A comienzos del siglo XX, la escena teatral europea ganó uA comienzos del

siglo XX, la escena teatral europea ganó uno de sus

exponentes más famosos ¿Es Eugen Bertholt Friedrich Brecht o simplemente
Brecht, que nació en Baviera, norte de Alemania en 1898. Era médico,
músico, poeta,
dramaturgo y director teatral. Trabajó como enfermero en la Primera Guerra
Mundial y en el
La Alemania de la posguerra comenzó su trabajo dramatúrgico. A lo largo de
su vida, su trabajo sufrió
influencias de artistas como Constantin Stanislavski, Vsevolod Emilevitch
Meyerhold20
,
Erwin Piscator21 y Viktor Chklovski22, entre otros. Bajo la fuerte influencia
de la revolución rusa,
convertido al marxismo, sin embargo, debido al acercamiento de un inminente
La Segunda Guerra Mundial, se exilió en varios países como Suecia, Suiza,
Francia, Dinamarca,
Finlandia, Rusia y Estados Unidos.
Su producción dramatúrgica, según filósofo, maestro y crítico.
Gerd Alberto Bornheim (1992), se divide o clasifica en tres fases:
madurez expresionista, didáctica y científica. Sin embargo, estos períodos no
deberían
entenderse de forma diacrónica, porque, a lo largo de su trayectoria artística,
las técnicas de
una y la otra fase terminan amalgamando en momentos alternos de su
producción
teatral La fase expresionista tiene una fuerte influencia de Büchner23 y de eso,
los jóvenes
Brecht se pone en contacto y continúa investigando el marxismo en la Escuela
de Trabajadores de
Berlín De esta fase, las obras más representativas son: Baal (1918/1919),
Drums at Night (1919), In the Jungle of Cities (1921), Light in the Dark
(1919).
Desde la llamada fase expresionista, Brecht experimentó con alternativas a
Estructuración y composición de técnicas y características de su futura
propuesta teatral.
y a pesar de estar influenciado por otros artistas, su producción inicial dio
evidencia de rupturas en relación con el teatro tradicional. A uno de los
críticos más importantes.
y los teóricos del teatro brasileño, Anatol Rosenfeld (1985, p. 89), "el
expresionismo no
pretendía reproducir la realidad externa y se opuso al drama naturalista de los
entornos.
como un drama de ideas en un contexto emocional ".no de sus
exponentes más famosos ¿Es Eugen Bertholt Friedrich Brecht o simplemente
Brecht, que nació en Baviera, norte de Alemania en 1898. Era médico,
músico, poeta,
dramaturgo y director teatral. Trabajó como enfermero en la Primera Guerra
Mundial y en el
La Alemania de la posguerra comenzó su trabajo dramatúrgico. A lo largo de
su vida, su trabajo sufrió
influencias de artistas como Constantin Stanislavski, Vsevolod Emilevitch
Meyerhold20
,
Erwin Piscator21 y Viktor Chklovski22, entre otros. Bajo la fuerte influencia
de la revolución rusa,
convertido al marxismo, sin embargo, debido al acercamiento de un inminente
La Segunda Guerra Mundial, se exilió en varios países como Suecia, Suiza,
Francia, Dinamarca,
Finlandia, Rusia y Estados Unidos.
Su producción dramatúrgica, según filósofo, maestro y crítico.
Gerd Alberto Bornheim (1992), se divide o clasifica en tres fases:
madurez expresionista, didáctica y científica. Sin embargo, estos períodos no
deberían
entenderse de forma diacrónica, porque, a lo largo de su trayectoria artística,
las técnicas de
una y la otra fase terminan amalgamando en momentos alternos de su
producción
teatral La fase expresionista tiene una fuerte influencia de Büchner23 y de eso,
los jóvenes
Brecht se pone en contacto y continúa investigando el marxismo en la Escuela
de Trabajadores de
Berlín De esta fase, las obras más representativas son: Baal (1918/1919),
Drums at Night (1919), In the Jungle of Cities (1921), Light in the Dark
(1919).
Desde la llamada fase expresionista, Brecht experimentó con alternativas a
Estructuración y composición de técnicas y características de su futura
propuesta teatral.
y a pesar de estar influenciado por otros artistas, su producción inicial dio
evidencia de rupturas en relación con el teatro tradicional. A uno de los
críticos más importantes.
y los teóricos del teatro brasileño, Anatol Rosenfeld (1985, p. 89), "el
expresionismo no
pretendía reproducir la realidad externa y se opuso al drama naturalista de los
entornos.
como un drama de ideas en un contexto emocional ".
como los otros personajes de Brecht, es un

