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ÍNDICE
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▲Imagen tomada de: https://definicionconcepto.de/arte/
UNIDAD I
Mucho se dice sobre el arte, pero aún no se sabe con exactitud cómo el ser humano tuvo la
necesidad de desarrollar el arte. Se dice que, desde la aparición del Homo Sapiens, el arte tuvo
una función ritual, relacionada con la magia y la religión. El arte fue desarrollándose a lo largo
de los siglos y variando de acuerdo con las civilizaciones y las épocas. En la antigua Grecia el
arte se clasificó en seis disciplinas: La arquitectura, la danza, la escultura, la música, la pintura
y la literatura. Esa clasificación se mantiene hasta el presente por la mayoría de los estudiosos,
agregando al cine como el séptimo arte, a la fotografía como el octavo, y a la historieta como
el noveno arte. Aunque estas dos últimas disciplinas se las considera más bien una extensión
de la pintura y el cine.
Fue durante el Renacimiento que surgió el concepto de “Bellas Artes”, separándose por
completo de la artesanía, el cual se encargaba de la producción de objetos en masa con fines
utilitarios. Mientras que las Bellas Artes se encargaba de la creación de obras únicas, sin un fin
utilitario más que el deleite del espectador. El concepto de que “El arte es bello” fue cambiando
entre el siglo XVIII y XIX, con el surgir de la Ilustración y los avances tecnológicos de esos
periodos históricos. Los artistas buscaron otras formas de expresarse y muchos empezaron a
representar al pueblo. También están los que mostraron interés por la naturaleza o los diversos
movimientos sociales.
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En el siglo XX, el arte sufrió un cambio radical en su concepto y formas de representación. Con
el auge tecnológico y diversos cambios sociales surgidos a lo largo del siglo, los artistas
comenzaron con la búsqueda de conceptos subjetivos y el rechazo al academicismo impuesto
por las Bellas Artes. El arte actual va en constante transformación, en búsqueda de nuevos
lenguajes e interpretaciones de la realidad del artista, ya sea de lo que lo rodea o de su mundo
interno. A continuación, se darán algunas frases dichas por artistas, filósofos y teóricos del arte
de distintas épocas y reflexionar sobre cada una de ellas.
• “El arte es una actividad humana consciente capaz de reproducir cosas, construir formas,
o expresar una experiencia, si el producto de esta reproducción, construcción, o expresión
puede deleitar, emocionar o producir un choque.” –Władysław Tatarkiewicz.
• “El arte es un medio de comunicación por el que una mente llega hasta otra, salvado un
gran foso en el espacio y en el tiempo, así somos a través de la muerte.” – Francis Hoyland
• “El arte es la única tarea suprema y actividad metafísica en esta vida.” – Friedrich
Nietzsche
• “Sólo a través del arte podemos emerger de nosotros mismos y saber lo que otros ven” –
Marcel Proust
FUENTES:
La música, el teatro, el cine, la danza y otras artes escénicas, así como la literatura y otros
medios, como los medios interactivos, se incluyen en una definición más amplia de arte o las
artes. Hasta el siglo XVII, el arte se refería a cualquier habilidad o dominio y no se diferenciaba
de las artes o las ciencias. En el uso moderno después del siglo XVII, donde las consideraciones
estéticas son primordiales, las bellas artes se separan y se distinguen de las habilidades
adquiridas en general, como las artes decorativas o aplicadas. El arte se puede caracterizar en
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términos de mimesis (representación de la realidad), narrativa (narración), expresión,
comunicación de la emoción u otras cualidades. Durante el período romántico, el arte llegó a
ser visto como “una facultad especial de la mente humana para ser clasificada con la religión y
la ciencia”. Aunque la definición de lo que constituye el arte se disputa y ha cambiado con el
tiempo, las descripciones generales mencionan una idea de habilidad imaginativa o técnica
derivada de la agencia humana y la creación. La naturaleza del arte y los conceptos
relacionados, como la creatividad y la interpretación, se exploran en una rama de la filosofía
conocida como estética.
Arte creativo y bellas artes. En la perspectiva de la historia del arte, las obras artísticas han
existido durante casi tanto tiempo como la humanidad: desde el arte prehistórico temprano hasta
el arte contemporáneo; sin embargo, algunas teorías restringen el concepto de “obras artísticas”
a las sociedades occidentales modernas. Un primer sentido de la definición de arte está
estrechamente relacionado con el significado latino más antiguo, que se traduce
aproximadamente como “habilidad” o “arte”, como asociado con palabras como “artesanal”.
Las palabras en inglés derivadas de este significado incluyen artefacto, artificial, artificio, artes
médicas y artes militares. Sin embargo, hay muchos otros usos coloquiales de la palabra, todos
con alguna relación con su etimología. Pocos estudiosos modernos han estado más divididos
que Platón y Aristóteles en la cuestión relativa a la importancia del arte, con Aristóteles
apoyando firmemente el arte en general y Platón se opone a su importancia relativa.
Varios diálogos en Platón abordan preguntas sobre el arte: Sócrates dice que la poesía está
inspirada en las musas, y no es racional. Habla con aprobación de esto, y de otras formas de
locura divina (embriaguez, erotismo y soñar) en el Fedro (265 a-c), y aún en la República quiere
proscribir el gran arte poético de Homero, y la risa también. En Ion, Sócrates no da ninguna
pista de la desaprobación de Homero que expresa en la República. El diálogo Ion sugiere que
la Ilíada de Homero funcionaba en el mundo griego antiguo como la Biblia lo hace hoy en día
en el mundo cristiano moderno: como arte literario inspirado divinamente que puede
proporcionar una guía moral, si solo puede interpretarse adecuadamente. Con respecto al arte
literario y las artes musicales, Aristóteles consideraba la poesía épica, la tragedia, la comedia,
la poesía ditirámbica y la música como un arte mimético o imitativo, cada uno variando en
imitación por medio, objeto y forma. Por ejemplo, la música imita con los medios del ritmo y
la armonía, mientras que la danza imita con el ritmo solo, y la poesía con el lenguaje.
Las formas también difieren en su objeto de imitación. La comedia, por ejemplo, es una
imitación dramática de los hombres peor que el promedio; mientras que la tragedia imita a los
hombres un poco mejor que la media. Por último, las formas difieren en su forma de imitación,
a través de la narración o el personaje, a través del cambio o no cambio, y a través del drama o
no drama. Aristóteles creía que la imitación es natural para la humanidad y constituye una de
las ventajas de la humanidad sobre los animales.
El segundo y más reciente sentido de la palabra arte como abreviatura de arte creativo o arte
fino surgió a principios del siglo XVII. Las bellas artes se refieren a una habilidad utilizada para
expresar la creatividad del artista, o para captar las sensibilidades estéticas de la audiencia, o
para atraer a la audiencia hacia una obra de arte más refinada o fina. En este último sentido, la
palabra arte puede referirse a varias cosas: (i) un estudio de una habilidad creativa, (ii) un
proceso de uso de la habilidad creativa, (iii) un producto de la habilidad creativa, o (iv) la
experiencia de la audiencia con la habilidad creativa. Las artes creativas (el arte como
disciplina) son una colección de disciplinas que producen obras de arte (el arte como objetos)
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que son impulsadas por un impulso personal (el arte como actividad) y transmiten un mensaje,
humor o simbolismo para que el perceptor interprete (el arte como experiencia).
El arte es algo que estimula los pensamientos, las emociones, las creencias o las ideas de un
individuo a través de los sentidos. Las obras de arte pueden crearse explícitamente para este
propósito o interpretarse sobre la base de imágenes u objetos. Para algunos estudiosos, como
Kant, las ciencias y las artes podrían distinguirse al considerar que la ciencia representa el
dominio del conocimiento y las artes como representativas del dominio de la libertad de
expresión artística. A menudo, si la habilidad se usa de una manera común o práctica, las
personas la considerarán una destreza en lugar de arte. Del mismo modo, si la habilidad se
utiliza de forma comercial o industrial, puede considerarse arte comercial en lugar de arte. Por
otro lado, la artesanía y el diseño a veces se consideran arte aplicado. Algunos seguidores del
arte han argumentado que la diferencia entre las bellas artes y el arte aplicado tiene más que ver
con los juicios de valor realizados sobre el arte que con cualquier diferencia clara de definición.
Sin embargo, incluso las bellas artes a menudo tienen objetivos más allá de la creatividad y la
autoexpresión. El propósito de las obras de arte puede ser comunicar ideas, como en arte
motivado-política, espiritual o filosóficamente; para crear un sentido de belleza (ver estética);
explorar la naturaleza de la percepción; por placer; o para generar emociones fuertes. El
propósito también puede ser aparentemente inexistente. La naturaleza del arte ha sido descrita
por el filósofo Richard Wollheim como “uno de los problemas tradicionales más difíciles de la
cultura humana”. El arte se ha definido como un vehículo para la expresión o comunicación de
emociones e ideas.
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interrelacionan en un contexto común que les otorga una identidad y sentido de pertenencia. El
concepto también implica que el grupo comparte lazos ideológicos, económicos y políticos. Al
momento de analizar una sociedad, se tienen en cuenta aspectos como su nivel de desarrollo,
los logros tecnológicos alcanzados y la calidad de vida.
Los expertos en el análisis de las sociedades establecen una serie de señas de identidad o de
características que exponen que son imprescindibles que se cumplan para que las reuniones o
asociaciones de grupos se consideren sociedades como tal. Así, entre otras cosas, requieren
tener una ubicación en una zona geográfica común, estar constituidos a su vez en diversos
grupos cada uno con su propia función social, deben tener una cultura común, pueden
considerarse una población en su totalidad… De la misma forma establecen que las sociedades
tienen una serie de funciones que pueden clasificarse en dos. Por un lado, estarían las generales
y por otro lado las específicas. Respecto a las primeras destacarían el hecho de que son los
instrumentos a través de los cuales se hacen posibles las relaciones humanas o que desarrollan
y establecen una serie de normas de comportamiento que son comunes para todos sus
miembros.
La sociedad existe desde que el hombre comenzó a poblar el planeta, aunque su forma de
organización sufrió variaciones a lo largo de la historia. La sociedad del hombre prehistórico
se encontraba organizada de modo jerárquico, donde un jefe (el más fuerte o sabio del conjunto)
concentraba el poder. A partir de la Grecia antigua, la tendencia absolutista del poder empezó
a modificarse, ya que los estamentos inferiores de la sociedad pudieron llegar a ciertos sectores
de importancia en la toma de decisiones a través de la democracia. Recién en 1789, con la
Revolución Francesa, la organización social cambió en forma radical: desde entonces, cualquier
persona puede subir a un estamento superior de la sociedad. Cabe mencionar que el concepto
de sociedad también puede entenderse desde una perspectiva económica y jurídica, para definir
a la unión de al menos dos individuos que se comprometen a realizar aportes y esfuerzos en
común para desarrollar una actividad comercial y repartir entre sí las ganancias obtenidas.
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humanidad o, específicamente, una variante particular del patrimonio social. El término cultura
posee varios significados todo depende del contexto en donde se emplea la palabra:
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EL ARTE RUPESTRE EN EL PALEOLÍTICO Y EL NEOLÍTICO
Esta teoría -del arte como respuesta a un fin práctico- es opuesta a otra que plantea el
surgimiento del arte como un pasatiempo análogo al juego, la teoría “del arte por el arte”.
Para Hauser, la explicación del arte paleolítico como una forma expresiva u ornamental es
insostenible porque las pinturas están ubicadas en lugares inaccesibles y oscuros, y el hecho de
la superposición de pinturas indica que se trataba de lugares convenientes para realizar la magia,
no un acto artístico.
Es probable que el arte figurado haya sido concebido al principio en forma desinteresada y que,
una vez concebido y realizado -quizás hasta por su propio acto creador- haya sido susceptible
de ser considerado como poseedor de un uso mágico. Es justamente la relación de la pintura
1 Periodo Neolítico: sigue al Mesolítico y precede a la Edad de los Metales, y se caracteriza por el desarrollo de la economía
productiva (implantación de la agricultura y la ganadería), el sedentarismo y aparición de los primeros poblados, la utilización
de la piedra pulida y de la cerámica, y la construcción de monumentos megalíticos.
2 Periodo Neolítico: sigue al Mesolítico y precede a la Edad de los Metales, y se caracteriza por el desarrollo de la economía
productiva (implantación de la agricultura y la ganadería), el sedentarismo y aparición de los primeros poblados, la utilización
de la piedra pulida y de la cerámica, y la construcción de monumentos megalíticos.
3 Estatismo: inmovilidad de lo que permanece estático.
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paleolítica con la magia la que nos ayuda a explicar el naturalismo de este arte: la representación
cuyo fin era crear un doble del modelo no podía ser sino naturalista. H. Breuil concluye “si el
arte por el arte no hubiese nacido, el arte mágico o religioso no habría existido nunca. Por otro
lado, si las ideas mágicas no hubiesen permitido incluir en las más graves preocupaciones de la
vida real al arte nacido por sí mismo, éste último, demasiado débilmente ligado a las
ocupaciones esenciales de la vida cotidiana, habría corrido el riesgo de permanecer
embrionario”.
Para Antoine Bon (Introducción general a la historia del arte. Librería Hachette, Bs. As. 1947),
las figuras están distribuidas sin una noción de la perspectiva. La pintura paleolítica es realista
pero no es una reproducción total de los elementos del modelo, sino por la elección -consciente
o no- de algunos elementos juzgados como indispensables. El artista no sólo dibuja los detalles
visibles desde su ángulo de encuadre, sino también otros que le parecen necesarios, aunque no
sean visibles más que para un observador colocado en otra parte (realismo intelectual).
Dos factores determinan el cambio de estilo: 1). El paso de una economía parasitaria a una
economía constructiva y productora. 2). La sustitución de la imagen monística del mundo por
el sentimiento dualístico de la vida.
4Animismo. Creencia de algunos pueblos que atribuye alma a todos los seres, incluso a los inorgánicos.
5Monista: doctrina filosófica que defiende que la materia y el espíritu, lo físico y lo síquico son idénticos en su esencia, y que
son dos aspectos de una misma sustancia manifestada en dos formas (dualismo).
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una perspectiva hierática de la sociedad, impregnada del culto y la religión. Fue con los
creadores de las pinturas de animales hechas en el paleolítico con la mencionada finalidad
mágica que se dio la primera especialización y división del trabajo. Porque estos “artistas-
magos”, dotados de poderes y reverenciados como hechiceros, quedaron liberados de la
obligación de buscar el alimento. Esta liberación habla incluso de la relativa mejoría de las
condiciones vitales, y significa que el grupo puede permitirse ya el lujo de la existencia de
“ociosos”. Es entonces cuando se da la separación entre arte sagrado y arte profano. El arte
sagrado es realizado exclusivamente por magos-sacerdotes, y el arte profano queda limitado a
la artesanía de las mujeres y a la industria doméstica.
Según Hörnes, “ese estilo geométrico es, ante todo, un estilo femenino; tiene un carácter
femenino y lleva al mismo tiempo la huella de la disciplina y la domesticación”. Se realiza un
reparto de funciones por sexo, pero no constituye una “clase artística”. Será con el comienzo
del comercio, la formación de ciudades y mercados, el crecimiento de la población y la creciente
división del trabajo que los creadores de imágenes de espíritus, dioses y hombres, de utensilios
decorativos, abandone el ámbito del trabajo doméstico y pase a ser un especialista que viva de
su oficio: el artesano.
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busca de las cada vez más escasas presas de caza; de hecho, deben abandonar las habitaciones
que habían erigido en las orillas de los cursos de agua.
La necesidad de encontrar una actividad de subsistencia llevó a los hombres del Neolítico a la
recolección y almacenamiento de cereales, que pronto iban a ser sembrados y cosechados.
Paralelamente, el hombre logró domesticar a algunos animales pequeños como el perro. El
primer lugar donde apareció la agricultura fue en el Cercano Oriente (en la actual Turquía
asiática) y los vestigios datan del año 8.000 a.C. También se han encontrado restos de actividad
agrícola en el Valle del Indo que han sido fechados hacia el 7800 a.C. Sin embargo, se estima
que recién en el año 3500 a.C. algunas poblaciones lograron desarrollar la agricultura; el resto
se mantuvo con sus hábitos de caza y recolección. La adopción de la agricultura significó para
sus usuarios la posibilidad de desarrollar civilizaciones más avanzadas que las de sus
contemporáneos, debido a los cambios culturales que produjo. El más importante es el paso de
grupos nómadas a poblaciones sedentarias, motivado por la necesidad de desarrollar la
agricultura y la ganadería, y de establecer un lugar fijo de alimentación y residencia.
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De igual forma, la organización de la ciudad se hizo más compleja, llevando a la creación de
instituciones, como el Estado y la Religión, las cuales ejercían el poder, establecían la
administración, y dirigían los destinos del cuerpo social. Es decir que la sociedad alcanzó un
alto grado de complejidad, en cuanto su organización y modo de vida. El desarrollo urbano y
la explosión demográfica provocaron la diferenciación social basada en la especialización de
las labores económicas; a partir de este momento, los hombres y mujeres se dividieron según
su función en la organización de la aldea. Las habilidades y capacidades técnicas dieron pie a
la aparición de los agricultores, los ganaderos, los artesanos, los guerreros, etc.
Sin embargo, estas barreras alimenticias fueron cayendo a medida que las distintas
civilizaciones históricas fueron entrando en contacto unas con otras y comerciando entre sí. De
esta manera, las especias (pimienta, nuez moscada, etcétera) llegaron desde Oriente a Europa
gracias al comercio musulmán durante la Edad Media, y distintos productos americanos
hicieron lo propio después de que América y Europa entraron en contacto durante el paso de
los siglos XV a XVI.
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LA ANTIGUA MESOPOTAMIA
▲La ciudad de Babilonia en su apogeo: los Jardines Colgantes dominan el Éufrates y el palacio real. El arco de color azul en el centro es la famosa Puerta
de Ishtar. Imagen tomada de: http://history-peru.blogspot.com/2013/06/la-antigua-mesopotamia-6000-539-ac.html
Hace unos 6000 años los avances agrícolas posibilitaron el surgimiento de sociedades más
complejas como la mesopotámica y la egipcia. Esto dio lugar a la aparición de las primeras
formas de Estado y a la invención de la escritura. El aumento de la producción agrícola dio
lugar a la aparición de excedentes, por lo que surgieron nuevos oficios y, en consecuencia,
nuevos grupos sociales. Además, estos excedentes propiciaron la aparición del comercio y de
un sistema de transportes tanto fluviales como terrestres.
Los poblados se convirtieron poco a poco en ciudades que necesitaban nuevas formas de
administración; así surgen los gobiernos de reyes y sacerdotes que crean leyes, impuestos,
ejércitos, arte y cultura. Debido a las nuevas necesidades administrativas y comerciales de las
recién formadas civilizaciones apareció la escritura; paralelamente en Egipto y Mesopotamia
(3500 a.C.). Con ella surgieron la enseñanza y la transmisión científica y cultural y su
recopilación en incipientes bibliotecas. En Egipto la escritura era jeroglífica y se escribía sobre
papiros. En Mesopotamia la escritura era cuneiforme y se escribía sobre tablillas de arcilla.
Organización política y social. La cultura de Mesopotamia era rica y diversa, sus avances
tecnológicos y sociales, así como muchas de sus invenciones, son reconocidas hoy en día a
nivel mundial. Mesopotamia del griego, que significa “entre dos ríos” era una región antigua
en el Mediterráneo oriental delimitada en el noreste por las montañas de Zagros y en el sureste
por la meseta de Arabia, que corresponde al Iraq de hoy, en su mayoría, pero también partes de
la moderna Irán, Siria y Turquía. El nombre se refiere a los ríos Tigris y Éufrates. La tierra en
aquel entonces fue distinguida por los mauritanos como “Al-Jazirah” (que significa, la isla),
reseña de lo que J.H. Breasted aclamaría más tarde como la Creciente Fértil, donde comenzó la
civilización mesopotámica. Mesopotamia existió cerca del año 5.000 a.C., se conoce como la
primera evidencia de la cultura humana y terminó con el ascenso de los persas de Aqueménide
alrededor del 1.500 a.C. Fue una civilización diversa y culturalmente rica que creció durante
varios miles de años y fue moldeada por muchos grupos étnicos.
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Entorno político de las ciudades: alrededor del año 3.000 a.C., varias ciudades-estados fueron
erigidas en Mesopotamia. Las ciudades-estados tenían sus propios reyes y dioses, y no
formaban un conjunto, sino que eran independientes entre sí. La falta de un régimen
centralizado significaba que había beligerancias entre las ciudades-estados y esto, sin duda,
contribuyó a la caída de Mesopotamia.
Clases sociales: el estrato social mesopotámico tenía tres clases bien definidas: la aristocracia,
compuesta por nobles y sacerdotes los mismos que eran los oficiales del gobierno estaban en la
cima de la pirámide; en segundo lugar, la clase a la que pertenecían los comerciantes, artesanos,
obreros y agricultores, también denominados “hombres libres”; y al final de la pirámide social
quedaban los cautivos de guerra y esclavos. Los siervos eran calificados como residentes libres
y eran resguardados por la ley.
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La familia: La unidad básica de la sociedad
mesopotámica era la familia y solamente los
aristócratas y los hombres libres podían
contraer matrimonio; aunque el matrimonio
era considerado un acuerdo de tipo
económico para aumentar el poder y la
riqueza de las familias. Las mujeres de
Mesopotamia poseían algunos derechos
civiles, e incluso les estaba permitido tener
propiedades y realizar negocios. Se permitía
el divorcio en las situaciones en que las
mujeres no podían dar hijos a sus esposos. En Mesopotamia la autoridad máxima era la del rey,
a quién se suponía de origen divino, es decir se pensaba que provenía de los dioses, de los cuales
recibía su poder.
Control político: los estados meridionales de Mesopotamia se unieron alrededor del año 2.350
a.C., bajo el poder de Sargón, que era el rey de los acadios. La lengua común fue el acadiano.
Después de 150 años, esta área comenzó a colapsar y las ciudades-estados antes unidas
comenzaron otra vez a funcionar independientes. Una de estas ciudades y la más grandes fue
Ur. El sumerio se convirtió de nuevo en el lenguaje escrito por elección, aunque ya no se
hablaba. Ur era la ciudad de los famosos edificios llamados zigurats. Éstos fueron hechos como
santuarios. Los zigurats fueron creados en el
centro de la ciudad.
En su vida cotidiana, los hombres salían a trabajar, por lo general un trabajo especializado, por
ejemplo, un constructor o un músico, mientras que las mujeres se quedaban en casa y cuidaban
de los hijos. El número promedio de niños en cada hogar era generalmente de 3 o 4. La
mortalidad infantil fue alta, al igual que el aborto espontáneo. Para proteger a un no nato, la
madre solía usar amuletos protectores, con el símbolo del demonio Pazuzu para ahuyentar
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deidades que desearían causar daño al niño no nacido, así como realizar rituales después del
nacimiento del niño para que ciertas deidades o demonios no robaran a su hijo. Los enseres
mesopotámicos manifestaban el modo de vida, las costumbres y las creencias del pueblo y
generalmente se hacían de piedra, caracoles, minerales y jaspe. La civilización mesopotámica
se compuso de influencias culturales sumerias, acadianas, asirias y babilónicas y el arte reflejó
la suma de todas esas culturas. Las artes incluían pinturas, esculturas y cuadros de vida y
religión. El arte en su mayoría tenía temas religiosos que honraba a los dioses. Los
mesopotámicos disfrutaron de la poesía, la música y los deportes.
Legado: el legado de Mesopotamia perdura hoy a través de muchos de los aspectos más básicos
de la vida moderna, como el minuto de sesenta segundos y la hora de sesenta minutos. Debido
a que el bienestar de la comunidad dependía de la observación atenta de los fenómenos
naturales, las actividades científicas o proto-científicas ocuparon gran parte del tiempo de los
sacerdotes. Por ejemplo, los sumerios creían que cada uno de los dioses estaba representado por
un número. El número sesenta, consagrado al dios Anu, era su unidad básica de cálculo. Los
minutos de una hora y los grados de notación de un círculo eran conceptos sumerios. El método
agrícola altamente perfeccionado y los sistemas minuciosos de riego y de control del agua
dieron a los mesopotámicos una gran producción agrícola. También condujeron a la evolución
de las grandes ciudades. La urbanización, la rueda, la escritura, la astronomía, las matemáticas,
la energía eólica, la cría de animales y las narraciones que eventualmente serían reescritas como
las Escrituras hebreas que forman el Antiguo Testamento procedían de la tierra de
Mesopotamia.
Calendario: el calendario solar mesopotámico tenía dos estaciones, verano e invierno. Cada
Año Nuevo comenzó en el primer lunar visible, después del equinoccio vernal. Los astrónomos
afanosos entendieron el modelo heliocéntrico del movimiento planetario, sabiendo que la tierra
gira en su propio eje y, a su vez, gira alrededor del sol.
Sistema de riego: Mesopotamia se encontraba en una llanura de grandes inundaciones que los
obligo a la construcción de un extenso sistema de riego artificial que le permitió cultivar una
gran cantidad de alimentos. Mesopotamia se basó en la inundación anual de los dos ríos para la
fertilidad de la tierra asiéndola productiva todo el año.
◄Imagen tomada de: https://redhistoria.com/el-origen-de-
la-escritura/escritura-cuneiforme/
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▲Imagen tomada de: https://www.caracteristicas.co/mesopotamia/
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Matemáticas. Los mesopotámicos nos legaron la multiplicación, la división y el sistema
sexagesimal. Los sumerios elaboraron los primeros contratos comerciales y los más antiguos
códigos legales. Ellos fueron los precursores del cheque, la letra de cambio y el pagaré.
Los pueblos de Mesopotamia. Geográficamente podemos distinguir dos zonas: Alta y Baja
Mesopotamia, pero para un mejor entendimiento es mejor dividir el territorio según los pueblos
que lo habitaban:
Bibliografía:
1. Bottéro, Jean; 1995. Mesopotamia: writing, reasoning and the gods. Trans. By Zainab
Bahrani and Marc Van de Mieroop, University of Chicago Press.
2. Kuhrt, Amélie; 1995. The Ancient Near East: c. 3000-330 B.C. 2 Vols. Routledge: London
and New York.
3. Matthews, Roger; 2005. The early prehistory of Mesopotamia – 500,000 to 4,500 BC,
Turnhout 2005.
4. Postgate, J. Nicholas; 1992. Early Mesopotamia: Society and Economy at the dawn of
history. Routledge: London and New York.
5. Mark, J. J. (2009, September 02). Mesopotamia. Ancient History Encyclopedia. Retrieved
from ancient.eu
6. Barbara Krasner. (2016). Ancient Mésopotamien Culture. Google Books: Rosen Publishing
Group.
7. Stephanie Dalley. (1998). The Legacy of Mesopotamia. Google Books: Oxford University
Press.
8. Sunita Apte. (2011). Mesopotamia. Google Books: Benchmark Education Company.
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EL CÓDIGO DE HAMMURABI
M. Pilar Rivero (Universidad de Zaragoza)
◄Estela donde se hallan grabadas las 282 leyes del Código de Hammurabi.
En la parte superior el rey Hammurabi (en pie) recibe las leyes de manos del
dios Shamash. La estela fue encontrada en Susa, a donde fue llevada como
botín de guerra en el año 1200 a. C. por el rey de Elam Shutruk-Nakhunte.
Actualmente se conserva en el Museo del Louvre (París).
“(…) entonces Anum y Enlil me designaron a mí, Hammurabi, príncipe piadoso, temeroso de
mi dios, para que proclamase en el País el orden justo, para destruir al malvado y al perverso,
para evitar que el fuerte oprima al débil, para que, como hace Shamash Señor del Sol, me alce
sobre los hombres, ilumine el País y asegure el bienestar de las gentes.”, se dice al principio
del código.
“Cuando Marduk me encargó llevar el orden justo a las gentes y mostrar al País el buen
camino, puse en la lengua del País la ley y la justicia y así fomento el bienestar de las gentes.
Por eso he dispuesto: (…)”
El código de Hammurabi no distingue entre derecho civil y derecho penal. En él hay leyes que
regulan las relaciones comerciales, patrimoniales, etc., y también leyes que determinan lo que
es delito y la pena que corresponde a cada delito. Sin embargo, esto se hace sin ninguna
sistematización, simplemente se suceden leyes que enumeran los posibles casos y lo que se
debe obrar en consecuencia (“si ha pasado esto, se hará esto otro”).
