Cuadrenillo Arte PDF

CUADERNILLO DE
Arte
6° AÑO E.S.S.
ALUMNO/A:
PROFESORA: Victoria Camba
AÑO: 2020
Materia: Arte - Profesora: Camba Victoria - Curso: 6to. Año E.S.S. 2020
ÍNDICE
o Contrato pedagógico………………………………………………………………. 3
o Rótulo …………………………………………………………………………….. 5
o Arte rupestre ……………………………………………………………………… 6
o Arte y creencias …………………………………………………………………... 8
o Vanguardia …………….…………………………………………………………. 10
Fauvismo – Henri Matisse… 10
Expresionismo – Xul Solar … 12
Cubismo – Picasso …13
Dadaísmo – Marcel Duchamp … 14
Surrealismo – Magritte … 16
o Collage. Materialidad …………………………………………………………… 17
o Soportes y formatos ……………………………………………………...……… 20
o Muralismo ……………………………………………………………………….. 21
Milo Lockett … 23
o El color ………………………………………………………………………….. 24
o Mosaico …………………………………………………………………………. 27
o Encuadre ………………………………………………………………………… 28
o Bi y tridimensión ………………………………………………………………... 30
o Indicadores espaciales …………………………………………………………... 30
o Marco y fuera de marco …………………………………………………………. 32
o Fuentes y tipos de iluminación ………………………………………………..… 33
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CONTRATO PEDAGÓGICO
Expectativas de logro en Arte
Que al finalizar el año el alumno logre:

o Construir y analizar producciones visuales desde los componentes del lenguaje visual,
entendiéndolos como partes constitutivas de una totalidad que operan mediados por las
condiciones de circulación, producción y reconocimiento propias de un momento histórico.
o Producir obras bi y tridimensionales teniendo en cuenta categorías teóricas que
permitan fundamentar las opciones elegidas.
o Producir discursos visuales problematizando y superando el uso que cotidianamente se
hace de los nuevos medios.
o Apropiarse del vocabulario específico justificando las decisiones tomadas en cada
propuesta de producción.
o Problematizar la utilización de estereotipos y clichés en la construcción y elaboración
de los trabajos de producción.
Contenidos generales
o UNIDAD 1: La historia de la mirada. La imagen moderna y la imagen posmoderna.

Los enfoques de la cultura visual. La imagen en el mundo actual. Resignificaciones. Imagen
fija: secuenciada, temporalizada. El estereotipo visual. Arte rupestre. Campo visual y campo
plástico. Tipos de soportes; bi y tridimensionales. La materialidad; criterios de selección.
Organización espacial. El color y su relación con la materia. Texturas, relieve y volumen.
Modulación y modelación del color. Análisis del color en perspectiva histórica: relación
entre figura y fondo. Características sociohistóricas de la representación espacial. El espacio
y la forma: características del espacio bidimensional y tridimensional.
o UNIDAD 2: Marco, límites y formatos: geométricos, orgánicos, regulares e

irregulares. Modos de encuadre: tradicional, desencuadre, sobreencuadre, reencuadre.
Tamaños de plano. Mosaico. Variaciones posicionales y direccionales. Composiciones a gran
escala, muralismo. Relaciones de tamaño. Equilibrio y desequilibrio.
o UNIDAD 3: Profundidad de campo; ilusión de tridimensionalidad: indicadores

espaciales. Funciones del marco y fuera de marco. La forma bidimensional y tridimensional:
figuración y abstracción. Relación con el color, la línea, la textura y el valor. Formas planas,
volumétricas, geométricas, orgánicas. Los conceptos de iluminar y alumbrar. Fuentes y tipos
de iluminación: difusa, contraluz, frontal, rasante lateral, candileja, cenital
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Criterios de evaluación
o Se evalúa el proceso de trabajo en clases, siendo imprescindible el cumplimiento de

carpetas (práctica y teórica), útiles y materiales acordados, limpieza y orden del aula y
compromiso frente a las actividades.
o Los materiales necesarios para cada actividad serán pedidos con anticipación según
sea la dificultad para obtenerlos. se deberá tener en cuenta todo lo necesario para mantener el
cuidado personal, del uniforme y del espacio áulico - por ejemplo, trapos, botellita de agua
para limpiar pinceles, diario, toallitas húmedas, delantal con pechera que proteja el uniforme
escolar de manchas no-lavables o difíciles de quitar, etc.-
o Las evaluaciones y lecciones escritas u orales serán avisadas con la debida
anticipación por parte de los docentes. Los alumnos podrán ser evaluados en dos espacios
curriculares el mismo día según se estipule, y las fechas NO serán modificadas salvo
excepciones de índole institucional.
o Cada alumno/a deberá registrar las fechas y contenidos a evaluar informado por cada
docente a cargo en su cuaderno de comunicados. En caso de ausencia, el alumno deberá
responsabilizarse de obtener dicha información, no siendo responsabilidad del docente si el
alumno no lo hiciera.
o En caso de ausencia a una evaluación (en cualquiera de sus modalidades) el alumno
deberá rendir la 1º clase en que se reincorpore (siempre y cuando se haya presentado el
justificativo correspondiente en tiempo y forma). Caso contrario se calificará con 1 (uno) sin
excepción.
o Se recibirán trabajos en la fecha de entrega y en la clase posterior, disminuyendo la
calificación. Exceptuando a los ausentes que lo entregarán la clase en la que se reincorporan
sin disminuir la calificación. De no cumplir con las instancias indicadas, se calificará
teniendo en cuenta el trabajo en clases y la falta de responsabilidad.
o Los alumnos y sus familias deben informar a la escuela y docentes con la debida
antelación sobre viajes familiares para promover la continuidad y reformular las formas de
evaluación. Queda a criterio del docente evaluar al alumno antes o después del viaje.
o Responsabilidad y compromiso: cumplimiento de trabajos propuestos, participación
en clase, respeto al docente y compañeros, presentación y utilización de materiales en el aula.
Los alumnos que no cumplan serán calificados negativamente.
o Se calificará que los alumnos cumplan en tiempo y forma con los materiales y
trabajos propuestos.
o Para aprobar la materia cada alumno debe obtener un promedio de 7 (siete) entre los
tres trimestres, teniendo un mínimo de tres notas por trimestre producto de todas las
actividades mencionadas anteriormente. Así mismo, el último trimestre se deberá obtener una
calificación de 4 (cuatro) o más.
o En los exámenes complementarios y/o pendientes de acreditación los alumnos deberán
presentar carpeta práctica anual con todos los trabajos completos y bien presentados (tanto en
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la bidimensión como en la tridimensión). En el examen se tomará los contenidos teóricos y

prácticos dados en el ciclo lectivo y su modalidad será escrita y oral (en caso de contar con
más del 50%). Ambas instancias son correlativas y obligatorias para su aprobación con el
70% correcto en cada una de ellas.
o Los alumnos en condición de desaprobado o libre deberán rendir según normativa
vigente, es decir la materia en su totalidad.
o Las calificaciones numéricas serán producto solo de lo realizado en clase. Pero los
alumnos deberán resolver todas las actividades propuestas para entrega o corrección en clase,
ya que de lo contrario se le calificará negativamente. Es muy importante que los alumnos
intenten no faltar cuando realizan trabajos grupales en clase, ya que de hacerlo perjudican al
grupo y deberán terminar los trabajos de manera individual según indique la docente.
o NOTA DE DESEMPEÑO: Será una nota numérica trimestral y promediable con
todas las notas, desprendiéndose de la responsabilidad y compromiso individual.
o El trabajo escolar del alumnado se evaluará permanentemente e incluye todos los
requisitos mencionados anteriormente.
Bibliografía: Cuadernillo teórico y plataforma institucional.
Bibliografía complementaria: Carpeta n°3 con consignas, apuntes e investigaciones por parte
del alumnado.
TAMBIÉN SE RECUERDA QUE SEGÚN EL ACUERDO INSTITUCIONAL DE CONVIVENCIA SE PROHÍBE LA UTILIZACIÓN DE TELÉFONOS
CELULARES AL PERSONAL DOCENTE Y A LOS ALUMNOS DENTRO DEL ÁMBITO ESCOLAR Y EN HORARIO DE CLASE. POR ESTE
MOTIVO, LA INSTITUCIÓN NO SE RESPONSABILIZARÁ POR EXTRAVÍO/DAÑO DE LOS DISPOSITIVOS CELULARES.
RÓTULO DE PRESENTACIÓN
Cada trabajo realizado en hoja n°6 deberá estar presentado con un rótulo en el sector de
atrás, conteniendo toda la información propia de cada actividad y manteniendo prolijidad y
claridad en la caligrafía.
Consistirá en un cuadro con las siguientes características, pudiendo elegir la medida
específica de cada división. Cada renglón debe tener como mínimo 1cm de espesor.
TRABAJO ALUMNO/A: FECHA DE

