Diseño Grafico Excelente PDF

28/06/12 Diseño Grafico - Todo lo que buscas en info - - Taringa!
sonic1981 Buscar...
Posts Comunidades Música Juegos TOPs Global
Inicio Novatos Destacados Crear post Historial
INFO | HACE MÁS DE 3 AÑOS Me gusta 0 2 0 maxixito
Diseño Grafico - Todo lo que buscas en info - Seguir
12
Seguidores
Anuncios Google
Curso Diseño Gráfico 267
Puntos
www.estudiosabiertos.es- Aprende a utilizar los principales programas y libera tu creatividad.
Regular
10
Posts
HISTORIA DEL DISEÑO GRAFICO Ver m ás del autor »
INTRODUCCIÓN
Tomando como punto de partida a los últimos sesenta años del siglo XV que enmarcaron el nacimiento y desarrollo de la
tipografía, las secuelas de las iniciativas y experimentaciones gráficas surgen en el siglo XVI con la energía creadora con
que se dieron origen a innovadores diseños de tipos, normas de composición, ilustraciones y encuadernaciones,
conjuntamente con representantes de gran prestigio.
En el presente trabajo se analizarán los principales acontecimientos que enmarcaron a los siglos de transición y
normalización (siglos XVI al XIX). En lo que refiere a la historia del diseño gráfico, cabe destacar la influencia que tuvieron
hechos como la Revolución Francesa y la Revolución Industrial, para el desarrollo del comercio y de la actividad
publicitaria.
Además, es importante tomar en cuenta que muchos aspectos políticos, sociales y religiosos de cada época, han influido
en la evolución o retroceso en lo que concierne a los trabajos impresos, desde la creación de los tipos de letras, el trabajo
tipográfico, hasta la aparición de los libros, periódicos, enciclopedias y carteles que se tratarán a continuación.
Tags
diseño grafico tipografias
IMPRENTA DEL SIGLO XV
definiciones historia del diseño
Anuncios Google
IMPRENTA Y TIPOGRAFIAS
Diseño Grafico
Escuelas Diseño Grafico
Download File
ASPECTOS IMPORTANTES ACONTECIDOS EN EL SIGLO XVI Compartido por
Uno de los factores históricos determinantes fue el proceso de involución política que culminó en 1543, con la instauración
de la censura de imprenta, la cual acabó con la dinámica creativa y liberal que caracterizó la producción de impresos
durante el medio siglo anterior.
Sin embargo, uno de los avances más importantes fue el renacimiento de la caligrafía, que se produce en medio de un
absolutismo monárquico encabezado por Francia y España, que establecieron una burocracia que favoreció el progreso de
la caligrafía al tiempo que la imprenta, en poder de la Iglesia y el Gobierno, fue perdiendo su sentido de vanguardia y se
convirtió en una actividad conservadora al servicio de las fuerzas políticas y religiosas totalitarias.
Así, durante muchos años las legibles y armoniosas caligrafías Italianas fueron imitadas en todos los Estados poderosos
de Europa, por este motivo la lengua italiana adquirió gran valor en el siglo XVI y fue divulgada por sus representantes con
propósitos didácticos a través de sus tratados y manuales.
Cabe destacar la trilogía de maestros italianos conformada por Ludovico Degli Arrighi, Giovanni Antonio Tagliente y el
calígrafo de calígrafos Giovanni Baptista Palatino, quien en 1540 aporta una novedad didáctica en la práctica caligráfica al
tratar de instruir alternativamente por medio de textos y grabados.
Debido a las condiciones políticas y económicas de la época, en el campo tipográfico el diseño de tipos se considera sólo
por su función como elemento del proceso de impresión y su mayor exponente fue el francés Claude Garamond, quien
tuvo que vivir entre la subversión y el favoritismo, siendo cauteloso al realizar sus estudios, ya que en la época los que
practicaban esta labor eran perseguidos por motivos políticos o religiosos.
"La calidad de los diseños del tipo, armonía entre mayúsculas, minúsculas y cursivas, y el preciso y contenido sentido
ornamental presente en algunos trazos hacen de la celebérrima Garamond, fundida en 1545, el más perfeccionado de toda
la tipografía romana…"
En el mismo orden de ideas, Jhon Baskerville fue el impulsor de la tipografía inglesa y diseñó un tipo genuino en 1754
(Baskerville), la cual posee notable claridad y elegancia. Los aportes de Baskerville fueron muy innovadores y eficaces,
entre ellos: el uso del papel satinado para facilitar una impresión nítida y brillante y la variante del uso a voluntad de la
interlínea o espaciado entre líneas de texto impreso.
Por la gran producción de libros en este siglo, la decadencia del impulso creativo se acentúa, se degrada el grabado
xilográfico al extremo que los artistas rehuyen sus colaboraciones con este procedimiento y entonces se introduce un
procedimiento nuevo: el grabado calcográfico (sobre plancha de metal) que permite grabar el trazo directamente.
www.taringa.net/posts/info/1503171/Diseno-Grafico---Todo-lo-que-buscas-en-info--.html 1/18
GOTICO ITALIANO SIGLO XVI
EL SIGLO XVII
En este siglo se dio un estilo homogéneo o académico a toda manifestación artística o artesanal, y a su vez se comenzó
a utilizar una nomenclatura metafórica que permitió que la arquitectura fuese desplazada por la tipografía. En este sentido,
el arquitecto Peter Behrens hizo referencia a que el tipo (la letra) era uno de los más elocuentes medios de expresión de la
época o estilo, y que próximo a la arquitectura, este proporciona el más severo testimonio del nivel intelectual de una
nación.
La caligrafía comenzó a decaer y terminó convirtiéndose en un estilo ornamental, sin embargo es importante resaltar que
esta desviación de la caligrafía logró aportar un conjunto visual que constituyó un recurso gráfico que la futura imagen
publicitaria incorporó a su repertorio lingüístico.
"En la evolución de las etiquetas de productos comerciales el texto, el ornamento y la ilustración son componentes que
van apareciendo sucesivamente por orden, en un momento histórico en el que la imagen empieza a valorarse como
complemento del texto y no, como hasta entonces, como único elemento susceptible de ser leído por el público."
A pesar de que todavía el mensaje publicitario era reducido a sectores sociales privilegiados, este propone algo más que el
reconocimiento del producto añadiendo un nuevo valor: la imagen de identidad.
SIGLO XVIII, EL SIGLO DE LA RAZÓN
La lectura se hace una necesidad para las clases superiores y por esta razón crece la demanda en el negocio de la venta
de libros. Sin embargo, la gran invención de esta época fueron los Periódicos, los cuales se difundieron desde principios
del siglo.
Debido al auge económico, en 1730 aparece en Londres el primer diario comercial dedicado a la publicación de anuncios
de ofertas y demandas. Además, los comerciantes londinenses se encargaron de introducir un tipo de tarjeta comercial,
que por su gran formato, parece fueron utilizadas como cartas comerciales y facturas.
Cabe destacar que el rentable criterio de asentar la publicidad por medio de la repetición se pone de manifiesto en los
impresos que reproducen en su mayoría los rótulos de los establecimientos, acompañados de una completa
argumentación publicitaria. También, se debe tomar en cuenta, que los sectores comerciales, como la del libro, se
encargaron de introducir la práctica del Cartel mural en formatos pequeños ilustrados con xilografías.
En 1762 las autoridades francesas prohíben las enseñas colgantes, lo cual contribuyó a la modernización de la
señalización comercial, ya que tuvieron que adaptarlas en su tamaño o formato a las necesidades de la época, debido a
que estas eran muy rudimentarias.
En este siglo se implantan las Escuelas Técnicas o de artes Aplicadas para la formación de especialistas,
fundamentalmente en diseño textil y artes gráficas, así mismo se sitúa a la imagen en un contexto más preciso y menos
trivial, utilizándola como complemento del texto y completar con ella el concepto utilitario y didáctico, se crea de esta
manera la Enciclopedia.
En el aspecto tipográfico se crean diversidad de tipos, destacándose el llamado Bodoni, un tipo de la familia de las
romanas diseñada por Giambaptista Bodoni en 1768, igualmente es interesante la creación del alfabeto arquitectónico de
Steingrüber, la cual es una extraña serie de letras ornamentadas en las que se conserva la forma exterior de la letra y
representa en cada una de ellas la planta de un edificio.
El hecho histórico de mayor importancia del siglo XVIII fue la Revolución Francesa de 1789, la cual establece una sociedad
igualitaria que proclama libertad de prensa, la cual convierte a los diarios y periódicos en productos de consumo masivo de
la sociedad.
La practica de la propaganda política introdujo a su vez a la caricatura y la sátira como nuevo elemento gráfico desde
1789, esta se utilizó como una forma de lucha contra las ideas y formas despóticas de poder, disminuyendo su fuerza a
través de la ridiculización, de esta manera la caricatura suaviza o acusa el perfil crítico sin perder su contenido original,
sea este de orden político, social o religioso.
PERIODICO SIGLO XVIII
LONDRES Y PARÍS, CAPITALES DEL DISEÑO GRÁFICO COMERCIAL DEL SIGLO XIX
En 1814 se inaugura oficialmente la era de la mecanización de la industria de la impresión incorporando la máquina

