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Picasso y el Cubismo
Enviado por montenegroivana

1. Introducción
2. Desarrollo
3. El Cubismo
4. Cubismo Analítico
5. Cubismo Sintético
6. Proceso de Formación
7. Desarrollos del Cubismo
8. Análisis del Guernica
9. Análisis de Las Señoritas de Avignon
10. Conclusión
11. Algunas Imágenes
12. Bibliografía
1. Introducción
Pablo Ruiz Picasso es el gran genio de la pintura contemporánea. Creador del cubismo junto a Braque, su capacidad de invención y de creación le sitúan
en la cima de la pintura mundial.
2. Desarrollo
1881
Pablo Ruiz Picasso nace en Málaga el 25 de octubre. Es hijo primogénito de José Ruiz Picasso, vasco de nacimiento, pintor, profesor de la Escuela de
Bellas Artes de Málaga y conservador del Museo Municipal. Su madre, de origen italiano por línea paterna, se llamaba María Picasso López.
1891
José Ruiz Picasso es nombrado profesor de la Escuela de Bellas Artes de La Coruña, donde se trasladan a vivir en septiembre. Con diez años Picasso
ingresa en el instituto de Enseñanza Media de La Guarda e inicia su formación pictórica revelando una gran capacidad.
1895
Se trasladan a Barcelona cuando su padre obtiene una cátedra en la Escuela de Bellas Artes de La Lonja. En esa misma escuela se matricula Picasso con
catorce años, a pesar de que se exigían veinte años para poder ingresar.
1896
En abril participa en la Exposición Municipal de Barcelona con la obra "Primera comunión". Un año más tarde envía a la Exposición Nacional de Bellas
Artes de Madrid la obra "Ciencia y caridad", con la que obtiene una mención honorífica. Ese mismo año ingresa en la Real Academia de San Fernando de
Madrid, pero a final de curso cae enfermo de escarlatina y tiene que regresar a Barcelona.
1899
De nuevo en Barcelona suele parar en el café "Els Quatre Gats", lugar frecuentado por numerosos intelectuales. Poco después, en febrero de 1900,
expone en dicho café una serie de retratos de artistas y amigos en la línea de Ramón Casas. En octubre realiza su primer viaje a París, donde conoce al
marchante catalán Manach, que le ofrece una suma mensual a cambio de un cierto número de obras, es su primer contrato. Allí pinta obras tales como
"Autorretrato" o "le Moulin de la Galette". En diciembre vuelve a Barcelona.
1901
Se traslada a Madrid donde funda y dirige la revista Arte joven junto a Francisco de A. Soler. En octubre conoce a Jaime Sabartés, que le acompañará
como amigo y secretario toda la vida. Con el retrato de su amigo inicia la Epoca Azul, durante la cual en sus cuadros predomina este color en sus matices
densos y mates. Su amargura se refleja principalmente en mujeres en actitudes de miseria y desamparo. En esa época pinta "Niña con paloma" y "Niña
Sentada". En enero de¡ año siguiente rompe con Manach y regresa a Barcelona. Pinta "Madre con niña" y "Mendiga acurrucada". En octubre realiza su
tercer viaje a París donde conoce a Max Jacob.

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1903
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Inicia los estudios para "la vida", tela fundamental de la Epoca Azul. Pinta "La Celestina".
1904
Fija su residencia en París definitivamente, instalándose en un barracón de aspecto miserable, que ofrece alojamiento a verduleros, actores, literatos y
lavanderas, en Montmartre, y que Max Jacob bautizó con el famoso nombre de Bateau­Lavoir. Se relaciona con artistas catalanes tales cómo Canais,
Pitxot, Manolo y los poetas Salmon y Apollinare. En otoño conoce a Fernanda Oliver, que se convertirá hasta 191 1 en su compañera. Realiza su primer
gran grabado "la comida frugal".
