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Barroco Apuntes
Barroco Apuntes
El final del siglo XVI y el principio del XVII supuso cambios en la monarquía y la nobleza
en toda Europa, los cuales influyeron a su vez en el desarrollo de la música y las demás
artes.
En el siglo XVII los nobles dejaron de participar activamente en las guerras y creció el
poder del monarca, que vio incrementada su corte con numerosos nobles que pasaban
largas épocas residiendo en ella. La educación, más elevada que en épocas anteriores
provocó un mayor apoyo a las artes lo que provocó, por ejemplo, que muchos de los
artistas que participaron en la creación de la ópera fueran también nobles.
Una de las aportaciones más importantes del barroco fue el bajo continuo, que supuso
el abandono de la polifonía predominante del renacimiento. Ligado a él, el barroco
asistió a la aparición de la ópera. Ésta comenzó en Florencia, donde un grupo de
músicos intentaron revivir el drama y el estilo musical de la antigua Grecia, mediante la
monodia, escenificada en los Intermedi1. Estos músicos fueron conocidos como la
Camerata Florentina.
De alguna manera el comienzo del nuevo estilo viene marcado por la publicación de Le
nuove musiche (Caccini G., 1602) que incluyó la monodia barroca mediante canciones
italianas para voz solista y bajo continuo.
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Los intermedi eran piezas cantadas interpretadas en los descansos de obras teatrales habladas.
Generalmente trataban temas mitológicos y la música era vocal, con acompañamiento de instrumentos
acórdicos
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Algunas de las características que describen las diferencias entre el estilo del
Renacimiento y el Barroco son las siguientes:
Renacimiento Barroco
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Dos prácticas (stile antico y stile moderno, Una práctica, un estilo.
tres estilos (stilo antico, a cappella e
moderno).
El madrigal
Tiene varias acepciones, cuyos rasgos varían desde su origen en el trecento hasta la época que
nos ocupa, en el siglo XVI. Siendo su etimología confusa, sí parece lógico pensar que la forma
de la palabra provenga de “matricale”, ya que, al parecer, los poemas estaban escritos en
lengua materna.
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Prima Prattica (Stile antico) que suponía la observancia de las reglas estrictas del contrapunto,
expuestas en su libro Le institutione harmoniche) y Seconda Prattica (Stile moderno), que era la música
del nuevo estilo, durante la primera parte del siglo XVII.
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Musica reservata constituye un modo de componer a cappella que que estuvo de moda en la década
de 1550 en madrigales y motetes y que conllevaba un particular estilo de interpretación, quizás con
ornamentación adicional u otros métodos emotivos, como el figuralismo. Era creada para ser
interpretada y apreciada por eruditos.
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Frottola. De manera genérica, define una composición amatoria mayoritariamente para cuatro voces,
de carácter homofónico, siendo su voz aguda la que interpreta la melodía.
Conductus. Tiene varias acepciones. Como canción pertenece en su origen al género sacro, aunque no
litúrgico, evolucionando luego a un carácter más profano. Normalmente consta de hasta tres voces en
las que el conductus se haya en el tenor (parte inferior) y presenta un carácter mayoritariamente
estrófico.
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de Philippe Verdelot, publicado en Venecia en 1533. Esta publicación tuvo un gran éxito y la
forma creció rápidamente, primero en Italia, y hacia el fin del siglo, a varios otros países de
Europa. Su forma métrica emplea una combinación libre de versos de heptasíbos y
endecasílabos, de rima consonante y cuyo leiv motiv expresa un amor intenso y delicado,
siendo libre el número de voces en que se musicaliza (generalmente entre tres y seis).
Interrogatio.- Pregunta musical expresada mediante un pasaje que termina en una segunda
menor o en otro intervalo mayor que los previos.
Hypotyposis.- Bajo este concepto se engloban una serie de figuras retóricas, a menudo sin
nombres específicos, destinadas a ilustrar palabras o ideas poéticas. Frecuentemente subrayan
la propia imagen de la palabra a la que se refieren. Bajo este término se engloban también los
llamados madrigalismos.
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EL ARIA DA CAPO
La gran variedad de tipos de Aria del barroco, tanto de carácter como de forma, cuya
característica común es que están compuestas para voz solista con acompañamiento de
bajo contínuo con orquesta, sólo se resolvió cuando el Aria da Capo terminó
desplazando a las demás.
Es la forma más habitual del Aria en el barroco. Así, casi todas las arias de Bach y
Häendel lo son. Se caracteriza por su forma ternaria A-B-A. El texto sobre el que se
construye consta de dos estrofas breves, siendo la primera repetida al final permitiendo
una ornamentación virtuosítica del intérprete.