N°: TEMA: ENTREGA:
CURSO: AÑO:
P.B.P. ALMAFUERTE
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ARTE RUPESTRE
Etimológicamente, rupestre haría referencia a cualquier actividad humana sobre las
paredes de cavernas, covachas, abrigos rocosos e, incluso farallones o barrancos, entre otros.
Desde este aspecto, es prácticamente imposible aislar las manifestaciones pictóricas de otras
representaciones del arte prehistórico como los grabados, las esculturas y los petroglifos,
grabados sobre piedra mediante percusión o erosión. Al estar protegidas de la erosión por la
naturaleza del soporte, las pinturas rupestres han resistido el pasar de los siglos.
La pintura rupestre abarca los grafismos realizados sobre las rocas mediante la aplicación
de pigmentos, elaborados con sustancias minerales -óxidos de hierro, manganeso, carbón,
arcillas -, animales - sangre, huevos, grasas - o vegetales – colorantes -.
La temática que representaban contaba con de caza, y la figura de la mujer, ya que

representaban la cotidianeidad de su vida. Frecuentemente aparecen animales heridos por
flechas y lanzas, pues se creía que, al representarlos, ese animal dibujado sería realmente
atrapado por los cazadores. Las figuras femeninas aparecen con los vientres prominentes del
embarazo y con pechos grandes capaces de amamantar. Ellos creían que, de esa manera, las
mujeres darían fácilmente a luz y podrían alimentar a sus hijos.
En 1994 se descubrieron las pinturas rupestres más antiguas conocidas hasta el presente,
en la cueva de Chauvet, en Francia, que sorprenden y conmueven a historiadores del arte y a
antropólogos. La única entrada de la cueva había sido sellada por una roca miles de años
atrás, lo que facilitó su conservación y explica su perfecto estado. Parece que hubiera sido
pintada hoy por la nitidez de la increíble modernidad de su diseño. Su composición, ritmos,
impronta gestual y actitud espiritual la hacen ver muy actual y afín a nuestra mirada. Fueron
pintadas hace 32.000 años.
Es sorprendente la contemporaneidad de las imágenes, en las que un trazo libre y suelto,

como el de los más grandes artistas modernos, delinea los animales que componen las
escenas pintadas sobre las paredes de piedra de la caverna. Estas expresan, con libertad y
contundencia, un profundo conocimiento de los animales que representan, y parecen que un
estado de concentración o meditación de tipo espiritual hubiera guiado la mano de quienes
las pintaron.
Descubrimientos como este arrojan luz sobre épocas remotas de la historia; también
aportan respuestas a interrogantes, y demuelen prejuicios ideológicos. La teoría del arte, la
estética y la historia del arte, como parte de las ciencias sociales, son siempre campo de
debate, de permanente surgimiento de ideas, teorías e interpretaciones, enfoques diversos que
problematizan la cuestión del arte. Estas pinturas rupestres son un enorme regalo de esa
remota comunidad a la humanidad del presente que obliga a pensar ¿es válido hablar de
algún tipo de evolución, o de valoración disímil del arte de diversas épocas, regiones o
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pueblos? ¿Cómo se explica la relación tan directa con obras del arte contemporáneo? ¿Es
aquella una antigüedad moderna o la nuestra una actualidad antigua? ¿O hay algunos
aspectos culturales que tienden un puente y emparentan a sociedades tan diametralmente
distintas? Estas pinturas son un buen punto de partida para la historia de la mirada por ser al
mismo tiempo la obra más antigua y la más nueva, por su descubrimiento y la vigencia de su
mensaje.
Cada cultura tiene sus modalidades artísticas específicas en cada período de su historia.
Estas modalidades varían según su organización económica, social, política, su visión del
mundo, su mitología, su religión, su percepción del espacio y del tiempo, y sus respuestas a
las preguntas existenciales.
El arte, expresión espiritual humana, ha generado, en todas la épocas, geografía y

culturas, obras maestras con una vigencia que no disminuye con el paso del tiempo.
Cueva de las manos, provincia de

Santa cruz, Argentina.
Toros de las cuevas de Lascaux,

Francia, de más de 15.000 años de
antigüedad.
Pintura rupestre de una de las paredes de piedra

pintadas del interior de la cueva de Chauvet,
Francia.
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ARTE Y CREENCIAS
A medida que iban pasando los siglos, los seres humanos lograron adaptarse a las
características del ambiente, y fueron superando las distintas dificultades que les presentaban
la misma naturaleza.
Los hombres aprendieron a construir viviendas, y abandonaron las cavernas. También,

fueron formando las primeras sociedades, creando poblados cada vez más grandes.
Aprendieron a cultivar la tierra, a criar animales y a comerciar.
Los distintos grupos comenzaron a fabricar herramientas y utensilios para ayudarse en sus
nuevas actividades. Los diferentes materiales que encontraron en los lugares que habitaban
les brindaron la materia prima para su fabricación; al mismo tiempo, fueron perfeccionando
las técnicas para su utilización.
La aparición del lenguaje escrito brindó la posibilidad de dejar testimonio del

pensamiento, de las costumbres y de las creencias. Por esta misma época surgieron las más
antiguas religiones. Los hombres pasaron de un pensamiento mágico a un pensamiento
religioso, es decir que comenzaron a creer que había seres superiores a ellos mismos, que
crearon el universo y que dirigían el curso de la vida; incluso lo que sucedía después de la
muerte.
Gran parte del arte de los pueblos de la antigüedad tuvo relación con estas creencias
religiosas. Representaron a los dioses y a otros seres considerados sagrados. Así,
encontramos pinturas, dibujos y esculturas con las imágenes de los dioses, de los hombres y
mujeres que se dedicaban a rendirles culto como sacerdotes y sacerdotisas, y también de los
reyes y gobernantes, a los que se creía descendientes directos de las divinidades.
Las máscaras, por ejemplo, son símbolos importantes en muchas culturas que expresan
poderes sobrenaturales. Han sido utilizadas desde tiempos remotos y siguen siendo
utilizadas, en rituales sagrados y eventos sociales, para la celebración de ceremonias de
índole religioso, y en bailes y obras teatrales, para otorgarles un sentido simbólico y mágico.
Las formas de las máscaras se inspiran en la naturaleza y según la cultura pueden

representar animales o humanos. En algunos rituales el portador de la máscara simboliza el
espíritu que lo protege y generalmente son los brujos de las tribus los que las utilizan con la
intención de ser poseídos por él. En otros representan deidades o seres mitológicos y el que
las porta debe respetar los rigurosos procedimientos para su confección para que su poder
pueda ser controlado.
Las máscaras simbolizan las necesidades, los miedos y las inquietudes de una comunidad
y representan el deseo del hombre de ocultarse y a la vez de manifestarse transformado,
escondiendo su identidad para revelarse en forma diferente. Han sido utilizadas para
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propiciar la fecundidad de la tierra y la abundancia de las cosechas, para triunfar en las

guerras, curar enfermos, castigar a los criminales y para mantener el equilibrio entre las
fuerzas del bien y del mal.
Existen muchas culturas que utilizan dicho símbolo, variando su significado, forma y
cualidades.
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VANGUARDIAS DEL SIGLO XX

