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Años es todo.

Las encuestas sobre los grandes discos de la historia del rock son un ente mucho más dinámico y cambiante de lo que suele suponerse. Las perspectivas de apreciación histórica se modifican en períodos más o menos cortos (¿cinco años? ¿diez?), más allá de que, lógica y merecidamente, hay cánones difíciles de desbancar. En esta votación sin precedentes, en la que -a cuarenta años de la edición del simple "La balsa" de Los Gatos- músicos, periodistas, productores, representantes, fotógrafos y gente fuertemente relacionada con la historia del rock nacional eligen los 100 grandes álbumes de todos los tiempos, Luis Alberto Spinetta sobresale como el artista con mayor cantidad de obras seleccionadas. Una conclusión previsible. Ahora bien, una década atrás, ¿hubiera sido Artaud el número uno? Sin duda, el tiempo le concedió a esa obra de vanguardia, insuperable en su especie, el valor que se le atribuye a los sueños perdidos (aunque latentes). En ese sentido, el resultado general es fascinante: la lista y los textos que la acompañan permiten una nueva aproximación a la complejísima historia del rock argentina, a bucear en los detalles y las circunstancias creativas de un centenar de discos irrepetibles. A los escépticos del rubro pero fanáticos de la música (nosotros nos incluimos en ambas categorías), no les hará falta más que dar vuelta la página para bajar las defensas y entregarse al goce, la memoria, el descubrimiento y la indignación. Porque puede que veinte años no sea nada; pero cuarenta, a juzgar por lo que se ve por aquí, son demasiado. Y la buena noticia es que la piedra sigue rodando
PRODUCCION PERIODISTICA: Juanjo Carmona. ESCRIBEN: Claudio Kleiman, Oscar Jalil, Diego Mancusi, Juan Ortelli, Pablo Plotkin, Humprey Inzillo, Juanjo Carmona y Ernesto Martelli.

1. Artaud. Pescado Rabioso 1973 Antonin Artaud nunca quiso que su obra fuera considerada literatura. Del mismo modo, Artaud nunca quiso ser un disco, sino un gesto de vanguardia. Sin embargo, ahora lo es: el mejor de la historia del rock nacional, según esta votación. Es cierto: el álbum de L. A. Spinetta firmado por Pescado Rabioso ("¿Vieron? Pescado era yo"), como si fuera el tercer LP del grupo, y bautizado como el poeta maldito francés, contiene música registrada en unas líneas circulares sobre un plástico negro. ¿Entonces? Entonces empecemos por recordar la mítica tapa, que de mera decoración o funcionalidad tenía poco. Spinetta la llamaba la "deformé". El boceto que le envió al diseñador Juan O. Gatti ni siquiera podría considerarse "estrella", es inclasificable. Claro; el primer problema de ese pack era ubicarlo en las bateas y discotecas hogareñas. Efectivamente, el disco-objeto era un inadaptado: denunciaba con su deformidad la cuadratura, la falta de libertad y el sometimiento a la geometría industrial del resto. Qué mejor síntesis sobre la vida y obra de Antonin Artaud. Decía el escritor francés en "Surrealismo y revolución" (1936): "Más que un movimiento literario, [el surrealismo] ha sido una revolución moral, el grito orgánico del hombre, las palabras de nuestro ser contra toda coerción. En primer lugar, contra la coerción del Padre". Para neurosis de los coleccionistas es imposible encontrar una tapa original de Artaud sin las puntas ajadas: ese desafío a los patrones (padres) geométricos e industriales se pagaba con la degradación. Otra forma de hablar del trágico destino de Artaud. Y eso que todavía no pasamos de la tapa. Sigamos. En el booklet del disco, que parecía prospecto de remedio, también se leía: "«Acaso no son el verde y el amarillo cada uno de los colores opuestos de la muerte, el verde para la resurrección y el amarillo para la descomposición y la decadencia?» (Antonin Artaud, carta a Jean Paulhan, París, 1937)". De ahí las tonalidades de la portada y el gag de salir a escena con guantes verdes en uno de los shows de presentación del álbum en el Astral, durante la primavera de 1973. En realidad, Spinetta buscaba redimir el mensaje nihilista y el contagio de dolor que acarrea la obra artaudiana. Artaud funcionaba como un antídoto contra Artaud. La contrafigura siempre es Lennon (de ahí el "She Loves You" en el collage de "A Starosta, el idiota"). "Para él [Artaud], la respuesta del hombre es la locura; para Lennon es el amor. Yo creo más en el encuentro de la perfección y la felicidad a través de la supresión del dolor que mediante la locura y el sufrimiento", le aclaraba a Eduardo Berti en los 80. La interpretación spinettiana era bien rockera. En un reportaje de 1973 aparecido en Gente, Spinetta resumía: "Artaud fue un tipo que vivió la vida de un rockero, como si fuese Hendrix". El Artaud-Hendrix spinettiano empujó a muchos a la lectura del poeta, produciendo lo que la revista Algún Día en 1974 llamó "la onda Artaud que se ha desatado en Argentina". Luis Alberto sabía que tenía que ser didáctico: en sus shows exhibía "diapositivos" (sic) con textos de Artaud y entregaba un manifiesto "Rock: música dura, la suicidada por la sociedad", donde denuncia la "profesionalización" y el "negocio" del rock, además de oponerse a la etiqueta de "música extranjerizante" en boga en aquellos días en que el rock era una subcultura de domingos a la mañana y una música "progresiva" que se oponía a la oficial, la "complaciente" de los Palitos y los Sandros. Aquel ritual de mil quinientos roqueros un domingo a la mañana en el teatro Astros era descripto por Jorge Pistocchi en una nota de Pelo: "Cada uno se prepara a entender. Nos dan un papel escrito, con claves que no son gratuitas. En él se reúnen distintos estallidos de Kerouac, Artaud, [Miguel] Grinberg, Thomas Merton, Luis, Timothy Leary, etcétera. Y nos abren el paso". Eran tiempos pre YouTube, tiempos en que los libros y cierta forma de arte alimentaban la idea de contracultura. Hasta el dúo folk naif Vivencia usaba una pintura de Van Gogh en su disco Mi cuarto y los duros de Vox Dei en La nave infernal instalaban un collage de Max Ernst en tapa