1905
Entabla amistad con los prestigiosos coleccionistas estadounidenses Levy y Gertrude Stein, en cuya casa conoce a Matisse, quien junto a Georges Braque
y Juan Gris suelen frecuentar el taller de Picasso. A finales de febrero expone en la Galería Serrurier un trabajo formado por un álbum de dibujos,
veintiocho cuadros y seis aguafuertes de la colección titulada "Los volatineros". Entre ese año y el siguiente se desarrolla la Epoca Rosa, llamada de ese
modo debido a que los ternas, escenas circenses (payasos, saltimbanquis y arlequines), son tratados preferentemente a base de tonalidades grises y
rosas. Este periodo representa una importante evolución hacia un cromatismo más brillante y luminoso; desaparece la desolación y la angustia, el estilo
se vuelve más sobrio. Las obras "Madre e hijo" (1905) y "La cabeza" (1906) reflejan ya su personalidad madura.
1906
Vollard compra la totalidad de las obras de Picasso de esa época por 2.000 francos. Así el pintor puede realizar su sueño de regresar a España por 
meses, en el viaje le acompaña Fernanda Oliver.
1907
En torno a ese año se desarrolla la llamada Epoca Negra, a la que se bautizó como tal por el protagonismo que cobraron una serie de manifestaciones
culturales, desconocidas hasta entonces en Europa y procedentes fundamentalmente del África Negra. Estas influencias junto con otras románticas e
ibéricas dan lugar al nacimiento de la obra "Les demoiselles d'Avignon" que supondrá el punto de partida de¡ Cubismo. Cuando Picasso se lanza a esta
aventura es ya un pintor renombrado, autor de más de doscientos óleos, acuarelas, gouaches, pasteles, esculturas, grabados en madera y aguafuertes.
Aunque se trata de una obra increíblemente polifacético para un hombre tan joven, Picasso decide abandonar lo que ha sido su forma de sentir para
afrontar los problemas de la representación espacial de las formas.
A pesar de los consejos de sus amigos para que retome su estilo anterior, incluso sus marchantes le abandonan, Picasso emprende el camino hacia el
estilo que representará un hito en el arte moderno.
La importante exposición de Cezanne de 1907 resulta decisiva para Picasso. Cezanne reduce los objetos a volúmenes primarios, pero generalmente
curvos (conos, cilindros ... ), mientras Picasso y Braque, unidos ya por una profunda amistad, prefieren los de aristas completamente rectilíneas: cubos,
pirámides...
1909
Picasso viaja a España en mayo y pasa el verano en Horta de Ebro, donde pinta paisajes y retratos en los que se perfila el inicio del Cubismo Analítico.
trata de llevar a cabo un análisis exhaustivo del motivo representado, descomponiéndolo en tantos planos como puntos de vista posea. En otoño modela
una cabeza de Fernanda que está considerada con la primera escultura cubista.
1910
Pinta los retratos cubistas de Uhde, Vollard y Kahnweiler. Se encuentra en plena Fase Hermética del cubismo ante el peligro de perder totalmente el
contacto con la realidad a la que esta corriente artística se declara anclada. Gracias a Braque consigue superar el "impasse" y encontrar una ligazón con la
objetividad.
1911
Conoce a Marcell Humbert con la que pronto inicia una nueva vida; juntos se trasladan a la casa del bulevar Rapasil. Picasso participa en exposiciones
colectivas en Berlín, Arnsterdam y Nueva York.
1912
Entre ese año y el siguiente Braque y Picasso desarrollan el Cubismo Sintético, que supone abandonar el análisis del objeto para captar su fisonomía
esencial incorporando elementos reales. En estos cuadros, conocidos como papiers collés, pega trozos de papeles pintados, periódicos, cordones, etc..
Busca también nuevos caminos en la escultura, como en la obra "La Guitarra", que representa una ruptura con el pasado. Su único temor en su
experimentación es el estancamiento.
