Años es todo.

Las encuestas sobre los grandes discos de la historia del rock son un ente mucho más dinámico y cambiante de lo que suele suponerse. Las perspectivas de apreciación histórica se modifican en períodos más o menos cortos (¿cinco años? ¿diez?), más allá de que, lógica y merecidamente, hay cánones difíciles de desbancar. En esta votación sin precedentes, en la que -a cuarenta años de la edición del simple "La balsa" de Los Gatos- músicos, periodistas, productores, representantes, fotógrafos y gente fuertemente relacionada con la historia del rock nacional eligen los 100 grandes álbumes de todos los tiempos, Luis Alberto Spinetta sobresale como el artista con mayor cantidad de obras seleccionadas. Una conclusión previsible. Ahora bien, una década atrás, ¿hubiera sido Artaud el número uno? Sin duda, el tiempo le concedió a esa obra de vanguardia, insuperable en su especie, el valor que se le atribuye a los sueños perdidos (aunque latentes). En ese sentido, el resultado general es fascinante: la lista y los textos que la acompañan permiten una nueva aproximación a la complejísima historia del rock argentina, a bucear en los detalles y las circunstancias creativas de un centenar de discos irrepetibles. A los escépticos del rubro pero fanáticos de la música (nosotros nos incluimos en ambas categorías), no les hará falta más que dar vuelta la página para bajar las defensas y entregarse al goce, la memoria, el descubrimiento y la indignación. Porque puede que veinte años no sea nada; pero cuarenta, a juzgar por lo que se ve por aquí, son demasiado. Y la buena noticia es que la piedra sigue rodando
PRODUCCION PERIODISTICA: Juanjo Carmona. ESCRIBEN: Claudio Kleiman, Oscar Jalil, Diego Mancusi, Juan Ortelli, Pablo Plotkin, Humprey Inzillo, Juanjo Carmona y Ernesto Martelli.

1. Artaud. Pescado Rabioso 1973 Antonin Artaud nunca quiso que su obra fuera considerada literatura. Del mismo modo, Artaud nunca quiso ser un disco, sino un gesto de vanguardia. Sin embargo, ahora lo es: el mejor de la historia del rock nacional, según esta votación. Es cierto: el álbum de L. A. Spinetta firmado por Pescado Rabioso ("¿Vieron? Pescado era yo"), como si fuera el tercer LP del grupo, y bautizado como el poeta maldito francés, contiene música registrada en unas líneas circulares sobre un plástico negro. ¿Entonces? Entonces empecemos por recordar la mítica tapa, que de mera decoración o funcionalidad tenía poco. Spinetta la llamaba la "deformé". El boceto que le envió al diseñador Juan O. Gatti ni siquiera podría considerarse "estrella", es inclasificable. Claro; el primer problema de ese pack era ubicarlo en las bateas y discotecas hogareñas. Efectivamente, el disco-objeto era un inadaptado: denunciaba con su deformidad la cuadratura, la falta de libertad y el sometimiento a la geometría industrial del resto. Qué mejor síntesis sobre la vida y obra de Antonin Artaud. Decía el escritor francés en "Surrealismo y revolución" (1936): "Más que un movimiento literario, [el surrealismo] ha sido una revolución moral, el grito orgánico del hombre, las palabras de nuestro ser contra toda coerción. En primer lugar, contra la coerción del Padre". Para neurosis de los coleccionistas es imposible encontrar una tapa original de Artaud sin las puntas ajadas: ese desafío a los patrones (padres) geométricos e industriales se pagaba con la degradación. Otra forma de hablar del trágico destino de Artaud. Y eso que todavía no pasamos de la tapa. Sigamos. En el booklet del disco, que parecía prospecto de remedio, también se leía: "«Acaso no son el verde y el amarillo cada uno de los colores opuestos de la muerte, el verde para la resurrección y el amarillo para la descomposición y la decadencia?» (Antonin Artaud, carta a Jean Paulhan, París, 1937)". De ahí las tonalidades de la portada y el gag de salir a escena con guantes verdes en uno de los shows de presentación del álbum en el Astral, durante la primavera de 1973. En realidad, Spinetta buscaba redimir el mensaje nihilista y el contagio de dolor que acarrea la obra artaudiana. Artaud funcionaba como un antídoto contra Artaud. La contrafigura siempre es Lennon (de ahí el "She Loves You" en el collage de "A Starosta, el idiota"). "Para él [Artaud], la respuesta del hombre es la locura; para Lennon es el amor. Yo creo más en el encuentro de la perfección y la felicidad a través de la supresión del dolor que mediante la locura y el sufrimiento", le aclaraba a Eduardo Berti en los 80. La interpretación spinettiana era bien rockera. En un reportaje de 1973 aparecido en Gente, Spinetta resumía: "Artaud fue un tipo que vivió la vida de un rockero, como si fuese Hendrix". El Artaud-Hendrix spinettiano empujó a muchos a la lectura del poeta, produciendo lo que la revista Algún Día en 1974 llamó "la onda Artaud que se ha desatado en Argentina". Luis Alberto sabía que tenía que ser didáctico: en sus shows exhibía "diapositivos" (sic) con textos de Artaud y entregaba un manifiesto "Rock: música dura, la suicidada por la sociedad", donde denuncia la "profesionalización" y el "negocio" del rock, además de oponerse a la etiqueta de "música extranjerizante" en boga en aquellos días en que el rock era una subcultura de domingos a la mañana y una música "progresiva" que se oponía a la oficial, la "complaciente" de los Palitos y los Sandros. Aquel ritual de mil quinientos roqueros un domingo a la mañana en el teatro Astros era descripto por Jorge Pistocchi en una nota de Pelo: "Cada uno se prepara a entender. Nos dan un papel escrito, con claves que no son gratuitas. En él se reúnen distintos estallidos de Kerouac, Artaud, [Miguel] Grinberg, Thomas Merton, Luis, Timothy Leary, etcétera. Y nos abren el paso". Eran tiempos pre YouTube, tiempos en que los libros y cierta forma de arte alimentaban la idea de contracultura. Hasta el dúo folk naif Vivencia usaba una pintura de Van Gogh en su disco Mi cuarto y los duros de Vox Dei en La nave infernal instalaban un collage de Max Ernst en tapa

y un poema de Rimbaud en la contra. En los recitales del Astral, de "teloneras" se usaban películas mudas como El perro andaluz, El gabinete del doctor Caligari y cortos del argentino Hidalgo Boragno, todo musicalizado por El lado oscuro de la luna, Pompa y circunstancia de Edward Elgar y Héroe de guerra de Hendrix. La palabra clave en la Argentina de 1973 era "liberación". Volvían la democracia y Perón a escena: el candidato del justicialismo, Héctor Cámpora, prometía una "patria liberada". A comienzos de aquel año, los roqueros porteños comenzaron a reunirse los domingos en Parque Centenario para debatir sobre cuál sería el lugar del rock. Músicos como Spinetta, Emilio Del Guercio, Rodolfo García, Gustavo Spinetta (estos tres fueron los únicos músicos que acompañaron a Luis Alberto en Artaud ), Miguel Abuelo y otros se sentaban a la sombra a charlar con periodistas como Grinberg o Pistocchi, y quienes eran su público. "Teníamos una visión más holística de la revolución", nos recuerda Del Guercio. "Nos preocupaba saber cuál iba a ser el lugar del arte y la cultura en la sociedad por venir, cómo la transformación personal de cada uno y la comprensión del otro podían modificar la sociedad. " De ese cuestionamiento total es hija la libertad de Artaud. El rito del Centenario terminó "y ahora nos reprimen igual que antes del triunfo de Perón. (...) Vos sos parte de la liberación. No tiene que ser espectacular, estará formada de pequeños gestos y grandes ternuras", escribía resignado Grinberg en su revista Rolanroc, donde también figuraba el manifiesto "Rock: música dura...". En ese manifiesto, Spinetta recurría a la misma idea "micropolítica" de liberación: denunciaba su "yo enfermo" por su incapacidad de expresarse de manera más directa (más artaudiana), consigo y con los demás. Como su primer disco solista post Almendra, Spinettalandia y sus amigos (72), Artaud funcionaría como un "automanual de autoayuda". Esa autoliberación implica aislarse, despojarse de todos y de todo: otra vez, el Lennon post Beatles que busca purgarse; su mensaje de amor a Yoko redime todo el nihilismo de Artaud. Aquellos 70 eran años de "psicodelia reflexiva", como se puede comprobar en la letrística de Molinari, Smilari o Pappo y su dialéctica de "pensamiento versus locura". A Spinetta, la "divina tragedia del pensar" de Artaud (como la llama Susan Sontag) y el disco El lado oscuro de la luna le sirven para articular esa problemática relación entre alucinación y alienación, como queda claro en las voces internas de "A Starosta" o en "La sed verdadera" y sus enajenaciones espaciotemporales. Otro tema esencial: encontrar una forma de vida en la madurez. Como sucede en Floyd y en el Graham Nash de "Teach Your Children", "Todas las hojas son del viento" provee leves instrucciones para rockeros que van madurando y formando familias, y deben afrontar la paternidad siendo antipaternalistas. El "yo enfermo" que quiere liberarse sabe que "las palabras nunca son/ lo mejor para estar desnudos". Así, Artaud fue un laboratorio de la canción. Por un lado, la letra. Aquí se llega al máximo de desarticulación del discurso poético en "Por", construido a partir de sustantivos sueltos que surgen de las líneas melódicas. Hay un redescubrimiento de la dimensión poética de las palabras que sólo puede lograrse liberándolas de la oración. Por otro, la música. Resaltan los nueve minutos de la "Cantata de puentes amarillos", que continúa el formato fluido de una rapsodia o una canción "muy celular" como la llamaban los Incredible String Band, en quienes los Beatles se inspiraron para "Happiness Is a Warm Gun". El modo en que se canta la palabra-fetiche "mañana" (de ahí viene el que ya es un refrán clásico del rock nacional: "Mañana es mejor") es un punto alto. También la burocracia versosestribillos o tensión-distensión ("Superchería") es puesta en duda. ¿Qué significa que Artaud sea elegido el mejor disco del rock nacional en el año 2007? El paso del tiempo obligó a su reducción: de vinilo con tapa "deformé" a vinilo con tapa cuadrada en los 80, luego cd diez años después, ahora mp3 almacenado en un disco rígido. ¿Qué queda de aquel Artaud que no quería ser sólo un disco sino un acto cultural liberador y lo repetía desde la molestia de su tapa? ¿Sólo grandes canciones? Más: un aura de algo irrepetible. Un pelo de pincel en el color. El aura de una forma de hacer y ser rock más directa, más artística, más artesanal y menos masiva que ya no existe desde 1982. O sea, un ayer mejor: todo lo contrario de lo que el álbum quería enseñarnos en 1973.

2. Clics modernos. Charly García 1983 POR CHARLY GARCIA. Hoy, en 2007, no le cambiaría nada a Clics. Es un disco autoproducido hasta económicamente, hecho en Nueva York, donde conocí a Joe Blaney. Compré los instrumentos, me instalé un estudio de dieciséis canales en el Village y apareció en un momento Pedro Aznar con su novia e hicimos el primer reality show, estábamos con Zoca, los cuatro, en el loft y… siendo tan histéricos no sé como hicimos para convivir. Sí me acuerdo que cruzábamos Washington con un carrito de supermercado lleno de emuladores y equipos… Yo ya había grabado un disco en L.A. –el primero de Serú Girán- y me había servido de experiencia, pero solía tener muchos problemas para plasmar los sonidos que quería. El arranque del disco fue así: voy a los estudios Electric Lady y les digo: “Quiero alquilar the best, alquilarlo”. El dueño me dice: “Tu padre es rico o qué?”. Yo le muestro la plata y me pregunta: “Un café?”, además de darme una lista de ingenieros el último de los cuales era Blaney. Lo llamé y apareció al otro día, alto, cool, zapatitos de leopardo… Vio el loft, la mesa Tascam de dieciséis canales; le mostré mis discos y quedamos en empezar. Yo necesitaba un baterista y me encantaba el de Jan Hammer; lo probé y no me rindió, no pasaba nada, incluso fuimos a grabar y yo le pregunté a Blaney qué sonido de batería podía sacarle. Y no funcionaba: sabíamos que tocaba fenómeno, pero cono nosotros no funcionaba. Y al otro día no me quedó otra que poner una batería electrónica TR 808 y grabamos “Nos siguen pegando abajo”, y se armó. Blaney se dio cuenta, todos nos dimos cuenta y seguimos con máquinas. Es el primer disco que tiene un sample de James Brown. En la mitad de la grabación, Grinbank ya le había prometido a Blaney hacer la mezcla, pero después se le ocurrió mandarme a Los Angeles. Ahí me agarró un tipo cínico que no era mal ingeniero pero era cínico. Todo mal. Cuando ya estaba llorando en la pileta de un hotel, al tope, en el medio de la nada, me tiré en la parte baja y me pegué un cocazo… Me acuerdo que volví a la habitación, sonó el teléfono y era Blaney; yo le pedí perdón en todos los idiomas y me dijo: “Tengo cuarenta horas de estudio en Nueva York…” “¡Sí!”, le dije “¡Sí!”. Esa llamada de Blaney fue providencial. Volví solo a Nueva York y no era como ahora, que llevás la información en un iPod: eran cintas de veinticuatro canales, repesadas y yo cargando todo. Y… ¿no lo va a cargar Grinbank, no?. Llegué a Unique, donde tenía cuarenta horas y lo compartí con Laurie Anderson, que estaba grabado el disco siguiente del que tiene “Oh Superman” y cenábamos con Laurie, trabajábamos ahí, y me pareció lo máximo. Me acuerdo exactamente la mezcla de “Ojos de video tape”, cuando están los sintetizadores, y me parecía lo más. La tapa la hice junto a Uberto Sagramoso. Al disco yo lo iba a llamar Nuevos trapos, pero me en una calle había una figura como la que pintaban acá de los desaparecidos, pero en negro, y decía MODERN CLIX y me pareció un muy buen nombre. En realidad era un grupo de ahí. La nave despegó. En esa época yo escuchaba Sandinista y seguramente Joni Mitchell, ésa era la época en que surgió el rock de peluquería. Y no había muchos grupos que me gustaran (lo que descubrí de la new wave lo descubrí después). Lo que escuchaba era Men at Work, porque sonaba… todo el tiempo. También Synchronicity, de The Police. Lo difícil de entender era que nadie había hecho una polirritmia entre máquinas y sonidos tocados. El aporte de Joe fue mortal, porque la primera vez que tenía un ingeniero american, que había grabado con The Clash y no sé qué; o sea, era rockero, del palo, norteamericano y estaba grabando en la sala A

de Electric Lady, que es el mejor estudio del mundo. Ahí te das cuenta de cómo es el sonido, cómo son los discos y cómo se hacen. Hay muy pocos discos de rock acá. Grabados acá, que suenen a rock. No sé qué es, creo que les ponen mucho bajo. Tenían sonido de disco, es decir, de vinilo… que es algo muy particular. Para mí, los casetes son para la playa, los Cds para los yuppies, y los discos son discos. Y este álbum tiene una artesanía de disco, está hecho como un disco, no solamente hacer una canción y grabarla, sino que hay una serie de reglas escritas y no escritas de cómo se hace un buen disco.