semiautomática proyectada por el alemán Friedrich Köenig, posteriormente surge la linotipia.
El uso de este nuevo proceso condujo a un cambio conceptual notable, ya que la sustitución de las arcaicas prensas
permitió la ampliación de los formatos de papel a imprimir, con lo cual los papeles y las letras pudieron superar los límites
de los anteriores pequeños y estrechos formatos.
En este siglo se crean las tipologías Finas, Negras y Supernegras (según el grueso del palo), y las Estrechas o chupadas
y Anchas (según el ojo de la letra), así mismo se distinguen tres familias genuinas: las Egipcias, las Antiguas, grotescas
o góticas y la escritura Inglesa.
Otro acontecimiento relevante fue la Revolución Industrial, la cual impulsó el desarrollo del comercio. En lo que compete
directamente al diseño gráfico, Rowland Hill crea el sello de correos, se asume la técnica del grabado calcográfico como
unidad estilística propia y aparece el billete con el uso del papel moneda. La publicidad directa empieza a perfilarse como
estrategia e instrumento propagador y embellecedor, así surge otro elemento innovador: el uso de la figura femenina como
elemento simbólico de atracción.
El linaje nobiliario de los Toulouse-Lautrec
Es uno de los más antiguos y notoriosde Francia. En su seno, y en su castillo "del Bosc", en Albi, nació el primogénito
del conde Alphonse Charles de Toulouse-Lautrec Monfa y su esposa Adele Marquette Tapié de Céleyran. El conde y la
condesa eran primos, consagrando una larga tradiciónde consanguinidad en la familia que resultaría fatal para el pequeño
Henri. En 1878, a los catorce años, se rompe el fémur izquierdo al caerse en el palacio familiar y, al año siguiente, otra
desafortunada caída supone la fractura del fémur derecho. La deficiente calcificación -debida, al parecer, a las
consecuencias de la consanguinidad- impide que las fracturas suelden adecua-damente, y sus piernas ya no crecerán
más: "El tronco, que era el de un hombre de estatura normal -escribIó años después Thadée Natanson- parecía haber
aplastado con su peso y el de la gran cabeza las cortas piernas que apuntaban por debajo".
LA INDUSTRIALIZACIÓN DE LAS ARTES GRÁFICAS. SIGLO XX
El desarrollo de la nueva tecnología de composición y prensa en las últimas décadas del siglo XIX, luego de muchos años
de impresión manual, produjo muchos cambios importantes en los esquemas de trabajo dentro de las artes gráficas
debido a la Automatización y a la Especialización. Aparecieron especialistas en cada fase del proceso, reduciendo las
funciones de los tipógrafos, así comenzaron a surgir diseñadores de tipos, fundidores, compositores, fabricantes de papel,
encuadernadores, editores, impresores, etc.
La tecnología pasó de lo manual a lo mecánico y a lo automático, y de un mercado limitado a uno masivo. Creció la
demanda del material impreso y el desarrollo de la publicidad fomentó el crecimiento de las ventas de diarios y revistas,
recuperando a su vez el uso del Cartel Publicitario.
Una nueva generación de diseñadores surge en el siglo XX rechazando el gusto por los estilos históricos (neoclasicismo,
neogótico, etc.) dando como resultado un nuevo arte: Art Nouveau o Modernismo, el cual incluía ideas procedentes de
todas las disciplinas del diseño y el arte (arquitectura, pintura, diseño de muebles, cerámicas, joyería, diseño industrial,
ingeniería de la construcción, cine, fotografía, etc.), acelerando la evolución en el arte de vanguardia y en el diseño, el Art
Nouveau creó al diseño gráfico como oposición al puramente tipográfico, no solo como un medio de comunicación de
ideas nuevas, sino también para su expresión.
La tecnología proporcionó nuevos medios gráficos a ilustradores y diseñadores, afianzando al Modernismo como el estilo
dominante del siglo XX. Cabe destacar que las grandes invenciones que se produjeron entre 1850 y 1910 ayudaron a
difundir las comunicaciones visuales y a inspirar a los diseñadores, entre ellas tenemos: la máquina de escribir, el clisé
pluma, la trama, el proceso de impresión en color, la fotografía en color, la composición automática, la instantánea, la
fotografía de rayos X, la película de animación, las diapositivas de linterna mágica, entre otros.
Entre las influencias del estilo modernista en el diseño gráfico podemos resaltar que el estilo radical, anarquista, nihilista
de Dada y los experimentos tipográficos de cubistas y futuristas funcionaron como una línea divisoria. Es así como se
desecharon los estilos tradicionales de tipografía y layout, dando paso a la evolución de un estilo alternativo y
adecuadamente moderno de layout con nuevas tipografías mecánicas.
Los principios inspirados por la revolución que produjo en la industria, la arquitectura y la construcción, la nueva
maquinaria industrial, el automóvil, el rascacielos, la Torre Eiffel, los gigantescos edificios, las fabricas y los ferrocarriles,
dieron paso a la construcción modular en cuadrícula de los edificios de estructura de acero, la cual se convirtió en una
metáfora para la construcción de la página y en una herramienta fundamental del diseño gráfico, estos principios
arquitectónicos se aplicaron directamente a las artes gráficas en las estructuras básicas dentro de las cuales se
desarrollaron los estilos asimétricos y no tradicionales del modernismo.
OBRA DEL HOLANDES MAURITS CORNELIS ESCHER
Reconocido por sus grabados en madera, piedra y a media tinta, con los que trató de representar construcciones y
explorar lo infinito, el artista holandés Maurits Cornelis Escher nació el 17 de junio de 1898.
Considerado un revolucionario de las artes gráficas del siglo XX, su obra experimenta con diversos métodos de representar
(en dibujos de 2 ó 3 dimensiones) espacios paradójicos que desafían a los modos habituales de representación, de ahí
que su obra llamara la atención de muchos matemáticos.
ACOGIDA DE LA BAUHAUS
Itten, Klee y Kandinsky buscaban el origen del lenguaje visual en geometrías básicas, colores puros y en la abstracción,
constituyendo un análisis de formas, colores y materiales. Para ellos servían como una escritura con la que podría
analizarse y representarse la prehistoria visible, por ello la Bauhaus se caracterizó por la conciencia de su separación de
la historia y su anhelo por encontrar un punto de origen.
"En 1923 Kandinsky proclamó que hay una correspondencia universal entre las tres formas básicas y los tres colores
primarios."
Al asimilar sus métodos en la educación moderna del diseño la Bauhaus se convirtió en un punto de origen, resaltando las
formas geométricas, el espacio reticulado y el uso racionalista de la tipografía. El potencial lingüístico de la teoría de la
Bauhaus fue ignorado y el proyecto de un lenguaje visual se interpretó aislado del lenguaje verbal.
La Bauhaus fue un lugar en el cual se unieron diversas corrientes vanguardistas que se dedicaron a la producción de la
tipografía, publicidad, productos, pinturas y arquitectura. Las actividades de la escuela recibieron amplia publicidad en los
Estados Unidos a finales de los años treinta cuando muchos de sus miembros emigraron a este país, así la Bauhaus fue
equiparada al pensamiento avanzado del diseño.
La forma visual se consideró como una escritura universal que hablaba directamente con la mecánica del ojo al cerebro.
En el mismo orden de ideas, la palabra Gráfico se utilizó para referirse tanto a la escritura como al dibujo, y su trazado se
percibe como una Gestalt: una forma o imagen simple.
El "Libro de Apuntes Pedagógico" de Paul Klee,y "Punto y línea sobre el plano" de Wassily Kandinsky, fueron publicados
por la Bauhaus y sirvieron de introducción a la gramática de la escritura visual. Giorgy Kepes y Laszlo Moholy-Nagy,
utilizaron la psicología de la Gestalt para aportar una racionalidad científica al lenguaje de la visión, la psicología de la
Gestalt ha sido desde entonces una fuente teórica dominante en la enseñanza básica del diseño.
El primer profesor del Curso Básico en la Bauhaus fue Johannes Itten, cuyo misticismo y excentricidad disonaban de los
planes prácticos de Walter Gropius (arquitecto fundador de la Bauhaus en 1919) para la escuela, luego de la dimisión de
Itten en 1923, Kandinsky dio clases sobre color y los elementos básicos de la forma, y Klee dio lecciones en la clase de
formas básicas.
En los libros de texto básicos de Klee y Kandinsky, el gráfico es un modelo de expresión pictórica y sus manuales de
diseño describen a la línea como un solo punto arrastrado a través de una página. De igual manera, Kandinsky utiliza el
término Traslación, aludiendo al acto de trazar correspondencias entre marcas gráficas lineales y una serie de
experiencias no gráficas como el color, la música, la intuición o la percepción visual.
La serie representa el intento de Kandinsky de probar una correlación universal entre el color y la geometría, y se ha
convertido en uno de los íconos más famosos de la Bauhaus, aunque hoy en día pocos diseñadores aceptan la validez
universal de la serie, ésta sigue siendo la base de numerosos libros de texto de diseño básico.
En 1923, Kandinsky hizo circular un cuestionario por la Bauhaus pidiendo a cada participante que asociase intuitivamente
con los tres colores primarios, tratando de dar validez mediante el test psicológico a la serie, ya que ésta encarna la teoría
del lenguaje visual como sistema de oposiciones perceptivas, por la cual se logra una comunicación directa con los
mecanismos del ojo y el cerebro.
La forma estructural que invadió el arte y el diseño de la Bauhaus fue la Retícula, la cual articula el espacio según un
tramado de oposiciones: vertical y horizontal, arriba y abajo, ortogonal y diagonal, e izquierda y derecha. Otra oposición
implicada en la retícula está entre la continuidad y la discontinuidad.
En 1928 se dieron una serie de conferencias en la Bauhaus sobre la psicología de la Gestalt, la cual es fundamental para
la teoría moderna del diseño y promovió una ideología de la visión como facultad autónoma y racional, mostrando los
modos en que una figura emerge sobre un fondo neutro que se le subordina como condición necesaria pero invisible de la
percepción.
MOVIMIENTO MODERNO Y NEOMODERNO
La pedagogía del diseño Moderno es la disposición repetitiva de una colección de signos según determinadas reglas de
combinación. La tarea predominante de la teoría moderna del diseño ha sido organizar los elementos geométricos y
tipográficos en relación con oposiciones formales tales como ortogonal / diagonal, estático / dinámico, figura / fondo, lineal
/ plano o regular / irregular.
Suiza fue el centro ideológico de la teoría moderna del diseño en los años cincuenta y sesenta, donde la intuición se
convirtió en un elemento clave en ecuaciones racionalistas, donde se aplicaban afirmaciones como: Entre más exactos y
completos son los criterios, tanto más creativa es la obra.
En los comienzos de los años setenta, la unión entre el sistema racional y la elección intuitiva se convirtió en la
preocupación central para algunos diseñadores que laboraban en el idioma moderno, por ese motivo se pensó en las
alternativas que ofrecía el proyecto Neomoderno de personalizar los lenguajes modernos, aparte de retorno al ideal de una
comunicación universal libre de valores.
Los limitados vocabularios formales del contructivismo fueron intentos para lograr un orden lingüístico, cultural o
psicológico que regulara el acto creativo individual, más que personalizar lo moderno, lo neomoderno trató de priorizar el
poder y la capacidad penetrante de los lenguajes que utilizamos.
EL NACIMIENTO DE WEIMAR
Ante la derrota en la Primera Guerra Mundial, el Kaiser abdicó y se formó una república con la capital en Weimar, la cual
tuvo que negociar la paz con sus enemigos de fuera y de dentro. Los alemanes que estaban en los campos de batalla
confiados en su superioridad moral, volvieron de ellos vencidos y traicionados.
Los cuarenta y siete años que siguieron la unificación de la nación alemana presenciaron su desarrollo hasta que se
convirtió en la nación más industrializada y militarizada de Europa. Con la rapidez de su urbanización e industrialización
las artes prosperaban en Alemania, Diaghilev, cuyas producciones toparon con la animosidad de otras capitales europeas
fue bienvenido en Berlin.
"Escribiendo que después de años como soldado en el frente estaba dispuesto a reempezar la vida, Walter Gropius
manifestó su deseo de dirigir la escuela de Artes y Oficios de Weimar."
En el caos del mundo alemán había la esperanza de que pudiera crearse un nuevo orden por medio de un arte nuevo.
Gropius llamó a la unificación de las artes, pero la ausencia de una república alemana convincente condujo a momentos
utópicos como la Bauhaus y a la devastación infligida por los nazis.
EL TIPO UNIVERSAL DE HERBERT BAYER
Con la derrota del imperio alemán la legitimidad de la cultura del siglo XIX parecía en decadencia, muchos alemanes
sintieron que debían empezar de nuevo. Diseñadores como los asociados en la Bauhaus impulsaron un nuevo modo de
