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Años es todo.

Las encuestas sobre los grandes discos de la historia del rock son un ente mucho más dinámico
y cambiante de lo que suele suponerse. Las perspectivas de apreciación histórica se modifican
en períodos más o menos cortos (¿cinco años? ¿diez?), más allá de que, lógica y
merecidamente, hay cánones difíciles de desbancar. En esta votación sin precedentes, en la
que -a cuarenta años de la edición del simple "La balsa" de Los Gatos- músicos, periodistas,
productores, representantes, fotógrafos y gente fuertemente relacionada con la historia del
rock nacional eligen los 100 grandes álbumes de todos los tiempos, Luis Alberto Spinetta
sobresale como el artista con mayor cantidad de obras seleccionadas. Una conclusión
previsible. Ahora bien, una década atrás, ¿hubiera sido Artaud el número uno? Sin duda, el
tiempo le concedió a esa obra de vanguardia, insuperable en su especie, el valor que se le
atribuye a los sueños perdidos (aunque latentes). En ese sentido, el resultado general es
fascinante: la lista y los textos que la acompañan permiten una nueva aproximación a la
complejísima historia del rock argentina, a bucear en los detalles y las circunstancias creativas
de un centenar de discos irrepetibles. A los escépticos del rubro pero fanáticos de la música
(nosotros nos incluimos en ambas categorías), no les hará falta más que dar vuelta la página
para bajar las defensas y entregarse al goce, la memoria, el descubrimiento y la indignación.
Porque puede que veinte años no sea nada; pero cuarenta, a juzgar por lo que se ve por aquí,
son demasiado. Y la buena noticia es que la piedra sigue rodando

PRODUCCION PERIODISTICA: Juanjo Carmona.
ESCRIBEN: Claudio Kleiman, Oscar Jalil, Diego Mancusi, Juan Ortelli, Pablo Plotkin, Humprey Inzillo,
Juanjo Carmona y Ernesto Martelli.

1. Artaud.
Pescado Rabioso
1973
Antonin Artaud nunca quiso que su obra fuera considerada literatura. Del mismo modo, Artaud nunca
quiso ser un disco, sino un gesto de vanguardia. Sin embargo, ahora lo es: el mejor de la historia del rock
nacional, según esta votación. Es cierto: el álbum de L. A. Spinetta firmado por Pescado Rabioso
("¿Vieron? Pescado era yo"), como si fuera el tercer LP del grupo, y bautizado como el poeta maldito
francés, contiene música registrada en unas líneas circulares sobre un plástico negro. ¿Entonces?
Entonces empecemos por recordar la mítica tapa, que de mera decoración o funcionalidad tenía poco.
Spinetta la llamaba la "deformé". El boceto que le envió al diseñador Juan O. Gatti ni siquiera podría
considerarse "estrella", es inclasificable. Claro; el primer problema de ese pack era ubicarlo en las bateas
y discotecas hogareñas. Efectivamente, el disco-objeto era un inadaptado: denunciaba con su
deformidad la cuadratura, la falta de libertad y el sometimiento a la geometría industrial del resto.
Qué mejor síntesis sobre la vida y obra de Antonin Artaud. Decía el escritor francés en "Surrealismo y
revolución" (1936): "Más que un movimiento literario, [el surrealismo] ha sido una revolución moral, el
grito orgánico del hombre, las palabras de nuestro ser contra toda coerción. En primer lugar, contra la
coerción del Padre". Para neurosis de los coleccionistas es imposible encontrar una tapa original de
Artaud sin las puntas ajadas: ese desafío a los patrones (padres) geométricos e industriales se pagaba
con la degradación. Otra forma de hablar del trágico destino de Artaud. Y eso que todavía no pasamos
de la tapa.
Sigamos. En el booklet del disco, que parecía prospecto de remedio, también se leía: "«Acaso no son el
verde y el amarillo cada uno de los colores opuestos de la muerte, el verde para la resurrección y el
amarillo para la descomposición y la decadencia?» (Antonin Artaud, carta a Jean Paulhan, París, 1937)".
De ahí las tonalidades de la portada y el gag de salir a escena con guantes verdes en uno de los shows de
presentación del álbum en el Astral, durante la primavera de 1973.
En realidad, Spinetta buscaba redimir el mensaje nihilista y el contagio de dolor que acarrea la obra
artaudiana. Artaud funcionaba como un antídoto contra Artaud. La contrafigura siempre es Lennon (de
ahí el "She Loves You" en el collage de "A Starosta, el idiota"). "Para él [Artaud], la respuesta del hombre
es la locura; para Lennon es el amor. Yo creo más en el encuentro de la perfección y la felicidad a través
de la supresión del dolor que mediante la locura y el sufrimiento", le aclaraba a Eduardo Berti en los 80.
La interpretación spinettiana era bien rockera. En un reportaje de 1973 aparecido en Gente, Spinetta
resumía: "Artaud fue un tipo que vivió la vida de un rockero, como si fuese Hendrix". El Artaud-Hendrix
spinettiano empujó a muchos a la lectura del poeta, produciendo lo que la revista Algún Día en 1974
llamó "la onda Artaud que se ha desatado en Argentina". Luis Alberto sabía que tenía que ser didáctico:
en sus shows exhibía "diapositivos" (sic) con textos de Artaud y entregaba un manifiesto "Rock: música
dura, la suicidada por la sociedad", donde denuncia la "profesionalización" y el "negocio" del rock,
además de oponerse a la etiqueta de "música extranjerizante" en boga en aquellos días en que el rock
era una subcultura de domingos a la mañana y una música "progresiva" que se oponía a la oficial, la
"complaciente" de los Palitos y los Sandros. Aquel ritual de mil quinientos roqueros un domingo a la
mañana en el teatro Astros era descripto por Jorge Pistocchi en una nota de Pelo: "Cada uno se prepara
a entender. Nos dan un papel escrito, con claves que no son gratuitas. En él se reúnen distintos
estallidos de Kerouac, Artaud, [Miguel] Grinberg, Thomas Merton, Luis, Timothy Leary, etcétera.
Y nos abren el paso". Eran tiempos pre YouTube, tiempos en que los libros y cierta forma de arte
alimentaban la idea de contracultura. Hasta el dúo folk naif Vivencia usaba una pintura de Van Gogh en
su disco Mi cuarto y los duros de Vox Dei en La nave infernal instalaban un collage de Max Ernst en tapa

y un poema de Rimbaud en la contra. En los recitales del Astral, de "teloneras" se usaban películas
mudas como El perro andaluz, El gabinete del doctor Caligari y cortos del argentino Hidalgo Boragno,
todo musicalizado por El lado oscuro de la luna, Pompa y circunstancia de Edward Elgar y Héroe de
guerra de Hendrix.
La palabra clave en la Argentina de 1973 era "liberación". Volvían la democracia y Perón a escena: el
candidato del justicialismo, Héctor Cámpora, prometía una "patria liberada". A comienzos de aquel año,
los roqueros porteños comenzaron a reunirse los domingos en Parque Centenario para debatir sobre
cuál sería el lugar del rock. Músicos como Spinetta, Emilio Del Guercio, Rodolfo García, Gustavo Spinetta
(estos tres fueron los únicos músicos que acompañaron a Luis Alberto en Artaud ), Miguel Abuelo y
otros se sentaban a la sombra a charlar con periodistas como Grinberg o Pistocchi, y quienes eran su
público. "Teníamos una visión más holística de la revolución", nos recuerda Del Guercio. "Nos
preocupaba saber cuál iba a ser el lugar del arte y la cultura en la sociedad por venir, cómo la
transformación personal de cada uno y la comprensión del otro podían modificar la sociedad. " De ese
cuestionamiento total es hija la libertad de Artaud. El rito del Centenario terminó "y ahora nos reprimen
igual que antes del triunfo de Perón. (...) Vos sos parte de la liberación. No tiene que ser espectacular,
estará formada de pequeños gestos y grandes ternuras", escribía resignado Grinberg en su revista
Rolanroc, donde también figuraba el manifiesto "Rock: música dura...". En ese manifiesto, Spinetta
recurría a la misma idea "micropolítica" de liberación: denunciaba su "yo enfermo" por su incapacidad
de expresarse de manera más directa (más artaudiana), consigo y con los demás. Como su primer disco
solista post Almendra, Spinettalandia y sus amigos (72), Artaud funcionaría como un "automanual de
autoayuda". Esa autoliberación implica aislarse, despojarse de todos y de todo: otra vez, el Lennon post
Beatles que busca purgarse; su mensaje de amor a Yoko redime todo el nihilismo de Artaud. Aquellos 70
eran años de "psicodelia reflexiva", como se puede comprobar en la letrística de Molinari, Smilari o
Pappo y su dialéctica de "pensamiento versus locura". A Spinetta, la "divina tragedia del pensar" de
Artaud (como la llama Susan Sontag) y el disco El lado oscuro de la luna le sirven para articular esa
problemática relación entre alucinación y alienación, como queda claro en las voces internas de "A
Starosta" o en "La sed verdadera" y sus enajenaciones espaciotemporales. Otro tema esencial:
encontrar una forma de vida en la madurez. Como sucede en Floyd y en el Graham Nash de "Teach Your
Children", "Todas las hojas son del viento" provee leves instrucciones para rockeros que van madurando
y formando familias, y deben afrontar la paternidad siendo antipaternalistas.
El "yo enfermo" que quiere liberarse sabe que "las palabras nunca son/ lo mejor para estar desnudos".
Así, Artaud fue un laboratorio de la canción. Por un lado, la letra. Aquí se llega al máximo de
desarticulación del discurso poético en "Por", construido a partir de sustantivos sueltos que surgen de
las líneas melódicas. Hay un redescubrimiento de la dimensión poética de las palabras que sólo puede
lograrse liberándolas de la oración. Por otro, la música. Resaltan los nueve minutos de la "Cantata de
puentes amarillos", que continúa el formato fluido de una rapsodia o una canción "muy celular" como la
llamaban los Incredible String Band, en quienes los Beatles se inspiraron para "Happiness Is a Warm
Gun". El modo en que se canta la palabra-fetiche "mañana" (de ahí viene el que ya es un refrán clásico
del rock nacional: "Mañana es mejor") es un punto alto. También la burocracia versosestribillos o
tensión-distensión ("Superchería") es puesta en duda.
¿Qué significa que Artaud sea elegido el mejor disco del rock nacional en el año 2007? El paso del
tiempo obligó a su reducción: de vinilo con tapa "deformé" a vinilo con tapa cuadrada en los 80, luego
cd diez años después, ahora mp3 almacenado en un disco rígido. ¿Qué queda de aquel Artaud que no
quería ser sólo un disco sino un acto cultural liberador y lo repetía desde la molestia de su tapa? ¿Sólo
grandes canciones? Más: un aura de algo irrepetible. Un pelo de pincel en el color. El aura de una forma
de hacer y ser rock más directa, más artística, más artesanal y menos masiva que ya no existe desde
1982. O sea, un ayer mejor: todo lo contrario de lo que el álbum quería enseñarnos en 1973.

2. Clics modernos.
Charly García
1983
POR CHARLY GARCIA.
Hoy, en 2007, no le cambiaría nada a Clics. Es un disco autoproducido hasta económicamente, hecho en
Nueva York, donde conocí a Joe Blaney. Compré los instrumentos, me instalé un estudio de dieciséis
canales en el Village y apareció en un momento Pedro Aznar con su novia e hicimos el primer reality
show, estábamos con Zoca, los cuatro, en el loft y… siendo tan histéricos no sé como hicimos para
convivir. Sí me acuerdo que cruzábamos Washington con un carrito de supermercado lleno de
emuladores y equipos…
Yo ya había grabado un disco en L.A. –el primero de Serú Girán- y me había servido de experiencia, pero
solía tener muchos problemas para plasmar los sonidos que quería. El arranque del disco fue así: voy a
los estudios Electric Lady y les digo: “Quiero alquilar the best, alquilarlo”. El dueño me dice: “Tu padre es
rico o qué?”. Yo le muestro la plata y me pregunta: “Un café?”, además de darme una lista de ingenieros
el último de los cuales era Blaney. Lo llamé y apareció al otro día, alto, cool, zapatitos de leopardo…
Vio el loft, la mesa Tascam de dieciséis canales; le mostré mis discos y quedamos en empezar. Yo
necesitaba un baterista y me encantaba el de Jan Hammer; lo probé y no me rindió, no pasaba nada,
incluso fuimos a grabar y yo le pregunté a Blaney qué sonido de batería podía sacarle. Y no funcionaba:
sabíamos que tocaba fenómeno, pero cono nosotros no funcionaba. Y al otro día no me quedó otra que
poner una batería electrónica TR 808 y grabamos “Nos siguen pegando abajo”, y se armó. Blaney se dio
cuenta, todos nos dimos cuenta y seguimos con máquinas. Es el primer disco que tiene un sample de
James Brown.
En la mitad de la grabación, Grinbank ya le había prometido a Blaney hacer la mezcla, pero después se le
ocurrió mandarme a Los Angeles. Ahí me agarró un tipo cínico que no era mal ingeniero pero era cínico.
Todo mal. Cuando ya estaba llorando en la pileta de un hotel, al tope, en el medio de la nada, me tiré en
la parte baja y me pegué un cocazo… Me acuerdo que volví a la habitación, sonó el teléfono y era
Blaney; yo le pedí perdón en todos los idiomas y me dijo: “Tengo cuarenta horas de estudio en Nueva
York…” “¡Sí!”, le dije “¡Sí!”. Esa llamada de Blaney fue providencial. Volví solo a Nueva York y no era
como ahora, que llevás la información en un iPod: eran cintas de veinticuatro canales, repesadas y yo
cargando todo. Y… ¿no lo va a cargar Grinbank, no?.
Llegué a Unique, donde tenía cuarenta horas y lo compartí con Laurie Anderson, que estaba grabado el
disco siguiente del que tiene “Oh Superman” y cenábamos con Laurie, trabajábamos ahí, y me pareció lo
máximo. Me acuerdo exactamente la mezcla de “Ojos de video tape”, cuando están los sintetizadores, y
me parecía lo más.
La tapa la hice junto a Uberto Sagramoso. Al disco yo lo iba a llamar Nuevos trapos, pero me en una calle
había una figura como la que pintaban acá de los desaparecidos, pero en negro, y decía MODERN CLIX y
me pareció un muy buen nombre. En realidad era un grupo de ahí. La nave despegó. En esa época yo
escuchaba Sandinista y seguramente Joni Mitchell, ésa era la época en que surgió el rock de peluquería.
Y no había muchos grupos que me gustaran (lo que descubrí de la new wave lo descubrí después). Lo
que escuchaba era Men at Work, porque sonaba… todo el tiempo. También Synchronicity, de The
Police.
Lo difícil de entender era que nadie había hecho una polirritmia entre máquinas y sonidos tocados. El
aporte de Joe fue mortal, porque la primera vez que tenía un ingeniero american, que había grabado
con The Clash y no sé qué; o sea, era rockero, del palo, norteamericano y estaba grabando en la sala A

de Electric Lady, que es el mejor estudio del mundo. Ahí te das cuenta de cómo es el sonido, cómo son
los discos y cómo se hacen.
Hay muy pocos discos de rock acá. Grabados acá, que suenen a rock. No sé qué es, creo que les ponen
mucho bajo. Tenían sonido de disco, es decir, de vinilo… que es algo muy particular. Para mí, los casetes
son para la playa, los Cds para los yuppies, y los discos son discos. Y este álbum tiene una artesanía de
disco, está hecho como un disco, no solamente hacer una canción y grabarla, sino que hay una serie de
reglas escritas y no escritas de cómo se hace un buen disco.

