CAP 13/Los músicos italianos que vivían alrededor de 1600 sabían que estaban inventando nuevas maneras de hacer

música. Ellos idearon nuevos modismos, como

el bajo continuo, la monodia y el recitativo; Nuevos estilos, marcados por una disonancia no preparada, mayor concentración en la voz o instrumento en solitario y el juego
idiomático; Y nuevos géneros, incluyendo ópera . Esta generación vio el cultivo más deliberado de lo nuevo en música desde el Ars Nova a principios del siglo XIII.hemos llegado
a ver este derrame de la innovación como el comienzo de un nuevo período a menudo llamado el barroco. El término fue empleado por los historiadores del arte en el siglo XIX,
pero sólo a finales del siglo XX los historiadores de la música lo aplicaron al período de alrededor de 1600 a alrededor de 1750. Sin duda hay elementos que los compositores de
principios del siglo XVII como Peri y Monteverdi Comparte con compositores de principios de siglo XVIII como Vivaldi y Bach, especialmente su enfoque en mover
los afectos (emociones). Pero el siglo xvnIIfue también un período propio, marcado por la invención continua de nuevos géneros, estilos y métodos, la difusión gradual de las
ideas italianas y, en respuesta a ellas, el desarrollo de idiomas nacionales independientes. Cualquiera que sea nuestra visión, las innovaciones alrededor del año 1600 lanzaron
una nueva era en la música, en la que los estilos de ópera y teatro desempeñaron papeles principales. Este capítulo contrastará el período barroco con su predecesor, el
Renacimiento/ Europa en el siglo XVII: Revolución científica-1609: Johannes Kepler describió las órbitas de los planetas/Galileo Galilei descubrió lunas alrededor de Júpiter,
usando un telescopio de nuevo diseño/Sir Francis Bacon defendía un enfoque puro de la ciencia (es decir, basándose en la observación directa en lugar de apelar a las
autoridades)/René Descartes desarrolló un enfoque deductivo de la razón/Sir Isaac Newton:Leyes de la gravitación (1660s)-Observación combinada con matemáticas-
Establecer el marco para el método científico/Política, religión y guerraResolución de conflictos, ca. 1600-Enrique IV (Francia) garantiza la libertad a los protestantes-
Inglaterra y España terminaron años de guerra entre ellos/Nuevos conflictos:Alemania fue devastada por la Guerra de los Treinta Años (1618-48) dentro del Sacro Imperio
Romano- La guerra civil de Inglaterra (1642-49) estableció temporalmente una iglesia estatal presbiteriana hasta la restauración de la monarquía (1660) también restauró el
gobierno anglicano-La autoridad del estado creció en la mayor parte de Europa/Colonialismo Las Américas y Asia fueron colonizadas por los ingleses, franceses, holandeses,
españoles y portugueses-Las importaciones a Europa incluían el azúcar y el tabaco, cultivados por esclavos-Exportaciones musicales a las Américas-Música católica y villancicos a
las colonias españolas-Salmodia métrica a las colonias inglesas/MecenazgoEl capitalismo creó un ambiente propicio para la producción de música- Los inversionistas financiaron
casas de ópera-Aumento de la demanda de partituras, instrumentos y lecciones/Patrocinio privadoLos nobles italianos y la iglesia siguieron contratando a los mejores e
innovadores compositores-En Francia, el rey apoyaba la música/Patrocinio público a través de boletos y suscripcionesLa primera de muchas óperas públicas se abrió en
Venecia en 1637. Los conciertos públicos comenzaron en Inglaterra en 1672/Del Renacimiento al Barroco"Barroco"-Definiciones: anormal, exagerado, de mal gusto-Deriva de
la palabra portuguesa para misshapen pearlAplicado como un término burlón por los críticos post-barrocos debido al arte excesivamente adornado del Barroco tardío-Ahora se
aplica a la música desde ca. 1600-1750 sin una connotación burlona/Drama en las artesLos dramaturgos famosos de la era incluyen Shakespeare, Racine, y Moliére-La poesía
adquirió una cualidad teatral/Escultura Movimiento alejado de los ideales griegos que Miguel Ángel había emulado-Más drama y emoción- una escultura dramática está situada