En la segunda mitad del siglo XIX, las distancias se acortaron gracias a la invención de
nuevos medios de transporte y de comunicación. Los avances tecnológicos a partir de la
Revolución Industrial, el uso de la máquina de vapor, la producción masiva y las nuevas
ideas del positivismo se difundieron con rapidez. El progreso se asociaba a la invención y el
descubrimiento de distintos elementos que contribuyeran a prolongar y mejorar la vida
humana. Lamentablemente, en muchos casos estos descubrimientos e invenciones se
utilizaron para la dominación y la guerra.
Los cambios comenzaron a generarse con mayor rapidez y exigieron del hombre una
adaptación a los nuevos modos de vida.
Los grandes inventos cambiaron la vida del hombre. Ahora, los trenes y los automóviles
se desplazaban con velocidad. Esta tendencia anticipada las características que tendría el
siglo XX.
El siglo XX nació bajo el signo de la ciencia y la técnica, a la vez que rechazó las
expresiones académicas y tradicionales del pasado.
El arte se caracterizó por la diversidad; coexistieron diferentes movimientos artísticos, y

cada uno de ellos se propuso distintas búsquedas; cada uno reflejó diferentes ideas y la
incorporación de nuevos materiales y herramientas. Sin embargo, si algo tienen en común los
artistas del siglo es el rechazo a las convenciones, el replanteo de problemas y la actitud
investigadora que aprendieron los científicos.
En el comienzo del siglo, los artistas se nuclearon formando grupos unidos por búsquedas
similares. Algunos se centraron en innovaciones respecto del color, de las formas, de la
composición; otros, en cambio, quisieron expresar críticas sociales o manifestar su
descontento a través de su obra.
FAUVISMO
El fauvismo fue integrado por un grupo de pintores que buscaron la expresión a través del
uso de intensos colores, siguiendo los pasos de Van Gogh y Gauguin. Esta concepción surgió
como reacción ante el impresionismo. Los fauvistas no pretendían, con el color, exaltar la luz
y reflejar la apariencia real de las cosas, sino que usaban el color arbitrariamente, para exaltar
sus propias emociones y reflejar sentimientos.
Los artistas que pasaron por este movimiento -bastante breve en el tiempo- trabajaron con
gran libertad, usando colores tímbricos y saturados, y formas de gran fuerza. Emplearon una
pincelada directa y vigorosa, con toques gruesos, sin mezclas, evitando matizar los colores.
Las figuras resultan planas, lineales, encerradas en gruesas líneas de contorno. Sus creaciones
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respondían a un ejercicio de sintetización, buscan la máxima intensidad emocional

combinada con la máxima simplificación de elementos. Por ello renuncian a la perspectiva
clásica, al claroscuro y al modelado de los volúmenes. La luz tiende a desaparecer y con ella
la profundidad. Sus temas son retratos, naturalezas muertas, personajes en interiores, paisajes
hermosos.
Henri Matisse (1869-1954), considerado el líder de los fauvistas, fue el único de ellos que
no cambió su dirección y en sus obras intentó expresar sentimientos a través del uso del color
y de la forma.
Su primera formación la realizó dentro de la tradición académica en el estudio de Gustave
Moreau, siendo condiscípulo de Roault y Marquet. Realizó numerosas copias de los cuadros
de los maestros clásicos a la vez que estudió el arte contemporáneo, sobre todo el de los
impresionistas, comenzando su propia experimentación.
La verdadera liberación artística de Matisse, referida al uso del color como configurador
de las formas y planos espaciales, se produjo bajo la influencia de Van Gogh y Gauguin.
También adoptó la técnica puntillista de Signac, pero la modificó aplicando pinceladas más
amplias. La construcción con el color y la simplificación formal dominaban sus cuadros con
gran audacia y seguridad. Matisse dibuja con el color, que es el que da entidad a la pintura
pudiendo desempeñar el papel de dibujo, de perspectiva y de sombra de volúmenes. En su
obra hay alegría, serenidad, es un arte amable, apacible y un camino hacia la profundidad de
sí mismo.
Recibió un reconocimiento internacional durante su vida ganándose la aprobación de los

críticos de arte y de los coleccionistas.
La alegría de vivir (1906) La habitación roja (1908)
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EXPRESIONISMO
Se designa con este nombre al movimiento artístico desarrollado principalmente en
Alemania alrededor de 1905. El expresionismo suele ser entendido como la deformación de
la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando
primacía a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la
realidad. El concepto de expresionismo, sin embargo, puede hacerse extensivo también a
todas aquellas obras en las cuales lo que se representa se halla distorsionado, o resulta
grotesco o deformado, cualquiera sea la época en que haya sido realizada, en distintos
momentos históricos.
En sus obras los expresionistas intentaban comunicar angustias, emociones, miedos; y

para poder manifestarlos con más fuerza, recurrieron a la distorsión de las formas y la
exaltación dramática del color. Ellos defendían un arte más personal e intuitivo, donde
predominase la visión interior del artista -la “expresión”- frente a la plasmación de la realidad
-la “impresión”-. Muchas de ellas fueron creadas durante la Primera Guerra Mundial y
reflejaron la crisis de valores, la violencia, el sufrimiento y las miserias humanas.
Un referente argentino de esta corriente europea

fue Xul Solar, nacido en San Fernando, Buenos
Aires, en 1887 y fallecido en 1963. Estudió
arquitectura en la Facultad de Ingeniería. Al cumplir
los veinticinco años viajó a Hong Kong y recorrió
algunos países europeos como Inglaterra, Francia e
Italia. En Milán conoció a su compatriota, el pintor
modernista Emilio Pettoruti, a quien le mostró sus
dibujos realizados a partir de 1914. En su viaje a
Berlín ya se intuía su contacto con el dadaísmo. También recibió influencia del pintor Paul
Klee.
Se interesó por la filosofía, la astrología, las religiones y la lingüística. Fue un pintor

autodidacta: creó una imagen personal que responde a su concepción del mundo, una
concepción del mundo, una concepción que desafía los límites de lo cotidiano.
Ya en 1919 sus obras reflejaban esta inquietud

espiritual, con la aplicación de colores vivos,
formas y símbolos geométricos, figuras sencillas y,
a menudo, palabras. Precisamente los signos
lingüísticos llamaban poderosamente la atención a
este misterioso personaje. Llegó a dominar diez
idiomas e incluso a crear alguno. Xul hizo uso, en
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sus creaciones, de letras y signos gráficos, e incluso se le atribuye la creación de un lenguaje

pictórico denominado "criollismo".
Pronto sintonizó con un grupo de jóvenes pintores y

escritores modernistas, entre los que se encontraban Jorge
Luis Borges y Emilio Pettoruti (con el que ya había
entablado amistad). Formado en torno a la revista literaria
Martín Fierro, el grupo inició una línea de oposición al
temple conservador de la cultura argentina, cuna de Xul
Solar y lugar al que el pintor regresó en 1924, tras
numerosos viajes y estancias en Alemania e Italia. En la
década de 1930 a 1940, Xul creó paisajes y diseños
arquitectónicos fantásticos que dan fe de sus estudios sobre misticismo, teosofía y astrología.
CUBISMO
El cubismo se inspiró en las ideas de geometrización y la descomposición de las formas
para construir un nuevo espacio pictórico. En las obras cubistas, los objetos se representan
sobre el plano desde distintos puntos de vista. Esto hace que muchas veces no puedan ser
reconocidos totalmente, ya que los pintores elegían lo más significativo del objeto, pero lo
representaban simultáneamente desde distintos ángulos. Por eso, en algunas obras se puede
ver, por ejemplo, una cara de frente y de perfil al mismo tiempo.
Gran parte de los cuadros cubistas son naturalezas muertas, es decir, obras en las que se
representa un conjunto de objetos, ya sea naturales o hechos por el hombre, organizados en
un espacio determinado. Para los cubistas, el tema no era tan importante, como lo fue para el
expresionismo. Lo fundamental era la ruptura y la reconstrucción de las formas.
También el color pasó a tener un papel secundario; utilizaron, en sus comienzos, paletas
en las que predominaban los colores tierra y los grises.
Uno de los grandes referentes de este estilo, junto a George