pensar sobre la visión y la función del entorno visual.
Para ellos el diseño no debía seguir utilizándose para reflejar y reforzar una sociedad jerárquica, muchos miembros de la
Bauhaus creían que el futuro dependía de unas leyes universales de la razón que no estaban vinculadas a las limitaciones
de la cultura tradicional.
Herbert Bayer fue estudiante de la Bauhaus, y Gropius lo invitó a dirigir el taller de tipografía e imprenta. Bayer desempeño
un buen papel en el desarrollo de una nueva tipografía que utilizaba tipos de palo seco, filetes gruesos y retículas
sistematizadas para conseguir composiciones limpias y lógicas.
Las consideraciones de estilo y expresión fueron subordinadas a la pureza de la geometría y las exigencias de la
funcionalidad, este método condujo a Bayer a diseñar una tipografía con formas de letras tan esenciales que se
entendieran como universales. El tipo Universal diseñado por Bayer en 1925, representa una reducción de las formas de
letras romanas a simples formas geométricas. Este tipo de letra abarcó a la industria y a la tecnología y se adaptó a las
técnicas de reproducción en masa y métodos racionalizados.
TIPO UNVIVERSAL DE HERBERT BAYER
PRINCIPALES REPRESENTANTES DEL DISEÑO
A lo largo de la historia gran diversidad de movimientos artísticos se han visto representados por importantes diseñadores,
entre ellos Aubrey V. Beardsley, quien destaca como dibujante y es llamado "el discípulo del diablo". Beardsley fue gran
opositor de las ideas de William Morris y se caracterizó por su gusto por reflejar el arte decadentista de fines del siglo XIX,
influido por el arte oriental utilizó ornamentos con este estilo y se observa también en sus diseños el predominio de los
espacios en blanco, brilló en la ilustración de libros como "Salomé" de Oscar Wilde (1894).
Otros representantes destacados fueron el notable arquitecto ingles de la segunda mitad del siglo XVII, Christopher Wren y
el acuarelista y pintor Walter Crane, precursor del renacimiento de las artes (Modernismo) y del Art and Craft. Crane ilustró
libros de cuentos infantiles como El Grimm, Robin Hood y Don Quijote.
Cabe destacar que el Modernismo se caracterizó por el uso de formas geométricas, simples y sin ornamentos, aunadas a
una tipografía igualmente sencilla. Y el Art and Craft se refiere al grupo de artesanos, artistas, diseñadores y arquitectos
que se propusieron levantar el estado de las artes aplicadas, al de las bellas artes. Principalmente inspirado por William
Morris, otros artistas importantes en el movimiento fueron Henry Holiday, Walter Crane, el arquitecto y diseñador Philip
Webb, Alejandro Fisher y Christopher Whall.
Uno de los más notables precursores del racionalismo fue el arquitecto británico Charles R. Mackintosh, quien se destacó
por sus construcciones geométricas. Se caracterizó por su dedicación en la elaboración de carteles, muebles y objetos
ornamentales, y por la búsqueda de la estilización de las formas rectangulares combinadas con suaves curvas.
Otro importante representante fue Arthur H. Mackmurdo, quien estudió arquitectura bajo la tutela de James Brooks y
asistió a clases de dibujo por John Ruskin. Su admiración por el Renacimiento lo llevó a creer en la unidad de las artes, y
en 1882 junto con su estudiante Herbert P. Horne, y el artista Image de Selwyn, Mackmurdo fundó el Gremio del Siglo, el
periódico del Gremio: "El Caballo de la Afición", fue diseñado inicialmente por Mackmurdo.
El británico William Nicholson fue pintor, impresor y diseñador de teatro. Empezó su carrera profesional como diseñador
de carteles y como ilustrador de libros, donde los contrastes llamativos de negro y blanco de su técnica del woodcutting
fue acostumbrado a gran efecto.
En 1894, Nicholson empezó colaborando en planes del cartel con sus cuñado James Pryde y los dos se dieron a conocer
como los Hermanos de Beggerstaff (Beggarstaff Brothers).
Ya en 1890 Nicholson empezó a hacer bojs y a experimentar con la suma de tintes sutiles de verde y ocre a sus
composiciones negras y blancas. Nicholson se conoció pronto por su habilidad e innovación en el medio, elevando la
forma de arte a un nivel alto de éxito, ambos estéticamente y comercialmente. En 1897, el artista produjo su retrato: Reina
Victoria, el cual es una de las impresiones británicas más famosas.
Otro precursor del diseño fue Peter Behrens, quien originalmente fue entrenado como pintor, su estilo provisional estimuló
una nueva abstracción geométrica en su trabajo.
De 1907 a 1914 Behrens trabajó como un consejero artístico al AEG en Berlín donde creó la primera imagen corporativa
del mundo. Behrens es considerado una figura importante en la transición al Clasicismo Industrial, y jugó un papel central
en la evolución de Modernismo alemán.
INFLUENCIA DEL ESTILO VANGUARDISTA ART POP
El Art Pop o Arte Popular, es un producto típicamente norteamericano (aunque también se desarrolló en 1950 en
Inglaterra), que aspiraba a ser un arte testimonial del tiempo que se vivía.
Se caracteriza por inspirarse en la vida de la ciudad, tomando como elementos de expresión los productos masivos de la
cultura, es figurativa y emplea objetos de uso diario de la sociedad consumista: botellas de coca cola, latas de cerveza,
neveras, autos, comics, personajes del cine y la canción, etc.
Utiliza procedimientos dadaístas (ready mades), hiperrealistas (fidelidad fotográfica) y cubistas (collages). Predomina el
colorido brillante, con tintes fluorescentes y acrílicos de colores vivos.
Dentro de este arte se destacan artistas como Jasper Johns, Andy Warhol, C. Oldenburg, George Seagal, Peter Blake y
Roy Lichtenstein.
EL DISEÑO GRÁFICO EN LATINOAMÉRICA
Colombia es uno de los países con mayor tradición histórica en el campo de las artes gráficas, la obra impresa más
antigua del país data del siglo XVII. La figura colombiana más relevante es David Consuegra (1939), quien fundó un grupo
en la Universidad de Bogotá brindando su experiencia y talento. Otros representantes del diseño en Colombia son Marta
Granados, Antonio Grass y Dicken Castro.
En Perú el verdadero pionero del diseño gráfico peruano moderno es Claude Dieterich (1930), quien después de trabajar en
Paris en diversas agencias de publicidad y en el diseño de revistas, se establece en Lima implementando las influencias
europeas en el diseño gráfico contemporáneo de América Latina.
El primer periódico editado en Venezuela en 1808, marca los orígenes de la imprenta en este país, y la iniciativa de
mejorar el diseño de los sellos de la Administración de Correos se debió a un grupo de diseñadores y artistas venezolanos
en la que mejoró notablemente la calidad del diseño venezolano.
Cabe destacar a Gerd Leufert quien se estableció en Caracas y fue autor de 26 sellos para la Administración de Correos y
es calificado como el padre del diseño gráfico venezolano. Y M.F. Nedo es el segundo pionero moderno del diseño
venezolano quien inició su larga e intensa colaboración con Gerd Leufert en la agencia de publicidad McCann Erickson.
En México se establece la tipografía en 1539, fray Juan de Zumarraga es el autor del primer libro impreso en América, casi
doscientos años antes de la famosa Biblia de Gutemberg de América Latina impresa en Argentina. Durante el siglo XVIII
se ocuparon básicamente de reproducir imaginería religiosa, poco después en 1830, la litografía se ocupó también de esos
menesteres añadiendo sátiras de costumbres y caricaturas políticas en periódicos similares a los europeos.
"…la obra del insigne xilógrafo José Guadalupe Posada, por ejemplo, hay que enmarcarla en la historia del diseño gráfico.
Por varias razones…José Guadalupe Posada, solo, fue capaz de hacer una producción casi tan abundante y variada como
lo fue la francesa…"
Otros artistas gráficos de gran relevancia además de José Guadalupe Posada, fueron: Trinidad Pedroza, Orozco, Diego
Rivera, Leopoldo Mendez, Julio Ruelas, Miguel Cobarrubias, entre otros.
En Cuba se disponía de una larga tradición en diseño gráfico aplicado al consumo, probablemente la más antigua de
Latinoamérica, antes de mediar el siglo XIX disponía de talleres litográficos y de una practica aceptable en el
procedimiento inventado en Alemania, acercando por primera vez a un país sudamericano a uno de los paises más
desarrollados de la vieja Europa.
Indudablemente la historia del diseño cubano en litografía la escribió Francisco Murtra, la de la tipografía José Mora y la
del cartelismo (y por extensión, de todo el diseño gráfico) Felix Beltrán.
En Argentina prevalece una fuerte influencia francesa, los mejores cartelistas argentinos de la historia son Arnaldi y
Valerian Guillard. En los años sesenta este país era la primera potencia de América Latina en la edición de libros y otros
materiales de lectura como por ejemplo, los diarios. Sin embargo, la ilustración es la especialidad en la que los argentinos
han tenido mayor proyección, destacándose Castagnino, Sabat, Quino, Mordillo y Tomás Maldonado.
La tipografía llega tarde a Brasil, a pesar de esto el establecimiento de las sucursales de las grandes agencias de
publicidad americanas, que coincide con el primer gran desarrollo industrial y mercantil del Brasil, permite la introducción
de las más modernas formas de producción industrial, con lo que los brasileros aprenden a diseñar anuncios publicitarios
en 1940.
El origen del diseño gráfico brasilero puede determinarse por medio de los pioneros Aloisio Sergio Magalhaes y Alexandre
Wollner. En 1962 se inauguró en Río de Janeiro la primera Escuela Superior de diseño Industrial, la cual ha contado con
profesores de altísimo nivel como Gui Bonsieppe.
ÚLTIMAS TENDENCIAS: EL DISEÑO COMPUTARIZADO
Los avances tecnológicos y computarizados dieron paso a una gran evolución del diseño gráfico, facilitando herramientas
para la creación de diseños innovadores y de gran originalidad. Al respecto, cabe destacar el uso de programas como
Photoshop, Corel Draw, Phox-pro, Free Hand, Adobe Ilustrator, Macromedia Flash, Page Maker, entre otros.
Los programas como Corel Draw y Free Hand son los mejores programas gráficos de nuestra época, ya que han sabido
capturar la imaginación del artista, ofreciendo desde un principio la posibilidad de hacerla realidad. Además, han
solucionado con la evolución de sus programas, ciertas áreas problemáticas y al mismo tiempo han incorporado nuevas
herramientas, entre las mejoras destaca el perfeccionado modulo de impresión, el cual nos permite hacer uso de una
práctica mini-previsualización de la impresión.
En Corel Draw los clásicos efectos como las Mezclas o los Contornos han encontrado su lugar en un nuevo Menú de
Herramientas Interactivo. Este menú es un nuevo residente de la Caja de Herramientas y nos da acceso a todas las
herramientas interactivas. Estos cambios, nos obligan ha usar el programa de una manera más productiva y eficiente.
En otro orden de ideas, los programas como Photoshop permiten con sus múltiples herramientas crear y diseñar a base
de un material fotográfico, variedad de efectos especiales, con los que podemos lograr maravillosos fotomontajes, dibujos,
efectos de luces, texturas etc.
Durante el siglo XX, los medios de comunicación aportaron con su desarrollo tecnológico un mayor control del proceso
gráfico a los diseñadores, ya que en los años 90 las nuevas formas de comunicación de la era digital presentaron nuevos
desafíos, como es el caso del sistema de distribución de información World Wide Web (W.W.W.), contribuyendo a una
rápida evolución del diseño gráfico a nivel mundial.
Las páginas web son documentos electrónicos con enlaces de hipertexto o hipermedia que posibilitan la navegación virtual
por las informaciones disponibles en Internet. Hasta 1993 la labor de crear páginas web estuvo reservada a los técnicos en
informática que sabían manejar las etiquetas códigos HTML (Hipertext Markup Languaje / Lenguaje de Marcas de
Hipertexto), necesarios para la composición de los elementos de presentación visual, y por este motivo las páginas
presentaban fondo gris, texto y alguna decoración.
Con la incorporación de nuevas tecnologías y la llegada de los primeros editores HTML, la web posee ahora mucho más
colorido en sus fondos y también diferentes texturas, botones, barras y una infinidad de iconos. La W.W.W. es un nuevo y
complejo campo para el diseño gráfico, que permite múltiples posibilidades de añadir imágenes móviles en animación o en
video, fotos, gráficos y textos en un ambiente interactivo. Dreamweaver y Front page son reconocidos programas para la
realización de páginas web.
TEORIA
Diseño Grafico
Se podría decir que el diseño gráfico, visto como actividad, es la acción de concebir, programar, proyectar y realizar
comunicaciones visuales, producidas en general por medios industriales y destinadas a transmitir mensajes específicos a
grupos determinados. Un diseño gráfico es un objeto creado por esa actividad.
El diseñador gráfico trabaja en la interpretación, el ordenamiento y la presentación visual de mensajes. Su sensibilidad