contradicción viviente, atravesada por contradicciones objetivas de los

procesos sociales que el

en lugar de transformarlos en contradicciones subjetivas de la

personajes, como lo haría el drama burgués tradicional

Teatro

do Oprimido”. A primeira técnica consistia na desvinculação da personagem,

prática usada
por Brecht,

La segunda técnica se basó en la independencia de

escenas no
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tenían un orden secuencial, desfigurando la
necesidad de causalidad. El guión no
se desarrolló alrededor de un protagonista, que
podría ser Zombie, pero alrededor
varios protagonistas como el rey Zambi o los
personajes Ganga Zumba y Ganga Zona.
Durante la puesta en escena fuimos testigos del
arresto de Zambi en África hasta su llegada.
Brasil, de la tortura al vuelo, del surgimiento y
desarrollo de Palmares a la
confrontación con los "señores blancos de la tierra"
y su destrucción que culminó en el
La muerte de Zambi. Todas estas escenas
independientes estaban relacionadas solo porque se
referían
al mismo tema
La tercera técnica se basó en la creación del caos,
porque a pesar de la
abordando un hecho histórico dentro del contexto de
su tiempo, el texto de Arena Conta Zumbi
adquirió un carácter universal y atemporal al
mostrar a todas las generaciones que la lucha
incansable contra la explotación y la opresión
siempre es necesario y es parte de la lucha
por la libertad El espectáculo recorrió caminos que
iban desde el melodrama hasta
circo chanchada.
La cuarta técnica dependía de los eventos musicales
que tenían la función de
preparar y recibir los textos más simplificados, ya
que dictaron la mayoría de los diálogos y
hizo que el lenguaje de los personajes fuera más
popular y fácil de entender. Estos
los enfoques se parecerían a algunas técnicas
aplicadas más adelante en TO y
conocido como: "Teatro-Jornal", "Teatro-Invisível",
"Teatro-Imagem", "Teatro-Fórum",
"Rainbow Theatre of Desire" y "Legislative
Theatre", que todavía son aplicados hoy por
varios grupos populares en Brasil y en todo el
mundo, denunciando opresiones diarias y
posicionamiento ante posibles preguntas
Se observa que el TO trae en sus raíces una
preocupación constante por el
devolver a la gente lo que le pertenece a la gente. En
la obra Teatro de los oprimidos y otras poéticas
políticas,
Boal, en la introducción, señala la pregunta histórica
de que, en "Antigua Grecia, el teatro era
por la gente y fue la aristocracia de la época que
separó a la gente del teatro, estableciendo
las categorías actores (activos en el escenario) y
personas (audiencia en posición pasiva) ”. Además
de ser un
método de teatro, el TO tiene una fuerte
connotación política que tiene como objetivo
promover un
revolución desde el teatro.
El conjunto de roles que desempeña un individuo en
la vida cotidiana lo presiona para
usar numerosas máscaras sociales de
comportamiento, tales como: el profesional, el
familiar, el
académico, religioso, amoroso, social, entre otros, y
los ejercicios desarrollados por
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Boal apunta a romper con esta mecanización
rompiendo máscaras y liderando personas
Encuentro su esencia al indicar qué caminos. En
este sentido, el personajecoringa29, que todavía está
estructurado en el Teatro Arena, fue una de las
primeras experiencias en
Boal rompió con la tradición aristotélica y permitió
que los papeles flotaran entre los actores.
En este sentido, el personaje debe entenderse dentro
del contexto de la obra y en el
Múltiples relaciones interdependientes. El personaje
bromista tiene derecho a narrar,
proponer y plantear preguntas. Una vez que acceda
a la chispa de discusión, será hasta
El comodín medita las posibles soluciones y dirige
el desarrollo escénico.
En TO, la hipnosis teatral convencional que genera
empatía entre