3. Manal. Manal 1970 Uno de los grandes pilares sobre los que se asienta todo el rock argentino es el álbum debut de Manal, aparecido durante los primeros días de 1970. Javier Martínez, un fanático de la música negra que había pasado por los Beatniks – el pionero grupo surgido en La Cueva y liderado por Morris-, estaba convencido de que se podía hacer música de blues en castellano, y llegó a encerrarse en un sótano para desarrollar su propio estilo de batería y “gastar” su voz para asemejarse a cantantes afroamericanos como Ray Charles. Su encuentro con Claudio Gabis, un joven casi adolescente pero ya virtuoso de la guitarra y estudioso del blues, dio el puntapié inicial para la formación de un trío (a la manera de Cream y Jimi Hendrix Experience), que se completaría con la llegada de Alejandro Medina, músico experimentado que había integrado Los Seasons. Cuando en una fiesta los escucha el editor Jorge Alvarez, se entusiasma tanto que decide crear, junto a los jóvenes Pedro Pujó, Javier Arroyuelo y Rafael López Sánchez , el primer sello independiente del rock local: Mandioca, que ya desde el nombre amenazaba con ser una versión latinoamericana de Apple de los Beatles. Un par de simples, especialmente “No pibe”, dieron la pauta de que el trío, cuyas actuaciones en vivo ya eran leyenda, podía alumbrar una gran obra también en el estudio. Pero su primer álbum sorprendió a propios y ajenos. La tapa, un collage fotográfico con los integrantes del grupo dentro de una bomba a punto de estallar, no podía ser más acertada: ése fue el efecto que provocó el primer álbum de Manal en la música argentina, y en las cabezas de los jóvenes que en ese momento compramos el disco. El riff que abre “Jugo de tomate” ya nos prepara para lo que vendrá; ecos de soul y psicodelia en la guitarra, una batería que aporta redobles jazzeros, y un bajo liquido y embriagador, con una presencia que nunca antes había tenido ese instrumento en grabaciones realizadas en el país. Poco después, entra esa voz negra repitiendo un estribillo casi mántrico, que es a la vez una feliz metáfora sobre lo que se necesita para alcanzar el éxito en la sociedad de consumo: “Jugo de tomate frío/ en las venas deberás tener”. A continuación, unas notas sumergidas en eco del órgano de Claudio Gabis y la voz de Javier que parece venir de otra dimensión, relatando vívidamente un renacimiento espiritual: “Porque hoy nací/ hoy, recién hoy/ el sol me quemó/ y el viento de los vivos/ me despertó”. Nos despertamos de esa experiencia y aterrizamos en plena “Avenida Rivadavia”, plena de swing jazzero, con la voz soulera de un joven Alejandro y esos enamoramientos repentinos que nos ocurren frecuentemente en la calle: “¿Cuando subiste a mi tren, mujer/ que yo no te vi?”. Llega el blues con “Todo el día me pregunto”, y la acertada descripción del “naufragio”, la forma de vida que había adoptado la generación de La Cueva: “Para qué vivo así/ caminando sin parar/ casi siempre sin dormir”. Era hora de dar vuelta al vinilo para la apertura del lado B, con unos de los temas más perfectos de todo el rock local: “Avellaneda Blues”, un relato suburbano genialmente imbuído de melancolía porteña, la sequedad de sus versos arropada en una armonía jazzística, y un solo de Gabis mezcla de Bloomfield y Coltrane. “Una casa con diez pinos”,

Oktubre. una obra conceptual motorizada por el resentimiento post dictadura (más que ímpetu de liberación. escribía en sus certeras notas de tapa: “De regreso [del estudio] pienso en la depuración del conjunto.. periodista pionero del rock. Y anoto: spirituals porteños.quizás el tema más esperanzado de Manal. estaba ahí para espolvorearlo todo. o empatar/ prefiero sonreír/ mirar dentro de mí/ fumar o dibujar/ para qué complicar”. Pero la guerra subliminal que libraba el disco era mucho más abarcadora y profunda: lo que estaba en juego era el "secuestro de tu estado de ánimo" ("Ya nadie va a escuchar tu remera"). es como que todo lo que estás diciendo no es una afirmación. la aparición en el horizonte de una tropilla de sobrevivientes después del desastre (¡Chernobyl!). multitudes. Rocambole. terrorismos y sueños teledirigidos. y Gabis. El bajo responde a la voz soulera con una línea cargada de notas. Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota 1986 Pese a las explosiones iníciales. trataba de desmenuzar el sentido de "Jijiji". para no ser menos. "Semen Up". El final es para denunciar. Así. "Divina TV Führer" concilia la tensión atómica con la explosión del mercado publicitario. en efecto. en sus acordes dolientes pero vitales. la mecanizada rutina del hombre de la ciudad. las transformaciones tecnológicas a la par de la crisis económica y la paranoia inflamada por el consumo de cocaína. A eso se refería Solari cuando.. una vez más. Un disco cyberpunk hecho por hombres de formación beatnik. su autor. se respiraba el arte de la venganza). en sus fraseos delirantes y exactos. retoma el ideal de los “vagabundos del Dharma”. el verdadero comienzo del segundo álbum de los Redondos es más bien un advenimiento. 4. cuando alguien está a la deriva dentro de esa situación. "Para mí es un poco la paranoia de la droga. del beat más rabioso al blues más sentimental. Del destape democrático (o su desencanto). Medina graba un bajo con distorsionador. ni noticias. también apreta el pedal en un sinuoso riff. en una suerte de “Nosotros vs Ellos”: “No miro el techo/ para ver más que yeso/ y la ventana me sirve para mirar/ un edificio con gente que desayuna/ se peina o fuma/ en la rutina de continuar”. un catálogo de visiones distópicas puesto en la escena de un presente alterno: unos años 8o que no tienen nada que ver con los raros peinados nuevos ni la posmodernidad. se lo contaba así a Gloria Guerrero: "Las ideas salieron de una noche de fernet. y lo que Patricio Rey venía a interpretar era una época de batallas culturales en las que el enemigo sería más difícil de identificar que un grupo de tareas. mientras que "Canción para naufragios" cronometra el tiempo que le hubiera llevado a un misil viajar de los Estados Unidos a Rusia (o viceversa): "Son 6 minutos y nuestra mami va a contestar. marca una bidimensionalidad. Final. en diálogo con ROLLING STONE. Las voces llegan de la agonía de la Guerra Fría y de un futuro de éxodos.tenía entre manos era un álbum programático. El Oktubre Rojo y el Octubre Peronista. El Indio veía banderas. basada en un fraseo de guitarra del inigualable Skay Beilinson. el sonido de una generación que quiere creer”. Primero .". definirá para siempre la sumisión anhelante del mer-quero argentino: "La veo casi como un demonio/ y rasco la alfombra por su amor". séptima canción del disco y tema favorito de la mayoría ricotera. y el siempre presente anhelo de escapar. Una escalada sonora rústica le gana terreno a la catástrofe nuclear y a los fuegos de una revolución oscura. La masa Berni-bolche-vique que ilustra la tapa del álbum evoca una épica revolucionaria que por entonces parecía derrotada. pelada oficinesca y bigote montonero. una búsqueda al margen de la sociedad y en contacto con la naturaleza: “Poder ganar. Lo que el Indio Solari -un treintañero que enfrentaba al público de rock en mangas de camisa. en el espectro de ritmos que abarca del hard rock al soul. «Jijiji» es una risa medio perversa. Juan Carlos Kreimer. mientras la guitarra acentúa las frases con yeites a lo Steve Cropper." La cocaína.

Un juego de profecías convertido en remera. Divididos por la felicidad. y el rock como todo llanto. Sumito. Sin experiencia previa. Las canciones tienen ese ánimo. las derivaciones del punk como materia evolutiva en la búsqueda de climas oscuros y actitud combativa. "El técnico descubrió el reverb en el ínterin y hacía que todo sonara como en el baño de nuestras casas". y la Hurlingham Reggae Band. El impacto fue tremendo y aún hoy sigue sorprendiendo la irreverente mirada de Luca Prodan para sacudir una escena tan alejada de sus años de formación en la lejana Inglaterra. Oktubre fue registrado en los estudios Panda de la calle Seguróla. haciendo pública una insatisfacción que. En esa mezcla de hambruna y furortecnológico. Todos los integrantes tuvieron su cuota de opinión en cómo debía sonar el disco y de esa bendita inocencia surgió un ruido tan real como imperfecto pero la conjunción de esos elementos fue una explosión de novedades. de militancia frustrada y bohemia romántica. la expresión sobrevivió a la resolución: el segundo disco de los Redondos encarna el espíritu de un rock que asume su ubicuidad política en las últimas décadas del siglo XX. siguió cantando en inglés en una época difícil para la lengua de Byron y convirtió a Sumo en una formación capaz de transformarse en grupos paralelos como Ojos de Terciopelo. al menos parcialmente. La tipografía parece soviética al estar invertida una letra. apareció como un manual de supervivencia para la generación post Malvinas justo cuando empezaba el fin de la alegría democrática. aunque ya convocaban a más de mil personas por show. Sumo 1985 A destiempo y gracias a algunos signos providenciales. Invitó ahorros en equipos e instrumentos. De allí proviene el reggae blanco con mueca prepotente. salvo una producción independiente registrada en casete bajo el título de Corpiños en la madrugada (1983). Daniel Melero en teclados y Claudio Cornelio en percusión. Cinco tipos en estado de shock permanente frente al tornado que dirigía una orquesta desquiciada.iba a ser todo rojo y negro. Luca sabía que no le quedaba mucho tiempo de vida y decidió jugar esas últimas cartas en un proyecto imposible. de valses eléctricos mortuorios y rocanroles festivos. El eje maestro que formaban Ricardo Mollo y Diego Arnedo dejaba lugar para el expresionismo ruidoso de Germán Daffunchio o los raptos esquizoides del saxo de Roberto Pettinato . Pero lo más interesante aparece en la extraña integración entre la idiosincrasia de un italiano fugitivo y sus secuaces argentinos. Tito Fargo como segunda guitarra. una especie de tremor precario que lo ubica en un plano de percepción extrañamente lejano. A dos años de la edición de su debut (Gulp!. el álbum debut de Sumo. y los primeros experimentos entre rock crudo y música electrónica. el rock argentino pudo recuperar de golpe casi ocho años de historia y completar la asignatura pendiente que dejó el punk como bomba de cambio: Divididos por la felicidad. Una agria epopeya de nueve canciones. Y fue justamente el repertorio jamaiquino de este último alias el que cautivó a un capo de CBS. el sexteto trasladó al estudio la anarquía que dominaba sus shows. pero cuando lo fui haciendo más abstracto le agregué el gris. los Redondos todavía eran una banda underground. cantaba raro y revelaba los síntomas de la enfermedad cada vez que subía a un escenario. grabado por Lito Vitale). con Osvel Costa como técnico de grabación. en esa mezcla de estados alterados reside la peculiar grandeza del disco. 5. compartía con Solari y Beilinson. Después de algunas charlas y con el compromiso de agregar algunos reggaes al track list. protestaba Willy Crook en La Adición. el de interpelar estéticamente al mundo. Sumo comenzó a grabar su primer disco en octubre de 1984. Sin embargo. absorber elementos históricos y reordenarlos en un espectro de pesadillas y alucinaciones. En el reverso se ve la Catedral de La Plata en llamas: un símbolo revolucionario". Todo el álbum está filtrado por un velo sonoro opresivo.