para la forma debe ser paralela a su sensibilidad para el contenido. Un diseñador de textos no ordena tipografía, sino que
ordena palabras, trabaja en la efectividad, la belleza y la economía de los mensajes. Este trabajo, más allá de la
cosmética, tiene que ver con la planificación y estructuración de las comunicaciones, con su producción y con su
evaluación.
En muy pocos casos el diseñador gráfico trabaja en mensajes no verbales. A veces la palabra aparece brevemente, otras
veces aparece en forma de textos complejos. El redactor es en muchos casos un miembro esencial del equipo de
comunicación.
El diseñador gráfico en muchos casos requiere la participación del fotógrafo o del ilustrador; en otros la del calígrafo o el
dibujante técnico; muchas veces requiere la participación de otros especialistas menos afines con su trabajo visual. El
diseñador, tanto en la concepción de la estrategia comunicacional como en la realización gráfica, más que un solista, es
como un director de orquesta, que debe conocer las posibilidades de todos los instrumentos, sin necesariamente saber
tocarlos, siendo su labor, fundamentalmente, la de un coordinador. El diseñador así coordina investigación, concepción y
realización, haciendo uso de información o de especialistas de acuerdo con los requerimientos de los diferentes
proyectos. El diseñador gráfico es un especialista en comunicaciones visuales y su trabajo se relaciona con todos los
pasos del proceso comunicacional, en cuyo contexto, la acción de crear un objeto visual es sólo un aspecto de ese
proceso. Este proceso incluye los siguientes aspectos:
I. Definición del problema
2. Determinación de objetivos
3. Concepción de estrategia comunicacional
4. Visualización
5. Programación de producción
6. Supervisión de producción
7. Evaluación
Estos aspectos del proceso requieren del diseñador conocimiento íntimo de las siguientes áreas:
I. Lenguaje visual
2. Comunicación
3. Percepción visual
4. Administración de recursos
5. Tecnología
6. Medios
7. Técnicas de evaluación
Funcion del Diseño
La función principal del diseño gráfico será entonces transmitir una información determinada por medio de composiciones
gráficas, que se hacen llegar al público destinatario a través de diferentes soportes, como folletos, carteles, trípticos, etc.
El diseño gráfico busca transmitir las ideas esenciales del mensaje de forma clara y directa, usando para ello diferentes
elementos gráficos que den forma al mensaje y lo hagan fácilmente entendible por los destinatarios del mismo.
El diseño gráfico no significa crear un dibujo, una imagen, una ilustración, una fotografía. Es algo más que la suma de
todos esos elementos, aunque para poder conseguir poder comunicar visualmente un mensaje de forma efectiva el
diseñador debe conocer a fondo los diferentes recursos gráficos a su disposición y tener la imaginación, la experiencia, el
buen gusto y el sentido común necesarios para combinarlos de forma adecuada.
El resultado final de un diseño gráfico se denomina grafismo, y es una unidad por sí misma, aunque esté compuesto por
multitud de elementos diferentes. Podemos establecer una analogía entre un grafismo y un plato de cocina. Ambos están
compuestos por diferentes elementos individuales que, unidos correctamente y con sabiduría, componen una obra final
única y definida que va más allá de la suma de las partes que la forman.
Formas Colores y un Texto Grafismo
adsinimages.com
Toda obra de comunicación visual nace de la necesidad de transmitir un mensaje específico. Un diseñador gráfico no es
un creador de formas, sino un creador de comunicaciones, un profesional que mediante un método específico (diseño)
construye mensajes (comunicación) con medios visuales (grafismos). No es el creador del mensaje, sino su intérprete.
El principal componente de toda composición gráfica es pues el mensaje a interpretar, la información que se desea hacer
llegar al destinatario a través del grafismo. Esta información se debe representar por medio de diferentes elementos
gráficos, que pueden ser muchos y variados, aunque los más comunes son:
• Elementos gráficos simples: puntos y líneas de todo tipo (libres, rectas, quebradas curvas, etc.)
• Elementos geométricos, con contorno o sin él: polígonos, círculos, elipses, óvalos, etc.
• Tipos: letras de diferentes formas y estructura, utilizadas para presentar mensajes textuales.
• Gráficos varios: logotipos, iconos, etc.
• Ilustraciones
• Fotografías
• Cualquier otro elemento visual apto para comunicar un mensaje.
Diseño Limpio
Estos elementos básicos se combinan unos con otros en un grafismo, y de esta combinación surge un resultado final en
el que tienen mucha importancia una serie de conceptos propios del diseño gráfico, entre los que destacan:
• Las agrupaciones: conjuntos de elementos relacionados mediante proximidad, semejanza, continuidad o simetrías.
• La forma: forma de cada elemento gráfico aislado y de las agrupaciones de elementos.
• Los contornos: partes límites de los elementos, que permiten distinguirlos de los demás y del fondo, pudiendo estar
definidos mediante border, cambios de color o cambios de saturación.
• La ubicación: lugar que ocupa cada elemento gráfico o agrupación de ellos en el espacio del grafismo.
• El tamaño: tamaño relativo de cada elemento gráfico respecto los que le rodean. Escalas.
• El color: color de cada elemento individual, colores de cada agrupación de elementos, conjunto total de colores usado en
un grafismo, disposición relativa de los elementos con color y armonía entre colores.
• El contraste: intensidad de visualización de cada elemento con relación a los que le rodean y al grafismo completo.
• El equilibrio: cada grafismo conlleva un sistema de referencia espacial que consigue un nivel de equilibrio mayor o menor.
• La simetría : disposición espacial regular y equilibrada de los elementos que forman la composición gráfica.
Los diferentes elementos de un grafismo son percibidos por el destinatario de acuerdo con la influencia que ejercen cada
uno estos conceptos a nivel individual, grupal y total. Pero la unión de todos ellos, la obra gráfica, es una entidad
comunicativa individual y completa, cargada de complejos elementos humanos asociados con el lenguaje, la experiencia,
la edad, el aprendizaje, la educación y la memoria.
Circuito de la Comunicación
Emisor: Es al que le surge la necesidad de comunicar algo y construye el mensaje, piensa lo que emite y emite el
mensaje.
Receptor: Recibe el mensaje, lo percibe y lo asimila.
Mensaje: Es lo que emite.
Código: En el diseño grafico el código es dual:
-Por una parte se encuentra lo visual.
-Por otra parte se encuentra lo lingüístico.
Canal: Es el medio por el cual se puede emitir el mensj.
Contexto o Referente: Es el tema del mensaje, por ejemplo:
-Si el mensaje habla de que va a llover el contexto es el clima.
Clasificación del diseño según su finalidad

