INTRODUCCIÓN

De lo conceptual a la apariencia: así define Gombrich la revolución de la escultura griega:

la capacidad de los escultores griegos para corregir las figuras esquemáticas y darles
gradualmente una apariencia natural. No sólo representar el qué sino el cómo. ¿Por qué se
llega a este cambio respecto a la plástica antigua?

● Por su sentido de la libertad frente a la rigidez religiosa, frente al efecto

mágico de las imágenes

● Por su narratividad

● Por su interés en la identificación concreta de los personajes

 ESCULTURA GRIEGA
Importante La escultura es la manifestación artística en la que más destacaron los
Artegriegos. El tema que más repitieron fue el del cuerpo humano, que sirvió para
representar a héroes, divinidades y mortales.
Al igual que en su arquitectura, los griegos valoraron especialmente la proporción, el
equilibrio y el ideal de belleza. Los materiales que más emplearon fueron el mármol
(coloreado) y el bronce.
En función de la evolución técnica, pueden distinguirse tres etapas:
La época Arcaica (s. VII y VI a. C.)
Durante la misma las figuras eran representadas normalmente de manera estática (sin
movimiento), de frente (ley de la frontalidad) y en posturas rígidas. Sus ojos eran grandes
y expresaban una sonrisa forzada (sonrisa arcáica). En ellas se aprecia una clara influencia
de la escultura egipcia. Son muy representativos de este período los llamados "Kuroi"
(jóvenes atletas).
La época Clásica (s. V y parte del IV a. C.)
Las figuras se hicieron más naturales y expresivas, adquiriendo más movimiento y
posturas menos forzadas.
Desapareció la ley de la frontalidad. Los escultores se afanaron en la búsqueda de la
perfección y la belleza ideal, aplicando estrictos cánones o reglas en sus obras. Fidias
(esculturas del Partenón), Mirón, Policleto y Praxiteles fueron los más importantes.
La época Helenística (s. IV-II a. C.)
En este período las esculturas fueron dotadas de mayor dinamismo (movimiento), así
como de gran realismo. Ya no se trataba de representar el ideal de belleza, sino la
naturaleza tal cual es, fuese alegre o dolorosa, bella o fea o, incluso, trágica (Muerte de
Laocoonte y sus hijos).
La escultura griega fue imitada y reproducida por los romanos. Gracias a ellos conocemos
cómo fueron muchas de las grandes obras hoy desaparecidas. Al igual que la arquitectura,
ejerció una importantísima influencia en estilos más modernos, tales como el renacentista
y el neoclásico.

CONSIDERACIONES GENERALES
Para construir la historia de la escultura griega debe considerarse:
I. Hay gran cantidad de noticias escritas, especialmente en época romana, sobre los
artistas griegos y sus obras, aunque son imprecisas y de carácter misceláneo
II. Los artistas griegos firmaron muchos pedestales de estatuas con su nombre pero,
aunque se conservan muchos, rara vez conocemos las estatuas que les
corresponden, o viceversa

III. La mayor parte de las obras conservadas han sufrido algún proceso de mutilación
o reconstrucción posterior (añadidos, mutilaciones, intercambio de algunas
partes…)
IV. Las obras originales apenas se conservan: las de marfil y oro han desparecido; las
de bronce fueron fundidas; las de mármol se destinaron a los hornos de cal o a
servir de material de construcción. Casi todo lo conservado son copias romanas,
frecuentemente multiplicadas en gran número. No hay un solo original de los
grandes autores clásicos y no podemos saber hasta qué punto esas copias son
fieles a los originales

MATERIALES Y TÉCNICAS
I. La madera sólo se usó en las primeras imágenes de los templos, las toscas xoana, y
como núcleo de las obras de marfil y oro

II. La piedra: la caliza se usó mucho en el periodo arcaico y clásico pero el mármol
blanco, abundante en Grecia, fue arrinconándola. Se partía de un modelo de arcilla
y casi
III. nunca se hacían de un solo bloque. Es seguro que se pintaban los ojos, pelo, labios
y ropas; no está claro en el caso de la piel, que solía dejarse en blanco.

IV. El bronce era más caro que el mármol pero fue el preferido de algunos grandes
artistas clásicos (Policleto, Mirón, Lisipo). Las pequeñas figuras de bronce macizo
corresponden al periodo más antiguo pero pronto fueron reemplazadas por otras
más grandes compuestas de varias piezas ensambladas. Pero la gran revolución fue
la técnica de la cera perdida, en el siglo VI (quizá tomada de Egipto).
Normalmente, las piezas se hacían por separado y luego se soldaban y se añadían
postizos para los ojos y tiras de metal para los rizos. Como las estatuas eran más
ligeras que en mármol, el escultor era más atrevido a la hora de componer las
posturas de las figuras (de manera que, al copiarlas en mármol, había que añadir un
soporte para sostenerlas, que además nos sirve de indicio para conocer el material
original del diseño). Apenas se conservan relieves de bronce; normalmente eran de
pequeño tamaño y se trabajaban por repujado para decorar escudos, armaduras,
espejos, etc.
 V. El oro y el marfil: las estatuas criselefantinas eran escasas, destinadas a figuras
colosales en templos. Debían tener un cuerpo de madera; el marfil se reservaba
para la piel y el oro para el resto.