Almendra 1970 Spinetta no mintió si alguna vez dijo: “Almendra preparó por el metódico ejercicio de la búsqueda de la autenticidad”. para encontrar y pulir las canciones que conforman este primer álbum de uno de los grupos más innovadores e inspirados de la música en castellano. Desde Los Piojos a Los Tipitos. y ni qué hablar de Intoxicados. un ska con rítmica tribal. En lo más alto. surge otro de los destellos vaguardistas y “Debede” suena más actual que LCD Soundsystem con su desarrollo electro-disco-punk. el bravo clamor de Luca llamaba a tomar las armas aunque la cadencia de un reggae sugiriera lo contrario. del barrio de Belgrano. Edelmiro Molinari. El título incluye más señales: como una cita explícita a Joy Division. Superman Troglio enderezaba todos los desniveles de la muralla. revolucionó la escena inaugural del rock cantando en castellano y fue un pilar fundamental para la construcción de un lenguaje y del movimiento. TEMAS CLAVE: “Fermín”. El cuarteto formado por Emilio del Guercio. Plagado de enigmas para la época. “Muchacha ojos de papel”. magnética. Rodolfo García y Luis Alberto Spinetta encontró su lugar entre el purismo beat de Los Gatos. la traducción imperfecta tenía algo de apropiación criolla y homenaje velado. Almendra fue el resultado de la unión de cuatro adolescentes (tres de ellos egresados del colegio San Román) que. al sur de todas las cosas. La tapa mostraba una imagen tomada de la televisión en la que dos ballenas yacían en una playa. decidieron pintar su propia aldea desde el living de una casa de la calle Arribeños. como auténtico guardián del tiempo. En cada escala reggae del disco sobresale la técnica marciana de Troglio. Divididos… invitaba a descubrir y perderse en su simbología oscura. La tapa. la psicodelia de Los Abuelos y el blues urbano de Manal. toda la generación del reggae y ska. por detrás. una danza mala onda con pasajes de comedia a cargo de Geniol. La primera aproximación al sonido Sumo atrapa desde el cuchicheo de las chicas pitucas que planean estrategias de seducción antes que arranque el estallido disco-funk de “La rubia tarada”. Otra extraña conexión: la letra de “Mejor no hablar de ciertas cosas” pertenece al Indio Solari y fue cedida por el líder de los Redondos luego de comprobar que Luca se había adueñado de la canción cuando lo reemplazó en una ocasión en que la banda platense tocó sin su voz original. 6. la banda inglesa que marcó el camino a las tendencias conocidas como after-punk y dark-rock. En “Mula plateada”. . atrapados por las nuevas corrientes propulsadas por los Beatles.Buena parte de lo que escuchamos hoy nación con el disco azul de Sumo. Su edición. y desde los ritmos roots hasta las primeras implicancias del dub están presentes en esas intervenciones: por momentos Sumo parece Clash y con el tiempo Clash se parece a Sumo. el 29 de noviembre de 1969. considerado por Prodan “el mejor batero blanco de reggae del mundo”. Almendra. con el bandoneón de Rodolfo Mederos). Spinetta sentó para siempre el estatus poético del rock argentino y la banda inauguró la convivencia de influencias como los Beatles y Piazzolla (“Laura va”. conocen de memoria el tratado de estilo que un italiano escribió hace más de veinte años junto a cinco inadaptados.y. contenía un dibujo de Spinetta que hoy es un ícono insuperable.

con el famoso ingeniero Tony Peluso. principal hit del álbum. El grupo ya venía ensayando con éxito su particular amalgama de rock. El álbum. especie de chacarera con un trabajo descollante de Arnedo en el bajo. Acariciando lo áspero (1991). El ingreso de Federico Gil Solá en la batería (un argentino que había vivido quince años en San Francisco) fue fundamental para su consolidación. pionero de la integración entre rock y música autóctona con Arco Iris. el instrumental “Pestaña de camello” (Mollo utiliza su guitarra a la manera de un sitar) y en la jam psicodélica de “Indio. Divididos 1993 Con el disco anterior. suerte de baguala de voz y bombo. . “Que ves?”. La propuesta alcanza un pico de alto poder emotivo con la versión de “El arriero”. dando origen a una de las obras más profundas e impactantes del rock latino de los 90: La era de la boludez. y el coproductor Aníbal Kerpel en vibráfono y Hammond contribuyen a realzar la variedad. además de la solidez instrumental del trío. dando origen al “chaca-reggae” (con una notable intervención de Santaolalla en charango). “Huelga de amores” y “Que ves?”. y en el empuje rocker de “Rasputín” y “Paisano de Hurlingham”. La grabación en los estudios Cam-Am de Los Angeles. que obró como catalizador de su talento.en trombón (“Dame un limón”). dejá el mezcal”. estableciendo su sonido y su personalidad. La potencia de Divididos está en temas con ingredientes funk como “Salir a asustar” y “Salir a comprar”. clásico de Atahualpa Yupanqui transformado en una especie de blues hendrixiano por una interpretación memorable de Mollo. Para su tercer álbum. demostraba su viabilidad comercial.de la música nacional. funk y post punk.7. El grupo también deja aparecer su faceta experimental en “Tajo C”. Esta apertura dio origen a temas como “Ortega y Gases”. alentado por Gil Solá y también Arnedo (cuyo padre fue el prestigioso folclorista Arnedo Gallo). en el que el grupo superpone un reggae con ritmo de 6x8. estimuló esta tendencia. La era de la boludez. ya que aportó la potencia de un intérprete fogueado en el Primer Mundo. el trío se alió al productor Gustavo Santaolalla. así como una apreciación –que suele aparecer con la distancia. consigue transmitir con un sonido cálido y analógico todo el rango y dimensión de la música del trío. la dupla Ricardo Mollo-Diego Arnedo había dejado atrás el fantasma de Sumo. que había comenzado a insinuarse en el disco anterior con “Haciendo cola para nacer”. Santaolalla. TEMAS CLAVE: “El arriero”. un título que definía el falso esplendor de la era menemista. La participación de invitados como Bruce Fowler –ex Zappa. con excelentes ventas y hits como “El 38” y “Ala delta”. que canta en forma degarradora y ofrece dos de sus mejores solos de guitarra registrados en el disco. pero lo que aparece con fuerza aquí es la influencia del folclore.

igual que la mayoría de las que integran 30 minutos de vida: “El oso”. Moris 1970 “A veces me encuentro con gente que. 30 minutos de vida. entre otros. sobre una base hipnótica. Y la lujosa backing band la integraban amigos: Claudio Gabis. Canción Animal es la respuesta a tanta sofisticación el primer registro en que Gustavo Cerati empieza a mirarse como un heredero del rock argentino de los 70. “Escúchame entre el ruido” y “Ayer nomás”. Y esboza una explicación: “Creo que es porque significa algo para sus vidas. El truco funcionó a escala continental y después de casi dos años de giras interminables. “De música ligera”. De esa mezcla entre pasado y presente nación un registro tan perdurable como los estribillos de “Un millón de años luz”. Se grabó en los Estudios TNT (Buenos Aires). mantiene un promedio de ventas de diez mil copias anuales. me canta <<De nada sirve>> de principio a fin. TEMAS CLAVE: “De nada sirve”. ¡Y ni siquiera yo me la sé entera y de memoria!. Moris improvisó esa letra existencialista de casi ocho minutos (con más influencias de Albert Camus y Jean-Paul Sartre que de Bob Dylan). Canción animal. y transformó esa canción en un clásico. pero tiraban para adelante”). Es una canción universal… y un poco neurótica”. en una consola de cuatro canales Ampex. Pappo y Richard Green.8. sobre todo. Soda Stereo 1990 La presencia funk de Carlos Alomar en Doble Vida convirtió a Soda Stereo en una máquina fría. El espíritu valvular de los viejos discos de Pescado Rabioso. modernísima para la época. a treinta y siete años de su edición original. manejada por los técnicos Salvador Barresi y Julio Costa (“estaban acostumbrados al tango. el trío acusó la necesidad de un cambio para privilegiar las canciones por sobre los efectos de producción. El disco. sumado a las guitarras ruidosas del pre grunge –encabezado por bandas como Screaming Trees.formaron el marco de referencia para la renovación. El productor ejecutivo fue Jorge Alvarez. el organista de los In. Miguel Abuelo…). “(En) El séptimo día” y. lleva vendido casi medio millón de copias. Otro factor . precisa y calculadora. dueño de un órgano Farfisa. Smithereens y Pixies. grabado y editado durante la dictadura de Onganía. Y aún hoy. “El oso”. Color Humano y Vox Dei. Tiene que ver con una problemática que sigue vigente: la igualación total de la forma de vida. impulso del pujante movimiento de rockeros emergentes (Manal. cuenta Mauricio Birabet (Moris). Javier Martínez. 9. en la calle.

TEMAS CLAVE: “De música ligera”. adaptando el esquema de power trío inaugurado por Cream y Jimi Hendrix Experience –mezcla de blues y psicodelia. El Groove es bien negro y las influencias.a una sensibilidad urbana que se integraba con naturalidad al rock nacional de comienzos de los 70. La incorporación alteró los vínculos de un triángulo sin fisuras hasta ese momento. el cantante armó el álbum soñado por un auténtico melómano que conoce a la perfección la letra chica de los discos importantes: así desfilaron por las sesiones registradas en Nueva York músicos que trabajaron con Steely Dan. el regreso a la vida solista de Andrés Calamaro tuvo varios nombres tentativos: El otro lado del novio del olvido podía confundir con sus intenciones románticas. señaló el cantante en el número 60 de RS. y Decidí contarlo delataba de antemano su carácter confesional. Alta suciedad. TEMAS CLAVE: “Media Verónica”. 10. Andrés Calamaro 1997 Antes de alcanzar el título imborrable de Alta suciedad. El resultado es brillante y en ningún momento abusa de los despropósitos de una superproducción. Frente a obras futuras.determinante fue el ingreso de Daniel Melero en el rol de cuarto integrante. El círculo de la confianza se cerraba con la producción de Joe Blaney y su increíble facilidad para cruzarse con músicos argentinos en plena etapa de iluminación. Tom Waits y Keith Richards. Pero varias estrategias fatales del productor invisible influyeron en Cerati y terminaron como algunas de las mejores ideas para el disco definitivo de Soda. y Daniel fue una pieza clave”. 1. 2. pero la desilusión tiene letra de tango y ausencias infinitas. los quince tracks de álbum hoy parecen una módica suma de canciones que iniciaron el camino hacia la fabulosa desmesura de Honestidad Brutal y El salmón. el guitarrista ya había establecido el formato. Pero luego de un viaje . Vol. En esa intención de revertir los extremos. Nada de eso. 11. “Loco”. Pappo’s blues 1972 En Pappo’s Blues Vol. “Fue un momento muy inspirado del grupo. Alta suciedad conserva los niveles de equilibrio que identifican a toda masterpiece. La ironía ganó con su carga de metáforas a discreción y el propio Andrés anunciaba que el disco giraba en torno a “la victoria de los vencidos y el fracaso de los campeones”. blancas. “Té para tres”.

fue un disco incomprendido. todo Piano Bar esconde un romanticismo sombrío. . autor. En este Vol. TEMAS CLAVE: “Desconfío”. un solo de batería de Luis Gambolini introduce “El tren de las 16”. Gatti hasta la foto interior con su estampa de guitar hero porteño. la Gibson SG conectada a un Robertone y un único crédito: “Compositor. pero más allá de los niveles de intensidad. desde la portada con el dibujo naif de Juan O. 12. los rumbos modernos de “Raros peinados nuevos” o “El rap del exilio”. “El tren de las 16”. El tema que le da título al álbum continúa la línea de “Canción de Hollywood” (Serú Girán). dirección orquestal e intérprete: Pappo”. Piano Bar. García nunca había sonado tan punk como en “Demoliendo hoteles”. con un recurso simple: la letra continúa a lo largo de dos estrofas. muestras de su genial ingenuidad lírica (“ese monstruoso. “Yo que crecí con Videla” es la frase de apertura y también un alarido generacional. batiendo lo que pasa afuera”. lo que extiende la “vuelta” armónica del tema a 24 compases. en que Pappo convierte la simple estructura de un blues de 12 compases en una canción inolvidable. En el comienzo. Hay riffs memorables (“Tema I” –que bajo el nombre “Castillo de Piedra” había aparecido en Spinettalandia-. Charly García 1984 El efecto reacción envuelve a Piano Bar: después de Clics modernos. 2 todo es perfecto. Pappo regresó para ponerle el moño al género que él mismo había creado. y las fases reflexivas de “No te animás a despegar” y “Total interferencia” permanecen como instantes sagrados de un artista que inauguraba su estadía en un espacio único y casi siempre en llamas. nada podía ser igual. “Total interferencia”. señaló García luego de la edición de esta obra cumbre. García en estado de gracia junto a una banda que descarta los lujos tecnológicos y expone una versión cruda del pop rock en un disco cargado de desesperación y urgencia. ironía y lirismo. una atmosfera de music hall decadente sirve para explicar que el rock funcionó como un refugio en los años de horror: “Afuera se cae el mundo y el Piano Bar sigue inamovible.a Inglaterra. “Pobre Juan”). la novia eterna de Charly-. TEMAS CLAVE: “Promesas sobre el bidet”. La belleza sentimental de “Promesas sobre el bidet” –un tema dedicado a Zoca. “Desconfío” se convertiría en el standard del género en Argentina. donde conoció a “Bonzo” Bonham y “Lemmy” Kilmister. A pesar de la inspiración. que caminando va/ no se da cuenta que no tiene lugar/ y con el tiempo desaparecerá”) y solos improvisados que son libros de texto para generaciones de guitarristas.