Braque y Juan Gris, fue el reconocido Pablo Picasso, nacido el
25 de octubre de 1881 en España. Fue único en todas sus
facetas: inventor de formas, innovador de técnicas y estilos,
artista gráfico y escultor. Estudió en la Escuela de Bellas Artes
de Barcelona e hizo viajes a París, tomándolos como principal
inspiración.
Durante un viaje a París descubre las esculturas de Rodin y

dos años más tarde, en Barcelona, comienza su aprendizaje
sobre modelado con arcilla. Al igual que la pintura cubista, la
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escultura cubista tiene sus orígenes en la reducción de los objetos a componentes

geométricos (esferas, cubos, cilindros y conos); y se convirtió en una influencia que
contribuyó fundamentalmente al constructivismo y el futurismo.
Picasso consideraba sus esculturas como sus compañeras, presentes en su vida diaria y
parte de su familia; cosa que no posó con sus pinturas. Sus experimentos con hierro soldado
y con materiales recuperados lo convirtieron en uno de los padres de la escultura
contemporánea
Al cumplir los cuarenta años, Picasso ya había producido

dos obras que marcan el arte de la escultura del siglo veinte;
Cabeza de una mujer de 1909 y una maqueta realizada en
cartón de 1912 llamada Guitarra. Sin embargo, al tiempo que
su fama como pintor aumentaba, sus esculturas recibieron muy
poca atención y crítica artística. El primer reconocimiento
oficial de la obra escultórica no llegó hasta 1949.
Los temas favoritos de Picasso fueron los instrumentos

musicales, las naturalezas muertas y sus amigos. En algunos
casos sus esculturas eran inspiradas por sus cuadros, pero en
otras ocasiones fue lo opuesto; de una idea escultórica hacía un
cuadro.
DADAÍSMO
Al estallar la Primera Guerra Mundial (1914), intelectuales y artistas de distintos países
llegaron a Suiza, huyendo del horror de la guerra. Eligieron ese país porque su posición
neutral ante el conflicto bélico les brindaba un marco de seguridad y libertad para elaborar y
expresar sus ideas.
Entre los actores, pintores, escritores y músicos comenzó a gestarse un movimiento que
ellos mismos denominarían Dadá. La palabra “dadá” alude, en Francia, a los primeros
balbuceos de los bebés. Con esta palabra, sus representantes querían expresar el absurdo.
Precisamente, deseaban que la sociedad reflexionara sobre lo absurdo de ciertos valores que
llevan a los hombres a matarse unos a otros.
Este grupo estaba unido por una fuerte posición ideológica: el rechazo a la violencia y al
uso de los avances tecnológicos con fines destructivos. Su propósito era crear un efecto tal en
el público que lo llevara a la reflexión sobre sus actos. Para hacerlo, cuestionaban los valores
tradicionales utilizando un lenguaje provocativo, pero no violento. La ironía, el humor y el
cuestionamiento de lo establecido fueron utilizados para impulsar distintas reacciones en el
público. El dadaísmo tuvo, y tiene actualmente, una enorme influencia en diferentes
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disciplinas artística de nuestro siglo. Muchos de sus integrantes se trasladaron a Nueva York,
desde donde sus obras, sus acciones y sus ideas se difundieron por todo el mundo.
Algunas de sus ocurrencias fueron: una taza cuyo interior estaba cubierto de piel, un
inodoro con clavos en el asiento, una rueda de bicicleta rodando sin parar, pero siempre en el
mismo lugar y la mona lisa con bigotes.
Aunque actualmente, a través de la publicidad, estamos acostumbrados a la utilización de

obras de arte distorsionadas, en ese momento, tal tipo de creación era considerada irrelevante.
Otra de las intervenciones del Dadá fueron los fotomontajes, en los que, con fotos de revistas
de actualidad y otros elementos, se componían escenas con relaciones absurdas o satíricas.
La actitud Dadá fue inspiración para infinidad de propuestas que circulan en la actualidad,
ya sea en la plástica, el cine, el teatro, la poesía o la música.
Marcel Duchamp, artista de origen

francés, es considerado el artista más
influyente del siglo XX. Se adelantó al arte
conceptual, elevó el objeto cotidiano a
categoría de arte y cambió radicalmente la
idea de la belleza. Fue un artista
multifacético: impresionista a los 16 años,
fauvista a los 19 y cubista a los 24; al final
terminó encontrando en el dadaísmo su
libertad y la forma de reírse de todo y de
todos, incluido él mismo. Este movimiento,
condenado a su autodestrucción, trataría por todos los medios (sobre todo con ironía y
absurdo) acabar con el arte idealizado de las instituciones.
Pintando bigotes a la Gioconda descubrió que quizás

estaba mejorando al original. En escultura fue pionero en
el arte cinético y el arte ready-made. Este último consistía
simplemente en la combinación o disposición arbitraria de
objetos de uso cotidiano, tales como un urinario o un
portabotellas, que podían convertirse en arte por deseo del
artista. A partir de entonces el arte ya no se veía con los
ojos, sino con la mente. Resultó que la belleza podía estar
en otros sitios.
También creó otras formas de arte hoy

institucionalizadas como instalaciones, museos portátiles
y performances.
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SURREALISMO
Las guerras trajeron como consecuencia, en el campo del arte, la necesidad de atraer la
mirada hacia otras realidades, o de proponer la creación de un nuevo orden.
Uno de estos intentos fue el surrealismo, creado por el poeta Bretón en 1924. Tiene sus
raíces en el Dadá y en el psicoanálisis; buscaba provocar una crisis moral y de conciencia a
través de distintas manifestaciones artísticas subversivas.
André Breton definió el surrealismo de este modo: “Automatismo psíquico mediante el

cual se pretende expresar verbalmente, por escrito o de cualquier otro modo, el
funcionamiento real del pensamiento. Dictado del pensamiento, sin intervención alguna de la
razón y al margen de toda preocupación estética y moral”. En 1929, en el Segundo
Manifiesto Surrealista, Bretón expresó: “[…] existe cierto lugar en el espíritu donde la vida y
la muerte, lo real y lo imaginario, el pasado y el futuro, lo comunicable y lo incomunicable,
lo alto y lo bajo, dejan de percibirse como elementos contradictorios.” Allí también declara
que lo inconsciente, lo casual y lo irracional tiene más valor que la lógica.
René Magritte fue el surrealista belga que más influyó en la

pintura de su país en el siglo XX. Sus imágenes, a diferencia de
otros surrealistas, no estaban inspiradas totalmente en sueños,
sino que Magritte destilaba la realidad sacando su esencia; y
consiguiendo, por un lado imágenes absolutamente
sorprendentes e ingeniosas, y por otro el cuestionamiento
mismo de esa realidad.
Magritte estuvo muy interesado en la ambigüedad de las

imágenes, de las palabras y en
investigar la extraña relación entre
lo pintado y lo real. Para ello
explora lo que hay de mágico en lo cotidiano. La vida de un
belga de clase media y sus rutinarias actividades diarias fueron
en cierto modo su máxima inspiración para pintar sus
extraordinarios cuadros.
En sus cuadros se plasman paisajes misteriosos, con

