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Multi 2013 04 04 PDF
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Resumen
El impacto del género de la música pop dentro del mundo contemporáneo es inevitable.
Este fenómeno, que inició como un estilo que, aparentemente, no ofrecía nada nuevo,
cobró fuerza gracias a sus melodías envolventes, cuyas letras ofrecían un único mensaje.
El presente artículo tiene como objetivo desarrollar los elementos esenciales del
surgimiento de la música pop dentro de un mundo globalizado, donde el capitalismo
funge como intermediario entre los productores musicales y el público. Como primer
acercamiento al género se ofrece una contextualización histórica de la música pop en
Estados Unidos y su posterior traslado a otras regiones donde se adoptó como parte del
estilo de vida de las personas.
El fenómeno de la música pop en México tuvo impactos y repercusiones que, hoy en
día, siguen manifestándose aún cuando el estilo ya no presenta las mismas características
que tuvo al momento de su incursión en del país. La llegada de la música pop a México
implicó su establecimiento como una nueva industria del entretenimiento masivo, donde
la fabricación de artistas o “estrellas” fue la principal tarea a la que se dedicaron las corpo-
raciones que buscaban nuevos talentos para ofrecer al público juvenil.
Palabras Clave: Industria del entretenimiento, música pop, consumo, ideología, mainstream.
Abstract
The impact that pop music has in the contemporary world is unavoidable. This
phenomenon that apparently started as a genre that had nothing new to offer gathered
strength thanks to its captivating melodies and whose lyrics offered a unique message.
This article intends to develop the essential elements involved in the emerging of pop
music within a globalized world, where capitalism acts as an intercessor between music
producers and the audience. As a first approach to the genre, a historical contextuali-
zation of pop music in USA is presented and its subsequent transfer to other
regions where it was adopted as part of people´s lifestyle.
The pop music phenomenon in México had influences and repercussions
that, nowadays, are still manifesting even when the genre does not show the
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same characteristics it had at the moment of its launch into the country. The
advent of pop music to México entailed its establishment as a new industry
for mass entertainment, where manufacturing artists or “starlets” was what
corporations looking for new talents to offer to young audience dedicated to
as their main task.
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Keywords: Entertainment industry, pop music, consumption, ideology, mainstream.
“Una sinfonola tocaba el bolero. Hasta ese momento la música había sido nada más el Himno
Nacional, los cánticos de mayo en la iglesia, Cri-Cri, sus canciones infantiles –Los caballitos,
Marcha de las letras, Negrito sandía, El ratón vaquero, Juan Pestañas- y la melodía circular,
envolvente, húmeda de Ravel con que la XEQ iniciaba sus transmisiones (…).”
-José Emilio Pacheco, Las Batallas en el Desierto.
“Ey, familia…danzón dedicado a la güera Esther y amigos que la acompañan. Se apaga la luz
y a mover la cintura. Overoles y sacos lustrosos. La cara complaciente de un gendarme
y el ademán relativamente bravío del inspector-autoridad. Una mesa llena de pequeños
vasos y un mesero distribuyendo fichas. La Cacariza ebria en un rincón y la Gorda con un
muchacho que le pide otro anís doble”.
-Carlos Monsiváis, A ustedes les consta.
“A mi me encanta la juventud de hoy, su moda, sus canciones, su libertad, su falta de hipocresía,
su manera de enfrentarse al amor y de vivirlo. Prefiero a los Beatles que a Beethoven.
¿Cómo comparar “I´ll be mine” de John Lennon, “The foll on the hill” de Paul McCartney
con los románticos de mi época?”
-Elena Poniatowska, La noche de Tlatelolco.
E
l desarrollo de este género musical, que ha marcado el rumbo de la
música durante la época contemporánea, tuvo sus orígenes en la ciudad
estadounidense de Detroit, un centro urbano donde se concentra la
mayor parte de la población de raza negra y se presentan acontecimientos
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citadinos que eran comunes en las grandes urbes pero que no eran ajenos a los
habitantes que compartían una convivencia frágil y débil: las constantes olas
de violencia y el despotismo causado por la segregación racial. Como conse-
cuencia de estos sucesos, ocurre algo que ya era más que previsible: la gente
de raza blanca abandonó la ciudad debido a las crisis que se vivió a finales de
los años sesenta. Los únicos que deciden permanecer en la ciudad son gente de
raza negra que busca su propia identidad en un mundo donde el color de piel
es sinónimo de jerarquía social. Es en esta ciudad de contrastes paralelos donde
un individuo llamado Berry Gordy dará comienzo a un fenómeno en masa que
cambiará el destino de la música hasta entonces conocida.1
Al joven empresario le gusta ir a disfrutar de los conciertos de jazz, género
musical que está de moda durante los años cincuenta. Sus constantes visitas a los
eventos generan en él un proyecto cuyos alcances mercantiles se vinculan con
el inicio de una aventura que le podría redituar grandes beneficios económicos.