donde será iluminada teatralmente por una ventana-La arquitectura logró el drama utilizando el espacio y el tamaño/Los afectos (es decir, los estados emocionales del alma)La
gente creía que los espíritus o "humores" en el cuerpo albergaban emociones.La música podría poner estos humores en un mejor equilibrio.Secciones contrastantes que
representaban diferentes estados de ánimo ayudaban a equilibrar los humores.La música instrumental retrataba emociones genéri cas.La música vocal transmitió las emociones
del texto, el carácter o la situación dramática/La primera práctica, ejemplificada por Zarlino-Las reglas de contrapunto no pueden ser violadas-Las disonancias tenían que ser
cuidadosamente controladas y restringidas/Claudio Monteverdi (1567-1643)Los papeles de contrapunto creídos podrían romperse para el efecto dramático-Su madrigal Cruda
Amarilli utiliza disonancias no preparadas para expresar palabras como "cruda" (cruel) y "ahi" (desgraciadamente)-Debate sobre el uso de la disonancia por Monteverdi-
Giovanni Maria Artusi, estudiante de Zarlino, criticó a Cruda Amarilli-Artusi citó ejemplos de disonancia no preparada sin referirse al texto-El hermano de Monteverdi lo
defendió alegando que en esta segunda práctica ( seconda pratica ) la música tenía que servir al texto-La primera práctica del contrapunto continuó pero ya no era el único
método de composición/Características generales de la música barroca-Textura-Polaridad entre las dos líneas esenciales, el bajo y la melodía-Notación de Basso continuo (o
minución), especificando sólo melodía y bajo con figuras que indican acordes distintos de la posición de la raíz-El violonchelo, el fagot o la viola da gamba tocaron la línea de
bajo-Los instrumentos de teclado o arrancados (como el theorbo) tocaban tanto el bajo como los acordes-Realización, el juego real-Rendimiento improvisado-Sugerencias
escritas en ediciones modernas, indicadas por notas más pequeñas-Concertato medium (de concertare italiano, "llegar a un acuerdo")-Combinando voces con instrumentos-Los
géneros incluyen el madrigal concertado y el concierto sagrado-Más tarde, también se aplicó a un contraste entre un grupo en solitario y el grupo completo (es decir, concerto
grosso)-Afinación y armonía-Los sistemas de afinación incompatibles fueron lanzados juntos por el medio concertato-Los cantantes y violinistas usaban sólo la entonación-Los
instrumentos del teclado utilizaron temperamento del tono medio y sonaron solamente buenos en claves con pocos sostenidos o planos-Los instrumentos frenéticos utilizaban el
mismo temperamento para garantizar que todas las octavas estarían en sintonía-Igual temperamento comenzó a ser más común-Armonía-La escritura compuesta del bajo
condujo al pensamiento en términos de acordes en vez de intervalos-Se permitieron más tipos de disonancias-El cromatismo expresó solamente emociones al principio, pero fue
utilizado más adelante en exploración armónica-La armonía condujo el contrapunto por primera vez-En 1722, Rameau desarrolló una teoría de la armonía, que reemplazó la
teoría modal-Las piezas fueron compuestas en el estilo rítmico libre y medido-Práctica de rendimiento-Los jugadores de Continuo desarrollaron el bajo cifrado, usando adornos
así como acordes-La ornamentación consistió en ornamentos breves, así como en la figuración extendida/La música escrita era sólo una pauta-Los cantantes agregaron
cadenzas a las arias-Las arias pueden añadirse o eliminarse de las óperas-Los organistas eran libres de cambiar la longitud de piezas para adaptarse al servicio-Muchas de las
características de la música barroca persistieron durante cientos de años. CAP 14 ópera (italiana para el "trabajo") es un drama con la música continua o casi continua que
se pone en escena con el paisaje, los trajes, y la acción. El texto para una ópera se llama un libreto (italiano para el "pequeño libro"), generalmente un juego en el verso rimado
o unrhymed. El arte de la ópera es una unión de poesía, drama y música, todos ellos animados por la actuación. Desde sus orígenes alrededor de 1600, la ópera se convirtió en
el género principal de los siglos XVII y XVIII y sigue siendo importante desde entonces.Hay dos maneras de contar la historia de su creación. En cierto sentido, la ópera era