1914
A los treinta y tres años es ya un pintor famoso y muy bien retribuido. Su obra "Los saltimbanquis" se compra en 11.550 francos en una subasta parisina
en el Hotel Drouot. El 2 de agosto estalla la Primera Guerra Mundial. Acaba de morir Marcelle Humbert y la guerra disuelve el grupo de los fundadores
del cubismo. Picasso se aleja de la guerra refugiándose en una pequeña villa en la calle Victor Hugo, vive sólo, acompañado en algunas ocasiones por el
escultor también español Gargallo.
1917
Jean Cocteau le presenta al director de los Ballets Rusos Sergio Diaghilev, quien le propone realizar los decorados y figurines de la obra "Parade" cuya
música ha compuesto Eric Satie. Cuando se estrena la obra en París, el público expresa ruidosamente su indignación por el ballet, pero aplaude el
decorado de formas cubistas móviles. Durante esta etapa Picasso conoce a Olga Chochlova, bailarina del ballet ruso. Olga abandona la compañía para irse
a vivir con el pintor. juntos se trasladan a Madrid y luego a Barcelona. Un año más tarde contraen matrimonio.
1919
Picasso viaja junto a Olga a Londres para trabajar en el vestuario y los decorados de un ballet, también de Diaghilev, basado en la obra "El sombrero de
tres picos" de Falla. En ese año comienza una nueva etapa caracterizada por una doble fórmula interpretativa. Por una parte desarrolla formas
escultóricas e imágenes de una grandiosidad que ha sido definida como neoclásica; de este estilo son las obras "Las bañistas", "Mujeres sentadas" o
"Mujeres en la fuente". Por otra parte desarrolla un cubismo de múltiples maneras.
1921
Nace su primer hijo, Paulo. Este acontecimiento dará lugar a una etapa romántica en la que predominan las maternidades y temas infantiles. En 1923
conoce a Andre Bretón, de quién hace un retrato. Durante esos años realiza nuevos trabajos para el teatro.
1925
Participa en la primera exposición de pintores surrealistas en la Galería Pierre, en París, obteniendo un gran éxito. Se publica en la revista "La
Revolution Surrealiste" varias obras de Picasso, entre ellas y por primera vez en Europa "Les demoiselles d'Avignon".
1927
Conoce a Marie­Thérese Walter, que se convierte en su modelo y amante.
1928
Se inicia en la escultura con metal en el taller de Julio González.
1930
En febrero pinta, inspirándose en Grünewald, una "Crucifixión" en la que se anticipan aspectos de¡ "Guernica". Recibe el premio de la Fundación
Carnegie, que le permite comprar el Palacete de Boisgeloup. Es en ese año cuando las figuras femeninas distorsionadas y fantásticas culminan en una
gran tela surrealista "Bañista sentada". El año siguiente se realizan exposiciones importantes de su obra en Londres, París y Nueva York. Mientras tanto
se dedica casi exclusivamente a la escultura.
1932
Se celebra en junio en la Galería Georges Petit una exposición retrospectiva formada por 236 piezas. Un año más tarde realiza la portada de¡ primer

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número de "Minotaure", publicación surrealista que incluye un artículo de Bretón sobre Picasso.
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1934
Junto con Olga y Paulo realiza un viaje por toda España. En 1935 su amante, Marie­Thérese Walter le da una hija Maya, siendo este el principal motivo
por el que se separa de Olga. Ese año realiza la serie de grabados "La Minotauromaquia" y la obra "La musa".
1936
Estalla la Guerra Civil española. Picasso toma partido por la República que le nombra director del Museo del Prado, cargo que no llega a desempeñar.
Desde agosto de ese año vive con Dora Maar. Cuando el 29 de abril de 1937 llega a París la noticia de que la pequeña ciudad de Guernica ha sido
bombardeada en pleno día, con las calles llenas de gente, Picasso encolerizado ya sabe cuál será el tema de la obra que la República española le ha
encargado que pinte para la Exposición Universal de París de ese año. Picasso realiza el "Guernica", una de sus obras más grandiosas.