Sin pensarlo dos veces, Gordy inaugura un local donde comercializa discos de
jazz, el género que ha marcado su vida, donde resalta su admiración por el gran
músico Billie Holiday y, como un buen empresario que se preocupa por ofrecer
al público los mejores productos, revisa continuamente las listas del hit parade
donde su visión capitalista le permite detectar cuáles son los temas musicales
que están posicionados en los primeros lugares y de esta forma comercializar
con los éxitos del momento. Pero tiempo después el sueño que lo mantenía
vivo empieza a desvanecerse.
El negocio fracasa, no porque el jazz fuera un género malo o sin popularidad,
sino que hubo un detalle que Gordy pasó por alto: infirió que a los chicos de
los suburbs2 donde vivía también les gustaba el jazz pero no se percató de que
los jóvenes se sentían más atraídos por el rhythm and blues. Los jóvenes de
los suburbios consideran al jazz demasiado institucional, serio y pretencioso.
Lo que ellos prefieren es la race music3, este es el elemento clave. Para Gordy,
quien se mantenía en un estado de confusión y desconcierto ante el fracaso
vivido, pronto empieza a tener sentido una idea que no había tomado en cuenta:
la música negra la producen siempre los blancos y la catalogan en una lista de
popularidad especializada, aclarando que no está dentro del hit parade comercial.
1 Martel, Fréderic (2011). Cultura Mainstream. Cómo nacen los fenómenos de masas. México: Taurus.
2 Literalmente “suburbio”. El término se asocia muchas veces a zonas urbanas ricas o de clase
media, ya que en Estados Unidos la pobreza y los guetos se concentran a menudo en el centro
de las ciudades. Son unas afueras próximas, respecto a las periferias más lejanas o Exurbs.
3 Música racial.
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los editores y los sellos musicales. Decide dar prioridad a los autores sobre los
intérpretes, es decir, la persona que posee los derechos de las letras musicales
es quien tiene el poder y la oportunidad de sacar provecho económico de las
ganancias por las ventas de los discos. Tanto los editores como los managers-
productores delinean sus campos de interacción e influencia. Los primeros
resaltan su admiración por las canciones, los compositores y los letristas;
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mientras que los segundos fijan su atención en los intérpretes y tienen la
misión de producir a los artistas. La Motown4 inaugura los contratos de exclu-
sividad para los artistas, quienes producen canciones en cadena. “La música
estaba literalmente por todas partes en Detroit”.5
El proyecto ha iniciado. Gordy se da a la tarea de comenzar un proceso
de reclutamiento y selección de artistas totalmente desconocidos para la
mayoría del público pero que, con el paso del tiempo, se convertirán en las
grandes estrellas que dejarán un legado en la música desarrollada a finales de
los años sesenta: músicos de la calle, cantantes de coros góspel en los templos
católicos, talentos de antes de la guerra cuyos nombres han sido olvidados o
se han desvanecido al paso de los años. Las voces cautivan a Gordy, pero sólo
una logrará encantarlo como si fuera un hechizo de magia: Diana Ross, su
secreta e íntima compañera. La mayoría de los artistas que descubre Gordy
formaron parte de los coros de las iglesias baptistas durante su niñez, lo cual
les proporcionó una privilegiada educación y un soporte musical adecuado.
Aretha Franklin, Marvin Gaye, Otis Redding, Ray Charles, Donna Summer,
Whitney Houston, Isaac Hayes son nombres que resuenan y hacen eco dentro
de la industria musical de la Motown.
El éxito que logró en su momento Berry Gordy se basó en una estrategia de
marketing que no debe sorprendernos ya que es el modelo que actualmente
se maneja en las grandes empresas de medios masivos: se trata de hacer
una música crossover,6 hecha y controlada por los negros para los blancos.