-Para la Información : Informan .pueden ser: / folletos / afiches / propagandas , etc
-Para la Organización: Pueden ser por ejemplo: las facturas de telefono.
-Para la Identificación: Logotipos / Izo logotipos , etc
-Para la Persuasión: Estos son los que convencen al consumo. Pueden ser productos de venta.
Para la información
Para la Organización
Para la Identificación
Para la Persuasión
EN EL DISEÑO PARA LA IDENTIFICACION PODEMOS DECIR QUE SE TRABAJAN CON LOGOTIPOS, ISOTIPOS E
ISOLOGOTIPOS
LOGOTIPO
El logotipo está compuesto por tipografía y no contiene dibujos. Éste está diseñado a partir de una tipografía (tipo de letra)
característica de la compañía a la que éste logotipo corresponde y generalmente tiene el nombre de la marca o de la
compañía. Sin embargo, no es simplemente la escritura de un nombre lo que el logotipo es: la tipografía que utilice el
logotipo deberá transmitir ella misma un mensaje. No es que el único objetivo sea que el nombre de la marca o compañía
esté presente, sino que, principalmente, éste debe estar escrito en una tipografía que ella misma transmita un mensaje.
La tipografía elegida deberá ser acorde con la imagen que la compañía quiera dar de sí misma ante el público receptor. La
tipografía podría remitir a lo clásico, si es una compañía orientada a la familia y a los valores tradicionales o podría
utilizarse una tipografía moderna si la compañía quisiera identificarse con la innovación y el progreso (como sería el caso
de una compañía que desarrollara software). El logotipo es usado por muchas compañías como por ejemplo Coca-Cola.
ISOTIPO
El isotipo es una imagen figurativa, un dibujo que representa una compañía sin utilizar tipografía. El diseño de un isotipo
carece de tipografía por lo que el dibujo en sí mismo deberá concentrar toda la fuerza expresiva. El isotipo deberá
representar acabadamente los valores y características de su compañía sin necesidad de recurrir a letras o frases para
identificarla. El isotipo debe transmitir un mensaje claro pero fuerte, un mensaje que no sea difuso porque como no consta
de tipografía a la que el receptor pueda recurrir para aclarar lo que el dibujo quiere transmitir, está sólo el dibujo para lograr
el efecto deseado: el reconocimiento de la compañía y de sus características esenciales. A pesar de tener mayor margen
de inexactitud por no constar de palabras, el isotipo tiene la cualidad de transmitir con mucha potencia el mensaje
deseado cuando aquél está correctamente diseñado. Un ejemplo clásico de isotipo es el de Nike, la pipa de Nike es
siempre reconocida y remite sin dificultad a una idea de movimiento y de velocidad.
ISOLOGOTIPO
Es aquel que combina el logotipo con el isotipo; es decir, es un dibujo que incluye tipografía. Este tercer tipo es de uso
frecuente porque no da margen a inexactitud. Es un diseño más complejo y más claro. El isologotipo al ser más complejo
por incluir tanto dibujo como tipografía permite extraer de él más información dando menos lugar a equivocación en el
mensaje que se desea transmitir. Alguien dirá que, entonces, éste tipo es muy superior a los anteriores. La respuesta es
que es superior en tanto claridad del mensaje, pero las reglas de diseño y marketing nos advierten que cuanto más
complejo sea el diseño del logotipo de nuestra compañía más difícil será recordarlo. Cada compañía cotejará qué aspecto
desea primar sobre otro. Ejemplo de isologotipo es el de Shell.
TIPOGRAFIA
La tipografía es el oficio que trata el tema de las letras, números y símbolos de un texto impreso (ya sea sobre un medio
físico o electromagnético), tales como su diseño, su forma, su tamaño y las relaciones visuales que se establecen entre
ellos.
Clasificacion tipografica
Humanístico o Veneciano
Se conoce con este nombre a aquellos primeros tipos creados en Italia, poco después de ser inventada la imprenta;
imitaban la caligrafía italiana de la época. Así mismo se llaman humanísticas aquellas tipografías que sin ser de esta
época (siglo XV) están inspiradas en ellas.
El tipo Sans Serif está basado en las proporciones de las romanas. Las mayúsculas inscripcionales y el diseño de caja
baja de las romanas de los siglos XV-XVI. No son monolíneas y son una versión de la romana pero sin serifs. Algunos
ejemplos de estos tipos: Gill Sans, Stone Sans, Optima.
Edward Johston, calígrafo de la época, con su creación en el tipo de Palo Seco para el Metro de Londres en 1916 significó
un gran paso en lo referente a las características habituales hasta entonces presentes en estos tipos.
Antiguos o Romanos
Históricamente se denominan tipos antiguos a los que empleó Aldo Manucio en su imprenta veneciana a partir de 1495 y
todos aquellos que se han confeccionado después pero tienen influencia de estos o son adaptaciones posteriores. Al igual
que las tipografías humanísticas, tienen una gran influencia caligráfica pero son más refinados, debido a que los talladores
de matrices habían adquirido más destreza en la confección de las piezas tipográficas.
De transición o Reales
Llamados así por que no se ajustan con exactitud ni al aspecto formal de los tipos antiguos ni al de los que
posteriormente se realizarían a partir del último cuarto del siglo XVIII, llamados Modernos. Fueron creados en Francia y en
Inglaterra tras doscientos años de uso de los antiguos.
Modernas
En 1784 Firmin Didot creó el primer tipo moderno. Este poseía caracteres formales tales como una profunda modulación y
contraste entre los trazos y unos remates nítidos que en otra época no hubiesen podido tallar. Este estilo fue mejorado
con la creación del italiano Bodoni y fue empleado como texto corrido hasta principios del siglo XIX.
Egipcias
Son aquellos de grandes remates. También llamadas tipografías mecanas, exageran los remates de las modernas
produciendo un impactante aspecto. Estos tipos se caracterizan por su estructura monolineal y rasgos achatados, el serif
es casi del mismo grosor que los bastones de las letras. Se crearon a principios del siglo XIX.
Palo seco o Sans serif
Aquellos que no disponen de remates. No se podría establecer una fecha en la que aparezcan los primeros puesto que en
algunos catálogos aparecían letras de caja alta sin remates ya en el XIX.
ROMANAS ANTIGUAS
ROMANAS DE TRANSICION
ROMANAS MODERNAS
EGIPCIA
GROTESCAS U OPTICAS
GEOMETRICAS O DE PALO SECO
HUMANISTICA
INGLESAS O MANUSCRITAS
ORNAMENTADAS
Elementos tipográficos
Justificación o alineación
Justificar o alinear un texto es la manera de acomodar las lineas en la caja. Es decir la manera en que se alinean entre si,
apoyándose en un lado, al centro o con siguiendo una forma caprichosa. Tomando en cuenta que la palabra "caja" apela al
antiguo método de acomodar tipos (letras) en un recipiente de madera para conformar columnas, podemos imaginar
claramente las líneas apoyadas a la izquierda en una columna, por ejemplo.
Los nombres que se dan a las formas de justificar un texto, varían ocasionalmente entre los diferentes países pero
podemos decir que los más usuales son:
– En block, bloque o cajón, que son aquellas en las que las líneas van de lado a lado en una columna – Alineadas o Locas
a la izquierda, las que se apoyan a la izquierda sin el requisito de llegar hasta el final de la columna. – Alineadas o Locas
a la derecha. – En piña o Alineadas al centro, siendo las que se centran una bajo la otra.
En la actualidad, las columnas de texto se aplican también en formas caprichosas ya sea siguiendo el contorno de una
figura o creando una figura con ellas mismas. La creatividad ha desarrollado retratos formados con el texto de la biografía
del personaje y un sinfín de aplicaciones se ven comúnmente en deformaciones legibles o prácticamente ilegibles,
buscando atraer la atención del observador. Justificar es entonces, simplemente dar un formato cualquiera al texto en
cuestión.--Bucho1 15:31 27 ago 2008 (UTC)
Espaciado (tracking)
El espaciado o tracking se refiere al espacio que existe entre cada par de palabras en un texto.
Interletraje (kerning)
Una segunda forma de clasificar las letras es según el «espaciado», «intertipo» o «kerning», es decir, el espacio que hay
entre cada letra. Desde los comienzos de la escritura y la caligrafía y por supuesto de la tipografía, los primeros maestros
notaron que no todas las letras eran iguales en su ancho y por tal razón, el espacio entre cada una de ellas debería variar
para que la lectura fuese fluida y equilibrada. Al contrario de este razonamiento, las letras de las máquinas de escribir
ocupaban cada una el mismo espacio, de manera que en el texto se veían espacios distintos entre ellas. Teniendo en
cuenta que no todas las letras tienen el mismo ancho: Una «m» ocupaba todo el espacio, mientras que una «i» ocupaba
mucho menos. Si en el texto aparecían seguidas una «i» y una «l», el espacio entre ambas era muy grande, mientras que
si aparecían seguidas una «m» y una «o» el espacio era muy reducido. De todo ello resultaba una considerable
incomodidad de la lectura y, por ejemplo, en el caso de titulares o rótulos, una apariencia poco estética.
En la actualidad la mayoría de las letras, o fuentes en informática, siguen los principios de espaciado, intertipo o kerning
de la tipografía clásica y que dan como resultado las tipografías «compensadas» o con corrección óptica. Siguen
existiendo algunos tipos de letras no compensadas, también en los procesadores de textos de los ordenadores, ya que
para algunas aplicaciones resultan más convenientes que las letras compensadas. Estas aplicaciones son aquellas en las
que interesa que cada letra ocupe un mismo lugar, sea cual sea la letra, de manera que el texto o los números de cada
línea coincidan en su posición con los de las líneas superiores e inferiores. La letra no compensada más comúnmente
utilizada en los ordenadores es la «Courier New», desarrollada a partir de la tipografía «Courier» utilizada por las máquinas
de escribir.
PARTES DE UNA LETRA
El vocabulario usado para la descripción de las diferentes partes de una letra, se compone de una serie de términos
acuñados desde hace mucho tiempo y que se asemejan a los usados para describir las partes de nuestro cuerpo. Así las
letras tienen brazos, piernas, ojos, y otras partes como cola y asta de las que afortunadamente nosotros carecemos (la
mayoría).
Altura de las mayúsculas: altura de las letras de caja alta de una fuente, tomada desde la línea de base hasta la parte
superior del carácter.
Altura de la x o altura X: altura de las letras de caja baja excluyendo los ascendentes y los descendentes.
Anillo u hombro: asta curva cerrada que encierra el blanco interno en letras tales como en la b, la p o la o.
Asta: rasgo principal de la letra que define su forma esencial. Sin ella, la letra no existiría.
Asta ascendente: asta de la letra que sobresale por encima de la altura x, como en la b, la d o la k.
Asta descendente: asta de la letra que queda por debajo de la línea de base, como en la p o en la g.
Astas montantes: astas principales verticales u oblicuas de una letra, como la L, B, V o A.
Asta ondulada o espina: rasgo principal de la S o de la s.
Asta transversal o barra: rasgo horizontal en letras como la A, la H, f o la t.
Basa: proyección que a veces se ve en la parte inferior de la b o en la G.

