INSTITUTO JUAN DE SAN MIGUEL

PREPARATORIA PARTICULAR
INCORPORADA
CICLO ESCOLAR 2017-2018

“LA EXCLUSIÓN DEL ARTE EN URUAPAN ”

Franco Quezada Esteban

Ciencias sociales

URUAPAN MICH. JUNIO 2018

 INDICE

PLANTEAMIENTO DEL PROBLEMA.......................................................................3

JUSTIFICACIÓN............................................................................................................7

DELIMITACIÓN.............................................................................................................9

OBJETIVOS...................................................................................................................10

Objetivo general:..........................................................................................................10

Objetivos específicos:...................................................................................................10

MARCO TEÓRICO......................................................................................................11

ANTECEDENTES.........................................................................................................20

CAPÍTULO 1. EL ARTE Y ELEMENTOS DEL FENÓMENO ARTISTICO.......22

1.1. Clasificación de las artes.......................................................................................23

1.2. El artista y el espectador activo.............................................................................26

1.3. Las funciones del arte............................................................................................28

CAPÍTULO 2. LA RELACIÓN DEL ARTE Y LA SOCIEDAD..............................30

2.1. El contexto de la relación.....................................................................................30

2.2. ¿Es necesario el arte?............................................................................................32

2.3. Las vanguardias del siglo XX...............................................................................34

2.4. Las controversias del arte contemporáneo............................................................39

BIBLIOGRAFÍA............................................................................................................43

FUENTES ELECTRÓNICAS......................................................................................44

2
 PLANTEAMIENTO DEL PROBLEMA

El arte y la sociedad son inseparables nuestros antepasados que vivían en cavernas

tenían ya la necesidad de representar su vida cotidiana y lo hacían en las paredes de su

propia vivienda. Desde el mismo momento en que el entorno brinda significados,

herramientas, sucesos, etc. el individuo siente la necesidad de expresarse. De esta

manera, a través de sus distintas manifestaciones, tiene influencia en los grupos sociales,

sirve para fortalecer las identidades personales o colectivas, posibilitar la cultura y la

estética.

Considerando que desde el nacimiento de la humanidad el arte y la sociedad han

estado siempre unidos ¿por qué en esta época estos dos elementos se encuentran cada

vez más distanciados?

Estamos en una época cada vez más interconectada con medios que nos permiten

encontrar al instante casi todo lo que busquemos. Con tan solo un clic, tenemos ante

nosotros escritos, imágenes etc. que en otras épocas sería imposible de conseguir. Las

grandes posibilidades que existen en estos medios son grandiosamente desaprovechadas

por una población que solo busca entretenimiento barato, un entretenimiento “facilón”

donde lo primero que se pide al consumidor es su tiempo y lo último (si es que se lo

pide) su participación activa.

Lo razonable sería que en esta época de la información la gran parte de las

personas estuvieran inmersas en el aprendizaje, explorando nuevas maneras de pensar,

de actuar y de vivir, una época donde la curiosidad sería el motor de la sociedad.

3
 Pero en cambio la sociedad está en una profunda y toxica pasividad. Y el arte

siendo víctima de su contexto social no le queda más que adaptarse y buscar nuevas

maneras de llegar al público porque eso de pedirle a la audiencia que reflexione, que

participe y que se estremezca está funcionando muy mal.

A consecuencia de esta pasividad el arte o mejor dicho las personas encargadas de

la industria cultural queriendo obtener más ganancias sacan a la venta productos muy

cuestionables donde en lugar de declarar fuerte y claro los defectos de su contexto social

los afianza y los convierte en metas, un ejemplo muy claro para el lector estaría en su

“insignificante” radio. En la radio se encuentra la representante más clara y

aparentemente inofensiva expresión de este problema. si prende la radio encontrara toda

clase de discursos, pero nosotros nos concentraremos en la estación más popular de su

localidad ¿qué contenido maneja?

Si presta atención notara que no se ocupa un discurso muy elaborado para dar

entender a la audiencia los objetivos que se quieren lograr con este entretenimiento

vacío. Solo basta con escuchar la música que es un arte mayor. Aunque en principio las

canciones de la industria musical de hoy se hacen con el fin de que sean simples y

fáciles de recordar se dará cuenta que, en el fondo, todas las canciones del top 10 de la

radio hablan de temas muy profundos e importantes, por ejemplo: la violencia a la

mujer, el consumismo, el poder y la responsabilidad que conlleva, el sexo, el placer etc.

¿cuál es el problema? El problema radica en el tratamiento de los problemas del siglo. Si

bien se habla de los grandes temas y problemas de nuestro tiempo lo hacen de una

manera muy absurda, los banalizan o convierten los problemas en un gran logro del

4
siglo XXI que ¡se tiene que admirar y seguir! Provocando que muchos individuos dañen

su vida y la de los otros. Por el mal manejo del alcance que tiene el arte (y solo

analizamos brevemente las canciones más populares en una radio, imagínese que pasa

con las otras artes como el cine, pintura, literatura etc.) puede provocar que el escucha

piense, por ejemplo, que la violencia a la mujer es algo normal y aceptable.

¿Entonces se preguntará esto es solamente en su localidad? Pues le lamento

informar que esas canciones que están en el top 10 del ranking no están ahí por su

calidad artística si no porque millones de personas en el mundo las consumen

diariamente sin mencionar que las propias productoras de música en incontables

ocasiones son las causantes de que se vuelva tendencia una canción repitiéndola hasta el

cansancio mediante contratos muy lucrativos con la radio. Esto provoca que el arte se

considere en ocasiones un artículo más de lujo o una disciplina carente de importancia y

utilidad que funciona nada más como otro medio de entretenimiento vacío. Provocando

claro está el desinterés por el arte.

¿Y porque esta gran “universalidad”? ¿Qué es lo que nos hace estar tan

homogéneos? pues bueno si bien es la época de la información también esta comparte el

podio con la era de la globalización (posiblemente una de las causas más importantes

para la formación de la primera) pero la globalización no solo abarca lo cultural si no

también tiene una gran injerencia en la economía y otras diversas áreas de nuestra vida

que no mencionaremos en este trabajo por falta de tiempo. Estos retos esbozados y otros

problemas como el hiperconsumismo, la hipersexualizacion de absolutamente todo, el

hedonismo caricaturesco, la violencia extrema, la banalización, la desigualdad y una

5
gran lista de problemáticas más. Provoca el avance del desinterés del individuo hacia el

arte.

6
 JUSTIFICACIÓN

En México no es muy común que el ciudadano pague por entrar a un concierto,

una obra de teatro, o por obtener un bien artístico (libros, artesanías, una película o

música grabada) no es una práctica habitual entre los uruapenses. El interés por lo

artístico va disminuyendo con los años y una de las causas es el surgimiento de los

medios de comunicación.

Si bien son una potente herramienta para la divulgación de eventos artísticos y

demás conocimientos “sanos” en la última década este grandioso invento se ha utilizado

para dar prioridad a una cultura carente de valor que de culta no tiene nada difunden un

tipo de contenido en donde no caben los conceptos de personas unidas en grupo, en

comunión con otras, compartiendo y debatiendo temas controvertidos que son de su

interés. Priorizan estos medios el entretenimiento miope a costa de la educación de una

forma tan dañina que ya no se preocupan los creadores de contenido de estas

plataformas por crear productos que valgan el tiempo invertido dando contenido

enriquecedor. Todo se basa en “matar el tiempo”.