En el código no se distingue entre derecho civil y penal, es decir, se dan leyes que regulan los
asuntos de la vida cotidiana y leyes que castigan los delitos. Se regulan el comercio, el trabajo
asalariado los préstamos, los alquileres, las herencias, los divorcios, la propiedad, las penas por
delitos de robo, asesinato, etc.
El texto del código también nos sirve para saber cuáles eran los delitos más frecuentes en la
época, pues un delito previsto será un hecho que acontece con relativa frecuencia. En las penas
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aplicadas a cada delito se distingue si hay intencionalidad o no, y cuál es la “categoría de la
víctima y la del agresor”. Así la pena es mayor si se ha hecho adrede y menor si ha sido un
accidente; mayor si la víctima es un hombre libre menor si es un esclavo.
La mayoría de las penas que aparecen en el código son pecuniarias (multas), aunque también
existe pena de mutilación e incluso pena de muerte. En algunos casos la ley opta por aplicar
talión, es decir, hacer al agresor lo mismo que él hizo a su víctima siempre que ambos sean de
la misma “categoría”.
“Si un hombre golpea a otro libre en una disputa y le causa una herida, aquel hombre jurará
“Aseguro que no lo golpeé adrede” y pagará el médico”.
“Si un hombre ha ejercido el bandidaje y se le encuentra, será condenado a muerte.”
“Si un hombre ha acusado a otro hombre y le ha atribuido un asesinato y éste no ha sido
probado en su contra, su acusador será condenado a muerte.”
“Si un hombre ha reventado el ojo de un hombre libre, se le reventará un ojo.”
“Si revienta el ojo de un muskenu… pagará una mina de plata.”
“Si ha reventado el ojo de un esclavo de un hombre libre, pagará la mitad de su precio (del
precio del esclavo)”.
Como se ve en estas leyes el talión sólo se aplica entre individuos de igual categoría. En caso
de que el agresor se dé una categoría superior a la de la víctima no se aplica talión, sino que se
condena a una pena pecuniaria. En el código de Hammurabi aparecen tres “categorías de
hombres: los libres, los esclavos y una categoría intermedia llamada “muskenu” que podrían ser
siervos.
La dote (sheriktu) es siempre de la mujer, en caso de divorcio (como el contemplado ente esta
ley) la recupera y si muere pasa a ser de sus hijos. La dote es lo que garantiza a la mujer su
subsistencia, lo cual no significa que sea ella quien la administre con independencia, pues la
mujer está siempre bajo la tutela de un varón, sea el marido, el padre u otro pariente.
Podéis leer una traducción de estas leyes en la edición de F. Lara, Código de Hammurabi,
Madrid, Editora Nacional, 1982.
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EL ANTIGUO EGIPTO
Clases sociales: las clases sociales en el Antiguo Egipto estaban organizadas de forma piramidal, en
cuyo vértice se encontraba el faraón. Éste era considerado como un dios ya que se creía que tenía un
origen divino. Tomaba el nombre de El de las Dos Damas, Rey del Alto y Bajo Egipto, Horus de Oro,
Horus Vencedor e hijo de Ra. Al morir el faraón el poder era transferido por herencia a su hijo
primogénito, aunque en varias ocasiones no ocurría así. Era un monarca absoluto, aunque debía tener
una amplia formación intelectual, y toda su vida pública y privada era regulada con severidad. Tenía
todos los poderes: el legislativo, el ejecutivo, el judicial y el religioso. Las funciones del faraón
consistían en preservar y hacer respetar las leyes de Maat, mantener el orden total del universo, desde el
momento de la creación, no sólo en lo que respecta a la estructura social y política de Egipto, sino
también a las leyes de la naturaleza.
La clase siguiente en la estructura fue la de los funcionarios y los escribas. Los funcionarios
eran el cuerpo administrativo del imperio. Esta clase social estaba formada por nobles que
disfrutaban de numerosos privilegios. Eran muy influyentes en la política. Los escribas eran
muy importantes en la organización del estado, ya que eran los encargados de redactar leyes,
transcribir textos sagrados y todo tipo de escritos comerciales y administrativos.
A continuación, se encuentra la clase más humilde, formada por trabajadores del campo y la
ciudad. Todos ellos eran personas libres, aunque si estaban al servicio de los templos o de los
palacios, sufrían cierto tipo de servilismo. Los campesinos trabajaban en su mayoría en la
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agricultura, especialmente de los cereales. En la época del akhet o crecida del Nilo, trabajaban
como constructores de templos y pirámides. Los canteros trabajaban de forma semipermanente,
ya que las explotaciones se realizaban cuando el faraón necesitaba piedras para sus
construcciones. Los mineros se dedicaban especialmente a la extracción de oro y turquesa.
Respecto a los artesanos, trabajaban en talleres en los que todos los oficios estaban mezclados,
y supervisados por un director general: orfebres, joyeros, carpinteros, trabajadores del cuero,
pintores…Los escultores preferían trabajar aislados, aunque era frecuente que varios de ellos
trabajaran en la misma obra. Los comerciantes eran bien considerados dentro de la sociedad
egipcia, gracias a las importaciones y exportaciones que generaban.
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germinación y cosecha, de cuatro meses cada estación. Cada mes tenía 30 días, por lo que se
añaden 5 días de fiestas religiosas al último mes del año. Ello les permitía realizar las distintas
tareas agrícolas con el menor riesgo posible. Para hacer frente a la escasez de lluvias, los
egipcios crearon un sistema muy elaborado y complejo de diques, estanques, canales y acequias
que les permitía regar los cultivos una vez sembrados.
Historia de Egipto. Tras ser unidos el Alto y el Bajo Egipto por el faraón Menes (3000 a. C.),
su historia puede dividirse en cuatro etapas:
Religión egipcia. La religión egipcia era politeísta, y sus dioses mezclaban rasgos humanos y
animales. Creían que existía una vida después de la muerte, por lo que momificaban a sus
muertos. En la siguiente tabla se describe algunos de los principales dioses egipcios y sus
funciones:
DIOS FUNCIONES
Ra Amón-Ra Dios del Sol, señor del cielo
Osiris Dios de los muertos
Seth Dios de las tinieblas
Isis Diosa de la fertilidad
Horus Dios de la guerra
Anubis Dios del infierno
Thot Dios de la sabiduría e inventor de la escritura
Faraón Imagen terrestre del dios creador
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El legado de la civilización egipcia en todos los aspectos es de incalculable valor: obras
religiosas como el Libro de los Muertos, literarias como el Sinuhé (el Sinuhé es un cuento
egipcio que se conoce por dos papiros), además de trabajos científicos y técnicos. El calendario
por el que se regían los egipcios era muy parecido al actual, los egipcios fueron grandes
conocedores de las operaciones matemáticas y avanzaron mucho en las prácticas médicas
(cirugía y tratamientos para muchas enfermedades). En el arte egipcio se distinguen las
siguientes manifestaciones:
◄Imagen tomada de: https://www.aboutespanol.com/arquitectura-
egipcia-179950
Los templos: los templos egipcios fueron construidos para el culto oficial de los dioses y la
conmemoración de los faraones del Antiguo Egipto en las regiones bajo su dominio. Los
templos eran vistos como el hogar de los dioses o faraones deificados a quienes eran dedicados
y en ellos los faraones y el clero egipcio llevaban a cabo diversos rituales.
Las mastabas: tumba egipcia antigua de base rectangular, techo plano y muros laterales
inclinados, construida con bloques de adobe o con piedra. Eran el lugar de entierro de muchos
personajes egipcios durante el Periodo Arcaico de Egipto y el Antiguo Imperio. Durante la
época del Antiguo Imperio, los faraones comenzaron a ser enterrados en pirámides.
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Las verdaderas cámaras funerarias, llenas de tesoros, estaban escondidas y tapiadas. En la parte
exterior se encontraba un templo funerario.
Los hipogeos: eran grandes cámaras funerarias excavadas bajo tierra y muy decoradas. Un
corredor de acceso baja a una primera sala profusamente decorada y que contenían la estatua
del ka del difunto. Bajando un poco más se accede a la antecámara y a la cámara del tesoro que
precedía a la cámara funeraria donde estaban los sarcófagos
Los jeroglíficos: son una medida de escritura, la cual significa (del griego) “hieros” (sagrado)
y “glypho” (esculpir, grabar). Estos principalmente eran pictogramas que simbolizaban
personas, animales, plantas y objetos estilizados, inscritos en papiros, templos y pirámides. Los
investigadores actuales denominan a los jeroglíficos la escritura más antigua del mundo.
◄Imagen tomada de: https://camposdetierra.net/ 2011/10/06/las-
matematicas-en-egipto/
La sociedad: los egipcios fueron los que incentivaron los movimientos populares, los cuales
alcanzaron grandes logros que constituyeron unos de los ejemplos de los fenómenos históricos
que se registran en la historia de la humanidad.4.- La geometría: La necesidad de volver a
marcar los límites de los terrenos de cultivo al bajar el nivel del agua del Nilo, después de las
inundaciones anuales, impulsó el desarrollo de la geometría y los instrumentos de medición
para el cálculo de áreas, volúmenes e incluso del
tiempo.
27
◄Imagen tomada de: https://www.facebook.com/Civilizacionesantiguasegipto
mesopotamiagrecia roma/posts/la-alquimia-en-el-antiguo-egiptoel-origen-de-la-
alquimia-occidental-puede-situar/1193837147352602/
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LA PIEDRA DE ROSETTA
▲Piedra de Rosetta
La famosa pieza, que resultó ser un elemento clave para descifrar los jeroglíficos egipcios, fue
hallada casualmente en el norte de Egipto. La piedra de Rosetta, con inscripciones en egipcio,
demótico y griego antiguo, fue hallada el 15 de julio de 1799 por parte de un destacamento
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militar francés. Champollion fue quien, finalmente, descifró los jeroglíficos egipcios a través
de la piedra de Rosetta, en 1822.
Así fue el descubrimiento de la piedra de Rosetta. A mediados de julio de 1799 -se desconoce
con exactitud el día preciso-, un destacamento militar francés, bajo las órdenes del oficial
Pierre-François Bouchard (1771-1822), se puso a desenterrar una antigua fortaleza egipcia,
denominada por los franceses Fort Julien, en Rashid (Rosetta), en la costa norte de Egipto,
cuando un soldado descubrió la llamada piedra de Rosetta, un bloque de piedra granítica de
unos 760 kilos que dos décadas después resultó ser un elemento clave para descifrar los
jeroglíficos egipcios. En la cara pulimentada de la piedra, que era un fragmento de una antigua
estela egipcia, aparecían tres tipos de escritura: la parte superior, compuesta por 14 líneas,
estaba formada por jeroglíficos egipcios; las 32 líneas de la parte central estaban escritas en
demótico, la última fase de la escritura egipcia; y la parte inferior la formaban 54 líneas en
griego, una lengua hablada y escrita en el antiguo Egipto desde época helenística.
▲Los cuidados de un tesoro. La Piedra de Rosetta es sometida a labores de conservación por el conservador Nic Lee, en la Galería de escultura egipcia
del Museo Británico de Londres. Foto: Edmond Terakopian / AP / PA
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◄Jean-Francois Champollion. Retrato al óleo que datado en 1831. El
cuadro se encuentra expuesto en el Museo del Louvre, en París. Foto:
Museo del Louvre.
▲Años de estudio. Una litografía muestra a varios expertos inspeccionando la Piedra de Rosetta durante el Segundo Congreso Internacional de Orientalistas,
en 1874. Foto: Illustrated London News.
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LA ANTIGUA GRCIA GRECIA
▲Mapa de la Antigua Grecia, que intenta recoger las regiones y las ciudades más importantes desde la Época Arcaica hasta la época de Alejandro Magno.
Todos los nombres de lugar están escritos según aparecen en FERNÁNDEZ URIEL, Pilar: Historia Antigua Universal II. El mundo griego, UNED, Madrid,
2007. Imagen tomada de: https://en.wikipedia.org/wiki/File:Mapa_Grecia_Antigua.svg
El término Antigua Grecia se refiere al periodo de la historia de Grecia que abarca desde la
Edad oscura de Grecia, comenzando en el 1200 a. C. y la invasión dórica, hasta el año 146 a.
C. y la conquista romana de Grecia tras la batalla de Corinto. Se considera generalmente como
la cultura seminal que sirvió de base a la civilización occidental. La cultura de Grecia tuvo una
poderosa influencia sobre el Imperio romano, el cual la difundió a través de muchos de sus
territorios en Europa. La civilización de los antiguos griegos ha sido enormemente influyente
para la lengua, la política, los sistemas educativos, la filosofía, la ciencia y las artes, dando
origen a la corriente renacentista de los siglos XV y XVI en Europa Occidental, y resurgiendo
también durante los movimientos neoclásicos de los siglos XVIII y XIX en Europa y América.
La civilización griega era básicamente marítima, comercial y expansiva. Una realidad histórica
en la que el componente geográfico jugó un papel crucial en la medida en que las características
físicas del sur de la península de los Balcanes, de accidentado relieve, dificultaban la actividad
agrícola y las comunicaciones internas, mientras que su dilatada longitud costera favorecía su
expansión hacia ultramar. Un fenómeno sobre el que incidirían también de forma sustancial la
presión demográfica originada por las sucesivas oleadas de pueblos (entre ellos los aqueos, los
jonios y los dorios) que invadieron y ocuparon la Hélade a lo largo del III y II milenio a. C.
https://es.wikipedia.org/wiki/Antigua_Grecia
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ESPARTA. La polis Esparta estaba situada en el alto valle del río Eurotas, en la región de
Laconia, al sur de la península del Peloponeso. Esta ciudad se caracterizaba por su suelo
montañoso, con valles sinuosos, separados por los contrafuertes, que llegan hasta las orillas del
mar. Su territorio se encuentra cruzado por dos cadenas de montañas que están orientadas en
forma paralela: el monte Taigeto, al oeste y el Parnón, al este. Entre ambas corre el río Eurotas,
del norte a sur. A sus orillas se edificó la ciudad de Esparta, relativamente distante del mar.
Los Reyes. Eran en número de dos y pertenecían a familias diferentes. La dignidad real era
hereditaria. Uno de ellos era el jefe del ejército y el otro, el sumo sacerdote, que administraba
el culto a los dioses. Este sistema dual garantizaba el buen gobierno, cada rey contrabalanceaba
el poder del otro.
El Senado. Llamado también Gerusía estaba integrado por veintiocho miembros, de familias
honorables de espartanos, todos ellos, mayores de sesenta años de edad. Eran elegidos por la
asamblea y con carácter vitalicio. El Senado tenía funciones legislativas. Con el tiempo al
Senado se le fue restando las atribuciones de gobierno a los reyes que al final, mantuvieron solo
la jefatura militar.
La Asamblea. Formada por todos los ciudadanos mayores de treinta años, a excepción de los
periecos y los ilotas. La Asamblea nombraba a los senadores y éforos, aprobaban o rechazaban
las leyes presentadas por el Senado.
Los Éforos. Eran cinco magistrados elegidos por la Asamblea, que tenían la misión de impedir
cualquier cambio en la estructura política, proteger los privilegios de la clase dirigente contra
los reyes, periecos y los ilotas. Los éforos también debían velar por la educación de la juventud
y el mantenimiento del orden. por último, convocaban la asamblea y obligaban a los reyes y
funcionarios a rendir cuentas, su mandato solo duraba un año, a cuyo término rendían cuentas
de su administración.
Los Espartanos o iguales. Constituían la primera clase social. Eran los descendientes de los
dorios, que habían dominado a los primitivos pobladores. Formaban una verdadera aristocracia.
Gracias a las reformas de Licurgo, todos eran iguales en rango y fortuna. Eran los únicos que
podían elegir y ser elegidos. No debían ejecutar ninguna especie de trabajo, salvo su constante
preparación para la guerra y ciertas funciones políticas. Esta minoría privilegiada no pasaba de
9000 personas sin embargo dominaban la ciudad y acumulaban todos los derechos.
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Los Periecos o Laconios. Formaban la segunda clase social inferior a la espartana, pero con
ciertos derechos limitados: eran hombres libres, conservaban la propiedad de la tierra a cambio
de un tributo anual, pero, no podían participar en el gobierno. Estos no eran sino los antiguos
propietarios de las tierras, sometidos pacíficamente. Se dedicaban a las labores artesanales,
industriales, agrícolas y comerciales, eran obreros libres, pero con la obligación de pagar
impuestos. Debían cumplir con el servicio militar en tiempo de guerra. Su número no paso de
30 mil personas.
Los Ilotas. Eran propiedad de la nación, una especia de siervos del Estado puestos a disposición
de los particulares para trabajar la tierra. Les estaba prohibido abandonar la tierra, pero tampoco
podían ser despedidos. Su suerte era mejor que la de un esclavo, podían tener casa y vivir con
su familia en la parcela que se le daba a cultivar. Solo se le obligaba a proporcionar cada año al
propietario una determinada cantidad de trigo, vino aceite. No fueron maltratados ya que el
Estado en tiempo de paz los necesitaba para la agricultura y en tiempo de guerra debían defender
a los espartanos.
A los 17 años, los jóvenes espartanos ingresaban al ejército, bajo juramento de fidelidad a la
patria, a los dioses y a las leyes. A los 30 años se les permitía integrar la Asamblea de los
ciudadanos y solo así podían contraer matrimonio, sin embargo, no estaban completamente
libres. El servicio militar era obligatorio hasta los 60 años. Las tropas estaban formadas por la
infantería y cada hombre se llamaba Hoplita.
A los jóvenes se les inculcaban el civismo que consistía en asistir a las asambleas del pueblo y
respetar a las autoridades. Asimismo, aprendían el uso preciso de las palabras (laconismo). El
amor maternal fortalecía el patriotismo. La madre era capaz de sacrificar a su hijo, si se había
mostrado cobarde en la guerra. Eran frecuentes las despedidas de las madres de esta manera:
vuelve con tu escudo o sobre tu escudo (mata o muere); si tu espada es corta, darás un paso más
en el combate, no te detengas.
34
extendieron más allá de los límites geográficos de la ciudad y se hicieron universales. El
pensamiento político, el teatro, las artes, la filosofía, la ciencia, la arquitectura y tantos otros
aspectos del pensamiento llegaron a su épico apogeo en una coincidencia temporal; con una
plenitud intelectual única en la historia de la humanidad. Se caracteriza por ser uno de los
centros tanto intelectuales como religiosos (junto con Olimpia), ya que aquí se encuentran
ubicados el Templo de Hefesto, el Partenón (templo dedicado a Atenea) y el Templo de Zeus
Olímpico, que fue el mayor templo de Grecia (actualmente está en ruinas).
El nombre de Atenas en la antigua Grecia era “Las Atenas”, de forma plural: ya que
posiblemente era originariamente un grupo de villorrios que se unieron formando la ciudad. El
nombre no tiene etimología griega definida y algunas versiones afirman que la ciudad había
sido bautizada por su protectora, la diosa Atenea, diosa de la sabiduría, quien disputó con
Poseidón ser el símbolo de la ciudad.
Los grupos sociales de Atenas eran: 1). Los ciudadanos: los que habían nacido en Atenas, de
entre estos, solo los varones mayores de edad podían intervenir en política. 2). Los metecos: los
residentes en la ciudad que no habían nacido allí. 3). Los esclavos: eran muy numerosos y no
tenían ningún derecho.
▲Ilustración de los diferentes dioses del Olimpo en la mitología griega. Imagen tomada de: https://www.lavanguardia.com/historiayvida/historia-
antigua/20170207/47312661446/mitologia-griega-bajo-el-influjo-del-olimpo.html
Las narraciones sobre los héroes y los dioses griegos se llaman mitos. Estos dioses tenían
características y formas humanas. Algunos de ellos son: Zeus, padre de todos los dioses,
Poseidón, dios del mar, Atenea, diosa de la ciencia, Afrodita, diosa del amor, etc. Los griegos
construían templos para el culto a sus dioses. La mitología griega aparece explícitamente en
una extensa colección de relatos e implícitamente en artes figurativas tales como cerámica
pintada y ofrendas votivas. Los mitos griegos intentan explicar los orígenes del mundo y
detallan las vidas y aventuras de una amplia variedad de dioses, héroes y otras criaturas
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mitológicas. Estos relatos fueron originalmente difundidos en una tradición poética oral, si bien
actualmente los mitos se conocen principalmente gracias a la literatura griega.
Las fuentes literarias más antiguas conocidas son los poemas épicos de la Ilíada y la Odisea,
dos poemas casi contemporáneo de Homero, se centran en los sucesos en torno a la Guerra de
Troya, Hesíodo, la Teogonía y los Trabajos y días, contienen relatos sobre la génesis del
mundo, la sucesión de gobernantes divinos y épocas humanas y el origen de las tragedias
humanas y las costumbres sacrificiales. También se conservaron mitos en los himnos
homéricos, en fragmentos de poesía épica del ciclo troyano, en poemas líricos, en las obras de
los dramaturgos del siglo V a. C., en escritos de los investigadores y poetas del período
helenístico y en textos de la época del Imperio romano de autores como Plutarco y Pausanias.
Los hallazgos arqueológicos suponen una importante fuente de detalles sobre la mitología
griega, con dioses y héroes presentes prominentemente en la decoración de muchos objetos.
Diseños geométricos sobre cerámica del siglo VIII a. C. representan escenas del ciclo troyano,
así como aventuras de Heracles. En los subsiguientes periodos arcaico, clásico y helenístico
aparecen escenas mitológicas homéricas y de otras varias fuentes para complementar la
evidencia literaria existente. La mitología griega ha ejercido una amplia influencia sobre la
cultura, el arte y la literatura de la civilización occidental y sigue siendo parte del patrimonio y
lenguaje cultural occidental. Poetas y artistas han hallado inspiración en ella desde las épocas
antiguas hasta la actualidad y han descubierto significado y relevancia contemporáneos en los
temas mitológicos clásicos. Todo el mundo cultural de los primeros siglos de la historia de
Grecia está recogido en las obras de Homero, la Ilíada y la Odisea, pero en ambos casos los
sucesos narrados tienen como marco el mito, es decir la mitología.
Los poetas, mediante el mito, eran los encargados a través de una docencia oral, de enseñar el
cómo y el porqué de los sucesos. Un conjunto de dioses, representantes de las fuerzas de la
naturaleza o de las diferentes capacidades de los seres humanos, eran la causa del universo o la
máxima representación de la sabiduría. Todo podía explicarse a través de la mitología, aunque
fuera ilógico e irracional, pues correspondía en definitiva al comportamiento arbitrario de algún
dios. Ya a comienzos del S. VI a. C., hubo quienes desearon explicaciones más racionales y
menos arbitrarias de las cosas. Ello pudo deberse a la gran actividad comercial y colonial de los
griegos, que les puso en contacto con otros pueblos y otros modos de explicar el universo. Con
ello surgirá la filosofía, como un intento crítico de superar las fantasiosas respuestas del mito.
https://es.wikipedia.org/wiki/Mitolog%C3%ADa_griega
Guerras Médicas. Las llamadas Guerras Médicas constituyen uno de los conflictos más
conocidos de la antigüedad. De hecho, uno de los episodios más famosos de la Edad Antigua,
la batalla de Maratón tuvo lugar en el contexto de las Guerras Médicas. Guerras Médicas es el
nombre que reciben una serie de conflictos que enfrentaron al Imperio Aqueménida o persa con
una confederación de polis griegas entre los años 499 y 449 a. C. Los propios griegos se
refirieron a estas guerras como el “asunto medo”, pues, aunque eran perfectamente conscientes
de que el Imperio aqueménida, su enemigo, estaba gobernado por una dinastía persa,
conservaron para éste el nombre con que fue conocido antes, Media, una región contigua a
Persia sometida a su imperio. Esparta y Atenas se unieron, en el siglo V, para luchar contra la
invasión de los persas. Consiguieron el triunfo en la llanura de Maratón (Primera Guerra) y en
la batalla de Salamina (Segunda Guerra).
https://es.wikipedia.org/wiki/Guerras_m%C3%A9dicas
36
Las Guerras del Peloponeso. La guerra del Peloponeso (431 a. C.-404 a. C.) fue un conflicto
militar de la Antigua Grecia que enfrentó a la Liga de Delos, encabezada por Atenas, con la
Liga del Peloponeso, encabezada por Esparta. Tradicionalmente, los historiadores han dividido
la guerra en tres fases. Durante la primera, llamada la guerra arquidámica, Esparta lanzó
repetidas invasiones sobre el Ática, mientras que Atenas aprovechaba su supremacía naval para
atacar las costas del Peloponeso y trataba de sofocar cualquier signo de malestar dentro de su
Imperio. Este período de la guerra concluyó en el 421 a. C., con la firma de la Paz de Nicias.
Sin embargo, al poco tiempo el tratado fue roto por nuevos combates en el Peloponeso lo que
llevó a la segunda fase. En el 415 a. C., Atenas envió una inmensa fuerza expedicionaria para
atacar a varios aliados de Esparta. La excursión ateniense, que se prolongó del 415 al 413 a. C.,
terminó en desastre, con la destrucción de gran parte del ejército y la reducción a la esclavitud
de miles de soldados atenienses y aliados.
Esto precipitó la fase final de la guerra, que suele ser llamada la guerra de Decelia. En esta
etapa, Esparta, con la nueva ayuda de Persia y los sátrapas (gobernadores regionales) de Asia
Menor, apoyó rebeliones en estados bajo el dominio de Atenas en el mar Egeo y en Jonia, con
lo cual debilitó a la Liga de Delos y, finalmente, privó a Atenas de su supremacía marítima. La
destrucción de la flota ateniense en Egospótamos puso fin a la guerra y Atenas se rindió al año
siguiente. La guerra del Peloponeso cambió el mapa de la Antigua Grecia. Desde un punto de
vista helénico, Atenas, la principal ciudad antes de la guerra, fue reducida prácticamente a un
estado de sometimiento, mientras Esparta se establecía como el mayor poder de Grecia. El costo
económico de la guerra se sintió en toda Grecia; un estado de pobreza se extendió por el
Peloponeso, mientras que Atenas se encontró a sí misma completamente devastada y jamás
pudo recuperar su antigua prosperidad. La guerra también acarreó cambios más sutiles dentro
de la sociedad griega; el conflicto entre la democracia ateniense y la oligarquía espartana, cada
una de las cuales apoyaba a facciones políticas amigas dentro de otras ciudades-estado, hizo de
las guerras civiles algo común en el mundo griego.
Mientras tanto, las guerras entre ciudades, que originariamente eran una forma de conflicto
limitado y formal, se convirtieron en luchas sin cuartel entre ciudades-estado que incluían
atrocidades a gran escala. La guerra del Peloponeso, que destrozó tabúes religiosos y culturales,
devastó extensos territorios y destruyó ciudades enteras, marcó el dramático final del dorado
siglo V a. C. de Grecia.
https://es.wikipedia.org/wiki/Guerra_del_Peloponeso
37
de analizar objetivamente por la falta de recursos, han sobrevivido pocas pinturas griegas
originales o copias de estas.
Obras griegas: Épica: Escritas hace cerca de 3000 años, la Ilíada y la Odisea se convirtieron
en la base literaria de la Grecia Clásica e influyeron decisivamente en toda la cultura occidental,
hasta nuestros días. Épica es el género que relata las hazañas de los héroes, modelos ejemplares
de valentía y heroísmo para el pueblo que escucha la narración de estas gestas. Homero es
considerado uno de los grandes escritores de obras épicas que relata los combates entre griegos
y troyanos ocurridos durante la guerra de Troya.
◄El rapto de Helena, de Gavin Hamilton. Imagen
tomada de: https://www.aboutespanol.com/homero-
la-iliada-y-la-odisea-resumen-completo-2174574
38
Áyax, Aquiles, Héctor, Paris o Eneas. Los asuntos que se tratan son los límites del ser humano
y su lucha por alcanzar la felicidad y la prosperidad.
Lírica: es el género que expresa los sentimientos personales del poeta respecto al amor, el
miedo a la muerte, la fugacidad de la vida… Arquíloco de Paros. Píndaro. Safo (poetisa). Korina
(poetisa) fueron algunos y algunas de los grandes exponentes de la lírica griega.