1939
Con el eco del "Guernica" aún vivo estalla la Segunda Guerra Mundial; Picasso y Dora Maar que estaban viviendo en Antibes se trasladan a París. Dos
años más tarde escribe una pieza teatral "Le désir attrapé par la queue". En 1942 muere Julio González; Picasso pinta una serie de naturalezas muertas
que describe como "la muerte de julio González".
1943
Conoce a la joven pintora Françoise Gilot que será su compañera durante casi diez años. Un año después, en octubre, se afilia al partido comunista
francés.
1945
Se entrega con entusiasmo a una nueva técnica, la litografía, llegando a pintar en tres años casi doscientas obras.
1946
Se inaugura en junio, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, la exposición "Picasso. Fifty Years of his Art", con este motivo Alfred H. Barr Jr.
realiza un catálogo que se convierte en pieza fundamental de la bibliografía del artista.
1947
Nace Claude, fruto de su relación con Françoise Gilot. Los tres se trasladan a vivir a Vallauris. En esa pequeña ciudad, cerca del Mediterráneo, Picasso
desarrolla un nuevo capítulo artístico: la cerámica. En sólo un año elabora seiscientos objetos diferentes: figuras, platos, jarros, azulejos...
1948
El Gobierno francés le concede la "Medalla de Reconocimiento francés" en su categoría de plata. En agosto participa en Wroclaw (Polonia), en el
Congreso de los Intelectuales para la Paz.
1949
Nace su hija Paloma y la maternidad vuelve a ser un tema habitual en sus obras. Louis Aragón elige para el cartel del Congreso de la Paz, que se celebra el
mes de abril en París, la litografía "La Paloma" de Picasso, símbolo de la suprema esperanza de los pueblos. Un año más tarde recibe el Premio Lenin de
la Paz.
1951
En enero se presenta en el Salón de Mayo la obra "La Matanza de Corea", el artista no es muy bien acogido, ni si quiera por el partido comunista, que sin
embargo le hace un homenaje en febrero de ese año. Picasso sigue trabajando la escultura. En abril del año siguiente realiza los dibujos preparatorios
para la de capilla de Vallauris, que versará sobre dos grandes temas: la guerra y la paz. Ese mismo año muere su amigo Paul Eluard.
1953
El pintor empieza una larga serie de dibujos sobre el tema "El pintor y la modelo" que poco después pasará a la pintura y el grabado.
1954
Mueren Matisse y Derain. Ese mismo año aparece en la obra de Picasso Jaqueline Roque, que pronto se convertirá en su nueva compañera.
1955
Abandona su villa de Vallauris y se traslada a un enorme caserón de piedra situado en
Cannes y que llama "La Californie". Olga Chochiova ha muerto y Jaqueline es la inspiradora de numerosas obras que Picasso realiza con la misma
intensidad con la que retrató a sus otras compañeras. En ese mismo año inicia una etapa definida como período de encuentro con los clásicos, en la que
consagra grandes series a obras maestras de artistas de la talla de Velázquez, Manet o Delacroix, para volver luego a un tema muy distinto: la
tauromaquia.
1956
En octubre tiene lugar la primera exposición de Picasso en la Sala Joan Gaspar de Barcelona.
Un año después realiza un conjunto de aguatintas destinadas a ilustrar la "Tauromaquia. Arte de Torear", de José Delgado.
1958
Tiene lugar la presentación oficial de la decoración que Picasso ha realizado para la UNESCO. "La caída de Icaro". Poco después Gustavo Gili publica 
Barcelona la "Tauromaquia" con grabados de Picasso.