Todo es fragmentario, incompleto para evitar que el consumidor se aburra o que

piense demasiado. Esta sintetización excesiva hace que el elemento original del que se

habla (muchas veces artístico, filosófico o científico.) pierda su esencia, provocando que

un problema o tema realmente trascendental se banalicé, y por lo tanto se olvide

rápidamente. A esto tenemos que agregarle la sociedad de consumo que alienta la

compra impulsiva de artículos innecesarios para “aumentar” el valor social y personal

7
del individuo o para intentar llenar un vacío emocional. Desde la felicidad hasta un par

de zapatos absolutamente todo está a la venta, todo se puede desechar. Muchos

individuos se dan cuenta de esto y logran sacar un beneficio de esta compulsiva

inseguridad y pasividad que sufre el individuo. Producen obras de bajos entandares y el

individuo que quiere consumir todo lo que se pueda lo compra sin dudar. Estas y otras

causas se analizarán en esta investigación con el fin tratar de disminuir el desinterés de

los ciudadanos hacia las artes concientizando a estos de la trascendencia de las artes en

su vida social y personal de su entorno. Mediante un análisis de los factores que influyen

en el des interés y los efectos positivos de las artes en el ciudadano.

Esta investigación beneficiara a las personas que están adentro del mundo del arte en

Uruapan (músicos, pintores, poetas, etc.) como a los destinatarios (sociedad) de las obras

ya que se intentara revitalizar los espacios de esparcimiento cultural gracias a la

participación activa de la población por un interés renovado o fortalecido por las artes.

8
 DELIMITACIÓN

La investigación se limitará a la localidad de Uruapan, Michoacán de Ocampo,

México.

Cubrirá un periodo de 3 meses de marzo a mayo del año 2018.

El motor de este trabajo radica en averiguar los factores socioculturales que

influyen en el desinterés de los ciudadanos hacia el arte, los efectos benéficos que tiene

el arte sobre el ciudadano en su vida profesional y personal y argumentar mediante la

evidencia sociológica él porque el ciudadano tiene que unir el arte a su vida.

El análisis tendrá límites de exploración, ya que el tema abarca dimensiones

gigantescas que serían imposibles de exponer bajo las circunstancias de este trabajo, por

esta razón, aquí se abarcaran de manera resumida y fragmentada los conceptos más

importantes y más interesantes según la opinión del autor. Por ello se recomienda que las

ideas y argumentos que aparecerán aquí se complementen con la propia investigación

del lector si se quiere llegar a una comprensión más eficaz del tema.

9
 OBJETIVOS

Objetivo general:

Concientizar a los ciudadanos de la trascendencia de las artes en la vida social y

personal de su entorno. Mediante un análisis de los factores que influyen en el desinterés

de los ciudadanos hacia el arte y los efectos positivos del arte en el ciudadano.

Objetivos específicos:

Resumir el concepto de arte como también los elementos del fenómeno artístico,

sus funciones y la clasificación de este. Mediante el análisis de estudios filosóficos de la

teoría del arte. Con el fin de que el lector entienda a que nos referimos al decir en esta

investigación el concepto de arte.

Discutir las causas del desinterés de los ciudadanos hacia el arte. Exponiendo los

factores socioculturales que influyen en la percepción del sujeto del siglo XXI respecto

al arte.

Describir la influencia y los beneficios del arte en la sociedad para que el

ciudadano reflexione sobre la gran importancia del arte en su vida profesional y privada.

Estudiando la información sociológica respecto al tema.

10
 MARCO TEÓRICO

En esta sección se definirán conceptos e ideas basándose y utilizando información

de teóricos y académicos que han investigado estos temas antes de que esta

investigación se realizara.

¿Qué es el arte?

Según Wladislao Tatarkiewicz afirma que el arte “es una actividad humana

consciente capaz de reproducir cosas, construir formas, o expresar una experiencia,

siempre y cuando, el producto de esta reproducción, construcción, o expresión pueda

deleitar, emocionar o producir un choque” (Tatarkiewicz, 2001, Pág.67).1

En cambio Juan Acha define el arte como un fenómeno sociocultural, cuya

producción y apreciación son especializadas. Su producción se realiza en diferentes

medios y requiere de diferentes materiales, técnicas y procedimientos. La práctica

artística tiene como finalidad realizar profesionalmente imágenes, sonidos, y

movimientos que son capaces de producir efectos estéticos (Acha, 2005).2

¿Cómo se clasifican las artes?

Literatura, escultura, arquitectura, pintura, música, danza y cine.

Arquitectura.

Tatarkiewicz, W. (2001). Historia de seis ideas Arte, belleza, forma, creatividad, mímesis, experiencia
estética. España: Editorial Tecnos Alianza.
2

Acha, J. (2005). Expresión y apreciación artísticas. Editorial Trillas.

11
 Para los historiadores de arte Luis Monreal y Tejada y R.G. Haggar “La

arquitectura es el arte y la técnica de construcción de edificios, por lo que en sus

realizaciones participa igualmente la ciencia, sobretodo la matemática y la estética”

(Monreal y Haggar, 1999, Pág. 38).3

Pintura.

Cantú Delgado, Julieta de Jesús, y Heriberto García Martínez definen la pintura

como “el arte y la técnica de representar en una superficie plana cualquier objeto

concreto visible o bien algo imaginario, sugerido por líneas y/o colores” (Delgado, De

Jesús, y García, 2005, Pág.12).4

Escultura.

Diccionario de la Real Academia de la Lengua Española define la escultura como

el “Arte de modelar, tallar o esculpir en barro, piedra, madera, etc., figuras de bulto”

(RAE, 2014).5

Literatura.

Monreal, L.; Haggar, R.G. (1999). Diccionario de Términos de Arte. Barcelona, España: Editorial
Juventud.
4

Delgado, C.; De Jesús, J., y García, H. (2005). Historia del Arte. México: Editorial Trillas.
5

Real Academia Española. (2014). Diccionario de la lengua española (23.a ed.), [en línea]. España
Consultado el 8 de marzo de 2018, de http://www.rae.es/rae.html

12
 Sara Lasso define la literatura como “la manipulación de la palabra escrita que

puede ser leída o escuchada.”

Música.

Alison Latham define la música como “sonido organizado. En esta organización

pueden combinarse multitud de recursos, desde sonidos disonantes y consonantes,

elementos aleatorios. Compases y formas estrictas hasta cintas magnetofónicas, medios

digitales e infinidad de fuentes productoras de sonido, como máquinas de vapor o el

tráfico vehicular” (Latham, 2008, Pág. 29).6

Danza

Según Amparo Sevilla antropóloga social afirma que la danza “es una expresión

artística debido a que en ella se observa creación y expresión, además de la transmisión

del mundo subjetivo que se objetiva en un producto que no persigue directamente la

satisfacción de una necesidad utilitaria. Constituye un lenguaje en donde el mensaje se

transmite por medio de símbolos elaborados con el movimiento del cuerpo humano”

(Sevilla, 1990.Pag. 59).7

Cine

Latham, A. (2008). Diccionario enciclopédico de la música. México: Fondo de Cultura Económica.