significados ocultos, silencio y mucho sentido del humor. La
realidad es para él una ilusión, una “trampa” y por ello explora a
lo largo de su carrera el espacio real frente a la ilusión espacial,
que es la pintura misma.
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COLLAGE – MATERIALIDAD
El collage es una técnica que actualmente resulta muy frecuente en la escuela, a menudo
está más relacionada con los trabajos del Jardín de Infantes que con la labor de los artistas
plásticos. Sin embargo, su aparición representó una verdadera revolución en el campo de las
artes visuales y abrió la puerta a muchísimas ideas.
A diferencia de otras técnicas, el collage brinda la posibilidad de probar distintas

alternativas antes de pegar las formas de manera definitiva sobre el soporte.
LA HISTORIA DEL COLLAGE
¿Por qué esta técnica, que es hoy tan conocida hasta por los más pequeños, produjo tanto
revuelo entre los pintores? Lo que sucedió fue que, hasta la llegada del siglo XX, los artistas
plásticos seguían trabajando con las técnicas tradicionales, es decir, la pintura, la escultura, el
dibujo y el grabado. Para cada una de estas técnicas se utilizaban una serie de materiales y
herramientas también tradicionales.
Si bien los recursos materiales se fueron ampliando a lo largo de los siglos, las técnicas no
tuvieron mayores modificaciones. Las imágenes fueron variando en su estilo, en la manera de
representar, en los temas que se elegían, pero las innovaciones en cuanto a las técnicas y
materiales artísticos habían sido muy pocas.
A principios del siglo XX, en 1912, a los artistas Pablo Picasso y George Braque se les
ocurrió introducir en sus obras trozos de materiales no tradicionales, pegados en la superficie
sobre la que estaba trabajando e integrados a la imagen. Para ese entonces, resultaba una
audacia considerar que los elementos de la vida cotidiana pudieran formar parte de una obra
de arte. Y ese acto significó una puerta abierta a la libertad, ya que, en adelante, muchísimos
artistas tomaron la idea de combinar distintos materiales en sus trabajos. Así nacieron una
gran cantidad de técnicas plásticas derivadas del collage.
Pablo Picasso,
Bodegón con asiento de rejilla
Tela plastificada, óleo y cuerda
1912
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La técnica de collage más conocida, y la más difundida en las escuelas, es la que se

conoce con el nombre de papeles pegados. Podríamos definirla como el recorte y pegado de
papeles con los que se conforma una imagen o composición. Muchas veces es utilizada como
único sinónimo de collage, pero, como verán más adelante, resulta sólo una de sus tantas
posibilidades.
Fue Henri Matisse uno de los artistas que dio

verdadero vuelo expresivo al uno de sencillos
papeles de colores, creando maravillosas obras
de arte.
También el fotomontaje es una forma de

collage, que se realiza combinando trozos de
fotografías o cualquier tipo de imágenes
impresas, integrándolas entre sí hasta construir
con ellas una nueva imagen.
Influenciado por el collage, el pintor norteamericano Robert

Rauschenberg introdujo en sus pinturas diferentes elementos de
producción industrial: fragmentos de carteles publicitarios, de
historietas, de etiquetas de productos comerciales, etcétera.
Todos estos elementos los combinaba con otros sectores

pintados, y por eso a este tipo de imagen se llamó pintura
combinada. Ella constituyó una de las primeras expresiones de las
técnicas mixtas.
El pintor alemán Kurt Schwitters, en

1923, comenzó a recoger y coleccionar objetos sin ningún valor
que iba encontrando por la calle: alambres, boletos, tapones, trozos
de cuerdas, tornillos, arandelas metálicas, fragmentos de espejos o
chapas para pegarlos luego en sus obras según un orden que él
mismo decidía. Según el autor explicaba, quería lograr un contraste
de materiales: madera, papel, metal, plástico, para que cada
material aportara a la imagen su textura, forma y color. Este tipo de
collage se conoce con el nombre de objetos encontrados.
TÉCNICA MIXTA
A partir de la idea original de Picasso y de Braque de incorporar distintos materiales a la

imagen, muchos artistas fueron creando y ampliando el campo de posibilidades expresivas, al
combinar esta nueva técnica con las ya conocidas.
18
De este modo nació el concepto de técnica mixta, es decir, un modo de producir imágenes
que se sirve de la combinación de varias técnicas y de las posibilidades materiales y
expresivas que aporta cada una de ellas. Diferentes artistas se interesaron por las técnicas
mixtas, y realizaron las combinaciones más diversas.
En las matrices que se realizaban para los grabados comenzaron a pegarse distintos
elementos como puntillas, cartones, telas, etcétera. Esos elementos, al ser estampados,
enriquecieron la imagen con sus formas y texturas. De esta manera nació el xilocollage. El
artista que creó y cultivó este modo de expresión fue Antonio Berni.
Antonio Berni
Juanito Laguna va a la ciudad
Collage sobre madera
1963
LOS MATERIALES Y LAS HERRAMIENTAS
Los artistas del siglo XX utilizaron todo tipo de herramientas para expresarse, además de
los clásicos pinceles y espátulas.
Experimentaron y combinaron con diversos materiales: mezclaron las distintas pinturas ya

conocidas con arena, yeso, tierra, y hasta con alquitrán. Pegaron sobre los soportes, como ya
hemos visto, distintos objetos, como trapos, cartones, viejas fotografías y cajitas de fósforos.
19
SOPORTES Y FORMATOS
Se nombra soporte, en artes plásticas, a todo lo que contiene a la obra, lo que la sostiene,
lo que subyace materialmente debajo de ella. Pared, papel, textil, metal, maderas, cerámicas,
cueros, son considerados soportes tradicionales. El soporte puede tener muchas
características, definiciones, usos y aplicaciones (pero siempre aparece posibilitando que la
ora esté). En el arte contemporáneo cuando se realiza o presenta una obra, el soporte se
definirá de acuerdo con el concepto de la obra, a los materiales que se elijan o que tengamos
y también a la ocurrencia o imaginación del artista. No hay límite en la utilización de
elementos y objetos que nos rodean.
Por ejemplo, los artistas callejeros y grafiteros que pintan con gran realismo un soporte
rugoso, en cortinas metálicas, en vagones de trenes, paredes de ladrillos irregulares, en un
poste de luz, en un rincón desprovisto de belleza interrogando al público. El arte más antiguo
y primitivo se realizaba sobre rocas en las cuevas, y podemos encontrar infinidad de obras
artísticas en el interior y exterior de pirámides y templos de culturas antiguas.
El arte de Occidente implementa un soporte mas preparado, agregando valor a la obra,

llamado bastidor. La pintura se comenzó a hacer sobre un marco de madera, con una tela
tensada y preparada con una imprimación a base de cola o adhesivos y yeso, sobre el cuan se
trabaja al óleo que permiten más tiempo de elaboración y desarrollo de transparencias y
mezclas.
Esto ejemplifica, de alguna manera, la gran variante de soportes que podemos utilizar;
desde los más simples hasta los más elaborados, pasando por la bidimensión y la
tridimensión. En la actualidad la creatividad ha transgredido barreras impensadas haciendo
posible que hasta nuestro propio cuerpo sea considerado un soporte de obras artísticas.
Incluso la cerámica y la textil vinculados a la tradición de culturas indígenas fueron
incorporados actualmente en la categoría de arte.
En cuanto al formato de una obra, nos referimos a la forma, tamaño y dirección espacial
de la superficie o soporte donde se realiza; es decir, las medidas y dimensiones: alto, ancho y
profundidad en las tridimensionales; alto y ancho en las bidimensionales. Permite designar
los tamaños de los soportes, y suelen utilizarse expresiones como "pequeño formato" y "gran
formato". Sin embargo, existe una infinidad de variantes de formatos, como las mencionadas
de soportes.
El formato determina el encuadre y controla la composición, a través de las proporciones,