1960
Se traslada a Nótre­Dame­de­Vie, en Mougins, donde transcurrirán los últimos años de su vida. Expone en las principales capitales del mundo. En
octubre empiezan los trabajos para la decoración del Colegio de Arquitectos de Barcelona, se utilizará un técnica de grabado sobre hormigón
desarrollada por el escultor noruego Carl Nesjar. En 1961 se casa con Jaqueline Roque.
1963
En marzo se inaugura el Museo Picasso de Barcelona, instalado en el Palacio Aguilar de la calle Montcada. En este Museo se reúne la colección donada
por Jaime Sabartés, impulsor del proyecto, y las obras ya existentes en el Museo de Arte Moderno, así como donaciones de coleccionistas catalanes.
1966
Se realizan numerosas exposiciones sobre su obra con motivo de su 85 cumpleaños. En noviembre se inaugura en París una importante muestra
retrospectiva organizada por Jean Leymarie que ocupa el Gran Palais con pinturas y el Petit Palais con dibujos y esculturas.
1968
Muere Jaime Sabartés. En su memoria Picasso dona al Museo Picasso de Barcelona la serie "las Meninas", lienzo que admiró toda su vida. Un año
después Gustavo Gili edita en Barcelona "El entierro del Conde de Orgaz" con texto y grabados de Picasso.
1970
De mayo a octubre se presenta en el Palacio de los Papas de Avignon una gran exposición de Picasso con 165 lienzos y 46 dibujos. Son cedidas al Museo
Picasso la obras que tiene su familia en Barcelona.
1971
Francia le rinde un homenaje nacional en su 90 cumpleaños, mientras tanto Picasso sigue trabajando incansablemente en sus series de grabados.
1973
El 8 de abril muere en su casa de Notré­Dame­de­Vie. Aquel año estaba trabajando en una serie inspirada en la "Ronda de noche" de Rembrandt.
3. El Cubismo
Se inicia con la obra "las señoritas de Avignon" de Pablo Picasso.
Los autores de esta corriente son austeros con el color; utilizan colores neutros, grises, marrones.

http://www.monografias.com/trabajos14/picasso/picasso.shtml 3/6
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Los dos autores principales de esta corriente son Picasso y Braque.
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Se renuncia a la perspectiva tradicional, a los colores reales, a ver las figuras desde el punto de vista único. Temas menos importantes que el tratamiento.
Buscan figuras cotidianas: tren, automóvil. Se exalta el plano, se rescatan escenas interiores. Pintura figurativa que "destroza" las formas. Se crea al
gusto del pinto, rompe con los tabúes del arte occidental, no se pinta con normas. El pintor más famoso es Picasso que pinta en 1907 "las señoritas de
Avignon", en la que se elimina la profundidad y es una representación dimensional => Cubismo Puro. Dentro del cubismo podemos distinguir dos fases:
el cubismo analítico y el cubismo sintético.
4. Cubismo analítico
hace irreconocibles a las figuras.
Braque, "el portugués", superpone planos geométricos, colores oscuros.
Después se hacen cuadros con recortes periodísticos => Colas
5. Cubismo sintético
Planos más amplios, representa al objeto, con imágenes únicas.
"De un cilindro hago una botella", decía el pintor español Juan Gris, quien, junto con otro compatriota, Pablo Picasso, y un francés, Georges Braque, fue
uno de los exponentes más destacados del cubismo, movimiento artístico del primer cuarto del siglo XX que, con su descomposición de la figura y su
renuncia a la perspectiva tradicional, revolucionó al mundo de la pintura.
El nombre del cubismo fue acuñado por primera vez por el crítico de arte francés Louis Vauxcelles al referirse a los paisajes de Breque expuestos en la
galería parisiense Kahnweiler en 1908.