7

Sevilla, A. (1990). Danza, Cultura y Clases Sociales, Serie Investigación y documentación de las Artes.
México: 2ª Época, INBA.

13
 Según Martin Marcel el cine “Su base es una industria que si bien está regida por

parámetros comerciales, puede producir obras artísticas con su lenguaje. Es una forma

de construir y comunicar realidades a través de imágenes que producen la ilusión de

movimiento.” (Marcel, 1990, Pág. 17-24).8

¿Quién es el Artista?

Según la UNESCO un artista es “toda persona que crea o que participa por su

interpretación en la creación o la recreación de obras de arte, que considera su creación

artística como un elemento esencial de su vida, que contribuye así a desarrollar el arte y

la cultura, y que es reconocida o pide que se la reconozca como artista, haya entrado o

no en una relación de trabajo u otra forma de asociación” (UNESCO, 1980). 9 Sin

embargo el Dr. Mario Quijada Hernández afirma que un artista es una persona especial,

diferente e incomprendida con gran capacidad para sublimar impulsos inconscientes.

Posee una personalidad autómata, una rica vida imaginativa, y se hace preguntas poco

comunes. (Quijada, 2012).10

¿Quién es el Espectador activo?

Marcel, M. (1990).El Lenguaje del Cine. GEDISA.

9

Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (1980, 27 de octubre).
Recomendación relativa a la Condición del Artista. [en línea]. Consultado el 8 de marzo de 2018, de
http://portal.unesco.org/es/ev.php-URL_ID=13138&URL_DO=DO_TOPIC&URL_SECTION=201.html
10

Mario Quijada Hernández (2012, 6 de abril). CARACTERÍSTICAS PSICOLÓGICAS DEL ARTISTA. [en línea].
Consultado el 9 de marzo de 2018, de https://mariainescarod.blogspot.mx/2012/04/caracteristicas-
psicologicas-del.html

14
 Según Tomás Gutiérrez Alea “El espectador activo sería aquel que, tomando como

punto de partida el momento de la contemplación viva, genera un proceso de

comprensión crítica de la realidad y consecuentemente una acción práctica

transformadora”(Gutiérrez, s.f.).11 En cambio Suely Rolnik define al Espectador activo

como “Aquel que tiene capacidad para participar por sí mismo en los procesos creativos

y evaluar concienzudamente el trabajo del artista. Aquel que es arte y parte del hecho

artístico y utiliza su cuerpo y su mente para enriquecerlo” (Rolnik, 2010).12

¿De qué forma se clasifican las Funciones del arte?

Función práctica: según Javier Gallego Ramírez se le denomina función practica

“si tiene una finalidad de uso o disfrute, destinada a satisfacer necesidades, como es el

caso de la arquitectura, el diseño, la artesanía y las artes aplicadas, decorativas e

industriales.”(Gallego, 2013).13 Por otra parte Dolores Mena la define como “las

funciones técnicas u operativas del objeto. Determina la utilidad del producto. Está

estrechamente relacionado con la función estética, porque la forma debe indicar las

funciones que cumple el objeto” (Mena, 2014)14

11

Gutiérrez, T. (s.f.). El espectador contemplativo y el espectador activo. Manuscrito.

12

Rolnik, S. (2010). El espectador sujeto activo. Tercera edición del mov-s “Espectador Activo”. En
Madrid, España.
13

Javier Gallego Ramírez. (2013). FUNCIONES DEL ARTE, [en línea]. Consultado el 9 de marzo de 2018,
de http://terminosartisticos.blogspot.mx/2013/02/funciones-del-arte.html
14

Dolores Mena. (2014). Forma y función. La función práctica, estética y simbólica en los productos de
diseño, [en línea]. Consultado el 9 de marzo de 2018, de http://epv4lola.blogspot.mx/2014/02/forma-y-

15
 Función estética, ornamental o decorativa: según Javier Gallego Ramírez “busca

provocar sentimientos o emociones, o bien suscitar belleza y admiración en el

espectador.” (Gallego, 2013).15 En cambio Miguel Ángel Padilla diría que esta función

trata de provocar una “sensación” placentera al espectador por medio de la

contemplación de la belleza que emana de la obra y el mensaje ético que esta contiene.

(Ángel, s.f.).16

Función didáctica: según Javier Gallego Ramírez “Busca enseñar a través de

imágenes o símbolos.” (Gallego, 2013).17 Por otro lado parafraseando al Diccionario de

la Real Academia Española lo didáctico es todo aquello que tiene como función

principal el enseñar o instruir. (RAE, 2014)18

Función comunicativa: según Javier Gallego Ramírez “el arte es un medio de

comunicación, por el cual se expresan ideas o conceptos, o bien se recrean estados de

ánimo. En este sentido, puede ser tanto crítico como propagandístico del mensaje que

funcion-la-funcion-practica.html
15

Javier Gallego Ramírez. (2013). FUNCIONES DEL ARTE, [en línea]. Consultado el 9 de marzo de 2018,
de http://terminosartisticos.blogspot.mx/2013/02/funciones-del-arte.html
16

Miguel Ángel Padilla. (s.f.). Función y finalidad del arte, [en línea]. Consultado el 12 de marzo de 2018,
de http://www.decorarconarte.com/Cont-culturales/Funcion-y-finalidad-del-arte.
17

Javier Gallego Ramírez. (2013). FUNCIONES DEL ARTE, [en línea]. Consultado el 12 de marzo de
2018, de http://terminosartisticos.blogspot.mx/2013/02/funciones-del-arte.html
18

Real Academia Española. (2014). Diccionario de la lengua española (23.a ed.), [en línea]. España
Consultado el 12 de marzo de 2018, de http://www.rae.es/rae.html

16
desea transmitir.” (Gallego, 2013).19 Parafraseando a Laura S.S La función comunicativa

está presente en el arte porque se transmiten pensamientos, sentimientos, ideas,

características personales del artista y las aspiraciones de las personas. (Laura S.S,

2016)20

Función propagandística: según Javier Gallego Ramírez es “Cuando hace

propaganda política, religiosa o social, para dar a conocer o convencer de una idea,

generalmente política, mostrando sus cualidades y ventaja.” (Gallego, 2013).21

¿Quién es el individuo?

Según Emile Durkheim el individuo está inerme ante el hecho social que lo

determina a partir de los valores integradores que se materializan en normas, códigos,

leyes, usos, costumbres, etc. Por lo tanto el individuo es un producto social. (Durkheim,

1893).22 En cambio Max Weber se referiría al individuo de la siguiente manera “(…) La

sociología comprensiva trata al individuo aislado y a su obrar como la unidad última,

como su “átomo”, (…) El individuo constituye, para ese modo de consideración, el

19

Javier Gallego Ramírez. (2013). FUNCIONES DEL ARTE, [en línea]. Consultado el 12 de marzo de
2018, de http://terminosartisticos.blogspot.mx/2013/02/funciones-del-arte.html
20

Laura S.S. (2016). Funciones del arte...Comunicativa-Expresiva, [en línea]. Consultado el 12 de marzo de
2018, de http://arte-elartista.blogspot.mx/2016/06/funciones-del-artecomunicativa-expresiva.html
21

Javier Gallego Ramírez. (2013). FUNCIONES DEL ARTE, [en línea]. Consultado el 12 de marzo de
2018, de http://terminosartisticos.blogspot.mx/2013/02/funciones-del-arte.html
22

Durkheim, E. (1893). La división del trabajo social.