el personaje y el espectador no existe, por lo tanto,
carece de catarsis. Hipnosis de fábula
está roto, así como rompe la condición pasiva del
espectador. Los actores TO
interpretar situaciones cotidianas e invitar a los
espectadores a experimentar sus propias
Dramas diarios. El público recibe el título de
"actores espectrales", porque además de constituirse
Como audiencia, también son protagonistas de la
acción experimentada. En Arena cuenta Zombie, el
El espectador ya no se identifica con un personaje u
otro, pero se supone,
momentáneamente sus roles. Se animó a la
audiencia a encontrar soluciones para
opresiones sufridas por los personajes
Cuando investigamos los orígenes del personaje, a
partir de las prerrogativas
Aristotélico, podemos ver que el personaje piensa
para el público. No solo pensar,
También expresa, toma decisiones y encuentra
formas de salir de sus dramas vividos. No
No hay preguntas ni dudas, ni errores. Solo la
hipnosis del drama que
lleva al espectador a vivir la realidad que se muestra
en el escenario. Esto explica la fascinación que
el personaje provoca, provocando empatía en el
espectador. Brecht, a su vez, propone un
romper con estas formas tradicionales, ya que su
narrativa, en la mayor parte de su trabajo, no
sigue una línea continua. Por el contrario, sin
linealidad, presenta marcos
independientes, cuyas tramas se resuelven solas.
Los actores, mientras no suprimen el
emociones, trabajar con la técnica de
distanciamiento y el personaje se rompe,
rompiendo con la catarsis y convirtiendo el teatro en
un juego lúdico, pedagógico y
política En la técnica empleada por Brecht, los
espectadores delegan poderes al
personajes, para actuar en su lugar, pero se reservan
el derecho de pensar por sí mismos
ellos mismos, a menudo en oposición a ellos
mismos. En el primer caso se produce catarsis, en el
segundo, despierta la conciencia del espectador.
La técnica introducida por Brecht no rompe la
distancia entre actores y
incluso si su teatro presenta temas sociales
vinculados a
en desventaja y romper con las normas sociales y
morales vigentes. Del mismo modo,
el espectador permanece inmovilizado, pero se le
anima a pensar, aunque según
Los significados ofrecidos por el dramaturgo. Aún
así, el espacio y la línea divisoria perduran
entre el espectáculo y los espectadores.
No vemos este paréntesis en el Teatro de los
Oprimidos. Lo que vemos es el
oportunidad para que el público transforme el
destino de su historia a través de su interferencia,
de tus acciones. Sin embargo, cuando la audiencia
interviene en el espectáculo, los personajes
necesita ser reclasificado. Boal ya ha declarado que
en su método el único personaje
lo esencial es el comodin. porque para el
dramaturgo el teatro es un juego y el bromista una
definición
basado en la función del mazo, es decir, el que
puede reemplazar cualquier
personaje. En las producciones TO, hay personajes
que interactúan con el Joker y, por lo tanto,
les asignaremos formas, funciones y características
de acuerdo con las técnicas del Newspaper Theatre,
Invisible Theatre, Image Theatre, Forum Theatre
La forma del carácter pasivo se estructura a partir de
la despersonalización.
reconstrucción a través de temas opresivos como la
violencia, el hambre,
abandono, explotación sexual, entre otros. Mientras
estaba en el teatro invisible, el actor-espectral
no tiene la noción de su interferencia en la puesta en
escena, en Teatro-Imagem las bases para
el protagonismo está preparado porque el
espectador-actor interfiere conscientemente y
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transforma las imágenes de acuerdo con su
pensamiento y concomitantemente con el
colectividad
El papel y la funcionalidad del carácter pasivo es
permitir al espectador comprender rápidamente la
expresión, no solo para ganar tiempo, sino para