VI. La terracota se reservaba para pequeñas figuras

FUNCIONES DE LA ESCULTURA GRIEGA

De acuerdo con el propósito para el que servía, la escultura griega puede clasificarse:
I. Escultura arquitectónica, destinada especialmente a los templos; se situaba,
especialmente, en el frontón y también en los frisos y metopas. Hay que añadir las
figuras de las acróteras. Apenas se conservan obras destinadas a edificios seculares

II. Imágenes de culto: todo templo tenía, al menos, una estatua de la divinidad a la que
se dedicaba

III. Esculturas votivas: los griegos solían entregar ofrendas a los templos y, entre ellas,
las esculturas tenían un gran protagonismo. Podían ser imágenes de los dioses a los
que se hacía el voto pero, más frecuentemente, de las personas que hacían la
ofrenda y, entre éstas, eran especialmente relevantes las de atletas vencedores en
juegos deportivos
IV. Escultura funeraria: lo más frecuente era una estela con un relieve representando al
difunto a su familia, a veces alguna deidad
V. Estatuas honoríficas, representando a personajes distinguidos
VI. Escultura como mero ornamento, público o privado, cuyo demanda creció desde
Alejandro
 LA ESCULTURA ARCAICA (VIII-VI a.C.)
Los primeros ejemplos son xoana (del verbo xeein= tallar), arcaicas tallas de madera,
imágenes de culto que en época clásica se asociaban al mítico Dédalo. Muchas imágenes
de culto como estas fueron preservadas en tiempos históricos, aunque ninguna ha
sobrevivido hasta nuestros días, salvo que esa imagen fuera copiada en piedra o mármol.
En el siglo II d.C., Pausanias describe numerosos Xoana en su Descripción de Grecia,
sobre todo la imagen de Hera en su templo de Samos. “La estatua de Hera de Samos,
como Aethilos dice, fue una viga de madera al principio, pero después, cuando Prokles era
gobernante, se humanizó en forma”.

Dos xoana lígneas y reconstrucción de la estatua de Ártemis, en Éfeso, donde se aprecia la

“antropomorfización” de esas obras arcaicas
 La escultura se centra en la figura humana, en dos sentidos: una iconografía
cercana a la vida de los hombres o dioses humanizados y un naturalismo creciente
sin caer en la individualización de los rasgos.

 Las primeras imágenes conservadas son de fines del VII: el gran cambio fue
reemplazar la madera por la piedra.

 Los ejemplos más habituales son kuroi, atletas, desnudos, elevados al rango de
héroes sin rasgos concretos. Las korai son figuras femeninas, quizá votivas,
vestidas.

 Todas estas imágenes caben en un esquema geométrico, son frontales y rígidas,

con una pierna avanzada, los brazos pegados al cuerpo, los ojos almendrados y el
pelo resuelto de forma geométrica. Su deuda con el arte egipcio es evidente. Suelen
tener una sonrisa estereotipada (llamada “sonrisa arcaica”). Al principio la
anatomía apenas se dibuja, luego, a mediados del VI, el modelado es más
 voluminoso y la figura inicia un cierto giro. La mayor variedad se aprecia en los
pliegues de las korai jónicas.

 Debe aclarase que la estatuaria griega estaba policromada pero su color original se
ha perdido.

siglo VI (Apolo de Tenea), hacia el 500 (Apolo de Piombino) y 480 (el joven de Critias)

 Entre las figuras de Cleobis y Bitón, h. 600, (A) y el efebo de Kritios, h. 500, (B)
se aprecia una evolución: se pierde la linealidad y la figura parece más flexible; el
modelado, más suave, menos compartimentado. Los pliegues de las korai se hacen
menos austeros y más dinámicos, jugando con combinaciones geométricas.
  En el siglo VI aparecen los primeros frontones esculpidos (como el del templo de
Artemisa en Corfú, h. 600; o el tesoro de los Sifnios, en Delfos, h. 525). tiene una
disposición más coherente y fue en ellos donde se manifestó la conquista del
movimiento y la disolución progresiva de la frontalidad toda vez que el frontón se
prestaba más a las escenas complejas que a las figuras aisladas.