17
límite y el único portador del comportamiento provisto de sentido” (Weber, 1990, pág.

187-188).23

¿Qué es la sociedad?

Según Anthony Giddens la sociedad es un “Grupo de personas que vive en un

territorio determinado, sometido a un sistema común de autoridad política y que es

consciente de poseer una identidad que lo distingue de otros grupos.” (Giddens, 1990,

Pág. 739).24 En cambio Estela Falicov y Sara Lifszyc dirían que “Para Durkheim la

sociedad es más que la suma de los individuos que la componen. La sociedad tiene una

existencia propia que va más allá de la experiencia personal... porque existen, desde

antes del nacimiento de cada individuo, formas reiteradas y consideradas correctas de

comportamiento que se van transmitiendo de generación en generación” (Falicov y

Lifszyc, 2002, Pág. 187).25

¿Qué son las ciencias sociales?

Según la definición de la National Science Foundation “Las ciencias sociales son

disciplinas intelectuales que estudian al hombre como ser social por medio del método

científico. Es su enfoque hacia el hombre como miembro de la sociedad y sobre los

grupos y las sociedades que forma, lo que distingue las ciencias sociales de las ciencias

23

Weber, M. (1990).Ensayos sobre metodología sociológica. Buenos Aires, Argentina: Amorrortu.

24

Giddens, A. (1999). Sociología. Madrid, España: Alianza.

25

Falicov, E.; Lifszyc, S. (2002). Sociología, Argentina: Aique.

18
físicas y biológicas."26 En cambio Luis Urtega, Horacio Capel y Alberto Luis las definen

como “un cúmulo de disciplinas de tradición muy diferente, cuyo parentesco reside en

que aluden al hombre, a su historia, a su organización social, a su producción y riqueza,

a su número y distribución, a sus ideas y creaciones artísticas, o a su ocupación y

organización del espacio.”27

¿Qué es la industria cultural?

Parafraseando a Theodor Adorno y Max Horkheimer la industria cultural es un

“sistema de caos cultural”, en el cual los productos culturales se “fabrican” bajo

procesos industrializados de producción. (Adorno y Horkheimer, 1988, Pág. 165 –

188).28

¿Qué es la cultura de masas?

Parafraseando a Theodor Adorno y Max Horkheimer la cultura de masas consiste

en la homogenización de los individuos y la perdida de la personalidad de estos

provocando el surgimiento de una sola clase de individuos o consumidores. En las

26

Gross, r. E.; Messichk, R.; Chapín, J. R. Y Sutherland, J. (1983). Ciencias Sociales. Programas
actualizados de enseñanza. México: Limusa págs. 85-86.
27

Capel, H.; Luis, A. Y Urteaga, L. (1984). La Geografía ante la reforma educativa en Geo Crítica, n.Q
53, Universidad de Barcelona, España: pág. 41.
28

Adorno, T.; Horkheimer, M. (1988). Dialéctica del iluminismo .Buenos Aires, Argentina: sudamericana.

19
sociedades con cultura de masas los propios ciudadanos tienden a “diluirse” en ella.

(Adorno y Horkheimer, 1988).29

ANTECEDENTES

El nacimiento del arte contemporáneo se sitúa en los primeros años del siglo XX,

momento en el que el arte se ve inundado por una gran eclosión de experimentación

artística y de creatividad, este es el momento de las vanguardias históricas o vanguardias

artísticas.

Es una época en la que toda una serie de movimientos se van influenciando entre

ellos, aportando a la Historia del arte múltiple y singular formas de expresión. Plantean

una total libertad a la hora de interpretar la realidad, así como una búsqueda de la

29

Adorno, T.; Horkheimer, M. (1988). Dialéctica del iluminismo .Buenos Aires, Argentina: sudamericana.

20
originalidad y una conciencia revolucionaria, y proponen una nueva actitud del

espectador ante la obra de arte.

Tras la Segunda Guerra Mundial surge el auge de la abstracción. El expresionismo

abstracto de los Estados Unidos se va haciendo un hueco. El informalismo europeo de la

posguerra se convirtió en el equivalente al expresionismo abstracto en Estados Unidos.

Más tarde llegará la abstracción pospictórica, el Op Art, los Nuevos Realistas o el

Pop Art y las tendencias conceptuales, como el happening, performance, arte Minimal

Povera, Antiform, Body Art, Land Art, Arte conceptual lingüístico.

A partir entonces el arte huye de la autoridad de los Museos y de la materialidad

comercial: Happenings, Body art, Land art buscan un medio de difusión distinto, un

lenguaje nuevo.

Supone la introducción de nuevos elementos de inestabilidad: migraciones

artísticas desde la periferia hacia el centro, y del centro a la periferia, deslocalización de

los sistemas de difusión, déficit de la legitimidad de un criterio universal…

El arte de esta época, nuestra época, refleja como en un espejo roto, estos

fenómenos de clasificación y solución incierta.

Esto provoca el distanciamiento del individuo hacia el arte ya que este mismo en

su afán de libertad destruyo sus funciones y reglas las cuales servían en parte al

espectador para entender el arte. ¿Esto quiere decir que toda expresión artística actual

cae en la misma categoría de arte libre pero sin contenido? Por supuesto que no. Existen

artistas hoy en día que se pueden categorizar como herederos de los movimientos

21
vanguardistas y que utilizan esta influencia para crear arte de gran calidad, el problema

es que el mercado y los círculos de poder apoyan los productos salidos de la industria

cultural o una cultura de masas (temas que abordaremos más adelante). Lo importante

aquí es comprender que en el siglo XX se dio un cambio radical en el arte y que esta

revolución ha influido en la concepción del arte actual como un artículo comercial y/o

un arte que carece de sentido y función.

CAPÍTULO 1. EL ARTE Y ELEMENTOS DEL FENÓMENO

ARTISTICO.

El concepto de arte ha variado considerablemente según la época. El concepto ha pasado

por muchas etapas y tenido muchas variaciones según los acontecimientos y necesidades

que tienen en un momento determinado de la historia. Una definición la podemos

encontrar en Wladislao Tatarkiewicz afirma que el arte “es una actividad humana

consciente capaz de reproducir cosas, construir formas, o expresar una experiencia,

siempre y cuando, el producto de esta reproducción, construcción, o expresión pueda

deleitar, emocionar o producir un choque” (Tatarkiewicz, 2001, Pág.67).

22
 En cambio Juan Acha define el arte como un fenómeno sociocultural, cuya

producción y apreciación son especializadas. Su producción se realiza en diferentes

medios y requiere de diferentes materiales, técnicas y procedimientos. La práctica

artística tiene como finalidad realizar profesionalmente imágenes, sonidos, y

movimientos que son capaces de producir efectos estéticos (Acha, 2005).