una nueva invención, un intento de recrear en términos modernos la experiencia de la tragedia griega antigua: un drama, cantado en todas partes, en el que la música transmite
los efectos emocionales. Sin embargo, en otro sentido, la ópera era una mezcla de géneros existentes, incluyendo obras de teatro, espectáculos teatral es, danza, madrigales y
canción en solitario. Ambas visiones son correctas, porque los creadores de las primeras óperas se basaron en ideas sobre la tragedia antigua y sobre el contenido de los géneros
modernos/Precursores de OperaOpera (italiano para "trabajo") definido-Unión de juegos versificados ( libreto italiano,"pequeño libro")drama y música-Canto continuo o casi
continuo-Montado,con el paisaje, los trajes, y la acción/Antecedentes renacimiento-Drama pastoral-Juegue en verso, entremezclado con música y canciones incidentales-
Historias de amor idílico en el medio rural-Primera puesta en escena en 1471: Favola d'Orfeo (La leyenda de Orfeo)-Los primeros compositores de ópera tomaron mucho de
este género/MadrigalLos madrigales solo y los ciclos de madrigal tenían parcelas sencillas y expresaban emoción-El más conocido era L'Amfiparnaso (Las laderas del
Parnassus, 1594) por Orazio Vecchi (1550-1605)/Intermediofue el antecedente más directo-Interrelaciones musicales antes, después y entre los actos de juegos-Había
generalmente seis por cada juego-Los temas eran pastorales, alegóricos o mitológicos-Para ocasiones especiales podrían ser muy elaborados, incluyendo coro, números de baile,
trajes y efectos escalonados La música se embelleció en rendimiento-Para la boda de Ferdinand de 'Medici y Christine de Lorena en Florencia en 1589, los compositores
escribieron intermedios sobre el tema del poder de la música griega antigua-Estos compositores escribirían más tarde las primeras óperas/La tragedia griega como modelo
para el drama-Los eruditos pusieron en práctica sus teorías del papel de la música-Andrea Gabrieli fijó solamente los coros para su Edipo Rex (1585), usando solamente
homophony/Giralamo Mei (1589-1594) cree que todo el texto fue cantado-Él leyó tratados antiguos en el griego original-Él concluyó que la música griega consistió en una sola
melodía-La melodía podría ser cantada por un solista o un coro con o sin acompañamiento-Persuadió a otros a su punto de vista por medio de cartas/Camerata Florentina Un
grupo de eruditos en Florencia que discutieron literatura, ciencia, y las artes-El anfitrión era el conde Bardi, el hombre que había concebido el tema de los intermediios de 1589-
Los miembros incluyeron Vincenzo Galilei (aproximadamente 1520-1591), teórico y compositor, hijo del astrónomo famoso-Giulio Caccini (1550-1618), uno de los
compositores de los 1589 intermediarios, era miembro.Dialogo de la música antigua y moderna, Diálogo de la música antigua y moderna de Vincenzo Galilei , 1581)-Galilei
argumentó contra el contrapunto y los madrigalismos-Creía que la melodía en solitario era ideal para la expresión emocional-Las inflexiones del habla natural de un buen orador
fueron el modelo-El término para las melodías vocales acompañadas de esta era, incluyendo el tipo descrito por Galilei, es monody-Le nuove musice de Caccini (1602)-
Colección de canciones (arias) en madrigales mono y solos-La introducción describe adornos y su uso.La ornamentación realza el mensaje del texto/Las primeras
óperas:Dafne (1598)Poesía de Ottavio Rinuccini, música del cantante y compositor Jacopo Peri-Rinuccini y Peri habían contribuido a los 1589 intermediarios y eran
miembros de la Camerata-Estrenado en el palacio de Jacopo Corsi (1561-1602), que acogió la Camerata después de Bardi se trasladó a Roma-representación del alma y del
cuerpo, 1600)-Música de Emilio de 'Cavalieri, que estaba a cargo del teatro en la corte del duque en Florencia-Más largo que cualquier juego musical escenificado anterior-
L'Euridice (1600)-Creación-Música de Peri y libreto de Rinuccini, dirigida por Cavalieri-Producido para la boda de María de 'Medici y el rey Enrique IV de Francia-Algunas
secciones fueron escritas por Caccini-La historia demuestra el poder de la música para mover las emociones-Orfeo hace que los habitantes del inframundo llenen su música-Él