3. Manal.
Manal
1970
Uno de los grandes pilares sobre los que se asienta todo el rock argentino es el álbum debut de Manal,
aparecido durante los primeros días de 1970. Javier Martínez, un fanático de la música negra que había
pasado por los Beatniks – el pionero grupo surgido en La Cueva y liderado por Morris-, estaba
convencido de que se podía hacer música de blues en castellano, y llegó a encerrarse en un sótano para
desarrollar su propio estilo de batería y “gastar” su voz para asemejarse a cantantes afroamericanos
como Ray Charles. Su encuentro con Claudio Gabis, un joven casi adolescente pero ya virtuoso de la
guitarra y estudioso del blues, dio el puntapié inicial para la formación de un trío (a la manera de Cream
y Jimi Hendrix Experience), que se completaría con la llegada de Alejandro Medina, músico
experimentado que había integrado Los Seasons.
Cuando en una fiesta los escucha el editor Jorge Alvarez, se entusiasma tanto que decide crear, junto a
los jóvenes Pedro Pujó, Javier Arroyuelo y Rafael López Sánchez , el primer sello independiente del rock
local: Mandioca, que ya desde el nombre amenazaba con ser una versión latinoamericana de Apple de
los Beatles.
Un par de simples, especialmente “No pibe”, dieron la pauta de que el trío, cuyas actuaciones en vivo ya
eran leyenda, podía alumbrar una gran obra también en el estudio. Pero su primer álbum sorprendió a
propios y ajenos. La tapa, un collage fotográfico con los integrantes del grupo dentro de una bomba a
punto de estallar, no podía ser más acertada: ése fue el efecto que provocó el primer álbum de Manal
en la música argentina, y en las cabezas de los jóvenes que en ese momento compramos el disco.
El riff que abre “Jugo de tomate” ya nos prepara para lo que vendrá; ecos de soul y psicodelia en la
guitarra, una batería que aporta redobles jazzeros, y un bajo liquido y embriagador, con una presencia
que nunca antes había tenido ese instrumento en grabaciones realizadas en el país. Poco después, entra
esa voz negra repitiendo un estribillo casi mántrico, que es a la vez una feliz metáfora sobre lo que se
necesita para alcanzar el éxito en la sociedad de consumo: “Jugo de tomate frío/ en las venas deberás
tener”. A continuación, unas notas sumergidas en eco del órgano de Claudio Gabis y la voz de Javier que
parece venir de otra dimensión, relatando vívidamente un renacimiento espiritual: “Porque hoy nací/
hoy, recién hoy/ el sol me quemó/ y el viento de los vivos/ me despertó”. Nos despertamos de esa
experiencia y aterrizamos en plena “Avenida Rivadavia”, plena de swing jazzero, con la voz soulera de un
joven Alejandro y esos enamoramientos repentinos que nos ocurren frecuentemente en la calle:
“¿Cuando subiste a mi tren, mujer/ que yo no te vi?”. Llega el blues con “Todo el día me pregunto”, y la
acertada descripción del “naufragio”, la forma de vida que había adoptado la generación de La Cueva:
“Para qué vivo así/ caminando sin parar/ casi siempre sin dormir”. Era hora de dar vuelta al vinilo para la
apertura del lado B, con unos de los temas más perfectos de todo el rock local: “Avellaneda Blues”, un
relato suburbano genialmente imbuído de melancolía porteña, la sequedad de sus versos arropada en
una armonía jazzística, y un solo de Gabis mezcla de Bloomfield y Coltrane. “Una casa con diez pinos”,

o empatar/ prefiero sonreír/ mirar dentro de mí/ fumar o dibujar/ para qué complicar”. mientras que "Canción para naufragios" cronometra el tiempo que le hubiera llevado a un misil viajar de los Estados Unidos a Rusia (o viceversa): "Son 6 minutos y nuestra mami va a contestar. y el siempre presente anhelo de escapar.tenía entre manos era un álbum programático. su autor. El Indio veía banderas. Y anoto: spirituals porteños. Juan Carlos Kreimer. "Semen Up". La masa Berni-bolche-vique que ilustra la tapa del álbum evoca una épica revolucionaria que por entonces parecía derrotada. Primero . también apreta el pedal en un sinuoso riff. periodista pionero del rock. en diálogo con ROLLING STONE. Un disco cyberpunk hecho por hombres de formación beatnik. es como que todo lo que estás diciendo no es una afirmación. el sonido de una generación que quiere creer”. para no ser menos. 4. un catálogo de visiones distópicas puesto en la escena de un presente alterno: unos años 8o que no tienen nada que ver con los raros peinados nuevos ni la posmodernidad. "Divina TV Führer" concilia la tensión atómica con la explosión del mercado publicitario. séptima canción del disco y tema favorito de la mayoría ricotera. en una suerte de “Nosotros vs Ellos”: “No miro el techo/ para ver más que yeso/ y la ventana me sirve para mirar/ un edificio con gente que desayuna/ se peina o fuma/ en la rutina de continuar”.. cuando alguien está a la deriva dentro de esa situación. mientras la guitarra acentúa las frases con yeites a lo Steve Cropper. en el espectro de ritmos que abarca del hard rock al soul. Del destape democrático (o su desencanto).. Oktubre. una vez más. una obra conceptual motorizada por el resentimiento post dictadura (más que ímpetu de liberación. basada en un fraseo de guitarra del inigualable Skay Beilinson. Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota 1986 Pese a las explosiones iníciales. terrorismos y sueños teledirigidos. Las voces llegan de la agonía de la Guerra Fría y de un futuro de éxodos. multitudes. en sus fraseos delirantes y exactos. definirá para siempre la sumisión anhelante del mer-quero argentino: "La veo casi como un demonio/ y rasco la alfombra por su amor". Pero la guerra subliminal que libraba el disco era mucho más abarcadora y profunda: lo que estaba en juego era el "secuestro de tu estado de ánimo" ("Ya nadie va a escuchar tu remera"). Rocambole. la aparición en el horizonte de una tropilla de sobrevivientes después del desastre (¡Chernobyl!). El Oktubre Rojo y el Octubre Peronista. del beat más rabioso al blues más sentimental. en efecto. retoma el ideal de los “vagabundos del Dharma”."." La cocaína. Lo que el Indio Solari -un treintañero que enfrentaba al público de rock en mangas de camisa. Medina graba un bajo con distorsionador. se respiraba el arte de la venganza). ni noticias. y lo que Patricio Rey venía a interpretar era una época de batallas culturales en las que el enemigo sería más difícil de identificar que un grupo de tareas. Así. se lo contaba así a Gloria Guerrero: "Las ideas salieron de una noche de fernet. «Jijiji» es una risa medio perversa.quizás el tema más esperanzado de Manal. marca una bidimensionalidad. el verdadero comienzo del segundo álbum de los Redondos es más bien un advenimiento. pelada oficinesca y bigote montonero. El final es para denunciar. El bajo responde a la voz soulera con una línea cargada de notas. una búsqueda al margen de la sociedad y en contacto con la naturaleza: “Poder ganar. A eso se refería Solari cuando. en sus acordes dolientes pero vitales. Final. y Gabis. la mecanizada rutina del hombre de la ciudad. Una escalada sonora rústica le gana terreno a la catástrofe nuclear y a los fuegos de una revolución oscura. "Para mí es un poco la paranoia de la droga. escribía en sus certeras notas de tapa: “De regreso [del estudio] pienso en la depuración del conjunto. trataba de desmenuzar el sentido de "Jijiji". estaba ahí para espolvorearlo todo. las transformaciones tecnológicas a la par de la crisis económica y la paranoia inflamada por el consumo de cocaína.

y la Hurlingham Reggae Band. El eje maestro que formaban Ricardo Mollo y Diego Arnedo dejaba lugar para el expresionismo ruidoso de Germán Daffunchio o los raptos esquizoides del saxo de Roberto Pettinato . absorber elementos históricos y reordenarlos en un espectro de pesadillas y alucinaciones. una especie de tremor precario que lo ubica en un plano de percepción extrañamente lejano. apareció como un manual de supervivencia para la generación post Malvinas justo cuando empezaba el fin de la alegría democrática. Oktubre fue registrado en los estudios Panda de la calle Seguróla. el rock argentino pudo recuperar de golpe casi ocho años de historia y completar la asignatura pendiente que dejó el punk como bomba de cambio: Divididos por la felicidad. aunque ya convocaban a más de mil personas por show. al menos parcialmente. Sumito. y los primeros experimentos entre rock crudo y música electrónica. el sexteto trasladó al estudio la anarquía que dominaba sus shows. de militancia frustrada y bohemia romántica. Todo el álbum está filtrado por un velo sonoro opresivo. salvo una producción independiente registrada en casete bajo el título de Corpiños en la madrugada (1983). Después de algunas charlas y con el compromiso de agregar algunos reggaes al track list. Daniel Melero en teclados y Claudio Cornelio en percusión. las derivaciones del punk como materia evolutiva en la búsqueda de climas oscuros y actitud combativa. A dos años de la edición de su debut (Gulp!. Sin embargo. Cinco tipos en estado de shock permanente frente al tornado que dirigía una orquesta desquiciada. Invitó ahorros en equipos e instrumentos. Tito Fargo como segunda guitarra. Y fue justamente el repertorio jamaiquino de este último alias el que cautivó a un capo de CBS. Un juego de profecías convertido en remera. pero cuando lo fui haciendo más abstracto le agregué el gris. haciendo pública una insatisfacción que. siguió cantando en inglés en una época difícil para la lengua de Byron y convirtió a Sumo en una formación capaz de transformarse en grupos paralelos como Ojos de Terciopelo. La tipografía parece soviética al estar invertida una letra. 5. el álbum debut de Sumo. y el rock como todo llanto. Todos los integrantes tuvieron su cuota de opinión en cómo debía sonar el disco y de esa bendita inocencia surgió un ruido tan real como imperfecto pero la conjunción de esos elementos fue una explosión de novedades. la expresión sobrevivió a la resolución: el segundo disco de los Redondos encarna el espíritu de un rock que asume su ubicuidad política en las últimas décadas del siglo XX. Sumo comenzó a grabar su primer disco en octubre de 1984. compartía con Solari y Beilinson. los Redondos todavía eran una banda underground. grabado por Lito Vitale). En esa mezcla de hambruna y furortecnológico. Luca sabía que no le quedaba mucho tiempo de vida y decidió jugar esas últimas cartas en un proyecto imposible.iba a ser todo rojo y negro. el de interpelar estéticamente al mundo. El impacto fue tremendo y aún hoy sigue sorprendiendo la irreverente mirada de Luca Prodan para sacudir una escena tan alejada de sus años de formación en la lejana Inglaterra. Una agria epopeya de nueve canciones. "El técnico descubrió el reverb en el ínterin y hacía que todo sonara como en el baño de nuestras casas". De allí proviene el reggae blanco con mueca prepotente. de valses eléctricos mortuorios y rocanroles festivos. Sumo 1985 A destiempo y gracias a algunos signos providenciales. Divididos por la felicidad. Sin experiencia previa. cantaba raro y revelaba los síntomas de la enfermedad cada vez que subía a un escenario. En el reverso se ve la Catedral de La Plata en llamas: un símbolo revolucionario". en esa mezcla de estados alterados reside la peculiar grandeza del disco. Las canciones tienen ese ánimo. con Osvel Costa como técnico de grabación. protestaba Willy Crook en La Adición. Pero lo más interesante aparece en la extraña integración entre la idiosincrasia de un italiano fugitivo y sus secuaces argentinos.