Comedia: las comedias se representaban bajo los auspicios del estado y eran tema de
competencia. Obtuvieron el reconocimiento del Estado después que las tragedias, habiendo sido
puestas en escena previamente por los actores a sus propias expensas. Fueron representadas por
primera vez en la festividad anual de las Dionisias Urbanas en el año 486 a. C. (cuando un tal
Quiónides ganó el certamen) y en las Leneas (otra festividad dionisíaca), c. 440 a. C. Antes y
después de la Guerra del Peloponeso (431-404 a. C.) se representaban cinco comedias al año
en cada festividad. Durante esta guerra al parecer el númestrado era el arconte epónimo, y en
las Leneas el arconte basileo. La obligación de proporcionar un coro recaía sobre los ciudadanos
acaudalados. Los dramaturgos, a quienes se les pagaba una cantidad no precisada, presentaban
normalmente solo una obra cada uno, y competían por el primer premio, que podía no haber
sido más que una corona de yedra. En las Leneas parece que se otorgaba también un premio al
mejor actor cómico, aunque no en las Dionisias Urbanas hasta finales del siglo I. La comedia
era una representación teatral festiva que terminaba con el rito de un matrimonio simbólico para
estimular la fertilidad de la tierra. En la comedia en contraposición a la tragedia el final era
siempre feliz.
Imagen tomada de: http://electrateatrouniversitario.blogspot.com/
2016/10/laboratorio-de-teatro-coral.html ►
La retórica: es el arte de hablar bien en público. El origen de la retórica está relacionado con
el sistema político ateniense, la democracia. En ella, los asuntos políticos importantes se
trataban en asambleas y los pleitos se resolvían ante tribunales populares. No había abogados
ni fiscales profesionales, sino que el acusado y el acusador pronunciaban cada uno su discurso
y el tribunal popular decidía. Pronto hubo quien se ofreció a preparar los discursos ajenos, y así
nacieron los “logógrafos”, o escritores profesionales de discursos. Paralelamente, se abrieron
escuelas de retórica, donde unos profesionales, llamados “sofistas”, se encargaban de enseñar
las bases del arte retórico. La retórica enseña a persuadir a los oyentes, en este caso al tribunal.
Un brillante discurso es la clave para ascender en política y para triunfar ante un tribunal. Entre
los mejores oradores griegos destacan Isócrates y Demóstenes.
Los filósofos: los primeros filósofos en la Antigua Grecia pretendían explicar el cosmos
encontrando una causa que fuera el origen de todo. Como ejemplos podemos citar a:
40
Demócrito: mantenía la existencia de átomos que flotaban
en el vacío y que al unirse daban lugar a las diferentes
formas. Estos átomos se movían caóticamente, por azar.
Gracias al vacío existía el movimiento, y, por lo tanto, la
pluralidad. Hay anécdotas según las cuales Demócrito reía
muy a menudo irónicamente ante la marcha del mundo, y
decía que “la risa torna sabio”.
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despertaron entusiasmo en los jóvenes y fuerte oposición entre los de mentalidad más
tradicional. Sofista fue primero sinónimo de sabio. Pero después, por influencia de Platón,
adquirió el sentido peyorativo de embaucador hábil y mentiroso.
ATENAS ESPARTA
LOS LA BULÉ
APPELA
MAGISTRADOS El consejo preparaba
(ASAMBLEA)
ejecutan las leyes los asuntos a tratar
42
concepto de democracia fue perfeccionado por un líder que se llamaba Clístenes y que sorteaba
los cargos políticos entre los miembros de la ciudadanía, no obstante, no era una democracia
como la de hoy en día, sino que fue la base del sistema que hoy en día se encuentra en la mayoría
de los países occidentales.
Para concluir con la diferencia entre estas dos ciudades-estados de la Antigua Greca es
importante señalar que, la sociedad de Esparta estaba muy jerarquizada y había una gran
diferencia entre ricos y pobres; en Atenas había mucha más variedad de clases sociales y se
limaban las diferencias entre los más pudientes y los más desfavorecidos. La educación en
Esparta estaba dirigida básicamente en preparar grandes militares que pudieran engrosar las
filas del ejército; en cambio, en Atenas se promovían estudios pensados en crear un ciudadano
ideal que fuera diestro tanto en las letras como en las armas. La organización política de Esparta
estaba totalmente supeditada a los grupos de la aristocracia; en Atenas, sin embargo, se inició
con la democracia, un nuevo sistema de organización política que pretendía crear igualdad entre
los ciudadanos
Elia Tabuenca.
https://educacion.uncomo.com/articulo/diferencias-principales-entre-atenas-y-esparta-45654.html
HISTORIA DE ROMA
◄Bandera del Imperio Romano. Imagen tomada de:
https://www.ocesaronada.net/que-significaba-el-estandarte-spqr-usado-en-
la-antigua-roma/
La República, el Imperio y la gloria. Al caer la monarquía de los etruscos vienen los latinos,
pueblos indoeuropeos que conformaron la República Romana en el año 509 a. C. Esta parte de
la historia de Roma deja muchos legados jurídicos para el resto de la historia de la humanidad,
como, por ejemplo, nace la Ley de las XII tablas que era como la Constitución llevada a cabo
desde el 451 a. C. Esto traería severas consecuencias, ya que los plebeyos les exigirían a los
patricios más beneficios y accesos al Senado, los patricios se negaron a esto y los plebeyos dan
inicio a la primera protesta de la historia, que para una segunda vez sí sería aceptado por los
patricios en el año 450 a. C.
Los orígenes del Imperio. Dos figuras dominaron el final del régimen republicano y el
principio del Imperio –Julio César y Augusto–. Julio César era un general y político brillante,
que sacó provecho de los problemas de Roma. Primero, formó una alianza de gobierno con los
cónsules Pompeyo y Crassus, llamada El Primer Triunvirato. Luego, cuando Crassus muere,
43
les hizo la guerra a Pompeyo y al Senado para obtener el poder único sobre Roma. Su error
radicó en auto nombrarse dictador de por vida –decisión que lo llevó a su asesinato–. Esta
situación provocó otros 14 años de guerra civil entre Augusto, el heredero nombrado por César,
y Marco Antonio, el sustituto de César. Cuando Augusto derrotó a Antonio en Actium en el año
31 a. C., ganó el poder absoluto sobre Roma. Inteligentemente, Augusto no eligió ser un
dictador como César. Formó el Principado, que le otorgó el poder real –de por vida–, mientras
parecía darle al Senado un rol mucho mayor al que realmente tenía. Había nacido el Imperio.
El ascenso del Imperio. Con el pasar de los siglos aparece un personaje muy trascendente en
la historia: Julio César, que sería el primer dictador militar de la historia, asumiendo el poder
en el año 49 a. C. En el gobierno de César hubo persecuciones a tribunos de la plebe, los
hermanos Tiberio y Cayo Greco fueron asesinados junto a sus seguidores. Más tarde surgiría
otro tribuno de la plebe llamado Cayo Mario que sería asesinado por la mano derechas de Julio
César, Cornelio Sila. César fue asesinado el 15 de marzo del 44 a. C. en el Senado Romano.
Más tarde, un hijo adoptivo de César, llamado César Augusto acabaría con la República el 27
a. C. y fundaría el Imperio Romano llevándolo a su esplendor, durante la República ya se había
conquistado la Galia, Bretaña, Iberia, Mauritania, Dalmacia, Dacia, Egipto, Medio Oriente,
Grecia, entre otros territorios. Augusto fallece el 14 d. C. y durante la historia aparecen más
emperadores como Trajano.
En el siglo I d. C., siguiendo el reinado de Augusto, fue una época de gran expansión para el
Imperio. Creció a través de la conquista o la anexión, a pesar de que para el Siglo II, algunos
territorios inestables fueron entregados por el Emperador Adriano, para que todo fuera más
manejable. A cada provincia se le daba su propio gobernador y constitución y, hasta cierto
punto, se auto gobernaban. El Imperio daba a Roma unos beneficios económicos enormes,
aumentando su riqueza en base a los impuestos (particularmente a los granos) provenientes de
las provincias. Esto financiaba los ambiciosos programas de obras públicas en Roma, y permitía
aliviar a los habitantes de la ciudad de sus propios impuestos. La enorme propagación del
Imperio significó que la influencia romana fuera difundida. Su idioma, arquitectura, cultura,
ingeniería y comida han dejado su marca hasta la actualidad. Solamente en Gran Bretaña, se les
agradece a los romanos por las calles, los baños, el concreto y los faros, el repollo, las arvejas,
el acebo y el muérdago; sólo por nombrar unas pocas cosas.
Dinastía Julio-Claudia: fue la primera en regir los destinos del Imperio Romano (27 a. C. al
68 d. C.) Augusto, nacido bajo el nombre de Cayo Octavio Turino fue el primer emperador
romano. Gobernó entre 27 a. C. y 14 d. C., convirtiéndose así en el emperador romano con el
reinado más prolongado de la historia de Roma.
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Decadencia y caída del Imperio Romano. Hacia el Siglo V, el Imperio estaba por los suelos.
En el año 455 d. C los vándalos saquearon a la mismísima Roma. El último emperador, Rómulo
Augústulo, abdicó en el año 476 d. C. Ese fue el fin del Imperio Romano de Occidente, aunque
el Imperio de Oriente continuó hasta el Siglo XV. La decadencia parece haberse instalado en el
Imperio durante el Siglo IV d. C. Su vasto territorio empezó a ser más difícil de proteger. Las
olas de invasiones bárbaras durante los Siglos 3ro y 5to, socavaron enormemente los recursos
del ejército. Las invasiones también tuvieron un efecto en la economía, ya que el comercio se
vio afectado y el dinero de las edificaciones públicas y las ceremonias debió ser desviado al
ejército. El ascenso del cristianismo también tuvo un impacto significativo. Los aristócratas y
la gente instruida prefirieron la vida dentro de la iglesia por sobre la vida dentro de la política,
debilitando el liderazgo de Roma. La gente abandonó los templos romanos y el foro, migrando
hacia nuevas iglesias ubicadas en las afueras de la ciudad.
El Imperio Romano dominó el Mundo Occidental durante siglos, llevando progreso, cultura y
bienestar económico y social a los pueblos de Europa, y sirviendo de puente entre las culturas
de Oriente y Occidente. El Imperio Romano contribuyo enormemente a la civilización
occidental cultural, artística y políticamente. Este poderoso imperio cayó tras sufrir la invasión
de hordas de pueblos germánicos del norte de Europa, los cuales conquistaron las provincias
del Imperio y finalmente la propia Roma. Pero esta invasión solo era el punto final de un largo
periodo de decadencia, las verdaderas causas de la caída del Imperio Romano fueron más
complejas que las invasiones bárbaras. Los orígenes de su caída no son solo de carácter militar,
sino de carácter económico, social y, sobre todo, religioso. Los invasores bárbaros se
encontraron con un Imperio roto por dentro, con una población hastiada, que en muchas
ocasiones se ponía del lado de los invasores, facilitándoles la conquista.
Es importante señalar que históricamente la denominada “caída del Imperio Romano” se refiere
únicamente a la pérdida de su parte occidental en el año 476 d. C, pero ese no fue el fin del
Imperio Romano, pues el Imperio Romano Oriental (denominado Imperio Bizantino) perduró
hasta la caída de Constantinopla (Bizancio) a manos del Imperio Turco Otomano en el 1453.
Los historiadores occidentales, desde un punto de vista euro centrista, han considerado
erróneamente que la caída de Roma fue la caída de todo el Imperio Romano, pero eso no es
correcto, ya que su parte oriental perduró hasta el fin de la Edad Media.
Es importante señalar que Octavio creó un próspero imperio a partir de la corrupta república
romana, reformando la administración de las provincias, impulsando la economía y el comercio.
Finalmente, tras derrotar a los guerreros cántabros, Octavio cerrará las puertas del templo de
Jano e instaurará la “Pax Romana”, una época de paz y prosperidad económica que durará 200
años. Todo el mundo occidental estaría unido por una moneda, un idioma y una cultura, siendo
una de las épocas más benignas de la historia mundial (jamás volvió a existir un periodo de paz
y prosperidad tan largo).
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misma cantidad de metal. Pero esta estupidez generó una terrible crisis monetaria, la moneda
se devaluó enormemente y con ella se devaluaron los ingresos del imperio por concepto de
impuestos.
El estado, para poder resistir la tremenda inflación que creó, tuvo que empezar a cobrar los
impuestos en grano. La crisis económica afectó a todo el Imperio, ya que estaba ocasionada por
un problema monetario, y todas las provincias del Imperio tenían la misma moneda. Esta crisis
generó que numerosos campesinos se arruinaran y emigraran a las ciudades en busca de trabajo,
generando superpoblación en muchas de ellas, lo que a su vez generó epidemias por la falta de
higiene y un considerable aumento de los asesinatos y robos. Por otro lado, los caminos se
fueron volviendo peligrosos por la conversión de numerosos campesinos pobres en bandoleros
que asaltaban las caravanas comerciales.
A la crisis económica se unió la crisis política, ya que el eficiente emperador Alejandro Severo
fue asesinado en Maguncia en el 235 d. C. Sus propias tropas se amotinaron y le dieron muerte,
al ver que el emperador daba valiosos tesoros a los germanos en busca de paz, mientras ellos se
morían de hambre defendiendo a su patria. Este asesinato generó una terrible anarquía militar,
los generales del Imperio se mataban entre ellos como perros rabiosos en busca de ser coronados
emperadores. Entre los años 238 y 285 d. C pasaron por el trono imperial 19 generales. Estos
ambiciosos generales no duraban mucho en él poder, debido a las constantes rivalidades y a que
no contaban con el apoyo del Senado Romano, el senado era quien controlaba el dinero, y por
ende el poder político, y solo con su apoyo se podía gobernar Roma.
El caos militar generó que las fronteras del imperio quedaran abiertas, ya que las tropas
abandonaban sus guarniciones para participar en las constantes guerras civiles. La ausencia de
tropas provocó que los primeros pueblos bárbaros invadieran pacíficamente varias provincias,
asentándose en ellas a vivir. La situación se agravó más con la escisión de varias provincias,
que se declararon independientes, como la Galia y el reino de Palmira. La crisis del Imperio fue
aprovechada por sus enemigos del Imperio Sasánida en Oriente y de los Sármatas en la frontera
del río Danubio, que atacaron el Imperio Romano.
El Imperio Romano estaba herido de muerte, pero milagrosamente no murió en el siglo III,
gracias a la llegada al poder del emperador Diocleciano en el año 284 d. C. Diocleciano se dio
cuenta de que por sí solo no podría resolver los graves problemas del Imperio, por ello repartió
el poder con el general Maximiano, a quien nombró “Augusto”, encargándole la administración
de las provincias occidentales de Italia, Hispania y África. A su vez los dos “Augustos”,
Diocleciano y Maximiano, nombraron “Cesares” a los generales Galerio y Constancio Cloro,
formando así una tetrarquía (gobierno de cuatro) con la que regir eficazmente el vasto Imperio.
Cada uno de los tetrarcas se encargó de gobernar una zona del Imperio, resolviendo los
problemas de ella. Galerio, encargado de la zona oriental, expulsó del Danubio a los invasores
godos y sármatas y en el 298 arrasó a los persas sasánidas.
Diocleciano por su parte pacificó Egipto, una zona vital para el Imperio, ya que de ahí venía
casi todo el grano que usaba (Egipto era apodado “el granero de Roma”). Constancio se encargó
de recuperar Britania y de contener las invasiones en la frontera del río Rin. Por último,
Maximiano pacificó el norte de África, asegurando la frontera sur del Imperio. Estos éxitos
militares fueron complementados con una reforma total del ejército; Diocleciano creó a los
“limitáneo”, ejércitos de frontera que se asentarían permanentemente en ellas para tenerlas
siempre defendidas, y a los “comitatenses”, un ejército móvil, formado con tropas de élite, bien
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armadas y equipadas, que acudirían rápidamente a enfrentarse con cualquier invasor que
rebasara a los limitáneo.
Para paliar la crisis económica, Diocleciano se dedicó al titánico esfuerzo de resolver la crisis
monetaria, estableciendo el oro como patrón monetario en vez de la devaluada plata. Además
de esto, Diocleciano prohibió a los campesinos abandonar sus tierras, con lo cual ellos y sus
descendientes quedarían fijados al terreno permanentemente. Por último, el emperador creó un
edicto mediante el cual el estado fijaría los precios de todas las mercancías, ya fueran en su
estado de materias primas o manufacturadas. En definitiva, Diocleciano creó un estado absoluto
y totalitario como remedio para la terrible anarquía que asolaba el Imperio.
Tras su muerte se desatarían nuevas guerras civiles por el control del Imperio. Finalmente, el
general Constantino se alzó con el poder en el 312. Constantino fortaleció la parte oriental del
imperio, sobre todo la ciudad que lleva su nombre, Constantinopla. Este impulso de Constantino
a la zona oriental permitirá que, tras la caída de Roma, la parte oriental pueda sobrevivir,
convirtiéndose Constantinopla en la nueva capital del Imperio Romano.
La crisis política generada por las continuas guerras civiles había desgastado al Imperio para
siempre, los emperadores carecían del carisma de sus antepasados y en vez de ganarse el cariño
del pueblo lo sometían cruelmente. El emperador había pasado de ser el primer ciudadano para
convertirse en un ser divinizado, un tirano con poder absoluto, al que sus súbditos ya no podían
mirar a la cara. El 9 de agosto del año 378 d. C. el emperador Valente murió masacrado junto
a 40.000 de sus 60.000 legionarios a manos de los invasores visigodos en la batalla de
Andrinópolis. Esta batalla fue decisiva pues en ella se puso de manifiesto que la infantería
romana era claramente inferior a la caballería goda. Esto supuso el fin del predominio del
ejército romano.
A partir de entonces Roma debería contratar tribus bárbaras para defenderse. Pero los bárbaros,
a cambio de defender el Imperio, exigirían ser instalados en las mejores tierras de las provincias
romanas. El emperador Teodosio no vio otra forma de supervivencia y otorgó a estos bárbaros
el estatus de “federados del Imperio” y, tras “cristianizarlos”, los instaló en varias zonas de
Italia y Galia. Estos enormes contingentes humanos que se asentaron en el Imperio no chocaron
culturalmente con la población autóctona de las zonas donde se asentaron sino todo lo contrario.
La población campesina, empobrecida, atada a la tierra y sometida a continuos abusos por parte
de los cobradores de impuestos, vio en estos nuevos pobladores bárbaros una esperanza de
liberación, pues los bárbaros no aceptaban la disciplina romana y vivían en sociedades de
hombres libres.
Flavio Teodosio I el Grande fue emperador de los romanos desde 379 d. C. hasta su muerte,
siendo el último emperador en gobernar todo el Imperio Romano. Ante el acoso de los
problemas internos y externos y viendo el principio del fin, Teodosio separó el Imperio en dos
partes en el año 395 d. C., el Imperio de Occidente y el Imperio de Oriente, con la secreta
esperanza que por lo menos una de las dos mitades sobreviviera el caos que se acercaba.
Además de eso, Teodosio nombró a su amigo el general visigodo Estilicón “protector” de su
hijo Honorio, emperador de Occidente, con la esperanza de que Estilicón detuviera las
invasiones bárbaras.
Pero otro caudillo godo, Alarico, no aceptó el servilismo de Estilicón y se rebeló contra el
gobierno romano, estallando una guerra civil entre godos en la que los impotentes romanos
fueron simples espectadores. La guerra civil permitió que el 31 de diciembre del año 406 d. C,
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los vándalos, suevos y alanos cruzaran sin oposición las abandonadas fronteras del Imperio. Al
año siguiente la situación se hizo tan desesperada que las tropas romanas evacuaron Britania
para evitar quedar aisladas del resto del Imperio. En el año 410 d. C. Alarico saqueó Roma
durante tres días, siendo la primera vez en 800 años que una tropa extranjera tomaba la ciudad
eterna.
▲Genserico saqueando roma en el año 455. Cuadro de Karl Briullov entre 1833 y 1836. Imagen tomada de: https://www.chess.com/es/blog/damafe/el-
saqueo-de-roma-roma-1989
La invasión de los bárbaros. Ese saqueo fue el último golpe para el moribundo Imperio. Los
visigodos, que aprovechando el caos habían tomado Galia e Hispania, formando un reino
independiente de Roma, tomaron África en el año 431 d. C. Para agravar la caótica situación,
las hordas de hunos de Atila salieron de las estepas rusas e invadieron Europa Occidental. Solo
la intervención de Aecio, el último gran general romano, les detuvo. Aecio se alió con
Teodorico, el rey de sus antiguos enemigos visigodos y derrotó a Atila en la batalla de Chalons
en el año 451 d. C. La prematura muerte de Atila impidió que éste realizara una segunda
campaña contra Roma.
Finalmente, el Imperio había quedado desgajado a manos de quien debían defenderlo, los
propios romanos habían metido al enemigo en casa, ante su propia incapacidad para defenderse.
Los visigodos se apropiaron de Galia e Hispania, los vándalos arrebataron África a los visigodos
y se asentaron en ella, los burgundios se asentaron en Alemania junto a tribus de sajones. Italia
se encontraba “protegida” por el caudillo ostrogodo Odoacro, el cual depuso a Rómulo
Augústulo, el último emperador romano, en el año 476 d. C. Odoacro envió las insignias
imperiales a Constantinopla, acto protocolario mediante el cual se ponía fin oficialmente al
Imperio de Occidente, un cadáver muerto en el siglo III, pero que gracias a la energía de sus
gobernantes se mantuvo en pie dos siglos más.
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El Imperio que sobrevivió a la crisis del siglo III era un imperio feudal, la crisis económica
generó que se volviera a la economía de “trueque”, o intercambio de bienes. Los impuestos se
cobraban en grano, la industria se hundió, las ciudades se despoblaron y el campo se organizó
en “villas”, lugares donde un señor mantenía un ejército privado para defenderse y defender a
los campesinos de la zona. A cambio de la defensa los campesinos trabajarían gratis las tierras
del señor. Esta nueva cultura rural y feudal generó que Roma se despoblara, llegando a tener
solo 300.000 habitantes del millón que tenía en sus tiempos de gloria. La crisis política generaba
crisis económica y viceversa. El enorme e ineficaz ejército romano gastaba casi todo el
presupuesto del estado, desapareciendo la inversión en obras públicas, con lo cual ni siquiera
los caminos podían ser reparados. El continuo estado de guerra destruyó a su vez el comercio
y las comunicaciones, quedando muchas provincias aisladas del poder central.
▲“Los romanos de la decadencia” (1847). Oleo de Thomas Couture (1815-1879). Museo D'orsay, París. Francia. Imagen tomada de: https://www.alamy.
es/imagenes/the-romans-decadence.html
Para finalizar, hay que recordar que, además de las causas citadas, la rica cultura y sociedad
romana fue destruida por un enemigo inesperado que actuó desde dentro, un lobo con piel de
cordero: el cristianismo. El Imperio de Occidente no solo cayó por la crisis política, militar y
económica, sino que el cristianismo, con su intolerancia, generó una terrible crisis social,
cultural y espiritual que agravó los demás problemas. La Crisis del siglo III generó un gran auge
del cristianismo, que hasta entonces era una secta minoritaria. Los cristianos ofrecían esperanza
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en unos tiempos donde la peste, la guerra y los crímenes se cebaban con la sociedad civil. Los
emperadores no aceptaban que la secta cristiana pusiera en duda su poder político y acusaron a
los cristianos de provocar la ira de los dioses (la peste era considerada castigo divino) y propagar
la peste con sus ritos funerarios (en parte era verdad, ya que no incineraban a sus muertos
apestados).
▲Predicadores cristianos difunden el Kerigma (proclamación), sobre todo en las ciudades más grandes. Imagen tomada de: https://elgrancielo.blogspot.
com/2014/04/la-expansion-del-cristianismo-por-el-imperio-romano.html
La persecución a los cristianos fue iniciada por el emperador Decio en el siglo III e
incrementada por el gran emperador Diocleciano, que vio en los cristianos a sus peores
enemigos, ya que destruían la autoridad imperial y generaban revueltas en el seno del ejército,
ya que el cristianismo tenía gran número de seguidores en las filas del ejército. El emperador
Constantino se convertirá al cristianismo debido a la ayuda que le prestaron los cristianos en su
lucha por el trono. Constantino acabara con la persecución y permitirá que el cristianismo sea
igual al resto de religiones imperiales. El gran emperador Juliano, intentó salvar el Imperio,
reduciendo la burocracia y llevando al ejército a la victoria, además renegó del cristianismo e
intentó devolver a Roma sus costumbres y tradiciones, pero sus generales cristianos no toleraron
su conducta y le asesinaron.
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reprimiendo cruelmente a los seguidores de los antiguos cultos que habitaban en las áreas
rurales, a quienes llamaban paganos (pagano significa “habitante del campo”). El cristianismo
comenzó en esta época sangrientas persecuciones religiosas que culminaron con el asesinato de
cientos de seguidores de las antiguas culturas. A su vez los científicos y filósofos fueron
perseguidos a muerte por todo el Imperio. Ya antes de los edictos de Teodosio, las hordas de
fanáticos cristianos destruyeron la biblioteca de Antioquía, quemando los preciados libros en
enormes hogueras, y matando salvajemente a todos los filósofos de la ciudad. En Alejandría
fueron quemados la “Biblioteca de Alejandría” y el gran templo de Serapis. Por todas partes los
templos fueron arrasados, convertidos en establos e incluso en burdeles. Incluso los juegos
Olímpicos fueron prohibidos.
Finalmente, casi todos los templos y estatuas fueron destruidos, pocos escaparon a la furia
cristiana. Millones de libros científicos y filosóficos fueron quemados. Miles de filósofos,
científicos, astrólogos y campesinos murieron salvajemente. Así pues, cientos de miles de
ciudadanos del Imperio preferían la llegada de las tribus germanas para escapar de la barbarie
desatada por los locos y fanáticos obispos cristianos. Pocos querían defender un Imperio en el
que el emperador se había convertido en un tirano, en el que la lenta y costosa burocracia mataba
de hambre a los campesinos, en el que los obispos tenían poder absoluto sobre la vida y la
muerte, llevando la oscuridad a la luz cultural del Imperio.
El Imperio Romano que sucumbió a las invasiones de germanos era un imperio feudal, preso
de sus propios errores y debilidades, con una población que odiaba a sus gobernantes y con
emperadores imbuidos en sus falsos sueños de poder absoluto, riquezas inmensas, despilfarro
e inmoralidad. Un Imperio que habría hecho revolverse en sus tumbas al gran Julio Cesar y al
primer emperador, Octavio Augusto. Felizmente, el Imperio de Oriente conservó en gran
medida la cultura y disciplina romana, y por ello sobrevivió. El Imperio Romano de Occidente
se convirtió en un monstruo a raíz de la crisis del siglo III, la verdadera causa de su caída fue
51
que acabó devorándose a sí mismo, acabando con lo más importante del Imperio: la esperanza
y los sueños de la gente que lo habita.
http://catarina.udlap.mx/u_dl_a/tales/documentos/lri/loranca_m_pa/capitulo1.pdf
Europa se formó a lo largo de diez siglos. Se fortaleció, se enriqueció, y fue entonces cuando
nació y se desarrolló un arte propiamente europeo. Admiramos lo que queda de ese arte. Sin
embargo, no vemos sus formas con los mismos ojos con lo que se vieron por primera vez. Para
nosotros son obras de arte, y nos esperamos de ellas, como tampoco de las actuales, más que
un placer estético. Para los hombres de la época, esos monumentos, esos objetos, esas imágenes
eran ante todo funcionales. Servían para algo. En una sociedad muy jerarquizada, que atribuía
a lo invisible la misma realidad que a lo visible, y una fuerza aún mayor, y que no concebía que
la muerte pusiera fin al destino individual, desempeñaban tres funciones principales.
Eran en su mayor parte presentes que se ofrecían a Dios en alabanza y acción de gracias, y para
obtener como contrapartida su indulgencia y sus favores. Podían ser también ofrendas a los
santos protectores, a los difuntos. Lo esencial de la creación artística se desarrolló en esa época
en torno al altar, al oratorio, al sepulcro. Esa función de sacrificio justificaba que se dedicara al
ornamento de tales lugares una gran parte de las riquezas producidas por el trabajo humano.