6. Proceso de formación
Se ha situado el origen de este movimiento en dos fuentes muy distintas: de una parte, el impacto que causó en círculos artísticos de París la escultura
primitiva africana ­ y, en opinión de muchos críticos, la ibérica ­ , de otra , la influencia del pintor francés Paul Cezanne y su tendencia a reducir los
volúmenes de los objetos reales a elementos esenciales como el cilindro, el cubo y la esfera. Hay que añadir a estos antecedentes la reacción contra el
fauvismo, tendencia pictórica en la que el estallido del color era uno de los aspectos más sobresalientes. Los creadores que iniciaron las
experimentaciones cubistas fueron Picasso y Braque.
El primer cuadro cubista, pintado por Picasso en 1907, fue "Las señoritas de Avignon". Las figuras femeninas representadas en este lienzo están
singularmente tratadas. Son formas planas, cuyas siluetas aparecen como fracturadas, y los trazos que las delimitan son siempre rectilíneos y angulares.
Al mismo tiempo se acomete el intento de representar, al mismo tiempo, un rostro humano de frente y de perfil.
Simultáneamente a las investigaciones desarrolladas por Picasso, Braque había realizado una serie de paisajes de l'Estaque, caracterizados por la escasez
de colorido y un volumen facetado, a base de planos inclinados, que se presentaron en París en la exposición que dio origen al nombre de cubismo.
El estilo cubista reclamó una pintura plana, bidimensional, opuesta a las técnicas tradicionales de la perspectiva y el claroscuro. Rechazó, asimismo la
antigua teoría, mantenida y seguida durante siglos, de que el arte era una imitación de la naturaleza. Quizás por esto, aunque inicialmente los pintores
cubistas tomaron como modelos los temas de la naturaleza y representaron rostros y figuras humanas, pronto centraron su temática en naturalezas
muertas. Éstas eran composiciones formadas con objetos usuales, agrupados casi siempre sobre una mesa, que carecían de profundidad, y en los que
todos los elementos ocupaban el primer plano, gracias a una descomposición en facetas.
Desde los primeros años se estableció una estrecha relación entre Picasso y Braque, que permitió pasar al cubismo de una fase previa de
experimentación a otra mas madura, entre los años 1910 y 1912. En los inicios de este movimiento tuvo también gran importancia el marchante Daniel
Kahnweiler, cuya galería se convirtió en el centro de difusión del cubismo. Por otra parte, la teoría acerca del movimiento cubista iba tomando forma en
las reuniones en el edificio Bateau­Lavoir, donde vivían Picasso, Juan Gris ­ Sinónimo de José Victoriano González ­ y el escritor francés Max Jacob.
Asistentes asiduos a las reuniones del grupo eran también el francés Henri Matisse y Diego Rivera, que sería uno de los principales pintores muralistas
mexicanos, así como los escritores franceses Jean Cocteau y Guillaume Apollinaire. Fue precisamente ese último quien en mayor medida contribuyó, con
textos como el de Les Peintres cubistes, publicado en 1913, a elaborar la estética sustentadora del movimiento cubista.
7. Desarrollos del cubismo
Además de los dos grandes maestros mencionados hubo otra serie de artistas que realizaron un cubismo cercano al de Picasso o Braque, pero con toques
personales, como Juan Gris y los pintores franceses Fernand Léger, Albert Gleizes y Jean Metzinger.
Cuando esta estética se difundió por toda Europa aparecieron una serie de grupos o tendencias con sus propias características: el cubismo órfico, del
francés Robert Delaunay, que daba una gran importancia al color y empleaba elementos compositivos inventados por el artista, el grupo de Puteaux, con
el también francés Marcel Duchamp, que aportó un cubismo dinámico y muy intelectual, el neoplasticismo del holandés Piet Mondrian, el suprematismo
ruso de Kazimir Maliévich, el constructivismo escultóricos de su compatriota Vladimir Tatlin, y el purismo, estética racional y geométrica impulsada 
los franceses Amadeé Ozenfant y Charles Édouard Jeanneret. Este último, de origen suizo y llamado Le Corbusier, aplicó luego sus principios a la
arquitectura.
