Las 70 mejores películas de la

historia del cine

Todos tenemos nuestras películas favoritas, aquellas que nos encanta revisar
una y otra vez y que forman parte de nuestra vida de una manera o de otra.
Confeccionar una lista con las mejores películas de la historia del Séptimo Arte
es una empresa casi suicida, porque siempre faltará o sobrará algún título,
dependiendo de nuestros gustos y debilidades personales. Nosotros nos
hemos atrevido a seleccionar 70 títulos que creemos que deben estar, sí o sí,
en cualquier lista de este tipo, ya sea por sus valores puramente artísticos
como por su influencia o impacto en la historia del cine.

Esperemos que estés de acuerdo con nosotros y disfrutes de este repaso.

¡Que se abra el telón!

1. Vértigo (1958)

Director: Alfred Hitchcok

Película adelantada a su tiempo y que solamente años después de su estreno

fue reivindicada como la obra maestra que es. Su poder de fascinación
continúa a perturbar a espectadores y cineastas (que se lo digan a De Palma) y
su perfecto equilibrio entre ética y estética es perfecto para contar esta
surrealista historia que mezcla magistralmente el misterio con el romanticismo.

Muy probablemente, la obra perfecta de Hitchcock.

2. Ciudadano Kane (1941)

Director: Orson Welles

Siempre en lo más alto de este tipo de listas, Ciudadano Kane, sin ser la mejor
película de su director, es innegable que se ha erigido como una de las obras
más importantes e influyentes en la historia del Séptimo Arte.

Dirigida, coescrita, protagonizada y coproducida por Welles, fue un caso

inusual de total libertad creativa.

Xanadú. Rosebud. Un laberinto sin salida y una revolución de la estética

cinematográfica.

3. Cuentos de Tokio (1953)

Director: Yasujirô Ozu

Un argumento sencillo para un drama que trata sobre sentimientos universales:

el amor entre padres e hijos, el irremediable paso del tiempo, el olvido, el
egoísmo de los hijos...

La vida a través de la quietud y un retrato demoledor de lo humano y de las

herencias perdidas.

4. La regla del juego (1939)

Director: Jean Renoir

Un brillante retrato de la condición humana, de las terribles apariencias y de las

más bajas pasiones.

Ninguno nos escapamos del juego de la farsa y la apariencia; todos somos

unos mentirosos que jugamos a fingir pretendiendo ser educados.

5. 2001: Odisea en el espacio (1968)

Director: Stanley Kubrick

Nadie discute su título de obra cumbre del género de la ciencia ficción, pero
2001 siempre ha dividido al público, que la adora o la detesta (tachándola de
aburrida).

La deliberada gelidez emocional de los personajes y la estética consiguen que

el único personaje realmente conmovedor no sea humano, sino un ordenador,
el recordado HAL 9000, una inteligencia emocional que se convierte en el
auténtico héroe de la función.

6. The Searchers (1956)

Director: John Ford

Conocida como Más corazón que odio en Hispanoamérica y Centauros del

desiertoen España. Violencia, venganza, redención, road movie dentro de
un western y la mejor interpretación de John Wayne.

La película, un viaje y un círculo que se cierra, esconde todos los grandes

elementos de las obras fordianas: el retrato de la condición humana, la poesía,
la épica y una narración limpia y honesta.

7. La pasión de Juana de Arco (1927)

Director: Carl Dreyer

La fotografía de esta película es su principal baza y uno de los motivos

principales por lo que es considerada una obra maestra del cine mudo (y del
cine en general).

Sus poderosas imágenes, especialmente los primeros planos de la

protagonista, y su sentido del ritmo prodigioso hacen de ella una auténtica
experiencia cinematográfica.

8. 8 1/2 (1963)
Director: Federico Fellini

Una personalísima joya de su director, que plasma perfectamente su universo

único e irrepetible.

La falta de inspiración de su protagonista acaba constituyendo la obra en sí

misma, una intemporal anarquía imaginativa donde se mezclan realidad y
fantasía y donde el Guido Anselmi encarnado por Matroianni encarna al más
explícito de los alter egos del director.