y un poema de Rimbaud en la contra. En los recitales del Astral, de "teloneras" se usaban películas mudas como El perro andaluz, El gabinete del doctor Caligari y cortos del argentino Hidalgo Boragno, todo musicalizado por El lado oscuro de la luna, Pompa y circunstancia de Edward Elgar y Héroe de guerra de Hendrix. La palabra clave en la Argentina de 1973 era "liberación". Volvían la democracia y Perón a escena: el candidato del justicialismo, Héctor Cámpora, prometía una "patria liberada". A comienzos de aquel año, los roqueros porteños comenzaron a reunirse los domingos en Parque Centenario para debatir sobre cuál sería el lugar del rock. Músicos como Spinetta, Emilio Del Guercio, Rodolfo García, Gustavo Spinetta (estos tres fueron los únicos músicos que acompañaron a Luis Alberto en Artaud ), Miguel Abuelo y otros se sentaban a la sombra a charlar con periodistas como Grinberg o Pistocchi, y quienes eran su público. "Teníamos una visión más holística de la revolución", nos recuerda Del Guercio. "Nos preocupaba saber cuál iba a ser el lugar del arte y la cultura en la sociedad por venir, cómo la transformación personal de cada uno y la comprensión del otro podían modificar la sociedad. " De ese cuestionamiento total es hija la libertad de Artaud. El rito del Centenario terminó "y ahora nos reprimen igual que antes del triunfo de Perón. (...) Vos sos parte de la liberación. No tiene que ser espectacular, estará formada de pequeños gestos y grandes ternuras", escribía resignado Grinberg en su revista Rolanroc, donde también figuraba el manifiesto "Rock: música dura...". En ese manifiesto, Spinetta recurría a la misma idea "micropolítica" de liberación: denunciaba su "yo enfermo" por su incapacidad de expresarse de manera más directa (más artaudiana), consigo y con los demás. Como su primer disco solista post Almendra, Spinettalandia y sus amigos (72), Artaud funcionaría como un "automanual de autoayuda". Esa autoliberación implica aislarse, despojarse de todos y de todo: otra vez, el Lennon post Beatles que busca purgarse; su mensaje de amor a Yoko redime todo el nihilismo de Artaud. Aquellos 70 eran años de "psicodelia reflexiva", como se puede comprobar en la letrística de Molinari, Smilari o Pappo y su dialéctica de "pensamiento versus locura". A Spinetta, la "divina tragedia del pensar" de Artaud (como la llama Susan Sontag) y el disco El lado oscuro de la luna le sirven para articular esa problemática relación entre alucinación y alienación, como queda claro en las voces internas de "A Starosta" o en "La sed verdadera" y sus enajenaciones espaciotemporales. Otro tema esencial: encontrar una forma de vida en la madurez. Como sucede en Floyd y en el Graham Nash de "Teach Your Children", "Todas las hojas son del viento" provee leves instrucciones para rockeros que van madurando y formando familias, y deben afrontar la paternidad siendo antipaternalistas. El "yo enfermo" que quiere liberarse sabe que "las palabras nunca son/ lo mejor para estar desnudos". Así, Artaud fue un laboratorio de la canción. Por un lado, la letra. Aquí se llega al máximo de desarticulación del discurso poético en "Por", construido a partir de sustantivos sueltos que surgen de las líneas melódicas. Hay un redescubrimiento de la dimensión poética de las palabras que sólo puede lograrse liberándolas de la oración. Por otro, la música. Resaltan los nueve minutos de la "Cantata de puentes amarillos", que continúa el formato fluido de una rapsodia o una canción "muy celular" como la llamaban los Incredible String Band, en quienes los Beatles se inspiraron para "Happiness Is a Warm Gun". El modo en que se canta la palabra-fetiche "mañana" (de ahí viene el que ya es un refrán clásico del rock nacional: "Mañana es mejor") es un punto alto. También la burocracia versosestribillos o tensión-distensión ("Superchería") es puesta en duda. ¿Qué significa que Artaud sea elegido el mejor disco del rock nacional en el año 2007? El paso del tiempo obligó a su reducción: de vinilo con tapa "deformé" a vinilo con tapa cuadrada en los 80, luego cd diez años después, ahora mp3 almacenado en un disco rígido. ¿Qué queda de aquel Artaud que no quería ser sólo un disco sino un acto cultural liberador y lo repetía desde la molestia de su tapa? ¿Sólo grandes canciones? Más: un aura de algo irrepetible. Un pelo de pincel en el color. El aura de una forma de hacer y ser rock más directa, más artística, más artesanal y menos masiva que ya no existe desde 1982. O sea, un ayer mejor: todo lo contrario de lo que el álbum quería enseñarnos en 1973.