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aparatos radiofónicos, convirtiéndose en el símbolo de la homogeneiza-
ción de la programación de radios en los Estados Unidos.
‣‣ Surge la playlist, una lista de temas musicales que a lo largo del día se van
repitiendo dentro de la programación radiofónica.
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‣‣ La syndication es la emisión frecuente de un mismo programa pero con
variantes, aunque el formato es exactamente el mismo.
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9 Ibíd, 135-136
10 Ibíd, 136-137.
11 Barthes, Roland (1997). Mitologías. México: Siglo XXI.
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modelo de marketing y sólo siguió gracias a lo que, al principio, se negaba a
promocionar: la música negra. Para la cadena, ésta no alcanzaba la categoría de
mainstream como para tomarla en cuenta, era un género, un nicho vacío. En la
actualidad, en la era de la tecnología y el internet, YouTube se ha convertido en
una amenaza peligrosa para las grandes cadenas musicales. La transmisión de
videoclips gratuitos, la misma idea con la cual MTV ascendiera al éxito, ahora
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se vuelve en su contra.
MTV (Music Television) se fundó el 1 de agosto de 1981. “Ladies and gentlemen,
rock and roll”, fueron las primeras palabras que se escucharon en la cadena,
leídas por el presidente de aquel entonces, sobre las imágenes del Apolo XI
posándose en la luna. A partir de entonces, MTV no ha programado rock and
roll, sino que se ha inclinado por el soft rock y el recurrente pop mainstream.13
A raíz del surgimiento de YouTube, su audiencia ha descendido drásticamente
y su facturación está al borde del colapso. Con el objetivo de dar una nueva
imagen a la cadena, Graden ha implantado una serie de medidas para recuperar
al auditorio que está perdiendo.
Ha reafirmado su vocación generacional volviendo a poner énfasis en los
jóvenes de 15 a 34 años y descartando completamente a los videoclips, por lo
que su prioridad ahora son los formatos interactivos, la realidad más allá de la
pantalla, los talk-shows, series animadas que fueron éxitos en los inicios de la
cadena y la producción de nuevas series originales. Algo inusitado es la incursión
de la cadena dentro del mercado de los videojuegos, adquiriendo productoras
experimentales o consolidadas, como Harmonix o Atom Entertainment. MTV
no descansará hasta recuperar al público que YouTube le ha arrebatado.
El fenómeno de la música pop marcó un hito en la cultura de Estados Unidos
y, posteriormente, en los países latinoamericanos donde el género incursionó
con gran éxito. La producción mercantilista de estos productos significó un
momento culminante para las grandes empresas de medios masivos, las cuales
buscaban nuevos conceptos que ofrecer al público que gustaba de escuchar una
canción y dejarse llevar por el ritmo y la “armonía” de lo que ellos consideraban
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“popular”. Este género es una mezcla de diversos estilos que dieron forma a
toda una estructura musical que sigue vigente hasta nuestros días, aunque con
variantes que le han hecho perder la creatividad e innovación artística que lo
caracterizaron durante los años sesenta.
14 Monsiváis, Carlos (2010). La cultura mexicana en el siglo XX. México: El Colegio de México.
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ciones anteriores. Los urgidos de espacios libres requieren del idioma sectorial,
las palabras de la tribu, y el habla denota orgullosamente las diferencias con la
generación pasada porque disminuye o vuelve, de forma psicológica, utilitarios
los bienes máximos de consumo: automóvil (lámina) y casa (cueva); porque
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define bandos (los chavos/ la tira/ la chaviza/ la momiza); porque pregona como
bien máximo la vida sin ambiciones o metas prefijadas (el aliviane, desafanarse,
andar en el role) y la pérdida de temor a lo nuevo o la carencia de importancia
de la mayoría de los hechos (llegarle, no hay grito, no te azotes).15
A este nuevo dialecto juvenil, a estos lenguajes corporales, a este gran
repudio de las tradiciones y a este distanciamiento de la sociedad, lo nutren en
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diversos niveles la influencia de los jóvenes norteamericanos, la experiencia
psicodélica, la mariguana como fuente de vinculación social, de mistificación
y credulidad espiritual. Los que, con intensidades y maneras distintas, viven la
contracultura están convencidos de acercarse por el habla a la liberación por
medio de la suma de experiencias inaugurales.