de la forma y de la orientación. Están los formatos más tradicionales y regulares que se
aproximan al cuadrado o rectángulo; y menos habituales los formatos curvos (circulares o
elípticos) o mixtilíneos (irregulares variando rectas y curvas). Las orientaciones más
habituales son la vertical o la horizontal (muy raramente otras, como la diagonal).
20
MURALISMO
Es una técnica de arte figurativo o abstracto que utiliza como soporte un muro o pared
bien sea piedra o algún tipo de construcción. Los modelos históricos más habituales son de
composiciones pictóricas, o bien de mosaico o cerámica, pudiendo encontrarse también
ejemplos de esgrafiado.
SOPORTES
Es frecuente pensar en el mural como anclado o fijado a un muro (piso, techo, columna,
pared, etc.), y por ello el soporte debe ser fijo, rígido y de gran formato. Sin embargo,
muchas veces es práctico y necesario un doble soporte: el arquitectónico y el auxiliar. La
obra se realizará en el auxiliar, y luego será trasladada o aplicada en la pared, piso, etc. Por
ejemplo, la cúpula del Teatro Colón de Buenos Aires fue realizada por Raúl Soldi en su taller
en una tela y luego pegada en el interior de la cúpula.
En México Diego Rivera realizó murales de gran tamaño sobre bastidores de hierro y
material cementicio, que luego fueron colocados en el nicho o pared, donde se los contiene.
El sistema de trabajar sobre soportes divisibles y trasladables permite realizar trabajos
complejos técnicamente, como la técnica de mosaico.
21
El soporte flexible puede actuar de manera más o menos flexible de acuerdo con su
grosor, tamaño y en relación a la carga y tipo de material con que se le trabajará arriba.
EL MURAL COMO CONCEPTO DE ARTE PÚBLICO
El mural es un trabajo expresivo, en pintura, grabado o relieve, creado sobre o para

espacios arquitectónicos. Un mural significa transformar el espacio público en imágenes
hechas arte que pueden hablar, que lleguen, sean vistas y salgan del espacio individual para
ocupar otra escala.
Para construir la imagen que llevará la obra mural necesitaremos información del
contexto social, geográfico e histórico que nos ubiquen y nos den certezas para la
representación gráfica o para elaborar conceptos claros. A través de la imagen es posible
buscar respuestas, denunciar, acompañar, mostrar otras realidades que no son tan visibles o
que no son comprendidas, y para eso es necesario hallar en nuestro dibujo las formas y el
color que nos identifiquen y que puedan llegar al espectador, a la gente que lo pueda ver.
El mural puede ser:
o Político y de compromiso social: Tendrá el carácter de expresión comunicativa,

didáctica o de denuncia. La investigación es imprescindible: es necesario conocer y ahondar
en el contexto y la imagen.
o Decorativo: También este aspecto requiere investigación, qué tipo de imagen
necesitamos, cómo la elaboramos, dónde buscamos la información. Es necesario en la imagen
pública conocer el sentido de la iconografía a usar; evitando repetir un diseño sin sentido,
como estereotipo sin conocer a qué alude.
22
MILO LOCKETT
Es un artista plástico argentino contemporáneo,
oriundo de la provincia norteña de Chaco, y que desde
hace unos años ha conseguido fascinar a los amantes del
arte propio y ajeno con sus singulares creaciones
artísticas. Nació en la capital, Resistencia, un 1 de
diciembre del año 1947. Allí reside y trabaja su arte que
en poquísimo tiempo se volvió furor y por caso sus obras
comenzaron a ser buscadas y valoradas a gran escala, toda
una sorpresa para un artista grande y que empezaba su
carrera a una edad ya avanzada y procedente de otro rubro
profesional, si se lo compara con la mayor parte de sus
colegas que empiezan a edades más tempranas y con una clara vocación.
Es un artista con una impronta estética tan singular que es amado y valorado tanto por
coleccionistas avezados como por personas ajenas al mundo del arte. Sin dudas a Milo se lo
debe clasificar en los artistas autodidactas, es decir, que no asistieron a ninguna escuela a
estudiar arte, sino que su afición es producto de la admiración por la práctica y por supuesto
el talento innato.
Su carrera es relativamente corta en materia de tiempo, si tenemos en cuenta que comenzó

a comienzos de este siglo cuando decidió cerrar su fábrica de estampación textil para
dedicarse exclusivamente a la pasión de pintar.
Lockett dispone además de espacios de arte propios en los que además de exhibir sus
obras les ofrece un lugar a otros colegas para que exhiban sus creaciones. No podemos
soslayar la labor que también realiza el artista en el plano de lo social, donando anualmente
unas 40 obras de su autoría para que sean subastadas a total beneficio del hospital pediátrico
de la ciudad de residencia.
Sus pinturas ya son parte de la

decoración hogareña argentina.
Sábanas, cuadros, cuadernos,
asientos y hasta juegos de mate se
suman a la lista de objetos
cotidianos pensados por este artista
que gusta tanto. Dibujos simples,
colores plenos y mucha conexión
con la alegría son las características
principales de sus obras.
23
EL COLOR
“El color es la vida, pues un mundo sin colores parece muerto. Los colores son las ideas
originales, los hijos de la luz y de la sombra, ambas incoloras en el principio del mundo. Si
la llama engendra la luz, la luz engendra los colores. Los colores provienen de la luz y la luz
es la madre de los colores. La luz, fenómeno fundamental del mundo, nos revela a través de
los colores el alma viva de este mundo.”
Johannes Itten
Los colores nos acompañan en cada uno de los actos de nuestra vida. Elegimos colores
con especial dedicación porque sabemos que son capaces de provocar múltiples sensaciones
e impactar sobre nuestra sensibilidad. Por estas y otras razones, el color es utilizado como
medio de expresión, comunicación y también como elemento decorativo.
Los colores surgen a partir de las ondas luminosas, que son un tipo particular de energía
que compone la luz. Estas ondas son incoloras, pero en nuestros ojos y en nuestro cerebro se
produce la sensación de ver un color cuando esas ondas luminosas se encuentran con un
determinado cuerpo. Las células de la retina del ojo humano tienen la capacidad de percibir
esas sustancias y su relación con los cuerpos que las reflejan. Cuando decimos que algo es
azul, se debe a que ese objeto, al recibir la luz, absorbe la onda luminosa y refleja la que
corresponde al color azul. El ojo humano es capaz de discernir alrededor de cien matices de
luminosidad y varios miles de variaciones de los colores.
Los colores con los que pintamos no son haces de luz sino pigmentos, o sea, sustancias
que tienen la propiedad de producir determinados colores al ser mezcladas con otras
sustancias.
Existen diferencias en el comportamiento de los colores-luz y los colores-pigmento. Si

mezclamos haces de luz de todos los colores del espectro obtendremos la luz blanca. Si
mezclamos pigmentariamente -es decir, con pinturas- todos los colores, obtendremos un
color pardo grisáceo.
Los colores interactúan sobre la superficie. La manera en que percibimos un color está
condicionada por el contexto: los colores y las formas que lo rodean, y el lugar que ocupa en
la imagen.
DIFERENTES FUNCIONES DEL COLOR
Utilizamos los colores para distintos fines: para informar, para decorar, para expresar,
para simbolizar, etcétera. En la pintura, los colores, las formas y las texturas son usados de
manera especial, según la intención del que pinta y según sus necesidades en cada momento
determinado.
24
Más allá del arte, el color puede usarse de un modo convencional, como, por ejemplo, la
luz roja del semáforo, que indica detenerse.
o Uso descriptivo del color
Durante gran parte de la historia, la pintura, al igual que las otras técnicas plásticas, tuvo
también una función documental. Era el único medio que permitía dejar testimonio del
aspecto visual de las personas, objetos, lugares y hechos. Para hacerlo, los pintores partían de
la observación de la realidad tratando de representarla tal cual la veían.
o La representación de las formas tridimensionales mediante el color
En Occidente, en distintos momentos de la historia del arte, los pintores tuvieron la