Templo de Artemisa en Corfú

Tesoro de los Sifnios

1. EL PERÍODO SEVERO (500-450)

 Es una etapa de transición al clasicismo. Se abandona el hieratismo arcaico en
favor de un naturalismo idealizado. Es un momento donde triunfa un cierto
equilibrio aristocrático que se refleja en los temas: virilidad e idealismo, ausencia
de expresividad, un intento de equilibrar la fuerza física y la superioridad
intelectual, el pathos (sentimiento) y el ethos (carácter, dominio de sí). El concepto
de kalokagathía expresa la identidad de virtud y belleza.
 De este periodo son la mayoría de las estelas funerarias conocidas, normalmente
con figuras aisladas de perfil rematadas por una palmeta
 La gran revolución fue la técnica del bronce a la cera perdida, aparecida a fines del
VI y que fue la técnica más usada por su rapidez, ligereza de transporte y
 capacidad de cierta producción “industrializada”. También produce obras más
efímeras (el bronce se funde para reutilizarlo en cuanto hay necesidad de él) de
manera que la mayor parte de las grandes bronces conservados han surgido de
pecios tras el naufragio de los barcos que los transportaban. La mayor parte se

conserva en forma de copias romanas en mármol 1. El Auriga de Delfos, el Apolo

Piombino o el Poseidón del Cabo Artemisión son ejemplos de figuras que
mantienen un cierto aire “columnario” dentro de su naturalismo.

 Mirón, que trabajó esencialmente en la primera mitad del siglo V, fue quien dio el
verdadero salto hacia la representación del movimiento. Fue broncista y lo que se
conserva de él son copias romanas. Su discóbolo fue un hito del ideal atlético
aunque sigue muy apegado a la frontalidad. Buscando orden en el movimiento,
encuentra una postura (rhytmos) en la que la figura parece resumir el movimiento o
contenerlo en potencia: así, se expresa algo contingente (movimiento) sin sacrificar
un ideal (el orden)

 En los frontones destacan el de Afaia en Egina y el de Zeus en Olimpia

Templo de Afaia

 El trono Ludovisi, un relieve con caracteres de este periodo, es una obra

controvertida: es la primera representación de un desnudo femenino en escultura
pero hay quien ha puesto en duda su autenticidad

2. EL PLENO CLASICISMO (2ª mitad del V)

 El clasicismo nació a través del concepto de canon: un modelo de medidas
perfectas aplicables a la escala humana. Se complementa con una anatomía
perfecta, facciones idealizadas, serenidad expresiva.
 Policleto suele considerarse el paradigma del canon, una forma de relación entre
las partes y el todo (siete cabezas para la altura, dos cabezas y media para la
anchura de los hombros, siendo la cabeza la suma de tres dedos índices). Era
broncista y sus figuras de atletas (el Doríforo y el Diadúmenos) reflejan el cambio
 de modelo: la figura se apoya en una sola pierna y gira la cabeza en la dirección de
la pierna de apoyo, de modo que la línea de la pelvis y la de los hombros dejan de
ser paralelas. Su anatomía es algo dura, los pliegues que separan las partes del
cuerpo son transiciones muy marcadas, una herencia del tipo ideal de kouros
 Fidias es la imagen e la perfección técnica y del equilibrio y la contención
compositivas. No sólo fue escultor sino también director de las obras de la
Acrópolis de Atenas. Es responsable de los frontones del Partenón, donde
desarrolla la técnica de los “paños mojados”, multiplicando los pliegues y
sugiriendo transparencias. Los relieves del edificio (el friso de las Panateneas y los
cuatro conjuntos de metopas con batallas de dioses y héroes) parecen deberse a su
mano, al menos a su dirección: orden, variedad y equilibrio parecen dominar en
todos los casos. También realizó (sólo quedan descripciones y alguna imagen
romana) las estatuas gigantescas de la Atenea Prómachos en la Acrópolis, de
bronce; la Atenea Párthenos en el interior del Partenón, criselefantina; y el Zeus
sedente del templo homónimo de Olimpia.
 De su entorno e influencia podrían ser los bronces de Riace, encontrados en un
pecio.