Nadie lo ponía en duda, ni siquiera los cristianos que se despojaban de todo para vivir en la
pobreza de los discípulos de Jesús: Francisco de Asís decía que las iglesias debían estar
excelentemente decoradas, pues albergaban el cuerpo de Cristo; las quería gloriosas,
engalanadas. De esa función de sacrificio emana, por tanto, lo que hoy nos “llega” de esas
formas, su belleza. Nada era demasiado bello cuando se iba a colocar bajo la mirada del
Todopoderoso. Y para agradarle había que emplear los materiales más puros, los más suntuosos
y trabajarlos con lo mejor de la inteligencia, la sensibilidad y la habilidad humanas.
También para la mayoría, esos monumentos, esos objetos y esas imágenes eran mediadores que
favorecían la comunicación con el más allá. Querían ser un reflejo de ese otro mundo, una
aproximación a él. Su propósito era hacerlo presente aquí abajo, hacerlo visible, ya fuera la
persona de Cristo, la de los ángeles o la de la Jerusalén celestial. Estaban allí para fijar el
desarrollo de los ritos litúrgicos en una correspondencia más estrecha con las perfecciones del
más allá, para ayudar a los eruditos a discernir, bajo el velo de las apariencias, las intenciones
divinas, para guiar la meditación de los devotos, para conducir su espíritu per visibilia ad
invisibilia, como dice san Pablo. Condescendientes, los estudios les atribuían, además, una
función pedagógica más vulgar. Debían mostrar a los iletrados lo que éstos tenían que creer. En
1025, el sínodo de Arrás autorizó a que se pintaran imágenes para instrucción de los ignorantes.
Cien años después, Bernardo de Claraval (que sin embargo no era un hombre
predominantemente visual: invitaba más bien a sus hermanos a que, en las tinieblas de la noche,
se mantuvieran a la escucha de lo incognoscible: “¿Por qué esforzarnos por ver? Hay que prestar
oídos”) les instaba a los obispos a “excitar mediante imágenes sensibles la devoción carnal del
pueblo, pues no pueden hacerlo mediante imágenes espirituales”.
Por último –tercer función, próxima a la primera–, la obra de arte era una afirmación de
autoridad. Celebraba el poder de Dios, celebraba el de sus servidores, el de los caudillos
militares, el de los ricos. Realzaba ese poder. Al mismo tiempo que lo ponía de manifiesto, lo
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justificaba. Por eso los poderosos de este mundo dedicaban a su gloria personal lo que no
sacrificaban a la gloria de Dios: querían erigir en torno a su persona un decorado que les
distinguiera de la gente ordinaria, encargaban objetos bellos que distribuían con magnificencia
a su alrededor como signo de su opulencia y para atraerse lealtades. Por eso, en sus formas
mayores, y en esta época como en cualquier otra, la creación artística se desarrolló en los lugares
en que se concentraban el poder y los beneficios del poder. Como la obra de arte era en primer
lugar un objeto útil, aquella sociedad no distinguía, hasta llegar casi al siglo XV, entre artista y
artesano. En ambos se veía el mero ejecutor de un encargo, al que recibía de un “señor”,
sacerdote o príncipe, el proyecto de la obra. La autoridad eclesiástica insistía en que no era al
pintor al que correspondía inventar las imágenes; la Iglesia las había construido y transmitido;
al pintor le incumbía únicamente poner en práctica el ars, es decir, los procedimientos técnicos
que permiten fabricarlas correctamente; eran los prelados quienes decidían su “ordenación”, o
sea, el asunto, las figuras y su disposición.
No obstante, durante el milenio que nos ocupa las cosas no cesaron de cambiar en esa Europa
incipiente, y en algunos momentos tan deprisa como lo hacen en la actualidad. Esos cambios,
que afectaban a las relaciones sociales y a los diversos componentes de la formación,
modificaron las condiciones de la creación artística. Los focos de poder se desplazaron, y al
tiempo que volvía poco a poco el “pensamiento salvaje”, al tiempo que se reducía la influencia
de los clérigos, iba cobrando más fuerza la tercera de las funciones de la obra artística. Ésa es
la razón por la que, en la mentalidad de los contemporáneos, se fue reforzando insensiblemente
el elemento del edificio, el objeto o la imagen que no era funcional sino mera fuente de placer.
Como es evidente, en las páginas que siguen no se trata de explicar la evolución de las formas
artísticas mediante la de las estructuras materiales y culturales de la sociedad. Lo que
pretendemos es ponerlas en paralelo, para contribuir a una mejor comprensión de una y otra.
ARTE MEDIEVAL
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La Baja Edad Media fascina a mucha gente por su arte, del que se conserva una enorme cantidad
de muestras. Como todo arte, el arte medieval fue la expresión de la mentalidad de aquella
época. Sin embargo, la sociedad medieval sufrió muchos cambios entre el siglo XI y el siglo
XIII. Estos cambios se manifestaron en el arte, originando dos estilos diferentes: el románico y
el gótico. El románico apareció en el siglo XI en Europa Occidental, durante el apogeo del
sistema feudal: fue un estilo rural. Los estudiosos del siglo XIX le dieron el nombre de románico
pues se basó, en gran parte, en el arte de los primeros cristianos en Roma.
El arte románico en el arte medieval. A partir del año 1000, debido al enorme aumento de
los bienes eclesiásticos los campos europeos se llenaron de iglesias y monasterios. Estos
edificios se construyeron con un nuevo estilo, el románico, que es considerado el primer gran
arte europeo. El estilo románico fue ideado por los monjes de Cluny para propagar el
cristianismo. El románico fue un arte monástico. En la Edad Media, los puestos más importantes
de la Iglesia se reservaban a los nobles. El románico, que fue un arte eclesiástico, reflejaba, por
tanto, la mentalidad de los nobles feudales. Esto quiere decir que el románico fue un arte
aristocrático. Por último, como el arte románico se desarrolló durante la etapa feudal, fue
también un arte rural, pues en aquella época la mayoría de la población vivía dispersa en el
campo.
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▲Catedral de Saint-Denis en las afueras de Paris (1137). Imagen tomada de: http://www.abcpedia.com/arte-dibujo/arte-gotico-arquitectura
Los temas del románico. Los temas más importantes de la escultura románica fueron el Juicio
Final y la Pasión de Cristo. El Juicio Final fue el tema preferido para los tímpanos de las iglesias.
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Este tema obedecía a la creencia generalizada de que en el año mil. Cristo volvería a la Tierra
para luego juzgar a todos los hombres. El otro tema, la Pasión, se adaptó a la mentalidad feudal:
la sociedad aristocrática de aquella época no gustaba del desnudo ni de la humillación, que
creían indignos de Dios. Por eso. en las Pasiones románicas el Crucificado no se representa
abatido en la cruz, sino casi en posición firme. Por regla general, es representado con los ojos
abiertos, con corona y vestido.
El arte gótico en el arte medieval. El estilo gótico se originó en Francia. Las primeras
construcciones góticas se realizaron en París y en las regiones cercanas durante el siglo XII. En
el transcurso del siglo siguiente, el gótico se difundió por toda Europa Occidental. El gótico fue
producto del renacimiento urbano y comercial de la Edad Media: con el comercio y en las
ciudades el gusto se refinó. Los burgueses ya no se conformaron con el románico, simple y
tosco, y quisieron que el arte fuese un verdadero objeto de valor. Entonces, los burgueses
financiaron un nuevo estilo de construcciones en las ciudades. De esta manera nació el gótico,
que volvió a crear obras artísticas verdaderamente bellas. El gótico fue, por lo tanto, un estilo
urbano y burgués.
La Catedral de Nuestra Señora de Paris (Cathédrale Notre-Dame). Está
ubicada en la plaza Parvis, en la pequeña Isla de la Cité y rodeada por las
aguas del río Sena. Este lugar de estilo gótico se empezó a construir en el
año 1136 y finalizó en el 1345. Su construcción realmente sorprende y
refleja de alguna manera a la sociedad del siglo XI. Imagen tomada de:
http://www.descubriparis.com/catedral-de-notre-dame ►
Esculturas. Al igual que la románica, la escultura gótica fue de piedra y formó parte del
edificio. Sin embargo, las figuras se representaron con más detalles, adquirieron mayor
movimiento y naturalidad. Por eso la escultura se volvió más humana. Las estatuas más notables
se colocaron a ambos lados de los portales de las catedrales. Esto hacía posible que los fieles
vieran los episodios de la historia sagrada desde el exterior de la iglesia. Una vez dentro, los
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vitrales cumplían la misma función didáctica y al mismo tiempo, otorgaban luminosidad al
espacio.
◄Ángel de la sonrisa (detalle) catedral de Reims, siglo XIII. Gótico
primitivo. Imagen tomada de: https://es.wikipedia.org/wiki/Escultura_
g%C3% B3tica#/media/File: Ange_au_sourire.jpg
Función del arte durante la edad media. Las obras de arte medievales surgieron en un
contexto en el que no existía el concepto de arte como fin en sí mismo ni el de la belleza como
su objetivo, ni siquiera el concepto mismo de artista o de bellas artes (sino el de artes mecánicas,
diferenciadas de las liberales). El objeto artístico medieval tenía, en el seno de la sociedad en
que era producido, un carácter básicamente funcional. Para el medievalista francés Georges
Duby, la obra de arte medieval cumplía fundamentalmente tres cometidos:
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• Ser una ofrenda a Dios, a los santos y o a los difuntos, con el fin de obtener su gracia,
su indulgencia, etc. Es por ello que el hombre medieval (incluso aquellos, como San
Francisco de Asís, que promovían la pobreza) no dudaba de la legitimidad de la riqueza
de los adornos de las iglesias, monasterios u otros lugares de culto, puesto que esta
riqueza era vista como una ofrenda necesaria a Dios, para la cual eran necesarios los
mejores materiales y las mejores técnicas.
• Ser intermediaria entre el mundo sobrenatural y el humano, haciendo visible en este las
realidades divinas, según la máxima paulina per visibilia ad invisibilia (a través de lo
visible hacia lo invisible). Se suele atribuir a las imágenes medievales una función
pedagógica: explicar los dogmas de la fe cristiana y la historia sagrada a los iletrados
(el catecismo de piedra), si bien no todos los expertos están de acuerdo sobre este punto.
• Ser una afirmación de poder: por un lado, del poder de Dios y de la Iglesia (el poder
religioso); por otro, del poder político (emperadores, reyes, y las mismas instituciones
eclesiásticas). A finales de la Edad Media van surgiendo en otros agentes sociales los
medios suficientes para encargar obras de arte (la burguesía).
El arte islámico durante la Edad Media, además de la producción arquitectónica (las demás
artes plásticas tienen un desarrollo menor al no permitirse la representación de figuras -
aniconismo-) cubre una amplia variedad de artesanías incluyendo manuscritos ilustrados, textil,
cerámica, trabajo en metales y cristal. Son la muestra de la cultura material islámica en el
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Próximo Oriente, España (arte de Al-Andalus), y África del Norte. Puede deslindarse una
temprana etapa formativa (600-900) y el desarrollo de estilos regionales del siglo X en adelante.
El arte prerrománico cubre el periodo del siglo V al siglo X en Europa Occidental. Las
influencias clásicas y las germánicas son activamente absorbidas y se desarrollan las formas y
motivos que más tarde constituyen el arte románico. Se divide en distintos estilos locales:
El arte del período de las migraciones es el de los pueblos germánicos y eslavos, de la Europa
del Norte y del Este durante las invasiones bárbaras o Período de Migración de Pueblos
(aproximadamente 300-900), incluyendo también el período temprano del arte Hiberno-Sajón
en Gran Bretaña e Irlanda. Esta influencia actuó recíprocamente con el arte cristiano, así como
los llamados “estilo animal” y “estilo polícromo” (del que se derivan el arte merovingio y el
godo). Distintos estilos locales desarrollados a partir del establecimiento de reinos germánicos
en:
• Francia y las zonas centrales del Imperio carolingio desarrollan el arte carolingio a
partir del reinado de Carlomagno (finales del siglo VIII).
• Alemania, el arte otoniano, desde mediados del siglo X a mediados del XI.
Ábside de la Basílica de Santa Pudenciana, Monasterio de Santa Catalina del Monte Sinaí Mausoleo de Teodorico.
arte paleocristiano. romano tardío. romano tardío o paleocristiano
Baja Edad Media. Dos estilos internacionales marcan la época, dividiéndola en dos mitades:
el arte románico los siglos XI y XII y el arte gótico, que comienza en Francia a mediados del
XII y se va imponiendo en el resto de Europa Occidental en el siglo XIII y el XIV. El siglo XV
significará el final de la Edad Media y la irrupción del nuevo arte de la Edad Moderna. El
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nombre románico es utilizado a partir de los historiadores de arte del siglo XIX, para
compararlo con la arquitectura romana antigua; mientras que el término gótico es un despectivo
utilizado por los artistas y tratadistas de arte del Renacimiento para designar a todo el arte
medieval (incluido lo que hoy llamamos prerrománico y románico), que consideraban una
degeneración del arte clásico de Grecia y Roma contaminado por los godos (por tanto, gótico).
Diversidad espacial. Durante todo el periodo, el arte italiano es una excepción dentro de
Europa Occidental, caracterizada por la influencia bizantina (muy visible en la Basílica de San
Marcos (Venecia) y la herencia clásica (Púlpito del baptisterio de Pisa de Nicola Pisano), que,
aunque produzca ejemplos paradigmáticos de un estilo internacional (el románico de la Catedral
de Pisa o el gótico de la Catedral de Milán) siempre lo hace desde la adaptación a una visión
propia, más horizontal y armónica (véase Arquitectura románica en Italia). La arquitectura en
Alemania, en cambio, se caracterizó por una mayor búsqueda de la altura.
En la Península Ibérica, los reinos cristianos alternaron entre una mayor influencia de Italia
(Corona de Aragón) o Francia y Flandes (Corona de Castilla), y la constante influencia del arte
islámico (arte mudéjar), mientras que los reinos musulmanes desarrollaban el arte almohade o
el arte nazarí. En Francia también se produjo una gran diversidad estilística (entre Île de France,
Provenza, Auvernia, Aquitania, Bretaña o Borgoña) y en algún caso, como el de Normandía,
se exportó (Arquitectura normanda, de influencia notable en el sur de Italia -arte árabe-
normando- y en las Islas Británicas, sobre todo en el románico inglés y con desarrollo posterior
en ciertas características diferenciales del gótico inglés y el estilo Tudor).
▲La construcción de palacios era una forma de demostrar poder. Imagen tomada de: https://www.caracteristicas.co/baja-edad-media/#ixzz62XvwA3ZF
Las dos grandes épocas. En la arquitectura románica los edificios se caracterizan por sus
macizos muros y contrafuertes para sostener una robusta bóveda de cañón, basada en el arco de
medio punto. Las estructuras, por comparación con el gótico, son de escasa altura y con pocos
vanos, lo que implica una menor entrada de luz, que se intenta compensar con el abocinamiento
de las arquivoltas de pórticos y ventanales. Subordinada al soporte arquitectónico, la profusa
decoración escultórica (capiteles, tímpanos) y pictórica (frescos en los ábsides y paredes
interiores), de líneas muy marcadas y colores planos, formas geometrizantes y hieráticas,
convertía a los templos en verdaderos evangelios de los iletrados.
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La arquitectura gótica nace a mediados del siglo XII en la región francesa de Île de France, con
la renovación de la iglesia de la abadía de Saint-Denis: la introducción del arco apuntado, la
bóveda de crucería y los arbotantes que desplazaban el peso de las bóvedas a contrafuertes
exteriores, dejando la posibilidad de aligerar los muros para conseguir construcciones de una
altura extraordinaria y llenas de luz. La escultura gótica también se puede asociar al gótico
arquitectónico francés que se extendió a todas partes de Europa.
El siglo XIII permite hablar de un estilo internacional sustituyendo el arte románico. El gótico
internacional caracteriza al periodo de aproximadamente 1360 a 1430, después del cual el
gótico en distintas partes de Europa va combinándose con aportaciones del Renacimiento que
está surgiendo en Italia; aunque en muchos lugares siguen haciéndose edificios góticos hasta el
siglo XVI, denominados con distintos nombres de estilo (en el norte de Europa gótico
flamígero, gótico tardío o flamboyant y estilo Tudor, y en la Península Ibérica gótico isabelino
plateresco y manuelino). Los cambios pictóricos no comenzaron a ser suficientes para hablar
de un estilo diferente al románico hasta comienzos del siglo XIII, caracterizado por una mayor
expresión de sentimientos y un mayor realismo o naturalismo en la representación de la
realidad.
La utilización del soporte tabla y la técnica del temple se hace muy extensiva, produciendo
retablos, dípticos, trípticos y polítpticos, que permiten un tamaño mayor o menor, la posibilidad
de un arte mueble y su comercialización, respondiendo al aumento de los clientes del mercado
del arte, que ya no se reducen a las instituciones eclesiásticas, sino que incluyen a las
monarquías, las casas nobles y a la pujante burguesía. Al final del período se introduce la
innovación tecnológica del grabado, que permitió el nacimiento de un nuevo medio de
comunicación a través de las múltiples copias. En el siglo XV aparecerá la pintura al óleo, que
permite un extraordinario detallismo.
Abadía de Cluny. Fundad en 909 por Catedral de Milán. (Gótico). Fue iniciada en Catedral de Pisa, románico italiano. Fue iniciada
Guillermo I de Aquitania. 1386 y terminada en 1965. en 1063 por el arquitecto Buscheto
NOTAS
• Umberto Eco, Art and Beauty in the Middle Ages, Yale University Press, 2002. Arte e
historia en la Edad Media, AKAL, 2009.
• Leslie Ross, Medieval Art: A Topical Dictionary, 1996.
• Michael Byron Norris y Rebecca Arkenberg, Medieval Art: A Resource for Educators,
Metropolitan Museum of Art, 2005, ISBN 1588390837
• Juan V. García Marsilla, dir, Historia del arte medieval, Universitat de València, 2012.
• Rosa Alcoy, ed., Art i devoció a l'Edat Mitjana, Edicions Universitat Barcelona, 2011.
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LA SOCIEDAD DE LA EDAD MODERNA
▲Grafico representativo de como estaba estucturada la sociedad moderna. Imagen tomada de: http://mariadona-edadmoderna.blogspot.com/p/blog-
page_7340.html
Los campesinos, los artesanos y los comerciantes formaban parte de los no privilegiados, que
recibían el nombre de pueblo llano. Tenían en común que pagaban impuestos y no podían
acceder a los cargos del gobierno. También entre ellos había enormes diferencias de riqueza.
De hecho, los más ricos trataban de imitar el modo de vida de los nobles. La sociedad de la
Edad Moderna fue poco tolerante en el aspecto religioso. En 1492 se produjo la expulsión de
los judíos y en 1609 la de los moriscos, que eran musulmanes convertidos a la religión católica.
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EL RENACIMIENTO
▲El nacimiento de Venus es una de las obras cumbres de Sandro Botticelli realizada en 1484. En ella, Venus está representada por Simonetta Vespucci,
quien fue una musa y modelo de los artistas del renacimiento. Imagen tomada de: https://es.wikipedia.org/wiki/El_nacimiento_de_Venus_(Botticelli)
En ese sentido, el historiador y artista Giorgio Vasari formuló una idea determinante: el nuevo
nacimiento del arte antiguo (Rinascitá), que presuponía una marcada conciencia histórica
individual, fenómeno completamente nuevo. De hecho, el Renacimiento rompió,
conscientemente, con la tradición artística medieval, a la que calificó como un estilo de
bárbaros, que más tarde recibirá el calificativo de gótico. Sin embargo, los cambios tanto
estéticos como en cuanto a la mentalidad fueron lentos y graduales. El concepto actual de
renacimiento será formulado tal y como hoy lo entendemos en el siglo XIX por el historiador
Jules Michelet, en su obra Historia de Francia, publicada en 1855.
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Desde una perspectiva de la evolución artística general de Europa, el Renacimiento significó
una “ruptura” con la unidad estilística que hasta ese momento había sido “supranacional”. El
Renacimiento no fue un fenómeno unitario desde los puntos de vista cronológico y geográfico:
su ámbito se limitó a la cultura europea y a los territorios americanos recién descubiertos, a los
que las novedades renacentistas llegaron tardíamente. Su desarrollo coincidió con el inicio de
la Edad Moderna, marcada por la consolidación de los estados europeos, los viajes
transoceánicos que pusieron en contacto a Europa y América, la descomposición del
feudalismo, el ascenso de la burguesía y la afirmación del capitalismo. Sin embargo, muchos
de estos fenómenos rebasan por su magnitud y mayor extensión en el tiempo el ámbito
renacentista.
Los antecedentes históricos del Renacimiento cabe situarlos en la decadencia del mundo
medieval ocurrida a lo largo del siglo XV por diversos factores, como el declive del Sacro
Imperio Romano Germánico, el debilitamiento de la Iglesia católica a causa de los cismas y los
movimientos heréticos —que darían origen a la Reforma protestante—, la profunda crisis
económica derivada del anquilosamiento del sistema feudal, y la decadencia de las artes y las
ciencias, lastradas por una teología escolástica sumida en el escepticismo.
El siglo XVI estaría marcado por los grandes descubrimientos geográficos iniciados con la
llegada de Colón a América en 1492 (establecimiento de la ruta del Cabo por Vasco da Gama,
1498; vuelta al mundo de Magallanes, 1519-1521; desembarco de Cortés en México, 1519;
conquista de Perú por Pizarro, 1530-1533), así como por la ruptura de la unidad cristiana
causada por la Reforma protestante de Martín Lutero (1520), el desarrollo de la ciencia y la
técnica (Nova Scientia de Tartaglia, 1538; De revolutionibus de Copérnico, 1543; Anatomía de
Vesalio, 1543) y la expansión del humanismo (Erasmo de Róterdam, Giovanni Pico della
Mirandola, Ludovico Ariosto, Tomás Moro, Juan Luis Vives, François Rabelais).
No cabe duda de que el Renacimiento evolucionó en buena medida del arte medieval, una parte
del cual no había dejado de valorar e imitar el arte clásico; pero el artista renacentista buscó
imperiosamente distanciarse de la etapa posterior, a la que menospreciaban por su supeditación
a los valores religiosos y por su estilo antinaturalista, proveniente no de una falta de habilidad
técnica en imitar a la naturaleza, sino de una voluntad propia de eludirla para enfatizar otros
valores más subjetivos, ligados a la espiritualidad. Sin embargo, el propio artista renacentista
no valoró este hecho y se sintió distinto, “renacido”; así, Lorenzo Valla llegó a afirmar que no
sabía por qué las artes “habían decaído hasta tal punto, y casi muerto; ni tampoco por qué habían
resurgido en esa época; apareciendo y triunfando tantos buenos artistas y escritores”.
Buena parte del surgimiento de esta nueva escala de valores, en que artistas y literatos serán
exaltados por encima de personajes de noble cuna, proviene del sistema de ciudades-estado
italianas de tipo republicano, alejadas así de los modos autoritarios de la aristocracia y el clero,
con sociedades en que se valoraba más el mérito propio que no el proveniente del nacimiento
en una determinada estirpe. En esta nueva sociedad se valora más la virtud cívica que la
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caballeresca o contemplativa, el talento personal —fuese en los negocios, la ciencia o el arte—
que el rancio abolengo.
Conviene remarcar que un factor que coadyuvó enormemente al éxito de las nuevas teorías
artísticas fue el mecenazgo, tanto de ciudades y entidades de diversa índole como de personajes
provenientes tanto de la aristocracia y el clero como de la nueva burguesía emergente. Para
estos personajes, el patronazgo de la cultura era una señal de poder y estatus social, que otorgaba
a quien lo ejercía prestigio y ostentación frente a sus semejantes. Algunos de los mecenas más
distinguidos fueron: el florentino Lorenzo de Médicis, apodado “el Magnífico”; Federico da
Montefeltro, duque de Urbino; Ludovico Gonzaga, marqués de Mantua; Alfonso el
Magnánimo, rey de Nápoles; Francesco y Ludovico Sforza, duques de Milán; además de los
papas y cardenales de la Iglesia.
El artista renacentista es heredero de los preceptos de la cultura clásica, pero los reinterpreta a
través del humanismo, reafirmando los valores intrínsecos del mundo perceptible y del ser
humano como parte de esa realidad sensible. Aunque no renuncia a la religión y los valores de
la realidad cristiana, da preponderancia a esta nueva visión humanística por encima de la
trascendencia religiosa. Así, a la visión estática del universo preponderante durante la Edad
Media se sucede una visión dinámica que se sustenta en la experimentación y en la revalidación
del método científico como fuente de conocimiento. Por otro lado, los nuevos valores supremos
del artista serán la belleza y la armonía, desligadas de la religión y sustentadas en el estudio de
la naturaleza, que a través de la medida y la proporción otorgan al artista nuevas herramientas
para realizar sus obras.
Mientras surgía en Florencia el Quattrocento o Primer Renacimiento italiano —así llamado por
desarrollarse durante los años de 1400 (siglo XV)—, originado por la búsqueda de los cánones
de belleza clásicos y de las bases científicas del arte, se produjo un fenómeno similar y coetáneo
en Flandes —especialmente en pintura—, basado principalmente en la observación de la
naturaleza. Este Primer Renacimiento tuvo gran difusión en la Europa Oriental: la fortaleza
moscovita del Kremlin, por ejemplo, fue obra de artistas italianos.
La segunda fase del Renacimiento, o Cinquecento (siglo XVI), estuvo marcada por la
hegemonía artística de Roma, cuyos papas (Julio II, León X, Clemente VII y Pablo III, algunos
de ellos pertenecientes a la familia florentina de los Medici) apoyaron fervorosamente el
desarrollo de las artes, así como la investigación de la antigüedad clásica. Sin embargo, con las
guerras de Italia (saco de Roma en 1527), muchos de estos artistas emigraron y propagaron las
teorías renacentistas por toda Europa.
Así, a lo largo del siglo XVI el Renacimiento italiano se extendió por toda Europa, desde
Portugal hasta Escandinavia, y desde Francia hasta Rusia. Muchos artistas viajaron en busca de
formación o mecenazgo, y las grandes cortes europeas como Fontainebleau, Madrid, Praga o
Dresde, se llenaron de artistas de múltiples nacionalidades. Se valoraba especialmente a los
artistas italianos, pero numerosos extranjeros que fueron a formarse a Italia adquirieron así una
nueva reputación. Un factor coadyuvante de la difusión del nuevo arte fue el grabado, cuya
fabricación en serie permitió expandir las obras de los artistas por todo el continente.
También aumentó considerablemente el mercado del arte, y la labor de los marchantes fue
esencial para conectar a artistas y compradores; uno de los mayores centros de mercado del arte
de la época fue Amberes. También creció el coleccionismo, y aparecieron las llamadas
“cámaras de arte”, generalmente pertenecientes a personajes de la aristocracia y la realeza, unas
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estancias donde se exponían objetos de arte de todo tipo, libros y objetos de toda clase, e incluso
minerales o muestras naturales, de la flora y la fauna; una de las más afamadas fue la de Rodolfo
II en Praga. El Renacimiento fue un amplio movimiento cultural con marcadas características,
de forma genérica estas características se pueden establecer en:
• Surgimiento de una nueva “relación con la naturaleza”, que iba unida a una concepción ideal
y realista de la ciencia. La matemática se va a convertir en la principal ayuda de un arte que
se preocupa incesantemente en fundamentar racionalmente su ideal de belleza. La aspiración
de acceder a la verdad de la naturaleza, como en la antigüedad, no se orienta hacia el
conocimiento de fenómeno casual, sino hacia la penetración de la idea.
• El Renacimiento hace al “hombre” medida de todas las cosas. Presupone en el artista una
formación científica, que le hace liberarse de las actitudes gremiales y mecanicistas más
propias del medievo y elevarse en la escala social. Esto supone revestir al artista de una
nueva consideración, la de “creador”. La figura humana es el nuevo centro de interés del
artista, que estudia con detenimiento la anatomía para hacer una representación fidedigna, al
tiempo que valora aspectos como el movimiento y la expresión.