“Las guerras”. Charly García y Andrés Calamaro echaron a rodar “La rueda mágica” y los Ketama aportaron sus lamentos gitanos en “Tráfico por Katmandú”. cuyas canciones poseen una calidad atemporal que ha convertido a casi todas (especialmente “Génesis” y “Libros Sapiensales”) en clásicos “fogoneros”. 14. dirigida por Roberto Lar. El amor después del amor. por motivos nunca del todo aclarados.permite apreciar detalles nunca antes escuchados. Ricardo Solué. Pero Vox Dei se sobrepuso a las adversidades creando una obra perdurable. Spinetta sumó su magia para “Pétalo de sal”. entró a fines de 1991 en los estudios ION para trabajar junto al productor Carlos Narea y darle forma a su séptimo disco solista: Fito –su voz y su piano. Con la inspiración encendida. Todos los temas fueron hits y el estilo compositivo de Páez. a quién conoció en 1991 mientras veraneaba en las playas de Uruguay. . Vox Dei 1971 Probablemente se necesite la inconsciencia de unos pibes de 20 años para acometer una empresa como la de componer una obra conceptual (u “ópera rock”. entre la crónica de García y la poética spinettiana. contaron con coro y una orquesta de cincuenta músicos. como se decía por entonces) basada nada menos que en la Biblia. Pero el trabajo tuvo una historia accidentada: la banda se vio obligada a cambiar de compañía en el medio de la grabación. Varios elementos convirtieron este disco en algo único: fue la primera “obra conceptual” del rock argentino. En menos de un año superó las 200 mil copias vendidas. “Pétalo de sal”. El álbum fue publicado en julio de 1992 y se transformó en un éxito comercial inmediato. A su vez. respectivamente. quitándole a “La Balsa” (de Los Gatos) un récord de más de veinticinco años. editado como álbum doble. TEMAS CLAVE: “Génesis”. TEMAS CLAVE: “La rueda mágica”. ya que Mandioca quebró y los masters fueron adquiridos por Disc Jockey. Juan Cargos Godoy y Rubén Basoalto. La idea inicial fue de su líder. que a su vez editó el disco antes que fuera finalizado (de allí que “Apocalipsis” quedara sin letra). conquistó los corazones de más de una generación. Precisamente eso fue lo que hizo el grupo quilmeño en lo que era tan sólo su segundo LP. sumó la colaboración de músicos de lujo para que hicieran su aporte en la travesía romántica: Mercedes Sosa fue la voz complementaria en la chacarera “El muro de los lamentos”. La reedición de 2005 –hecha a partir del hallazgo de las cintas originales. la grabación demandó 150 horas (algo completamente inusual para la época) y. La Biblia. autor de todos los textos y buena parte de las músicas. en las cuales colaboraron sus compañeros Willy Quiroga. en “Dos días en la vida”. y contiene gran cantidad de material previamente inédito. Fabiana Cantilo y Celeste Carballo encarnaron a Thelma y Louise. nacimiento”.13. Fito Páez 1992 El disco récord de ventas de la carrera del músico rosarino es el resultado de la puesta en obra de su relación con la actriz Cecilia Roth. En la grabación. Godoy dejó el grupo antes de finalizar la grabación. para “Cristo.nunca sonó tan claro y con una producción musical tan ambiciosa.

Rockabilly. Peronista. noches mágicas y conductas rastreras. el sexteto gana precisión y potencia: la seducción electro de “Fizz” y “Delectrico”. “Pensé que se trataba de cieguitos”) y deliciosas apropiaciones pop (“Ritmo colocado”. El genio y la observación del tándem creativo formado por Daniel Melingo y Pipo Cipolatti. Jessico. La dicha en movimiento. Ya sin Dj Peggyn en las filas. TEMAS CLAVE: “Ritmo colocado”. Como las serpentinas de carnaval que ilustraban una de las primeras tapas vintage de nuestro rock. la psicodelia sixties de “El loco” y “Camarín”. un día políticamente incorrecto para los popes de nuestro rock. el segundo te lo venden”. Detrás de una tapa . la reina del twist”). el bolero corrido de “Rubí” y la épica western de “Yoli”. la preciosa figura de Fabiana Cantilo y la producción de tío García lograron el milagro: cambiarle el humor al rock argentino. Grabado en veintinueve horas bajo la mirada vampírica de Charly García –a cargo de la producción-. los Babasónicos sacan de las tripas un disco esplendoroso. “El primero te lo regalan. Babasónicos 2001 Desde el fondo de la crisis argentina. que por aquellos días abrazaban el alfonsinismo como emblema de civismo y acción democrática. Los Twist 1983 El 17 de octubre de 1983 apareció el debut de Los Twist. frivolidad y ambigüedad. en que el magnífico y disperso raíd de Miami (1999) se reorganiza en doce canciones directas y conquistadoras. twist y pop bailable tan ligero como sus letras inteligentes y paródicas cambiaron el modo de abordar la canción de una escena que recién empezaba a entender que era posible combinar diversión. sin perder originalidad ni vuelo. el segundo te lo venden”. el disco se convirtió en un exitoso compilado para fiesta sin edad. colaborador de Ween) a la digestión musical y el trabajo de estudio obsesivo le cede terreno a la síntesis cancionera. boquense y con guiños mersas. expulsados de Sony y en la periferia estética del rock estatizado (en días de la Alianza en el gobierno). “Salsa”.15. La dicha en movimiento utilizaba chucherías del inconsciente nacional y popular para burlarse de todo y de todos. “Cleopatra. 16. La dicha… incluía todos los ritmos y una catarata de éxitos con extremos desopilantes (“El primero te lo regalan. El comienzo con “Los calientes” determina la profundidad del viaje: un “paraswing” (Diego Tuñón dixit) narcótico que abre las puertas a un mundo de placeres impúdicos. La tendencia natural de la banda y su productor (Andrew Weiss. la soberbia rockera de “Pendejo” y “Soy rock”.

“Viernes 3 AM”. cobra la forma de un manifiesto vivo que interpreta su época sin escamotearle un solo segundo al divertimiento y los bajos instintos. llegando incluso a crearse un dialecto propio (recordar “Cosmigonón” o la canción que le da nombre neologista al grupo y al LP debut). TEMAS CLAVE: “Fizz”. La tapa y su exquisita ambigüedad causaron revuelo entre la prensa pacata: se moría por saber a qué género pertenecía la imagen del culito. “Soy rock”. en su segundo trabajo acusa el golpe del frío recibimiento del público y vuelve a asomar la cabeza al mundo exterior. Virus 1987 En medio de la grabación de Superficies de placer. arrebatos de emoción. Todo el disco. 18.dolorosamente sexual de Ros. hoy. con letras que critican con ironía y escepticismos la levedad de la vida moderna (“la grasa de las capitales no se banca más”. la banda platense siguió adelante por expresa decisión de su cantante. la adhesión fue instantánea y temas como “Mirada speed”. claro. un marcado vuelco al jazz rock (muy en boga por aquellos años) y una tapa que replica la estética de la revista Gente. 17. TEMAS CLAVE: “La grasa de las capitales”. siguiendo el suceso masivo que había representado Locura. Ocurrió en Río de Janeiro y. en menos de un mes vendió más de 30 mil copias. Sin embargo. “mínimos toque de eternidad. Dárgelos propone una revisión de los valores del rock imperante con altas dosis de malicia y autoconciencia. Está todo a la vista. “Apocalipsis”). El sexto álbum de Virus había sido pensado como un trabajo climático sin tantos hits y con un acercamiento más decidido a los ritmos latinos. . Paradójicamente. a pesar de la terrible noticia. Federico Moura se enteró que había contraído una enfermedad de la que se sabía poco salvo que era letal: tenía sida. Superficies de placer. Serú Girán 1979 Charly comienza su viaje con Serú Girán en plan abstracto e introspectivo. el tema de la muerte giraba en varios momentos del disco: “Las cosas se alejan de mi” (en “Ausencia”). Superficies… fue lanzado en septiembre de 1987 y. “Polvos de una relación” y “Superficies de placer” se perfilaron como nuevos clásicos de la banda. La grasa de las capitales. se queja García). flecha tendida al azar” (de “Danza narcótica”) o “apocalipsis en mi intimidad” (de.

La edición original incluía un librito de 48 páginas con letras. comentarios. TEMAS CLAVE: “Cristálida”. “¡Hola pequeño ser!”. 20. Pescado 2 Pescado Rabioso 1973 Luego del sonido explosivamente rockero de “power trío” de Desatormentandonos. 19. compuesto por varios módulos (a la manera del clásico “A day in the life” de los Beatles). a la vez que David Lebón reemplaza a “Bocón” Frascino en el bajo. “Credulidad”. dibujos y poemas.permiten a Spinetta ampliar considerablemente su paleta compositiva. Estos dos instrumentista muy completos –David además tocaba guitarra. tanto en lo individual como en lo social –recordemos que corría el año 1973. y la Argentina vivía una efervescencia militante por el regreso del peronismo-. con arreglos orquestales de Carlos Cutaia. envuelto en un delicioso clima de delirio. siempre con pretensión de actualidad. porque esa escala ya había sido superada cuando apareció Wadu Wadu. realizado por cuatro músicos jóvenes mancomunados espiritualmente y capturados en el pico de su creatividad. un tema de casi nueve minutos. TEMAS CLAVE: “Encuentro en el río musical”. y ensayar una gran variedad de arreglos y texturas. poseedoras de un poder de llegada casi instantáneo. A veinte años de su edición sería impropio calificar a Superficies… como un disco valiente. La idea de liberación es una constante que recorre el trabajo.Nada alteró el rigor artístico de la banda. El resultado mejora con el paso del tiempo e instala de una buena vez un lenguaje más real para empezar a hablar de pop latino. que constituye una de las obras cumbre de Luis Alberto Spinetta y de todo el rock en castellano. incluyendo también extensas zapadas y elementos del rock progresivo. El resultado fue ese monumento del rock argentino llamado Pescado 2. bien de la época. El disco culmina con el ambicioso “Cristálida”. “Superficies de placer”. Violadores. batería y cantaba. el hermosos blues menor “Como el viento voy a ver”) hasta canciones casi acústicas con una sensibilidad cercana a Almendra (“Credulidad”). . expresada en letras pobladas de imágenes surrealistas pero a la vez extrañamente familiares. Pescado Rabioso se convierte en cuarteto con la incorporación de Carlos Cutaia en órgano Hammond y teclados varios. un álbum doble con dieciocho canciones. en la perspectiva de este grupo: siempre audaz. El último álbum de Virus con la voz de Federico pretendía plasmar una obra que describiera la evolución después de siete años de carrera. EL sonido recorre desde el rock y blues más potentes (“Nena boba”.

Los Violadores 1983 “Basta de hospicios. “Estallando desde el océano”. vetos y Cósmicos”. y es el soundtrack vital de cualquier argentino que la haya pasado en grande a lo largo de estos últimos años. como invitados estelares. el segundo disco de la banda celebra la diversidad. Fuera de la bitácora. Paulinho Da Costa y el Flaco Jiménez. Llegando los monos. también es un álbum fundacional del rock latino. El león aún hoy sigue funcionando como la banda sonora indispensable de cualquier fiesta animada. El león. le apuntan a la pasividad hippie y a la dictadura militar y disparan con furia punk pura y explícita. tan emblemático de los 90. 22. cantaba –berreaba. TEMAS CLAVE: “Heroína”. “Viejos patéticos”. Sumo 1986 En las primeras giras de Sumo por la costa atlántica. la frase elegida para la difusión era “Llegando los monos”.Pil Trafa en “Viejos patéticos”. tiene la urgencia de quién finalmente puede gritar luego de pasarse años amordazado: temas como “Represión” o “Para que estoy aquí (Hijos de perra)” se alimentan de injusticias. la banda anunciaba sus conciertos como vendedores callejeros: megáfono en mano. Pero más allá del carácter festivo. TEMAS CLAVE: “Represión”. parándose en la vereda de enfrente de los patriarcas del rock nacional para cumplir con su misión en esta tierra: destruir. versionan a Rubén Blades (“Desapariciones”) y realizan un sugerido homenaje al Che Guevara (“Gallo rojo”). un dramático raid interno (“Heroína”) completa el viaje. El primer disco de Los Violadores. Los Fabulosos Cadillacs 1992 Por un lado. Los Cadillacs abordan ritmos del Brasil y el Caribe. Con notables mejorías en el estudio y un repertorio menos sombrío. Con Gustavo Santaolalla. producido por Michel Peyronel. “Siguiendo la luna”. 21. TEMAS CLAVE: “Carnaval toda la vida”. . Del reggae (“Rollando” y “No good”) pasa al funk patotero y hitero (“Los viejos vinagres” y “TV caliente”) y al after-punk con “Estallando desde el océano”.

una increíble zamba compuesta cuando tenía 15 años. Con Santaolalla como productor. “Ella también”. que llevó a Gieco por todo el país. chacareras santiagueñas de Sixto Palavecino y el chámame de Isaco Abitbol. perteneciente a la legendaria ópera de Almendra.establece una inusual proximidad con su voz. . los volúmenes 2 y 3 de De Ushuaia… reflejaban el viaje de Gieco y Santaolalla por el país –al frente de un equipo de veinte personas-.23. TEMAS CLAVE: “Don Sixto Palevecino”. TEMAS CLAVE: “Barro tal vez”. y la compleja minisuit “Águila de Trueno” (dedicada a Tupac Amaru). Kamikaze. Las canciones incluyen “Barro tal vez”. León Gieco 1985/86 La idea de “De Ushuaia a la Quiaca” partió de la gira. más el ocasional acompañamiento de Diego Rapoport en teclados. dejando ver su lado más intimista. donde tomó contacto con artistas desconocidos que trabajaban en el folclore de las distintas regiones. “Quedándote o yéndote”. 24. terminó convirtiéndose en uno de los álbumes imprescindibles de la discografía del Flaco. De Ushuaia a la Quiaca. La instrumentación básicamente acústica –Luis con su guitarra. con un estudio móvil que registraba a bagualeros anónimos como Gerónima Sequida. “Maturana”. Un testimonio único de la música argentina de raíz. Luis Alberto Spinetta 1982 Lo que empezó como una compilación de inéditos de distintas épocas (1965-1978).