A finales del siglo XVII, la forma que denominaremos Aria simple, se acerca a la
estructura binaria elemental de tres frases o forma de minueto, de manera que las
secciones exteriores (primera y última) permanecen en la tónica mientras la central
ofrece un contraste al modular a la dominante. En muchos casos (de ahí el nombre) la
tercera sección se indica con un da Capo, sin reescribir las notas, terminando, eso sí,
sobre un último Ritornello.
Aria simple
Sección A Sección B Sección A (da capo)
Ritornello Solo Ritornello Solo Ritornello Solo Ritornello
I I V V I I I
Con la evolución de la forma, ésta amplía la sección A, de manera que queda como
sigue,
Sección A
Ritornello 1 Solo 1 Ritornello 2 Solo 2 Ritornello 3
A
I I V V I I I
resultando una estructura más compleja en cuya sección B el tono de la dominante suele
ser sustituido por el del tono relativo. El esquema que sigue, corresponde a la cantata
Christus, der ist mein Leben, de J.S.Bach
. D.C
Sección A Sección B
Rit.1 Solo 1 Rit. 2 Solo 2 Rit. 3 Solo 3 Rit. 4 Solo 4
I I V V I I I VI II V, VI, III
4
Primera parte (A).
La segunda estrofa proporciona el texto para la sección central del aria da capo, en esta
sección se incorpora encontraste armónico al evitar la tónica valiéndose a menudo de la
tonalidad relativa. A veces, ese contraste armónico es potenciado por un contraste de
carácter e incluso de tempo y por una instrumentación más ligera.
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LA SUITE
I. ALLEMANDE
II. COURANTE
“Un movimiento de danza barroco en compás ternario. Nació en el siglo XVI y se convirtió en
habitual de la suite a solo, a continuación de la allemande, hacia 1630. Coexistieron dos versiones,
consideradas fundamentalmente francesas e italianas; la mayoría de los compositores utilizaron, sin
embargo, indistintamente como títulos courante y corrente.
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El tipo italiano, (corrente) utiliza el compás ternario rápido (3/4 o 3/8), a menudo con figuraciones
triádicas o de escalas en corcheas o semicorcheas regulares. Presenta generalmente una textura
homofónica, pero no son infrecuentes los comienzos imitativos.
IV. GIGA
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La giga es una alegre danza folclórica, de origen probablemente inglés en compás de
6/8, 12/8, 3/8, 9/8. Es típico su comienzo en anacrusa.
La giga se adoptó en Francia en la corte de Luis XIV, donde se convirtió en una danza
de parejas más reposada. En la suite barroca de Johann Sebastian Bach, la giga es el
movimiento final.
Danza de origen cortesana, fue la danza predilecta en la corte de Luis XIV de Francia.
Su ritmo es ternario y su movimiento moderado, casi lento (con Haydn y Mozart, se
hizo más rápido); está escrito en compás de 3/4.
Su estructura como el resto de las piezas de la Suite, es binaria, bipartita. Consta de dos
periodos cada uno de 16 compases, o dos periodos que se repiten de igual número de
compases. Sin embargo no faltan ejemplos de estructura ternaria, forma que se
consolidará en la Sonata Clásica.
Tiene una estructura regular, cuadrada y con un esquema armónico. Cuando la melodía
permanece quieta, el bajo se mueve con ritmo de corcheas. Sólo se interrumpe este
ritmo característico en los reposos, las cadencias.
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El Minué esta estructurado en dos partes o periodos proporcionales.
El Minué al igual que otras danzas como por ejemplo la Gavota, tuvo vida propia e
independiente sobreviviendo a la Suite. Del aire moderado, severo y noble que tenía al
principio (como expresión de saludo en la danza) pasó a revestirse de adornos,
acelerando su velocidad, y preparando el advenimiento del Scherzo. Fue la única danza
clásica que absorbió la Sinfonía, fijándose en ella como tercer movimiento. Haydn,
Mozart y Beethoven desarrollaron considerablemente esta forma musical.
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El concierto
EL CONCIERTO BARROCO
Concerto grosso
El más antiguo de los tres fue el concerto grosso, cuya característica principal es la de
emplear dos estructuras instrumentales distintas : el concerto grosso (tutti, ripieno) en sí y el
concertino o solo, formado en la mayoría de los casos por dos violines, un violonchelo (violón)
y un continuo. Las dos formas se alternan en la propuesta del discurso musical, en el que un
pequeño grupo de solistas se enfrenta a una orquesta más amplia.
Pero a partir de Giuseppe Torelli y Antonio Vivaldi, el concertó grosso pasó a estar
cada vez más dominado por el concierto para solista en lo que respecta a la forma y al
tratamiento instrumental. Esta tendencia es obvia en el llamado doble concierto -que no es
tanto un concerto grosso como un concierto para dos solistas -. También puede también
apreciarse en concerti grossi como los Conciertos de Brandemburgo.