El pensamiento renacentista:
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EL MANIERISMO
(1550–1610)
◄Domenikos Theotokopoulos “El Greco” La Trinidad. Realizada entre los
años 1577 y 1579, esta obra que representa a los 3 miembros de la
Santísima Trinidad que formaba parte de El retablo mayor de Santo
Domingo el Antiguo, fue su primer gran encargo en Toledo. Es notoria la
influencia de Miguel Ángel. Imagen tomada de:
https://www.nationalgeographic.com.es/historia/grandes-reportajes/el-
greco-el-extranjero-que-retrato-el-alma-de-toledo_8184/1
EL BARROCO
En la actualidad, el arte barroco se considera una de las mayores declaraciones artísticas que
abarcaba diversos movimientos, tanto el político y religioso como el social. Como la gran
mayoría sabrá, el arte barroco es una continuación de un movimiento artístico denominado
manierismo italiano que abarca hasta la mitad del siglo XVI. El barroco como movimiento
artístico, es reconocido como uno de los estilos artísticos más complejos que abandona toda
aquella serenidad clásica, que por otro lado caracterizaba al manierismo, y comienza a
manifestar en sus obras la agitación y el movimiento de todos los sentidos. Por esta simple
razón, al arte barroco se le considerará una tendencia de ostentación y exageración.
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Se creó en la época del renacimiento y anterior al neoclasicismo. Comenzó a popularizarse en
Italia y luego se extendió hacia el resto de Europa. El Barroco es un movimiento cultural, un
estilo artístico desarrollado entre el siglo XVII y mediados del siglo XVIII, alcanzando diversas
disciplinas como la arquitectura, la pintura, la música y la literatura y la característica que más
de define es por la ornamentación excesiva.
Origen del arte Barroco. El arte Barroco surgió como un estilo promovido principalmente por
la Iglesia Católica, ya que las ideas reformistas y racionalistas intentaban dejar de lado la
religión no sólo en los espacios artísticos si no también en el vivir cotidiano de los individuos.
Para hablar del origen del arte barroco tenemos que diferenciar dos cosas: las causas políticas
y religiosas y las causas psicológicas y sociales.
Las causas políticas y religiosas: posiblemente en la actualidad todas las personas conozcan
al arte barroco como un arte de contrarreforma. La iglesia católica para actuar en contra del
protestantismo mandó la edificación de diversos templos con un exceso de escultura. Además,
no solo eso, sino que exigió a los artistas que se alejaran de crear obras con temas paganos y
por ello tuvieron que evitar los desnudos o escenas alborotadoras. Con unas normas estrictas y
conservadoras se desarrolló lo que llamamos Barroco.
Las causas psicológicas y sociales: en el siglo XVII la vida estaba repleta de dolor y muerte
por la aparición de la guerra. Con esta nueva necesidad, el artista Barroco intenta experimentar
con el arte hasta dar lugar al movimiento y el color, es por ello por lo que las obras de ese siglo
intentan transmitir una agitación y un amor por la vida representada de forma dramática. Con
esta nueva necesidad de experimentar el arte barroco comienza a caracterizarse por el uso del
“juego de las sombras” y de la decoración magnífica y espectacular.
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Características del arte barroco:
Definición del Arte Barroco. En las Bellas Artes, el término Barroco se deriva del Portugués
‘barocco’ que significa, perla o piedra irregular y describe un idioma bastante complejo,
originario de Roma, que floreció durante el período entre los años 1590 y 1720, que incluye la
pintura y escultura, así como la arquitectura.
Después del idealismo del renacimiento (1400-1530) y la naturaleza del manierismo (1530-
1600), el arte barroco refleja sobre todo las tensiones religiosas de la época. En particular el
deseo de la iglesia católica en Roma (ya anunciada en el Consejo de Trento, 1545-63), de
reafirmarse en la raíz de la reforma protestante. Por lo tanto, es casi sinónimo del arte católico
de la Contrarreforma de la época.
Para cumplir con su papel de propagandista, el arte barroco de inspiración católica solía ser de
grandes obras de arte público, tales como pinturas murales monumentales y enormes frescos en
los techos y bóvedas de iglesias y palacios. Así, la pintura barroca ilustra los elementos
fundamentales del dogma católico, ya sea directamente en obras bíblicas, o indirectamente en
composiciones mitológicas o alegóricas. Junto con este enfoque monumental, magnánimo, los
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pintores retratan típicamente un fuerte sentido del movimiento, usando remolinos espirales y
diagonales ascendentes y fuertes colores suntuosos, para deslumbrar y sorprender.
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dan a la obra gran dinamismo. Los temas más usados eran los religiosos, escenas de santos,
mitológicos, el retrato, tanto el individual como el de grupo, y surge como tema nuevo el
bodegón.
La pintura barroca se caracterizará por una gran expresividad en cuanto a las figuras mostradas
y por la intensa diferencia claroscuro. Recurrirá a la intensidad de los colores y al uso de las
sombras y luces que genera una distinción potente en los espacios, a las figuras complejas y
hasta caóticas, a la intensa expresión de las miradas. La pintura tomó un papel importante y
homogéneo que se fue desplazando a diferentes países y con esta extensión se dio lugar a la
manifestación de dos ideas contrarias. Con esas ideas contrarias encontramos al barroco
cortesano, teatral, lujoso y católico y la segunda idea sería el barroco burgués que en sus obras
manifestaría una vida normal y real.
◄Basílica de Santa Maria della Salute, de Venecia, 1631-1650. Imagen
tomada de: https://es.wikipedia.org/wiki/Baltasar_Longhena
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colonial, puesto en evidencia, a través de la piedra, el ladrillo revocado en blanco, la tintura de
almagre con tono de óxido rojo, el yeso policromado y los azulejos. Como ejemplo
característico se encuentra la fachada de la iglesia de San Francisco de Acatepec, donde se
observa claramente el interior con ladrillos rojizos alternados con azulejos.
El Templo de San Francisco Acatepec es un monumento religioso del
siglo XVIII, característico de la arquitectura barroca de México,
especialmente reconocido por su fachada de mosaicos de talavera
combinada con ladrillo rojo. Se encuentra en la localidad de San
Francisco Acatepec del municipio de San Andrés Cholula en el Estado
de Puebla, México y fue uno de los primeros templos construidos en la
región. Imagen tomada de: https://es.wikipedia.org/wiki/Templo_de_
San_ Francisco_Acatepec ►
En las viviendas coloniales en América Latina, destacan aun hoy en día, las tendencias e
influencias del arte barroco, por sus fachadas, que poseen grandes ventanas enrejadas sobre
repisas en voladas, con muros muy largos y simples, y entre las ventanas hay pilares, que son
solo para decoración. Las puertas llaman la atención por el detalle decorativo, de diferentes
formas, colocando inclusive el escudo familiar de quienes habitan la vivienda, rodeado de
elementos vegetales, pilares y capiteles decorativos. Igualmente, en las ventanas también hay
rejas que sobresalen sobre repisas rematadas por un quita polvo con postigo de madera,
persianas y celosías. Las rejas pueden ser de madera o hierro. En las viviendas de dos pisos, los
balcones representan decorativos de gran importancia, destacándose en las fachadas.
La literatura barroca. La Literatura barroca es un género de prosa del siglo XVII que tiene
varias características distintivas en comparación con los estilos literarios de los siglos
anteriores. La época barroca se caracteriza por el uso de elementos dramáticos en todas las
formas del arte y las obras de la literatura barroca generalmente no son una excepción. Así, los
escritores de este periodo de tiempo ampliaron y perfeccionaron el uso de alegorías con
múltiples capas de significado. Metáforas de menor escala son también marcas frecuentes de
este género, y muchas obras de la literatura barroca se centran en la lucha de la humanidad por
encontrar el significado profundo de la existencia.
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Muchas historias designadas bajo el enfoque de la literatura barroca son conocidas por ser
descripciones ricamente detalladas de caracteres y valores que reflejan la vida realista en lugar
de mundos de fantasía. Cuentos y novelas de la época barroca, por lo tanto, caen en la categoría
del realismo. Las Metáforas también llegaron a ser más prominentes en el barroco, escritas bajo
la inspiración del pensamiento imaginativo y especulativo en las mentes de los lectores. Varios
trabajos de la literatura barroca estuvieron dirigidos a diversas ideas religiosas debido a que
algunos escritores barrocos trabajaban bajo el patrocinio de la iglesia como lo hicieron otros
tipos de artistas.
En este sentido, la época barroca fue el primer período de tiempo en el que diferentes artistas
fueron reconocidos como virtuosos y varios escritores fueron incluidos en esta categoría. Los
eruditos que estudiaban la literatura barroca a menudo tenían en cuenta que se dirigían
directamente a creencias y supuestos de los lectores más que a otros géneros de épocas
anteriores. Muchas historias de la época barroca se enfocaron en el individuo, en lugar de un
grupo colectivo, una característica que refleja las cambiantes actitudes durante este período de
tiempo. Por lo tanto, la literatura barroca publicada en lenguas distintas del latín era también
común, lo que refleja la importancia de la identidad cultural, así como el aumento de las tasas
de alfabetización entre las personas que no pertenecían a las clases sociales y económicas más
altas.
¿Cómo se desarrolló la Literatura Barroca? Las principales características del estilo literario
conocido como barroco son un gran énfasis en la originalidad y una sobreabundancia de
recursos estilísticos, especialmente metáforas, hipérboles y antítesis. El propósito de una obra
literaria en la literatura barroca era que el lector evocara emociones fuertes en él. La visión del
mundo barroco combina la religiosidad de la edad media con las ideas del renacimiento (el
interés en la naturaleza, la historia y el individuo).
En el siglo XVII (el período conocido como barroco tardío), aumenta el número y el
refinamiento de los recursos estilísticos. De allí que el barroco sea en particular mayormente de
obras religiosas creadas en el período que excedieron en número a los trabajos seculares. Esta
última consistió en parte en la poesía de verso, epos, cuentos y crónicas históricas, mientras que
las predicaciones, dramas y tratados seguían siendo casi exclusivamente religiosos.
Esto era debido al hecho de que los escritores de la época eran sobre todo miembros del clero
y laicos, pues los patronos fueron pocos, ya que no había ninguna escuela laica de enseñanza
superior y los círculos de lectores dieron vuelta a la literatura latina a fin de pulir sus necesidades
literarias. Estas condiciones condujeron a un énfasis en obras religiosas entre los católicos
griegos y ortodoxos. La lengua literaria de la época carecía de cualquier conjunto de normas,
puesto que no había ningún centro intelectual autorizado para analizarla y mejorarla.
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trabajos durante este período, el siglo XVII, coinciden con la lucha del ser humano y la realidad
de las miserables condiciones que para muchos fueron perdurables.
En ese momento, España estaba tratando con muchas cuestiones relacionadas con su economía
y su sistema político, como la pérdida del control sobre la propiedad de la tierra y territorios,
así como el deficiente liderazgo de los gobernantes del país. No era, sin embargo, un periodo
oscuro para los escritores de España, que algunas de las obras están dentro de las más prolíficas
siempre.
Características del Estilo Literario Español. El estilo literario barroco español se producen
en el siglo XVII y fue conocido por su fuerte dosis de realismo, con un enfoque en la vida real
y cotidiana en la gente común. Por lo tanto, en las obras de los autores del período barroco
español fueron observadas estas características. Los temas eran de decepción, desilusión y
pesimismo (por lo general una sensación negativa). Escritura centrada en temas que reflejan la
falta de confianza y creencia que la gente tenía en el panorama actual político. El uso de los
elementos dramáticos. El enfoque en las luchas cotidianas de la humanidad. El uso de la sátira,
el humor y la exageración para llamar la atención de los problemas sociales de la época. un
mayor uso de las metáforas, y figuras del lenguaje para comparar dos cosas diferentes El uso
del conceptismo, el arte de usar vocabulario rápido, ingenioso, directo. El uso en los trabajos
del Culteranismo, es decir, el arte de la utilización de un vocabulario elaborado (lo contrario de
Conceptismo) Detalles muy descriptivos de los personajes de la obra Un enfoque en el
individuo, en lugar de un grupo de personas. Es así como, con estas características en mente, se
van a encontrar algunos autores, con ejemplos de sus trabajos y proyectos.
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Algunas de las obras más famosas de Góngora son:
La última de la lista, Soledades, nunca fue terminada, por lo que, dibujó alabanza y crítica. En
lo que fue de esta obra, se destacó por su lenguaje elaborado, el uso de metáforas y referencias
a la mitología. Así, Góngora pretendía escribir la obra en cuatro partes, pero no pudo completar
su tarea. El Paraíso perdido de John Milton fue una famosa epopeya barroca, escrito en verso
en blanco. Satanás sirve como el protagonista del libro, y la épica se ocupa de la caída del
hombre.
“Maraviglia” de Marino, por ejemplo, se hace prácticamente de forma pura, simple. Todo fue
enfocado alrededor del hombre individual, con una relación directa entre el artista, o
directamente entre el arte y el usuario, su cliente.
Sor Juana Inés de La Cruz (1651-1695). Es una escritora y filósofa autodidacta mexicana,
quien nació en San Miguel Nepantla, una poeta importante del barroco. Se le ubica como
escritora mexicana y también como parte de la Edad de Oro española. Uno de sus poemas, que
es largo y filosófico se denomina, El sueño, la más estudiada de sus obras.
Jan Gawinski (1622-1684). Poeta polaco del periodo barroco, de la generación de los
Sarmatianos (la generación de John III Sobieski). Estudió en la Universidad Jagellon e integró
la corte del obispo Charles Ferdinand Vasa. Las más conocidas de sus obras, son sus Idilios,
que glorificaban la vida en las villas polacas de Cracovia.
Christian Hoffmann von Hoffmannswaldau (1616-1679). Poeta alemán del periodo barroco,
nació y murió en Breslau, se interesó por la política en su juventud, ocupando la posición de
Bürgermeister. En vida, sus poemas circularon en forma de manuscritos. Fue uno de los poetas
más influyentes del periodo, debido a su estilo de poesía galante con abundante uso de
metáforas extravagantes, así como de hábil uso en la retórica y el erotismo.
Tobia Lionelli (1647-1714). Este escritor y predicador italiano, hizo de sus sermones una
preponderante afirmación del lenguaje esloveno. Perteneció a la orden de los Frailes Menores
Capuchinos y sirvió en varios monasterios en tierras eslovenas, incluyendo el monasterio de
San Francisco de Asís y en Croacia. Escribió unos 230 sermones, que publicó en una serie de
cinco libros titulados: Sacrum promptuarium o El manual sagrado.
Faustina Maratti (1679-1745). Esta poeta y pintora italiana del periodo barroco, nació en
Italia, en Roma. Su educación que incluyó la música, artes finas y, especialmente la poesía. Se
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casó con el también poeta Giambattista Felice Zappi, y su casa fue sede de un reconocido círculo
literario que incluyó, entre otros poetas, a Händel, Scarlatti y Crescimbeni. Escribió además de
otras obras, 38 sonetos publicados en la colección Rime perteneciente a su esposo, en 1723.
John Milton (1608-1674). Poeta inglés, fiel siervo de la Commonwealth inglesa bajo Oliver
Cromwell. Bastante conocido por su poema épico Paraíso Perdido, que escribió entre 1658 y
1664 cuando estuvo ciego. Luego escribió el Paraíso Recuperado, publicado en 1671 junto con
la tragedia Samson Agonistes.
Estas nuevas habilidades condujeron a ricos espectáculos que cuentan con su opulencia,
particularmente elaborada, tal es el caso de las óperas, que permanecían fiel al movimiento
barroco invertido emocionalmente mediante el pesado simbolismo y la grandeza para evocar
emoción, manteniendo la narrativa y la historia relativamente simple. La verosimilitud fue el
objetivo, poco iba a dejar a la imaginación de la audiencia. Esta tecnología afecta el contenido
de las piezas narradas y realizadas, practicando en su mejor momento, la solución de dioses y
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maquinas. Así, los dioses fueron finalmente capaces de bajar literalmente de los cielos y rescatar
el héroe en la más extrema y peligrosa, incluso absurda situación. En el término Theatrum
Mundi, el mundo es un escenario también creado. El reino social y político en el mundo real se
manipula exactamente del mismo modo que el actor y las máquinas, limitando lo que se
presenta en el escenario, ocultando selectivamente toda la maquinaria que hace que las acciones
ocurran.
Hay un maravilloso documental alemán llamado Theatrum Mundi que retrata claramente los
alcances políticos del barroco y su representante principal, Louis XIV. En este sentido, el teatro
es una vista acompasada del barroco debido a su capacidad de juntar a muchos de sus elementos.
Desde la arquitectura y las estructuras creadas para la producción, el uso de las estatuas, pinturas
y otras obras de arte como parte de las producciones, hasta el uso de la música barroca en las
óperas, todas las piezas encajan y encarnan la mentalidad barroca.
Ver la película de la biografía de Vatel (2000), Farinelli (1994) y la maravillosa puesta en escena
de Orfeo de Monteverdi en el Gran Teatro del Liceu en Barcelona, es ver algunas maravillosas
recreaciones de este período de tiempo. El director americano William Christie y Les Arts
Florissants han realizado extensas investigaciones en toda la ópera del barroco francés,
realizando piezas de Marc-Antoine Charpentier y Jean-Baptiste Lully, entre otros, que son
extremadamente fieles a las creaciones
originales del siglo XVII.
◄Una fiesta musical Dirck Hals, 1625. Imagen tomada de:
https://www.reprodart.com/a/hals-dirck/una-fiesta-musical.html
Cabe señalar que la aplicación del término “Barroco” a la música es un desarrollo relativamente
reciente. El primer uso de la palabra “Barroco” en la música fue solamente en 1919, por Curt
Sachs, y no fue hasta 1940 que primero fue utilizado en inglés (en un artículo publicado por
Manfred Bukofzer). Incluso tan tarde como en 1960 hubo diferencias considerables en los
círculos académicos sobre si la música tan diversa como la de Jacopo Peri y François Couperin,
Johann Sebastian Bach podría ser agrupada bajo un solo término estilístico.
Muchos estilos musicales nacieron en esa época, como el concierto y la sinfonía. Igualmente,
florecieron los estilos como sonata, cantata y oratoria. También, la ópera nace de la
experimentación de la Camerata Florentina, los creadores de la monodia, que trató de recrear
las artes teatrales de los antiguos griegos. De hecho, es exactamente ese desarrollo el que se
utiliza a menudo para denotar el principio del barroco musical, alrededor del 1600. Está
generalmente aceptado que el movimiento barroco comenzó a principios del siglo XVII y
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terminó en el siglo XVIII, pero ha sido clasificado como “Barroco” o al menos considerado
como un precursor del movimiento de este arte desde el siglo XVI. Así mismo, como con casi
todos los movimientos artísticos, las influencias barrocas continuaron más allá del siglo XVIII.
José de Ribera: nacido en el 1591. Sus temas preferidos son las escenas de martirio y penitentes
con un estilo tenebrosa muy dramático con un gran realismo, sus obras toman un gran realismo
con un dominio del dibujo y el color extraordinario, como ejemplo tenemos la Piedad. Más
tarde tendrá un estilo iluminista, como ejemplo tenemos la Inmaculada. Ver biografía de José
de Ribera
Diego Velázquez: nació en el 1599. Su primera etapa fue tenebrista y realizó bodegones de
gran realismo como la Vieja friendo huevo, El aguador. Felipe IV le nombra pintor de cámara
y se dedica a pintar retratos, temas mitológicos, cuadros históricos y paisajes. Tiene un dominio
magistral de la perspectiva aérea, de la luz, del dibujo y el colorido brillante con pinceladas
sueltas. Como ejemplo tenemos Los borrachos, La Venus del Espejo, Las hilanderías, pero su
obra maestra fue Las Meninas. Puedes ver la biografía de Velázquez
Bartolomé E. Murillo: nació en el 1617. Tuvo una primera fase juvenil tenebrosa, con un estilo
luminoso. Tiene gran éxito como pintor de temas religiosos llenos de gracia, delicados y dulces,
de rico colorido y factura suelta y vaporosa. Tenemos como ejemplo obras destacadas como
sus Inmaculadas, Los Niños de la Concha, Niños comiendo fruta.
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EL ROCOCÓ
.
▲El beso robado, Fragonard. Imagen de Hermitage Torrent en Wikipedia de dominio público.
¿Qué es el Rococó? El Rococó fue un movimiento artístico que tuvo lugar en Francia para
luego extenderse por diferentes lugares de Europa entre los años 1730 y 1770. El
movimiento estuvo presente en las diferentes artes (música, cultura, escultura, arquitectura) y
representa la vida aristocrática de aquella época. El Rococó se caracterizó por una elección de
colores claros (en especial el blanco), colores luminosos y suaves. Intenta reflejar el aspecto
agradable, exótico, sensual y refinado de las cosas y casi no utiliza los contrastes. El
movimiento se presenta en casi todas las expresiones artísticas ya que buscaba mostrar la vida
aristocrática del momento, y las relaciones sociales eran el eje principal de su estilo de vida
ostentoso.
Origen del nombre Rococó. Existen dos teorías respeto del origen de su nombre: Por un
lado, se dice que el nombre nació cerca del año 1797 y surgió producto de una broma pues el
nombre rococó intenta unir dos palabras francesas “rocaille” (concha marina) y “Baroque”
(roca) porque los primeros diseños eran de aspecto irregular semejantes a conchas marinas o
rocas. Por otra parte, se dice que el nombre proviene de la palabra “rocalla”, tipo de decoración
realizada con plantas y rocas que son semejantes al estilo que utilizó el movimiento rococó.
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Estilo del rococó. El rococó intenta reflejar el aspecto agradable, exótico, sensual y refinado
de las cosas y casi no utiliza los contrastes. Se inclinó por expresar temas de la vida cotidiana
y las relaciones humanas. Posee un estilo recargado que expresa el sentimiento de libertad de
la sociedad aristocrática.
Expresión del rococó. El rococó ejemplificaba las fiestas y reuniones presentes en aquella
época. Es un movimiento que expresa la vida social. No se detiene en la observación de la vida
de los seres inmortales o monarcas (como ocurría en tiempos anteriores) sino más bien intentaba
ejemplificar la forma en que los seres humanos vivían durante aquellos años. Así se muestran
viviendas, objetos personales, fiestas o reuniones, dejando en evidencia la ostentación de
aquella sociedad.
Influencia religiosa del rococó. Durante el rococó se deja de lado la influencia religiosa. No
se caracterizó por expresar una corriente o pensamiento religioso en particular, más bien durante
este período se deja de lado la influencia religiosa.
Pintura del rococó. La pintura del rococó incluía temas como el amor, los mitos y las reuniones
sociales. Tuvo su auge en la década de 1730. Las temáticas específicas de la pintura del rococó
ronda temas como el amor, mitos, paisajes, aventuras amorosas y reuniones sociales. También
se pueden ver figuras mitológicas que surgen en tonalidades suaves de color pastel en contraste
con la vida cotidiana también representado en los mismos cuadros. Esto otorga un aspecto
sensual y delicado a la pintura.
◄El rapto de Europa, Boucher. Imagen de Web Gallery of Art en Wikimedia Commons de dominio público.
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Arquitectura del rococó. La arquitectura del rococó presentaba interiores cargados y
ostentosos. Se caracteriza por marcar una notable diferencia entre los exteriores e interiores.
Así los interiores son cargados, ostentosos y representantes de fantasías mientras que las
fachadas exteriores son sencillas, lisas, en forma circular y rodeadas de jardines o parques
naturales.
Palacio Solitude (Stuttgart), un exponente de la arquitectura rococó en la Alemania meridional. Imagen tomada de: https://es.wikipedia.org/wiki/
Rococ%C3%B3
◄La verdad velada’ (Antonio Corradini, 1751) – Esta obra es una de las
más representativas a nivel de escultura durante el rococó. Imagen
tomada de: https://culturizando.com/rococo-el-sensual-y-exotico-
movimiento-de-la-francia-aristocratica-del-siglo-xviii/
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garrote de Hércules, un símbolo excelente del estilo rococó. El semidiós es transformado en un
niño tierno, el garrote que rompe huesos se transforma en flechas que golpean el corazón, en el
momento en que el mármol es sustituido por el estuco. En este periodo podemos mencionar a
los escultores franceses Jean-Baptiste Lemoyne, Robert le Lorrain, Michel Clodion y Pigalle.
Teatro. Se presenta en casi todas las expresiones artísticas ya que este movimiento intenta
mostrar la vida aristocrática del momento y las relaciones sociales eran el eje principal de su
estilo de vida ostentoso.
Música. El estilo galante fue el equivalente del Rococó en la historia de la música, situado entre
la música barroca y la música clásica, y no es fácil definir este concepto con palabras. La música
rococó se desarrolló al margen de la música barroca, particularmente en Francia. Puede ser
considerada como una música muy intimista realizada de forma extremadamente refinada.
Entre los máximos exponentes de esta corriente se puede citar a Jean Philippe Rameau, Georg
Philipp Telemann, Carl Philipp Emanuel Bach y Johann Christian Bach.
Artistas destacados del rococó. Dentro de los artistas más importantes de este movimiento se
encuentran:
• Watteau, Jean-Antoine
• Fragonard, Jean-Honoré
• Francois de Cuvilliés
• Jean-Baptiste Simeón Chardin
LA ILUSTRACIÓN
▲En esta pintura de Charles Gabriel Lemonnier se encuentran los personajes más notables de la Ilustración reunidos en torno al busto de Voltaire estos
son: Rousseau, Montesquieu, Diderot, D’Alembert, Buffon, Quesnay, Du Plessis y Condillac. Imagen tomada de: https://sobrehistoria.com/la-ilustracion/
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nuevas “Ideas” y de los nuevos conocimientos científicos, lo que llevó al intento de transformar
las caducas estructuras del Antiguo Régimen. En este artículo pretendemos dar a conocer todo
lo relativo a La Ilustración, Características, Representantes, Ideas Fundamentales, etc., todo
acompañado por un ilustrativo reportaje fotográfico, empecemos cuanto antes.
La Ilustración nace en Gran Bretaña, donde algunos de los rasgos fundamentales del
movimiento se dieron antes que, en otro lugar, pero donde realmente se asentó fue en Francia,
donde la admiración por la cultura y las tradiciones inglesas, fueron difundidas por Voltaire,
produciéndose en este momento su cuerpo ideológico, el enciclopedismo, con sus principales
representantes como Montesquieu, Diderot, Rousseau, Buffon, etc. La ilustración poco a poco
se extendió hacia otras zonas europeas a lo largo del siglo XVII, llegando a países como los
Países Bajos, Italia, España, Polonia, Rusia, Suecia, etc. e incluso llegó a las colonias
americanas.
• Defensa de la racionalidad del mundo: todo cuanto ocurre tiene una explicación accesible a
la razón.
• Visión de mundo mecanicista: el mundo se explica por leyes mecánicas (causas eficientes,
no causas finales).
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falso e inútil. Este racionalismo llevó a la lucha contra las supersticiones, la religión da paso a
la razón, por eso en este siglo termina la denominada “caza y quema de brujas”.
EL PENSAMIENTO ILUSTRADO
• Los hombres como cualquier otro animal son iguales entre sí. Todo hombre es
SOCIEDAD
bueno por naturaleza al nacer, es la sociedad la que lo corrompe.
• El gobierno de una sociedad debe estar encima al bien común de los ciudadanos.
• Estos hombres tienen que haber decidido como gobernarse.
POLÍTICA
• La separación de poderes es un requisito para poder aplicar leyes justas a esa
sociedad.
• Critica a las supersticiones.
RELIGIÓN • Critica al clero que comienza a ser llamado mano muerta.
• Aparición del deísmo o religión natural.
• Critica a los gremios porque coartan la libertad natural de los hombres de trabajar
ECONOMÍA en lo que deseen.
• Apoyo a la aplicación de la ciencia a la producción.
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Características de la Ilustración | El Laicismo: la Ilustración es la primera cultura laica de la
historia de Europa. Una cultura al margen del cristianismo, y en algunos aspectos anticristiana.
Esto tiene su explicación en cierto rechazo por parte de la Iglesia, de la forma de vida burguesa.
La burguesía constituye una clase que, desde su aparición, vive del comercio, del préstamo con
interés y del lucro. Todavía en el siglo XVIII nos encontramos con teólogos que consideraban
al préstamo con interés como usura, con moralistas que seguían hablando de ganancias ilícitas
y con eclesiásticos que predicaban que era más fácil salvarse a un hombre dedicado al ocio, que
no al comerciante.
1. Las sociedades científicas, literarias o artísticas y las academias, apoyadas por los poderes
públicos.
2. Las sociedades de amigos del país, establecidas normalmente en las principales ciudades y
capitales de provincia.