Blanco interno: espacio en blanco contenido dentro de un anillo u ojal.
Brazo: parte terminal que se proyecta horizontalmente o hacia arriba y que no está incluida dentro del carácter, como
ocurre en la E, la K, la T o la L.
Bucle u ojal: porción cerrada de la letra g que queda por debajo de la línea de base. Si ese rasgo es abierto se llama
simplemente cola.
Cartela: trazo curvo o poligonal de conjunción entre el asta y el remate.
Cola: asta oblicua colgante de algunas letras, como en la R o la K.
Cola curva: asta curva que se apoya sobre la línea de base en la R y la K, o debajo de ella, en la Q. En la R y en la K se
puede llamar sencillamente cola.
Cuerpo: altura de la letra, correspondiente en imprenta a la del paralelepípedo metálico en que está montado el carácter.
Inclinación: ángulo del eje imaginario sugerido por la modulación de espesores de los rasgos de una letra. El eje puede
ser vertical o con diversos grados de inclinación. Tiene una gran importancia en la determinación del estilo de los
caracteres.
Línea de base: línea sobre la que se apoya la altura de la x.
Oreja o Ibulo: pequeño rasgo terminal que a veces se añade al anillo de algunas letras, como la g o la o, o al asta de
otras como la r.
Serif, remate o gracia: trazo terminal de un asta, brazo o cola. Es un resalte ornamental que no es indispensable para la
definición del carácter, habiendo alfabetos que carecen de ellos (sans serif).
Vértice: punto exterior de encuentro entre dos trazos, como en la parte superior de una A, o M o al pie de una M.
Estas son las partes fundamentales de una letra. Si bien no es imprescindible su conocimiento para el uso común de
letras y fuentes en diseño gráfico y web, sí que es importante distinguirlas en el caso de tener que crear una familias
tipográficas especiales para un trabajo determinado, ya que van a definir las características comunes que deben reunir las
letras de la misma para mantener un estilo propio.
Clasificación de productos de diseño gráfico
Relacionando los procesos de producción se pueden agrupar los productos de diseño desde un análisis tecnológico en:
• Etiquetas: las cuales pueden ser frontales, colgantes, de seguridad, envolventes, etc.
• Envases: los más comunes son los rígidos, semirígidos, flexibles y las latas.
• Editorial: generalmente estos productos se clasifican de acuerdo al tamaño de información que disponen en afiches,
flyers o volantes, libros, periódicos, revistas, catálogos, CD, DVD, VHS, etc.
• Señalética: incluye señales de peligro, señales de tráfico, señales de banderas marítimas,señales de ferrocarril, entre
otras.
• Cartelería: carteles formativos e informativos.
• Identidad corporativa: marcas, iso-logotipo, papelería comercial y fiscal, billetes, aplicación de marca en arquigrafía e
indumentaria, gráfica vehicular.
• Folletería: los folletos de acuerdo a su número de páginas pueden ser dípticos (dos páginas), trípticos (tres páginas),
etc. También se los puede clasificar en publicitarios, propagandísticos, turísticos, entre otros.
• Diseño tipográfico: tipos sans serif o palo seco, con serif, gestuales, góticas, caligráficas y de fantasía.
• Diseño de instrumentos de mandos: pantallas de relojes digitales, de teléfonos móviles, de cámaras digitales, y otros
aparatos.
• Infografía: mapas, gráficos, viñetas, formularios.
• Material didáctico: manuales instructivos, indicaciones de uso, fichas didácticas educacionales, etcétera.
27 DE ABRIL DIA
MUNDIAL DEL DISEÑO
El Consejo Internacional de Asociaciones de Diseño Gráfico (Icograda) es la entidad profesional mundial para
el diseño gráfico y la comunicación visual. Fundada en Londres el 27 de abril de 1963, ICOGRADA es la unión
voluntaria de las asociaciones relacionadas con el diseño gráfico, la gestión del diseño, la promoción del
diseño y la enseñanza del diseño.
0 2 0
Me gusta Enviar
Dar puntos 1 2 109 Puntos