El arte como la vida tiene mil y un maneras de concebirse, algunos autores dirían

que el arte es una expresión de lo divino y otros como una manifestación social

puramente humana, sin ninguna iluminación “divina”. Lo importante aquí seria las

características que resaltan casi todas las definiciones, como el uso de las emociones,

como el tratamiento y emisión de un mensaje, la posibilidad de la obra de arte de

provocar un goce estético, el arte es una creación humana etc.

1.1. Clasificación de las artes.

Existen diferentes maneras de clasificar las artes desde diferentes categorías e

ideas. Muchas de estas han generado discusión, revisiones y reformas debido al contexto

histórico.

La clasificación más utilizada y difundida es la que designa a siete disciplinas

como Bellas Artes, y es la clasificación que utilizaremos en esta sección.

Literatura, escultura, arquitectura, pintura, música, danza y cine.

Arquitectura.

23
 Para los historiadores de arte Luis Monreal y Tejada y R.G. Haggar “La

arquitectura es el arte y la técnica de construcción de edificios, por lo que en sus

realizaciones participa igualmente la ciencia, sobretodo la matemática y la estética”

(Monreal y Haggar, 1999, Pág. 38).

Pintura.

Cantú Delgado, Julieta de Jesús, y Heriberto García Martínez definen la pintura

como “el arte y la técnica de representar en una superficie plana cualquier objeto

concreto visible o bien algo imaginario, sugerido por líneas y/o colores” (Delgado, De

Jesús, y García, 2005, Pág.12).

Escultura.

Diccionario de la Real Academia de la Lengua Española define la escultura como

el “Arte de modelar, tallar o esculpir en barro, piedra, madera, etc., figuras de bulto”

(RAE, 2014).

Literatura.

Sara Lasso define la literatura como “la manipulación de la palabra escrita que

puede ser leída o escuchada.”

Música.

Alison Latham define la música como “sonido organizado. En esta organización

pueden combinarse multitud de recursos, desde sonidos disonantes y consonantes,

elementos aleatorios. Compases y formas estrictas hasta cintas magnetofónicas, medios

24
digitales e infinidad de fuentes productoras de sonido, como máquinas de vapor o el

tráfico vehicular” (Latham, 2008, Pág. 29).

Danza

Según Amparo Sevilla antropóloga social afirma que la danza “es una expresión

artística debido a que en ella se observa creación y expresión, además de la transmisión

del mundo subjetivo que se objetiva en un producto que no persigue directamente la

satisfacción de una necesidad utilitaria. Constituye un lenguaje en donde el mensaje se

transmite por medio de símbolos elaborados con el movimiento del cuerpo humano”

(Sevilla, 1990.Pag. 59).

Cine

Según Martin Marcel el cine “Su base es una industria que si bien está regida por

parámetros comerciales, puede producir obras artísticas con su lenguaje. Es una forma

de construir y comunicar realidades a través de imágenes que producen la ilusión de

movimiento.” (Marcel, 1990, Pág. 17-24).

25
1.2. El artista y el espectador activo

El artista es aquel que utiliza su intelecto para crear o interpretar una obra de arte,

es aquel ser que se encarga de representar la vida de una manera subjetiva y si bien a

veces trata de ser objetivo sobre su perspectiva del mundo sabe en el fondo que ese

anhelo es imposible. El artista también hay que aclarar no es un ser alejado de su entorno

retraído en sí mismo, en cambio es un ser que acepta sus influencias y circunstancias

(socioculturales, psicológicas e históricas) de las cuales sin ellas no podría crear arte. Por

lo tanto el artista tiene la capacidad de analizar sus influencias y elegir los puntos que

más le convenga para formar su obra de arte y su vida.

El artista Según la UNESCO es “toda persona que crea o que participa por su

interpretación en la creación o la recreación de obras de arte, que considera su creación

artística como un elemento esencial de su vida, que contribuye así a desarrollar el arte y

26
la cultura, y que es reconocida o pide que se la reconozca como artista, haya entrado o

no en una relación de trabajo u otra forma de asociación” (UNESCO, 1980). Sin

embargo el Dr. Mario Quijada Hernández afirma que un artista es una persona especial,

diferente e incomprendida con gran capacidad para sublimar impulsos inconscientes.

Posee una personalidad autómata, una rica vida imaginativa, y se hace preguntas poco

comunes. (Quijada, 2012).

Si bien ya hablamos del artista este carecería de sentido si no existiera un

destinatario; el espectador activo es aquella persona que contempla la obra, es aquel que

gracias a la reflexión, participación y evaluación consiente es capaz de valorar la obra

del artista profundamente y permitir que la obra cambie su vida y este a su vez cambie

su entorno. En cambio otras opiniones como la brindada por Tomás Gutiérrez Alea

definiría al espectador como “Aquel que, tomando como punto de partida el momento de

la contemplación viva, genera un proceso de comprensión crítica de la realidad y

consecuentemente una acción práctica transformadora”(Gutiérrez, s.f.). En cambio

Suely Rolnik define al Espectador activo como “Aquel que tiene capacidad para

participar por sí mismo en los procesos creativos y evaluar concienzudamente el trabajo

del artista. Aquel que es arte y parte del hecho artístico y utiliza su cuerpo y su mente

para enriquecerlo” (Rolnik, 2010). En conclusión el artista es aquel que produce la obra

de arte para representar una parte de la vida influenciado por factores socioculturales,

psicológicos e históricos. Y el espectador activo, aquel que es capaz de otórgale a este

objeto inanimado (obra de arte) un significado más allá del dado por el artista. Gracias a

su participación y evaluación consciente de la obra.

27
1.3. Las funciones del arte

La función del arte ha variado a lo largo de su historia cumpliendo con varios roles

distintos simultáneamente. Como el arte carece de un valor de uso inmediato e intrínseco

que lo defina y restrinja, su utilidad le es dada arbitrariamente y se puede manipular.

Función práctica: según Javier Gallego Ramírez se le denomina función practica

“si tiene una finalidad de uso o disfrute, destinada a satisfacer necesidades, como es el

caso de la arquitectura, el diseño, la artesanía y las artes aplicadas, decorativas e

industriales.”(Gallego, 2013). Por otra parte Dolores Mena la define como “las

funciones técnicas u operativas del objeto. Determina la utilidad del producto. Está

estrechamente relacionado con la función estética, porque la forma debe indicar las

funciones que cumple el objeto” (Mena, 2014)

28
 Función estética, ornamental o decorativa: según Javier Gallego Ramírez “busca

provocar sentimientos o emociones, o bien suscitar belleza y admiración en el

espectador.” (Gallego, 2013). En cambio Miguel Ángel Padilla diría que esta función

trata de provocar una “sensación” placentera al espectador por medio de la

contemplación de la belleza que emana de la obra y el mensaje ético que esta contiene.

(Ángel, s.f.).