Concerto ripieno
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Sonata da chiesa es una forma musical del Barroco que se utilizaba como acompañamiento del
servicio religioso. En general consta de cuatro movimientos (Lento, Rápido, Lento, Rápido). El segundo
es, usualmente, una Fuga y el tercer y el cuarto adoptan la forma binaria, asemejándose a veces a la
Zarabanda y la Giga.
Sonata da camera es una forma que se empleaba en la música secular. Compuesta para uno o más
instrumentos melódicos más un bajo continuo, comprende tres o más movimientos de danza.
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Concierto a solo
La gran mayoría de los conciertos a solo fueron compuestos para violín. Los conciertos
más antiguos son los números 6 y 12 de la op. 6 de Torelli. Estos se valen generalmente de tres
movimientos y de la forma ritornello, semejante a la del concierto ripieno excepto que en esta
ocasión, los diversos ritornellos orquestales se alternan con las secciones del solista y el bajo
continuo.
Los ritornellos centrales (y a menudo el último) son generalmente más breves que e!
inicial, limitándose a exponer material seleccionado de éste y omitiendo con frecuencia el
tema inicial.
CLASICISMO
La época clásica trajo consigo el triunfo definitivo del concierto para solista sobre el
concierto múltiple o para grupo; dos fenómenos diferentes contribuyeron a la popularidad del
concierto para solista: el ascenso ininterrumpido del solista virtuoso y la creciente demanda
de obras nuevas para que las interpretaran los aficionados.
El elemento más variable de la forma concierto del s. XVIII era el penúltimo tutti, R 3,
en un movimiento con cuatro ritornellos. Muchos movimientos del primer Clasicismo restan
importancia a esta sección, otros la omiten por completo, pero la opción más influyente, que
se encuentra, por ejemplo, en la mayor parte de los conciertos de piano de Mozart, consistió
en combinar las funciones de R 3 y S 3 en la reexposición.
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R/ Exp. Orq/ Intro. S1/ Expo. sol R2 S2/ Des. R 3/ S3/ Reexp . R4 (Cad.) *
(Retr.)
I I V (III) V (III) I
6
La cadencia en Mozart solía estar en el seno de R 4, mientras que en conciertos anteriores aquella parece
normalmente en S 3 (o a veces ni siquiera hace su aparición).
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El material sonoro del análisis
La familia de la dominante
Ej. 1*
Y por otro, con la quinta elevada y rebajada (5< y 5>), además de posibilidad del 6b.
Ej. 2
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Ej. 3
*El cifrado de la función de D, cuando ésta aparezca barrada, indica, tanto para acordes cuatríadas como quintíadas, la
supresión de su fundamental real, dejando a la vista, en su lugar, la fundamental aparente.
**En los acordes basados en la dominante “ D “ el cifrado propuesto es una mezcla del cifrado funcional Riemaniano y
de las aportaciones hechas por el maestro J.M. Benavente en su libro Aproximación al lenguaje musical de J. Turina.
La familia de la subdominante
Podemos construir acordes tríadas y cuatríadas sobre los acordes naturales que se
forman sobre los grados segundo, cuarto y sexto del modo mayor (he considerado la opción del
modo mayor, cuya familia es más extensa que la del menor).
Ej.4
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Podemos también enriquecer estos acordes mediante el uso del 6º>, como opción más
usual (incluso, el 3º> y el 7º>), sin abandonar la órbita del modo mayor.
Ej. 5
Por último vemos las variantes que enriquecen esta función, que al utilizar el 4º< y el
6º>, proporcionan la exquisita y tópica sonoridad de las sextas aumentadas y de la sexta
napolitana.
Ej. 6
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anapaest ; v v __
II - choriambe ; __ v v __
III - amfibrachus v __ v
IV - peon 1 ; v __
peon 2 ; v __ v
peon 3 ; __ v v
peon 4 ; v v v
Pyrrhichius ; v v
Tribrachius ; v v v
V - 1er jonikus ; v v __ __
2ème jonikus ; __ __ v v
VI - antispast ; v __ __ v
VII - dactylus ; __ v v
VIII - trocheus ; __ v
IX - bacchius ; v __ __
antibachius ; __ __ v
X - epitrit 1 ; _ __ __
epitrit 2 ; _ v __ __
epitrit 3 ; _ __ v __
epitrit 4 ; _ __ __ v
molossus ; __ __ __
spondeus ; __ __
XI - kretikus ; __ v __
XII - jambe ; v __
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απυντεσ σοβρε αναλισισ
ινδιχε
βαρροχο Πγ 1
µαδριγαλ. Πγ 2
Φιγυρασ ρετοριχασ Πγ 3
Αρια δα Χαπο Πγ 4
Λα Συιτε Πγ 6
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