persuade al inframundo para restablecer a su esposa, Eurídice, a la vida/Estilo recitativoPeri inventó un nuevo idioma, el recitativo, para tender puentes entre las ideas griegas
de tono en el habla y el tono interválico (diástemático) en la canción-Basso continuo sostiene un acorde y toca la línea de bajo como el cantante se mueve entre los lanzamientos
que son consonantes y disonantes en contra de ella-Las consonancias ocurren en todas las sílabas acentuadas-El objetivo de Peri fue la expresión dramática, y él interpretó el
papel de Orfeo en el estreno/Tipos de monodígrafos en L'Euridice-Aria, para cantar la poesía estrófica-Igual que los estilos de canción del siglo XVI-Ritornellos, refranes
instrumentales, separan las estrofas-Canción-Canción de baile o canzonetta-Enmarcado por una sinfonía, una pieza instrumental abstracta usada especialmente en
presentaciones-Recitativo Dafne (criada de Euridice) le dice a Orfeo que Euridice ha muerto por una mordedura de serpiente-La reacción de Orfeo-retrata dolor y choque a
través de suspensiones, cromatismo y descansos/Óperas de Claudio Monteverdi-L'Orfeo (1607)La primera ópera de Monteverdi, producida en Mantua por encargo-
Libreto:Cinco actos, cada uno terminando con un conjunto vocal que comenta sobre la acción, como un coro griego-La pieza central de cada acto es una aria cantada por
Orfeo/Monteverdi especificó instrumentos en su partitura-Registradores, cornetts, trompetas, trombones, cuerdas y continuo-Un regio, un órgano de caña de resonancia, que
retrata al inframundo/Estilos de la monodelia-Las arias son estroficas, pero las estrofas son variadas para reflejar el texto (variación estrofica)-El estilo recitativo varía
dependiendo de la situación en el drama-Conjuntos y coros proporcionan contraste, con ritornellos como puntos de división-Estructura de la Ley II-Comienza con una serie de
celebraciones alegres-La tonalidad cambia a eólica (A menor) cuando un mensajero entrega noticias de la muerte de Euridice de una mordedura de serpiente-La alegría y la pena
alternan mientras los compañeros de Orfeo continúan celebrando, no habiendo oído la noticia-La melodía del mensajero repite como un estribillo durante todo el acto/El
lamento de Orfeo-Comienza con expresiones de pena,por frases construidas y disonancias-Termina con la decisión de Orfeo de recuperar Euridice del inframundo, retratado por
la línea descendente/Las obras posteriores de Monteverdi-L'Arianna-Comisionado por el duque Vincenzo Gonzaga en 1608-Sólo un fragmento sobrevive, Lamento de Arianna -
Organizado en otras ciudades después de su estreno (al igual que L'Orfeo )/El Combate de Tancredo y Clorinda, 1624-Poema narrativo con música para cantar y mimo,
acompañado de cuerdas con continuo-La mayor parte de la narración es cantada por tenor en recitativo-El tenor y la mímica soprano a sus discursos cortos y la narrativa-Los
interludios instrumentales sugieren la acción (eg, caballos y lucha de la espada)-Pasajes en stile concitato (estilo excitado), que utiliza notas repetidas para transmitir agitación
(esta técnica sería ampliamente imitada por otros)/Óperas para teatros públicos en VeneciaEl primer teatro público se abrió en 1637-Ritorno d'Ulisse (Regreso de Ulises,
1640), basado en la Odisea de Homero-L'Incoronazione di Poppea (Coronación de Poppea, 1643)-Basado en un tema histórico, el segundo matrimonio del emperador romano
Nerón, más que el mito/Difusión de la ópera italianaFlorencia después de L'Euridice-La corte prefería ballets e intermediarios para la celebración de eventos
importantes/Francesca Caccini (1587-ca 1645): La liberación de Ruggiero dall'isola d'Alcina (La liberación de Ruggiero de la isla de Alcine, 1625)Ella era el músico mejor
pagado empleado por el gran duque de Toscana-Hija de Guilio, cantó con su hermana y madrastra en un concerto delle donne rivalizando con el de Ferrara-Este trabajo ahora se
considera una ópera, pero fue facturado originalmente como ballet-Los elementos musicales incluyen una sinfonía de apertura, recitativos, arias, coros, ritornellos instrumental y