Función didáctica: según Javier Gallego Ramírez “Busca enseñar a través de

imágenes o símbolos.” (Gallego, 2013). Por otro lado parafraseando al Diccionario de la

Real Academia Española lo didáctico es todo aquello que tiene como función principal

el enseñar o instruir. (RAE, 2014)

Función comunicativa: según Javier Gallego Ramírez “el arte es un medio de

comunicación, por el cual se expresan ideas o conceptos, o bien se recrean estados de

ánimo. En este sentido, puede ser tanto crítico como propagandístico del mensaje que

desea transmitir.” (Gallego, 2013). Parafraseando a Laura S.S La función comunicativa

está presente en el arte porque se transmiten pensamientos, sentimientos, ideas,

características personales del artista y las aspiraciones de las personas. (Laura S.S, 2016)

Función propagandística: según Javier Gallego Ramírez es “Cuando hace

propaganda política, religiosa o social, para dar a conocer o convencer de una idea,

generalmente política, mostrando sus cualidades y ventaja.” (Gallego, 2013).

29
 CAPÍTULO 2. LA RELACIÓN DEL ARTE Y LA SOCIEDAD.

2.1. El contexto de la relación.

Si el arte representa la condición humana y trata de imitar también la vida real,

entonces el artista de hoy está reflejando al hombre contemporáneo con todas sus luchas

y logros.

Uno de los problemas más destacados del hombre de hoy es su aislamiento. En

una sociedad amorfa o como diría Bauman “liquida” como la nuestra el hombre se

encuentra abandonado, desconcertado o presionado por múltiples fuerzas agobiantes, si

el arte revela la condición humana entonces el artista está expresando un mundo

crecientemente degradado y enajenado. En este sentido el arte está expresando a viva

30
voz los grandes problemas de nuestra época y se podría afirmar que todavía existe una

relación estrecha entre el arte y la sociedad.

Sin embargo, se debe señalar que varios grupos intelectuales consideran lo

contrario ya que opinan que gracias a las vanguardias del siglo XX el proceso del

distanciamiento entre el arte y la sociedad se puso en marcha. Piensan al artista de hoy

como un ser alejado e indiferente de la realidad social. Y cuestionan si de verdad el arte

contemporáneo sigue funcionando como forma de comunicación o como medio de

entendimiento entre los individuos.

Y si bien es innegable que esto esté sucediendo en un sector por causas muy

específicas es insensato generalizar todo el arte contemporáneo ya que perjudica a los

artistas que tienen obras de gran valor artístico en la actualidad. Creando prejuicios.

Estos prejuicios han provocado el cuestionamiento del papel protagónico del arte en la

sociedad como también el desinterés del individuo común por las artes. Ya que estos al

ver el nuevo lenguaje que están utilizando los artistas son incapaces de comprenderlo

por la poca difusión e información de las obras en la comunidad, la autonomía del arte

actual o la gran influencia de la industria de la cultura en nuestros días que provoca el

consumo de determinados productos.

31
2.2. ¿Es necesario el arte?

Este punto es una de las problemáticas que más han sido destacadas en lo que

respecta a las polémicas actuales acerca del arte. Realmente ¿el arte se puede considerar

una necesidad del ser humano o es un lujo con el que éste adorna su vida? Para empezar

hay que decir que el arte es algo que pertenece a la naturaleza misma del hombre, ya que

éste desde la época de las cavernas se ha visto “forzado” por su propia interioridad a

representar o expresar algo. Si por necesidad entendemos como “un objeto, servicio o

recurso que es necesario para la supervivencia, bienestar o confort de una persona, del

que es difícil substraerse" (Diccionario de Cultural S.A, 1999, pág. 229). 30Entonces es

30

32
evidente que el arte forma parte de esta definición. Si damos un vistazo por la historia

nos daremos cuenta que ha habido grandes creadores como Beethoven, Velázquez,

Mozart, Shakespeare, Picasso, etc. Que han reflejado el espíritu de Europa. ¿Qué pasaría

si no hubieran existido estos personajes? ¿Inglaterra sin Shakespeare? ¿El siglo XX sin

Picasso? ¿Viena sin Mozart? ¿La humanidad sin Beethoven? el arte es un elemento

fundamental para la construcción de la identidad individual, nacional o étnica. Sin

mencionar que da voz a los silenciados como lo que paso con el Guernica de Picasso que

denunciaba las atrocidades cometidas en la guerra civil española, ¿Que sería de la

evangelización cristiana en el medioevo sin la función didáctica del arte? ¿Qué sería de

usted sin el arte?

El arte también se podría decir que nos hace inmortales y es esta misma necesidad

de perdurar en el tiempo que nos ha forzado a crear artísticamente. Otra cosa es que

exista en esta época este fetichismo hacia la utilidad, es difícil imaginar para el individuo

del siglo XXI un objeto que carezca de sentido práctico inmediato. Las obras artísticas

no tienen que dar explicaciones de su razón de ser porque en ellas reside su valor y no

necesitan de nada exterior a ellas o de una finalidad práctica que les otorgue un sentido.

Y esto no quiere decir que el arte carece totalmente de un fin práctico, claro que tiene

“algo” práctico ya que sirve para conocer el mundo y conocernos a nosotros mismos.

En modo de conclusión es evidente que el arte forma parte de una necesidad

irrevocable del ser humano esta permite la construcción de una identidad más rica y

duradera del individuo, nación, etc., es un medio importante para poder entender lo que

nos rodea, conocernos y comunicarnos con los demás individuos.

33
2.3. Las vanguardias del siglo XX

En el periodo comprendido entre 1905 y 1949 se desarrollaron las mayores

rupturas de la tradición artística. Es la época de las vanguardias históricas, un periodo en

que la creación se abre a nuevos horizontes de una complejidad desconocida. Las

vanguardias buscaban la renovación radical del arte en las formas y contenidos para

sustituir las tendencias anteriores consideradas obsoletas.

Esta serie de cambios se relaciona con el contexto histórico por ejemplo la

revolución industrial que propugnaba un modelo económico y social, el capitalismo, que

tendrá su influencia en el arte: el mundo de las máquinas, el progreso, la incipiente

sociedad de masas y con ello, los movimientos proletarios y las nuevas ideologías

políticas y sociales.

34
 Las revoluciones burguesas en Francia generaron el clima social óptimo para el

nacer del impresionismo. Y la Primera Guerra Mundial, con sus consecuencias

ideológicas, será el eje vertebrador internacional de una gran amalgama de movimientos

reaccionarios, no exclusivos del arte pictórico, escultórico y arquitectónico.

Desde el punto de vista cultural, es una época dominada por las transformaciones y

el progreso científico y tecnológico (la aparición del automóvil y del avión, el

cinematógrafo, el gramófono, etc.). El principal valor será, pues, el de la modernidad, o

sustitución de lo viejo y caduco por lo nuevo y original.

Estos nuevos artistas ya no tienen el interés de plasmar la realidad si no quieren

mostrar sus inquietudes y su visión del mudo. Cabe destacar que a lo largo del siglo XX

han aparecido y desaparecido diversas vanguardias que en este trabajo sería imposible

verlas todas y por esta razón se mostraran algunas de las vanguardias más importantes

ya sea por su duración o influencia en la cultura.

Fauvismo

Fue uno de los ismos de menos duración. Nación en 1904 y para 1910 ya estaba extinta.

Surgió en Francia y su nombre nació como una crítica: “fauvismo” significa “fieras”.