3. Los Salones. Tertulias, cafés o reuniones de ilustrados para tratar sobre los más diversos
temas.
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4. La Enciclopedia. Se elabora un diccionario ilustrado que recogía todo el conocimiento de
la humanidad hasta ese momento.
La Ilustración – Siglo de las Luces | Pensamiento Ilustrado: no se entendería sin antes poner
en antecedentes de la situación en Inglaterra y Holanda durante el siglo XVII. Las evidencias
se encuentran en Newton desde el punto de vista científico, “Física Moderna” y en la
Revolución inglesa de 1688 en sus aspectos políticos. Esta última implantó el parlamentarismo,
que tanta influencia ejercería en Voltaire y en Montesquieu.
Rousseau: Hizo hincapié en el estudio de la Naturaleza y las relaciones sociales entre los
hombres. El Hombre es bueno por naturaleza, pero la sociedad la corrompe y esclaviza, el
hombre salvaje es feliz y libre, pero la civilización nace de la propiedad privada y entonces
aparece la desigualdad y la pérdida de libertad. Pensaba que la educación constituía la mejor
fórmula para desarrollar la bondad natural de las personas.
Voltaire: Indagó en la libertad de pensamiento y abogó por una nueva religión (deísmo) que
sustituyese a las reveladas (cristianismo, judaísmo, islamismo, etc.). Repudió el excesivo poder
del clero y propugnó una religión basada en la razón y el respeto, alejada del fanatismo y la
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intolerancia. Fue partidario de un sistema parlamentario que limitase el poder del monarca, así
como de un profundo cambio en los valores de la sociedad de sus días.
CARACTERÍSTICAS DE LA ILUSTRACIÓN
Confianza en el Divulgación del Creencia en la Rechazo de los Critica del
poder de la saber. Solo se naturaleza y en dogmas, antiguo
razón. La razón, mejorarán las la bondad supersticiones, Régimen.
utiliza por el condiciones de humana. La milagros, Propuesta de
hombre, le vida de la naturaleza es fanatismo… y de modelos
permite dominar humanidad si el admirada por el la religión Políticos alejados
la naturaleza. Es conocimiento está hombre, que natural o deísmo. del absolutismo y
el motor del al alcance de encuentra en ella que tienden a un
progreso, gracias todos, no solo de su estado natural. contacto social.
al cual puede los filósofos La sociedad lo
alcanzar la (Enciclopedia). corrompe.
felicidad.
La Fisiocracia: Los fisiócratas sostenían que la riqueza de un estado hay que buscarla en la
naturaleza, más exactamente en la agricultura. Las otras actividades económicas (industria y
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comercio) son consideradas estériles. La riqueza circula mediante el trasvase de parte de las
rentas de la clase productiva, los agricultores, a las clases improductivas. Su principal teórico
fue François Quesnay, quien expuso sus ideas en la obra “Tableau économique”, considerada
una de las primeras obras sistematizadas de la ciencia económica.
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que no llegaron a consolidarse. En el fondo se aprecia una estatua de Minerva, diosa de la
sabiduría, que parece estar bendiciéndole. En el Diccionario de autoridades publicado por la
Real Academia Española se definía luz de la razón como el conocimiento de las cosas que
proviene del discurso natural que distingue a los hombres de los brutos, que iba unido a la luz
de la crítica” o las luces críticas, por cuanto las luces, no solo remitían al cultivo de la
inteligencia y al conocimiento adquirido por un reducido número de personas, sino también, al
uso crítico de la razón frente a los prejuicios heredados del pasado.
Durante mucho tiempo se creyó que el carácter “moderado” de las propuestas de los ilustrados
españoles, era un rasgo específico de España, pero los últimos estudios sobre la Ilustración
europea han cuestionado la tradicional visión de ésta como
la desencadenante del fin del Antiguo Régimen y han
destacado que la Ilustración habría sido un movimiento
esencialmente reformista. Los ilustrados no aspiraban a
modificar sustancialmente el orden social y político
vigente, simplemente pretendían introducir reformas que
fomentasen lo que denominaron pública felicidad y para
ello deseaban involucrar a los grupos privilegiados en su
materialización.
Pablo de Olavide. Imagen tomada de: https://sobrehistoria.com/la-ilustracion/ ►
Los gobiernos impulsarán las reformas siempre que éstas no sean demasiado radicales como
para poner en peligro la estabilidad de todo el entramado del Antiguo Régimen. De ahí
provendrán precisamente las mayores frustraciones para el movimiento ilustrado pues, los reyes
estuvieron más interesados por lo general en el robustecimiento de su autoridad, en el
perfeccionamiento de su maquinaria administrativa y en el engrandecimiento de sus territorios
que en la proclamada felicidad de sus súbditos. La mayoría de los ilustrados españoles eran
buenos cristianos y fervientes monárquicos que no tenían nada de subversivos ni
revolucionarios en el sentido actual del término. Eran decididos partidarios de cambios
pacíficos y graduales que afectaran a todos los ámbitos de la vida nacional, sin alterar en esencia
el orden social y político vigente. Es decir, reformar las deficiencias para poner España al día y
en pie de competencia con las principales potencias europeas manteniendo las bases de un
sistema que no consideraban intrínsecamente malo.
La campaña reformista de los ilustrados tuvo que detenerse ante los privilegios de las clases
dominantes, ante las estructuras del régimen absolutista y ante los anatemas de las autoridades
eclesiásticas. Tal vez la característica más específica de la Ilustración en España fue que todos
los ilustrados se mantuvieron dentro del catolicismo, no hubo ningún deísta entre sus filas, y
por supuesto, ningún ateo. La Inquisición empleó la censura para evitar la difusión de ideas
contrarias a la religión católica, y para ello elaboró los “index Librorum Prohibitorum et
Derogatorum”.
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Esto es lo que ha llevado a algunos historiadores a hablar de una “ilustración católica” en
España en la que los partidarios de las luces de la razón fueron respetuosos con la luz divina,
ya que para muchos de ellos la razón y la religión compartían una misma luz natural que
obviamente era obra del Creador. El hecho de que el catolicismo ortodoxo continuara siendo
hegemónico, incluso entre las élites abiertas a las nuevas ideas, tuvo consecuencias negativas
para la Ilustración en España ya que los diversos discursos ilustrados provenientes de otros
países, aquí fueron con frecuencia censurados, amputados y tergiversados, a causa también de
lo que se llamaba, la doble censura política y religiosa ejercida a través del Consejo de Castilla
y por medio de la Inquisición, que apenas dejó espacio para una opinión independiente.
En 1756 el Santo Oficio prohibió “El espíritu de las leyes” de Montesquieu, por, según decían,
contener y aprobar toda clase de herejías, dificultó la difusión de la Enciclopedia y toda la obra
de Voltaire y Rousseau, también fue prohibida. A pesar de todos los empeños, estas obras
fueron conocidas en España gracias a la gran labor de unos libreros dispuestos a vencer el temor
al Santo Oficio e importarlos para sus clientes. Un ejemplo de la “ilustración católica” que
intenta hacer compatible lo que dice la Biblia con los avances de la ciencia puede ser el siguiente
fragmento de una obra del matemático y astrónomo valenciano Jorge Juan, publicada en 1774
en la que defendía la teoría heliocéntrica condenada por la Iglesia y la física Newtoniana, por
lo que tuvo problemas con la Inquisición. La llegada de la nueva dinastía borbónica no aportó
ningún cambio importante en el terreno científico, a excepción de una mayor centralización que
supuso la creación de la Real Biblioteca y la Real Academia de la Lengua.
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• El filósofo Andrés de Guevara y Basoazábal, que se basa en Bacon, Descartes y los sensistas
para plantear la necesidad de una filosofía moderna, justificar el método inductivo y
experimental, y denunciar el abuso del método deductivo.
• El crítico de la escolástica Juan Benito Díaz de Gamarra y Dávalos, defensor de la ciencia y
de la modernidad, cuyo eclecticismo ilustrado está principalmente regido por los valores del
buen sentido, la racionalidad, la tolerancia y la utilidad para el hombre.
Eugenio Espejo fue un hombre de la Ilustración. Asimiló las ideas que los pensadores
modernos hacían circular desde Europa. Imagen tomada de: https://sobrehistoria.com/la-
ilustracion/ ►
EL ARTE NEOCLÁSICO
¿Qué es el arte Neoclásico? El arte neoclásico surgió a finales del siglo XVIII y se interesó
por reflejar las ideas, el intelecto y la razón, antes que mostrar los sentimientos o temas
religiosos. Se inspiró en el arte de la antigua Grecia y de Roma. El Neoclasicismo fue una
corriente artística basada en lo estético, formó parte de los primeros movimientos de arte
considerados revolucionarios, que se expandieron por toda Europa a mediados del siglo XVIII
y se prolongó hasta el siguiente siglo. El Neoclasicismo fue un estilo de arte surgido en la fase
intermedia del siglo XVIII. Este movimiento causó revuelo en Europa y permaneció en auge
hasta el siglo XIX. Nació básicamente con el deseo de oponerse a la estética recargada, pesada
y oscura del movimiento Barroco, surgido en años anteriores.
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El arte Neoclasicismo comulga con las ideas novedosas, contrapuestas con el arte medieval y
todos los aspectos que tuviesen relación con el Antiguo Régimen. Cuando nos referimos del
arte Neoclásico debemos separarlos en dos corrientes: Una se contrapone al estilo barroco en
lo referente a la estética. Lo rígido e impuesto por el arte barroco era un elemento chocante con
esta nueva corriente. Aunque hay que decir, que el neoclasicismo también coincidía con barroco
en cuanto a la exaltación del poder. La otra corriente se consolida con la funcionalidad, los
aspectos tratados racionalmente, y la claridad de las temáticas y de los colores, ya que esto
simboliza a una sociedad creciente y en progreso.
Características. El neoclásico fue una expresión artística que hizo frente a los ornamentos
excesivos de las épocas del barroco y del rococó. Dentro de las características principales de
este arte, está que los modelos utilizados son de clase grecorromano, es decir, con frontones,
cúpulas, largas columnas, realzando los elementos sólidos, serios, y bajo un concepto de
horizontalidad. Se utiliza lo que se denominó el estatismo, esto se trata de usar elementos que
no van a tener movimiento, es decir obvia las curvas y los arcos, es más bien recto y pausado.
Es un arte que involucra los acontecimientos surgidos en la sociedad en su tiempo. Para ello
también es tomado en consideración aquellos elementos que permiten la funcionalidad de los
espacios, mobiliarios y otros elementos, además incluye el compromiso de buscar el desarrollo
social. En cuanto a la escultura neoclásica, se practicó el análisis de la personalidad, naturalidad,
y la manera de socializar de quien se quiere representar. Para plasmar esos detalles, era preciso
conocer la sensibilidad de la persona, sus sentimientos y su rol social.
Se realizan cambios en las estructuras sociales, ya que se transforman las costumbres y como
consecuencia, la sociedad crea nuevas formas de vida y su imagen ante los otros. Para la
elaboración de sus proyectos, los artistas utilizan novedosas técnicas, un ejemplo de esto es la
proyección, mediante la cual se enfoca los objetivos a perseguir, las imágenes que desea sean
mostradas. La realización de los proyectos es importante el uso de instrumentos operativos que
le permitan desarrollarlo. El arte neoclásico también es un instrumento de enseñanza,
culturización y de educación. A través de él, se transmiten enseñanzas de una sociedad
civilizada y recta. Este último aspecto es contrapuesto a la antigua estructura artística que
imponía los aspectos religiosos y místicos. El artista en esta etapa de las corrientes creativas no
tiene aspiraciones egocéntricas, donde la figura personal pasa a ser un genio, sino por el
contrario, busca proyectos realizables, cónsonos con los aspectos teóricos de la época. Durante
el momento en que tuvo auge el arte neoclásico, se hizo una separación natural de la producción
artesanal de lo que era producto de lo tecnológico.
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Pintura. Esta manifestación artística surgió
en el siglo XVIII, con el fin de dar nombre de
manera burlesca a la corriente estética que
expresaría las artes, los principios filosóficos
e intelectuales de la pintura. Esta filosofía,
para la época, se estaba reflejando en muchos
ámbitos de la cultura. No obstante, una vez
finalizado el mandato de Napoleón, muchos
artistas que habían apoyado esta corriente, la
dejaron de lado para inclinarse hacia el
romanticismo.
◄La bañista de Valpinçon Jean-Auguste-Dominique Ingres, 1808. Óleo
sobre lienzo, 146 cm × 97,5 cm. Museo del Louvre, París. Imagen tomada
de: https://es.wikipedia.org/wiki/La_ba%C3%B1ista_de_Valpin%C3%A7on
Antón Raphael Mengs: Fue un artista destacado en la pintura, nacido en el año 1728, que tuvo
gran éxito como representante del neoclasicismo. Sus obras más destacadas son:
Jean Auguste Dominique Ingres: de nacionalidad francés, fue un pintor del neoclásico,
aunque muchos lo consideran un defensor del dibujo más bien realista y romántico. Dedicado
a la docencia influyó en muchos otros autores. Sus obras más resaltantes fueron, Napoleón en
el trono imperial, La gran odalisca, Madame Moitessier, La condesa de Haussonville y La
fuente.
Arquitectura. La arquitectura neoclásica puede distinguirse como una forma de expresar las
artes en el aspecto moral y social. Por este motivo, en esta corriente artística es posible ver
edificaciones que tienden a hacer la vida de sus usuarios más segura y cómoda. Algunas de
estas obras de la arquitectura neoclásica tienen uso público como: bibliotecas, teatros, museos,
parques, hospitales, entre otros. En este arte se generan nuevas ideas, donde se incorpora la
funcionalidad de las edificaciones y donde no solo sea percibido el aspecto ornamental. Siempre
buscando que esta construcción sea para un uso práctico, pero también fundamental para los
ciudadanos de la sociedad. Teniendo en cuenta que la arquitectura no sólo debe ser objeto de la
estética, sino de la funcionalidad y del sentido común. No obstante, durante el neoclásico hubo
la presencia de arquitectos llamados utópicos, que quisieron desarrollar sus trabajos en base a
formas geométricas a la cual denominaron «Arquitectura Pintoresca» del siglo XVIII.
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◄Lorenzo Bartolini. Carità educatrice, c. 1842-1845. Mármol, 192 × 80
cm. Rijksmuseum, Amsterdam Imagen tomada de:
https://www.pinterest.com.mx/pin/430304939391766803/
Bertel Thordvaldsen (1.770-1.844). El danés tomó inspiración en las esculturas griegas donde
además realizó el trabajo de retomar el arte helenístico del siglo V a. C. Este autor muestra
especial interés por las composiciones, las proporciones, y la suavidad de los trazos en los
dibujos. Para Thordvaldsen la belleza se halla en la simetría de los objetos, la proporción de
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estos y la armonía con el entorno. De esta manera creó su propio estilo. Sus figuras son francas,
no reflejan pasiones, más bien tiende a expresar una quietud mesurada. Su obra más destacada
es “Jasón”, obra por cierto muy alabada por Cano va y que le permitió obtener una gran fama
internacional.
Obras literarias del Neoclásico. En el estilo del Neoclasicismo suele verse los aspectos reales
sobre los espirituales. Se impone siempre la razón frente a los sentimientos, y se aplican las
normas a las que se debe adecuar la obra escrita de este estilo. Como consecuencia de esto, no
es posible incluir los aspectos fantasiosos, y los imaginativos, porque el objeto de esta literatura
no era precisamente el de la distracción sino el de la enseñanza o educación. Generalmente se
puede ver que los poetas de esta corriente establecieron dos temas: el bucólico o pastoril y la
fábula.
Juan Meléndez Valdés. Entre las obras más destacadas de Meléndez están:
José Iglesias de la Casa. Realizó obras con temas satíricos y otros. Entre sus obras
encontramos:
• La esposa aldeana
• La niñez laureada
• Loor de un niño precoz
• el poema didáctico La Teología.
Félix María Samaniego. Escritor famoso cuyas obras son: Cadalso, sus Noches lúgubres, tuvo
la particularidad de que fue escrita en 1774 y publicada póstumamente y de manera seccionada
en el Correo de Madrid en los años 1789 y 1790. En 1790 se publicó también postmortem la
obra El buen militar a la violeta, una sátira de la vida militar
Regreso de los grupos de cámara o grupos pequeños en lugar de las grandes orquestas. Negación
a concebir un estilo musical con una carga de expresiones románticas y emocionales. Se
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percibía un regreso de los tonos clásicos en este nuevo estilo, pero con la armonía un tanto
disonante y de ritmos distintos. Importancia de la melodía se debía a su sencillez, a su
definición, y a los intervalos precisos. También incluyen las notas disonantes antes señaladas.
La melodía compuesta bajo esta corriente artística línea incluía intervalos amplios,
instrumentales y registros extensos. Armonías complejas con ritmos disonantes y polirritmias.
El objetivo era lograr una música agradable y fácil de escuchar.
En esta corriente artística las obras musicales fueron inspiradas por la música de intérpretes del
clasicismo de autores como Stravinsky, Haendel, Tchaikovsky, Haydn, Bach y Mozart.
Algunos compositores del nuevo continente son: Heitor Villa-Lobos: (1887-1959) Compositor
brasileño, el más importante del siglo XX en su país. Componía melodías originales con un
inspiración en el folclore de su país. Entre sus obras más importantes sobresalen, los 16 Chôros.
También son famosas sus Bachianas brasileiras. Silvestre Revueltas, fue un destacado músico
nacido en México. Se destacó en el uso de ritmos tradicionales de la cultura de su país.
Alberto Ginastera: (1916-1983) Compositor argentino. Quien de manera original hizo una
mezcla entre la música nacionalista con las técnicas vanguardistas del siglo XX. Desarrolló un
resumen de procedimientos compositivos los cuales alternó para obtener hermosas melodías.
Es autor del ballet Panambí, la Sinfonía argentina, los cantos de Tucumán, las Impresiones de
la Puna. Actualmente al referirnos de música neoclásica pensamos en el concepto de “música
clásica” que estaba referido a la música del periodo clasicismo. Sin embargo, esta música
neoclásica hace referencia al final del siglo XVIII donde muchas de sus composiciones se
inspiraron en el canon estético de los grecorromanos.
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La pintura que se desarrolla entre mediados del siglo XVIII y finales del siglo XIX da inicio al
llamado arte contemporáneo, ya que la Edad Contemporánea se inicia con la Revolución
Francesa en 1789. A lo largo de este periodo, se desarrollan tres grandes corrientes artísticas,
cada una de las cuales tiene destacadas figuras: Con la Ilustración y la Revolución Francesa, se
imponen nuevos deberes a la pintura: ésta debe representar valores morales con el fin de educar
a la colectividad en las virtudes cívicas, el sentido moral y la austeridad (como en la antigua
Roma republicana). Se acude a temas mitológicos, y sobre todo históricos, tanto de la
Antigüedad como medievales y contemporáneos. El arte clásico se considerará el más oportuno
para lograr estos objetivos. La pintura neoclásica subrayará el valor racional de la línea, del
contorno nítido, de la claridad compositiva. El color queda subordinado al dibujo. El resultado
es academicista, y un tanto frío.
El romanticismo. es una corriente cultural, artística, musical y literaria que se propone expresar
la propia individualidad subjetiva del artista: sus sentimientos, sus emociones, su misma
irracionalidad (la locura, el sueño). El romántico siente una profunda atracción por los mundos
lejanos, tal como él los intuye: el Oriente primitivo o exótico, de pasiones ardientes; la Edad
Media, donde encuentra las raíces de su sentida nacionalidad. Quiere evadirse de la realidad
próxima, plana y burguesa, y le atraen sus opuestos: la oscuridad de la noche, los amores
imposibles, la soledad enfermiza, la religiosidad intimista. El color, vibrante, triunfa sobre el
dibujo. Se persigue el dinamismo mediante una gran libertad compositiva. Toman importancia
temas como el paisaje, del natural, pero tamizado por la propia personalidad, el costumbrismo,
los ambientes orientales, los cuadros de historia.
El neoclasicismo no fue un estilo inspirado, sino imitador, de la antigüedad clásica, de ahí los
temas históricos y mitológicos. Abundan los desnudos al estilo griego y las poses
grandilocuentes y frías, muy estudiadas y académicas. Es un arte lleno de normas, donde lo
importante es el dibujo, mientras el color se considera secundario. Normalmente se huye del
movimiento y, cuando éste está presente, parece congelado, estable y predecible. Es un intento
de someter la creación artística a reglas racionales y de elaborar modelos de validez universal.
La aparición del Neoclasicismo a mediados del siglo XVIII se produce por el agotamiento del
Barroco y por el desarrollo de una serie de acontecimientos que permitieron su aparición:
99
• Descubrimiento de Pompeya y Herculano, ciudades sepultadas vivas por el Vesubio,
diversas publicaciones dieron a conocer el resultado de las excavaciones.
• Otros investigadores llegan a Grecia y Oriente Medio y publican el resultado de sus
investigaciones
• Al mismo tiempo que un nuevo movimiento artístico, nacía la Historia del Arte con
Winckelmann que publica en 1764 el primer tratado histórico. También Lessing publica en
1768 su Laocoonte un tratado de estética. Surgen así técnicas históricas nuevas. Estos
tratadistas preconizan el ideal griego como punto de partida de toda belleza.
• La creación de las Reales Academias que dirigen la estética de su tiempo de acuerdo con
una normativa clásica. Las Academias contribuyeron a que la pintura, la escultura y la
arquitectura dejaran de ser oficios mecánicos para convertirse en artes liberales, y que el
artista abandonase el estamento artesanal para transformarse en un profesional
independiente, proceso que ya vimos iniciarse en el Renacimiento.
El contexto histórico: la Europa del siglo XVIII. La época en la que resurge con fuerza esa
nueva mirada a la Antigüedad clásica a la que se ha llamado Neoclasicismo, coincide con un
periodo de grandes cambios políticos ya se asiste a la crisis del Antiguo Régimen y la aparición
de la Ilustración, corriente intelectual basada en la razón, la vuelta a lo clásico y la crítica
política y social a los postulados del Antiguo Régimen, defiende la libertad del individuo, la
igualdad de los hombres. Este pensamiento será tomado por la burguesía que protagonizará la
Revolución Francesa de 1789, consecuencia de la oposición de clases medias y populares a un
sistema político-social dominado por la aristocracia para pasar a un sistema liberal, con
participación de los ciudadanos en los asuntos políticos y la igualdad de todos ante la ley.
Dentro del ámbito de las ideas políticas rechazaron al absolutismo monárquico y a algunos de
sus máximos representantes se deben las concepciones de división de poderes (Montesquieu) y
soberanía nacional (Rousseau). Al tiempo que pensadores como Voltaire defendían la libertad
de pensamiento, frente al anterior control ideológico por parte de la Iglesia. Desde el poder real
se intentó una regeneración con la influencia de la Ilustración se acometen reformas
encaminadas a favorecer a los súbditos, así aparece el Despotismo Ilustrado, sin embargo, las
aspiraciones burguesas eran de carácter revolucionario. Éste es también el tiempo de desarrollo
de la Revolución Francesa, periodo de la Historia de Francia entre 1789 y 1814/5 caracterizado
por profundos cambios:
1. Políticos. El paso de una monarquía absoluta a otra de base constitucional, poco después a
una República -La Convención- y, años más tarde, a un Imperio, dirigido por Napoleón.
2. Sociales. El final de la sociedad estamental y de los privilegios de nobles y clérigos, así
como el ascenso de la burguesía.
3. Económicos. La consolidación del sistema económico capitalista.
4. Ideológicos. La reafirmación de principios políticos como el de soberanía nacional y
división de poderes, claves del liberalismo político.
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En otro orden de cosas no hay que olvidar que el Neoclasicismo es coetáneo de otros hechos
históricos destacados como la Independencia de Estados Unidos (último tercio del siglo XVIII)
y la Primera Revolución Industrial que tiene sus orígenes en Inglaterra desde mediados de la
centuria del Setecientos.
La pintura neoclasicista: características generales. Temas: son extraídos del mundo clásico
[mitología, episodios históricos], desnudos y temas históricos donde se reproducen episodios
importantes de la Revolución Francesa exaltando mitos clásicos donde se trasmiten valores
como heroísmo y patriotismo.
Composiciones: son claras y racionales, sencillas. Cada cuadro suele tener un tema principal
sin temas secundarios o superfluos o banales. Los marcos son arquitecturas clásicas, sin darle
preferencia al paisaje que se configuraba en segundo plano. Las figuras se pintaban en primer
plano, un número limitado y en grupos aislados donde la claridad es lo que impera.
Naturalismo e idealización. Los personajes que ocupan los primeros planos los representan
con una anatomía ideal, basada en cánones, simetría y proporciones, de perfecta musculatura
que recuerdan a las estatuas clásicas. Se cultiva el desnudo heroico, aunque se ocultan los
genitales con algún elemento al azar. Las mujeres nunca las presentan desnudas, las visten con
ropajes muy teatrales, majestuosos, solemnes, ricos, aunque sencillos y simples.
Función: Las pinturas neoclásicas suelen tener un sentido moralizante y propagandístico
[difunden los ideales revolucionarios fuerza, heroísmo, patriotismo, virtud].
Línea y dibujo. El color está al servicio de la línea, siendo muchas veces convencional o,
incluso, dejándose sin colorear y quedando la pintura reducida a una grisalla (predominio de la
línea sobre el color).
Jacques Louis David (1748-1825). Fue uno de los grandes pintores franceses de finales del
XVIII y principios del XIX y el verdadero fundador del Neoclasicismo francés. Su obra es un
reflejo fiel de su vida. Comenzó su carrera en el estudio de Vien, protegido de Madame
Pompadour. Desde ahí viajó a Roma, donde sufrió la transformación que el fenómeno de Roma
y las teorías de Winckelmann solían producir en los estudiantes más capacitados e inquisitivos.
Regresó a Francia convertido en un resuelto clasicista, y durante la Revolución fue el
propagandista y el creador de la imagen del nuevo régimen político. Pero su arte representa una
perspectiva más humana y moderada.
David se adhirió por completo a los ideales de la Revolución francesa, simpatizó fervientemente
por la causa jacobina y fue amigo de Robespierre. Tras la caída de éste estuvo en prisión y con
posterioridad se puso al servicio de la exaltación de Napoleón. Su pintura parte de la admiración
por la Antigüedad (temas y personajes clásicos) para luego enfocar el interés por la glorificación
de los hechos históricos y los personajes de la época en la que vive (Revolución Francesa y
Napoleón). Por esta razón su temática preferente fue la histórica con el propósito de reflejar los
grandes ideales políticos y cívicos como el patriotismo y el heroísmo.
101
▲Juramento de los Horacios (1784). Jacques-Louis David. Óleo sobre tela. 326 cm x 420 cm. Museo del Louvre, París, Francia. Imagen tomada de:
https://3minutosdearte.com/cuadros-fundamentales/juramento-de-los-horacios-1784-jacques-louis-david/
El tema del cuadro está extraído de un episodio histórico de la antigua República romana (tres
hermanos juran ante su padre dar la vida por su patria antes de entrar en combate contra los
enemigos de Roma). Los personajes nos resultan fríos y sus gestos parecen excesivamente
solemnes, artificiosos y teatrales. Su composición está organizada en torno a un eje central y
las figuras están dispuestas de forma equilibrada. El propósito de David era representar
conceptos y transmitir ciertos valores patrióticos y cívicos. El cuadro asimismo está lleno de
mensajes simbólicos como la túnica roja del padre (juramento de sangre o derramamiento de
sangre) o el contraste de la fuerza de los hombres y el abatimiento de las mujeres. Respecto a
los elementos formales, resalta el predominio del dibujo sobre el cromatismo. Los colores que
emplea son claros y brillantes, resaltan los tonos rojos, grises y ocres. El tratamiento de la luz
también está presente en el cuadro.
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▲Eugene Delacroix. La Libertad guiando al Pueblo, 1830). Imagen tomada de: http://www.garuyo.com/arte-y-cultura/la-libertad-guiando-al-pueblo-es-
atacada-en-el-louvre
Eugene Delacroix (1798-1863). Es el gran pintor romántico francés. Sus composiciones son
agitadas, todo curvas. Posee un dominio absoluto del color, preferentemente puro, de
tonalidades fuertes, que extiende en pinceladas espesas. Le preocupa especialmente la luz, que
aúna fondo y figuras. De ideología liberal, sus temas proceden el pasado (La muerte de
Sardanápalo, 1827) y del presente (La masacre de Quíos, 1824; La Libertad guiando al Pueblo,
1830).