coro-La puesta en escena fue elaborada Roma se convirtió en el centro para el desarrollo de la ópera en la década de 1620./Venecia,Los primeros teatros públicos-1637: Teatro
San Cassiano abrió como la primera ópera pública-Hacia 1678, había nueve etapas dedicadas a la ópera-Los visitantes que celebraron la temporada de carnaval del 26 de
diciembre a Cuaresma asistieron a óperas en teatros públicos/Librettos-Las historias para los libretos fueron escogidas por su contenido dramático y oportunidad de efectos
especiales-Fuentes para parcelas incluyeron mitología, épicas clásicas, y historia romana-Una estructura de tres actos reemplazó la anterior convención de cinco actos-Coros y
bailes fueron limitados debido a limitaciones financieras/Estilo de músicaEl recitativo y el aria quedaron delimitados-Arias se volvió muy lírica, con persistentes motivos rítmicos
y armonías sencillas-Había más arias por acto-Los principales compositores fueron Francesco Cavalli (1602-1676) y Antonio Cesti (1623-1669)-Los cantantes comandaban
altas tarifas y tenían música escrita especialmente para ellos/Ópera italiana en el extranjeroLas óperas italianas se realizaron en París en la década de 1640.Ninguna
actuación conocida de la ópera italiana en Inglaterra en el siglo XVII, pero una copia de una ópera de Cavalli llegó a Inglaterra-Austria se convirtió en un importante centro de la
ópera italiana-Cesti compuso óperas para el archiduque del Tirol y para la corte imperial en Viena-La ópera más famosa de Cesti, (La manzana de oro, 1667), fue realizada en
la boda del emperador en Viena/Ópera italiana a mediados de sigloMuchas características del estilo establecidas durante esta era seguirían siendo estándar para la ópera
italiana durante los dos siglos siguientes-Concentración en el canto individual-Separación de recitativo y aria-Uso de estilos variados-Los cantantes y el espectáculo reemplazaron
el drama como el foco de interés/Estilo recitativo-El estilo definitivo para los próximos cien años-Se utiliza para la mayoría de la acción-Muchas notas repetidas, con armonías
modulantes/AriaStrophic con alguna modificación-Melodía suave y diatónica con ritmos fáciles-Los violines acompañan a la voz/Tensión entre el drama y el espectáculoLa
ópera comenzó como un esfuerzo para colocar el drama en el centro de una representación musical puesta en escena, pero el canto solo y el espectáculo pronto superaron este
esfuerzo-Los compositores posteriores buscarían reformar la ópera, trayendo el drama nuevamente al frente-Las producciones teatrales actuales se enfrentan a la misma tensión
entre el drama y el espectáculo/ CAP 15 /Los músicos del siglo XVII eran muy conscientes del estilo y su relación con las funciones sociales que la música sirve. Los
teóricos de la época distinguían entre la iglesia, la cámara y la música teatral, reconociendo diferentes estilos apropiados para cada uno. Los compositores continuaron cultivando
y expandiendo las formas, géneros y modismos característicos de la música vocal e instrumental del siglo XVI, dando a la música en cada categoría un sabor distintivo. Sin
embargo, los nuevos estilos y técnicas que se desarrollaron para la monodia y la ópera rápidamente se extendieron, como compositores infundido elementos dramáticos en otros
tipos de música. Así, la cámara, la iglesia y la música instrumental de 1600-1650 revelan tanto continuidades con el pasado como influencias del estilo teatral moderno. /Estilo y
Función-Los teóricos reconocieron diferentes estilos para la iglesia, la cámara y la música de teatro-Los compositores dieron sabores cada vez más distintivos a los géneros en
música vocal e instrumental-Estilos y técnicas desarrolladas para la ópera continuaron influyendo en otros géneros/Música de cámara vocal italianaObras seculares en estilo
concierto-Para voz en solitario o pequeño conjunto vocal con bajo continuo-Incluye madrigales, canzonetas, canciones estroficas, diálogos y recitativos-Ampliamente publicado y
realizado/Monteverdi y madrigales concertados-Madrigales con acompañamiento instrumental-Los madrigales de Monteverdi, después de 1605, usaban basso continuo ya