El rock argentino dejaba atrás la edad de la inocencia. Y además estábamos tomando mucho. eso amplifica todo el desastre. Yendo de la cama al living. el trío sorprende con un álbum furiosamente directo y a la vez expansivo. Signos. “Canción de dos por tres”. un disco muy sufrido desde la tecnología. “Persiana americana”.25. La grabación casi deja afuera de combate a Cerati: “Las letras se hicieron en una sola noche. fue complicadísimo todo. “Inconsciente colectivo” abría la esperanza y “Peluca telefónica” iniciaban un posible camino junto a Spinetta. Charly García 1982 Mientras trabajaba en la composición para la banda de sonido de Pubis angelical. también achicó las distancias entre su pasado y los tiempos venideros. 26. García recuperó algunos temas que Serú había abandonado luego de su desintegración. TEMAS CLAVE: “No bombardeen…”. No sólo fue el debut solista.” TEMAS CLAVE: “Prófugos”. Signos aparece como el objeto ideal para seducir a grandes audiencias. Malvinas definió la urgencia de ocho canciones fugitivas. Soda Stereo 1986 En el año de la consagración de Soda en América latina. “No bombardeen Buenos Aires” explicaba el estado de las cosas. . Más cerca de Echo and the Bunnymen y The Cure. Contiene hits imbatibles (“Persiana americana” y “Prófugos”) e himnos darks (“Signos”. “El rito” y “Final caja negra”).

lo que hizo con esta demostración contundente de identidad musical. que unía lo cósmico y lo cotidiano. y contiene algunas de las veladas referencias a la situación represiva. junto al primero de Almendra y Bajo Belgrano de Spinetta Jade. el Flaco despliega una obra maestra del lirismo urbano con aires tangueros. TEMAS CLAVES: “El anillo del capitán Beto”. a Pappo no le quedaba otro camino que armar su propia banda.27. “Los libros de la buena memoria”. inaugurando una nueva era dentro del rock argentino. decía el tema que iniciaba el primer álbum de Pappo’s Blues. Vol. “El hombre suburbano”. Guitarrista virtuoso. Con el trío inicial de Spinetta. junto a Black Amaya. Invisible 1976 El tercer y último disco de Invisible llega con el trágico año de 1976. letrista con un raro poder de síntesis. Pappo escribía el primer capítulo de su leyenda. como “Las golondrinas de Plaza de Mayo”. TEMAS CLAVE: “El viejo”. El jardín de los presentes. Después de mostrar su talento en Los Gatos y La Pesada. . 1. con los bandoneones de Mederos y Mosalini. Podría integrar una “trilogía porteña” dentro de la obra spinettiana. Pomo y Machi aumentado por el ingreso del guitarrista Tommy Gubitsch. en batería y “Davies” (David Lebón) en bajo. 28. Pappo’s Blues 1971 “Algo ha cambiado dentro de mi/ que alucinado quiero vivir”.

TEMAS CLAVE: “El día de la mujer mundial”. Los Abuelos de la Nada 1983 El 30 de Junio del 83. Honestidad brutal. las canciones son parejas y hay mucha energía” (Calamaro dixit. .29. 30. la excursión por el país del desengaño es una lectura genuina del estado dylaniano conocido como Blood on the tracks. “Los aviones”. Un disco peligroso. Este álbum y sus shows teatrales fueron un estandarte de los primeros 80. a meses de la democracia. desde el bajo. le pone Groove a la poética de Miguel Abuelo. de alguien jugado a extraer verdades de cada herida. días y días sin dormir. Andrés Calamaro 1999 Definido por su autor como La Biblia del abandono o la declaración de principios de los que no tienen principios. acaso el reflejo más fiel de la química de su mejor formación. Los Abuelos entran en los estudios Panda para registrar su segundo disco. Cada integrante tiene autonomía creativa: Melingo hace su aporte al reggae con “Chalaman”. Honestidad es. por sobre todo. Vasos y besos. Grabado en condiciones de riesgo. “Es el mejor momento del grupo. Bazterrica suma “No se desesperen” y Cachorro. autor de “Mil horas” y “Así es el calor”). y con la claridad descarnada que sólo manejan los grandes discos de divorcio de la historia del rock. TEMAS CLAVE: “Vamos al ruedo” y “Así es el calor”. un álbum doble con 37 canciones para adorar a Calamaro y sus gestos suicidas.

Era algo nuevo y tan emocional como la voz de su cantante.31. . Ahora la escucho y me encanta”. incorporadas en el CD). Pequeñas anécdotas sobre las instituciones. Sui Generis 1974 Apenas dos años después de Vida. TEMAS CLAVE: “Las increíbles aventuras del señor Tijeras”. Charly comenzaba a dar muestras de su mordacidad y su facilidad para la protesta metafórica. “Para quién canto yo entonces”. La producción de Andrés Calamaro y Mario Breuer fue acusada de ser demasiado pop por los miembros del grupo y derivó en la exhibición salvaje de Patria o Muerte. melodías intrincadas y complejos arreglos de teclados. 32. el segundo disco. Sui era un grupo distinto: las canciones de su tercer disco incorporaban instrumentación eléctrica. TEMAS CLAVE: “Ella vendrá”. La banda no se parecía a nada: se adueñaba de las palabras como el Spinetta de Pescado y tenía el aura del fin de Sumo. aunque por “pedido” del gobierno de Isabel Perón muchas de las letras fueron suavizadas y dos temas quedaron afuera (“Juan Represión” y “Botas locas”. Don Cornelio y la Zona 1987 El debut de Don Cornelio es una colección de oscuras canciones psicodélicas. un jovencísimo Palo Pandolfo. “Cenizas y diamantes”. Don Cornelio y la Zona. Palo reconoció: “Me oía una voz tan de maricón que la odié.

hasta que Spinetta lo convocó para integrarse a las filas de Pescado Rabioso como guitarrista y bajista. Lebón fue bajista de Pappo’s Blues. TEMAS CLAVE: “Dos edificios dorados”. Isa Portugheis. Con una concisión aplastante. David Lebón. Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota 1989 Nueve canciones. que habla del desencuentro. El disco refleja el gran talento vocal y musical de Lebón y la influencia del Flaco. Skay compone algunos de sus mejores riffs y fraseos (“La parabellum para el buen psicópata”). nuevos himnos. TEMAS CLAVE: “Ropa sucia”. “Hombre de mala sangre”. Pappo y Charly García.33. Bang! Bang! Estás liquidado. Cuando Pescado llegó a su fin. “Esa estrella era mi lujo”. . Rocambole reversiona los fusilamientos de Goya (los verdugos son miembros de la Cruz Roja). y el Indio sintetiza su ideario de personajes de la noche (“El héroe del whisky”). Black Amaya. invitado eventual de Billy Bond en la Pesada y baterista de Color Humano. 34. al que le dedica “Tema para Luis”. Lebón registró este impactante disco debut junto a otros músicos y algunos compañeros de la Pesada entre otros los que estuvieron Alejandro Medina. David Lebón 1974 En los primeros años de su carrera. drama amoroso (“Ropa sucia”) y apocalipsis político (“Nuestro amo juega al esclavo”). Todos los versos son inolvidables. los Redondos inventan el nuevo rock del país.

Los Gatos.35. sino que también las adaptaban a la idiosincrasia argentina. Verdadero empacho de ritmos y melodías inolvidables. “El rey lloró”. Los Auténticos Decadentes 1995 Esa rapsodia bohemia que es “La guitarra” empieza con violines y deriva en un trópico en que la voz de Cucho Parisi patenta la letra de Jorge Serrano: “Tuve un problema de difícil solución…”. con el tiempo. graban en 1967 el primer LP del rock nacional. en influencia perdurable. los primeros signos del compositor complejo que se convertiría. “Corazón”. aún con la ingenuidad de la época. Los Gatos 1967 “Música Beat” se llamaba a fines de los 60 ese movimiento subterráneo de jóvenes bohemios y pelilargos que recogían las influencias de grupos como los Beatles o los Rolling Stones. Los Gatos. los Decadentes se dedican a evadir la solución con una tenacidad conmovedora. y no sólo las traducían al español. TEMAS CLAVE: “La Balsa”. la canción de amor arrebatada (“El pájaro vio el cielo y se voló”) con la bonaerense de Diego Demarco (“Turdera”). A partir de ahí. luego de vender 250 mil copias del simple “La Balsa”. con un puñado de canciones de Litto Nebbia que demostraban. Mi vida loca. Y nos alegran la vida. . esta especie de grandes éxitos en tiempo real concilia la cumbia romántica (“Corazón”) con ska punk fiestero (“Esta locura”). 36. TEMAS CLAVE: “La guitarra”.

Con este disco. dos temas que adaptan el festivo espíritu del rock global y la noche.37. 38. “Ceremonia”. “Remisero”. . TEMAS CLAVE: “Enlace”. al momento de registrar este segundo disco. luego. “Una noche no hace mal”. Chaco. la banda de Juanse estaba más obsesionada por el sonido de los New York Dolls que por el de los Rolling Stones (basta escuchar “Sucia estrella” o “Enlace”). Los chicos quieren rock. alguien lo hizo primero”. donde Federico Kleim baila g-funk (“Jaguar House”) y los remiseros son dioses nacionales. TEMAS CLAVE: “No es tu sombra”. Estos dieciséis tracks producidos por Mariano López y Machi Rufino (ex Invisible) y masterizados en Nueva York por Ted Jensen (Madonna) fueron la puerta lateral hacia los chistes internos del dúo Spinetta/Horvilleur: el sueño de la provincia propia. Una influencia clave para las bandas de este tiempo. El primer disco de hip hop latino con proyección regional. los Ratones Paranoicos lograron su primer reconocimiento masivo con la difusión radial de “Carol” y. los Ratones Paranoicos era un grupo de influencia punk muy acentuada. dijo Dante Spinetta. Ratones Paranoicos 1988 Ya en sus primeros años. Illya Kuryaki & the Valderramas 1995 “Doscientas cincuenta mil copias vendidas de Chaco en toda América latina lo dicen todo: hay que tener respeto. Y pese a lo que se repetía.

representa el encuentro de Pedro y Pablo –especialmente Miguel Cantilo. condimentados con psicodelia y surrealismo. Still & Nash). sin dejar de lado la temática social (“Apremios ilegales”. TEMAS CLAVE: “Rutas argentinas”. TEMAS CLAVE: “Padre Francisco”. . pero antes de separarse registró el primer álbum doble del rock argentino. “Blues del éxodo”). con clásicos como “Mestizo” y “Amor de aire”. hay desde canciones acústicas a temas esperimentales. una explosión creativa en múltiples direcciones que constituye una especie de Álbum Blanco del grupo. Harto de la censura. Pedro y Pablo 1972 Conesa. “Catalina Bahía”. el dúo emigra a un sello independiente y graba una serie de clásicos. y brilla la guitarra de Kubero Díaz. Almendra 1970 Almendra no llegó a grabar su famosa ópera.39. 40. Almendra 2. con letras que ensalzan el “regreso a la naturaleza” (“El Bolsón de los cerros”. nombre de la calle donde quedaba la casa comunitaria. Conesa.con el rock representado por La Cofradía de la Flor Solar. pero Molinari no se queda atrás. “Parvas”). “Padre Francisco”). “Para ir”. Spinetta aporta temas de alta belleza (“Para ir”. Si bien en general el sonido es más rockero y distorsionado que el primer disco –en sincro con el rock internacional de esa época-. Las armonías vocales de Cantilo-Durietz se enriquecen con el aporte de Roque Narvaja (a la manera de Crosby.

defendiendo su estilo de vida con un riff machacante (“Sucio y desprolijo”) y hasta desorientando a la prensa musical con una viñeta country criticada por “comercial” (“Trabajando en el ferrocarril”). verdadero rito iniciático para cualquier aspirante a dios de la guitarra. Sus progresos sobresalen en el instrumental que abre el disco. Criticando la sociedad de consumo (“Pájaro metálico”). el tiempo de descuento que perseguía a Luca se mostraba implacable. Vol. Sumo 1987 En 1987. “Crua-Chan”. los prejuicios de la clase media. Grabado en condiciones caóticas. 3. Pappo’s Blues 1973 Apenas veintiocho minutos le alcanzan a Pappo para establecer un nuevo clásico del rock de los 70. “Mañana en el Abasto” es el sol de noche entre tanta densidad. El alcohol era el verdugo y After chabón su última pelea contra la muerte.41. TEMAS CLAVES: “Mañana en el Abasto”. After chabón. el reggae espiritual (“No tan distintos”) y las atmósferas pesadas (“No te pongas azul”). “Stratocaster Boogie”. . es el trabajo más experimental de Sumo y un conmovedor escudo ante lo inevitable: brillan la épica de “Crua-Chan”. 42. el disco tuvo participación grupal: Luca se limitó a destrabar las cargadas bases con eficaces melodías vocales. Pappo se afirma como el gran outsider del rock argentino. Sin pretender registrar un testamento.

tras dos meses de grabación de Casa Babylon en España. TEMAS CLAVE: “Mate”. “Ámbar violeta”. el vértice sur de la sagrada trilogía del rock latino y mestizo. Este disco. además de Manu Chao y Fermín Murguruza como invitados. Dale aborigen. también (con la base Casa Babylon y más tarde Ideia Zabaldu de Negu Gorriak). reconstruyó el fuselaje de su vieja banda para plasmar la esencia de sus nuevas convicciones (“Mate”. Una mezcla magistral entre catarsis punk y sopor barbitúrico que aún hoy estremece por su crudeza. TEMAS CLAVE: “Track Track”. fueron asesinadas la abuela y la tía que habían estado a cargo de su crianza. 44.43. compuso canciones que lo sacaron del perfil optimista y candoroso de sus primeros discos. . el tercero. Entraron: Gamexane en guitarra. u a poco de fallecer su padre. Ciudad de pobres corazones. El rosarino entró en una profunda crisis depresiva y sin consuelo huyó a las playas de Tahití. Fito Páez. Entre llantos. Y es. 1987 El disco más rabioso de la carrera de Páez. “Ándate”. Su raíz está en las noticias policiales. “Alerta guerrilla”). Pablo Pontezoni en batería y Pablo Molina en bingi-drums y voz. ese el mejor articulado de TTM. En el momento en que Fito alcanzaba su consagración como solista. pastillas y reflexiones. Todos Tus Muertos 1994 Fidel Nadal volvió de la gira El Expreso de Fuego y Hielo por Colombia junto a Mano Negra y.