9. El acorazado Potemkin (1925)

Director: Sergei Eisenstein

Una de las películas clave en el desarrollo de la narrativa en el cine, así como

de la edición y montaje. En la famosa escena de la escalinata de Odessa hay
más de 170 planos unidos por el montaje que consiguen provocarnos
sensaciones que van más allá de la sucesión de todos esos planos,
alcanzando una potencia visual que marcaría a infinidad de directores
posteriores.

Conserva su nervio narrativo y su potencial para emocionar al espectador aún

hoy en día y algunos la consideran la mejor película de la historia.

10. L'Atalante (1934)

Director: Jean Vigo

Con un lenguaje alegórico y poético y una sensualidad atrevida para la época,

la película de Vigo consigue un perfecto equilibrio entre comedia y drama,
realidad y fantasía, a la vez que es una clara denuncia de problemáticas como
el desempleo, la ignorancia y la desigualdad social.

Llena de magia y vitalidad, de simbolismos y detalles, L'Atalante resume todas

las características del estilo de Vigo, cuyo lirismo visual y narrativo lo convirtió
en el inspirador de los movimientos de la vanguardia cinematográfica francesa
de los años 50 y 60. Realismo poético y naturalista unido a un discurso
anárquico hacen de esta película una experiencia inmensa y profunda que fue
totalmente incomprendida en el momento de su estreno.

11. Al final de la escapada (1960)

Director: Jean-Luc Godard

À bout de souffle es uno de los títulos emblemáticos de la Nouvelle

Vague. Basada en un guión de Truffaut, sorprendió por recurrir a técnicas no
utilizadas en el cine convencional: el uso de la cámara en mano (heredado del
neorrealismo italiano), los saltos de plano, los protagonistas hablando
directamente a la cámara haciendo cómplice al espectador...

Película revolucionaria y metanarrativa, rompe con la formulación clásica del

montaje invisible y la continuidad para contar una historia sobre la hostilidad de
la sociedad moderna y la cruel impasibilidad de la pasión amorosa.

12. Los siete samurais (1954)

Director: Akira Kurosawa

El film de Kurosawa es uno de los más influyentes de todos los tiempos,

habiendo dejado una impronta de gran calado en la cultura pop, desde Star
Wars de George Lucas hasta la mítica serie de televisión The A-Team.

Kurosawa no se permite ni un solo plano estático en toda la película,

culminando en la batalla final, tremendamente moderna en términos de montaje
y planificación. Un clásico moderno en toda regla.

13. Apocalipsis Now (1979)

Director: Francis Ford Coppola

Un viaje existencialista a los abismos de la locura y la desesperación. La guerra

como obsesión, donde Willard Y Kurtz son dos caras de la misma moneda.

Desmesurada en todos los aspectos, es una sobrecogedora (pero maravillosa)

experiencia cinematográfica sobre los espantos y sinsentidos de la guerra, que
casi arruinó a Coppola pero que posiblemente sea su mejor película.

14. Persona
Director: Ingmar Bergman

La exploración y simbiosis de las dos personalidades de una misma mujer,

interpretadas magistralmente por las dos musas del cineasta (Bibi Anderson y
Liv Ulman) es una de las películas más bellas, inquietantes, personales y
fascinantes del séptimo arte.

Bergman crea una obra basada en la ilusión y el artificio para hablar de las
máscaras sociales y la descomposición y la fragilidad de la identidad.

15. Cantando bajo la lluvia (1951)

Director: Stanley Donen & Gene Kelly

Esta película habla sobre el cine y lo hace con un amor y una alegría
desbordante que acaba contagiando gracias a su música y canciones para el
recuerdo. Una comedia llena de magia y sentimiento, que es ya historia viva del
celuloide.

Para la posteridad, Gene Kelly bailando y apuntando al cielo con su paraguas,

perfecta imagen del optimismo y la felicidad.

16. La aventura
Director: Michelangelo Antonioni

Uno de los hitos clave de la modernidad cinematográfica, esta película

transgresora y revolucionaria es un relato brutalmente seco de las relaciones
humanas y de la falta de comunicación.

Abstracta en su contenido, es una obra absolutamente fascinante que ofrece

un descarnado y existencialista acercamiento a la imposibilidad de no hacer
daño a las personas que más queremos.