veces instrumentos adicionales/Bajos OstinatoTambién se llama bajo de tierra (bajo que es el suelo, o base, para el trabajo)-A menudo cuenta con un tetraclord descendente-
Se convirtió en un dispositivo favorito en la ópera (por ejemplo, NAWM 69 y 79)/Chacona(ciaccona italiana)Canción de danza con orígenes en América Latina-Patrón de acordes
(para guitarra originalmente) utilizado como estribillo/CantataOriginalmente simplemente "pedazo para ser cantado"(del cantareitaliano)-A mediados del siglo XVII, el término
se usaba para una composición secular sobre un texto lírico o dramático, usualmente para voz en solitario con continuo, que contenía varias secciones de recitativo y aria-
Principales compositores: Rossi, Cesti, Carissimi y Barbara Strozzi/Barbara Strozzi (1619-1677)-Cantante veneciano y compositor-Estudia en Cavalli-Publicó ocho
colecciones de música a mediados del siglo XVII, con un total de más de cien obras/Música secular fuera de Italia-Los géneros italianos de la monodia se extendieron al norte
de Europa, especialmente a Inglaterra y Alemania-En Francia, el aire de la corte era popular-Homophonic, canción strophic-El texto es silábico, con sílabas largas y cortas
dictadas por la longitud de la vocal (similar a la música mesurée)/Música Sagrada CatólicaLa polifonía del antico del Stile continuó siendo utilizada a través del décimo séptimo
siglo/Concierto sagrado-La Iglesia incorporó instrumentos dramáticos de la ópera para transmitir su mensaje-Conciertos sagrados a gran escala-Ajustes de Vísperas, salmos y
movimientos de la masa/Orazio Benevoli (1605-72) compuso obras con tres o más coros y órganos para San Pedro en Roma/Pequeño concierto sagrado-Para solista (s) con
órgano y uno o dos violines-Lodovico Viadana (aproximadamente 1560-1627) compuesto por más de cien-Publicó el primer libro de música de la iglesia para usar el bajo
continuo./Música en conventos-Las monjas cantaban dentro de los muros del convento para la devoción y la reflexión, no para el público, pero algunos insistieron en un logro
musical igual al de los hombres-Lucrezia Vizzana (1590-1662) publicó (Composiciones musicales) en 1623-Veinte motetes, la mayoría para una o dos voces de soprano con
bajo continuo-El estilo incorpora la monodia teatral y la ornamentación vocal elaborada-La música expresa el texto con frases declamativas y uso expresivo de la disonancia no
resuelta/Oratoriomúsica dramática religiosa que incorpora narrativa, diálogo y comentario-El texto estaba en latín o en italiano-Roma en el siglo XVII/Música de la Iglesia
LuteranaTanto católicos como protestantes adoptaron el concierto medio y la monodia-Concierto sagrado/Heinrich Schütz (1585-1672)-Estudia con G. Gabrieli en Venice-
Compuso en todos los géneros, incluyendo la primera ópera alemana (1627), salmos alemanes, motetes latinos, conciertos sagrados y obras basadas en la vida de Cristo/Efecto
de la Guerra de los Treinta Años (1618-1648, véase HWM Source Reading, página 340)Las dificultades económicas de la guerra redujeron el número de músicos en la capilla
de Dresde/Figuras musicales-Patrones de contrapunto que se habían asociado con emociones específicas-Desarrollado por primera vez en la pintura de texto del Renacimiento
y enumerado por el alumno de Schütz Christoph Bernhard (1627-1592)/Música judía-Las sinagogas europeas mezclan la tradición con la innovación-La cantillación seguía
siendo la forma primaria de la adoración musical judía-Estilo oral, improvisado-Los cantores incorporaron canciones populares no judías en sus
improvisaciones/PolifoníaIntroducido a Ferrara y luego a Venecia por León Modena (1571-1648), rabino, erudito y humanista/Música instrumentalLos géneros abstractos
que se trasladaron desde el siglo XVI fueron el foco principal, pero los elementos de los estilos de música vocal impregnaron la composición instrumental-Interés por mover los
afectos-Enfoque en el solista y el adorno virtuoso-Estilos como el recitativo y las arias-La música de violín imitaba la voz y absorbía muchas técnicas vocales.-Formas de
categorizar la música instrumental/Giralamo Frescobaldi (1583-1643) y la tocata-El compositor más importante de tocatas-Nacido en Ferrara y entrenado en órgano-1608-