Votos: 15 - T! score: 7.5 / 10
Seguir A favoritos 163 44.350 5

Favoritos Visitas Seguidores
Relacionados Curso Diseño Gráfico

Aprende a utilizar los principales programas y
historia como ciencia libera tu creatividad.
www.estudiosabiertos.es
Diseño Grafico - Todo lo que buscas en info - 1 Hostel -3 destinaciones
Mainz | Frankfurt | Wiesbaden cultura alemana,
el estilo art Deco vino local
hostal.frankfurt-mainz.com
Computacion Grafica; Historia del diseño y teoria del color Pruébalo gratis
Software de gestión de proyectos Sí, es fácil.
esto necesitas para ser un "diseñador grafico&qu
Nada que instalar.
www.smartsheet.es
Diseño Industrial - Un poco de historia
Download File
Diseño Industrial - Un poco de historia Download Files
Packaging - Diseño Grafico + yapa (arreglado) Diseño Logos
Sebastian Carvajal
Digital Animation - Sound Design cbask
www.sebastiancarvajal.com
37 comentarios
@maxixito hace 3 años
wenas gente..espero que les guste el post...tengo mas info pero ya no entraba mas..asiq ue sorry si esta
muy amontonado y no esta muy ordenado...saludos!!!!
NO ENTRA MAS??????
@MARCELOPUJATO hace 3 años +1
Aguante Maria Ledesma!

