Mi primera reacción al escuchar a Mark Turner fue de gratitud.

Aquí había alguien en términos

íntimos con la música. Escuché a alguien que había asimilado una gran cantidad de
información, pero que ya estaba mirando hacia adentro para expresarse. No había nada
estridente en su forma de tocar. Poseía una ecuanimidad envidiable respecto a la
improvisación, permitiendo que las ideas tomaran forma por sí mismas. Este tipo de activos
musicales probablemente tengan que ver con una fe básica e inmutable que Mark tiene en el
proceso creativo en sí, y estaban en su lugar cuando lo escuché por primera vez, en 1992.

¿Qué es lo que le da a un músico su “estilo” personal? A menudo, son las cualidades rítmicas y
melódicas las que nos atraen: frases que se tambalean "detrás del ritmo", una improvisación
inspirada que decimos "podría haber sido una canción completamente nueva". Se habla
menos, quizás porque la terminología se vuelve más especializada, es la huella armónica
específica que un jugador puede dejar. La escala de doce tonos siempre nos atrae. Es un
conjunto atemporal de elementos que contienen el potencial de infinitas variantes. Lo que un
músico guarda y tira dentro de todo eso es lo que le da una voz subjetiva, una tarjeta de visita
del sentimiento. La melodía, debido a su simplicidad monofónica, se percibe en un nivel
objetivo: una melodía "buena" se mide en función de su universalidad. Pero cuando estos
tonos se mezclan, la experiencia se fragmenta a medida que cada oyente encuentra empatía
con las implicaciones armónicas de una obra en particular. Cuando somos "movidos" de esta
manera, es en un nivel interior profundo.