La tapa. . la traducción imperfecta tenía algo de apropiación criolla y homenaje velado. Almendra. contenía un dibujo de Spinetta que hoy es un ícono insuperable. toda la generación del reggae y ska. En “Mula plateada”. el 29 de noviembre de 1969. del barrio de Belgrano. considerado por Prodan “el mejor batero blanco de reggae del mundo”. la psicodelia de Los Abuelos y el blues urbano de Manal. Spinetta sentó para siempre el estatus poético del rock argentino y la banda inauguró la convivencia de influencias como los Beatles y Piazzolla (“Laura va”. surge otro de los destellos vaguardistas y “Debede” suena más actual que LCD Soundsystem con su desarrollo electro-disco-punk. por detrás. con el bandoneón de Rodolfo Mederos). y desde los ritmos roots hasta las primeras implicancias del dub están presentes en esas intervenciones: por momentos Sumo parece Clash y con el tiempo Clash se parece a Sumo. En lo más alto. Almendra 1970 Spinetta no mintió si alguna vez dijo: “Almendra preparó por el metódico ejercicio de la búsqueda de la autenticidad”. La tapa mostraba una imagen tomada de la televisión en la que dos ballenas yacían en una playa. atrapados por las nuevas corrientes propulsadas por los Beatles. La primera aproximación al sonido Sumo atrapa desde el cuchicheo de las chicas pitucas que planean estrategias de seducción antes que arranque el estallido disco-funk de “La rubia tarada”. Rodolfo García y Luis Alberto Spinetta encontró su lugar entre el purismo beat de Los Gatos.Buena parte de lo que escuchamos hoy nación con el disco azul de Sumo. Desde Los Piojos a Los Tipitos. 6. al sur de todas las cosas. El título incluye más señales: como una cita explícita a Joy Division. El cuarteto formado por Emilio del Guercio. el bravo clamor de Luca llamaba a tomar las armas aunque la cadencia de un reggae sugiriera lo contrario. Almendra fue el resultado de la unión de cuatro adolescentes (tres de ellos egresados del colegio San Román) que. Superman Troglio enderezaba todos los desniveles de la muralla. como auténtico guardián del tiempo. Divididos… invitaba a descubrir y perderse en su simbología oscura. magnética. una danza mala onda con pasajes de comedia a cargo de Geniol. decidieron pintar su propia aldea desde el living de una casa de la calle Arribeños. un ska con rítmica tribal. la banda inglesa que marcó el camino a las tendencias conocidas como after-punk y dark-rock. “Muchacha ojos de papel”. para encontrar y pulir las canciones que conforman este primer álbum de uno de los grupos más innovadores e inspirados de la música en castellano. Su edición. conocen de memoria el tratado de estilo que un italiano escribió hace más de veinte años junto a cinco inadaptados.y. TEMAS CLAVE: “Fermín”. revolucionó la escena inaugural del rock cantando en castellano y fue un pilar fundamental para la construcción de un lenguaje y del movimiento. En cada escala reggae del disco sobresale la técnica marciana de Troglio. Edelmiro Molinari. Otra extraña conexión: la letra de “Mejor no hablar de ciertas cosas” pertenece al Indio Solari y fue cedida por el líder de los Redondos luego de comprobar que Luca se había adueñado de la canción cuando lo reemplazó en una ocasión en que la banda platense tocó sin su voz original. y ni qué hablar de Intoxicados. Plagado de enigmas para la época.

7. demostraba su viabilidad comercial. Esta apertura dio origen a temas como “Ortega y Gases”. estableciendo su sonido y su personalidad. “Huelga de amores” y “Que ves?”. El álbum. La potencia de Divididos está en temas con ingredientes funk como “Salir a asustar” y “Salir a comprar”. Acariciando lo áspero (1991). Santaolalla. dejá el mezcal”. ya que aportó la potencia de un intérprete fogueado en el Primer Mundo. . dando origen al “chaca-reggae” (con una notable intervención de Santaolalla en charango). consigue transmitir con un sonido cálido y analógico todo el rango y dimensión de la música del trío.de la música nacional. El grupo también deja aparecer su faceta experimental en “Tajo C”. con el famoso ingeniero Tony Peluso. en el que el grupo superpone un reggae con ritmo de 6x8. además de la solidez instrumental del trío. pero lo que aparece con fuerza aquí es la influencia del folclore. la dupla Ricardo Mollo-Diego Arnedo había dejado atrás el fantasma de Sumo. El ingreso de Federico Gil Solá en la batería (un argentino que había vivido quince años en San Francisco) fue fundamental para su consolidación. La era de la boludez. que había comenzado a insinuarse en el disco anterior con “Haciendo cola para nacer”. dando origen a una de las obras más profundas e impactantes del rock latino de los 90: La era de la boludez. La grabación en los estudios Cam-Am de Los Angeles. con excelentes ventas y hits como “El 38” y “Ala delta”. principal hit del álbum.en trombón (“Dame un limón”). y el coproductor Aníbal Kerpel en vibráfono y Hammond contribuyen a realzar la variedad. pionero de la integración entre rock y música autóctona con Arco Iris. Para su tercer álbum. que obró como catalizador de su talento. el trío se alió al productor Gustavo Santaolalla. especie de chacarera con un trabajo descollante de Arnedo en el bajo. funk y post punk. el instrumental “Pestaña de camello” (Mollo utiliza su guitarra a la manera de un sitar) y en la jam psicodélica de “Indio. un título que definía el falso esplendor de la era menemista. que canta en forma degarradora y ofrece dos de sus mejores solos de guitarra registrados en el disco. La participación de invitados como Bruce Fowler –ex Zappa. estimuló esta tendencia. suerte de baguala de voz y bombo. Divididos 1993 Con el disco anterior. alentado por Gil Solá y también Arnedo (cuyo padre fue el prestigioso folclorista Arnedo Gallo). El grupo ya venía ensayando con éxito su particular amalgama de rock. clásico de Atahualpa Yupanqui transformado en una especie de blues hendrixiano por una interpretación memorable de Mollo. y en el empuje rocker de “Rasputín” y “Paisano de Hurlingham”. así como una apreciación –que suele aparecer con la distancia. “Que ves?”. TEMAS CLAVE: “El arriero”. La propuesta alcanza un pico de alto poder emotivo con la versión de “El arriero”.

formaron el marco de referencia para la renovación. El espíritu valvular de los viejos discos de Pescado Rabioso. Y aún hoy. El productor ejecutivo fue Jorge Alvarez. mantiene un promedio de ventas de diez mil copias anuales. Canción animal. sobre todo. y transformó esa canción en un clásico. Javier Martínez. TEMAS CLAVE: “De nada sirve”. lleva vendido casi medio millón de copias. Color Humano y Vox Dei. sumado a las guitarras ruidosas del pre grunge –encabezado por bandas como Screaming Trees. “El oso”. igual que la mayoría de las que integran 30 minutos de vida: “El oso”. me canta <<De nada sirve>> de principio a fin. grabado y editado durante la dictadura de Onganía. cuenta Mauricio Birabet (Moris). 30 minutos de vida. Y esboza una explicación: “Creo que es porque significa algo para sus vidas. en la calle. Moris improvisó esa letra existencialista de casi ocho minutos (con más influencias de Albert Camus y Jean-Paul Sartre que de Bob Dylan). Soda Stereo 1990 La presencia funk de Carlos Alomar en Doble Vida convirtió a Soda Stereo en una máquina fría. entre otros. manejada por los técnicos Salvador Barresi y Julio Costa (“estaban acostumbrados al tango. Canción Animal es la respuesta a tanta sofisticación el primer registro en que Gustavo Cerati empieza a mirarse como un heredero del rock argentino de los 70. Miguel Abuelo…). “(En) El séptimo día” y. pero tiraban para adelante”). ¡Y ni siquiera yo me la sé entera y de memoria!. Otro factor . De esa mezcla entre pasado y presente nación un registro tan perdurable como los estribillos de “Un millón de años luz”. Pappo y Richard Green. Es una canción universal… y un poco neurótica”. Se grabó en los Estudios TNT (Buenos Aires). el trío acusó la necesidad de un cambio para privilegiar las canciones por sobre los efectos de producción. Tiene que ver con una problemática que sigue vigente: la igualación total de la forma de vida. el organista de los In. precisa y calculadora. Moris 1970 “A veces me encuentro con gente que. El truco funcionó a escala continental y después de casi dos años de giras interminables. El disco. “Escúchame entre el ruido” y “Ayer nomás”. Y la lujosa backing band la integraban amigos: Claudio Gabis. impulso del pujante movimiento de rockeros emergentes (Manal. en una consola de cuatro canales Ampex. a treinta y siete años de su edición original. Smithereens y Pixies. dueño de un órgano Farfisa. modernísima para la época. “De música ligera”.8. sobre una base hipnótica. 9.

El resultado es brillante y en ningún momento abusa de los despropósitos de una superproducción. y Daniel fue una pieza clave”. Vol. El Groove es bien negro y las influencias. Alta suciedad. el regreso a la vida solista de Andrés Calamaro tuvo varios nombres tentativos: El otro lado del novio del olvido podía confundir con sus intenciones románticas. Pero varias estrategias fatales del productor invisible influyeron en Cerati y terminaron como algunas de las mejores ideas para el disco definitivo de Soda. En esa intención de revertir los extremos. Tom Waits y Keith Richards. La incorporación alteró los vínculos de un triángulo sin fisuras hasta ese momento. el guitarrista ya había establecido el formato. Andrés Calamaro 1997 Antes de alcanzar el título imborrable de Alta suciedad. Frente a obras futuras. blancas. 2. “Fue un momento muy inspirado del grupo. 11. pero la desilusión tiene letra de tango y ausencias infinitas. El círculo de la confianza se cerraba con la producción de Joe Blaney y su increíble facilidad para cruzarse con músicos argentinos en plena etapa de iluminación. Alta suciedad conserva los niveles de equilibrio que identifican a toda masterpiece. el cantante armó el álbum soñado por un auténtico melómano que conoce a la perfección la letra chica de los discos importantes: así desfilaron por las sesiones registradas en Nueva York músicos que trabajaron con Steely Dan. Pappo’s blues 1972 En Pappo’s Blues Vol. y Decidí contarlo delataba de antemano su carácter confesional. los quince tracks de álbum hoy parecen una módica suma de canciones que iniciaron el camino hacia la fabulosa desmesura de Honestidad Brutal y El salmón. adaptando el esquema de power trío inaugurado por Cream y Jimi Hendrix Experience –mezcla de blues y psicodelia.a una sensibilidad urbana que se integraba con naturalidad al rock nacional de comienzos de los 70. 1.determinante fue el ingreso de Daniel Melero en el rol de cuarto integrante. La ironía ganó con su carga de metáforas a discreción y el propio Andrés anunciaba que el disco giraba en torno a “la victoria de los vencidos y el fracaso de los campeones”. señaló el cantante en el número 60 de RS. TEMAS CLAVE: “De música ligera”. “Té para tres”. Pero luego de un viaje . Nada de eso. 10. TEMAS CLAVE: “Media Verónica”. “Loco”.

A pesar de la inspiración. dirección orquestal e intérprete: Pappo”. que caminando va/ no se da cuenta que no tiene lugar/ y con el tiempo desaparecerá”) y solos improvisados que son libros de texto para generaciones de guitarristas. los rumbos modernos de “Raros peinados nuevos” o “El rap del exilio”. la Gibson SG conectada a un Robertone y un único crédito: “Compositor. “El tren de las 16”. desde la portada con el dibujo naif de Juan O. nada podía ser igual. lo que extiende la “vuelta” armónica del tema a 24 compases. todo Piano Bar esconde un romanticismo sombrío. En el comienzo. la novia eterna de Charly-. Charly García 1984 El efecto reacción envuelve a Piano Bar: después de Clics modernos. En este Vol. donde conoció a “Bonzo” Bonham y “Lemmy” Kilmister. 2 todo es perfecto. “Total interferencia”. 12. Piano Bar. García en estado de gracia junto a una banda que descarta los lujos tecnológicos y expone una versión cruda del pop rock en un disco cargado de desesperación y urgencia.a Inglaterra. La belleza sentimental de “Promesas sobre el bidet” –un tema dedicado a Zoca. El tema que le da título al álbum continúa la línea de “Canción de Hollywood” (Serú Girán). TEMAS CLAVE: “Desconfío”. Pappo regresó para ponerle el moño al género que él mismo había creado. García nunca había sonado tan punk como en “Demoliendo hoteles”. . y las fases reflexivas de “No te animás a despegar” y “Total interferencia” permanecen como instantes sagrados de un artista que inauguraba su estadía en un espacio único y casi siempre en llamas. “Pobre Juan”). Gatti hasta la foto interior con su estampa de guitar hero porteño. “Yo que crecí con Videla” es la frase de apertura y también un alarido generacional. ironía y lirismo. TEMAS CLAVE: “Promesas sobre el bidet”. un solo de batería de Luis Gambolini introduce “El tren de las 16”. autor. pero más allá de los niveles de intensidad. señaló García luego de la edición de esta obra cumbre. una atmosfera de music hall decadente sirve para explicar que el rock funcionó como un refugio en los años de horror: “Afuera se cae el mundo y el Piano Bar sigue inamovible. “Desconfío” se convertiría en el standard del género en Argentina. en que Pappo convierte la simple estructura de un blues de 12 compases en una canción inolvidable. Hay riffs memorables (“Tema I” –que bajo el nombre “Castillo de Piedra” había aparecido en Spinettalandia-. fue un disco incomprendido. muestras de su genial ingenuidad lírica (“ese monstruoso. batiendo lo que pasa afuera”. con un recurso simple: la letra continúa a lo largo de dos estrofas.