“Cantemos tu nombre”. es uno de los discos más buscados por los coleccionistas. Hijos se disolvió y el productor postergó la edición hasta 1975.45. Et nada. Aquelarre debutó en 1972 con un álbum marcado por los quiebres rítmicos y melódicos. 46. teclados) y una “bola de ruido” (Héctor Stark. Inédito aquí. La lírica de Miguel fluye entre los sonidos de clavicordio. Miguel Abuelo quiso mantenerse lejos de la música. Aún con las inconfundibles influencias progresivas que surcaban todo el LP. guitarra). No pudo. Junto al violero platense Daniel Sbarra y otros exiliados argentinos y chilenos. formó Hijos de Nada. Aquelarre 1972 Reuniendo dos ex Almendra (Emilio del Guercio y Rodolfo García. un blusero (Hugo Gonzáles Neirea. un mecenas que venía de financiar a Dalí. Miguel Abuelo 1975 En su exilio. El grupo se permitía momentos de crudeza blusera (“Aventura en el árbol”) y pasajes extraordinarios de belleza bucólica (“Cantemos tu nombre”). TEMAS CLAVE: “Canto”. Naim lo tentó para grabar u el resultado fue el disco más experimental de su carrera. . En Francia conoció a Moshe Naim. las largas zapadas instrumentales y las letras surrealistas. cuando optó por editarlo como un trabajo solista. Aquelarre. chelos y efectos electrónicos. bajo y batería respectivamente). TEMAS CLAVE: “El largo día de vivir” y “El muelle”.

Aún hoy sorprende este cruce de géneros y la insistencia de Litto para vencer prejuicios.47. Macabre y Javier Herlein). No tan urgente como Dale!. TEMAS CLAVES: “La ventana sin cancel”. Litto Nebbia 1974 Mucho antes de saber que significaba la palabra “melopea”. Nebbia bautizó su quinto álbum solista con el vocablo de origen griego. es una síntesis de su obsesión por hacer sonar el rock tan potente como original. Las letras y las guitarras de Fernando transparentan las influencias de Cerati y de Bumbury. no tan hitero como Cuentos Decapitados. Una perfecta conjunción de canciones pop y letras detallistas de Mirtha Defilpo. El número imperfecto. vital y rockera. Catupecu dio con este disco grabado como cuarteto (Fer y Gabriel Ruiz Díaz. Melopea. “El número imperfecto”. “¿Qué clase de amor tendrás?” . ni tan abstracto como Cuadros dentro de cuadros. 48. “Me gustaba la fuerza que tenía al sonar… Luego me enteré de que quiere decir componer y en un vulgarismo también es borrachera. forzando sus límites sin perder la ambición expresiva y emotiva. TEMAS CLAVE: “Magia veneno”. Sus versos cobran diferentes sentidos con el tiempo. explica Nebbia desde el booklet del disco que consolidó la formación del trío junto a los jazzeros Néstor Astarita (batería) y Jorge Gonzales (contrabajo). Catupecu Machu 2004 En su búsqueda de intensidad.

e invita a pensar en cómo podría haber sonado el combo de haber permanecido unido. el trío se muestra en su apogeo. entre el rol de productor y cazatalentos under (Todos Tus Muertos.49. algunos tracks anticipan un derrotero que fue tomando un cariz más abstracto y experimental. . con la hendrixiana viola de Edelmiro brillando como nunca en “Cosas rústicas (Coto de caza)” y “Las historias que tengo”. Juana La Loca) y el inicio de su carrera solista. TEMAS CLAVES: “Mañana por la noche”. Entre una melancolía fría y la búsqueda de la emoción tecno-pop. Color Humano. TEMAS CLAVE: “No dejes que llueva”. En este álbum debut acumula algunas de sus piezas más pop (“No dejes que llueva”. Cada uno de los temas que integran el disco posee algún instante memorable. “Cosas rústicas…” 50. Oscar Moro y Rinaldo Rafanelli incluye la canción por la que muchos recordarán la agrupación: “Mañana por la noche” (“Estoy tan cansado/ que me voy a suicidar/ mañana por la noche”). “Piso 24”). “Deleite fatal”. Melero se debatía. el opus final de Edelmiro Molinari. Conga Daniel Melero 1988 Después de liderar Los Encargados desde comienzos de los 80 y participar en Oktubre (puesto 4 de esta lista) pero antes de colaborar en Canción Animal (puesto 9). en sus días de fines de los 80. Color Humano 1974 Originalmente pensado como un disco doble. Por lo demás.

dividida en dos actos. Billy Bond y La Pesada del Rock and Roll. representa como nada el orgullo de la rebeldía rockera en contraposición con la comodidad burguesa. Sudamérica o el regreso a la aurora. Billy Bond y La Pesada del Rock and Roll 1971 Puro rock básico y pesado. un auténtico seleccionado integrado por monstruos como Pappo. 52. en la que el quinteto reafirma su creencia en el poder espiritual y en las fuerzas del cosmos. . Luchando por el metal. Hicieron escuela. firmada por Javier Martinez. “Salgan al sol”. “Cada día somos más”. siempre bajo la tutela del inefable Billy Bond. Allí compartieron vivencias con los aborígenes y eso fue el estímulo fina de su proyecto más ambicioso: esta obra conceptual. TEMAS CLAVE: “Salgan al sol”. Arco Iris 1972 El interés por la música folclórica llevó a la banda de Santaolalla y Ara Tokatlian a realizar un viaje místico al norte argentino. Uno de los experimentos más arriesgados y logrados en el difícil terreno de la fusión entre el rock y el folclore.51. TEMAS CLAVE: “La canción de Nahuel” y “Sudamérica o el regreso a aurora”. Spinetta y David Lebon. 53. Esa era la fórmula de La Pesada. con toques de blues psicodélico à la Cream y letras irreverentes con carga ideológica.

pelo corto y corte desafiante. con pocas horas de estudio y muchos excesos. “El rock es mi forma de ser”. TEMAS CLAVE: “Destrucción”. una razia apresó a la banda. “Brigadas metálicas”. Hugo Foigelman y Alejandro Fiori iniciaron el desvío hacia la actualización de los presupuestos pop en su fase tecnológica. desafiaba el canon de lo correcto y proponía diversión con un rock ligero. TEMAS CLAVE: “Orbitando”. 54. por su velocidad. Daniel Melero. cansados de llorar. materia revulsiva de dos agitadores culturales trastocando principios como autenticidad. En un medio hostil. Por eso quedó el logo sobre un fondo negro: hoy es la tapa más icónica del heavy local. cuenta con la participación de Pappo en “Hiena de metal”. Con Silencio. Mucho más atrevidas eran las canciones. Los Encargados 1986 La historia de Silencio es una epopeya de resistencia y terquedad. Virus 1981 Solo por la foto de tapa. “Líneas”. Los Encargados tuvieron que archivar dos discos antes de lanzar su álbum debut: aún permanecen inéditos Necesidad y Creo que estamos bailando. En la sesión de fotos de tapa. no fumo”. querían gritar. el trío impuso un concepto avanzado de canciones electrónicas. Pero el real peligro se escondía en la voz de Federico Moura y las letras de Roberto Jacoby. Con sonido duro y letras marciales. el grupo se enfrentaba tanto a la pasividad hippie como al optimismo del final de la dictadura. TEMAS CLAVE: “Soy moderno. La novedad jugaba con los clichés del rock. Silencio. contenido y duración. Virus merecía el premio a la banda rupturista de 1981: seis caras nuevas irrumpían luciendo remeras ajustadas. Grabado sin conocimientos técnicos. Wadu Wadu. el reconocimiento llegaría con las voces del rock más original de la década pasada. Y aunque la empresa ya estaba condenada al fracaso. compromiso y mensaje. 55. .V8 1983 El debut de V8 encarna el sentimiento de jóvenes como los de “Brigadas metálicas” que.

sin haber llegado a grabar un LP propiamente dicho. La reedición en CD contiene temas censurados. “La marcha de la bronca”. Tanguito 1973 En tiempos en que la bohemia local todavía conservaba la inocencia. a la vez que crean uno de los primeros himnos de protesta. “Yo vivo en esta ciudad”. una recopilación de aquellos esbozos desprolijos. no obstante -en una sesión llevada a cabo en los estudios TNT. 58. Simon & Garfunkel. TEMAS CLAVES: “Amor de primavera”.logró registrar. José Alberto Iglesias se convirtió en el primer tren descarrilado del rock nacional. Beatles. la chanson. las drogas y el alcohol ya habían hecho mella en su salud física y mental. Yo vivo en una ciudad. un puñado de canciones de belleza rústica y frágil. TEMAS CLAVES: “La marcha de la bronca”. Riff 1982 . Pelo el sello Talent rescató su legado en 1973 con Tango. Contenidos. Tango. críticas al consumismo y la represión de la dictadura de Onganía. Murió dos años después. incluye sensibles viñetas urbanas. a modo de demo. el folclore de Yupanqui y el tango de Piazzolla. Para 1970. con arreglos de Jorge Calandrelli. acompañándose solo con su guitarra acústica.56. 57. Su primer álbum. humor. “Natural”. Pedro y Pablo 1970 Con influencias de Dylan. como “En este instante” y la primera versión de “Catalina Bahía”. el café concert. Miguel Cantilo y Jorge Durietz dan inicio al rock acústico en la Argentina.

la palmera. Después de grabar dos LO en 1981. el coyote. “Señal que te he perdido”. Babasónicos 1994 La flora y la fauna de América –el ñandú. Ariel Rot y Gringui Herrera en la delantera. con un sonido contundente y canciones atrapantes. Los cuatro integrantes componían. Trance Zomba. después de catalizar la ansiedad generacional y antes de entregarse al Adversario. Babasónicos se embarca en un trance de despegue. Escuchado por buenos amigos. TEMAS CLAVE: “Susy Cadillac”.giran a toda velocidad alrededor de un grupo de gente capaz de enfocar la música cuadro por cuadro: los Babasónicos incorporan. Entre odas alcohólicas y rocanroles de ruta reaparece el compositor pendiente de las melodías inolvidables y las frases para no olvidar: “Nuestro Vietman. . TEMAS CLAVE: “Patinador sagrado”. Andrés Calamaro 1989 El cuarto álbum solista de Calamaro merecía mejor suerte. Riff estaba más cerca del hard rock que del heavy. a Peggyn. pero la crisis lo sepultaba todo. y asó se convierten en la primera banda del rock latino en incorporar un DJ en su formación estable. lo que daba a su repertorio una variedad que incluye las historias de cómic-ficción de Michel (“Pantalla del mundo nuevo”). Este álbum anticipó el exilio español de Andrés y también los ritmos que iban a conmover a Los Rodríguez.Si bien introdujo la estética metalera de cuero y cadenas. TEMAS CLAVE: “Pasemos a otro tema”. la banda cristaliza su estilo en el tercer álbum. El punto más alto de un grupo que se separaría al año siguiente. los hits rocanroleros de Vitico (“Mal romance”) y las historias épicas de Pappo en plan héroe solitario (“Duro invierno”). Nadie sale vivo de aquí. 59. Estética trash-menemista. el cantante de la eterna voz adolescente dejó antes de la partida algunas de sus mejores canciones de amor y traición. “Me tienen cansado”. infusiones de George Clinton y rap para el desarme: como superados. 60. inspirados en el viejo disc jockey Pato C. hecho saliva y sangre”. “Koyote”. y no conseguiría recuperar el brillo en sucesivas reuniones.