especialmente para evitar que razonen con palabras
y luego se transformen
o traduzca sus imágenes fijas en representaciones
concretas. Por supuesto que no se trata de
de un espectáculo teatral. The Image Theatre es un
conjunto de técnicas y dinámicas que
buscar la "desmecanización" del discurso oral,
proporcionando a los participantes
movimientos integrados con las acciones del
personaje. No hay texto y tan poco
catarsis Según Boal, el teatro de los oprimidos no
siempre requiere una actuación
finalizado A menudo, el ensayo puede ser más
efectivo para romper las opresiones.
diariamente
Se um espect-ator
executa a mesma ação, a faz em nome de todos os
outros espectadores, produzindo a
dinamização no lugar da catarse.
El teatro pos dramático supone la desalienación del
espectador, el escape del drama, el
experiencia ceremonial, intercambio reflexivo y
crítico sobre el simulacro de
sociedad, vida cotidiana y artificial. Y todo esto,
precisamente, dejando el trabajo en
abierto, rompiendo con el dramático pensamiento
fabuloso, estallando cuerpos,
volúmenes, colores para compartir recuerdos entre
cuerpos y finalmente despertar
su propiocepción, su conciencia: el proceso
dramático tiene lugar entre los cuerpos;
El proceso post dramático en el cuerpo (del artista y
del público). (LEHMANN: 2009: p.
336).
Es una entidad que actúa a través de sí misma, pero
en función y razón de la
otros, porque su prioridad es la búsqueda de una
solución que cumpla con la comunidad.
La transformación del espectador en protagonista
que busca modificar la sociedad y no
solo para interpretarlo, es uno de los puntos
significativos a los que se opone el personaje TO
personaje post dramático, porque el primero no
busca transformar la realidad
concreto como apunta al segundo. El hallazgo de la
existencia de este personaje entre nosotros.
pone en una encrucijada sobre el concepto mismo
del personaje de teatro en relación
su forma, función y funcionalidad y especialmente
su existencia.
Dentro del método TO podemos ver que el
personaje es mutante
y al centrarse en el proceso político más allá de la
calidad estética, provoca un
fenómeno que da como resultado el concepto del
término entre caracteres, que no da como resultado
su
aniquilación, pero eso converge en ella.
Indudablemente causa interrupciones significativas
en relación con los teatros dramáticos, épico-
didácticos y post-dramáticos. En TO, aunque Boal
desea que su propuesta se acerque al teatro
dramático cuando le pregunta a su
los actores están dentro de la metodología de
interpretación de Stanislavisk; proponer un
aprendizaje y conocimiento a través de la puesta en
sintonía con la propuesta del teatro
Brechtian épica-didáctica; sin preocuparse por el
texto o el espacio adecuados
para representaciones características que responden
a la estética del teatro posdramático. El método de
Boal va más allá, ya que propone la participación
directa de la audiencia,
autorizándola a convertirse en protagonista de la
puesta en escena. Este personaje entre el Teatro do
El oprimido se encuentra en un espacio
multidimensional, orbitando entre propuestas. Ao
devolver el teatro a la gente, como Boal quería, su
método nos lleva a un primitivismo
que rompe con los fundamentos de las estructuras
de este arte, eliminando las formas de
barreras entre nosotros (audiencia) y ellos (actores);
promoviendo un híbrido de actores espectrales
con el papel de actores sociales que participan
activamente en el programa, pero que, por
proponer soluciones funcionales a la opresión
cotidiana avanzar hacia la aniquilación de
personaje. Este tipo de personaje mutante que está
más preocupado por
proceso político que, con calidad estética,
finalmente no aniquila el concepto del término
personaje que buscamos entender y definir, pero
establece el rumbo para nuevas formas
para entender y entender el término