Fito Páez 1992 El disco récord de ventas de la carrera del músico rosarino es el resultado de la puesta en obra de su relación con la actriz Cecilia Roth. como se decía por entonces) basada nada menos que en la Biblia.nunca sonó tan claro y con una producción musical tan ambiciosa. Con la inspiración encendida. contaron con coro y una orquesta de cincuenta músicos. Fabiana Cantilo y Celeste Carballo encarnaron a Thelma y Louise. En la grabación. Pero Vox Dei se sobrepuso a las adversidades creando una obra perdurable. A su vez. que a su vez editó el disco antes que fuera finalizado (de allí que “Apocalipsis” quedara sin letra). conquistó los corazones de más de una generación. . por motivos nunca del todo aclarados. El amor después del amor. entró a fines de 1991 en los estudios ION para trabajar junto al productor Carlos Narea y darle forma a su séptimo disco solista: Fito –su voz y su piano. Varios elementos convirtieron este disco en algo único: fue la primera “obra conceptual” del rock argentino. respectivamente. sumó la colaboración de músicos de lujo para que hicieran su aporte en la travesía romántica: Mercedes Sosa fue la voz complementaria en la chacarera “El muro de los lamentos”. entre la crónica de García y la poética spinettiana. ya que Mandioca quebró y los masters fueron adquiridos por Disc Jockey. cuyas canciones poseen una calidad atemporal que ha convertido a casi todas (especialmente “Génesis” y “Libros Sapiensales”) en clásicos “fogoneros”. a quién conoció en 1991 mientras veraneaba en las playas de Uruguay. dirigida por Roberto Lar. Juan Cargos Godoy y Rubén Basoalto. La idea inicial fue de su líder. autor de todos los textos y buena parte de las músicas. en “Dos días en la vida”. Charly García y Andrés Calamaro echaron a rodar “La rueda mágica” y los Ketama aportaron sus lamentos gitanos en “Tráfico por Katmandú”. TEMAS CLAVE: “Génesis”. editado como álbum doble. Ricardo Solué. La Biblia. en las cuales colaboraron sus compañeros Willy Quiroga. Spinetta sumó su magia para “Pétalo de sal”. 14. Godoy dejó el grupo antes de finalizar la grabación. “Las guerras”. nacimiento”.permite apreciar detalles nunca antes escuchados. Pero el trabajo tuvo una historia accidentada: la banda se vio obligada a cambiar de compañía en el medio de la grabación. Vox Dei 1971 Probablemente se necesite la inconsciencia de unos pibes de 20 años para acometer una empresa como la de componer una obra conceptual (u “ópera rock”. para “Cristo. Todos los temas fueron hits y el estilo compositivo de Páez. y contiene gran cantidad de material previamente inédito. La reedición de 2005 –hecha a partir del hallazgo de las cintas originales. la grabación demandó 150 horas (algo completamente inusual para la época) y. TEMAS CLAVE: “La rueda mágica”. Precisamente eso fue lo que hizo el grupo quilmeño en lo que era tan sólo su segundo LP. El álbum fue publicado en julio de 1992 y se transformó en un éxito comercial inmediato. quitándole a “La Balsa” (de Los Gatos) un récord de más de veinticinco años. “Pétalo de sal”.13. En menos de un año superó las 200 mil copias vendidas.

la preciosa figura de Fabiana Cantilo y la producción de tío García lograron el milagro: cambiarle el humor al rock argentino. El genio y la observación del tándem creativo formado por Daniel Melingo y Pipo Cipolatti. “Salsa”. La tendencia natural de la banda y su productor (Andrew Weiss. sin perder originalidad ni vuelo. “Cleopatra. frivolidad y ambigüedad. el segundo te lo venden”. El comienzo con “Los calientes” determina la profundidad del viaje: un “paraswing” (Diego Tuñón dixit) narcótico que abre las puertas a un mundo de placeres impúdicos. colaborador de Ween) a la digestión musical y el trabajo de estudio obsesivo le cede terreno a la síntesis cancionera. La dicha en movimiento utilizaba chucherías del inconsciente nacional y popular para burlarse de todo y de todos.15. Como las serpentinas de carnaval que ilustraban una de las primeras tapas vintage de nuestro rock. Jessico. twist y pop bailable tan ligero como sus letras inteligentes y paródicas cambiaron el modo de abordar la canción de una escena que recién empezaba a entender que era posible combinar diversión. boquense y con guiños mersas. la psicodelia sixties de “El loco” y “Camarín”. Los Twist 1983 El 17 de octubre de 1983 apareció el debut de Los Twist. en que el magnífico y disperso raíd de Miami (1999) se reorganiza en doce canciones directas y conquistadoras. el disco se convirtió en un exitoso compilado para fiesta sin edad. La dicha en movimiento. los Babasónicos sacan de las tripas un disco esplendoroso. Grabado en veintinueve horas bajo la mirada vampírica de Charly García –a cargo de la producción-. TEMAS CLAVE: “Ritmo colocado”. el segundo te lo venden”. 16. La dicha… incluía todos los ritmos y una catarata de éxitos con extremos desopilantes (“El primero te lo regalan. Babasónicos 2001 Desde el fondo de la crisis argentina. Ya sin Dj Peggyn en las filas. Rockabilly. expulsados de Sony y en la periferia estética del rock estatizado (en días de la Alianza en el gobierno). la soberbia rockera de “Pendejo” y “Soy rock”. Peronista. el sexteto gana precisión y potencia: la seducción electro de “Fizz” y “Delectrico”. noches mágicas y conductas rastreras. que por aquellos días abrazaban el alfonsinismo como emblema de civismo y acción democrática. la reina del twist”). el bolero corrido de “Rubí” y la épica western de “Yoli”. un día políticamente incorrecto para los popes de nuestro rock. “Pensé que se trataba de cieguitos”) y deliciosas apropiaciones pop (“Ritmo colocado”. “El primero te lo regalan. Detrás de una tapa .

dolorosamente sexual de Ros. Virus 1987 En medio de la grabación de Superficies de placer. La grasa de las capitales. Sin embargo. Paradójicamente. “Apocalipsis”). en menos de un mes vendió más de 30 mil copias. cobra la forma de un manifiesto vivo que interpreta su época sin escamotearle un solo segundo al divertimiento y los bajos instintos. “mínimos toque de eternidad. El sexto álbum de Virus había sido pensado como un trabajo climático sin tantos hits y con un acercamiento más decidido a los ritmos latinos. en su segundo trabajo acusa el golpe del frío recibimiento del público y vuelve a asomar la cabeza al mundo exterior. “Viernes 3 AM”. TEMAS CLAVE: “La grasa de las capitales”. La tapa y su exquisita ambigüedad causaron revuelo entre la prensa pacata: se moría por saber a qué género pertenecía la imagen del culito. Superficies de placer. la adhesión fue instantánea y temas como “Mirada speed”. un marcado vuelco al jazz rock (muy en boga por aquellos años) y una tapa que replica la estética de la revista Gente. Dárgelos propone una revisión de los valores del rock imperante con altas dosis de malicia y autoconciencia. 17. flecha tendida al azar” (de “Danza narcótica”) o “apocalipsis en mi intimidad” (de. 18. la banda platense siguió adelante por expresa decisión de su cantante. claro. “Soy rock”. Está todo a la vista. Serú Girán 1979 Charly comienza su viaje con Serú Girán en plan abstracto e introspectivo. Todo el disco. con letras que critican con ironía y escepticismos la levedad de la vida moderna (“la grasa de las capitales no se banca más”. el tema de la muerte giraba en varios momentos del disco: “Las cosas se alejan de mi” (en “Ausencia”). siguiendo el suceso masivo que había representado Locura. Superficies… fue lanzado en septiembre de 1987 y. TEMAS CLAVE: “Fizz”. a pesar de la terrible noticia. Federico Moura se enteró que había contraído una enfermedad de la que se sabía poco salvo que era letal: tenía sida. Ocurrió en Río de Janeiro y. llegando incluso a crearse un dialecto propio (recordar “Cosmigonón” o la canción que le da nombre neologista al grupo y al LP debut). . arrebatos de emoción. hoy. “Polvos de una relación” y “Superficies de placer” se perfilaron como nuevos clásicos de la banda. se queja García).

y ensayar una gran variedad de arreglos y texturas. “Credulidad”. realizado por cuatro músicos jóvenes mancomunados espiritualmente y capturados en el pico de su creatividad. El resultado mejora con el paso del tiempo e instala de una buena vez un lenguaje más real para empezar a hablar de pop latino. bien de la época. “¡Hola pequeño ser!”. que constituye una de las obras cumbre de Luis Alberto Spinetta y de todo el rock en castellano. en la perspectiva de este grupo: siempre audaz. porque esa escala ya había sido superada cuando apareció Wadu Wadu.Nada alteró el rigor artístico de la banda. un álbum doble con dieciocho canciones. 19. dibujos y poemas. El último álbum de Virus con la voz de Federico pretendía plasmar una obra que describiera la evolución después de siete años de carrera. Pescado 2 Pescado Rabioso 1973 Luego del sonido explosivamente rockero de “power trío” de Desatormentandonos. envuelto en un delicioso clima de delirio. El disco culmina con el ambicioso “Cristálida”. TEMAS CLAVE: “Encuentro en el río musical”. . EL sonido recorre desde el rock y blues más potentes (“Nena boba”. el hermosos blues menor “Como el viento voy a ver”) hasta canciones casi acústicas con una sensibilidad cercana a Almendra (“Credulidad”). compuesto por varios módulos (a la manera del clásico “A day in the life” de los Beatles). A veinte años de su edición sería impropio calificar a Superficies… como un disco valiente. y la Argentina vivía una efervescencia militante por el regreso del peronismo-.permiten a Spinetta ampliar considerablemente su paleta compositiva. tanto en lo individual como en lo social –recordemos que corría el año 1973. Violadores. Estos dos instrumentista muy completos –David además tocaba guitarra. El resultado fue ese monumento del rock argentino llamado Pescado 2. poseedoras de un poder de llegada casi instantáneo. La idea de liberación es una constante que recorre el trabajo. La edición original incluía un librito de 48 páginas con letras. “Superficies de placer”. un tema de casi nueve minutos. 20. incluyendo también extensas zapadas y elementos del rock progresivo. batería y cantaba. siempre con pretensión de actualidad. TEMAS CLAVE: “Cristálida”. expresada en letras pobladas de imágenes surrealistas pero a la vez extrañamente familiares. a la vez que David Lebón reemplaza a “Bocón” Frascino en el bajo. comentarios. con arreglos orquestales de Carlos Cutaia. Pescado Rabioso se convierte en cuarteto con la incorporación de Carlos Cutaia en órgano Hammond y teclados varios.

la frase elegida para la difusión era “Llegando los monos”. le apuntan a la pasividad hippie y a la dictadura militar y disparan con furia punk pura y explícita. Fuera de la bitácora. Paulinho Da Costa y el Flaco Jiménez. Llegando los monos. El león. el segundo disco de la banda celebra la diversidad. El primer disco de Los Violadores. como invitados estelares. tiene la urgencia de quién finalmente puede gritar luego de pasarse años amordazado: temas como “Represión” o “Para que estoy aquí (Hijos de perra)” se alimentan de injusticias. producido por Michel Peyronel. Pero más allá del carácter festivo. Los Fabulosos Cadillacs 1992 Por un lado. la banda anunciaba sus conciertos como vendedores callejeros: megáfono en mano. “Siguiendo la luna”. 21. y es el soundtrack vital de cualquier argentino que la haya pasado en grande a lo largo de estos últimos años. TEMAS CLAVE: “Heroína”. Con Gustavo Santaolalla.Pil Trafa en “Viejos patéticos”. 22. tan emblemático de los 90. parándose en la vereda de enfrente de los patriarcas del rock nacional para cumplir con su misión en esta tierra: destruir. Con notables mejorías en el estudio y un repertorio menos sombrío. El león aún hoy sigue funcionando como la banda sonora indispensable de cualquier fiesta animada. TEMAS CLAVE: “Carnaval toda la vida”. también es un álbum fundacional del rock latino. “Estallando desde el océano”. Sumo 1986 En las primeras giras de Sumo por la costa atlántica.Los Violadores 1983 “Basta de hospicios. Los Cadillacs abordan ritmos del Brasil y el Caribe. Del reggae (“Rollando” y “No good”) pasa al funk patotero y hitero (“Los viejos vinagres” y “TV caliente”) y al after-punk con “Estallando desde el océano”. “Viejos patéticos”. cantaba –berreaba. vetos y Cósmicos”. versionan a Rubén Blades (“Desapariciones”) y realizan un sugerido homenaje al Che Guevara (“Gallo rojo”). un dramático raid interno (“Heroína”) completa el viaje. TEMAS CLAVE: “Represión”. .

León Gieco 1985/86 La idea de “De Ushuaia a la Quiaca” partió de la gira. terminó convirtiéndose en uno de los álbumes imprescindibles de la discografía del Flaco. TEMAS CLAVE: “Barro tal vez”. Un testimonio único de la música argentina de raíz. TEMAS CLAVE: “Don Sixto Palevecino”. Con Santaolalla como productor. y la compleja minisuit “Águila de Trueno” (dedicada a Tupac Amaru). “Maturana”. “Ella también”. perteneciente a la legendaria ópera de Almendra. los volúmenes 2 y 3 de De Ushuaia… reflejaban el viaje de Gieco y Santaolalla por el país –al frente de un equipo de veinte personas-. dejando ver su lado más intimista.23.establece una inusual proximidad con su voz. La instrumentación básicamente acústica –Luis con su guitarra. De Ushuaia a la Quiaca. con un estudio móvil que registraba a bagualeros anónimos como Gerónima Sequida. más el ocasional acompañamiento de Diego Rapoport en teclados. Las canciones incluyen “Barro tal vez”. que llevó a Gieco por todo el país. Luis Alberto Spinetta 1982 Lo que empezó como una compilación de inéditos de distintas épocas (1965-1978). una increíble zamba compuesta cuando tenía 15 años. donde tomó contacto con artistas desconocidos que trabajaban en el folclore de las distintas regiones. . chacareras santiagueñas de Sixto Palavecino y el chámame de Isaco Abitbol. 24. Kamikaze. “Quedándote o yéndote”.