17. El Padrino (1972)

Director: Francis Ford Coppola

Obra maestra imprescindible del cine contemporáneo, síntesis perfecta entre el

cine de autor y el cine comercial impulsado por los estudios.

Relato familiar de una gran tragedia donde el cine negro alcanza resonancias
shakespearianas. Acompañado de la mítica banda sonora de Nino Rota,
Coppola hace una crítica del sistema americano, donde la Mafia encuentra
amparo en la corrupción de senadores, jueces y policías.

18. Ordet (1955)

Director: Carl Dreyer

Ordet (La Palabra) es una de las películas más hermosas y complejas jamás
rodadas, una profunda reflexión sobre la fe y los distintos posicionamientos de
los individuos frente a ella.

La razón frente a la fe, la ciencia frente al dogma, la tolerancia frente al

fanatismo, el humanismo frente la idealismo. La milimétrica planificación de
cada plano y la sobriedad de los decorados (rayando la abstracción) son
algunas de las características del estilo de Dreyer, que alcanza aquí su
depuración más absoluta.

19. In the mood for love (2000)

Director: Wong Kar-wai

Un precioso y sutil drama romántico que constituye la cumbre de la filmografía

de su director. La perfección poética de esta película se basa en su capacidad
de "atrapar" el tiempo y subjetivarlo según el estado de ánimo de sus
protagonistas.

Para reflejar el tiempo interior y emocional, las imágenes y la música se dan la

mano de manera casi perfecta. Los personajes se debaten entre la fidelidad y
el impulso amoroso, intentando ocultar sus sentimientos, sufriendo los
desencantos del amor y ensayando (dolorosos) desengaños y despedidas. El
tiempo que se fue y el que se pudo haber vivido.

20. Rashomon (1950)

Director: Akira Kurosawa

La primera obra maestra de Kurosawa, una fábula moral sobre el relativismo y

la filosofía de los actos humanos. El cuestionamiento de la realidad de nuestros
actos (influencia en innumerables películas posteriores, hablándose incluso del
"Efecto Rashomon") hace que el espectador tenga que arrojar su propia mirada
sobre un mismo hecho que puede tener múltiples interpretaciones.

La objetividad se ve puesta en duda por la propia estructura narrativa, que hace

que la verdad resulte imposible de dilucidar. Ante la imposibilidad de una
verdad epistémica y objetiva de los hechos, la "verdad moral" es el último
reducto de esperanza y confianza.

21. Mulholland Drive

Director: David Lynch

Puro Lynch: mujeres en peligro, sueños, sensualidad, enigmas irresolubles,

humor retorcido, atmósferas lúgubres, personajes sacados de una pesadilla...

Un laberinto onírico y fascinante que habla sobre la búsqueda de identidad y

sobre el descenso a los infiernos del alma (y de Hollywood).

22. El Padrino II
Director: Francis Ford Coppola

Si algo demostró esta película es que segundas partes sí pueden ser buenas.
A día de hoy, El Padrino parte 2 se pone como ejemplo de que una secuela
puede incluso ser mejor que la original, y eso que en este caso el listón estaba
bien alto. Aquí no sólo hablamos de que supera a la primera en forma y
contenido, sino que se llevó multitud de galardones y pasó a ser considerada
una de las mejores películas de la historia.

Si El Padrino giraba en torno al rito iniciático de Michael Corleone en el negocio

familiar, esta segunda parte representa la caída definitiva de las relaciones
familiares del protagonista y su aislamiento de todas las figuras afectivas que le
rodean. Al mismo tiempo, asistimos a la infancia y juventud de su padre, Vito
Corleone, que va construyendo poco a poco su sueño americano hasta
convertirse en el líder del crimen organizado de Nueva York y formar una
familia que se convierte en pilar de su forma de vida.

23. Taxi Driver (1976)

Director: Martin Scorsese

Desesperanzada historia de redención extrema y soledad urbana, el Travis

Bickle de De Niro está envuelto en un trágico y feroz existencialismo que hacen
de él uno de los personajes scorsesianos más representativos, encarnando la
obsesión y la violencia tan propia del cineasta.

Ojalá una lluvia cayera sobre esta ciudad y limpiara toda esta escoria.