El rechazo social no se consuma y pronto la provocación y los desafíos
vitales, musicales y literarios desembocan en la asimilación llena de culpas
o en la marginalidad resentida. Revolución no lograda, el Sistema adquiere
mayor fuerza. A las palabras de la onda las saquea la publicidad comercial y
el slang elabora su propia cárcel; sin embargo, se le atribuye la ampliación de
espacios culturales y morales a esta vivencia colectiva. Por el tiempo que dure,
la contracultura es la alternativa fundamental que va de los libros al rock, a la
experimentación vital, y Avándaro es la gran fiesta contracultural.16
15 Ibíd., p. 380-381.
16 Ibíd., p. 381.
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17 Ibíd., p. 387-388.
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destinado a batir records en ventas de discos y cuya popularidad empezaba a
consolidarse dentro del escenario musical mexicano en 1981. En ese mismo año,
Televisa da a conocer a la audiencia a un grupo infantil que, con el tiempo, se
convertiría en una de las agrupaciones de música pop más importantes de los
años ochenta, convirtiéndose en un fenómeno que sigue vigente hasta nuestros
días: Timbiriche.
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El contexto musical mexicano se consolida con el surgimiento del concurso
de canto conocido como Festival OTI, certamen internacional en el que los países
miembros de la Organización de Televisión Iberoamericana (OTI) competían
interpretando una canción. Un jurado formado por personas relacionadas con
el mundo de la música valoraba las diferentes canciones mediante votación, y
los tres temas musicales que mayor puntuación obtenían se llevaban un premio
en metálico. El Festival de la OTI surgió a partir del modelo de Eurovisión (a
su vez éste una adaptación del certamen italiano de San Remo) y se celebró por
primera vez el 25 de noviembre de 1972 en Madrid, y su última edición tuvo
lugar en 2000. A partir de ese año el festival dejó de celebrarse.18
Dentro de este festival surgirían algunos de los íconos que, en determi-
nados sectores de la población, eran considerados como representantes de la
música pop: Emmanuel, Yuri, Imelda Miller, María Medina, entre otros artistas.
Este famoso certamen fue perdiendo fuerza al paso de los años, hasta que vio
desaparecer el brillo y la popularidad que lo caracterizaron en un principio.
Sin embargo, esto no significó el fin del género pop en español. Pronto
harían su aparición agrupaciones y artistas que dejarían un impacto en la
música mexicana de los años ochenta: Timbiriche, Flans, Menudo, Luis Miguel,
Lucero, Magneto, etc. El detalle con esta nueva corriente era que no ofrecía
nuevos conceptos o novedades musicales que se pudieran haber esperado. Al
final sólo se trató de una reproducción de ritmos y tonadas que habían sido
vistas en otras agrupaciones extranjeras y que fueron adoptadas en México,
no para generar nuevos estilos entre la juventud, sino para iniciar toda una
estrategia de producción y consumo de formas simbólicas amparadas bajo el
18 http://laoti.blogspot.mx/
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estilo musical pop que no dejó huella en la historia de México durante los años
que siguieron a su incursión en del país.
La música pop en español sigue tan vigente como el primer momento en que
hizo su incursión en el país hace ya muchos años. Los grupos musicales de
ese entonces asumieron un papel protagónico ante las audiencias masivas que
iban a cantar con ellos las canciones que habían logrado convertir en éxitos
del momento, auspiciados por las empresas discográficas que vislumbraban un
periodo de bonanza económica que duraría mucho tiempo.
Pero la interrogante que aquí se plantea con respecto al poder que adquirió
el género pop en español durante su momento cumbre en el panorama musical
de México es, ¿por qué las personas se sentían, y se siguen sintiendo, atraídas
por un estilo musical simple, repetitivo y corriente? Para poder abundar en
esta interrogante es necesario dar una definición de lo que implica el mal gusto
dentro de la sociedad y las repercusiones que este fenómeno tiene en diversos
ámbitos, concretamente, los artísticos.