1628: Organista de San Pedro en Roma, con ingresos adicionales de interpretar y enseñar clavecin a los patronos nobles-Toccatas antes de la misa y en la elevación de la hostia
antes de la comunión-Algunas tocatas extra en dos de las masas-Piezas cortas y seccionales con notas sostenidas idiomáticas para música de órganos/Johann Jacob Froberger
(1616-1667) fue el estudiante más famoso de Frescobaldi-Organista en la corte imperial de Viena-Sus tocatas alternan pasajes improvisatorios con secciones en contrapunto
imitativo-Las generaciones posteriores fusionaron la toccata y la fuga más completamente, siguiendo su ejemplo)/Géneros imitativos-Ricercare-Composición seria para
órgano o clavicémbalo, utilizando una materia o tema en imitación continuamente desarrollada-Fuga-Desde el fuga italiano, "vuelo"-Un término utilizado en Alemania para las
piezas serias que tratan un tema en imitación continua/Fantasía-Trabajo de imitación a mayor escala que el ricercare-Los principales compositores fueron Jan Pieterszoon
Sweelinck (holandés, 1562-1621) y Samuel Scheidt (alemán, 1587-1654)Las fantasías de Sweelinck suelen usar diferentes countersubjects en una serie de
secciones/Canción:Pieza de imitación en secciones contrastantes para teclado o conjunto-Caracterizado por temas marcadamente rítmicos y vivacidad-Las masas de órganos de
Frescobaldi incluían canzonas-Algunas canzonas utilizan un tema diferente en cada sección-Variación canzona: utiliza un solo tema en cada sección/Sonata-A principios del siglo
XVII, el término significaba cualquier pieza para instrumentos.Posteriormente el término fue reservado para piezas con características específicas-Marcó para uno o dos
instrumentos de la melodía, generalmente violín (s), con el baj-o continuoIdiomatic para capacidades instrumentales-Similar a canzona en su uso de secciones-A mediados del
siglo xvn, la sonata y la canzona se habían fusionado, y ambas se llamaban sonata/Música dance-Compuesta por baile social, movimientos de baile en producciones teatrales, y
como música de cámara estilizada-Suites de movimientos amplió la idea de vincular los movimientos de la danza en parejas/Impacto de la música de principios del siglo
diecisiete para la Iglesia y la Cámara-Creció a partir de las tradiciones del siglo XVI, pero intensificó la idea de distintos estilos de música para diferentes lugares-Los géneros
desarrollados o codificados en esta era siguieron siendo géneros importantes para los próximos cien años-Los compositores siguieron estudiando la música de esta época, incluso
después de que ya no se estaba tocando/ CAP 16 /En este capítulo, vamos a explorar el impacto de la política en la música en Francia e Inglaterra, la adaptación de los
géneros italianos en Francia, la aparición de un estilo francés distintivo, la asimilación inglesa de elementos franceses e italianos junto con las tradiciones nativas y el distintivo
Tradiciones de España en casa y en el Nuevo Mundo. Seguiremos las samecategorías de los dos capítulos anteriores, en el mismo orden: música teatral, música de cámara vocal,
música de iglesia y música instrumental/Estilos nacionalesLos estilos nacionales se hacen distintos en el período barroco medio y tardío/ El barroco francésLouis XIV (r
1643-1715)-Francia estuvo bajo el gobierno de la madre austriaca de Luis y su amante italiano, el cardenal Mazarin, hasta 1661-Louis utilizó las artes para ayudar a consolidar
su gobierno/El ballet de la corte-Trabajo dramático-musical, con varios actos, escenificado con trajes y paisajes-Los miembros de la nobleza estaban obligados a participar
junto a bailarines profesionales-La música incluía canciones en solitario, coros y bailes instrumentales-Luis XIV participó, jugando papeles diseñados para reforzar su identidad
como el Rey Sol/Música en la cancha:Luis XIV empleó de 150 a 200 músicos en tres divisiones/Música de la Capilla Real: cantantes, organistas y otros que se presentaron
para servicios religiosos/Música de la Cámara: cuerda, clavicordio y flauta que proporcionaban entretenimiento interior/Música del Gran Establo: viento, latón y timbales que