24. Ladrón de bicicletas (1948)

Director: Vittorio de Sica

Cumbre del neorrealismo italiano, la película retrata magistralmente los

infortunios de la posguerra, pero con una desnudez argumental, una intensidad
emocional y una estructura narrativa tan limpia y simple que convierten esta
reflexión sobre el desamparo en un lúcido canto a la esperanza.

25. Metrópolis (1929)

Director: Fritz Lang

Una de las obras cumbres del cine, del movimiento expresionista alemán y del
cine fantástico.

Una distopía futurista desesperanzadora con un poderío visual apabullante y un

capacidad de fascinación que ha sido capaz de perdurar en el imaginario
colectivo hasta la actualidad.

26. Psicosis (1960)

Director: Alfred Hitchcock

Obra maestra indiscutible, destaca por la perfección técnica de todos sus

elementos, por el penetrante perfil psicológico de sus personajes y, sobre todo,
por el absorbente y sugestivo juego de complicidad del director con el
espectador.

Cine puro y duro y una demostración magistral de cómo montar una

apasionante intriga a partir del más simple de los artificios.

27. Los 400 golpes (1959)

Director: François Truffaut

El primer largometraje de Truffaut y uno de los títulos más emblemáticos de su

filmografía, inspirado en su propia infancia y planteado en un tono de
observación distendida.

La película utiliza la perspectiva de un niño para demostrar la dureza de la

infancia, los momentos de rebeldía, el desequilibrio entre las ilusiones y la
realidad, todo ello para realizar una crítica social importante que genera una
sensibilidad especial en el espectador.

28. La Dolce Vita (1960)

Director: Federico Fellini

Obra crucial de Fellini e inicio de su etapa más fructífera, además de un hito

cinematográfico. Partiendo de una serie de situaciones extremas, ofrece una
aguda sátira de la burguesía romana y sus excesos, así como los vividores que
pululan alrededor de ella.

Factura impecable, puesta en escena elegante y sofisticada y una cuidadísima

fotografía para retratar las banalidades y esfuerzos por salir del aburrimiento de
la gente adinerada de aquella época.

29. Some Like It Hot (1959)

Director: Billy Wilder

Some Like It Hot (Una Eva y dos Adanes y Algunos prefieren quemarse en

Hispanoamérica, Con faldas y a lo loco en España) forma parte de la historia
del cine y de la memoria cinéfila de todo el mundo.

Una combinación explosiva de gángsteres y travestismos que sólo un genio

como Wilder podía realizar, uniendo brillantez y cinismo en uno de los mejores
guiones de comedia jamás escritos.

30. Gertrud (1964)

Director: Carl Dreyer

Gertrud es la última película de uno de los mayores maestros de la historia del

cine, una obra cumbre de su filmografía y del séptimo arte. Partiendo de una
puesta en escena depurada y ascética, Dreyer consigue alcanzar una mística
amorosa cercana a la ensoñación.

La Gertrud de la película aspira a un amor con mayúscula que los hombres no

le pueden dar, lo que le convierte en una especie de idealista romántica
condenada al desencanto irremediable de la realidad.

31. Playtime (1967)

Director: Jacques Tati

Playtime, en su derroche de ideas donde ningún objeto escapa a la comicidad

del autor, es la película más experimental de Tati, ambiciosa, burlona y
magistral.

Situaciones desmadradas, fotografía maravillosa, tratamiento del sonido

superlativo... todo ello para hacer una crítica de la vida moderna.

32. Luces de la ciudad (1931)

Director: Charles Chaplin

Una película atemporal que se dedica a mostrar los hechos al espectador

dejando que sea él quien haga sus propias valoraciones. Una dura crítica hacia
lo que somos en realidad y lo que nos hace sacar lo peor de nosotros mismos.

Aunque fue realizada en tiempos del cine sonoro, Chaplin se resistió a

someterse a las leyes de la industria y realizó una película sin diálogos
hablados, llena de música y poesía del gesto. Una comedia dolorosa en sus
reflexiones sobre la entrega del amor y la gratitud.

33. Charada (1963)

Director: Stanley Donen

Un apasionante relato de intriga con elementos de comedia sofisticada que se

asemeja a un cruce perfecto entre Hitchcock y Lubitsch.