Este término fue utilizado por los críticos que no entendieron este arte porque era

imposible de clasificar.

Las características principales del Fauvismo son: la simplificación de las formas y el

énfasis en la utilización de colores. Los temas de las pinturas hacen referencia a la

alegría y recrean paisajes, retratos y rostros desnudos.

35
 Los integrantes de esta corriente no se preocupaban tanto por la técnica, sino que

querían expresar las emociones a través del color, que muchas veces no se correspondía

con los colores que los objetos tienen en la realidad.

Los principales representantes de esta corriente son:

André Derain: fue un pintor e ilustrador francés, admirador de Van Gogh y

Cézanne. Realizó las pinturas más relevantes del movimiento.

Henry Manguin: la obra de este pintor francés estuvo muy influenciada por el

impresionismo que se refleja en el uso de los colores pasteles. Muchas de sus obras

fueron paisajes y retratos de su familia.

Cubismo

Fue una de las vanguardias más relevantes, que dio pie para el nacimiento del resto

de las corrientes. Surgió en Francia en 1907 y se mantuvo hasta 1914. Esta corriente

representa una ruptura radical con el arte de su época y a partir de su nacimiento el

concepto de arte y de belleza cambia.

Se caracteriza por inspirarse en las formas geométricas y duras. Utiliza la técnica

del collage y la descomposición de las imágenes como representación del

desdoblamiento del autor. El término “Cubismo” surgió despectivamente igual que el

del Fauvismo.

Tuvo una importante expresión literaria representada por el caligrama, que

consiste en una frase o poema que forma una imagen visual, convirtiendo las palabras en

poesía visual.
36
 La corriente tuvo dos etapas bien marcadas: un cubismo analítico y un cubismo

sintético. El primero buscaba la descomposición total de las figuras y el segundo

descartaba la perspectiva para mostrar todos los planos de la figura juntos.

Sus principales exponentes son:

Pablo Picasso: fue un pintor y escultor español. Sus obras trascendieron más allá

de las vanguardias y es considerado uno de los pintores más importantes del siglo XX y

una fuente de inspiración para los demás artistas.

Georges Braque: este pintor y escultor francés, reconocido por ser uno de los

fundadores del cubismo. La obra de Braque evolucionó con los años hasta que encontró

un punto de inflexión en la Primera Guerra Mundial.

Juan Gris: pintor de origen español. Desarrolló su profesión principalmente en

Francia. No fue muy reconocido en su época, pero a partir de 1980 sus pinturas

comenzaron a estar en varios museos y allí ganó reconocimiento mundial.

Futurismo

Surgió en Italia sobre 1909, cuando se publica el llamado Manifiesto Futurista.

Fue uno de los primeros movimientos de la época que tuvo gran impacto en la literatura.

Esta forma de arte rechaza el pasado y la tradición y sostiene que las formas expresivas

válidas son aquellas que apuntan a la modernidad y sus valores.

El Futurismo aspira a guiarse por los valores de la modernidad y toma como

modelo la máquina y sus características: la velocidad, fuerza y energía. De esta forma

dignifica la guerra como espacio de expresión.

37
 En la pintura, esta corriente se caracteriza por su dinamismo y movimiento y los

temas tratados reflejan la cultura urbana. En el campo literario, el futurismo aspira a no

respetar la métrica, utiliza léxico técnico y se apoya en interjecciones y signos de

exclamación que denotan fuerza y alegría.

Su principal exponente es Filippo Tommaso Marinetti, poeta y editor italiano. En

1909 publicó en el diario Le Figaro el Manifiesto del Futurismo, lo que lo consagró

como la figura más relevante del movimiento.

El Surrealismo

Nació en Francia en 1924 de la mano de los poetas franceses André Bretón y

Louis Aragón entre otros. En el año 1924 Bretón publicó El Manifiesto Surrealista y

desde ese momento se convirtió en el líder del grupo.

Elimina la lógica, la realidad y la razón como elementos de la obra artística. Para

el surrealismo, la creación es un producto del mundo de los sueños o del subconsciente.

En este sentido, las nuevas teorías de Freud sobre el mundo de los sueños y el

subconsciente influyeron de manera decisiva en el movimiento.

El surrealismo surgió del movimiento Dadá. Como el dadaísmo, el surrealismo destaca

el papel del subconsciente en la actividad creadora, pero, al contrario que el dadaísmo, lo

utilizó con la intención de crear textos de valor literario.

El surrealismo, como vemos, es un nuevo concepto creativo y por tanto necesitaba

también emplear nuevas técnicas compositivas, porque cómo se logra escribir lo que

proviene del subconsciente. Para alejar la razón y la lógica del proceso creativo, los

38
surrealistas utilizaron una nueva técnica: la escritura automática. Es decir, escribir

dejando salir libremente y sin orden ni coherencia las imágenes, ideas, conexiones que

pasan por el cerebro y deben ir directamente a la máquina de escribir. El poema se

convierte así en una recreación única del mundo de los sueños y el subconsciente.

2.4. Las controversias del arte contemporáneo

Sin lugar a dudas el arte estuvo y está en un cambio veloz y continuo desde que las

vanguardias entraron en escena, los conceptos que regían el arte se desmoronaron, esta

destrucción trajo una gran libertad para el artista pero venia acompañada por una gran

angustia. Como dijo Theodor Adorno en su teoría estética “el proceso (...) devoró las

categorías en cuyo nombre había comenzado (vanguardias). Cada vez más cosas fueron

arrastradas al remolino de los nuevos tabúes; en todas partes los artistas se alegraron

menos del nuevo reino de libertad ganado.”(Adorno, 1969, pag.22-23). 31 Los nuevos

valores traídos por las vanguardias no eran compatibles con la realidad. La autonomía

que consiguió después de destruir toda función que tenía lo convirtió en un arte carente

de sentido.

31

Adorno, T.L.W. (1969). Teoría estética. Berlín, Alemania:Suhrkamp.

39
 Provocando el distanciamiento del individuo común y corriente hacia el arte y la

concepción de que el arte es inútil se fue instalando poco a poco.

Como dijo Adorno en su día “(…) Todos los intentos de restituirle una función

social, de la que el arte duda y de la que expresa tal duda, naufragan.”(Adorno, 1969,

pag.24).32

Otra de las controversias en torno al arte contemporáneo es el derrumbamiento de

la finalidad original de las vanguardias. Estas “post-vanguardias” ya no buscan

cuestionar y criticar aspectos de la vida, ahora lo que buscan es cumplir con los

estándares marcados por la cultura de masas para aumentar su valor comercial, ya no

importa si tienen un valor artístico y cultural, si no en cambio es prioridad que tengan un

valor económico. Esta visión fue apoyada por Eduardo Subirats “las vanguardias se han

convertido en un ritual primitivo de la cultura de masas y del consumo cultural: su signo

no es crítico, sino acomodaticio a las leyes de producción y reproducción

económica“(Subirats, 1985).33

Perdieron su espíritu “callejero”, su constante negativa en tener un arte para las

elites desapareció, ahora están más alejadas que nunca de la gente, abandonaron su

activismo. El arte es ahora esclava de la economía. Las reglas que se aniquilaron en el

siglo XX fueron remplazadas por las reglas del mercado todo arte popular actual está

32

Adorno, T.L.W. (1969). Teoría estética. Berlín, Alemania:Suhrkamp.