Se puede decir que, con la guerra de 1914, el cubismo, que había tenido una vida intensa desde 1907, se desintegró como vanguardia artística, aunque su
influencia fue enorme a lo largo del siglo XX. De hecho, la mayor parte de los pintores citados ejercieron un decisivo impulso en el desarrollo de la
abstracción geométrica.
8. Análisis del Guernica
Ninguna obra de arte surge aislada, al margen del tiempo y el momento que la vio crecer, el Guernica quizás, menos que ninguna otra. Pintada para el
Pabellón de España en la Exposición Internacional celebrada en París en 1937, pabellón montado con carácter propagandístico por parte de la República
Española y que iba a atraer a una gran cantidad de visitantes, visitantes que iban a una Exposición y que pasaban delante de un mural que parecía un gran
cartel, nada que ver con el visitante que hoy en día se dirige a un museo y ve la obra. Este es un elemento a tener en cuenta cuando vemos el cuadro.
Este cuadro fue creado para la colectividad, para que lo contemplase un gran número de personas, de ahí su tamaño y la reducción a la gama del blanco al
negro. Es un cuadro que busca producir un efecto sobre muchas personas, personas de todo tipo. La obra lo consigue, es un cuadro ante el que nadie se
queda indiferente, ante el que se opina por ello ha pasado a ser una obra fundamental del arte de nuestro siglo, pero fue un cuadro creado como cartel
publiciatiario para poner de manifiesto la injusticia y la barbarie del bombardeo de Guernica el 26 de abril de 1937 a las cinco menos veinte de la tarde.
Guernica, una población vizcaina de 7000 habitantes a 30 km. de Bilbao, patria de las libertades vascas, pues ante su famoso roble los monarcas
españoles y sus representantes juraban los fueros vascos. Los motivos del bombardeo fueron de índole ejemplarizante y experimental, se utilizaron
bombas incendiarias y poderosos explosivos, sólo quedaron indemenes el 10 por ciento de los edificios y el número de muertos nunca se calculó.
Un factor a tener en cuenta, sobre todo a raíz de la polémica que este cuadro está alcanzando es que el cuadro fue encargado a Picasso antes de que se
produjera el bombardeo, fue encargado por la II República con ese afán propagandístico antes aludido, para manifestar la oposición al alzamiento
nacional y a la guerra que éste había provocado, aunque también es cierto que Picasso no empezo a pintar hasta que se produjo el bombardeo, y lo hizo
de forma ferviente y casi acelerada y en el plazo de un mes termino la obra, por eso hay que ampliar el significado y la lectura de esta obra que no
reivindica la crueldad de una masacre concreta sino que se convierte en un alegato contra la crueldad y la injusticia de la guerra y contra la barbarie
propia del fascismo y el nacional­socialmismo que más adelante iba a azotar toda Europa.
La elaboración del cuadro comienza el 1 de mayo de 1937. Desde los primeros bocetos aparecen todas las figuras de la obra final: el toro, la mujer con la
luz, el guerrero en el suelo, el caballo. El 8 de mayo introduce a la madre con el niño, y el caballo muerto que cae sobre el guerrero. El 11 de mayo empieza
a pintar sobre el lienzo definitivo hasta el 4 de junio.
9. Análisis de Las Señoritas de Avignon
El tema del cuadro ha sido fruto de diferentes interpretaciones, dichas interpretaciones están en relación con los dibujos preparatorios del cuadro. El
cambio principal entre estos bocetos y el cuadro final es que en los dibujos aparecen unas figuras masculinas: un marinero y un estudiante de medicina
figuras identificadas por detalles que aprecen o desaparecen según el dibujo de que se trate. Siguiendo los dibujos se hace más factible la interpretación
de que es una escena que transcurre en un prostíbulo, sobre todo al estar tan cercana a una obra como El harén. En el cuadro no aparecen esas figuras

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masculinas y con ello el efecto que se consigue es que el espectador en lugar de contemplar una habitación con unas prostitutas, pase a ser mirado por
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ellas, ellas son las que le interrogan, son quienes le solicitan un posicionamiento.