El guión es de un engranaje impecable, con diálogos de alta comedia y una

química entre los protagonistas que sirven para que este elogio al artificio y a la
mentira pueda ser considerada una película perfecta.

34. Dos en la carretera (1967)

Director: Stanley Donen

Una atípica road movie en la que vamos asistiendo las distintas etapas del
matrimonio formado por Audrey Hepburn y Albert Finney a través de sus viajes
por Francia a bordo de emblemáticos coches de los años 50 y 60.

Con un montaje que no sigue un orden cronológico, somos testigos del

progresivo desgaste de su relación, todo ello contado de una manera elegante
y sofisticada, pero que no evita meter el dedo en la llaga.

35. Pulp Fiction (1994)

Director: Quentin Tarantino

Tarantino se consagró como cineasta de culto con esta película (segunda de su

filmografía), llena de humor negro, lenguaje obsceno y violencia que
escandalizó a los críticos más ortodoxos.

Proponiendo una historia no lineal llena de diálogos ingeniosos y situaciones

cotidianas convertidas en momentos míticos, Pulp Fiction revolucionó el cine de
los 90 y se convirtió en la culminación de su estilo.

36. Tiburón (1975)

Director: Steven Spielberg

Un punto de inflexión en la historia del cine: la creación del blockbuster y de

una nueva forma de hacer (y vender) películas. Entretenida, costumbrista,
terrorífica, convirtió a Spielberg en uno de los directores más interesantes e
importantes de su generación.

Apoteosis total del cine de aventuras y entretenimiento, la música de John

Williams se ha convertido en una de las bandas sonoras por excelencia de la
historia del séptimo arte.

37. La lista de Schindler (1993)

Director: Steven Spielberg

La ausencia de esperanza marca cada fotograma de esta película, que ofrece

una brillante perspectiva desde ambos lados de la tragedia del Holocausto.

Una película impresionante, emocionante, desgarradora y lírica sobre el horror

y sobre un complejo y contradictorio antihéroe.

38. The Dark Knight (2008)

Director: Christopher Nolan
El trabajo de Heath Ledger como Joker (Óscar póstumo incluido) ha pasado ya
a la historia del cine como un prodigioso ejercicio de sobreactuación contenida.
Nolan consiguió convertir un cómic en una película adulta pero llena de acción
y espectacularidad, haciendo creíble la existencia de estos dos antagonistas
que en el fondo son las dos caras de una misma moneda.

Una trama sólida con un ritmo perfecto y unos diálogos brillantes que elevan la
historia casi a la categoría de una tragedia griega. Una obra magnífica que
cambió para siempre el enfoque de las adaptaciones al cine de personajes de
cómic.

39. The Shawshank Redemption (1994)

Director: Frank Darabont

Tal vez la más hermosa película carcelaria de la historia del cine, la ópera
prima de Darabont se basó en un relato corto de Stephen King acerca de un
convicto acusado de un delito que no ha cometido.

Una historia de amistad verdadera que trata temas como la redención, la

fraternidad, la esperanza y, en definitiva, empeñarse en vivir o empeñarse en
morir.

40. Magnolia (1999)

Director: Paul Thomas Anderson

Obra capital del cine contemporáneo, Magnolia destaca dentro de la brillante

filmografía de su director, llena a su vez de grandes películas. Para el que esto
escribe, las posteriores There Will Be Blood (2007) y Phantom Thread (2017)
están a la misma altura y podrían aparecer en esta lista por méritos propios.

A través de una combinación de coincidencias, oportunidades, acciones

humanas, medios compartidos e intervenciones divinas se tejen las vidas de
una serie de personas en el valle californiano de San Fernando. A partir de
estos retratos colectivos, el autor extrapola conclusiones morales en una
compleja arquitectura narrativa que fluye sin fisuras y con una genialidad
apabullante.

41. Los puentes de Madison (1995)

Director: Clint Eastwood

La película de Eastwood es el último gran melodrama clásico hasta la fecha. La

historia de amor está narrada desde el punto de vista de Francesca, una
inmejorable Mery Streep más contenida que nunca.