Los Brujos 1991 “Grabado durante un fin de semana salvaje del mes de mayo de 1991”. compuestas por su guitarrista. aclara la contracubierta del disco en que se imprimió la única versión del mayor clásico de esos primeros 90: “Kanishka”. el último tema del LP. “Fin de semana salvaje”. Spinetta-Páez 1986 Sorteando todo tipo de trabas legales de sus respectivas disqueras. TEMAS CLAVE: “Yo caí por tu amor”. Gabriel Guerrisi. en que la alquimia de Luis Alberto y Fito funcionó de forma tangencial e interesante.61. Tal vez. Fin de semana salvaje. La la la. TEMAS CLAVE: “Todos estos años de gente”. 62. pero no terminó de manifestarse en una unidad: los temas de Páez y Spinetta están diferenciados en textura y estilo. ausente en reedición en CD. Con Vivi Tellas como cantante invitada y el solo de Cerati en “Fin de semana salvaje”. Los Brujos destapan la paella del Nuevo Rock Argentino. invocaron a Melero para grabar en los estudios Aguilar “un demo de once temas”. Spinetta y Páez registraron entre agosto y octubre de 1986 este álbum doble que sería un hito de colaboración entre dos generaciones. La la la es un disco extraño. . Después de tres años de demoler escenarios. “Hay otra canción”. fábulas de psicodelia y amor indio. el único en que la comunión creativa entre ambos alcanza a plasmarse es “Hay otra canción”.

tocó en televisión hasta el hartazgo y vendió más de 150 mil copias. el productor de In Utero (el último disco de Nirvana) apeló a su técnica de grabación y le imprimió el volumen de un mar de cemento a las canciones de Nekro. al mismo tiempo. Fun People 1999 “Steve Albini nos obligaba a usar mamelucos tipo Devo para entrar en su estudio. En lo musical. Electrical. . Con Gato en la batería y Gori en guitarras. TEMAS CLAVE: “Hacelo por mi”.63. alejándose de la ortodoxia ramonera de su álbum debut. En la increíble portada el retrato del anarquista Kurt Wilckens. en los suburbios de Chicago. un idealista de la emoción entregado a su propaganda. TEMAS CLAVE: “Vientos”. Fun People grabó The Art(e) of Romance: su obra definitiva. gracias a lo cual abandonaron definitivamente el under y. “Dick Dale”. The art(e) of Romance. En ese ambiente. Attaque 77 1990 El eterno karma del éxito punk: con su segundo disco. El cielo puede esperar. cortina del recordado programa de Mario Pergolini). El cielo puede esperar (producido por el perico Juanchi Baleirón) los muestra influenciados por el pop inglés de los 60 y 70. 64. se ganaron la desaprobación de sus fans más radicales. ¡Teníamos una máquina de pochoclo y un billar!”. “Espadas y serpientes”. la banda liderada por Ciro Pertusi pegó un megahit (“Hacelo por mi”.

Invisible 1974 Después de la etapa de Pescado Rabioso. TEMAS CLAVE: “Jugo de lúcuma”. y al año siguiente edita su LP debut. como James Taylor y Elthon John. Invisible. Músicas complejas (rítmicas compuestas. “Suspensión”. de M. TEMAS CLAVE: “Canción para mi muerte”. . Siguiendo los pasos de cantautores sensibles. “Elementales leches” y “Viejos ratones del tiempo”. García supo conectar de lleno con el sentimiento adolescente de aquella época.65. armonías jazzísticas) y letras influidas por el surrealismo y los simbolistas franceses caracterizan esta primera etapa del grupo. como lo prueban tres simples aparecidos en el mismo año: “La llave del mandala”. Sui Generis 1972 En años en los que el rock nacional les sacaba lustre a sus influencias bluseras y psicodélicas. acústicas pastorales. en que Spinetta exhibe una creatividad expansiva que no cabía en un solo disco. aun sin carecer de complejidades. con letras tangibles y a la vez poéticas. con el dibujo Charcos. Charly García (por entonces Charlie) y Nito Mestre irrumpieron en escena con Vida. a fines de 1973 Spinetta forma Invisible junto a Pomo Lorenzo y Machi Rufino (ex Pappo’s Blues). podía ser reproducido en cualquier fogón con la ayuda de una guitarra criolla. Escher. “Natalio Ruiz”. en la tapa. 66.C. Vida. y con un lenguaje musical que. un disco de canciones simples.

“Memoria de siglos”.T. ante la desaparición de sus dos bandas más emblemática: Riff y V8. Hermética 1991 Sobre el final de los 80. Serú Girán levanto vuelo en Bicicleta. sobresaliente. “Desarma y sangra” . Por todo esto. el “homenaje” a Lynyrd Skynyrd de “Encuentro con el diablo” y la protesta política ultrametaforizada de “Canción de Alicia en el país”. TEMAS CLAVES: “Gil trabajador”. los “Beatles argentinos” ya jugaban de memoria: el ensamble instrumental se había afianzado y el estilo del grupo. siempre afecto a combinar retorcidos pasajes de jazz rock con canciones directas y emotivas. TEMAS CLAVE: “Canción de Alicia en el país”. había llegado a su punto de mayor desarrollo.67. La edición del tercer álbum de Hermética en 1991 marcó un resurgir del género. 68. Letras como las de “Gil trabajador” o “Robó un auto” reflejaban la cotidianidad de los oprimidos y dejaban sentada la postura nacionalista que caracterizaría a Iorio en sus obras posteriores. Serú Girán 1980 Como si de E. Bicicleta. pero además consolidó la figura de Ricardo Iorio como caudillo del rock pesado local. se tratara. A esta altura. el público no tuvo más remedio que rendirse ante el clasicismo de “Desarma y sangra”. su tercer álbum. el heavy nacional perdió la pujanza que supo mostrar a medidos de la década. La voz de Claudio O’Connor. Acido argentino.

alumbrando algunas de la canciones más emocionales (y bellas) de su discografía. Spinetta Jade 1983 En ocasión del regreso de la democracia. “Spaghetti del rock”. “Maribel se durmió”. TEMAS CLAVE: “Resumen porteño”. Spinetta se muestra inspirado. Divididos 2000 Posiblemente haya sido una combinación de factores. alcanzaran un nuevo pico creativo. Narigón del siglo. Con este álbum. 70. Divididos reinventa su carrera y produce la primera obra maestra del nuevo milenio.69. dedicado a las Madre de Plaza de Mayo. como la ruptura de su larga relación con Érica García y la grabación en los estudios Abbey Road. y especialmente Ricardo Mollo. visible en temas como “Maribel se durmió”. César Franov y Pomo. Mollo abandona en parte el hermetismo de sus letras y la obligación de ser “la aplanadora del rock”. con Leo Sujatovich. Spinetta vuelve a la temática porteña. con su magistral retrato melancólico –y a la vez esperanzado. TEMAS CLAVE: “Par mil”. Bajo Belgrano.aúna el cariz jazzero del grupo con influencias del rock de los 80 (especialmente The Police). .del estado psíquico de los sobrevivientes de un país devastado. con melodías memorables y grandes performances vocales. El tercer álbum de Spinetta Jade –en este caso reducido a un cuarteto. lo que contribuyó a que los Divididos.

Películas. los músicos salen del cine.71. Los Visitantes probaron las canciones que integrarían su primer disco en shows memorables en el pub La Luna: un trío capaz de intervenir el tango con la solvencia enérgica del punk. TEMAS CLAVES: “Tanta trampa”. Algunas de las mejores letras de Palo están en este disco de esperanzas módicas. La Máquina de Hacer Pájaros 1977 Luego de la separación de Sui. viajes suburbanos y una polenta que metía miedo. Los Visitantes 1992 Durante un año y medio. un film de Alfred Hitchcok. Palo Pandolfo y sus aliados trasladaron esa furibunda demostración de poder eléctrico al estudio.. Charly García armó un supergrupo de rock progresivo junto a otro tecladista –Carlos Cutaia. Aunque suene más o menos. “Sangre”. su tapa sea horrorosa y algunos temas aturdan. José Luis Fernández y Oscar Moro. que sólo puede entenderse como guiño a la situación social imperante. 72. ¿Y las canciones? Poesía filosa (con toques de humor) y una conjunción de virtuosismo sinfónico aplicado al funk y al candombe. En la portada. fue grabado durante la dictadura más sangrienta de la historia argentina. Salud universal. Nadie se había animado a ese sacrilegio. es una obra maestra. 73. Gustavo Bazterrica. Este. Acaban de ver Trama macabra. su segundo LP. Despedazado por mil partes .

Este álbum resume la dinámica natural del trío ChizzoTete-Tanque. Peligrosos Gorriones 1993 Con su primer álbum. una trompada tras otra. Algo muy avant-garde. TEMAS CLAVE: “Escafandra”. el Mataderos blues y las fábulas que cruzan costumbrismo barrial con metafísica rasante. los Gorriones –una de las tantas joyas del inagotable filón platense.. es el inicio del trío formado por Nebbia. Muerte. 75. TEMAS CLAVE: “Vals de mi hogar”. La pintura de tapa de Pérez Celis completaba una obra jugada en su lírica como el paisaje que describe “El otro cambio. Eso que era un quilombo de arreglos y cambios de ritmos”. mirar media hora de MTV y no pescar el video de “Escafandra” era tan difícil como sintonizar hoy ese canal y no enganchar un reality. Allá por 1993. “El otro cambio. su hard rock embebido en Creedence y Patricio Rey. ni ellos tocaban rock. “Lo bueno fue que yo no tocaba jazz. los que se fueron”. La Renga graba su obra cumbre bajo el ala de Polygram y potencia su destreza para el rocanrol rutero. Las letras desarticuladas de Francisco Bochatón aportaban el factor irreverente al estilo del grupo. al noise y el grunge. “El bicho reactor”. . y para la pendejada que cantaba y bailaba. Gonzáles y Astarita. pero lo raro era que tocábamos en lugares populares... Peligrosos Gorriones. contó Litto. El metal melódico de “El final es en donde partí” (el “Enter Sandman” argentino) la épica arrabalera de “La balada del Diablo y la Muerte”… En fin. y se convirtieron así en figuras de aquel caótico Nuevo Rock Argentino.”. cercano al college rock. Litto Nebbia 1973 Basado en rítmicas irregulares e improvisación.se postularon para traducir al castellano aquella fiebre alternativa que dominaba el mundo anglosajón a principios de los 90. y armamos una nueva manera de improvisar. 74..La Renga 1996 Después de un hitero disco en vivo (Bailando en una pata). Muerte en la catedral.

Mundo guanaco. “El pibe tigre”. Almafuerte 1995 Dijo Iorio a RS: “Payando soy una luz. Los delirios del mariscal. Camel y Emerson. TEMAS CLAVE: “Dijo el droguero al drogador”.. TEMAS CLAVE: “Los delirios del mariscal”. . Influido por grupos como Yes.76. El ex líder de V8 se repone de la escandalosa separación de Hermética: “Premeditaron apartarme y al saberlo me hice a un lado”. Y tengo una voz muy particular por eso siempre quise cantar. el cuarteto se muestra más aceitado que en su debut. Lake & Palmer.”. declara en “Amasijo de un gran sueño”. registran dos versiones (“Desencuentro” de Castillo/Troilo y “De los pagos del tiempo” de José Larralde) y diez temas propios que son su despegue como cantante bajo el seudónimo de Pedro Bonifacio Palacios. al punto de terminar dándole nombre a su segundo y último disco. y su delirio.. “Abismo terrenal”. soy como el hijo mogolico de ese que canta en la doma”. 77. desplegando su virtuosismo en cuatro temas (sólo uno de ellos. Con Claudio Marciello en guitarra y Claudio Cardacci en batería. un largo y enmarañado instrumental que resumía a la perfección la esencia de Crucis. Crucis 1977 El mariscal en cuestión era el tecladista Aníbal Kerpel (hoy socio creativo de Santaolalla en Surco). “No me separen de mi” con parte vocal) en los que sobresale la versatilidad del guitarrista Pino Marrone.

pasa al frente de sus compañeros de colegio para asistir y bautismo del hippie-core argentino. conjunción de caracteres que jamás iba a grabar un disco hasta que un amigo les ofreció pagar la sesión en TNT. TEMAS CLAVE: “Esquina libertad”. Walas Cidade entrega la guitarra a Pablo M. TEMAS CLAVE: “3 walls”. basados en la ambición percusiva de Dani Buira y en un Andrés Ciro de lengua y pluma afiladas. por recomendación de este último.78. y. con beat sui generis. al mismo tiempo que su banda se desliza fuera de la Buenos Aires Hard Core. Banda de culto… desde los cromosomas. “Debajo del Álbum Blanco”. Massacre produce y registra Sol Lucet Omnibus: su primer disco larga duración. compuesto e inspirado en el viejo half-pipe de Ciudad Universitaria. Álbum hi-fi para las esquinas (producido por Alfredo Toth). Tres autores que se revelan y miden la profundidad de seis cuerdas de nylon por triplicado. Los Piojos 1996 En un gran año para los tanques rockeros. criollo entregan el primer clásico del skate rock nacional: “3 walls” en dos versiones. . Mariano “Manza” Esaín y Ariel “Minimal” Sanzo armaron. los tutores crossover y el stage-diving. un proyecto eventual: el trío acústico (y a veces no tanto) Flopa-Manza-Minimal. Sol Lucet Omnibus. 79. “Nuevo día”. Acá. Doce canciones que presagian. de temas que rondan el amor. pegó fuerte en el corazón de una época de vaciamiento político y héroes de trapo. Sobresalían la canción de redención a una puta (“Al atardecer”). Massacre 1992 Entre junio y julio de 1992. su idea de conciliar a los Stones con Discépolo. el himno “Maradó” (emblema del rock futbolero) y los hits bolicheros “El farolito” y “Verano del 92”. Tercer arco. Los Piojos llevaron a la masividad su proyecto de murganrol festivo y sentimental. 80. TEMAS CLAVE: “Dejadez”. Flopa Manza Minimal 2003 Florencia “Flopa” Lestani. nuevos tiempos de folk en el over-ground. Flopa Manza Minimal. la nostalgia y la esperanza del derrotado. “Al atardecer”.