Todo el mundo tiene conciencia plena de lo que es el mal gusto, nadie
tiene temor de individualizarlo y ponerlo en práctica, pero es precisamente
la combinación de estos factores lo que dificulta dar una definición precisa y
específica de lo que es. No debe sorprendernos el hecho de que para establecer
una definición operativa del término se tenga que recurrir al juicio de los espe-
cialistas, es decir, las personas que tienen “buen gusto” y saben detectar cuando
un aspecto o situación se considera de “mal gusto”.19
El mal gusto se reconoce de forma instintiva, se deriva de una reacción
de indignación ante una manifestación fuera de proporción, ante algo que es
considerado fuera de lugar. Ejemplos cotidianos se pueden citar: una corbata
verde en un traje azul, o una opinión importante hecha en un momento poco
apropiado, o expresiones enfáticas que no se justifican por la situación, etc. El
mal gusto se caracteriza por una falta de medida ante lo que se dice o hace, pero
es importante puntualizar que las normas que rigen estas medidas varían según
los contextos y la cultura en donde se está desarrollando dicho fenómeno. En
la actualidad se ha dado un nuevo giro a la concepción del mal gusto, refirién-
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La Música Pop en Español: Industria Artificial y de Entretenimiento
dose a él con otro término más estilizado y que podría entrar en la categoría de
“buen gusto” para los especialistas: el kitsch.20
El kitsch se nos presenta como una forma de mentira artística o un “mal
en el sistema de valores del arte… La maldad que supone una general falsifi-
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cación de la vida”.21 Este fenómeno, amparado erróneamente bajo el concepto
“artístico”, es un producto fácilmente comestible, no sólo del arte, sino de
cualquier ámbito donde lo artístico y creativo tengan presencia, refiriéndonos
claro al aspecto creativo musical. El kitsch se propone como cebo ideal para
una audiencia perezosa que desea participar y sentirse parte de los valores
de lo bello, y convencerse a sí mismo de que los disfruta, sin la necesidad de
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implicarse en esfuerzos que requieren toda su atención y sentidos.
El kitsch se asume como un típico logro de origen pequeño burgués, como
un vehículo de fácil reafirmación cultural para un público que cree gozar de
una representación original del mundo, cuando la verdadera realidad es que
goza sólo de una imitación secundaria de todos aquellos aspectos artísticos
en los cuales la sociedad se vincula de forma cotidiana. Aquí tenemos ya un
primer acercamiento al por qué las personas se sienten atraídas por un género
musical simple y corriente: este estilo se presenta como una creación “artística”,
surgida de mentes “innovadoras”, cuyo objetivo es dar al público una nueva
imagen musical de determinados artistas, sin darse cuenta de que sólo se trata
de un estilo que imita otros modelos existentes y repite patrones vistos en otros
contextos, pero se adaptan al tipo de sociedad en el cual pretenden incursionar.
El kitsch está directamente vinculado con una cultura de masas y una
cultura media, y consecuentemente, una cultura de consumo. Este fenómeno
tiene aspectos a favor y en contra: para Hermann Broch, sin el kitsch, no habría
ningún tipo de arte; Walther Killy se pregunta si la falsa realidad que nos ofrece
el kitsch es verdadera y sólo se trata de una mentira, o si de verdad satisface
una necesidad indispensable de ilusiones alimentada por el individuo mismo.22
Queda latente la idea de que este fenómeno, al final, resulte esencial en la vida
cotidiana de los seres humanos, donde produce efectos en los momentos en que
los consumidores así lo piden, además de gozar de los efectos, y no detenerse
20 La primera aparición de la palabra data de la segunda mitad del siglo XIX, cuando los turistas
americanos que deseaban adquirir un cuadro barato, en Mónaco, pedían un bosquejo
(sketch). De ahí vendría el término alemán para designar la vulgar pacotilla artística,
destinada a compradores deseosos de fáciles experiencias estéticas.
21 Eco, Umberto, op. cit. p.87.
22 Ibíd., p.87.
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23 Ibíd, p. 90.
24 Concepto vinculado al arte en su función de descubrimiento e invención.
25 Entendido como cultura de masas.
26 Ibíd., p. 93.
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La Música Pop en Español: Industria Artificial y de Entretenimiento
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En un intento por definir lo que entendemos por música pop en español, podemos
decir que es la música producida para el mercado de habla hispana, cantada
por grupos o cantantes juveniles creados y promovidos como mercancías por
la industria disquera mediante los medios masivos de comunicación, y cuyo
discurso es convencional y sencillo. Por lo general, los jóvenes escuchan esta
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música por la radio, la ven por la televisión y acapara los anaqueles de las
tiendas de discos.