26. . TEMAS CLAVE: “No bombardeen…”. “Inconsciente colectivo” abría la esperanza y “Peluca telefónica” iniciaban un posible camino junto a Spinetta.25. eso amplifica todo el desastre. No sólo fue el debut solista. “No bombardeen Buenos Aires” explicaba el estado de las cosas.” TEMAS CLAVE: “Prófugos”. García recuperó algunos temas que Serú había abandonado luego de su desintegración. Contiene hits imbatibles (“Persiana americana” y “Prófugos”) e himnos darks (“Signos”. Charly García 1982 Mientras trabajaba en la composición para la banda de sonido de Pubis angelical. El rock argentino dejaba atrás la edad de la inocencia. Más cerca de Echo and the Bunnymen y The Cure. Signos. el trío sorprende con un álbum furiosamente directo y a la vez expansivo. “Persiana americana”. un disco muy sufrido desde la tecnología. fue complicadísimo todo. Yendo de la cama al living. también achicó las distancias entre su pasado y los tiempos venideros. Soda Stereo 1986 En el año de la consagración de Soda en América latina. La grabación casi deja afuera de combate a Cerati: “Las letras se hicieron en una sola noche. Signos aparece como el objeto ideal para seducir a grandes audiencias. Y además estábamos tomando mucho. Malvinas definió la urgencia de ocho canciones fugitivas. “El rito” y “Final caja negra”). “Canción de dos por tres”.

y contiene algunas de las veladas referencias a la situación represiva. a Pappo no le quedaba otro camino que armar su propia banda. Pappo escribía el primer capítulo de su leyenda. Guitarrista virtuoso. Podría integrar una “trilogía porteña” dentro de la obra spinettiana. Con el trío inicial de Spinetta. decía el tema que iniciaba el primer álbum de Pappo’s Blues. que unía lo cósmico y lo cotidiano. con los bandoneones de Mederos y Mosalini. Vol.27. El jardín de los presentes. letrista con un raro poder de síntesis. como “Las golondrinas de Plaza de Mayo”. Después de mostrar su talento en Los Gatos y La Pesada. . lo que hizo con esta demostración contundente de identidad musical. TEMAS CLAVES: “El anillo del capitán Beto”. Pappo’s Blues 1971 “Algo ha cambiado dentro de mi/ que alucinado quiero vivir”. 28. Pomo y Machi aumentado por el ingreso del guitarrista Tommy Gubitsch. en batería y “Davies” (David Lebón) en bajo. inaugurando una nueva era dentro del rock argentino. el Flaco despliega una obra maestra del lirismo urbano con aires tangueros. “El hombre suburbano”. TEMAS CLAVE: “El viejo”. “Los libros de la buena memoria”. 1. junto al primero de Almendra y Bajo Belgrano de Spinetta Jade. junto a Black Amaya. Invisible 1976 El tercer y último disco de Invisible llega con el trágico año de 1976.

las canciones son parejas y hay mucha energía” (Calamaro dixit. 30. Honestidad brutal. a meses de la democracia.29. Los Abuelos de la Nada 1983 El 30 de Junio del 83. Vasos y besos. Cada integrante tiene autonomía creativa: Melingo hace su aporte al reggae con “Chalaman”. . Honestidad es. y con la claridad descarnada que sólo manejan los grandes discos de divorcio de la historia del rock. TEMAS CLAVE: “Vamos al ruedo” y “Así es el calor”. días y días sin dormir. autor de “Mil horas” y “Así es el calor”). “Es el mejor momento del grupo. le pone Groove a la poética de Miguel Abuelo. Los Abuelos entran en los estudios Panda para registrar su segundo disco. Andrés Calamaro 1999 Definido por su autor como La Biblia del abandono o la declaración de principios de los que no tienen principios. por sobre todo. de alguien jugado a extraer verdades de cada herida. Grabado en condiciones de riesgo. la excursión por el país del desengaño es una lectura genuina del estado dylaniano conocido como Blood on the tracks. Bazterrica suma “No se desesperen” y Cachorro. un álbum doble con 37 canciones para adorar a Calamaro y sus gestos suicidas. desde el bajo. “Los aviones”. Este álbum y sus shows teatrales fueron un estandarte de los primeros 80. Un disco peligroso. TEMAS CLAVE: “El día de la mujer mundial”. acaso el reflejo más fiel de la química de su mejor formación.

melodías intrincadas y complejos arreglos de teclados. Sui Generis 1974 Apenas dos años después de Vida. Ahora la escucho y me encanta”. Pequeñas anécdotas sobre las instituciones. “Para quién canto yo entonces”. Don Cornelio y la Zona. incorporadas en el CD). TEMAS CLAVE: “Las increíbles aventuras del señor Tijeras”. 32. el segundo disco. Palo reconoció: “Me oía una voz tan de maricón que la odié. Era algo nuevo y tan emocional como la voz de su cantante.31. La banda no se parecía a nada: se adueñaba de las palabras como el Spinetta de Pescado y tenía el aura del fin de Sumo. un jovencísimo Palo Pandolfo. TEMAS CLAVE: “Ella vendrá”. La producción de Andrés Calamaro y Mario Breuer fue acusada de ser demasiado pop por los miembros del grupo y derivó en la exhibición salvaje de Patria o Muerte. Charly comenzaba a dar muestras de su mordacidad y su facilidad para la protesta metafórica. Sui era un grupo distinto: las canciones de su tercer disco incorporaban instrumentación eléctrica. Don Cornelio y la Zona 1987 El debut de Don Cornelio es una colección de oscuras canciones psicodélicas. “Cenizas y diamantes”. . aunque por “pedido” del gobierno de Isabel Perón muchas de las letras fueron suavizadas y dos temas quedaron afuera (“Juan Represión” y “Botas locas”.

Con una concisión aplastante. TEMAS CLAVE: “Dos edificios dorados”. .33. los Redondos inventan el nuevo rock del país. “Esa estrella era mi lujo”. Cuando Pescado llegó a su fin. que habla del desencuentro. Skay compone algunos de sus mejores riffs y fraseos (“La parabellum para el buen psicópata”). Todos los versos son inolvidables. El disco refleja el gran talento vocal y musical de Lebón y la influencia del Flaco. 34. Bang! Bang! Estás liquidado. “Hombre de mala sangre”. TEMAS CLAVE: “Ropa sucia”. hasta que Spinetta lo convocó para integrarse a las filas de Pescado Rabioso como guitarrista y bajista. Rocambole reversiona los fusilamientos de Goya (los verdugos son miembros de la Cruz Roja). Pappo y Charly García. Lebón registró este impactante disco debut junto a otros músicos y algunos compañeros de la Pesada entre otros los que estuvieron Alejandro Medina. invitado eventual de Billy Bond en la Pesada y baterista de Color Humano. y el Indio sintetiza su ideario de personajes de la noche (“El héroe del whisky”). drama amoroso (“Ropa sucia”) y apocalipsis político (“Nuestro amo juega al esclavo”). nuevos himnos. Lebón fue bajista de Pappo’s Blues. Isa Portugheis. al que le dedica “Tema para Luis”. Black Amaya. David Lebón 1974 En los primeros años de su carrera. Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota 1989 Nueve canciones. David Lebón.

Los Gatos 1967 “Música Beat” se llamaba a fines de los 60 ese movimiento subterráneo de jóvenes bohemios y pelilargos que recogían las influencias de grupos como los Beatles o los Rolling Stones. TEMAS CLAVE: “La Balsa”.35. con un puñado de canciones de Litto Nebbia que demostraban. luego de vender 250 mil copias del simple “La Balsa”. y no sólo las traducían al español. “Corazón”. . Y nos alegran la vida. la canción de amor arrebatada (“El pájaro vio el cielo y se voló”) con la bonaerense de Diego Demarco (“Turdera”). Los Gatos. graban en 1967 el primer LP del rock nacional. en influencia perdurable. Los Gatos. aún con la ingenuidad de la época. con el tiempo. sino que también las adaptaban a la idiosincrasia argentina. Verdadero empacho de ritmos y melodías inolvidables. Mi vida loca. los Decadentes se dedican a evadir la solución con una tenacidad conmovedora. Los Auténticos Decadentes 1995 Esa rapsodia bohemia que es “La guitarra” empieza con violines y deriva en un trópico en que la voz de Cucho Parisi patenta la letra de Jorge Serrano: “Tuve un problema de difícil solución…”. esta especie de grandes éxitos en tiempo real concilia la cumbia romántica (“Corazón”) con ska punk fiestero (“Esta locura”). A partir de ahí. los primeros signos del compositor complejo que se convertiría. “El rey lloró”. 36. TEMAS CLAVE: “La guitarra”.

“Remisero”. dos temas que adaptan el festivo espíritu del rock global y la noche. dijo Dante Spinetta. los Ratones Paranoicos lograron su primer reconocimiento masivo con la difusión radial de “Carol” y. Estos dieciséis tracks producidos por Mariano López y Machi Rufino (ex Invisible) y masterizados en Nueva York por Ted Jensen (Madonna) fueron la puerta lateral hacia los chistes internos del dúo Spinetta/Horvilleur: el sueño de la provincia propia. alguien lo hizo primero”. 38. donde Federico Kleim baila g-funk (“Jaguar House”) y los remiseros son dioses nacionales. Una influencia clave para las bandas de este tiempo. “Una noche no hace mal”. Los chicos quieren rock. TEMAS CLAVE: “Enlace”. Ratones Paranoicos 1988 Ya en sus primeros años. la banda de Juanse estaba más obsesionada por el sonido de los New York Dolls que por el de los Rolling Stones (basta escuchar “Sucia estrella” o “Enlace”). al momento de registrar este segundo disco.37. Chaco. Y pese a lo que se repetía. El primer disco de hip hop latino con proyección regional. Illya Kuryaki & the Valderramas 1995 “Doscientas cincuenta mil copias vendidas de Chaco en toda América latina lo dicen todo: hay que tener respeto. luego. “Ceremonia”. . Con este disco. TEMAS CLAVE: “No es tu sombra”. los Ratones Paranoicos era un grupo de influencia punk muy acentuada.

condimentados con psicodelia y surrealismo. hay desde canciones acústicas a temas esperimentales. Spinetta aporta temas de alta belleza (“Para ir”. pero antes de separarse registró el primer álbum doble del rock argentino. representa el encuentro de Pedro y Pablo –especialmente Miguel Cantilo. nombre de la calle donde quedaba la casa comunitaria. con clásicos como “Mestizo” y “Amor de aire”. “Blues del éxodo”). Still & Nash).con el rock representado por La Cofradía de la Flor Solar. pero Molinari no se queda atrás. Almendra 1970 Almendra no llegó a grabar su famosa ópera. una explosión creativa en múltiples direcciones que constituye una especie de Álbum Blanco del grupo. TEMAS CLAVE: “Padre Francisco”. Si bien en general el sonido es más rockero y distorsionado que el primer disco –en sincro con el rock internacional de esa época-. Conesa. el dúo emigra a un sello independiente y graba una serie de clásicos.39. y brilla la guitarra de Kubero Díaz. Pedro y Pablo 1972 Conesa. “Para ir”. Almendra 2. Harto de la censura. “Padre Francisco”). “Parvas”). sin dejar de lado la temática social (“Apremios ilegales”. TEMAS CLAVE: “Rutas argentinas”. Las armonías vocales de Cantilo-Durietz se enriquecen con el aporte de Roque Narvaja (a la manera de Crosby. con letras que ensalzan el “regreso a la naturaleza” (“El Bolsón de los cerros”. . “Catalina Bahía”. 40.

el disco tuvo participación grupal: Luca se limitó a destrabar las cargadas bases con eficaces melodías vocales. Sumo 1987 En 1987. Pappo’s Blues 1973 Apenas veintiocho minutos le alcanzan a Pappo para establecer un nuevo clásico del rock de los 70. es el trabajo más experimental de Sumo y un conmovedor escudo ante lo inevitable: brillan la épica de “Crua-Chan”. . Vol. Sus progresos sobresalen en el instrumental que abre el disco. verdadero rito iniciático para cualquier aspirante a dios de la guitarra. After chabón. “Mañana en el Abasto” es el sol de noche entre tanta densidad. defendiendo su estilo de vida con un riff machacante (“Sucio y desprolijo”) y hasta desorientando a la prensa musical con una viñeta country criticada por “comercial” (“Trabajando en el ferrocarril”). el reggae espiritual (“No tan distintos”) y las atmósferas pesadas (“No te pongas azul”). los prejuicios de la clase media. “Stratocaster Boogie”.41. TEMAS CLAVES: “Mañana en el Abasto”. 3. “Crua-Chan”. Criticando la sociedad de consumo (“Pájaro metálico”). Sin pretender registrar un testamento. el tiempo de descuento que perseguía a Luca se mostraba implacable. 42. Grabado en condiciones caóticas. Pappo se afirma como el gran outsider del rock argentino. El alcohol era el verdugo y After chabón su última pelea contra la muerte.