3. EL POSCLASICISMO: EL SIGLO IV.

 El siglo IV conoce un mayor interés por la expresividad, la variedad y una pérdida

del equilibrio ordenado que dominó la etapa anterior.
 La iconografía se inclina por los dioses menores, menos heroicos y más cercanos al
hombre, y algunas anatomías se alejan del ideal atlético anterior.
 Las estelas de fines del V reflejan una mayor cercanía al pathos, son más cuadradas
que las anteriores, con más figuras y una mayor dosis de sentimiento
 Scopas es la mayor expresión de ese patetismo menos pudoroso que puede
manifestarse físicamente en la torsión de las figuras (Ménade)
 Praxíteles atiende a la textura suave del mármol, el cuerpo en contraposto (la típica
curva praxiteliana) y un tono melancólico pero gracioso y juvenil. Prefiere los
cuerpos menos cuajados, más adolescentes: Hermes con el niño Dionisos y el
Apolo Sauróctonos, con un tono más anecdótico y tierno. Es el primer autor de un
desnudo femenino, la Afrodita de Cnido, una Afrodita saliendo del baño que
marcará toda una iconografía posterior.
 Lisipo trató de modificar el canon de Policleto alargándolo a siete cabezas y media
 para conseguir una mayor sensación de proporción: le interesaba más el punto de
vista del espectador que la forma abstracta, de ahí que hiciera que las figuras
invadieran el espacio frontal de manera que el espectador se viera obligado a
moverse para buscar una visión más completa: Apoxiomenos o Ares Ludovisi.
Inaugura la época dorada del retrato con imágenes de Alejandro Magno.

4. EL PERÍODO HELENÍSTICO (323 al I a.C.)

 Hay tres grandes condicionantes: 1) gran desarrollo del mercado del arte con los
primeros coleccionistas; 2) el desarrollo de cultos mistéricos y orientales que restan
poder a los dioses olímpicos tradicionales; y 3) el desarrollo de una moral más
“intranscendente” y de un pensamiento más humanista por la influencia de los
nuevos pensadores más preocupados por la ética que por la cosmogonía
 Es una etapa de originalidad temática: la atención se dirige hacia nuevos focos: la
infancia o la vejez, la violencia, la fealdad, el exotismo, el erotismo. En conjunto,
mayor secularismo en los temas, llegando a la concreción del retrato y las escenas
de género
 Eclecticismo acompañado del intento de imitar el pleno clasicismo (historicismo)
 Mayor expresividad en detrimento del idealismo tradicional, cayendo incluso en el
melodrama
 Interés por la perfección anatómica y el virtuosismo técnico
 En general, es un periodo difícil de definir por la variedad de escuelas, la
movilidad de los escultores, la gran producción y la enorme cantidad de copias que
hacen imposible identificar el original. Es un arte cosmopolita e híbrido

 Atenas alterna un regreso a modelos clásicos, inspirados en Fidias (Torso

Belvedere, Púgil en reposo, Apolo Belvedere), con el naturalismo (Espinario, Niño
de la Oca, Vieja Borracha)

 Rodas protagonizó una tendencia barroca: Toro Farnesio, Laocoonte, Victoria de

Samotracia, Fauno dormido

 En Alejandría se desarrolló la iconografía del Nilo rodeado de niños que

corresponden a los codos de la crecida. Se imitó el estilo de Praxíteles, con
múltiples variantes de la Venus de Cnido (Venus de Milo)

 Pérgamo destacó por su barroquismo, incluso su patetismo (relieves del altar de

 Zeus) y la serie de Galos heridos

 Mención aparte merecen las figurillas de terracota que se expanden desde Atenas
aunque reciben el nombre de una ciudad de Beocia célebre por su gran producción:
son las Tanagras, realizadas con moldes y policromadas y que representan, sobre
todo, tipos femeninos pero también esclavos, ancianos, niños…

CONCLUSIÓN

Podemos decir que en Grecia nació la escultura propiamente dicha y que toda su evolución
va a ser un largo camino en la consecución de la belleza. Pasamos ahora a estudiar las
características más importantes que definen a la escultura griega, además de las
características que veíamos para el arte griego en general son:

 Su objetivo fundamental es la consecución de la belleza, y esa belleza es,

lógicamente, la belleza del cuerpo humano. Pero no se basa sólo en una belleza
física o anatómica, sino a través de ella llegar a una belleza interior. Podemos decir
que el ideal de belleza idealizada se va a conseguir en la etapa clásica y será
sustituido por el de un agudo realismo en la época helenística.
 BIBLIOGRAFIA

https://es.wikipedia.org/wiki/Escultura_de_la_Antigua_Grecia

http://www.claseshistoria.com/bilingue/1eso/greece/art-sculpture-esp.html

https://www.cultura10.org/griega/esculturas/

http://apuntes.santanderlasalle.es/arte/grecia/escultura/escultura_griega.htm
ANEXO
Ministerio de Educación
y Ciencias
Colegio Nacional Emilio
Johannsen

Artes
 Plásticas
Tema: Escultura Griega

Profesora: Carolina López

Responsables: Mónica Valenzuela

Paz Samaniego
Elver Sosa

Curso: Noveno

Turno: Tarde

Villa Elisa – Paraguay

Año 2018