Se puede definir a la música pop en español como la canción contempo-
ránea apoyada por grandes compañías disqueras, con objetivos económicos
muy claros y definidos, seguida por grandes audiencias. Como forma contem-
poránea de la poesía oral, este estilo musical está conformado por un nivel que
es palabra y por otro que es música, es decir, es música y letra combinadas,
producida y distribuida masivamente para ciertos sectores de la población. Las
empresas disqueras desempeñan su papel y trabajan para capturar y mantener
la atención a lo largo del planeta sobre el artista, para crear una omnipresencia
de la música alrededor de nuestras vidas.27
Gracias a la mediatización ha cambiado la forma en que se usa la música
en el siglo XX: ha dejado de ser sólo un acto cara a cara para producir nuevos
parámetros de audición estética. De este modo, los músicos deben hacer que sus
interpretaciones “en vivo” se parezcan lo más posible a sus grabaciones en disco
y no a la inversa, como sucedía desde los orígenes de la grabación sonora en 1950.
Cuando se creía que el disco había llegado a su fin y con él la difusión
masiva de la música en general aparece el casete, que vuelve sencillo el
consumo musical y lo transforma en parte de la cotidianeidad. Sin embargo,
la omnipresencia de la música se vuelve una realidad con la introducción del
walkman, aparato que vino a revolucionar las formas de escuchar música y las
prácticas culturales.
Ahora, la música podía ser escuchada no sólo en ambientes cerrados como
el hogar, el auto o la discoteca, sino también cuando se realizaban diversas
27 Suárez Gómez, Leticia (2009). ¿Qué hacen los adolescentes con la música pop en español? Un
estudio de sus prácticas cotidianas. México: Universidad Pedagógica Nacional.
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28 Ibíd, p.46-47.
29 Ibíd, p.74-75.
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La Música Pop en Español: Industria Artificial y de Entretenimiento
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La música pop en español contribuye a regular los distintos espacios de
interacción que no sólo están relacionados con la vida familiar, sino con otros
espacios determinados por múltiples relaciones, es decir, por las relaciones que
establecen con los otros en distintos lugares tanto públicos como públicos-
privados y privados, destinados por lo general al tiempo de ocio.
Las actividades que los individuos realizan todos los días en mayor o menor
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medida están acompañadas por la música, ya que gracias al desarrollo de las
nuevas tecnologías, esta expresión se ha ido incorporando a la vida diaria a tal
punto que hoy sería difícil imaginarla sin ella, pero hay que ser conscientes
que esto no siempre fue así.
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Una de las innovaciones que trajo consigo la industria cultural fue la producción
masiva de mercancías, porque resultó más eficaz fabricar un producto para
un millar de clientes que hacer mil productos diferentes de acuerdo con las
exigencias individuales de cada uno. Referirse a la industria musical es hablar,
principalmente, de una red de dependencia mutua, de profundos y sólidos
vínculos tanto en el tiempo como en las diversas escalas espaciales (mundial,
continental, nacional, regional y local), que interactúa con la radio, la televisión,
las revistas y las compañías disqueras, lo que ha dado como resultado la estan-
darización y racionalización de las formas culturales.
Los productos se hacen a la medida de la masa consumidora, con la cual se
garantiza la venta y la ganancia, de modo que la dependencia es una caracterís-
tica común de esta esfera cuyas distintas ramas están entrelazadas en el aspecto
económico. La industria discográfica basa su producción en la demanda de los
cinco principales mercados musicales culturalmente distintos: el clásico, el pop,
el campesino y el oeste, el soul y el latino.30
30 Ibíd., p.35.
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La Música Pop en Español: Industria Artificial y de Entretenimiento
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en marcha para hacer llegar la foto, la camiseta, el disco, la revista, la taza, el
cartel, la pluma del artista consentido a manos del público.
A la par, los medios impresos alimentan el imaginario del consumidor y la
omnipresencia del artista mediante la publicación de entrevistas, fotos, carteles,
que despiertan la curiosidad del público por conocer más de sus ídolos. Las
figuras que aparecen en películas y programas de televisión, o los artistas que
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se escuchan a través de la radio, el DVD o el disco se transforman en puntos de
referencia comunes para millones de individuos, que tal vez nunca interactúen
entre sí, pero que comparten, en virtud de su participación en una cultura
mediatizada, una experiencia común y una memoria colectiva.
De este modo, la mercancía que venden las industrias del entretenimiento
y en torno a la cual giran los distintos productos particulares es la estrella. A
partir del desarrollo del cine y de la radio, el sistema de estrellas, impulsado por
la industria del cine hollywoodense, se ha constituido como el eje de funciona-
miento de las industrias del entretenimiento contemporáneas.