Este es uno de los rasgos fundamentales del arte del siglo XX, el espectador nunca más contempla una obra por la mera contemplación de la misma,
tendrá que tomar partido, para terminar la imagen, para opinar sobre la imagen, para participar en la creación de la imagen que llegara a convertirse en
una instalación.
En el cuadro priman dos aspectos: el primitivismo y la disgregación espacial
El primitivismo se ve en el rostro de estas mujeres y en el uso de la combinación de El primitivismo de los rostros tiene una doble vertiente: las dos
figuras de la derecha muestran una relación más clara con la escultura negra, sobre todo de corte oceánico, mientras que las dos centrales y la de la
izquierda nos llevan a la estatuaria ibérica. El interés de Picasso en este tipo de arte radica en el sentido totémico y las formas simplificadas. Picasso
traduce una aproximación romántica hacia estas obras pues no se queda en los rasgos estilístico, hay un elemento de expresividad, en el fondo
estos rostros tienen algo de máscaras y como tal pasan a ser objeto de culto, parte de un rito. Para Picasso el arte primitivo es algo emocional, 
eso traspasa los límites de la forma, estas máscaras nos producen una sensación de miedo, excitan el sentimiento y es el aspecto que a Picasso le
interesa destacar en este cuadro. En este primitivismo estaría recogiendo lo que de misterio y salvaje encontramos en el arte oceánico. colores:
ocre­rosado y azul claro.
En cuanto al color, es el color que se usa para pintar las máscaras oceánicas, es decir, aquellas máscaras de las colonias oceánicas francesas donde el 
de los rosas y blanco apastelados son muy frecuentes. Para lograr plasmar la textura de máscaras en estos rostros, Picasso va a introducir un nuevo
elemento: la respiración en blanco, deja una zona en blanco, un límite entre dos colores sin pintar, de forma que se ve el lienzo, pasando a convertirse el
lienzo en elmento plástico en si mismo. Esta herramienta le permite así introducir la sensación de profundidad utilizando el cuadro.
La disgregación espacial va a traer como consecuencia que el cuadro deje de ser la narración de una historia y pase a ser la construcción de objetos
que se ofrecen a nosotros. La unidad del cuadro tiene que venir dada por el espectador, es nuestra mirada la que los reune y la que le da sentido.
Picasso introduce diferentes puntos de vista en atención a una composición autónoma respecto de la percepción naturalista: la figura en cuclillas
con el rostro completamente de espalda y dada la vuelta es una postura anatómicamente imposible, la segunda figura de la izquierda, está tumbada
y a la vez se la ha levantado.
10. Conclusión
Pablo Picasso es considerado uno de los artistas más importantes del siglo XX. Polifacético, inventor de formas, innovador de técnicas y estilos, artista
gráfico y escultor, creó más de 20.000 obras.
Falleció en Mougins en 1973, cuando preparaba dos exposiciones, demostrando su capacidad creativa hasta el final.
11. Algunas Imágenes

El Arlequín Azul (1964).Técnica de crayón y pastel/papel.(65x24cm)

 
El Guernica (1937).Técnica de óleo sobre lienzo.(349x777cm)

Las Señoritas de Avignon (1907).Técnica de óleo sobre tela.(243.9x223.7cm)
12. Bibliografía
http://www.publispain.com/pablopicasso/biografia.htm
http://www.arsliber.com/artistas/Picasso/bio.htm
http://www.artehistoria.com/genios/pintores/2990.htm
TASCHEN, BENEDIKT: "Picasso",Germany, 1992.

http://www.monografias.com/trabajos14/picasso/picasso.shtml 5/6
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Autor:

Ivana Montenegro

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