MÚSICA INSTRUMENTAL DEL BARROCO

ORGANOLOGÍA
Los instrumentos de cuerda pinzada serán utilizados sobre todo para la realización del bajo
continuo. Sobreviven algunos renacentistas como el laúd, la tiorba o chitarrone, pero cobran
más importancia otros como la guitarra, para quien se empieza a crear una literatura específica
de instrumento solista, además del papel de acompañamiento tradicional. También el arpa será
muy utilizada para el bajo continuo, especialmente en España. Pero sobre todos estos
destacarán los de tecla, y dentro de ellos, el clave (clavecín o clavicémbalo), utilizado tanto para
el continuo como para actuar de solista. También se continuarán utilizando las espinetas y
virginales ingleses, y aunque no es de cuerda pinzada, sino percutida, el clavicordio, utilizado
sobre todo en Alemania.

En cuanto a la familia de cuerda frotada (violín, viola, violonchelo y contrabajo) empezarán a

utilizarse en su conjunto en todo tipo de música, gracias a la creación de géneros instrumentales
que requieren una base de orquesta de cuerda tales como el Concierto o la Suite. Además
subsistirá la viola de gamba, utilizada sobre todo como bajo continuo. Por último remarcar el
gran auge que adquirirá el violín como instrumento solista virtuoso, gracias a las obras de
compositores como Corelli o Vivaldi, entre otros.

Respecto a los instrumentos de viento los más destacados serán la flauta de pico, de cuya familia
despuntará la contralto como solista; la flauta travesera que tendrá un papel muy importante
en la orquesta, pero sobre todo resalto el oboe, instrumento para el que se escribirá mucha
música solista, y con una variante de sonido más dulce, el oboe d’amore. El fagot será un
instrumento muy utilizado para el continuo, y otros como trompas o trompetas se incluirán en
ocasiones en la orquesta, aunque casi siempre supeditados a la cuerda. Por último en la música
eclesiástica instrumentos como los sacabuches (antiguos trombones) o cornetas tendrán un
papel importante sobre todo en el S.XVII. Y por supuesto destacar el órgano, para el que se
escribirá mucha literatura musical, sobre todo en países como Alemania o España.

GÉNEROS INSTRUMENTALES
Es en el Barroco cuando se crean composiciones idiomáticas que diferencian la música
instrumental de la vocal, que habían sido intercambiables durante la mayor parte del
Renacimiento. Con ello van a surgir una inmensa variedad de géneros durante el S.XVII, que
según el musicólogo Bukofzer, pueden dividirse en tres categorías: música de danza, géneros
específicamente instrumentales de carácter rapsódico, y géneros derivados en un principio de
modelos vocales. De estas últimas se derivará posteriormente la sonata barroca y la fuga. Por
último un género muy relevante para el Barroco será el Concierto con sus distintas variantes,
pues alguna de ellas ya no se abandonará en los siglos posteriores. Pasemos a comentar todos
estos géneros.
MÚSICA DE DANZA
La música de danza barroca consistía en bailes del renacimiento que habían sobrevivido y nuevos
tipos surgidos en el S.XVII. Estas formas danzables serán el principio inspirador de la Suite, pero
hasta llegar a ella se comenzó agrupándolas de dos en dos, siempre con el ritmo contrastado,
danza de pasos (binaria) y danza de saltos (ternaria). Los pares más antiguos, utilizados ya en el
renacimiento, como el pasamezzo y el saltarelo, o la pavana y la gallarda, fueron cediendo su
sitio a la más nueva Allemanda y el Courante de la época barroca. Lo importante a resaltar es
que la característica definitoria de estas danzas no era su melodía, sino su típica pauta rítmica,
pues en ocasiones una misma melodía se utilizaba para el par.

Durante el S.XVII se escribió música de danza para todo medio instrumental imaginable:
conjuntos de cuerda (sobre todo de violines), de viento (cornetas, flautas, flautas de pico y
fagots) o instrumentos de teclado, laúdes y guitarras.

Fue en Francia donde a principios del S.XVII florecería la composición de danzas para
instrumentos solistas, primero para laúd (destaca la obra de GAULTIER), y posteriormente para
teclado o viola de gamba. El primer compositor importante del nuevo lenguaje para teclado fue
CHAMBONNIÈRES (1601-72), precursor de una gran constelación de clavecinistas franceses. En
Francia, cada Suite es en realidad una pequeña antología de breves piezas, muchas de las cuales
recibían nombres fantasiosos.

Este nuevo estilo sería llevado a Alemania por Froberger, quien establecería ya la Allemanda, la
Courante y la Sarabanda como componentes estables de la Suite. Antes del final del S.XVII , la
Suite para teclado (o Partita como también se la llamaba) asumiría por fin en Alemania un orden
definitivo de cuatro danzas: Allemanda ( de procedencia alemana), Courante (de procedencia
francesa), la Sarabanda ( española, importada de México), y la Giga (anglo-irlandesa). A estas se
les podrá añadir un movimiento de introducción (preludio, obertura) y otras danzas opcionales
(minueto, gavota, bourre, etc.). Compositores alemanes de ellas serán Pachelbel, Krieger,
Muffat, y sobre todo Bach y Haendel.