33

Subirats, E. (1965). La crisis de las vanguardias y la cultura moderna [versión electrónica]. En El País.
Consultado el 30 de marzo de 2018. Disponible en
https://elpais.com/diario/1985/01/16/opinion/474678010_850215.html

40
influenciado profundamente por la industria cultural. Se dice que la capacidad de

renovación y critica del arte sea acabado, hay un sentimiento de desesperanza, se cree

que el arte ya no puede trascender los límites impuestos por la lógica del desarrollo

tecnológico y dominación política y social. La solución para algunos es rebasar las

premisas tecnologías, políticas y económicas de nuestro tiempo, volver hacer el mismo

acto que profesaron nuestros predecesores, aprender de sus errores y ejercer más que

nunca el legado que nos dejaron: subversión, creatividad y ruptura.

Otra problemática que está muy relacionada es la “crisis del contenido”. Esta crisis

es consecuencia de la pérdida de valores profundos o la sustitución de estos por valores

más acordes con la sociedad consumista que solo busca alimentar cada vez más la

codicia económica del individuo, donde el eje esencial del proceso vital es el dinero.

Estos valores provocan que el contenido sea banal. Donde lo efímero y brillante se

incorpora como la realidad, productos que evitan incomodar al consumidor, el placer

irracional se vuelve el guía del consumidor que diferencia lo real de lo falso, lo bueno y

lo malo conforme lo inmediato del goce. La sociedad que incentiva una carrera

coercitiva por el éxito donde los lazos afectivos se consideran un estorbo, en el que

trabajar compulsivamente es un sinónimo de salud mental, en la cual el engañarnos con

frases positivas es un símbolo de fortaleza, un camino que valida actos de dudosa

moralidad para conseguir aprobación social. La urgencia de conseguir tal éxito provoca

la creación, refiriéndonos al campo musical de espectáculo y animación, de obras que

son fuegos instantáneos, que se apagan al poco tiempo. Otro factor que se puede ligar a

la crisis es el cambio progresivo y confuso entre lo tangible y lo virtual, que cambia

41
nuestro concepto de lo real y genera en este caso obras más distanciadas de nuestro

mundo, más indiferentes al espectador y hasta del mismo artista. La carencia de criterios

válidos y objetivos imposibilita la respuesta de ¿Qué es arte, y que no lo es?, En el arte

de hoy la línea que distinguía una obra de arte de un producto comercial es cada vez más

difusa o inexistente. Las artes de ahora no toman como referente del logro expresivo el

talento y el dominio técnico, sino más bien la fuerza del concepto. Todo este gran caos

provoca que el público vacíe las salas de exposiciones de arte actual, y haga colas en las

muestras de arte clásico, producto de ese desconcierto. Vemos que hay cada vez menos

dinero para promocionar la cultura. La cual va perdiendo protagonismo en la sociedad y

su progresiva minusvalía y relativa desaparición es cada vez más notoria. Solo se

incentivan los productos que brillan de forma espectacular, las realizaciones que

fomentan el consumo y el entretenimiento.

42
 BIBLIOGRAFÍA

Acha, J. (2005). Expresión y apreciación artísticas. Editorial Trillas.

Tatarkiewicz, W. (2001). Historia de seis ideas Arte, belleza, forma, creatividad, mímesis, experiencia
estética. España: Editorial Tecnos Alianza.
Delgado, C.; De Jesús, J., y García, H. (2005). Historia del Arte. México: Editorial Trillas.
Monreal, L.; Haggar, R.G. (1999). Diccionario de Términos de Arte. Barcelona, España: Editorial
Juventud.
Latham, A. (2008). Diccionario enciclopédico de la música. México: Fondo de Cultura Económica.
Sevilla, A. (1990). Danza, Cultura y Clases Sociales, Serie Investigación y documentación de las Artes.
México: 2ª Época, INBA.
Marcel, M. (1990).El Lenguaje del Cine. GEDISA.
Gutiérrez, T. (s.f.). El espectador contemplativo y el espectador activo. Manuscrito.
Rolnik, S. (2010). El espectador sujeto activo. Tercera edición del mov-s “Espectador Activo”. En
Madrid, España.
Durkheim, E. (1893). La división del trabajo social.
Weber, M. (1990).Ensayos sobre metodología sociológica. Buenos Aires, Argentina: Amorrortu.

43
Falicov, E.; Lifszyc, S. (2002). Sociología, Argentina: Aique

Giddens, A. (1999). Sociología. Madrid, España: Alianza.

Gross, r. E.; Messichk, R.; Chapín, J. R. Y Sutherland, J. (1983). Ciencias Sociales. Programas
actualizados de enseñanza. México: Limusa págs. 85-86.
Capel, H.; Luis, A. Y Urteaga, L. (1984). La Geografía ante la reforma educativa en Geo Crítica, n.Q 53,
Universidad de Barcelona, España: pág. 41.
Adorno, T.; Horkheimer, M. (1988). Dialéctica del iluminismo .Buenos Aires, Argentina: sudamericana.
Adorno, T.L.W. (1969). Teoría estética. Berlín, Alemania:Suhrkamp.

FUENTES ELECTRÓNICAS

http://terminosartisticos.blogspot.mx/2013/02/funciones-del-arte.html

http://arte-elartista.blogspot.mx/2016/06/funciones-del-artecomunicativa-

expresiva.html

http://www.rae.es/rae.html

http://portal.unesco.org/es/ev.php-

URL_ID=13138&URL_DO=DO_TOPIC&URL_SECTION=201.html

https://mariainescarod.blogspot.mx/2012/04/caracteristicas-psicologicas-del.html

http://epv4lola.blogspot.mx/2014/02/forma-y-funcion-la-funcion-practica.html

44
 http://www.decorarconarte.com/Cont-culturales/Funcion-y-finalidad-del-arte

http://noticias.universia.net.mx/cultura/noticia/2015/12/02/1134314/vanguardias-

artisticas-primeros-anos-siglo-xx.html

https://redhistoria.com/las-vanguardias-artisticas-historicas/

http://masterlengua.com/los-principales-movimientos-de-vanguardia/

http://vanguardismoliterario.blogspot.mx/2009/07/contexto-historico-y-

literario.html

https://elpais.com/diario/1985/01/16/opinion/474678010_850215.html

http://practicas20.wikispaces.com/1.+EL+CONTEXTO+HIST

%C3%93RICO+DE+LAS+VANGUARDIAS

https://www.tendencias21.net/arte/La-Sociedad-en-Crisis-El-Arte-en-

Crisis_a6.html

https://filosofia.laguia2000.com/filosofia-griega/la-autonomia-del-arte

http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/publicacionesdc/vista/detalle_articulo.php?

id_libro=124&id_articulo=1343

http://www.disturbis.esteticauab.org/Disturbis234/Niculet.html

45
 Esteban, me parece bien tu desarrollo teórico. Ahora solo revisa los comentarios

que te hago y replantea el objetivo tercero para que puedas abordarlo así como lo

mencionas en el correo que me enviaste.

46