103
desagradables de la vida y a una incontenible fantasía, el dibujo acabado de la etapa anterior se
rompe dejando paso a la técnica de manchas muy expresiva. Por otra parte, el colorido es
sustituido por una mayor presencia del negro en sus cuadros, que culmina con las “pinturas
negras”.
Goya como ya ha quedado expresado de forma nítida pasó de ser un artista que aceptaba la
sociedad en la que vivía e incluso recreaba en sus obras los aspectos especialmente vitalistas y
alegres como fiestas populares, escenas costumbristas... a ser un profundo crítico de la
estructura social e instituciones de su época, de ciertos personajes concretos: de la realeza (un
poco disimulada en retratos como el de la “familia de Carlos IV”), de los eclesiásticos, de la
ignorancia e incultura del populacho, (grabados), y de los momentos históricos concretos que
le tocó vivir (los excesos cometidos durante la Guerra de la Independencia, o la persecución
contra los liberales con el reinado de Fernando VII). Goya es un autor que servirá de inspiración
para el arte posterior, en concreto no sólo para el arte del siglo XIX sino para las vanguardias,
el antecedente remoto de muchos movimientos de renovación artística que se dieron en los
siglos XIX y XX, tales como:
Tercera Etapa (1792-1808). Visión más crítica y profunda, que se refleja en los grabados de
“Los Caprichos” y en sus mejores retratos, en especial de todos sus amigos, grandes figuras del
pensamiento ilustrado: Moratín, Jovellanos, el Conde de Floridablanca. Es en esta época cuando
pinta la Familia de Carlos IV donde revela de modo realista e irónico las dudosas cualidades
morales y la vulgaridad humana de los retratados. En 1801 pinta las dos Majas (quizás
encargadas por Godoy), de técnica y formas refinadas y elegantes, en un juego de curvas, luces
y sombras. Aquí se nos muestra al Goya sensual, cortesano y enamorado. De esta etapa son
“Los Caprichos”, los dibujos no son obras de encargo, se parecen más a un diario íntimo donde
104
Goya va anotando sus pensamientos, vivencias e inquietudes, hasta que decide difundirlos
mediante el grabado. Se expresa en ellos con mucha libertad, tanta que tuvo que retirarlos
porque fueron denunciados a la Inquisición... aunque consiguió salvar los originales
entregándolos al Rey.
Cuarta Etapa (1808-1828). Este periodo marcará la obra de Goya definitivamente. Fernando
VII renuncia al trono español en favor de José de Bonaparte de quien también será pintor de
cámara, y los franceses entran en territorio español. Goya, por un lado, se muestra esperanzado
por los aires renovadores que vienen de Francia (por ejemplo, la Constitución de 1812) pero
también se muestra contrario sin dudarlo a la ocupación francesa y a los desastres de la guerra.
Ahora pinta cuadros históricos, verdaderos fotogramas de una contienda como “La lucha con
los mamelucos” y los “Fusilamientos de la Moncloa”, los dos pertenecientes a los Desastres de
la guerra. No son lienzos narrativos sino parte del monólogo de un hombre sordo y cansado,
que durante la última parte de su vida proyectó en el populacho, hambriento y maltratado, sus
visiones de miedo y esperanza. En los Fusilamientos predomina la sencillez técnica, la
concepción formal y el patetismo en las expresiones. Para Goya la luz es positiva, como la luz
que ilumina la razón en el pensamiento ilustrado y por eso la luz recae en las figuras que van a
ser fusiladas mientras que sus verdugos permanecen en la sombra.
A partir de 1819 se retiró a la Quinta del Sordo, una casa a orillas del Manzanares que decoró
con sus propios cuadros: todas pinturas negras como “Saturno devorando a su hijo”, “El
aquelarre”, “Lucha a garrotazos”, “La romería de San Isidro” o “El coloso del miedo”, pinturas
que son verdaderos precedentes del expresionismo y del surrealismo. A través de su denso
ambiente, su atmósfera oscura, su gama cromática de tonos oscuros y su concepto espacial
intangible, se crea una fuerte tensión psicológica, expresión de su lucha interna, de su mundo
silencioso, de ideas liberales fracasadas, de un ambiente por fin romántico y decrépito.
▲Francisco Goya. Los fusilamientos del tres de mayo (1814). Museo del Prado, óleo sobre lienzo, 268 cm. por 347 cm. Imagen tomada de:
https://marauri.wordpress.com/2012/05/13/los-fusilamientos-del-tres-de-mayo/
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Los fusilamientos del tres de mayo. En esta obra, el pintor plasmó la represión que sucedió a
la jornada de enfrentamientos en diversos lugares de Madrid el 2 de mayo de 1808. En la
madrugada del día 3 todos aquellos madrileños que habían sido detenidos por los franceses
fueron pasados por las armas, sin juicio alguno, por orden del mariscal Murat. La localización
de la represión se ha situado en los altos de la Moncloa, y algunos señalaron que ocurrió en la
Montaña del Príncipe Pío. El cuadro resulta auténticamente estremecedor. Un pelotón de
fusilamiento formado por anónimos soldados franceses, todavía con el equipamiento de
invierno que habían traído, está procediendo a fusilar a los madrileños detenidos en los
enfrentamientos del día anterior. Una gran fila de detenidos, que vienen caminado desde el
fondo, corta los dos grupos compositivos. En penumbra los represores, los soldados franceses,
colocados de espaldas, en diagonal profunda, dispuestos para lanzar la próxima descarga sobre
los madrileños que aparecen a la izquierda. Éstos tienen como fondo el extremo en declive de
la loma, y sus figuras están rotundamente iluminadas por la luz del gran farol que aparece junto
a los soldados franceses.
Goya quiso plasmar distintas actitudes a la hora de morir, distintos comportamientos humanos
ante el último trance, cuando la muerte es algo irremediable e inmediato. El fraile capuchino,
arrodillado, Unos cuantos cadáveres ensangrentados ya fusilados nos introducen visualmente
en el acto de represión. La violencia se manifiesta descarnada e hiriente con toda rotundidad y
dramatismo, en sintonía conceptual y compositiva con algunos de los “Desastres de la guerra”,
de los que no se pueden disociar. El centro de atención está en la figura del patriota madrileño
que, con pantalón amarillo y camisa abierta blanca, abre sus brazos como un Crucificado laico,
en actitud que denota valentía y arrogancia, intensamente iluminado por la luz del farol. La
aplicación de los colores, en gama limitada, con predominio de ocres, negros y grises, y acorde
con el sentido dramático y nocturno del acontecimiento. La respiración se contiene al
contemplar la escena, como si fuéramos espectadores directos de tan macabro acto. Goya, sin
duda, quiso transmitir esa sensación sobrecogedora en los que contemplasen el cuadro. Aquí
está la verdad descarnada y terrible de la guerra, pero ni Fernando VII, ni los absolutistas
estaban dispuestos a contemplar tan desagradable e hiriente escena, en la que, para colmo, el
pueblo era el protagonista.
EL REALISMO
▲El taller del pintor es un cuadro del pintor francés Gustave Courbet. Está realizado al óleo sobre lienzo. Mide 359 cm de alto y 598 cm de ancho. Fue
pintado en 1855, encontrándose actualmente en el Museo de Orsay, de París, Francia. Imagen tomada de: https://es.wikipedia.org/wiki/El_taller_del_pintor
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El Realismo es la denominación de un estilo o movimiento pictórico que se dio en Francia a
mediados del siglo XIX, cuyo principal representante es Gustave Courbet. El propio pintor fue
quien acuñó el término al dar nombre al pabellón que hizo construir para una provocativa
exposición de 1855, alternativa al Salón de París, bajo el título “Realismo”. Allí expuso su obra
El taller del pintor, considerada el manifiesto del estilo, que provocó un sonoro escándalo en
los medios artísticos por su antiacademicismo y su crudeza, que se calificaba de obscenidad.
Realismo francés del siglo XIX frente al realismo en las artes. No debe confundirse el
realismo como estilo o movimiento pictórico con el realismo en las artes, un principio general
que puede encontrarse en muy distintos estilos artísticos a lo largo de la historia de la pintura.
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Jean-Léon Gérôme fue un firme defensor de la fotografía, a la que consideraba capaz de sacar
a la luz la verdad.
Le Déjeuner sur l'Herbe (“Almuerzo sobre la hierba” en francés, a menudo
mal traducido como “Desayuno sobre la hierba”) es un cuadro al óleo de
208 cm de altura y 264,5 de largo, pintado por Édouard Manet en 1863.
Se exhibe en el Museo de Orsay de París. Imagen tomada de:
https://es.wikipedia.org/wiki/Le_D%C3%A9jeuner_sur_l%27Herbe ►
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Tejera en la montaña del Príncipe Pío, de Carlos de Haes. Imagen
tomada de: https://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Carlos_de_Haes_-
_Tileworks_in_the_Principe_Pio_Mountains.jpg ►
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ellos destacan Adolph von Menzel, Wilhelm Leibl, Max Liebermann, Franz von Lenbach y
Hans Thoma.
Tarde estival en la playa de Skagen. El artista y su esposa, de Peder
Severin Krøyer, 1899. Imagen tomada de:
https://es.wikipedia.org/wiki/Peder_Severin_Kr%C3%B8yer ►
Rusia. La pintura rusa del siglo XIX se identifica con los movimientos europeos
contemporáneos, aunque el término realismo ruso se identifica habitualmente con el realismo
socialista del siglo XX. El grupo más identificable con el realismo pictórico es el denominado
peredvizhniki (“vagabundos” o “itinerantes”), caracterizado por su oposición a las restricciones
académicas.
◄Retrato de Dostoievski, de Vasily Perov, 1872. Imagen tomada de:
https://es.wikipedia.org/wiki/Fi%C3%B3dor_Dostoyevski
Las hijas de Edward Darley Boit, de John Singer Sargent, 1882. Imagen
tomada de: https://es.wikipedia.org/wiki/Las_hijas_de_Edward_Darley_ Boit ►
Contexto filosófico. Augusto Comte elaboraba la filosofía del positivismo, que proponía como
única fuente de conocimiento la observación y la experiencia. Los avances de la ciencia y la
técnica fomentaron la formulación de una doctrina optimista, la del progreso social. En vez de
soñar con la mejoría de la vida, hay que partir de la realidad. El hombre es representado en sus
tareas normales y el tema de la fatiga se convierte en motivo de inspiración. Destrucción de la
Columna Vendôme, durante la Comuna de París (1871). El responsable cultural de la comuna
era precisamente Courbet, que fue procesado por el hecho.
Contexto ideológico. El realismo se vinculó a las ideas socialistas más o menos definidas.
Aunque con claras diferencias entre los distintos autores, en general, se aprecia un interés por
la situación de las clases más desfavorecidas de la sociedad surgida de la Revolución industrial.
111
Algunos, adoptan una actitud absolutamente comprometida con los intereses del proletariado,
participa en acontecimientos políticos del momento y hace un arte combativo. Otros, mantienen
una postura más moderada, y endulzan de alguna forma su visión de la realidad.
La estética realista. Los pintores realistas franceses de mediados del siglo XIX compartieron
una estética basada en la representación directa de la realidad. La manera cómo se materializaba
este principio básico varió desde la crudeza objetiva de Courbet hasta la simplificación gráfica
de Daumier, pasando por el filtro idealista de Millet. En cualquier caso, todos compartían la
radicalidad de los temas: ante la trascendencia que concedían al tema romanticismo y
academicismo, los realistas entendían que no hay temas banales y que, en consecuencia,
cualquier cuestión puede ser objeto de interés pictórico.
Este planteamiento tiene una enorme importancia en un momento en el que la pintura está
sometida a las reglas de la crítica oficial: los temas, las actitudes, las composiciones y hasta las
medidas de los cuadros tienen que ajustarse a estos rígidos criterios. Ante esta situación, los
pintores realistas defienden una pintura sin argumento, una captación simple de la realidad, en
la cual lo fundamental es la forma en que se representa la imagen, y no su desarrollo narrativo.
El realismo es un término confuso y de muy difícil definición en lo que respecta a las artes
plásticas; en general, sólo alude a una cierta actitud del artista frente a la realidad, en la que la
plasmación de ésta no tiene que ser necesariamente copia o imitación, aunque sí ajustarse a una
cierta verosimilitud.
Los realistas intentaban plasmar objetivamente la realidad; representar el mundo del momento
de una manera verídica, objetiva e imparcial. No podían idealizar. La única fuente de
inspiración en su arte debía ser la realidad; y no podían admitir ningún tipo de belleza
preconcebida. La única belleza válida debía ser la que suministraba la realidad, y ellos, como
artistas, debían reproducir esa realidad sin embellecerla. Cada ser u objeto tiene su belleza
peculiar, que es la que debían descubrir.
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desplaza de lo pintoresco a lo cotidiano, abandonando la evocación del pasado. Lo escandaloso
de los realistas está en los temas, la manera que tienen de afrontar la realidad, ya que la técnica
es más tradicional. Se niegan a idealizar las imágenes, y el hombre aparece en sus tareas
normales. El concepto de realismo ofrece una amplitud significativa, difícil de precisar en sus
límites, pues la captación de la realidad inmediata y su plasmación en una obra es una tendencia
que recorre toda la historia del arte.
• Reproducción exacta y completa de la realidad social. Todos los temas pueden ser objeto
de atención por parte del escritor, desde los más heroicos hasta los más humildes.
• Las obras reparten su atención por igual a los personajes y a los ambientes sociales
(preferentemente urbanos, y minuciosamente descritos).
• Saca a la luz los pensamientos más íntimos de sus criaturas y no duda en dirigirse al
lector para comentar sus comportamientos.
• El estilo es sobrio, preciso y elaborado.
• Las acciones de las novelas responden a hechos verosímiles localizados en lugares
concretos y reales.
El Paisaje realista. El principal artífice del cambio fue Corot y tras él la escuela de Barbizon,
cuyos pintores intentan plasmar en la tela la realidad del paisaje francés. Corot no se deja llevar
por la interpretación de la naturaleza propia de los románticos, sino que ve la naturaleza tal
como es.
Jean-François Mollet (1814-1875): es una de las figuras más discutidas del realismo francés.
Su pintura tiene un atractivo indudable que le ha hecho ganar el favor del público.
Honoré Daumier (1808-1879): es otro de los grandes del arte realista. Era pintor, escultor y
caricaturista; y en todas sus facetas se mostraba como un observador agudo de la realidad,
dispuesto a criticarla con dureza, aunque también con un punto de ternura.
Escultura y realismo. Entre los escultores de la época realista, quien más destaca es Auguste
Rodin (1840-1917), cuya producción despierta controversia severa. Desde su primera gran
obra, La Edad de Bronce (1877), provocó un gran debate motivado por su intenso realismo.
Algunos críticos acusaron al artista de haber realizado la escultura sobre un propio modelo vivo.
Más tarde, una segunda escultura, Predicación de San Juan Bautista (1879), revelaría la
principal característica de su arte: el establecimiento de los gestos humanos. Ese mismo objetivo
113
se reflejaría en su obra El Pensador, probablemente la obra más conocida del autor. En cuanto
a los retratos, Rodin no fue siempre fiel a la preocupación natural para reproducir los rasgos
faciales de su modelo. La escultura que hizo de Balzac, por ejemplo, llegó a ser lo rechazada
por la Sociedad de los Hombres de Letras de París por no existir semejanza física entre la obra
y el retratado. Lo que Rodin pretendía fue privilegiar, a su estilo, el carácter vigoroso que la
personalidad del escritor le sugería, lo que llevaría a una rígida controversia. De hecho, incluso
la clasificación de la obra de Rodin lo más realista es controversial. Algunos críticos lo
consideran romántico debido a la fuerte emoción que traducen sus obras. Todavía hay quienes
ven la escultura de Rodin características del impresionismo, un movimiento al que fue
contemporáneo y que revolucionó, en la época, a la pintura europea.
EL ROMANTICISMO
◄Saturno devorando a un hijo, una de las Pinturas negras de Goya,
realizada durante el Trienio Liberal (1820-1823), y que, bajo una capa
mitológica, alude a la famosa frase de Vergniaud poco antes de ser
guillotinado: «La Revolución devora a sus propios hijos». Imagen tomada
de: https://es.wikipedia.org/wiki/Romanticismo
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posteriormente en diversas corrientes, como el Parnasianismo, el Simbolismo, el Decadentismo
o el Prerrafaelismo, reunidas en la denominación general de Postromanticismo, una derivación
del cual fue el llamado Modernismo hispanoamericano. Tuvo fundamentales aportes en los
campos de la literatura, el arte y la música. Posteriormente, una de las corrientes vanguardistas
del siglo XX, el Surrealismo, llevó al extremo los postulados románticos de la exaltación del
yo.
Un aspecto del influjo del nuevo espíritu romántico y su cultivo de lo diferencial es el auge que
tomaron el estudio de la literatura popular (Romances o Baladas anónimas, Cuentos
tradicionales, Coplas, refranes) y de las literaturas en lenguas regionales durante este periodo:
la gaélica, la escocesa, la provenzal, la bretona, la catalana, la gallega, la vasca... Este auge de
lo nacional y del nacionalismo fue una reacción a la cultura francesa del siglo XVIII, de espíritu
clásico y universalista, dispersada por toda Europa mediante Napoleón. El Romanticismo se
expandió también y renovó y enriqueció el limitado lenguaje y estilo del Neoclasicismo dando
entrada a lo exótico y lo extravagante, buscando nuevas combinaciones métricas y
flexibilizando las antiguas o buscando en culturas bárbaras y exóticas o en la Edad Media, en
vez de en Antigua Grecia o Imperio romano, su inspiración. Frente a la afirmación de lo
racional, irrumpió la exaltación de lo instintivo y sentimental. “La belleza es verdad”.
115
Manifestaciones culturales. El movimiento literario Sturm und Drang (en alemán: tormenta e
ímpetu), desarrollado durante la última mitad del siglo XVIII, fue el precedente importante del
Romanticismo Alemán. Los autores importantes fueron (el joven) Johann Wolfgang von
Goethe, (el joven) Friedrich Schiller y Friedrich Gottlieb Klopstock.
116
Romanticismo ruso. En Rusia, el Romanticismo supuso toda una revolución, pues autorizó
como lengua literaria el hasta entonces poco cultivado idioma ruso. El artífice de esta moda fue
el gran Poeta Alejandro Pushkin, acompañado de numerosos seguidores e imitadores.
A pesar de ello, ya en la segunda década del siglo XIX, el diplomático Juan Nicolás Böhl de
Faber publicó en Cádiz una serie de artículos entre 1818 y 1819 en el Diario Mercantil a favor
del teatro de Calderón de la Barca contra la postura neoclásica que lo rechazaba, que suscitó un
debate en torno a los nuevos postulados románticos. Más tarde, en el periódico barcelonés El
Europeo (1823-1824), Buenaventura Carlos Aribau y Ramón López Soler defendieron el
Romanticismo moderado y tradicionalista del modelo de Böhl, negando decididamente las
posturas neoclásicas. En sus páginas se hace por primera vez una exposición de la ideología
romántica a través de un artículo de Luigi Monteggia titulado Romanticismo.
Algunos escritores liberales españoles, emigrados por vicisitudes políticas, entraron en contacto
con el Romanticismo europeo, y trajeron ese lenguaje a la muerte del rey Fernando VII en 1833.
La poesía del romántico exaltado está representada por la obra de José de Espronceda y la prosa,
por la figura decisiva de Mariano José de Larra. Un romanticismo moderado encarna José
Zorrilla, poeta y dramaturgo, autor del Don Juan Tenorio; y el Duque de Rivas, que, sin
embargo, escribió la obra teatral que mejor representa los temas y formas del romanticismo
exaltado. Un Romanticismo tardío, más íntimo y poco inclinado por temas político-sociales, es
el que aparece en la segunda mitad del siglo XIX, con la obra de Gustavo Adolfo Bécquer, la
gallega Rosalía de Castro, Alan Hardy y Augusto Ferrán, que experimentaron el influjo directo
con la lírica germánica de Heinrich Heine y del folclore popular español, recopilado en cantares,
soleás y otros moldes líricos, que se publicó en esta época. Sin embargo, hay quienes sostienen
que el Romanticismo poético en español tuvo manifestaciones pobres, y que obras más acordes
117
con está sensibilidad se encuentran en las crónicas histórico-ficticias (Tradiciones) del peruano
Ricardo Palma. Otros nombres para destacar son el cubano José María de Heredia.
Lugares de reunión. Los lugares donde se reunían los románticos eran muy diversos. Fuera de
las redacciones de las revistas románticas, existían determinadas tertulias, como, por ejemplo:
El Parnasillo en Madrid, o, en París, El Arsenal, del cual, si hemos de creer a Alphonse de
Lamartine, «era la gloria Víctor Hugo y el encanto Charles Nodier» (Las Noches, de Alfred de
Musset, precedida del estudio de dicho poeta por A. Lamartine. Madrid: Biblioteca Universal,
1898). En este cenáculo reuniánse entre otros Alfred de Musset, Alfred de Vigny, Boulanger,
Deschamps, Emile y Antoine Sainte-Beuve, etc. También los rusos tuvieron su cenáculo: la
Sociedad del Arzamas (La Revolución y la Novela en Rusia, por Emilia Pardo Bazán, Madrid,
s. a., pág. 245).
De forma diferente a la Ilustración dieciochesca, que había destacado en los géneros didácticos,
el Romanticismo sobresalió sobre todo en los géneros lírico y dramático; en este se crearon
géneros nuevos como el melólogo o el drama romántico que mezcla prosa y verso y no respeta
las unidades aristotélicas. Incluso el género didáctico pareció renovarse con la aparición del
cuadro o artículo de costumbres. La atención al yo hace que empiecen a ponerse de moda las
autobiografías, como las Memorias de ultratumba de François René de Chateaubriand. También
surgió el género de la Novela histórica y la Novela gótica o de terror, así como la Leyenda, y
se prestó atención a géneros medievales como la Balada y el Romance. Empiezan a escribirse
novelas de aventuras y folletines.
118
Los románticos consideraban que la fuerza motriz del conocimiento radicaba en la vivencia de
las contradicciones entre lo finito y lo infinito, en la tendencia hacia el infinito, la angustia
debida a lo que éste tiene de inaccesible, la actitud irónica hacia uno mismo y hacia la propia
obra creadora. Según los representantes de la escuela romántica el medio para poder adentrarse
en lo infinito radica en el amor, en el culto místico a la naturaleza, en la creación artística, en la
vivencia creadora. Idealizaban el pasado feudal y católico; algunos de ellos adoptaron el
catolicismo, se convirtieron en ideólogos de la Restauración. Posteriormente surgieron escuelas
románticas en Francia, Polonia, Italia, España, Dinamarca y Estados Unidos.
Fuentes:
◄ Coin de table, retrato colectivo de los simbolistas. Paul Verlaine y Arthur Rimbaud sentados a la izquierda por Henri Fantin-Latour. Imagen tomada de:
https://es.wikipedia.org/wiki/Simbolismo
Simbolismo. Se originó en Francia y Bélgica a finales del siglo XIX. En un manifiesto de 1886
de Jean Moréas, definiendo el estilo como “enemigo de la enseñanza, la declamación, la falsa
sensibilidad y la descripción objetiva”. El movimiento tiene su origen en la obra de Charles
Baudelaire, Las flores del mal. Edgar Allan Poe, también influyó en el movimiento. Los
simbolistas propugnaban una pintura de contenido poético en contra del materialismo y el
pragmatismo de la sociedad industrial. El Simbolismo derivará en la aplicación de la belleza en
lo cotidiano, el Art Nouveau. Los simbolistas utilizaban colores fuertes para resaltar el sentido
onírico, temática de sueños, fantasías. Uno de los artistas más destacados es el austriaco Gustav
Klimt que utilizó el pan de oro en sus obras.
119
El simbolismo fue un estilo de corte fantástico y onírico, surgió como reacción al naturalismo
de la corriente realista e impresionista, poniendo especial énfasis en el mundo de los sueños,
así como en aspectos satánicos y terroríficos, el sexo y la perversión. Una característica
principal del simbolismo fue el esteticismo, reacción al utilitarismo imperante en la época y a
la fealdad y materialismo de la era industrial. Frente a ello, el simbolismo otorgó al arte y a la
belleza una autonomía propia, sintetizada en la fórmula de Théophile Gautier «el arte por el
arte», llegando incluso a hablarse de «religión estética».
La belleza se alejó de cualquier componente moral, convirtiéndose en el fin último del artista,
que llega a vivir su propia vida como una obra de arte —como se puede apreciar en la figura
del dandy—. Destacaron: Gustave Moreau, Odilon Redon, Pierre Puvis de Chavannes, James
McNeill Whistler, Lawrence Alma-Tadema, Arnold Böcklin, Ferdinand Hodler y Gustav
Klimt, así como el grupo de los Nabis (Maurice Denis, Paul Sérusier, Pierre Bonnard, Félix
Vallotton y el escultor Aristide Maillol). Ligado al simbolismo estuvo también el llamado arte
naïf, cuyos autores eran autodidactas, con una composición algo ingenua y desestructurada,
instintiva, con cierto primitivismo, aunque plenamente consciente y expresiva (Henri Rousseau,
Séraphine Louis, Grandma Moses).
◄Charles Pierre Baudelaire (1821-1867). Imagen tomada de:
https://es.wikipedia.org/wiki/Charles_Baudelaire
120
Afiche publicitario para el impresor Champenois, de Alfons
Mucha, 1897. Imagen tomada de: https://www.pinterest.
com/pin/815784919982127231/ ►
121
Aristide Maillol. La Méditerranée. Musée Maillol. Imagen tomada de:
http://www.planetadunia.com/2018/03/banyuls-sur-mer-tras-los-pasos-de.html ►
◄Casa Batlló, Barcelona, obra de Gaudí. 1904-1906. Imagen tomada de: https://www.lonelyplanet.com/articles/discoveries-gaudis-casa-batllo-barcelona
122
las tecnologías asociadas, el hecho determinante que cambió la manera de proyectar y construir
los edificios o los espacios para la vida y la actividad humana. Los arquitectos no sólo
proyectaban el edificio, sino que intervenían en la decoración y en el mobiliario. En España
destaca el modernismo catalán, siendo Antoni Gaudí su máximo representante.
Exponentes destacados de este movimiento fueron: Gustav Klimt, quien pintó lienzos y murales
con un estilo personal muy ornamentado y de una intensa energía sensual; Alfons Mucha, que
logró la aceptación popular del Art Nouveau con un cartel publicitario de la actriz Sarah
Bernhardt en la obra de teatro Gismonda, sus trabajos plasmaban con frecuencia mujeres
hermosas flotando en atuendos neoclásicos rodeadas de flores; Jan Toorop, cuyos dibujos de
álamos y figuras curvilíneas fueron precursores de los patrones pictóricos del estilo; y Jules
Chéret, pionero del arte en carteles, que abordó diferentes técnicas con creaciones alegres
plasmando mujeres elegantes en movimiento
que encarnan el objeto del deseo, mismo que
se transmite en el objeto publicitado.
Vista desde la ventana en Le Gras. Debido a las 8 horas de exposición, la
luz del sol ilumina los edificios de ambos lados. Imagen tomada de:
https://es.wikipedia.org/wiki/Vista_desde_la_ventana_en_Le_Gras ►
123
tomar fotografías no estaba reconocido, ya que se consideraba que era la máquina la que hacía
todo el trabajo. La fotografía más antigua que se conserva es Vista desde la ventana en Le Gras.
Fue tomada por el científico francés, Joseph Nicéphore Niépce en 1826, desde una ventana.
Pictorialismo. El pictorialismo es un
movimiento fotográfico de pretensiones
artísticas que se desarrolla a nivel mundial
(aunque principalmente en Europa, Estados
Unidos y Japón) entre finales de los años 1880
y el final de la Primera guerra mundial. El
nombre del movimiento deriva del término
inglés picture (imagen, cuadro, pintura,
fotografía) y no de paint (pintura), razón por
la cual resulta erróneo hablar de fotografía
pictórica o pictoricista, términos que vendrían
a referirse a la fotografía academicista,
corriente que sí que se encuentra muy
relacionada con la pintura.