el vértice sur de la sagrada trilogía del rock latino y mestizo. 1987 El disco más rabioso de la carrera de Páez. Una mezcla magistral entre catarsis punk y sopor barbitúrico que aún hoy estremece por su crudeza. ese el mejor articulado de TTM. Todos Tus Muertos 1994 Fidel Nadal volvió de la gira El Expreso de Fuego y Hielo por Colombia junto a Mano Negra y. El rosarino entró en una profunda crisis depresiva y sin consuelo huyó a las playas de Tahití.43. Entraron: Gamexane en guitarra. 44. “Alerta guerrilla”). reconstruyó el fuselaje de su vieja banda para plasmar la esencia de sus nuevas convicciones (“Mate”. fueron asesinadas la abuela y la tía que habían estado a cargo de su crianza. también (con la base Casa Babylon y más tarde Ideia Zabaldu de Negu Gorriak). tras dos meses de grabación de Casa Babylon en España. compuso canciones que lo sacaron del perfil optimista y candoroso de sus primeros discos. En el momento en que Fito alcanzaba su consagración como solista. Este disco. el tercero. además de Manu Chao y Fermín Murguruza como invitados. “Ámbar violeta”. . “Ándate”. TEMAS CLAVE: “Track Track”. Ciudad de pobres corazones. Fito Páez. pastillas y reflexiones. TEMAS CLAVE: “Mate”. Y es. Su raíz está en las noticias policiales. Pablo Pontezoni en batería y Pablo Molina en bingi-drums y voz. u a poco de fallecer su padre. Entre llantos. Dale aborigen.

un mecenas que venía de financiar a Dalí. Aquelarre debutó en 1972 con un álbum marcado por los quiebres rítmicos y melódicos. La lírica de Miguel fluye entre los sonidos de clavicordio. Inédito aquí. En Francia conoció a Moshe Naim. Aquelarre. “Cantemos tu nombre”.45. Junto al violero platense Daniel Sbarra y otros exiliados argentinos y chilenos. formó Hijos de Nada. Et nada. TEMAS CLAVE: “Canto”. No pudo. bajo y batería respectivamente). las largas zapadas instrumentales y las letras surrealistas. Naim lo tentó para grabar u el resultado fue el disco más experimental de su carrera. Miguel Abuelo quiso mantenerse lejos de la música. . El grupo se permitía momentos de crudeza blusera (“Aventura en el árbol”) y pasajes extraordinarios de belleza bucólica (“Cantemos tu nombre”). teclados) y una “bola de ruido” (Héctor Stark. guitarra). 46. Hijos se disolvió y el productor postergó la edición hasta 1975. es uno de los discos más buscados por los coleccionistas. un blusero (Hugo Gonzáles Neirea. Aún con las inconfundibles influencias progresivas que surcaban todo el LP. TEMAS CLAVE: “El largo día de vivir” y “El muelle”. Miguel Abuelo 1975 En su exilio. chelos y efectos electrónicos. cuando optó por editarlo como un trabajo solista. Aquelarre 1972 Reuniendo dos ex Almendra (Emilio del Guercio y Rodolfo García.

Litto Nebbia 1974 Mucho antes de saber que significaba la palabra “melopea”. Catupecu dio con este disco grabado como cuarteto (Fer y Gabriel Ruiz Díaz. No tan urgente como Dale!. Nebbia bautizó su quinto álbum solista con el vocablo de origen griego. “¿Qué clase de amor tendrás?” . Aún hoy sorprende este cruce de géneros y la insistencia de Litto para vencer prejuicios. Una perfecta conjunción de canciones pop y letras detallistas de Mirtha Defilpo. “El número imperfecto”. Macabre y Javier Herlein). Melopea. Sus versos cobran diferentes sentidos con el tiempo. TEMAS CLAVE: “Magia veneno”. “Me gustaba la fuerza que tenía al sonar… Luego me enteré de que quiere decir componer y en un vulgarismo también es borrachera. Catupecu Machu 2004 En su búsqueda de intensidad. 48. El número imperfecto. explica Nebbia desde el booklet del disco que consolidó la formación del trío junto a los jazzeros Néstor Astarita (batería) y Jorge Gonzales (contrabajo). forzando sus límites sin perder la ambición expresiva y emotiva. no tan hitero como Cuentos Decapitados. vital y rockera.47. Las letras y las guitarras de Fernando transparentan las influencias de Cerati y de Bumbury. TEMAS CLAVES: “La ventana sin cancel”. es una síntesis de su obsesión por hacer sonar el rock tan potente como original. ni tan abstracto como Cuadros dentro de cuadros.

Oscar Moro y Rinaldo Rafanelli incluye la canción por la que muchos recordarán la agrupación: “Mañana por la noche” (“Estoy tan cansado/ que me voy a suicidar/ mañana por la noche”). Cada uno de los temas que integran el disco posee algún instante memorable. Entre una melancolía fría y la búsqueda de la emoción tecno-pop. “Deleite fatal”. Color Humano 1974 Originalmente pensado como un disco doble. “Piso 24”). e invita a pensar en cómo podría haber sonado el combo de haber permanecido unido. En este álbum debut acumula algunas de sus piezas más pop (“No dejes que llueva”. entre el rol de productor y cazatalentos under (Todos Tus Muertos. Conga Daniel Melero 1988 Después de liderar Los Encargados desde comienzos de los 80 y participar en Oktubre (puesto 4 de esta lista) pero antes de colaborar en Canción Animal (puesto 9). “Cosas rústicas…” 50. el opus final de Edelmiro Molinari. con la hendrixiana viola de Edelmiro brillando como nunca en “Cosas rústicas (Coto de caza)” y “Las historias que tengo”. el trío se muestra en su apogeo. Melero se debatía. . Color Humano. TEMAS CLAVES: “Mañana por la noche”. TEMAS CLAVE: “No dejes que llueva”. algunos tracks anticipan un derrotero que fue tomando un cariz más abstracto y experimental. en sus días de fines de los 80. Por lo demás. Juana La Loca) y el inicio de su carrera solista.49.

52. con toques de blues psicodélico à la Cream y letras irreverentes con carga ideológica.51. “Cada día somos más”. Allí compartieron vivencias con los aborígenes y eso fue el estímulo fina de su proyecto más ambicioso: esta obra conceptual. TEMAS CLAVE: “La canción de Nahuel” y “Sudamérica o el regreso a aurora”. Billy Bond y La Pesada del Rock and Roll. Arco Iris 1972 El interés por la música folclórica llevó a la banda de Santaolalla y Ara Tokatlian a realizar un viaje místico al norte argentino. Hicieron escuela. . representa como nada el orgullo de la rebeldía rockera en contraposición con la comodidad burguesa. 53. Luchando por el metal. “Salgan al sol”. Sudamérica o el regreso a la aurora. TEMAS CLAVE: “Salgan al sol”. firmada por Javier Martinez. en la que el quinteto reafirma su creencia en el poder espiritual y en las fuerzas del cosmos. Billy Bond y La Pesada del Rock and Roll 1971 Puro rock básico y pesado. Esa era la fórmula de La Pesada. dividida en dos actos. Uno de los experimentos más arriesgados y logrados en el difícil terreno de la fusión entre el rock y el folclore. un auténtico seleccionado integrado por monstruos como Pappo. Spinetta y David Lebon. siempre bajo la tutela del inefable Billy Bond.

Los Encargados 1986 La historia de Silencio es una epopeya de resistencia y terquedad. Por eso quedó el logo sobre un fondo negro: hoy es la tapa más icónica del heavy local. cuenta con la participación de Pappo en “Hiena de metal”. “El rock es mi forma de ser”. Silencio. Con Silencio. con pocas horas de estudio y muchos excesos.V8 1983 El debut de V8 encarna el sentimiento de jóvenes como los de “Brigadas metálicas” que. materia revulsiva de dos agitadores culturales trastocando principios como autenticidad. desafiaba el canon de lo correcto y proponía diversión con un rock ligero. En la sesión de fotos de tapa. Pero el real peligro se escondía en la voz de Federico Moura y las letras de Roberto Jacoby. Y aunque la empresa ya estaba condenada al fracaso. por su velocidad. Wadu Wadu. Virus merecía el premio a la banda rupturista de 1981: seis caras nuevas irrumpían luciendo remeras ajustadas. TEMAS CLAVE: “Soy moderno. Hugo Foigelman y Alejandro Fiori iniciaron el desvío hacia la actualización de los presupuestos pop en su fase tecnológica. TEMAS CLAVE: “Orbitando”. Grabado sin conocimientos técnicos. una razia apresó a la banda. el grupo se enfrentaba tanto a la pasividad hippie como al optimismo del final de la dictadura. En un medio hostil. “Brigadas metálicas”. Daniel Melero. el trío impuso un concepto avanzado de canciones electrónicas. . no fumo”. 55. el reconocimiento llegaría con las voces del rock más original de la década pasada. querían gritar. Virus 1981 Solo por la foto de tapa. TEMAS CLAVE: “Destrucción”. “Líneas”. 54. pelo corto y corte desafiante. Mucho más atrevidas eran las canciones. Con sonido duro y letras marciales. cansados de llorar. contenido y duración. La novedad jugaba con los clichés del rock. compromiso y mensaje. Los Encargados tuvieron que archivar dos discos antes de lanzar su álbum debut: aún permanecen inéditos Necesidad y Creo que estamos bailando.

incluye sensibles viñetas urbanas. una recopilación de aquellos esbozos desprolijos. no obstante -en una sesión llevada a cabo en los estudios TNT. sin haber llegado a grabar un LP propiamente dicho.56. 57. Contenidos. un puñado de canciones de belleza rústica y frágil. José Alberto Iglesias se convirtió en el primer tren descarrilado del rock nacional. Su primer álbum. a la vez que crean uno de los primeros himnos de protesta. Murió dos años después. Miguel Cantilo y Jorge Durietz dan inicio al rock acústico en la Argentina. Tango. “Natural”. Pedro y Pablo 1970 Con influencias de Dylan. humor. Tanguito 1973 En tiempos en que la bohemia local todavía conservaba la inocencia. Para 1970. La reedición en CD contiene temas censurados. la chanson. a modo de demo. Beatles. Simon & Garfunkel. 58. acompañándose solo con su guitarra acústica. como “En este instante” y la primera versión de “Catalina Bahía”. “La marcha de la bronca”. TEMAS CLAVES: “La marcha de la bronca”. TEMAS CLAVES: “Amor de primavera”. críticas al consumismo y la represión de la dictadura de Onganía. las drogas y el alcohol ya habían hecho mella en su salud física y mental. Riff 1982 . el café concert. el folclore de Yupanqui y el tango de Piazzolla. con arreglos de Jorge Calandrelli. Yo vivo en una ciudad.logró registrar. “Yo vivo en esta ciudad”. Pelo el sello Talent rescató su legado en 1973 con Tango.

Riff estaba más cerca del hard rock que del heavy. a Peggyn. los hits rocanroleros de Vitico (“Mal romance”) y las historias épicas de Pappo en plan héroe solitario (“Duro invierno”). pero la crisis lo sepultaba todo. Ariel Rot y Gringui Herrera en la delantera. el coyote. 60.Si bien introdujo la estética metalera de cuero y cadenas. después de catalizar la ansiedad generacional y antes de entregarse al Adversario. Trance Zomba. TEMAS CLAVE: “Patinador sagrado”. Entre odas alcohólicas y rocanroles de ruta reaparece el compositor pendiente de las melodías inolvidables y las frases para no olvidar: “Nuestro Vietman. con un sonido contundente y canciones atrapantes. Babasónicos se embarca en un trance de despegue. Andrés Calamaro 1989 El cuarto álbum solista de Calamaro merecía mejor suerte. hecho saliva y sangre”. lo que daba a su repertorio una variedad que incluye las historias de cómic-ficción de Michel (“Pantalla del mundo nuevo”). Este álbum anticipó el exilio español de Andrés y también los ritmos que iban a conmover a Los Rodríguez. 59. y no conseguiría recuperar el brillo en sucesivas reuniones. Nadie sale vivo de aquí. inspirados en el viejo disc jockey Pato C. la palmera. TEMAS CLAVE: “Pasemos a otro tema”. TEMAS CLAVE: “Susy Cadillac”. Después de grabar dos LO en 1981. “Koyote”. el cantante de la eterna voz adolescente dejó antes de la partida algunas de sus mejores canciones de amor y traición. Los cuatro integrantes componían. Estética trash-menemista. “Me tienen cansado”. “Señal que te he perdido”. Escuchado por buenos amigos. infusiones de George Clinton y rap para el desarme: como superados. El punto más alto de un grupo que se separaría al año siguiente. . y asó se convierten en la primera banda del rock latino en incorporar un DJ en su formación estable. la banda cristaliza su estilo en el tercer álbum.giran a toda velocidad alrededor de un grupo de gente capaz de enfocar la música cuadro por cuadro: los Babasónicos incorporan. Babasónicos 1994 La flora y la fauna de América –el ñandú.

el único en que la comunión creativa entre ambos alcanza a plasmarse es “Hay otra canción”. ausente en reedición en CD. La la la. en que la alquimia de Luis Alberto y Fito funcionó de forma tangencial e interesante. “Hay otra canción”. 62. aclara la contracubierta del disco en que se imprimió la única versión del mayor clásico de esos primeros 90: “Kanishka”. Los Brujos destapan la paella del Nuevo Rock Argentino. Fin de semana salvaje. Después de tres años de demoler escenarios. invocaron a Melero para grabar en los estudios Aguilar “un demo de once temas”. Spinetta-Páez 1986 Sorteando todo tipo de trabas legales de sus respectivas disqueras. Spinetta y Páez registraron entre agosto y octubre de 1986 este álbum doble que sería un hito de colaboración entre dos generaciones. . fábulas de psicodelia y amor indio. Tal vez. TEMAS CLAVE: “Todos estos años de gente”. el último tema del LP. TEMAS CLAVE: “Yo caí por tu amor”. La la la es un disco extraño. Los Brujos 1991 “Grabado durante un fin de semana salvaje del mes de mayo de 1991”. pero no terminó de manifestarse en una unidad: los temas de Páez y Spinetta están diferenciados en textura y estilo. “Fin de semana salvaje”. Con Vivi Tellas como cantante invitada y el solo de Cerati en “Fin de semana salvaje”. compuestas por su guitarrista.61. Gabriel Guerrisi.