proporcionaron música militar y al aire libre/Jean Hotteterre (1610-ca 1692), miembro del Gran Establo, experimentó con la construcción de instrumentos de viento de
madera/Jean-Baptiste Lully (1632-1687) y ópera francesa-Nació en Florencia y llegó a París a los catorce años-1653: Louis XIV le nombró compositor de música
instrumental y director de los Petits Violons-Las obras incluyen quince óperas, catorce comedie-ballets , veintinueve ballets y música litúrgica/Influencias en la ópera
francesa-El cardenal Mazarin presentó la ópera italiana a Francia, pero se encontró con la oposición por motivos políticos y artísticos-Lully y el dramaturgo Jean-Baptiste Molière
colaboraron en comédies-ballets, que combinaban ballet y ópera-Elementos de ballet fueron incorporados a la ópera francesa (ver abajo)/Canción y cantata-Cientos de
colecciones de aires se publicaron en París-El aire de corte gradualmente dio paso a nuevos tipos que fueron definidos por sus temas-Marc-Antoine Charpentier (1634-1704)
combinó el lirismo italiano con adornos de estilo francés en sus aires.En la década de 1680, Charpentier y otros comenzaron a componer cantatas adaptadas al gusto
francés/Motets sobre textos latinospequeño motete:concierto sagrado para pocas voces con continuo-Gran motete:obras multisectivas correspondientes a los grandes
conciertos de Gabrieli y Schütz/El barroco inglésLa monarquía inglesa era más frágil y limitada en poder que la francesa/Música y teatroLa masque siguió siendo un género
favorito bajo Henry VIIILargos espectáculos colaborativos de alcance similar a los ballets franceses-Más de un compositor contribuyó con la música a una máscara típica-Los
aristócratas y las escuelas producían máscaras más cortas-Bajo la prohibición de Cromwell contra las obras de teatro, la adición de elementos de masque al drama hablado creó
un género mixto que era permisible/Otras músicas en inglés-Aunque la ópera no arraigó en el siglo XVII, Inglaterra tenía una cultura musical animada-La música para la
familia real incluyó la Oda de Purcell para el Día de Santa Cecilia (1692) y otras obras a gran escala encargadas por días festivos o ocasiones estatales-Música para el
aficionado y el rendimiento del hogar-Música vocal-Captura: una ronda o un canon con un texto humorístico, a menudo ribald, cantado en todos los hombres-reuniones/Música
de iglesia anglicanaLos himnos y los servicios siguieron siendo los géneros principales-Himnos de verso para solistas con estribillo/Música instrumental-Música consorte para
violas, interpretada por aficionados a la música-Locke y Purcell compusieron viol fantasias y In Nomines para violín consort-La música de danza incluyó piezas de clavicémbalas
y canciones para bailes de país, por ejemplo, los recogidos en The English Dancing Master (1651), publicado por John Playford/España y el Nuevo Mundo-El poder de España-
España era el país más rico de Europa y la nación más poderosa de la tierra/Ópera, zarzuela y canciónDos óperas compuestas en España-Pedro Calderón de la Barca,
libretista-Juan Hidalgo (1614-1685), compositor-La zarzuela fue el género predominante del teatro musical en España durante varios siglos-Desarrollado por Juan Hidalgo-
Juego ligero y mitológico en el entorno pastoral-Alternancia de partes cantadas y habladas-La púrpura de la rosa-La primera ópera producida en el Nuevo Mundo: 1701 en
Lima, Perú.-Actuado en la corte del virrey del Perú-Música de Tomás de Torrejón y Velasco (1644-1728) a un libreto adaptado de la primera ópera de Hidalgo/CancionesPocas
canciones españolas fueron impresas porque no había impresoras de música en España-Las canciones de las producciones teatrales circularon en manuscrito/Música de la iglesia:
The villancico-Versión vernácula y sagrada del villancico secular-Marcado para coro, coro con solistas, o voz en solitario con continuo/Música instrumentalMúsica de órgano-
Fuertes contrastes de color y textura-Música de la arpa y de la guitarra-El arpa y la guitarra eran los instrumentos principales de la cámara-Las composiciones eran
principalmente en formas de danza estilizadas-La mayor parte del resto de Europa conocía sólo estas aportaciones de compositores españoles.