagen que lo ilustre de poco
valdría. Por eso, a continuación, vamos a ver algunos ejemplos prácticos.
Tenemos la costumbre de situar los elementos en el medio del encuadre, pensando que de esa forma lo
equilibramos más, pero esto no es del todo cierto. Un caso muy recurrente es cuando realizamos
fotografías en las que aparece la línea del mar o alguna cadena montañosa por ejemplo.

El protagonista de la imagen es claramente el pueblo, el cual podríamos haber situado exactamente en el

rectángulo central de la imagen. Pero hacerlo hubiera supuesto que otro de los grandes atractivos de la
imagen, ese cielo con nubes tan azulado, hubiera pasado muy desapercibido. Situando el pueblo en el
punto de interés inferior de la derecha, nuestra mirada se dirige a él pero luego podrá admirar el bonito
cielo. En este caso, la regla de los tercios está íntimamente ligado a la regla del horizonte.

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Lo de situar al elemento protagonista en una de los puntos de interés para ganar en composición no no
solo pasa cuando hacemos fotos de paisajes, sino que también se aplica a los retratos.

Imagina que vas a sacar una foto en la que tu objeto o sujeto protagonista está en el medio del encuadre.
A la foto le falta armonía, le falta equilibrio. Prueba a cambiar de encuadre y a situarlo en uno de los
puntos de interés, bien sea porque se percibe que el sujeto se dirigirá hacia esa dirección, o porque
simplemente es en ese punto en el que le otorga equilibrio a la composición ¿No crees que la imagen está
bastante más atractiva? Quien la vea ahora sabe exactamente a qué lugar tiene que dirigir su mirada
primero, queda evidente cuál es el foco de interés.

¿Cuándo Aplico la Regla de los Tercios?

Seguro que más de una vez has escuchado la famosa frase de "Eso lo arreglo yo después en
Photoshop". Por supuesto, puedes seguir la regla de los tercios cuando vayas a editar la foto, pero como
todo, lo mejor será que la apliques ya a la hora de al hacer la foto.

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Hay incluso quien pega en la pantalla una pegatina transparente sobre la que hace unas marcas, ya que
como ayuda puede serte muy útil. Eso sí, no es necesario.

Otra opción como te adelantábamos hace un momento, aunque solo sea recomendable en ciertos
casos, es realizar un reencuadre posterior con programas de retoque fotográfico como Photosop o
Lightroom. En este artículo te explicamos cómo reencuadrar una foto y aprovecharte de la aplicación de
la regla de los tercios de forma sencilla.

Más Ejemplos Sobre el Uso de la Regla de los Tercios

Veamos unas cuantas aplicaciones prácticas de la regla de los tercios. El primer caso lo vamos a ver con
una fotografía de paisaje. La toma está hecha en el Monument Valley, y vemos como dentro de ese valle
lo que destaca son esas tres formaciones rocosas, sobre todo las dos que se encuentran más próximas a
la cámara. Se podía haber situado una en el centro, pero al hacerlo de esta manera, y colocarlas también
en el segundo tercio del horizonte ganamos en equilibrio. Además de esta forma se ha podido captar el
rayo en su plenitud.

Otro ejemplo es el de fotografía de flores. Como puedes ver en los siguientes ejemplos siempre queda
bien situar el centro de atención en uno de los puntos de interés.

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Aunque en este caso también hay ocasiones en las que situando la flor en el centro y rellenando el
encuadre puedes otorgarle fuerza a la fotografía.

En retratos la regla de los tercios suele funcionar muy bien. Puedes colocar otro punto de interés con el
que el sujeto interactúe, o simplemente dejar espacio vacío en esa parte.

En esta otra foto tenemos a un protagonista situado en uno de los puntos principales contemplando el
paisaje que tiene ante él. Aquí al seguir la regla de los tercios hemos ganado en profundidad, y además
evitamos ocultar uno de los principales motivos del paisaje, el lago.

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Si por el contrario la vista que tiene el sujeto no es demasiado relevante, entonces puedes saltarte la
regla y colocar a tu sujeto en el centro.

El punto de fuga En este caso te diré que encontrarás más ejemplos en los que no se sigue la regla de los
tercios, pero dependiendo de los elementos del entorno seguirla puede ser tan o más interesante.

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Una de las excepciones en las que en la mayoría de ocasiones suele funcionar mejor colocar el foco de
interés en el centro es cuando hay elementos simétricos en nuestro encuadre. Reflejos, líneas
paralelas… mira los siguientes ejemplos y compruébalo tú mismo.

Y ¿por qué no? A veces simplemente quieres que el centro de interés esté justo en el centro.

Las Reglas Están para Romperlas

Ahora que te hemos explicado qué es la regla de los tercios y cómo su aplicación puede ayudarte a mejorar
la composición de tus imágenes, es el momento de decirte que las reglas están para romperlas.

Las reglas en fotografía son como una especie de ayuda para guiarnos hacia mejores resultados
fotográficos, eso está claro. Pero una vez las conoces, una vez sabes aplicarlas y sacarle todo su potencial,
ha llegado el momento de que juzgues si tu próxima imagen tiene que estar sujeta a ella o por el
contrario vas a romper con esa regla y mostrar una visión nueva y más creativa.

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 PRACTICA
1. RECORTAR FOTOGRAFIA EN PLANO AMERICANO

2. RECORTAR FOTOGRAFIAS DE REVISTAS EN PRIMERISIMO PRIMER PLANO

3. RECORTAR FOTOGRAFIAS EN PLANOS DETALLE

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 PRACTICA FINAL
1. Obtener fotografías mediante su cámara con todos los planos de fotografías y angulos de
fotografías.

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BIBLIOGRAFIA
http://es.wikipedia.org/wiki/Microsoft_Power_Point
http://es.wikipedia.org/wiki/Programa_de_presentaci%C3%B3n
http://office.microsoft.com/es-es/publisher-help/introduccion-HA010100492.aspx
Teoria del diseño grafico de Gabriela Bustos Rojos ed. Red Tercer Milenio 2012 Mexico.
https://www.dzoom.org.es/fotografias-mas-nitidas/
ACTIVIDADES
1. ¿Qué son los medios de comunicación masiva? 2.
2. ¿En qué áreas son utilizados los medios de comunicación masiva?
3. 3. ¿Cuál es el principal objetivo de los medios de comunicación masiva?
4. 4. ¿Quiénes integran la masa heterogénea formada por los medios de comunicación masiva?
5. 5. ¿Quién realizó la primera clasificación de los medios de comunicación masiva en 1972? 6.
¿En qué clasificación se incluyen medios como el periódico, las revistas y los folletos? 7. ¿Cuál
es la clasificación de medios de comunicación masiva, que incluye a los medios que no
requieren del uso de ninguna clase de técnica o tecnología por parte del emisor de contenidos
ni del receptor d los mismos? 8. ¿Cuál es el nombre del científico alemán que en 1997 agregó
un nuevo rubro a la clasificación realizada en 1972? 9. ¿Qué nuevo rubro se agregó en 1997 a
la clasificación de los medios de comunicación masiva? 10. ¿En qué clasificación se incluyen
medios como la televisión, la radio o el telégrafo? 11. ¿Por qué los medios primarios son
considerados medios de comunicación masiva?

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