hacer-leer
hacer-saber
hacer-hacer
@yasmina22 hace 3 años
genial a leer se ha dicho
@Adamski hace 3 años
excelente laburo, estas para diseñar en j. w. thompson
Adamski dijo:
excelente laburo, estas para diseñar en j. w. thompson
jajajaja en la agencia de publicidad de J.W. Thompson???
@Adamski hace 3 años
jajaja si, te doy a elegir, laburar en la seccion produccion grafica o en creatividad.
Adamski dijo:
jajaja si, te doy a elegir, laburar en la seccion produccion grafica o en creatividad.
naaaaa no me da el cuero vieja pero gracias...
en la parte de limpieza puede ser jaja
saludos..que bueno que te gusto el post!
@necsoft1 hace 3 años
muy bueno che , te dejo 10 pa colaborar y si subis cosas de diseño avisame por MP por favor
necsoft1 dijo:
muy bueno che , te dejo 10 pa colaborar y si subis cosas de diseño avisame por MP por favor
GRAX!
@zoers hace 3 años
gracias parcero lo necesitaba mucho para mi estudio como tecnico en diseño grafico.
Magnífico super gracias compadre.
@JoseXXXito hace 3 años
Muy Buenoo!!! Yo tmb soy Novato muuyy Buenoo.. Felicitaciones!!
JoseXXXito dijo:
Muy Buenoo!!! Yo tmb soy Novato muuyy Buenoo.. Felicitaciones!!
100% novato
quiero ser NFU .... algun dia sera---
@pierocam hace 3 años
subilo en 2 partes asi pones mas cosas
pierocam dijo:
subilo en 2 partes asi pones mas cosas
estoy armando la segunda parte...
@yuyox87 hace 3 años
muy bueno el post!!! se merece puntos pero soy novato
que raroq ue no te ayan dejado puntos..es un buen laburo man!
suerte!!!!!
@rbaltimore hace 3 años
SUBI LA PARTE DOS SI LA QUIEREN VER... ES UN POCO MAS DE TEORIA..
http://www.taringa.net/posts/info/1505778/Diseño-Grafico---Todo-lo-que-buscas-en-info---parte-2.html
@marcelaro hace 3 años
me gusto manso laburo grooosooosoosososo
una pregunta a los 50 puntos soy NFU???
@magealan hace 3 años
si a los 50 sos NFU ahi te colaboro con mis 10 muy buen trabajo despues lo leo bien
magealan dijo:
si a los 50 sos NFU ahi te colaboro con mis 10 muy buen trabajo despues lo leo bien
GRAX!!!!!!!!!!
@agux987 hace 3 años
+10, futuro NFU
agux987 dijo:
+10, futuro NFU
grax!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!
bueno gente grax a todos los que me dieron puntos...los que comentaron y nose...
grax por ayudarme a ser nfu
un saludo a todos!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!
estoy re happy jaja
saludos!
@javivivi hace 3 años
+ 1 ya sos NFU
@churret hace 3 años
ja llegue tarde ya te hicieron full disfrutalo saludos
churret dijo:
ja llegue tarde ya te hicieron full disfrutalo saludos
lo mismo podes dear los puntos!
jajajajaja
un abrazo loco!
@chicocream17 hace 3 años
@neogeisha hace 3 años
nunca es tarde para recordar viejos conceptos, muchas gracias!!
@milano_mobile hace 3 años
maxixito dijo:
wenas gente..espero que les guste el post...tengo mas info pero ya no entraba mas..asiq ue sorry
si esta muy amontonado y no esta muy ordenado...saludos!!!!
NO ENTRA MAS??????
Y hace una parte dos!
@politox23 hace 3 años
capo muy buen post!!
pasate por aca http://www.taringa.net/posts/info/2419868/Dise%C3%B1o_Fotograf%C3%ADa:-Aprende-lo-

B%C3%A1sico.html y decime que te parece!
un saludo enorme
@Patovicaosito hace 3 años
@NashMalkav hace 2 años
sos un maestro no sabes como me sirve esto! me salvaste de ponerme a comprar apuntes ajajajjaa gracias
hermano
@Filthyyy hace 2 años
excelente post!
a favoritos, +10, todo!
@fede87uy hace 1 año
MAN , ESTÁ BUENO DECIR LA FUENTE NO? que la gente te de los puntos por copiar y pegar , pero no
nos hagas creer que lo escribiste vos!!! saludos desde http://www.fotonostra.com/grafico/index.htm el aire
es gratis
@maxixito hace 1 año
chupala fede
@He0701_ hace 1 año
maxixito dijo:
chupala fede
si lo que te dijo es verdad
@vdk84 hace 18 horas
Excelente info!!
Anuncios Google Diseño Grafico Download File Diseño Logotipos Download Files
Buscar... Ir al cielo
Anunciar Ayuda Prensa Protocolo Desarrolladores Denuncias Report Abuse - DMCA Términos y condiciones Privacidad de datos

Diseño Grafico Excelente PDF

Cargado por

Información del documento

Título original

Derechos de autor

Formatos disponibles

Compartir este documento

Compartir o incrustar documentos

Opciones para compartir

¿Le pareció útil este documento?

¿Este contenido es inapropiado?

Copyright:

Formatos disponibles

Diseño Grafico Excelente PDF

Cargado por

Copyright:

Formatos disponibles

28/06/12 Diseño Grafico - Todo lo que buscas en info - - Taringa!

Posts Comunidades Música Juegos TOPs Global

Inicio Novatos Destacados Crear post Historial

INFO | HACE MÁS DE 3 AÑOS Me gusta 0 2 0 maxixito

Diseño Grafico - Todo lo que buscas en info - Seguir

ASPECTOS IMPORTANTES ACONTECIDOS EN EL SIGLO XVI Compartido por

SIGLO XVIII, EL SIGLO DE LA RAZÓN

PERIODICO SIGLO XVIII

En 1814 se inaugura oficialmente la era de la mecanización de la industria de la impresión incorporando la máquina

El linaje nobiliario de los Toulouse-Lautrec

LA INDUSTRIALIZACIÓN DE LAS ARTES GRÁFICAS. SIGLO XX

OBRA DEL HOLANDES MAURITS CORNELIS ESCHER

MOVIMIENTO MODERNO Y NEOMODERNO

EL TIPO UNIVERSAL DE HERBERT BAYER

TIPO UNVIVERSAL DE HERBERT BAYER

PRINCIPALES REPRESENTANTES DEL DISEÑO

INFLUENCIA DEL ESTILO VANGUARDISTA ART POP

EL DISEÑO GRÁFICO EN LATINOAMÉRICA

ÚLTIMAS TENDENCIAS: EL DISEÑO COMPUTARIZADO

El diseñador gráfico trabaja en la interpretación, el ordenamiento y la presentación visual de mensajes. Su sensibilidad

3. Concepción de estrategia comunicacional

Funcion del Diseño

Formas Colores y un Texto Grafismo

Clasificación del diseño según su finalidad

Palo seco o Sans serif

GEOMETRICAS O DE PALO SECO

PARTES DE UNA LETRA

Astas montantes: astas principales verticales u oblicuas de una letra, como la L, B, V o A.

Asta ondulada o espina: rasgo principal de la S o de la s.

Asta transversal o barra: rasgo horizontal en letras como la A, la H, f o la t.

Basa: proyección que a veces se ve en la parte inferior de la b o en la G.

Blanco interno: espacio en blanco contenido dentro de un anillo u ojal.

Cartela: trazo curvo o poligonal de conjunción entre el asta y el remate.

Cola: asta oblicua colgante de algunas letras, como en la R o la K.

Línea de base: línea sobre la que se apoya la altura de la x.

Clasificación de productos de diseño gráfico

Dar puntos 1 2 109 Puntos

Seguir A favoritos 163 44.350 5

Relacionados Curso Diseño Gráfico

@MARCELOPUJATO hace 3 años +1

Aguante Maria Ledesma!

@yasmina22 hace 3 años

genial a leer se ha dicho

@Adamski hace 3 años

excelente laburo, estas para diseñar en j. w. thompson

@maxixito hace 3 años

jajajaja en la agencia de publicidad de J.W. Thompson???

@Adamski hace 3 años

jajaja si, te doy a elegir, laburar en la seccion produccion grafica o en creatividad.

@maxixito hace 3 años

naaaaa no me da el cuero vieja pero gracias...

saludos..que bueno que te gusto el post!

@necsoft1 hace 3 años

@maxixito hace 3 años

@zoers hace 3 años

@JoseXXXito hace 3 años

Muy Buenoo!!! Yo tmb soy Novato muuyy Buenoo.. Felicitaciones!!

@maxixito hace 3 años

quiero ser NFU .... algun dia sera---

@pierocam hace 3 años

subilo en 2 partes asi pones mas cosas

@maxixito hace 3 años

estoy armando la segunda parte...