La puesta en escena desvela un gran amor por los detalles, ofreciendo un

relato desgarrador que habla del paso del tiempo y el efecto de los recuerdos
compartidos. Su desgarrador clímax emocional es arte puro; sólo el Cine con
mayúsculas es capaz de iluminar de forma tan precisa y bella los insoldables
misterios del corazón.

42. En busca del arca perdida (1981)

Director: Steven Spielberg

Indiana Jones y Los Cazadores del Arca Perdida, como se tituló en

Hispanoamérica, es algo más que una película: es el nacimiento de una figura
icónica del cine, Indiana Jones. Todos sus elementos se complementan a la
perfección en una película de aventuras que bebe de los antiguos seriales que
el director veía de pequeño.

Una historia aparentemente sencilla, llena de aventuras, humor y amor, pero

que va más allá de una mera historia de aventuras con toques de serie B. Una
obra maestra que gana con cada visionado.

43. El silencio de los inocentes (1991)

Director: Jonathan Demme

Adaptación cinematográfica de la novela homónima de Thomas Harris, es una

de las películas que revolucionaron el género en los 90, erigiéndose como
el thrillerperfecto y regalándonos uno de los psicópatas más emblemáticos de
la historia del cine.

La asombrosa labor de Demme se apoya en un soberbio trabajo de actores y

en un guión impecable, con una puesta en escena antológica que apela a
nuestros miedos más primigenios.

44. Casablanca (1942)

Director: Michael Curtiz

Considerada por muchos como el clásico entre los clásicos, su carácter de mito
está por encima de su calidad como película.

Unas memorables interpretaciones, un guión brillantísimo y una inspirada

dirección hacen de ella una obra imperecedera que habla sobre un amor
imposible en medio de una guerra repleta de clichés y personajes arquetípicos.

45. Belle de Jour (1967)

Director: Luis Buñuel

Una película sobre el masoquismo y las fantasías más oscuras que alterna
ensoñación y realidad, junto con un sentido del humor sutil pero corrosivo.

Atmósfera irreal y sugerente para una película que escandalizó en su momento

y que es una de las más fascinantes y complejas de su director.

46. El resplandor (1980)

Director: Stanley Kubrick

La obsesión por el detalle de Kubrick alcanza aquí su máxima expresión.

Simetrías perfectas, metáforas, mensajes ocultos... la película da para ser
revisionada y analizada una y otra vez y encontrar siempre cosas nuevas en
ella.

El histrionismo de Jack Nicholson bordea el límite de lo creíble para

transmitirnos la progresiva degeneración mental del personaje, pero la cinta se
ha convertido en un clásico fundacional del terror moderno.

47. Toro salvaje (1980)

Director: Martin Scorsese

El ring como metáfora del castigo y del sacrificio. Un descenso a los infiernos
de un atormentado boxeador que sufre de complejos y sentimientos de
inferioridad que le llevan a una inexorable autodestrucción.

Al igual que Taxi Driver, cuenta con un guión de Paul Schrader y constituye un

estremecedor relato sobre la soledad y la autodestrucción. Su cualidad casi
expresionista y sus momentos de puro lirismo hacen de ella una de las mejores
películas de Scorsese.

48. E.T. , el extraterrestre (1982)

Director: Steven Spielberg

Una de las películas más personales de Spielberg y uno de los grandes hitos
de la historia del cine.

Una mirada sublimada de la infancia como escape de una vida gris y solitaria,
un canto universal a la amistad y a la búsqueda de la esperanza.

49. El mago de Oz (1939)

Directores: Victor Fleming, Mervyn LeRoy, King Vidor, George Cukor, Norman
Taurog

Mucho más que un cuento de hadas para niños, El Mago de Oz es una de las
películas más apreciadas por los críticos y los cinéfilos. El viaje de Dorothy a
algún lugar por encima del arcoíris ha estado siempre abierto a múltiples
interpretaciones, como ocurre en las mejores obras de ficción.

Musical en esplendoroso technicolor de la Metro Goldwyn Meyer que consagró

a Judy Garland, llena de veracidad y emoción en sus escenas.

50. West Side Story (1961)

Directores: Robert Wise y Jermome Robbins

Al igual que el Somewhere over the rainbow cantado por Dorothy en El Mago
de Oz, el Somewhere entonado por Maria y Tony en West Side Story simboliza
ese lugar idílico e irreal donde todo es posible, donde se puede vivir en paz y
armonía y el amor es la única esperanza que da sentido a nuestra vida.