Se resalta el mecanismo donde la música pop inicia un proceso de repro-
ducción mecánica cuyo objetivo es la comercialización de los productos
creados y distribuirlos a todos los lugares donde la música forme parte del
estilo de vida de las personas que ven pasar cada día de su vida en compañía
de un estilo de música que, si bien, no ofrece conceptos novedosos y creativos,
sí ofrece entretenimiento y distracción a todos aquellos que no escapan de
sus envolventes ritmos.
La canción de consumo
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La música reproducida
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La Música Pop en Español: Industria Artificial y de Entretenimiento
musicales que han surgido en los diversos contextos sociohistóricos en los que
ha dejado una huella permanente en la vida de jóvenes pertenecientes a las
diversas generaciones musicales representativas de cada época. La música pop
no es un género en sí mismo, es una mercancía que se vende al mejor postor
Humanidades
para explotarla y obtener el respectivo beneficio monetario que tanto se espera.
Los aspectos ideológicos predominan en este tipo de música, donde el ritmo y
la armonía de la melodía son remplazados por la reproducción de repertorios
anteriormente vistos con otras agrupaciones musicales del mismo género.33
Multidisciplina 14
La música pop en español surgió como una “necesidad” aparente de crear
nuevas fuentes musicales que generaran ingresos a las compañías disqueras.
El argumento bajo el cual se escudaban los dueños de estas empresas era la
necesidad de formar una nueva corriente musical que unificara a todos los
individuos, en especial, a los adolescentes, siempre en busca de la eterna
identidad que los haga pertenecer a la sociedad. El género pop abarca el
mercado de los jóvenes, los cuales representan a la mayor audiencia consumista.
La década de los ochenta está representada por los clubes nocturnos, centros
de diversión donde los jóvenes acuden en busca de nuevas sensaciones y para
disfrutar de la vida.
Se considera justo que se les ofrezca una “nueva” propuesta musical que los
unifique para llevar a cabo un mecanismo de identificación con algunos de los
artistas que están empezando a tener auge dentro del género pop en español.
Las industrias de los medios son organizaciones comerciales que operan en un
mercado competitivo sujeto a presiones financieras y a incentivos de diversos
tipos; de aquí que los cambios surgidos en las industrias de los medios sean
respuesta a los imperativos económicos y a las limitaciones políticas que
afectan a dichas industrias en tanto intereses comerciales.34
Los productores musicales asumen como “legítima” la creación del género
pop como una alternativa más dentro de los diversos estilos musicales en
español. Sin embargo, es importante resaltar que los grupos que son promo-
cionados dentro del género pop no ofrecen ningún concepto nuevo, creativo u
original al género de la música popular en México. El punto importante de este
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35 Ibíd., p. 318.
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La Música Pop en Español: Industria Artificial y de Entretenimiento
Humanidades
se convirtió en una moda. Tal vez no toda la música pop en español siga el
sistema de mercantilización fundado por Rebelde, pero el proceso de industriali-
zación al que se enfrenta para colocarse en el gusto musical de los consumidores
no dista mucho del implementado por el grupo-concepto juvenil Rebelde.
Basta asistir a cualquier concierto que dé cualquier artista del género pop
y se podrá observar en todo su esplendor la cosificación de la estrella. Ésta se
Multidisciplina 14
convierte en camiseta, foto, taza, pulsera, cartel, botón; el producto es lo de
menos, lo que importa es tener un pedazo, un recuerdo del artista favorito. De
esta manera, el capitalismo contemporáneo rebasa las fronteras nacionales y
se vuelve internacional. Las exigencias de la producción y los referentes de
consumo no se detienen en las fronteras de las culturas regionales.36
Este género entra en el mundo contemporáneo auspiciado por las grandes
compañías disqueras, las cuales tienen sus objetivos económicos muy bien
delimitados, donde las grandes audiencias representan las entradas de capital
que dichas corporaciones están buscando. Los sellos musicales capturan y
mantienen la atención sobre el artista todo el tiempo y en todos los lugares, con
el fin de crear una realidad omnipresente de la “estrella” y su música dentro de
nuestra vida cotidiana.
Referencias
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ࣩࣩ Thompson, J. B. (1993). Ideología y cultura moderna. Teoría crítica social en la era de la
comunicación de masas, México: UAM-Xochimilco.
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