cortina del recordado programa de Mario Pergolini). en los suburbios de Chicago. la banda liderada por Ciro Pertusi pegó un megahit (“Hacelo por mi”. se ganaron la desaprobación de sus fans más radicales. En lo musical. En ese ambiente. al mismo tiempo. The art(e) of Romance. el productor de In Utero (el último disco de Nirvana) apeló a su técnica de grabación y le imprimió el volumen de un mar de cemento a las canciones de Nekro. Attaque 77 1990 El eterno karma del éxito punk: con su segundo disco. tocó en televisión hasta el hartazgo y vendió más de 150 mil copias. El cielo puede esperar. En la increíble portada el retrato del anarquista Kurt Wilckens. “Espadas y serpientes”. gracias a lo cual abandonaron definitivamente el under y. un idealista de la emoción entregado a su propaganda. . TEMAS CLAVE: “Vientos”.63. TEMAS CLAVE: “Hacelo por mi”. “Dick Dale”. El cielo puede esperar (producido por el perico Juanchi Baleirón) los muestra influenciados por el pop inglés de los 60 y 70. Electrical. Fun People grabó The Art(e) of Romance: su obra definitiva. alejándose de la ortodoxia ramonera de su álbum debut. 64. Con Gato en la batería y Gori en guitarras. ¡Teníamos una máquina de pochoclo y un billar!”. Fun People 1999 “Steve Albini nos obligaba a usar mamelucos tipo Devo para entrar en su estudio.

como lo prueban tres simples aparecidos en el mismo año: “La llave del mandala”. TEMAS CLAVE: “Jugo de lúcuma”.65. “Elementales leches” y “Viejos ratones del tiempo”. Invisible 1974 Después de la etapa de Pescado Rabioso. como James Taylor y Elthon John. “Suspensión”.C. aun sin carecer de complejidades. 66. García supo conectar de lleno con el sentimiento adolescente de aquella época. con el dibujo Charcos. Charly García (por entonces Charlie) y Nito Mestre irrumpieron en escena con Vida. TEMAS CLAVE: “Canción para mi muerte”. de M. “Natalio Ruiz”. armonías jazzísticas) y letras influidas por el surrealismo y los simbolistas franceses caracterizan esta primera etapa del grupo. Siguiendo los pasos de cantautores sensibles. y con un lenguaje musical que. a fines de 1973 Spinetta forma Invisible junto a Pomo Lorenzo y Machi Rufino (ex Pappo’s Blues). en que Spinetta exhibe una creatividad expansiva que no cabía en un solo disco. con letras tangibles y a la vez poéticas. podía ser reproducido en cualquier fogón con la ayuda de una guitarra criolla. Vida. Músicas complejas (rítmicas compuestas. acústicas pastorales. Escher. . Sui Generis 1972 En años en los que el rock nacional les sacaba lustre a sus influencias bluseras y psicodélicas. y al año siguiente edita su LP debut. Invisible. un disco de canciones simples. en la tapa.

los “Beatles argentinos” ya jugaban de memoria: el ensamble instrumental se había afianzado y el estilo del grupo.T. se tratara. “Memoria de siglos”. “Desarma y sangra” .67. Serú Girán levanto vuelo en Bicicleta. Letras como las de “Gil trabajador” o “Robó un auto” reflejaban la cotidianidad de los oprimidos y dejaban sentada la postura nacionalista que caracterizaría a Iorio en sus obras posteriores. había llegado a su punto de mayor desarrollo. el público no tuvo más remedio que rendirse ante el clasicismo de “Desarma y sangra”. el heavy nacional perdió la pujanza que supo mostrar a medidos de la década. Hermética 1991 Sobre el final de los 80. Bicicleta. Acido argentino. siempre afecto a combinar retorcidos pasajes de jazz rock con canciones directas y emotivas. Serú Girán 1980 Como si de E. TEMAS CLAVE: “Canción de Alicia en el país”. ante la desaparición de sus dos bandas más emblemática: Riff y V8. La edición del tercer álbum de Hermética en 1991 marcó un resurgir del género. su tercer álbum. el “homenaje” a Lynyrd Skynyrd de “Encuentro con el diablo” y la protesta política ultrametaforizada de “Canción de Alicia en el país”. Por todo esto. 68. La voz de Claudio O’Connor. TEMAS CLAVES: “Gil trabajador”. A esta altura. pero además consolidó la figura de Ricardo Iorio como caudillo del rock pesado local. sobresaliente.

Divididos 2000 Posiblemente haya sido una combinación de factores. “Spaghetti del rock”. Spinetta vuelve a la temática porteña. El tercer álbum de Spinetta Jade –en este caso reducido a un cuarteto. Con este álbum. Narigón del siglo.del estado psíquico de los sobrevivientes de un país devastado. como la ruptura de su larga relación con Érica García y la grabación en los estudios Abbey Road. y especialmente Ricardo Mollo. “Maribel se durmió”. con melodías memorables y grandes performances vocales. Spinetta Jade 1983 En ocasión del regreso de la democracia. lo que contribuyó a que los Divididos.69. . con Leo Sujatovich. Bajo Belgrano. Divididos reinventa su carrera y produce la primera obra maestra del nuevo milenio. 70. Mollo abandona en parte el hermetismo de sus letras y la obligación de ser “la aplanadora del rock”. César Franov y Pomo. alcanzaran un nuevo pico creativo. alumbrando algunas de la canciones más emocionales (y bellas) de su discografía. visible en temas como “Maribel se durmió”.aúna el cariz jazzero del grupo con influencias del rock de los 80 (especialmente The Police). dedicado a las Madre de Plaza de Mayo. TEMAS CLAVE: “Resumen porteño”. TEMAS CLAVE: “Par mil”. Spinetta se muestra inspirado. con su magistral retrato melancólico –y a la vez esperanzado.

La Máquina de Hacer Pájaros 1977 Luego de la separación de Sui. Nadie se había animado a ese sacrilegio. Charly García armó un supergrupo de rock progresivo junto a otro tecladista –Carlos Cutaia. Películas. los músicos salen del cine. es una obra maestra. Aunque suene más o menos. Algunas de las mejores letras de Palo están en este disco de esperanzas módicas. TEMAS CLAVES: “Tanta trampa”..71. Este. Gustavo Bazterrica. su segundo LP. Despedazado por mil partes . Los Visitantes 1992 Durante un año y medio. Acaban de ver Trama macabra. 72. ¿Y las canciones? Poesía filosa (con toques de humor) y una conjunción de virtuosismo sinfónico aplicado al funk y al candombe. su tapa sea horrorosa y algunos temas aturdan. En la portada. viajes suburbanos y una polenta que metía miedo. fue grabado durante la dictadura más sangrienta de la historia argentina. un film de Alfred Hitchcok. que sólo puede entenderse como guiño a la situación social imperante. Salud universal. “Sangre”. Palo Pandolfo y sus aliados trasladaron esa furibunda demostración de poder eléctrico al estudio. José Luis Fernández y Oscar Moro. 73. Los Visitantes probaron las canciones que integrarían su primer disco en shows memorables en el pub La Luna: un trío capaz de intervenir el tango con la solvencia enérgica del punk.

pero lo raro era que tocábamos en lugares populares. cercano al college rock.. Gonzáles y Astarita. El metal melódico de “El final es en donde partí” (el “Enter Sandman” argentino) la épica arrabalera de “La balada del Diablo y la Muerte”… En fin. “Lo bueno fue que yo no tocaba jazz. Este álbum resume la dinámica natural del trío Chizzo- Tete-Tanque. una trompada tras otra. “El bicho reactor”. y para la pendejada que cantaba y bailaba. “El otro cambio. Algo muy avant-garde.”. La pintura de tapa de Pérez Celis completaba una obra jugada en su lírica como el paisaje que describe “El otro cambio. Allá por 1993. los Gorriones –una de las tantas joyas del inagotable filón platense. Muerte.. y armamos una nueva manera de improvisar. 75. el Mataderos blues y las fábulas que cruzan costumbrismo barrial con metafísica rasante. La Renga graba su obra cumbre bajo el ala de Polygram y potencia su destreza para el rocanrol rutero.La Renga 1996 Después de un hitero disco en vivo (Bailando en una pata). mirar media hora de MTV y no pescar el video de “Escafandra” era tan difícil como sintonizar hoy ese canal y no enganchar un reality.. 74. Las letras desarticuladas de Francisco Bochatón aportaban el factor irreverente al estilo del grupo. Peligrosos Gorriones. los que se fueron”. contó Litto. ni ellos tocaban rock. al noise y el grunge. Eso que era un quilombo de arreglos y cambios de ritmos”. y se convirtieron así en figuras de aquel caótico Nuevo Rock Argentino. . Peligrosos Gorriones 1993 Con su primer álbum. es el inicio del trío formado por Nebbia.. Muerte en la catedral. su hard rock embebido en Creedence y Patricio Rey. Litto Nebbia 1973 Basado en rítmicas irregulares e improvisación. TEMAS CLAVE: “Vals de mi hogar”. TEMAS CLAVE: “Escafandra”.se postularon para traducir al castellano aquella fiebre alternativa que dominaba el mundo anglosajón a principios de los 90.

“El pibe tigre”. El ex líder de V8 se repone de la escandalosa separación de Hermética: “Premeditaron apartarme y al saberlo me hice a un lado”. y su delirio. Camel y Emerson.76. Influido por grupos como Yes. TEMAS CLAVE: “Dijo el droguero al drogador”.. desplegando su virtuosismo en cuatro temas (sólo uno de ellos. registran dos versiones (“Desencuentro” de Castillo/Troilo y “De los pagos del tiempo” de José Larralde) y diez temas propios que son su despegue como cantante bajo el seudónimo de Pedro Bonifacio Palacios. Lake & Palmer. Crucis 1977 El mariscal en cuestión era el tecladista Aníbal Kerpel (hoy socio creativo de Santaolalla en Surco). el cuarteto se muestra más aceitado que en su debut.. . Almafuerte 1995 Dijo Iorio a RS: “Payando soy una luz. 77. un largo y enmarañado instrumental que resumía a la perfección la esencia de Crucis. TEMAS CLAVE: “Los delirios del mariscal”. Con Claudio Marciello en guitarra y Claudio Cardacci en batería. “No me separen de mi” con parte vocal) en los que sobresale la versatilidad del guitarrista Pino Marrone. “Abismo terrenal”.”. al punto de terminar dándole nombre a su segundo y último disco. Y tengo una voz muy particular por eso siempre quise cantar. soy como el hijo mogolico de ese que canta en la doma”. Mundo guanaco. declara en “Amasijo de un gran sueño”. Los delirios del mariscal.

Massacre produce y registra Sol Lucet Omnibus: su primer disco larga duración. TEMAS CLAVE: “3 walls”. y. al mismo tiempo que su banda se desliza fuera de la Buenos Aires Hard Core. basados en la ambición percusiva de Dani Buira y en un Andrés Ciro de lengua y pluma afiladas. los tutores crossover y el stage-diving. Walas Cidade entrega la guitarra a Pablo M. Sobresalían la canción de redención a una puta (“Al atardecer”). nuevos tiempos de folk en el over-ground. “Debajo del Álbum Blanco”. Tres autores que se revelan y miden la profundidad de seis cuerdas de nylon por triplicado. “Al atardecer”. pasa al frente de sus compañeros de colegio para asistir y bautismo del hippie-core argentino. el himno “Maradó” (emblema del rock futbolero) y los hits bolicheros “El farolito” y “Verano del 92”. 80. Flopa Manza Minimal 2003 Florencia “Flopa” Lestani. Álbum hi-fi para las esquinas (producido por Alfredo Toth). “Nuevo día”. Mariano “Manza” Esaín y Ariel “Minimal” Sanzo armaron. Tercer arco. la nostalgia y la esperanza del derrotado. Acá. Los Piojos llevaron a la masividad su proyecto de murganrol festivo y sentimental. conjunción de caracteres que jamás iba a grabar un disco hasta que un amigo les ofreció pagar la sesión en TNT. . TEMAS CLAVE: “Dejadez”. de temas que rondan el amor. Doce canciones que presagian. TEMAS CLAVE: “Esquina libertad”. por recomendación de este último. Massacre 1992 Entre junio y julio de 1992. pegó fuerte en el corazón de una época de vaciamiento político y héroes de trapo. Banda de culto… desde los cromosomas. un proyecto eventual: el trío acústico (y a veces no tanto) Flopa-Manza-Minimal. Flopa Manza Minimal. con beat sui generis. su idea de conciliar a los Stones con Discépolo. Sol Lucet Omnibus. criollo entregan el primer clásico del skate rock nacional: “3 walls” en dos versiones. compuesto e inspirado en el viejo half-pipe de Ciudad Universitaria.78. 79. Los Piojos 1996 En un gran año para los tanques rockeros.