El musical por excelencia, la perfecta unión de música, coreografía y

escenografía. Una historia de amor atemporal. La intolerancia y el miedo como
catalizadores de la tragedia.

51. Toy Story (1995)

Director: John Lasseter

El primer largometraje de Pixar supuso un cambio radical en la forma de hacer

y ver cine de animación.

Un guión perfecto, personajes entrañables, un ritmo endemoniado y un

profundo amor por el arte de contar historias hacen de Toy Story un clásico
capaz de hacerte reir, llorar y vibrar sin apartar un solo segundo la vista de la
pantalla.

52. Alien (1979)

Director: Ridley Scott

Obra maestra de Ridley Scott y un auténtico prodigio de la narración, del

diseño de producción y de la música.

Fascinante, oscura, marcó el género de terror y de ciencia ficción para siempre

y se mantiene fresca e innovadora a pesar del paso del tiempo.

53. Blade Runner (1982)

Director: Ridley Scott

Ciencia ficción metafísica para adultos mezclada con el género noir.

Una distopía futurista llena de escepticismo, melancolía y hartazgo vital

aderezada por la música de Vangelis.

54. Lo que el viento se llevó (1939)

Director: Victor Fleming

Romance, drama épico, aventuras... Todo y más cabe en esta mítica película
que todo el mundo debería ver (por lo menos) una vez en la vida. Un
legendario melodrama de gran éxito y clamor popular acerca de la fugacidad de
las cosas: el tiempo, las oportunidades, el amor.

Scarlett O´Hara y Rhett Butler son, sin duda, dos de los mejores personajes del
mundo del cine y Lo que el viento se llevó, un icono de la época dorada de
Hollywood y un mito absoluto del siglo XX.

55. La ventana indiscreta (1954)

Director: Alfred Hithcock

Una lección de lenguaje y narración cinematográfica, con un brillante manejo

del punto de vista.

Obra maestra de minucioso detallismo con un crescendo dramático de infarto.

Un juego divertido y enrevesado sobre el voyeur que todos llevamos dentro.

56. Goodfellas (1990)

Director: Martin Scorsese

Conocida como Uno de los nuestros en España y Buenos muchachos en

Hispanoamérica, esta obra cumbre del cine scorsesiano atesora todas sus
obsesiones y logros narrativos y estilísticos.

Su fuerza narrativa y su vanguardismo estético se unen a un ritmo y una

intensidad brutal hacen de ella una pieza clave de nuestro imaginario
cinematográfico.

57. Crímenes y pecados (1989)

Director: Woody Allen

Una compleja y adulta tragicomedia que narra dos historias paralelas y

aparentemente opuestas que convergen en un sincero y devastador final.

La película plantea cuestiones sobre la vida, la muerte, la verdad, la moral y

Dios, con un tono más pesimista de lo habitual en el director y poniendo a
prueba la ética del espectador.

58. One Flew Over the Cuckoo's Nest (1975)

Director: Milos Forman
En España, Alguien voló sobre el nido del cuco; en Argentina, Atrapado sin
salida; en México, Atrapados sin salida. Basada en la novela homónima de Ken
Kesey, destaca especialmente por la que puede ser la mejor actuación de Jack
Nicholson.

Una denuncia a los manicomios e instituciones mentales y una oda al despertar

a la libertad de los individuos.

59. Matar a un ruiseñor (1962)

Director: Robert Mulligan

No sólo destaca por una realización sobresaliente y unos interpretaciones

magistrales, sino por atrapar desde el comienzo con la capacidad de llevar al
espectador a un mundo puramente cinematográfico y, al mismo tiempo, tan real
como la vida misma. Por sus valores puramente humanos podría servir como
objeto de estudio en cualquier escuela.

El enfoque de los niños ante las incomprensibles actitudes de los adultos es el

tema principal de esta película basada en uno de los libros más leídos del siglo
XX y ganador del premio Pulitzer. El Atticus Finch encarnado por Gregory Peck
ha sido elegido en numerosas ocasiones como el más grande héroe de ficción
del cine estadounidense.
60. La noche del cazador (1955)

Director: Charles Laughton

Uno de los mejores villanos de la historia del cine en una de las películas más
fascinantes y perturbadores que se han hecho sobre el mal, los miedos y las
pesadillas infantiles.