En Inglaterra destacarán las Suites para clave de Purcell, mientras que en Francia el género
culminará con las de François Couperin, publicadas entre 1713 y 1730.

También hay que destacar la Suite orquestal que floreció en Alemania desde alrededor de 1690
hasta 1740, donde no se seguía un número u orden de danzas determinado. Escribieron obras
de este tipo Muffat, Fux, Telemann, Haendel y Bach, entre otros.

FORMAS DE CARÁCTER RAPSÓDICO

Las formas rapsódicas de la música instrumental, la TOCATA y el PRELUDIO, eran en esencia
música solista de carácter improvisado, y representan las primeras formas realmente
idiomáticas de música para teclado y laúd. Uno de los compositores más importantes de este
tipo de música en el S.XVII fue Frescobaldi, organista de San Pedro del Vaticano, y cuyas tocatas
para órgano tenían varias finalidades: proporcionar música para la misa y otras ceremonias
litúrgicas, servir de preludios a obras de mayor extensión, o sencillamente ser composiciones de
gran duración y carácter propio. Las tocatas o “intonazione” de interpretación servían para dar
la nota a los cantantes. Destaca la obra de Frescobaldi “Fiori Musicali”, colección litúrgica con
música de órgano para tres misas donde encontramos tocatas entre otras obras. Esta colección
fue copiada posteriormente por Bach para su estudio tras la gran impresión que le causó.
FORMAS DERIVADAS DE MODELOS VOCALES
Las formas fugadas que nacieron de la imitación de los modelos vocales constituyeron el núcleo
de la música instrumental de la época y fueron los últimos recursos del desarrollo futuro de la
Fuga y la Sonata.

El Motete y la Chanson francesa renacentistas sirvieron de modelos para el RICERCARE y la

CANZONA.

El Ricercare, de tipo fugado, utilizaba temas concisos con notas largas (igual que en el motete) y
podía ser politemático o monotemático. El primero, al igual que en el motete vocal, consistía en
tener tantas secciones como temas, que se exponían al principio de cada sección de modo
fugado. El segundo era el Ricercare variado, que sometía el único tema a una gran variación.
Este último fue el que más se aproximó a la fuga monotemática de la época de Bach. Frescobaldi
estableció el Ricercare variado. Los ricercare aparecieron en colecciones para clavicémbalo u
órgano, pero no podían ocultar su estilo organístico debido a los puntos de pedal en la voz baja
o media.

La Canzona difería del Ricercare en sus ritmos animados, en ser menos rígida
contrapuntísticamente, y en tener varias secciones contrastadas de texturas de acordes e
imitativas. Sus temas procedían mayoritariamente de canciones populares. Se escribieron
también para teclado, pero en su gran mayoría se escribieron para conjuntos de cámara siendo
llamadas con frecuencia “sinfonías” o “sonatas”.

LA SONATA BARROCA
La palabra sonata no es más que una abreviatura de “canzon da sonar”, por lo que su
procedencia de la forma anterior es bastante probable.

En la sonata para pocas voces se solía usar de uno a cuatro instrumentos melódicos y bajo
continuo. Éste se daba siempre por sentado, hasta tal extremo que aquellas sonatas
excepcionales para instrumento solo sin acompañamiento llevaban la indicación “senza
continuo”.

La sonata dio pie al idioma virtuoso del violín, cuyo brillante sonido suplantó el timbre suave de
las violas antiguas, mucho más adecuado para la música polifónica que para la dual. El idioma
violinístico resalta de forma especial en las sonatas que para un violín y continuo fueron escritas
hacia la primera mitad del S.XVII por Fontana, Marini, Frescobaldi, Farina, Buonamante y otros,
pues en ellas aparecen recursos tan violinísticos como son la doble y triple cuerda, el pizzicato y
el uso de armónicos.

También la Sonata en trío barroca quedó establecida por Rossi desde 1607, siendo
posteriormente muy cultivada por otros compositores como Marini, Merula, Frescobaldi o
Buonamante. La versión más corriente fue la concebida para un dúo de cuerdas y continuo. Sin
embargo el concepto “Sonata en trío” hace referencia a música escrita a tres partes,
independientemente del número de voces o instrumentos que la toquen.

Todas estas sonatas heredaron la estructura formal de la Canzona, pues su objetivo sería crear
contrastes de tempo, textura y contenido melódico entre sus distintas secciones. Pero el orden
y carácter de las mismas no se fijarían hasta finales del S. XVII, contribuyendo a ello el gran
compositor italiano CORELLI.
Corelli (1653-1713), a través de su obra compuesta únicamente por Sonatas (Opus 1 al 5) y
Conciertos Grossos (Opus 6), aportó elementos muy importantes a la Historia de la música: la
consolidación de la música instrumental, el inicio de esta variedad del Concierto, y sobre todo la
fijación de los tipos de Sonatas más importantes en el S.XVII: la sonata de iglesia y la sonata de
cámara.