Giros. 83. el disco combina la pericia melódica de Cerati con el laboratorio de Melero. TEMAS CLAVE: “Giros”. Con base de acid-house y el pop electrónico. y describe el trayecto sónico que irá a Dynamo.81. el estaba ahí. Cerati-Melero unieron fuerzas y egos para cristalizar un proyecto postergado. que logró el lugar que lo ponía en la línea sucesoria de Spinetta y García. Las Pelotas . Esperando el milagro. TEMAS CLAVE: “Cozumel”. en 1985. el siguiente disco de Soda. Su fuerte personalidad. en el que el rosarino de 22 años enfatizó desde el rock. “Cuando murió mi padre. Todo ese periodo estuvo marcado por la creación de Colores Santos. y lo mismo sucedió cuando su padre. 82. recordó Cerati. Páez se postuló como potencial aspirante a alcanzar el podio de los grandes solistas del rock nacional. pero fue con la edición de Giros. sus aproximaciones al tango (“Giros”) y al folclore (“Yo vengo a ofrecer mi corazón”). “Colores santos”. Fito Páez 1985 Con la salida del primer álbum (Del 63). un disco que hicimos por el placer de hacer música y fue una especie de ligazón con la vida a partir de situaciones muy fuertes”. decía el propio Spinetta al referirse a este disco. “11 y 6”. “Es la mejor música que se está haciendo”. Colores santos. Cerati-Melero 1992 Como Eno-Cale en Wrong Way Up. la calidad musical de sus canciones y la profundidad de sus letras no pasaron inadvertidas ni para el público ni para sus pares.

el grupo le sumó prolijidad y. 85. apareció Santaolalla y junto. “En la cama o en el suelo”. “Yo tomo”. Los Abuelos de la Nada 1982 “No creo que alguien haya logrado producir a Miguel Abuelo alguna vez”. Con la versión de “Sr. Libertinaje. El resultado es un disco prolijo que. . aunque no logra reflejar el calor de sus shows. Este álbum. como grupo y como seres humanos. esa fusión de rock con ritmos negros. Cobranza”. fue clave para plantar las bases de su innovadora propuesta estética. TEMAS CLAVE: “Sr. Cobranza” (compuesto por Las Manos de Filippi) y “Se Viene” como estandartes combativos. una cumbia-rock (“Yo tomo”) y una “Murguita del sur”. sino que les abrió las puertas en el resto de América Latina. Las Pelotas terminaron haciendo una analogía de su propia carrera: tras catorce años sumando público a paso de hormiga. su octavo disco. Bersuit le puso letra y música al ocaso del menemismo. 84. una extraña canción de amor que con el tiempo se convertiría en un hito del rock nacional modelo 00: “Será”. Bersuit Vergarabat 1998 Cuando los bersuit parecían degradados. los catapultó hacia la fama no sólo en Argentina. Pero también hay un homenaje a los desaparecidos (“Vuelos”). TEMAS CLAVE: “Tristeza en la ciudad”. el “milagro” (encarnado en convocatoria masiva y difusión radial) llegó con este. “Esperando el milagro”. Pero el resto de los integrantes entendía que la relación con García era beneficiosa y medió para que Miguel se amoldase a las directivas. Los Abuelos de la Nada. TEMAS CLAVE: “Será”. oscuridad y sensibilidad roñosa. con el productor. funk y reggae e influencias latinas. A su característica fórmula de acidez. señalo Charly García a RS. en referencia a la tirante relación que mantuvo con él al encargarse de la producción del primer LP de Los Abuelos. llegó la resurrección. fundamentalmente.2003 Queriendo ironizar sobre la costumbre argentina de esperar que caigan soluciones del cielo. una verdadera seguidilla de hits.

que produce un gran impacto en su rumbo artístico. estética moderna y un sonido seco y directo. amigos. Santaolalla emigra y en Los Angeles se encuentra con la new wave. El disco es casi una crónica de esta transformación. Intoxicados: No es solo rock & roll. narra Pity Alvarez en el prólogo del segundo disco de su segunda banda. “Está saliendo el sol”. Con este disco. TEMAS CLAVE: “Vasudeva”. Incomprendido en su momento. No es sólo rock & roll. provoca la génesis de una nueva tribu urbana: el rastone. tengo una TV color”). 87. inaugurando los años 80 dentro del rock argentino. forma el grupo Wet Picnic.86. dijo una vez”). y durante su regreso a Buenos Aires en 1981 registra su primer álbum solista. Intoxicados 2003 “En algún momento en el tiempo y por algún lugar del espacio”. el Pity se revela Jedi del monoblock y tiene sus clásicos raptos de sinceridad brutal (“Un tema de mierda”. Con Ezequiel Araujo como asesor en la producción de algunos tracks. eh!. . Identificado con el movimiento. Gustavo Santaolalla 1982 Después de la experiencia soluna. TEMAS CLAVE: “Una vela”. con descripciones del “shock cultural” (“Mama. Santaolalla. “Ando rodando”. “Reggae para los amigos”) sobre una mayor paleta de géneros (“¡Alta banda de hip hop Intoxicados. une rap con reggae con blues. ejercería una profunda influencia –notoria en el Clics Modernos-.

en que la guitarra de Skay cobra un filo de acero y la voz del Indio se pone más frontal y ominosa. Rocambole modeló un busto de nueve kilos de barro que cobraría estatus mítico al ser robado de una exposición. Gustavo Cerati 2006 De regreso a la temporada de guitarras. Nito Mestre. en esa zona franca donde sencillez y energía todo lo pueden. pero no nos privó de himnos del hippismo vernáculo como “La colina de la vida” y “Tu alma te mira hoy” TEMAS CLAVE: “La mamá de Jimmy”. Solari y Beilinson parecen recurrir aquí a la épica de los orígenes (incluye el rescate de dos inéditos: “Mariposa Pontiac” y “Blues de la libertad”) y a un sistema de grabación más moderno y recargado. TEMAS CLAVE: “La dicha no es cosa alegre”. “Caravana”. 89. Luzbelito. Nash & Young no es pura coincidencia. PorSuiGieco. “Juguetes perdidos”. Raúl Porchetto. León Gieco y María Rosa Yorio idearon un proyecto acústico e informal que. “Quiero ver. quiero ser…” 90. pese a haber sido pensado para durar. La censura de la época cercenó “El Fantasma de Canterville” (sólo está incluida en la primera edición). solo llegó a concretar este LP.88. Cerati plantó trece canciones tan claras como la fuente eléctrica que las alimenta. TEMAS CLAVE: “Lago en el cielo”. . y tanto Richard Coleman como Fernando Samalea aportaron esas marcas de guerra que delatan veinticinco años en la ruta. Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota 1996 Este álbum oscuro y potente marca el fin de la etapa más directamente hitera de los Redondos. La iluminación llegó acompañada de un par de amigos dispuestos a robarse una porción del primer plano del mundo Cerati. Charly García. Hace rato que un disco pop no sonaba tan rockero. PorSuiGieco 1976 Un grupo de estrella. Ahí. Un plan simple para devolverles a sus shows esos relámpagos que acallan hasta los ruegos por Soda. reunidos sin presiones ni pretensiones alrededor de un puñado de canciones folk: cualquier semejanza con Still. Basado en el imaginario mefistofélico del álbum. En 1975. Ahí vamos.

000”). 92. instrumentación precisa.000. TEMAS CLAVE: “El bar de la calle Rodney”. María Fernanda Aldana en “10. El Nevermind de El Otro Yo. Resultado: el gran salto de la música que no escuchan todos. TEMAS CLAVE: “Filadelfia”. Mensajes del alma. Un Diego Frenkel inspirado en la senda global latin de David Byrne (y hasta un acercamiento al hip hop) es soporte para las ideas musicales de Christian Basso. “No me importa morir”. planta bandera en la ambición de mirar el mapa musical de la región desde Buenos Aires como capital rockera latinoamericana. desprejuicio rítmico. La Portuaria 1991 La aparición de Escenas de la vida amorosa convirtió a La Portuaria en uno de los grupos más prometedores de los comienzos de los 90: mezcla de estilos. letras tan candorosas como cotidianas.91. El Otro Yo 1999 Este disco es el refugio de la última generación paria: los hermanos menores de los 90. los que vivieron en diferido el Nuevo Rock Argentino porque eran infantes (apenas arañaron el grunge) y ahora se desayunan con el audio de un país que se va al tacho. “Mira las nubes”. 93. Escenas de la vida amorosa. y una banda de hermanos mayores dispuestos a protegerlos (“Cierro mis ojos y escucho/ te estoy creyendo/ si no creo. Con frescura y virtuosismo. Abrecaminos. Ezequiel Araujo llega de Avant Press para programar la histérica belleza de la banda. muero… muero”. .

. Las crónicas crudas. La síntesis anticipada del universo del rock barrial tardío. Gieco integra ritmos folclóricos con sus raíces de rock y folk. Notable como Lito Nebbia su rango vocal para seguir el vuelo de un Pappo prematuramente magistral. “Invasión”. Los Gatos 1970 El quinto álbum de los gatos es el que los consagra como una banda revolucionaria del rock y el blues en castellano (habiendo dejado atrás el beat). coautor de clásicos como “Todos los días un poco” y “Cinco siglos igual”. Fogliatta. Valentín Alsina. TEMAS CLAVES: “Ya no sos igual”. 95. 94. las mochilas reprodujeron el logo de la banda y el Mosca se convirtió en una singular estrella de rock. Moro). Gieco firma con EMI (un sueño de la adolescencia: grabar en el sello de los Beatles) e inicia un renacimiento artístico. alcanzando una síntesis en “Los salieris de Charly”. Rock de la mujer perdida. primera expresión del “rap agropecuario”. El cantante también inaugura su sociedad compositiva con el tecladista Luis Gurevich. rock con clase (“Por qué bajamos a la ciudad”) y una banda en estado de gracia (Toth. TEMAS CLAVE: “Requiem para un hombre feliz”. TEMAS CLAVES: “Cinco siglos igual” “Los salieris de Charly”. 2 Minutos 1994 La tapa lo decía todo: el puente Alsina. “Ya nos sos igual” fue un himno generacional. con una zapada proto-stoner (“Invasión”).León Gieco 1992 Después de algunos años oscuros. puteando a los policías y escuchando punk. Producto calibrado del cruce de estilos de Nebbia y Pappo. aunque tocado en clave ramonera-cachivachera. vitales y graciosas de un grupo de pibes que se la pasan en el kiosco tomando birra. Utilizando programaciones junto a instrumentos autóctonos. ahí donde termina la Pompeya porteña y empieza este álbum debut. “Que mala suerte”. este disco rebautizado por la censura (iba a ser Rock de la mujer podrida) suena denso y melódico. Nadie esperaba que este disco pobre y entrañable se convirtiera en un suceso de 50 mil copias.

96. en este disco producido por Cerati carga con la sombría vitalidad de lo maldito. “Autos sobre mi cama”. detalles de producción artesanal. del ambient al nuevo easy listening). electrónica fuera de la pista del dancefloor y cerca del pop. en una casa de Banfield. Fricción 1986 Una obra de culto para la patria darkie. TEMAS CLAVE: “A veces llamo”. Autogestionado total. Las obsesiones oscuras y las metáforas de Coleman sobre la sociedad de consumo marcaron el pulso de la época. 97. Con Samalea en batería y Basso en bajo –ambos ex Clap-. adelantando fenómenos de música electrónica no bailable (de Air al Emisor. este disco grabado por Fernando Lamas y Sebastián Mondragón muestra una renovación y un collage sónicos junto a una tapa retro y kitsch. El disco menos experimental del dúo. TEMAS CLAVE: “Fui hecho para amarte”. Consumación o consumo. cuando Richard Coleman desistió de ser el cuarto integrante de Soda Stereo para liderar un proyecto personal. Bistró Málaga. . en el que Cerati cumplía el rol de de guitarrista invitado. “Mentol”. grabación ciento por ciento hogareña. Estupendo 1994 Heredando la falta de ubicuidad en el mapa rockero de Los Encargados de Daniel Melero. Fricción se formó en los backstages de los conciertos de la primera mitad de los 80.

TEMAS CLAVE: “Sola en los bares” y “Tierra sagrada”. Como muestra de sus raíces e influencias. más tarde. en 1991 para CBS y. Detalle no menor es que el disco cuenta con un gran aporte de producción de Charly García y con su participación como invitado. La primera. en 1992. una camada de artista que traerían aires de renovación tanto al rock como a la música popular. Si bien la primera de ellas había pasado inadvertida. bautizado en homenaje al revolucionario fotógrafo surrealista. Baglietto grabo este álbum acompañado por su banda estable. se propuso en este álbum retratar la imagen del ser porteño desde un costado optimista. permitió que “La Maga. 99. una edición independiente. “Olvídate de mi” y “Caribe Sur” se convirtieran en hits radiales. Juan Carlos Baglietto 1982 Fue mucho más que el debut de Baglietto. Perro de playa contó con dos ediciones. casi una selección de estos compositores e intérpretes entonces desconocidos: Rubén Goldín (guitarra y voz). Perro de playa. . en la grabación al Chango Farías Gómez y Manolo Juárez. sumaron. También fue el disco que marcó el arribo a Buenos Aires de la “trova rosarina”. TEMAS CLAVE: “Mirtha de regreso” y “La vida es una moneda”. Man Ray 1991 El grupo de Hilda Lizarazu y Tito Lovasio.98. Tiempos difíciles. Silvina Garré (coros) y Fito Páez en teclados. el relanzamiento del disco.

100. Roque Narvaja 1972 Tesoro oculto del rock argentino. Octubre (mes de cambios). Pedro y Pablo. cuyo talento embellece estas canciones magistralmente cantadas y tocadas por Roque. lo que disparó la censura y un destino casi maldito para este álbum TEMAS CLAVE: “Traigan un vino”. Algunas letras políticas reflejan la convulsión de la época. . el primer álbum solista de Narvaja sintetiza la confluencia de un grupo de músicos alrededor del sello Trova que generó un sonido de rock acústico con influencias del folk estadounidense y del folclore latinoamericano. “Octubre (mes de cambios)”. Entre ellos estaban Nebbia. con guitarras acústicas y charangos. Domingo Cura y Uña Ramos.