Todo ese periodo estuvo marcado por la creación de Colores Santos. 82. TEMAS CLAVE: “Cozumel”. Su fuerte personalidad. Giros.81. recordó Cerati. “11 y 6”. Colores santos. la calidad musical de sus canciones y la profundidad de sus letras no pasaron inadvertidas ni para el público ni para sus pares. Cerati-Melero 1992 Como Eno-Cale en Wrong Way Up. en el que el rosarino de 22 años enfatizó desde el rock. Esperando el milagro. sus aproximaciones al tango (“Giros”) y al folclore (“Yo vengo a ofrecer mi corazón”). Las Pelotas . el estaba ahí. en 1985. “Cuando murió mi padre. y describe el trayecto sónico que irá a Dynamo. y lo mismo sucedió cuando su padre. “Colores santos”. pero fue con la edición de Giros. el siguiente disco de Soda. 83. un disco que hicimos por el placer de hacer música y fue una especie de ligazón con la vida a partir de situaciones muy fuertes”. Páez se postuló como potencial aspirante a alcanzar el podio de los grandes solistas del rock nacional. TEMAS CLAVE: “Giros”. decía el propio Spinetta al referirse a este disco. “Es la mejor música que se está haciendo”. Cerati-Melero unieron fuerzas y egos para cristalizar un proyecto postergado. el disco combina la pericia melódica de Cerati con el laboratorio de Melero. que logró el lugar que lo ponía en la línea sucesoria de Spinetta y García. Con base de acid-house y el pop electrónico. Fito Páez 1985 Con la salida del primer álbum (Del 63).

señalo Charly García a RS. Pero también hay un homenaje a los desaparecidos (“Vuelos”). fundamentalmente. Con la versión de “Sr. llegó la resurrección. una verdadera seguidilla de hits. TEMAS CLAVE: “Tristeza en la ciudad”. el grupo le sumó prolijidad y. 84. como grupo y como seres humanos. aunque no logra reflejar el calor de sus shows. Libertinaje. El resultado es un disco prolijo que. Bersuit le puso letra y música al ocaso del menemismo. TEMAS CLAVE: “Sr. apareció Santaolalla y junto. esa fusión de rock con ritmos negros. funk y reggae e influencias latinas. una cumbia-rock (“Yo tomo”) y una “Murguita del sur”. TEMAS CLAVE: “Será”. el “milagro” (encarnado en convocatoria masiva y difusión radial) llegó con este. con el productor. sino que les abrió las puertas en el resto de América Latina. Bersuit Vergarabat 1998 Cuando los bersuit parecían degradados. Pero el resto de los integrantes entendía que la relación con García era beneficiosa y medió para que Miguel se amoldase a las directivas. “En la cama o en el suelo”. “Esperando el milagro”. Los Abuelos de la Nada 1982 “No creo que alguien haya logrado producir a Miguel Abuelo alguna vez”. los catapultó hacia la fama no sólo en Argentina. “Yo tomo”. Cobranza”.2003 Queriendo ironizar sobre la costumbre argentina de esperar que caigan soluciones del cielo. Los Abuelos de la Nada. Las Pelotas terminaron haciendo una analogía de su propia carrera: tras catorce años sumando público a paso de hormiga. . su octavo disco. A su característica fórmula de acidez. una extraña canción de amor que con el tiempo se convertiría en un hito del rock nacional modelo 00: “Será”. Cobranza” (compuesto por Las Manos de Filippi) y “Se Viene” como estandartes combativos. 85. fue clave para plantar las bases de su innovadora propuesta estética. oscuridad y sensibilidad roñosa. en referencia a la tirante relación que mantuvo con él al encargarse de la producción del primer LP de Los Abuelos. Este álbum.

Intoxicados 2003 “En algún momento en el tiempo y por algún lugar del espacio”. No es sólo rock & roll. Gustavo Santaolalla 1982 Después de la experiencia soluna. amigos. narra Pity Alvarez en el prólogo del segundo disco de su segunda banda. forma el grupo Wet Picnic. con descripciones del “shock cultural” (“Mama. eh!. y durante su regreso a Buenos Aires en 1981 registra su primer álbum solista. Incomprendido en su momento. tengo una TV color”). provoca la génesis de una nueva tribu urbana: el rastone. Con este disco. . el Pity se revela Jedi del monoblock y tiene sus clásicos raptos de sinceridad brutal (“Un tema de mierda”. 87. inaugurando los años 80 dentro del rock argentino.86. ejercería una profunda influencia –notoria en el Clics Modernos-. Intoxicados: No es solo rock & roll. Con Ezequiel Araujo como asesor en la producción de algunos tracks. “Ando rodando”. Identificado con el movimiento. estética moderna y un sonido seco y directo. “Está saliendo el sol”. Santaolalla. TEMAS CLAVE: “Vasudeva”. TEMAS CLAVE: “Una vela”. Santaolalla emigra y en Los Angeles se encuentra con la new wave. que produce un gran impacto en su rumbo artístico. “Reggae para los amigos”) sobre una mayor paleta de géneros (“¡Alta banda de hip hop Intoxicados. El disco es casi una crónica de esta transformación. dijo una vez”). une rap con reggae con blues.

solo llegó a concretar este LP. Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota 1996 Este álbum oscuro y potente marca el fin de la etapa más directamente hitera de los Redondos. En 1975. Solari y Beilinson parecen recurrir aquí a la épica de los orígenes (incluye el rescate de dos inéditos: “Mariposa Pontiac” y “Blues de la libertad”) y a un sistema de grabación más moderno y recargado. Nito Mestre.88. 89. pero no nos privó de himnos del hippismo vernáculo como “La colina de la vida” y “Tu alma te mira hoy” TEMAS CLAVE: “La mamá de Jimmy”. Basado en el imaginario mefistofélico del álbum. Ahí vamos. Raúl Porchetto. quiero ser…” 90. León Gieco y María Rosa Yorio idearon un proyecto acústico e informal que. Un plan simple para devolverles a sus shows esos relámpagos que acallan hasta los ruegos por Soda. PorSuiGieco. TEMAS CLAVE: “Lago en el cielo”. Nash & Young no es pura coincidencia. reunidos sin presiones ni pretensiones alrededor de un puñado de canciones folk: cualquier semejanza con Still. pese a haber sido pensado para durar. Gustavo Cerati 2006 De regreso a la temporada de guitarras. en esa zona franca donde sencillez y energía todo lo pueden. Charly García. La censura de la época cercenó “El Fantasma de Canterville” (sólo está incluida en la primera edición). en que la guitarra de Skay cobra un filo de acero y la voz del Indio se pone más frontal y ominosa. Ahí. “Quiero ver. “Caravana”. “Juguetes perdidos”. . Rocambole modeló un busto de nueve kilos de barro que cobraría estatus mítico al ser robado de una exposición. Hace rato que un disco pop no sonaba tan rockero. y tanto Richard Coleman como Fernando Samalea aportaron esas marcas de guerra que delatan veinticinco años en la ruta. Luzbelito. La iluminación llegó acompañada de un par de amigos dispuestos a robarse una porción del primer plano del mundo Cerati. TEMAS CLAVE: “La dicha no es cosa alegre”. PorSuiGieco 1976 Un grupo de estrella. Cerati plantó trece canciones tan claras como la fuente eléctrica que las alimenta.

TEMAS CLAVE: “Filadelfia”. instrumentación precisa. los que vivieron en diferido el Nuevo Rock Argentino porque eran infantes (apenas arañaron el grunge) y ahora se desayunan con el audio de un país que se va al tacho. Ezequiel Araujo llega de Avant Press para programar la histérica belleza de la banda.000”). El Nevermind de El Otro Yo. 93. María Fernanda Aldana en “10. La Portuaria 1991 La aparición de Escenas de la vida amorosa convirtió a La Portuaria en uno de los grupos más prometedores de los comienzos de los 90: mezcla de estilos. “Mira las nubes”. TEMAS CLAVE: “El bar de la calle Rodney”. desprejuicio rítmico. Resultado: el gran salto de la música que no escuchan todos. El Otro Yo 1999 Este disco es el refugio de la última generación paria: los hermanos menores de los 90. muero… muero”. . Con frescura y virtuosismo. Escenas de la vida amorosa. Abrecaminos. Mensajes del alma. y una banda de hermanos mayores dispuestos a protegerlos (“Cierro mis ojos y escucho/ te estoy creyendo/ si no creo.91. planta bandera en la ambición de mirar el mapa musical de la región desde Buenos Aires como capital rockera latinoamericana. “No me importa morir”. letras tan candorosas como cotidianas. Un Diego Frenkel inspirado en la senda global latin de David Byrne (y hasta un acercamiento al hip hop) es soporte para las ideas musicales de Christian Basso. 92.000.

vitales y graciosas de un grupo de pibes que se la pasan en el kiosco tomando birra. primera expresión del “rap agropecuario”. El cantante también inaugura su sociedad compositiva con el tecladista Luis Gurevich. TEMAS CLAVES: “Cinco siglos igual” “Los salieris de Charly”.León Gieco 1992 Después de algunos años oscuros. ahí donde termina la Pompeya porteña y empieza este álbum debut. Las crónicas crudas. Utilizando programaciones junto a instrumentos autóctonos. 2 Minutos 1994 La tapa lo decía todo: el puente Alsina. “Que mala suerte”. Fogliatta. este disco rebautizado por la censura (iba a ser Rock de la mujer podrida) suena denso y melódico. Nadie esperaba que este disco pobre y entrañable se convirtiera en un suceso de 50 mil copias. Notable como Lito Nebbia su rango vocal para seguir el vuelo de un Pappo prematuramente magistral. Gieco integra ritmos folclóricos con sus raíces de rock y folk. puteando a los policías y escuchando punk. . Gieco firma con EMI (un sueño de la adolescencia: grabar en el sello de los Beatles) e inicia un renacimiento artístico. alcanzando una síntesis en “Los salieris de Charly”. coautor de clásicos como “Todos los días un poco” y “Cinco siglos igual”. Moro). las mochilas reprodujeron el logo de la banda y el Mosca se convirtió en una singular estrella de rock. TEMAS CLAVE: “Requiem para un hombre feliz”. con una zapada proto-stoner (“Invasión”). Los Gatos 1970 El quinto álbum de los gatos es el que los consagra como una banda revolucionaria del rock y el blues en castellano (habiendo dejado atrás el beat). 94. “Invasión”. aunque tocado en clave ramonera-cachivachera. “Ya nos sos igual” fue un himno generacional. rock con clase (“Por qué bajamos a la ciudad”) y una banda en estado de gracia (Toth. La síntesis anticipada del universo del rock barrial tardío. Valentín Alsina. 95. Producto calibrado del cruce de estilos de Nebbia y Pappo. Rock de la mujer perdida. TEMAS CLAVES: “Ya no sos igual”.

en una casa de Banfield. este disco grabado por Fernando Lamas y Sebastián Mondragón muestra una renovación y un collage sónicos junto a una tapa retro y kitsch. electrónica fuera de la pista del dancefloor y cerca del pop. TEMAS CLAVE: “Fui hecho para amarte”. TEMAS CLAVE: “A veces llamo”. “Autos sobre mi cama”. grabación ciento por ciento hogareña. Consumación o consumo. . Las obsesiones oscuras y las metáforas de Coleman sobre la sociedad de consumo marcaron el pulso de la época. en el que Cerati cumplía el rol de de guitarrista invitado. en este disco producido por Cerati carga con la sombría vitalidad de lo maldito. “Mentol”. detalles de producción artesanal. Fricción se formó en los backstages de los conciertos de la primera mitad de los 80. Autogestionado total. El disco menos experimental del dúo. Estupendo 1994 Heredando la falta de ubicuidad en el mapa rockero de Los Encargados de Daniel Melero. del ambient al nuevo easy listening). 97. Bistró Málaga. cuando Richard Coleman desistió de ser el cuarto integrante de Soda Stereo para liderar un proyecto personal. Con Samalea en batería y Basso en bajo –ambos ex Clap-. Fricción 1986 Una obra de culto para la patria darkie. adelantando fenómenos de música electrónica no bailable (de Air al Emisor.96.

el relanzamiento del disco. “Olvídate de mi” y “Caribe Sur” se convirtieran en hits radiales. casi una selección de estos compositores e intérpretes entonces desconocidos: Rubén Goldín (guitarra y voz). en 1992. Perro de playa. una camada de artista que traerían aires de renovación tanto al rock como a la música popular. Como muestra de sus raíces e influencias. TEMAS CLAVE: “Sola en los bares” y “Tierra sagrada”. Baglietto grabo este álbum acompañado por su banda estable. También fue el disco que marcó el arribo a Buenos Aires de la “trova rosarina”. 99. Juan Carlos Baglietto 1982 Fue mucho más que el debut de Baglietto. bautizado en homenaje al revolucionario fotógrafo surrealista.98. permitió que “La Maga. Man Ray 1991 El grupo de Hilda Lizarazu y Tito Lovasio. Tiempos difíciles. TEMAS CLAVE: “Mirtha de regreso” y “La vida es una moneda”. en la grabación al Chango Farías Gómez y Manolo Juárez. La primera. Silvina Garré (coros) y Fito Páez en teclados. Si bien la primera de ellas había pasado inadvertida. se propuso en este álbum retratar la imagen del ser porteño desde un costado optimista. en 1991 para CBS y. sumaron. una edición independiente. . Detalle no menor es que el disco cuenta con un gran aporte de producción de Charly García y con su participación como invitado. más tarde. Perro de playa contó con dos ediciones.

Pedro y Pablo. lo que disparó la censura y un destino casi maldito para este álbum TEMAS CLAVE: “Traigan un vino”. Algunas letras políticas reflejan la convulsión de la época. el primer álbum solista de Narvaja sintetiza la confluencia de un grupo de músicos alrededor del sello Trova que generó un sonido de rock acústico con influencias del folk estadounidense y del folclore latinoamericano. Octubre (mes de cambios). . cuyo talento embellece estas canciones magistralmente cantadas y tocadas por Roque. Entre ellos estaban Nebbia. Domingo Cura y Uña Ramos.100. Roque Narvaja 1972 Tesoro oculto del rock argentino. con guitarras acústicas y charangos. “Octubre (mes de cambios)”.