preocupación por simular en el plano la realidad tridimensional y hacer que los objetos
pintados pareciesen reales, es decir, que se apreciaran sus volúmenes. Aún hoy,
frecuentemente se valora un cuadro de acuerdo con su similitud con lo real.
El color puede ayudar a dar, en el plano, sensación de volumen al cambiar el valor. Los
tonos claros avanzan perceptivamente, y los oscuros parecen retroceder. Aclarando y
oscureciendo paulatinamente un color se puede sugerir el volumen.
o La expresión de emociones y sensaciones mediante el color
Actualmente, la tecnología nos proporciona infinidad de medios para documentar la

apariencia de la realidad: la fotografía, el video y el cine liberaron al artista plástico de esta
tarea. Aun así, el pintor sigue trabajando de diferentes maneras. Algunos parten de la realidad
y la imitan; otros parten de ella y la distorsionan, modifican sus formas o sus colores. Otros
toman el mundo exterior como referencia, pero lo recrean hasta que es imposible
reconocerlo. Y algunos desean crear una realidad nueva, la de sus emociones y sus fantasías,
expresando lo que solo pueden decir con formas y colores.
Uno de los cambios más importantes en la pintura del siglo XX fue que muchos artistas
dejaron de usar el color de manera descriptiva; es decir, los colores representados ya no eran
los de la realidad, sino los que el artista deseaba expresar.
En los pintores coloristas el color está en función de la expresión, y su manera de

aplicarlo obedece a la necesidad de reflejar sus estados de ánimo. Para ellos, el color es el
protagonista. Es posible que les resulte más apropiado un naranja o un rojo para un campo
sembrado y hacerlo vibrar contra un cielo de un turquesa brillante -aunque no corresponda
con la realidad que tienen ante sus ojos- porque esos colores responden a la sensación que
intentan producir.
25
o Uso simbólico del color
Al color, como a las palabras, puede dársele significados simbólicos. Muchas veces esos
símbolos son propios de una cultura. Esto hace que pueden ser interpretados por quienes
conocen esta cultura.
A veces el luto es simbolizado por el color negro. En algunas culturas de Oriente, en

cambio, el color del luto es el blanco.
Para los hindúes, el naranja es el color místico; en cambio en Occidente, nos

asombraríamos de ver a una sacerdote con sotana naranja.
En muchas obras de arte, se eligen determinados colores por su carga simbólica. Por
ejemplo, en la Edad Media, el dorado se reservaba para los personajes sagrados o
relacionados con el culto cristiano.
Es importante tener en cuenta que el uso del color en una pintura puede tener diversos
sentidos a la vez. Por ejemplo, puede estar usado en forma descriptiva, simbólica, imaginaria,
decorativa, etcétera.
26
MOSAICO
El mosaico es un lenguaje a partir del cual una obra es elaborada con pequeñas piezas de
piedra, cerámica, vidrio u otros materiales similares de diversas formas y colores,
llamadas teselas, unidas mediante yeso, u otro aglomerante, para formar composiciones
figurativas o abstractas.
Los materiales utilizados deben ser resistentes al exterior e interior ya que pueden
encontrarse en variedades de lugares. Existen mosaicos móviles, de pequeños y grandes
tamaños, en suelos y paredes.
A lo largo de la historia el mosaico ha sufrido numerosas variaciones en cuanto a su

influencia e importancia en el arte. La etapa bizantina, es considerada su período de máximo
esplendor en la que, principalmente, se traslada sus obras de pisos a paredes (sin abandonar
el suelo) y se aleja de la idea comunitaria de “copia” de obras pictóricas para ser considerado
un lenguaje en sí mismo.
Además, existen dos métodos para su realización: directo -sobre un soporte

tridimensional o bidimensional en el cual se observa el resultado final a medida que se
avanza con la elaboración ya que no es un soporte transitorio-; a diferencia, el método
indirecto es elaborado sobre un soporte provisorio en el cual no se verá el resultado final
hasta finalizarlo y voltear la pieza o colocarla en su soporte definitivo. En caso de ser una
obra de gran dimensión, el dibujo es trasladado a una malla y luego se recorta en secciones
sobre las cuales se trabajará el mosaico; para llevarlo finalizado al soporte correspondiente.
27
ENCUADRE
El encuadre es aquello que el artista -ya sea dibujante, pintor o fotógrafo- sitúa dentro de
la imagen o fotografía, la porción de escena que elige captar y plasmar. Ante un mismo
motivo cada artista puede elegir hacer una imagen diferente captando unos u otros elementos;
incluso variar la ubicación de estos dentro de su soporte según sea su perspectiva.
Al tratar el tema "encuadres" es muy común usar la expresión campo visual.

El campo visual es la porción del espacio en la cual los objetos son percibidos
simultáneamente a través de la visión. Es todo aquello que vemos y percibimos a través de la
vista.
El encuadre es un concepto que surgió con el cine, para hablar de las limitaciones precisas
del campo visual. Es un recorte de la realidad que intencionalmente mostramos y
construimos para comunicar una idea en particular. Es una selección del campo visual, desde
un ángulo de visión particular y un marco.
El marco es el borde o frontera tangible de la imagen, que la separa de lo que se quiere

dejar afuera. Hay 4 formas de encuadre: encuadre clásico, desencuadre, sobreencuadre y
reencuadre.
o Encuadre Tradicional – Centrado: La atención del observador recae en el centro del

soporte. Es el tipo de encuadre más utilizado para buscar el equilibrio y simetría de la
composición.
28
o Desencuadre – Descentrado: La composición sitúa la información en las esquinas o

bordes del soporte, quitándole importancia al centro del soporte. El encuadre puede ser de la
figura total o parcial; ofreciéndonos una sensación de algo que pretende escapar del espacio
captado o incluso lo contrario, colarse dentro de la imagen, correr hacia ella.
o Sobreencuadre: Es el cuadro obtenido por aquello que se ve a través de ventanas,

puertas, espejos, o cualquier abertura. Pretende dar como una segunda realidad dentro del
conjunto de elementos o datos en el resto del encuadre.
o Reencuadre: Repetición constante y monótona de la imagen dentro de sí misma.

Permite dar efectos de profundidad y sucesividad.
29
BIDIMENSIÓN Y TRIDIMENSIÓN
Bidimensional significa literalmente dos dimensiones, que son ancho y largo. Cuando
dibujamos sobre un papel en forma bidimensional tomamos solo en cuenta esas dos
dimensiones (ancho y largo) y entonces cuando observamos la imagen se nos muestra plana,
sin volumen o espesor, y por lo tanto obligadamente debemos apreciarla frontalmente, de ese
único modo. Si queremos darle profundidad podemos, por ejemplo, usar la perspectiva. Algo
similar ocurre con una fotografía.
La tridimensionalidad, en cambio, nos permite observar la imagen de un modo mucho

más rico según los diferentes ángulos. La tridimensión alude a la existencia en las cosas de
tres medidas: ancho, largo y profundidad; a diferencia de la bidimensión en la que hay
ausencia de profundidad.
Al concepto de tridimensión estamos acostumbrados a usarlo en varias disciplinas entre

ellas la geometría, la matemática, la física y en lo artístico, como por ejemplo en las
esculturas, en las obras realizadas en relieve, en la cinematografía, en las construcciones,
etcétera.
INDICADORES ESPACIALES
Los indicadores de espacio son recursos que existen para trabajar en superficies planas y
que tienen la característica de sugerir mayor o menos profundidad. Los principales son:
o Posición en el plano de la imagen:

Perceptivamente, las figuras colocadas más
abajo en un plano parecen más cercanas,
por el contrario, la ubicada arriba parece
más lejana.
o Movimiento diagonal: Las diagonales en el

plano provocan sensación de profundidad. Si a
esto agregamos otros indicadores, como posición
de las figuras y disminución de tamaño, se acentúa
dicha sensación. También la disposición de
izquierda a derecha refuerza el efecto.
30
o Colores que avanzan y retroceden: Se refiere a la

propiedad óptica por la cual los valores más claros parecen
avanzar hacia el espectador (se suele decir que “están más cerca”)
y los más oscuros retroceder. Algo similar sucede con los colores
cálidos y fríos.
o Superposición: Consiste en que una figura u objeto, oculta

parcialmente a otro. La figura que se ve completa se encuentra en
primer plano o nivel espacial y la incompleta en segundo plano o
nivel espacial.
o Transparencia: Ambas figuras son completas e

incompletas, es decir pueden percibirse delante y detrás
alternativamente.
o Disminución de tamaño: Cuanto más

grande el objeto, lo percibimos más cerca. Cuanto
más pequeño, más lejos.
o Disminución de detalle: Existe una

correlación entre la agudeza visual y la distancia, si
están próximos podemos ver los detalles, al alejarse
se pierden progresivamente.
La perspectiva atmosférica: Es el método con el cual se

produce una sensación de profundidad en una pintura, al
imitar el efecto de espacio que hace que los objetos se vean
más pálidos, azules y nebulosos o menos distinguibles a la
distancia media y lejana.
31
MARCO Y FUERA DE MARCO

En toda composición el marco funciona como límite que permite a su vez el encuadre de
la imagen deseada. Es decir, ese recorte seleccionado de la realidad o idea a representar se
encuentra dentro de un marco que lo sostiene y lo delimita.
Fuera de marco tiene en cuenta el fuera de “campo” de las representaciones visuales.

Hablar en términos del fuera de marco o campo de una imagen supone atender a aquello que
excede su encuadre y por tanto no aparece representado en la misma. Cuando tenemos en
cuenta el fuera de campo entendemos que la imagen muestra solo una parte del conjunto,
aquella a la que se ha decidido dar visibilidad.
La crítica de la representación se plantea que a través de las imágenes es posible articular

y difundir determinadas maneras de entender el mundo. Las imágenes construyen mirada,
nos interpelan y contribuyen a producir nuestros deseos. No son, por tanto, formulaciones
espontáneas, inocentes o “verdaderas”, ni ventanas abiertas al mundo que lo mostrarían en su
naturalidad. Las imágenes son relaciones y prácticas que dejan siempre “fuera de campo”
aquello que perturba su sentido, abriendo así un vacío que debe ser suturado míticamente.
32
FUENTES Y TIPO DE ILUMINACIÓN

Teniendo en cuenta las direcciones de la luz, según dónde esté posicionado el foco,
podremos diferenciar los siguientes tipos de iluminación:
o Difusa:
La luz difusa es una luz tenue sin la intensidad ni el resplandor de la luz directa. Está
diseminada y viene desde todas las direcciones. Por lo tanto, parece envolver a los objetos.
Es más suave y no genera sombras pronunciadas.
o Frontal
Se proyecta en la misma dirección que la cámara, a la altura del ángulo de una toma
normal. Proporciona información de todas las superficies visibles. Sin embargo, aplana la
imagen, le quita contraste y volumen; además de “aplastar” el objeto con el fondo.
o Lateral
Proviene de uno de los lados de la cámara. Agudiza la sensación de volumen y remarca

el objeto iluminado. Da textura y relieve.
o Contraluz
La fuente de luz está en sentido contrario de la cámara, detrás del objeto iluminado. Se
usa para dar relieve a las figuras, diferenciarlas del fondo y darle un efecto de siluetado.
o Cenital
Generada por una fuente lumínica encima del objeto. Da un efecto celestial, dulcifica,
hace vaporosa la imagen e insinúa un aura sobre los actores, en el caso de un escenario
teatral. Por ejemplo; la luz solar es la luz cenital por excelencia, se puede lograr este efecto
con otro tipo de fuentes luminosas.
o Candileja - contrapicado
La fuente de iluminación se encuentra debajo del objeto. Permite resaltar rasgos.
33

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CUADERNILLO DE

PROFESORA: Victoria Camba

o Arte rupestre ……………………………………………………………………… 6

o Arte y creencias …………………………………………………………………... 8

Fauvismo – Henri Matisse… 10

Expresionismo – Xul Solar … 12

Cubismo – Picasso …13

Dadaísmo – Marcel Duchamp … 14

o Collage. Materialidad …………………………………………………………… 17

o Soportes y formatos ……………………………………………………...……… 20

o Indicadores espaciales …………………………………………………………... 30

o Marco y fuera de marco …………………………………………………………. 32

o Fuentes y tipos de iluminación ………………………………………………..… 33

Que al finalizar el año el alumno logre:

o UNIDAD 1: La historia de la mirada. La imagen moderna y la imagen posmoderna.

o UNIDAD 2: Marco, límites y formatos: geométricos, orgánicos, regulares e

o UNIDAD 3: Profundidad de campo; ilusión de tridimensionalidad: indicadores

o Se evalúa el proceso de trabajo en clases, siendo imprescindible el cumplimiento de

la bidimensión como en la tridimensión). En el examen se tomará los contenidos teóricos y

Bibliografía: Cuadernillo teórico y plataforma institucional.

TRABAJO ALUMNO/A: FECHA DE

La temática que representaban contaba con de caza, y la figura de la mujer, ya que

Es sorprendente la contemporaneidad de las imágenes, en las que un trazo libre y suelto,

El arte, expresión espiritual humana, ha generado, en todas la épocas, geografía y

Cueva de las manos, provincia de

Toros de las cuevas de Lascaux,

Pintura rupestre de una de las paredes de piedra

Los hombres aprendieron a construir viviendas, y abandonaron las cavernas. También,

La aparición del lenguaje escrito brindó la posibilidad de dejar testimonio del

Las formas de las máscaras se inspiran en la naturaleza y según la cultura pueden

propiciar la fecundidad de la tierra y la abundancia de las cosechas, para triunfar en las

VANGUARDIAS DEL SIGLO XX

El arte se caracterizó por la diversidad; coexistieron diferentes movimientos artísticos, y

respondían a un ejercicio de sintetización, buscan la máxima intensidad emocional

Recibió un reconocimiento internacional durante su vida ganándose la aprobación de los

La alegría de vivir (1906) La habitación roja (1908)

En sus obras los expresionistas intentaban comunicar angustias, emociones, miedos; y

Un referente argentino de esta corriente europea

Se interesó por la filosofía, la astrología, las religiones y la lingüística. Fue un pintor

Ya en 1919 sus obras reflejaban esta inquietud

sus creaciones, de letras y signos gráficos, e incluso se le atribuye la creación de un lenguaje

Pronto sintonizó con un grupo de jóvenes pintores y

Uno de los grandes referentes de este estilo, junto a George

Durante un viaje a París descubre las esculturas de Rodin y

escultura cubista tiene sus orígenes en la reducción de los objetos a componentes

Al cumplir los cuarenta años, Picasso ya había producido

Los temas favoritos de Picasso fueron los instrumentos

Aunque actualmente, a través de la publicidad, estamos acostumbrados a la utilización de

Marcel Duchamp, artista de origen

Pintando bigotes a la Gioconda descubrió que quizás

También creó otras formas de arte hoy

André Breton definió el surrealismo de este modo: “Automatismo psíquico mediante el

René Magritte fue el surrealista belga que más influyó en la

Magritte estuvo muy interesado en la ambigüedad de las

En sus cuadros se plasman paisajes misteriosos, con

A diferencia de otras técnicas, el collage brinda la posibilidad de probar distintas

LA HISTORIA DEL COLLAGE

La técnica de collage más conocida, y la más difundida en las escuelas, es la que se

Fue Henri Matisse uno de los artistas que dio

También el fotomontaje es una forma de

Influenciado por el collage, el pintor norteamericano Robert

Todos estos elementos los combinaba con otros sectores

El pintor alemán Kurt Schwitters, en