Desconfiad de los falsos profetas que se cubren con pieles de cordero pero que
en su interior son fieros como lobos. Por sus frutos los conoceréis.

61. Novecento (1976)

Director: Bernardo Bertolucci

Una de las obras cumbres de Bertolucci y una película épica sobre las
convulsas luchas sociales en Italia a través del pequeño microcosmos de una
hacienda rural de la región de Emilia.

Su poder narrativo, estético e ideológico viene acrecentado por su

mastodóntica duración de más de 5 horas.

62. Sunset Boulevard (1950)

Director: Billy Wilder

Norma Desmond encarna a una estrella del cine mudo que está en decadencia
a causa de la aparición del sonoro. Discurso metalingüístico y crítica mordaz de
la industria cinematográfica, esta película, como las grandes divas, no
envejece.

Soy grande. Son las películas las que se han hecho pequeñas.

63. Lawrence de Arabia (1962)

Director: David Lean

El cine como espectáculo definitivo. Una experiencia sensorial y psicológica

inigualable, obra de un genio como David Lean.

Película íntima, excesiva, agotadora, épica, bella y terrible al mismo tiempo.

64. Doce hombres sin piedad (1957)

Director: Sidney Lumet

Excepto el prólogo y el epílogo, prácticamente toda la película transcurre en la

sala de deliberación, donde se va creando una sensación de claustrofobia
acorde con los personajes.

Los doce miembros del jurado representan al ser humano en general. Al final,
los prejuicios se desmontan y prevalece la verdad y la justicia.

65. ¡Qué bello es vivir! (1946)

Director: Frank Capra

Obra de arte inmortal considerada a día de hoy como el perfecto cuento

navideño, pero que esconde un implacable relato de un perdedor nato y un
estremecedor mensaje existencialista.

Cine catártico, humano y lírico donde destaca un James Stewart inolvidable.

66. Rocco y sus hermanos (1960)

Director: Luchino Visconti

El neorrealismo se da la mano con el melodrama más desaforado y una

catarsis propia de la tragedia griega en esta lírica historia acompañada por la
música de Nino Rota.

Un vasto fresco social y psicológico sobre la emigración de una familia siciliana

típica al Milán norteño, burgués e industrial. La desintegración de la familia y la
inadaptación a la nueva cultura urbana, indiferente y hostil al mismo tiempo.

67. El exorcista (1973)

Director: William Friedkin

La mayor fuerza de este drama de terror reside en los miedos que surgen de
nuestro interior, así como en la eterna lucha entre el bien y el mal.
Posiblemente la película de terror más influyente de la historia del cine.

Magnífica puesta en escena, atmósfera enfermiza y opresiva y una dirección

que huye de los efectismos gratuitos y bucea en la psicología de los
personajes.

68. El tercer hombre (1949)

Director: Carol Reed

Una de las producciones británicas más prestigiosas de todos los tiempos que
sigue sorprendiendo a cada visionado.

Misterio y suspense en una historia brillante y ágil llena de personajes

desencantados.

69. Star Wars: Episodio IV - Una nueva esperanza

(1977)
Director: George Lucas

El origen de un mito. Una fantasía situada en una galaxia muy, muy lejana que
supondría un punto de inflexión en la historia del séptimo arte... y en la forma
de explotar el merchandising como forma de negocio asociado al cine.

Bajo el aspecto de una sencilla historia de aventuras y fantasía, su magia y su

épica han hecho que forme parte del imaginario colectivo de varias
generaciones.

70. North by Northwest (1959)

Director: Alfred Hitchcock

Conocida en España como Con la muerte en los talones y en Hispanoamérica

como Intriga Internacional, esta maravillosa película de la etapa americana del
maestro Hitchcock sentó la base de muchos blockbusters de acción modernos.

Una de las películas más perfectas y refinadas de su autor, una sinfonía

perfecta de apariencias llena de escenas memorables y, sobre todo, una
excitante cinta de aventuras.