◄Struggle, fotografía de estilo pictorialista de Robert Demachy, 1904.
Imagen tomada de: https://es.wikipedia.org/wiki/Pictorialismo
El origen del impresionismo. El Impresionismo surge en la Francia del siglo XIX ya que esta
reunía todos los aspectos necesarios para que pudiera darse este tipo de arte tan característico.
En relación con el ámbito económico, Francia era favorable al comercio y al consumo. Además,
vivía una época de paz que se vio reforzada por una serie de avances con relación a la
producción industrial y esto desembocó en una creciente burguesía. Surgieron a su vez una serie
de servicios para satisfacer la demanda creciente de ciertos sectores: como las redes de
ferrocarriles, los grandes almacenes, las casas de moda, la prensa ilustrada, el teatro, etc.
124
Otro aspectos significativo que favoreció a este creciente consumismo fue el mundo del arte;
tanto el coleccionismo como aquellos trabajos que tenían una relación directa o indirecta con
él. En estos momentos el arte se convirtió en la forma más segura de inversión y ello favoreció
que los grupos sociales que más ligados estuviesen a él, fueran los que más riquezas poseían.
Así mismo, las exposiciones de arte estaban en alza; sobre todo la exposición del Salón de Paris
celebrado anualmente en los campos Elíseos donde los artistas podían darse a conocer.
Sin embargo, para poder saber cuáles fueron los acontecimientos que propiciaron el surgimiento
del Impresionismo hay que profundizar aún más en la historia de Francia. El acontecimiento
que marca el punto de salida tuvo lugar en 1815 cuando Napoleón Bonaparte fue derrotado en
la batalla de Waterloo que tuvo como consecuencia la restauración monárquica. Los reyes Luis
XVIII y Carlos X, ambos Borbones y hermanos de Luis XVI que fue guillotinado, supusieron
el regreso al Antiguo Régimen. Como todo en la historia está relacionado, este acontecimiento
tuvo repercusiones importantes sobre todo en las artes. Los artistas de la generación de 1820,
más conocidos como los románticos, evitaron mostrar la situación del momento en sus obras
por lo que se evadieron a lugares más lejanos en busca de una nueva inspiración. Lugares
exóticos como Oriente situando la acción en momentos pasados de gran relevancia.
La monarquía entre los años 1830-1848 se acogió a una actitud más inteligente y novedosa pero
que no supo cómo llevarla a cabo; de ahí, que tras la Revolución de 1848 y el establecimiento
de la república tampoco tuvieran éxito entre la sociedad. Sin embargo, esto pudo ser
aprovechado por el nieto de Napoleón I, Luis Napoleón Bonaparte o más conocido como
Napoleón III que en 1851, no dudo en usurpar el poder, autoproclamarse emperador de Francia
y establecer un régimen autoritario. Durante el Segundo Imperio (1851-1870), Napoleón III, a
pesar de que quiso establecer algunas ideas y proyectos que tuvo su tío, nada pudo hacer debido
al ansia de poder que tenía y a la corrupción de su corte.
Dadas las ambiciones de poder de Napoleón III, este no vio la inminente derrota que se cernía
sobre su ejército al intentar parar al ejército prusiano de Bismarck por el territorio de Alemania.
Tras su derrota, no le quedó otra salida que abdicar e irse humillado al exilio. Finalmente, se
instauró la III República que fue una de las bases para el surgimiento de los grupos
impresionistas. No obstante, la III República no se consolido en los mejores momentos de
Francia ya que el ambiente reinante era el de la humillación nacional frente a una derrota militar
y el de un derramamiento de sangre innecesario. Un aspecto por destacar es que a pesar de que
los impresionistas daban a sus obras un cierto sentido de optimismo y positivismo no debemos
dejarnos engañar y pensar que ese era el retrato de la sociedad del momento, pues no lo era ni
de cerca.
Carmen Álvaro Bizarro
125
El nombre de impresionista se empleó también para otras artes, como la música o la literatura,
o también la escultura y arquitectura, a pesar de que sus rasgos definitorios son bastante
particulares de la pintura. Esto es posible debido a que la filosofía del impresionismo podía
interpretarse como un afán por imitar la realidad y, en todo caso, por concebir el arte como fruto
de un proceso racional, algo que iba de la mano del positivismo, doctrina de pensamiento que
imperaba en la sociedad burguesa del siglo XIX. Los preceptos del impresionismo fueron objeto
de oposición por parte del expresionismo, nacido a finales del siglo XIX como una reacción a
favor de la subjetividad artística y las necesidades expresivas interiores del ser humano.
▲Impresión, sol naciente (1872-1873), de Claude Monet, Museo Marmottan Monet, París. Cuadro al que debe su nombre el movimiento. Imagen tomada
de: http://erasmus.ufm.edu/wp-content/uploads/2018/06/1024px-Claude_Monet_Impression_soleil_levant.jpg
126
◄Édouard Manet sentó las bases para el surgimiento del impresionismo. (fotografía
por Nadar h. 1867-1870). Imagen tomada de: https://es.wikipedia.org/wiki/%C3%89
douard_Manet
127
El máximo representante de la música impresionista fue el francés Claude Debussy.
Fotografía realizada por Nadar (c. 1908). Imagen tomada de:
https://es.wikipedia.org/ wiki/Claude_Debussy ►
EL VANGUARDISMO
El vanguardismo, o avant-garde en francés, se refiere a las personas o las obras que son
experimentales o innovadoras, en particular en lo que respecta al arte, la cultura y la política.
El vanguardismo representa un empuje de los límites de lo que se acepta como la norma o statu
quo, sobre todo en el ámbito cultural. La noción de la existencia del vanguardismo es
128
considerada por algunos como una característica del modernismo, a diferencia de la
posmodernidad. Muchos artistas se han alineado con el movimiento avant-garde y aún
continúan haciéndolo, trazando una historia a partir del dadaísmo pasando por los situacionistas
hasta artistas posmodernos como los Poetas del Lenguaje alrededor de 1981.6
El término también se refiere a la promoción de reformas sociales radicales. Fue este sentido
que fue evocado por el adherente a Saint-Simon Olinde Rodrigues en su ensayo "L'artiste, le
savant et l'industriel" ("El artista, el científico y el industrial", 1825), que contiene el primer uso
registrado de "avant-garde" en su sentido ahora habitual; allí, Rodrigues pide a los artistas
"servir como el vanguardismo [de la gente]", insistiendo en que "el poder de las artes es de
hecho la forma más inmediata y rápida" para la reforma social, política y económica.7
Contexto histórico y cultural. Desde el punto de vista histórico, el primer tercio del siglo XX
se caracterizó por grandes tensiones y enfrentamientos entre las potencias europeas. Por su
parte, la Primera Guerra Mundial (entre 1914 y 1918) y la Revolución Soviética (en octubre de
1917) fomentaron las esperanzas en un régimen económico diferente para el proletariado. Tras
los años 1920, época de desarrollo y prosperidad económica conocida como los años locos,
vendría el gran desastre de la bolsa de Wall Street (1929) y volvería una época de recesión y
conflictos que, unidos a las difíciles condiciones impuestas a los vencidos de la Gran Guerra,
provocarían la gestación de los sistemas totalitarios (fascismo y nazismo) que conducirán a la
Segunda Guerra Mundial.
Desde el punto de vista cultural, fue una época dominada por las transformaciones y el progreso
científico y tecnológico (la aparición del automóvil y del avión, el cinematógrafo, el gramófono,
etc.). El principal valor fue, pues, el de la modernidad (o sustitución de lo viejo y caduco por lo
nuevo, original y mediado tecnológicamente). Por su parte, en el ámbito literario era precisa
una profunda renovación. De esta voluntad de ruptura con lo anterior, de lucha contra el
6
UBU Web Lista de artistas desde el dadaísmo hasta el día de hoy que se han alineado con el vanguardismo.
7
Calinescu, Matei (1987). The Five Faces of Modernity: Modernism, Avant-Garde, Decadence, Kitsch,
Postmodernism. Duke University Press.
129
sentimentalismo, de la exaltación del inconsciente, de lo racional, de la libertad, de la pasión y
del individualismo nacerían las vanguardias en las primeras décadas del siglo XX.
Europa vivía, al momento de surgir las vanguardias artísticas, una profunda crisis que
desencadenó la Primera Guerra Mundial y, luego, en la evidencia de los límites del sistema
capitalista. Si bien «hasta 1914 los socialistas son los únicos que hablan del hundimiento del
capitalismo», como señala Arnold Hauser, también otros sectores habían percibido desde antes
los límites de un modelo de vida que privilegiaba el dinero, la producción y los valores de
cambio frente al individuo. Resultado de esto fue la chatura intelectual, la pobreza y el
encasillamiento artístico, contra los que reaccionaron -en 1905- Pablo Picasso y Georges
Braque con sus exposiciones cubistas y el futurismo que, en 1909, deslumbrado por los avances
de la modernidad científica y tecnológica, lanzó su primer manifiesto de apuesta al futuro y
rechazo a todo lo anterior.
Así se dieron los primeros pasos de la vanguardia, aunque el momento de explosión definitiva
coincidió, lógicamente, con la Primera Guerra Mundial, con la conciencia del absurdo sacrificio
que ésta significaba y con la promesa de una vida diferente, alentada por el triunfo de la
revolución socialista en Rusia. En 1916, en Zúrich (territorio neutral durante la guerra), Hugo
Ball, poeta alemán, decidió fundar el Cabaret Voltaire. Esta acta de fundación del dadaísmo,
explosión nihilista, proponía el rechazo total:
El sistema DD os hará libres, romped todo. Sois los amos de todo lo que rompáis. Las
leyes, las morales, las estéticas se han hecho para que respetéis las cosas frágiles. Lo
que es frágil está destinado a ser roto. Probad vuestra fuerza una sola vez: os desafío
a que después no continuéis. Lo que no rompáis os romperá, será vuestro amo.
Ese deseo de destrucción8 de todo lo establecido llevó a los dadaístas, para ser coherentes, a
rechazarse a sí mismos: la propia destrucción. Algunos de los partidarios de Dadá, encabezados
por André Breton, pensaron que las circunstancias exigían no sólo la anarquía y la destrucción,
sino también la propuesta; es así como se apartaron de Tzara (lo que dio punto final al
movimiento dadaísta) e iniciaron la aventura surrealista.
La furia Dadá había sido el paso primero e indispensable, pero había llegado a sus límites.
Breton y los surrealistas (es decir: superrealistas) unieron la sentencia de Arthur Rimbaud (que,
junto con Charles Baudelaire, el Conde de Lautréamont, Alfred Jarry, Vincent van Gogh y otros
artistas del siglo XIX, sería reconocido por los surrealistas como uno de sus «padres»): «Hay
que cambiar la vida» se unió a la sentencia de Carlos Marx: «Hay que transformar el mundo».
Surgió así el surrealismo al servicio de la revolución que pretendía recuperar aquello del hombre
que la sociedad, sus condicionamientos y represiones le habían hecho ocultar: su más pura
esencia, su Yo básico y auténtico.
8
Rodríguez-Ponga, Alfonso. «El crack del 29 y el fortalecimiento del poder estatal» (en español). Ersarp. «Las
conductas artísticas de Entreguerras era una carga de dinamita contra el propio arte occidental, de la misma forma
que lo habían sido las actitudes políticas para los Estados.».
130
A través de la recuperación del inconsciente, de los sueños (son los días de Sigmund Freud y
los orígenes del psicoanálisis), de dejarle libre el paso a las pasiones y a los deseos, de la
escritura automática (que más tarde cuestionaron como técnica), del humor negro, los
surrealistas intentarían marchar hacia una sociedad nueva en donde el individuo pudiese vivir
en plenitud (la utopía surrealista). En este pleno ejercicio de la libertad que significó la actitud
surrealista, tres palabras se unieron en un sólo significado: amor, poesía y libertad.
En la pintura ocurriría una huida del arte figurativo en favor del arte abstracto, suprimiendo la
personificación. Se expresaría la agresividad y la violencia, violentando las formas y utilizando
colores estridentes. Surgieron diseños geométricos y la visión simultánea de varias
configuraciones de un objeto. En la literatura, y concretamente en la poesía, el texto se realizaría
a partir de la simultaneidad y la yuxtaposición de imágenes. Se rompió tanto con la estrofa, la
puntuación, la métrica de los versos como con la sintaxis, alterando por completo con la
estructura tradicional de las composiciones (por ejemplo, en el Finnegans Wake o en el final
del Ulises de James Joyce). Surgió el caligrama o poema escrito de modo tal que formara
imágenes, con el objetivo de acabar con la tóxica sucesividad del hecho escrito o leído.
El poeta/artista/arquitecto vanguardista no estaba conforme. Como el pasado no le servía tenía
que buscar un arte que respondiera a esta novedad interna que el individuo estaba viviendo,
apoyándose en la novedad original que se lleva dentro.
• Tenían que abandonarse los temas viejos, carentes de sentido y sin respuestas para el
individuo nuevo.
• En algunos movimientos había una tendencia a hacer plástica en la coloración de las
palabras.
• En la poesía se jugaba constantemente con el símbolo.
• Las reglas tradicionales de la versificación necesitaban una mayor libertad para expresar
adecuadamente su mundo interior.
• Reaccionaba contra el modernismo y contra los imitadores de los maestros de esta corriente;
una conciencia social los llevaba a tomar posiciones frente al individuo y su destino.
• Nuevos temas, lenguaje poético, revolución formal, desaparición de la anécdota,
proposición de temas como el antipatriotismo.
• El punto de vista del narrador comenzaba a ser múltiple.
• Un vínculo estrecho entre el ambiente y los gustos del personaje.
• Comenzaba a profundizarse en el mundo interior de los personajes, presentados a través de
sus más escondidos estados del alma.
131
No era el tiempo cronológico el que tenía importancia sino el tiempo anímico y comenzó a
tomarse en cuenta el aspecto presentacional, pues se limitaba a sugerir para que el lector
complete; el autor comenzó a exigir presencia de un lector atento que fuese desentrañando los
hechos presentados y fuese armando inteligentemente las piezas de la novela de nuestro tiempo.
En los años 1920 el expresionismo influyó sobre otras artes. El gabinete del Doctor Caligari
(Robert Wiene, 1919) y Nosferatu, el vampiro (Friedrich Wilhelm Murnau, 1921) iniciaron el
expresionismo cinematográfico y, los poetas Georg Trakl y Rainer María Rilke llevaron el
movimiento al ámbito de la lírica. Entre los principios de esta corriente artística se señalan: la
reconstrucción de la realidad, la relación de la expresión literaria con las artes plásticas y la
música, la expresión de la angustia del mundo y de la vida a través de novelas y dramas donde
se habla de las limitantes sociales impuestas a la libertad del hombre. Pretende expresar filias y
fobias del ser humano. Por lo tanto, no requiere de
una buena técnica ni de un resultado estéticamente
bello. Se enfrentaría básicamente, como la teoría
estética a las ideas realistas, a las viejas ideas
impresionistas que habían aparecido en Europa en
los últimos veinte años del siglo XIX, y plantearía
que lo real no es fundamentalmente aquello que
vemos en lo exterior, sino aquello que surge en
nuestra interioridad cuando vemos, percibimos,
intuimos o producimos algo.
Retrato de Matisse, pintado por Derain. Imagen tomada de:
https://www.nobbot.com/off-topic/fauvismo-mapfre/ ►
132
1905 supuso la primera exhibición para el grupo, cuyo objetivo era lingüísticamente la síntesis
forma-color. No se buscaba la representación de los objetos inmersos en la luz solar, sino la de
las imágenes más libres que resultaban de la superposición de colores equivalentes a dicha luz.
En efecto, los fauvistas consideraban que mediante el color se podían expresar sentimientos.
Henri Matisse fue uno de los mayores representantes de esta vanguardia.
◄Juan Gris: Guitarra y mandolina, 1919, Galerie Beyeler, Basilea. Imagen
tomada de: https://es.wikipedia.org/wiki/Cubismo
Este movimiento rompía con la tradición, el pasado y los signos convencionales de la historia
del arte. Consideraba como elementos principales de la poesía el valor, la audacia y la
revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico,
el salto peligroso y la bofetada. Según su manifiesto, sus postulados eran la exaltación de lo
sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la máquina, el retrato de la realidad en
movimiento, lo objetivo de lo literario y la disposición especial de lo escrito, con el fin de darle
una expresión plástica. Rechazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida
contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento.
◄Tristan Tzara nació en Rumania el 16 de abril de 1896. Vivió casi toda
su vida en Francia y fue uno de los autores más importantes del
movimiento Dadá. Imagen tomada de: http://leedor.com/2018/04/16/
tristan-tzara-el-fundador-del-dadaismo/
134
constructivo, los aspectos de la conducta moral humana y las manifestaciones no eran de su
interés. Consistía en la captación de la coincidencia-realidad surgida en un personaje, cuando
vive un hecho que le provoca recuerdos recónditos. Otros de sus principales representantes
fueron Louis Aragon y Elsa Triolet.
CONSTRUCTIVISMO RUSO
El constructivismo ruso fue un movimiento artístico muy influyente que floreció en Rusia en el
siglo XX y evolucionó cuando los bolcheviques llegaron al poder en la Revolución de octubre
de 1917. A través de este movimiento de arte moderno, se expresaron muchos de los avanzados
artistas soviéticos que apoyaban los objetivos de la revolución. En sí, se trataba de un enfoque
nuevo para la creación de objetos, aunque tomó ideas del cubismo, suprematismo y el
futurismo. En resumen, su objetivo era abolir la preocupación artística tradicional por la
composición y reemplazarla por «construcción». El constructivismo ruso exigía un análisis
técnico cuidadoso de los materiales modernos. Esta investigación debía finalmente producir
ideas útiles para la producción en masa, al servicio de los fines de una sociedad comunista. Sin
embargo, el movimiento fracasó al tratar de hacer la transición del estudio del artista a la fábrica.
Algunos continuaron insistiendo en el valor del trabajo analítico abstracto y el valor del arte en
sí. Varios de estos artistas tuvieron un gran impacto en la difusión del constructivismo en toda
Europa. Por su parte, otros avanzaron a una fase nueva, pero de corta duración conocida como
productivismo. Estos artistas trabajaron en la industria, pero sin el mismo éxito del
constructivismo ruso.
Historia. En 1917, Kasimir Malevich utilizó el término Arte de la construcción para describir,
despectivamente, la obra de Alexander Rodchenko. Sin embargo, Vladimir Yevgrafovich Tatlin
135
fue quien por primera vez expresó las ideas constructivistas. Tatlin había visitado a Picasso en
París. A su regreso, comenzó a producir sus Construcciones en relieve. Se trataba de una serie
de esculturas realizadas con material de desecho que imitaban la obra del artista español.
Mientras tanto, después de la toma de poder bolchevique, dos grupos de influyentes pintores
abstractos moscovitas entraron en pugna. El primero prefirió adherirse al arte puro, o arte
concreto. Por su parte, el segundo grupo, que incluía a Tatlin, consideró que las bellas artes
tradicionales estaban muertas. Estos optaban por el trabajo utilitario y propagandístico. Este
último grupo ganó y se hizo conocido como «constructivistas» o «artistas-ingenieros».
En 1922, Alexei Gan, teórico del movimiento, emitió un Manifiesto constructivista. Luego, se
prohibió el arte de caballete y se obligó a los pintores y escultores a cambiar al diseño industrial.
Muchos artistas descontentos abandonaron Rusia. La creatividad para los que permanecieron
fue rígidamente controlada. A mediados de la década de 1920, el constructivismo ruso estaba
en declive. Esto, en parte, se debió a la creciente hostilidad del régimen bolchevique al arte de
vanguardia. Sin embargo, continuó siendo una inspiración para los artistas de Occidente. Un
movimiento llamado Constructivismo internacional floreció en Alemania en la década de 1920.
Su legado perduró hasta la década de 1950.
Diseño. Las herramientas y técnicas de la pintura figurativa más tradicional y los estilos de arte
fueron reemplazados por fotomontajes «construidos» y una fuerte tipografía. El
constructivismo ruso característicamente tenía paletas de colores mínimos. En general, solo
utilizaban el rojo y negro, y a veces amarillo. Eran comunes los elementos diagonales con tipo
e imágenes circulares y en ángulo. Así, el resultado era extremadamente dramático, con
imágenes en capas combinadas con tipografía potente. Este arte ha sido descrito como
emocionante, estremecedor e incluso impactante. Este movimiento significó un cambio
dramático de movimientos y filosofías de arte más convencionales. Originalmente, el estilo
constructivista estaba destinado a mensajes políticos. No obstante, se filtró en anuncios de
productos y carteles de todo tipo, así como en portadas y partes interiores de libros.
Obras y autores destacados. Algunos famosos artistas del movimiento son Vladimir Tatlin,
Georgii y Vladimir Stenberg, Alexander Rodchenko, Liubov Popova y El Lissitzky. Por otro
lado, la pieza más famosa de Tatlin es su Monumento a la Tercera Internacional. Este proyecto
no se llevó a cabo, pero marcó su primera incursión en la arquitectura. El monumento se
convirtió en un símbolo de la arquitectura vanguardista rusa y del Modernismo internacional.
La maqueta es un armazón de hierro de 6.7 m de altura en el que descansaba un cilindro
giratorio, cubo y cono. Debido a la desaprobación oficial de la pintura de caballete, la mayoría
de las obras constructivistas aparecen en forma de diseños textiles, arquitectura o diseños
industriales. Entre las obras más famosas están:
Referencias:
1. The Art Story (2018). Constructivism Movement Overview and Analysis. Recuperado el
09 de febrero de 2018, de theartstory.org.
2. Encyclopedia of Art History. (s/f). Russian Constructivism (c.1914-1932). Recuperado el
09 de febrero de 2018, de visual-arts-cork.com.
3. Strizver, I. (2017, septiembre 27). Russian Constructivism and Graphic Design.
Recuperado el 09 de febrero de 2018, de creativepro.com.
4. New World Encyclopedia. (s/f). Constructivist architecture. Recuperado el 09 de febrero
de 2018, de newworldencyclopedia.org.
5. Garrow, K. (s/f). The Constructivist Art Movement (1917 – 1921). Recuperado el 09 de
febrero de 2018, de keithgarrow.com.
6. The Art History Archive. (s/f). Russian Constructivism. Recuperado el 09 de febrero de
2018, de arthistoryarchive.com.
137
SEGUNDAS VANGUARDIAS (1945-1970)
Posted on by Antonio Pedraz
TENDENCIAS INFORMALISTAS
Fantasma azul. Wols Schulze Battman Otto Alfred. (1951). Oil on canvas. 73
x 60 cm. Museo Ludwig. Imagen tomada de:
https://www.artehistoria.com/en/node/52093 ►
138
arena, polvo de mármol, yeso… Su pincelada es impulsiva y da la máxima importancia al gesto.
El artista más representativo del estilo fue Jean Dubuffet.
◄'Sin título, ca', de Willem De Kooning (Óleo sobre papel,
montado sobre lienzo, 1939). Imagen tomada de:
http://www.rtve.es/noticias/20170202/ expresionismo-
abstracto-perspectiva-renovada-unica/1483800.shtml
Expresionismo abstracto
americano. Tendencia que muestra
grandes e importantes influencias
como son el surrealismo, el
expresionismo y la abstracción. La
referencia con la naturaleza y la
figuración en este movimiento están
más que superados. Un importante
grupo de artistas componen esta
tendencia, artistas que se conocen
personalmente, comparten estudio y
salas de exposiciones, y reflexiones
acerca del movimiento. Sin embargo,
cada uno consigue un estilo personal
que les distingue y se reconocen con
personalidad propia, todos obtienen
fama y reconocimiento. Jackson
Pollock fue el creador de un nuevo
modo de pintura: el dripping. El
artista sitúa el lienzo en el suelo y,
moviéndose dentro y alrededor del
mismo deja caer finos hilos de
pintura que se desprenden del pincel
recién cargado en el bote. El resultado es una trama compleja de hilos que forman una
composición muy atractiva visualmente. El artista se interesa por el azar, por lo que no es
controlable.
Otro artista reconocido en este movimiento fue Willem de Kooning. La pintura de de Kooning
comparte planteamientos con Jackson Pollock, aunque es mucho más directa. Busca el gesto,
la pincelada, la mezcla de los colores en el mismo lienzo. Utiliza colores puros y muy saturados,
combinados con algunas tierras y sombras. El tercero de la lista de expresionistas abstractos fue
Philip Guston, único representante de este grupo que mantuvo cierta figuración en sus lienzos.
Consiguió un lenguaje propio, casi jeroglífico, de modo que los mismos elementos se repetían
una y otra vez para contar un mensaje.
Guston fue un artista obsesionado con el miedo al tiempo que se agota, a las agresiones en
general, a la pobreza. Acostumbraba a pintar por la noche, ya que, según el propio artista, esos
miedos que movían su pintura eran mucho más intensos. Su paleta era bastante monocroma en
general, ya que sus obras más representativas se mueven en rosas y algún tono de contraste. Por
último, y no por ello menos importante, nombrar a Mark Rothko, creador del llamado “Color
Field Painting” fue un artista de dedicación plena y obsesiva a su obra. Alcanzó una técnica
exquisita a la hora de fundir tonos y obtener colores expresivos. Pintor de grandes formatos,
reivindica la identidad de la abstracción y la expresividad de grandes superficies de color.
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◄Michelangelo Pistoletto with his Sfera di Giornali, 1967-2017.
Photo Courtesy of Cittadellarte - Fondazione Pistoletto. Imagen
tomada de:
https://garage.vice.com/en_us/article/ywbjww/michelangelo-
pistoletto-arte-povera
Flin Flon 1970. Frank Stella. United States of America born 1936. Imagen tomada
de: https://cs.nga.gov.au/detail.cfm?IRN=37841 ►
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Minimal Art. El arte minimal comenzó siendo una vanguardia más, aunque su proyección e
influencia ha sido enorme en el arte y el diseño de final del siglo XX y principios de XXI.
Inspirada en el arte oriental, tiene como lema “menos es más”, de modo que, si una imagen, un
interior, un objeto industrial, etc., se puede resolver con un mínimo de elementos no se le
añadirá ni uno más. De esta forma, produce imágenes limpias, aparentemente vacías y simples,
con gran carga estética más que funcional. Uno de sus representantes fue Sol le Witt.
NEO REPRESENTATIVAS
◄Marylin Monroe, Andy Warhol, 1967 © Thirddime. Imagen tomada de:
https://www.kazoart.com/blog/en/5-things-to-know-about-pop-art/
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preciso por tanto una meticulosidad exagerada en la ejecución de la obra, y un alto conocimiento
técnico. La fotografía fue su principal competencia, aunque siempre trató de distanciarse
produciendo imágenes que no pudiesen ser fotografiadas, escenarios imposibles, ángulos
forzados, etc. con lo que consiguió su propio terreno en el Arte. En Chuck Close y Richard
Estes el hiperrealismo tiene a sus mayores representantes.
TENDENCIAS CONCEPTUALES
▲Marcel Duchamp primer exponente del arte conceptual. Imagen tomada de: https://hablemosdeculturas.com/arte-conceptual/
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Bruce Nauman, Sex and Death by Murder and Suicide, 1985. Neon tubing
mounted on aluminium monolith, 198 x 199 x 32 cm. Emanuel Hoffmann
Foundation, on permanent loan to the Öffentliche Kunstsammlung Basel. Photo:
Bisig & Bayer, Basel. Imagen tomada de: https://www.e-flux.com/
announcements/168320/bruce-nauman-disappearing-acts/ ►
Conclusión. Las vanguardias artísticas de principios del siglo XX lograron abrir las fronteras
del arte, en un momento de miradas estrechas y de un arte rancio e inmovilista. Eso favoreció
la expresividad de los artistas, lo multidisciplinar. Nada suponía un límite para una obra de arte
si el artista así lo sentía, siendo una época de experimentación y de nuevas técnicas artísticas.
Los críticos e historiadores de Arte piensan que es hoy una época de vuelta a la calma, de
asimilar el siglo XX y estabilizarse. Tras experimentar con soluciones nuevas, las formas de
expresión tradicionales (pintura, escultura, arquitectura, fotografía) vuelven a coger fuerza sin
que ello desprecie el abanico de posibilidades que ofreció el pasado siglo.
http://www.elmarcoverde.com/segundas-vanguardias-1945-1970/
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