La sonata de iglesia (“chiesa”) se interpretará habitualmente en la iglesia por lo que el órgano

será instrumento habitual para el continuo. Su estructura formal se divide en 4 movimientos,
con contrastes de tempos, lento-rápido-lento-rápido, habitualmente contrapuntístico el
segundo. La sonata de cámara se interpretará en ambientes laicos, en los salones de los palacios
de la época, y su principal diferencia con la anterior radica en que sus movimientos están escritos
en ritmos de danza, llevando muchas veces los nombres de las mismas. Completar la biografía
de Corelli.

EL CONCIERTO BARROCO
Durante las últimas dos décadas del S.XVII apareció un nuevo tipo de composición orquestal, el
Concierto, el cual se convirtió en el tipo más importante de música orquestal barroca después
de 1700. Se escribieron tres tipos diferentes de conciertos. Uno de ellos fue el concierto
orquestal, que era sencillamente una obra orquestal que subrayaba la parte del primer violín y
el bajo. Más numerosos e importantes en esta época fueron los otros dos tipos, el concierto
grosso y el solístico, ya que contrastaban distintas sonoridades. El primero oponía un pequeño
grupo de instrumentos (concertino) al resto de la orquesta (tutti o ripieno), mientras que el
segundo solamente oponía a la misma un instrumento solista (con bajo continuo propio). Este
último tipo fue el que triunfó durante el S.XVIII y XIX.

La práctica de contrastar instrumentos solistas con la orquesta de cuerda en pleno surgió en la

música barroca mucho antes de que hiciese su aparición el concierto en cuanto tal. Ejemplo de
ello lo vemos ya en el S.XVII en suites, cantatas y ocasionalmente en sonatas y sinfonías. Así, un
predecesor del concierto fue la sonata para una o dos trompetas solistas con orquesta de
cuerdas, cultivado especialmente en Venecia y Bolonia. Pero esta práctica esporádica se
convertiría en sistemática con la aparición del Concierto.

Fue Corelli uno de los primeros que presentó este tipo de obras en Roma en 1682, a través de
sus doce conciertos grossos. En ellos trata el bloque de violines como un grupo a parte (con un
bajo continuo propio), y los contrasta con la orquesta de cuerda completa. El origen de esta
práctica podemos buscarlo en el gran protagonismo que los violines habían logrado a lo largo
del S.XVII a través del género Sonata, por su mayor ligereza, por lo que al crecer el número de
instrumentos de las primitivas orquestas, estos ocuparon un lugar protagonista.

Corelli aplicó a la mayoría de sus conciertos el esquema formal de sus sonatas. Además, en esta
primera etapa de formación del concierto éstas son sus características: brevedad de las
secciones contrastadas de tutti y solo; continuidad temática entre ambos; no introducir partes
especialmente virtuosas y dar el mismo protagonismo a los instrumentos solistas, tratándolos
como bloque. Si comparamos esto con los conciertos grossos de los compositores de la siguiente
generación como Vivaldi o Bach vemos diferencias marcadas: el tratamiento del concertino, no
como bloque, sino como conjunto de solistas independientes, donde en ocasiones toca un
solista separado del resto; la presencia de partes virtuosas; secciones contrastadas de mayor
longitud, y sobre todo la presencia de una separación clara entre tutti y solistas a través de la
presencia de los “ritornellos orquestales”, partes que toca la orquesta a modo de estribillos que
se irán repitiendo, de cuyos temas pueden participar los solistas o no. También como diferencia
destacar la estructura en tres movimientos, rápido-lento-rápido, que utiliza Vivaldi en sus
conciertos, y que en gran parte seguirá Bach también.

Respecto al último tipo de Concierto, el Concierto para solista, los musicólogos atribuyen al
compositor Torelli (1658- 1709) la creación del mismo a través de sus seis conciertos para solista
del Opus 8, publicados al poco tiempo de su muerte. Torelli aplica también la estructura
tripartita y con “ritornellos”. Estos logros fueron ampliados por otros compositores italianos
como Albinoni o Locatelli, pero sería el veneciano VIVALDI el que llevaría el concierto solístico a
su máximo esplendor, escribiendo, no sólo para violín, sino también para otros instrumentos
como el oboe, la flauta, el fagot o la mandolina. Será él el que consolide la estructura tripartita,
la forma con ritornellos y dará mayor virtuosismo al instrumento solista. Sus conciertos tuvieron
mucha influencia en Bach que transcribió varios de ellos para el clave y órgano. Bach sería el
primer compositor en escribir conciertos para clave, precedentes de los conciertos para piano
del Clasicismo que vemos en la obra de Haydn, Mozart o Beethoven.