2. Clics modernos. Charly García 1983 POR CHARLY GARCIA. Hoy, en 2007, no le cambiaría nada a Clics. Es un disco autoproducido hasta económicamente, hecho en Nueva York, donde conocí a Joe Blaney. Compré los instrumentos, me instalé un estudio de dieciséis canales en el Village y apareció en un momento Pedro Aznar con su novia e hicimos el primer reality show, estábamos con Zoca, los cuatro, en el loft y… siendo tan histéricos no sé como hicimos para convivir. Sí me acuerdo que cruzábamos Washington con un carrito de supermercado lleno de emuladores y equipos… Yo ya había grabado un disco en L.A. –el primero de Serú Girán- y me había servido de experiencia, pero solía tener muchos problemas para plasmar los sonidos que quería. El arranque del disco fue así: voy a los estudios Electric Lady y les digo: “Quiero alquilar the best, alquilarlo”. El dueño me dice: “Tu padre es rico o qué?”. Yo le muestro la plata y me pregunta: “Un café?”, además de darme una lista de ingenieros el último de los cuales era Blaney. Lo llamé y apareció al otro día, alto, cool, zapatitos de leopardo… Vio el loft, la mesa Tascam de dieciséis canales; le mostré mis discos y quedamos en empezar. Yo necesitaba un baterista y me encantaba el de Jan Hammer; lo probé y no me rindió, no pasaba nada, incluso fuimos a grabar y yo le pregunté a Blaney qué sonido de batería podía sacarle. Y no funcionaba: sabíamos que tocaba fenómeno, pero cono nosotros no funcionaba. Y al otro día no me quedó otra que poner una batería electrónica TR 808 y grabamos “Nos siguen pegando abajo”, y se armó. Blaney se dio cuenta, todos nos dimos cuenta y seguimos con máquinas. Es el primer disco que tiene un sample de James Brown. En la mitad de la grabación, Grinbank ya le había prometido a Blaney hacer la mezcla, pero después se le ocurrió mandarme a Los Angeles. Ahí me agarró un tipo cínico que no era mal ingeniero pero era cínico. Todo mal. Cuando ya estaba llorando en la pileta de un hotel, al tope, en el medio de la nada, me tiré en la parte baja y me pegué un cocazo… Me acuerdo que volví a la habitación, sonó el teléfono y era Blaney; yo le pedí perdón en todos los idiomas y me dijo: “Tengo cuarenta horas de estudio en Nueva York…” “¡Sí!”, le dije “¡Sí!”. Esa llamada de Blaney fue providencial. Volví solo a Nueva York y no era como ahora, que llevás la información en un iPod: eran cintas de veinticuatro canales, repesadas y yo cargando todo. Y… ¿no lo va a cargar Grinbank, no?. Llegué a Unique, donde tenía cuarenta horas y lo compartí con Laurie Anderson, que estaba grabado el disco siguiente del que tiene “Oh Superman” y cenábamos con Laurie, trabajábamos ahí, y me pareció lo máximo. Me acuerdo exactamente la mezcla de “Ojos de video tape”, cuando están los sintetizadores, y me parecía lo más. La tapa la hice junto a Uberto Sagramoso. Al disco yo lo iba a llamar Nuevos trapos, pero me en una calle había una figura como la que pintaban acá de los desaparecidos, pero en negro, y decía MODERN CLIX y me pareció un muy buen nombre. En realidad era un grupo de ahí. La nave despegó. En esa época yo escuchaba Sandinista y seguramente Joni Mitchell, ésa era la época en que surgió el rock de peluquería. Y no había muchos grupos que me gustaran (lo que descubrí de la new wave lo descubrí después). Lo que escuchaba era Men at Work, porque sonaba… todo el tiempo. También Synchronicity, de The Police. Lo difícil de entender era que nadie había hecho una polirritmia entre máquinas y sonidos tocados. El aporte de Joe fue mortal, porque la primera vez que tenía un ingeniero american, que había grabado con The Clash y no sé qué; o sea, era rockero, del palo, norteamericano y estaba grabando en la sala A

de Electric Lady, que es el mejor estudio del mundo. Ahí te das cuenta de cómo es el sonido, cómo son los discos y cómo se hacen. Hay muy pocos discos de rock acá. Grabados acá, que suenen a rock. No sé qué es, creo que les ponen mucho bajo. Tenían sonido de disco, es decir, de vinilo… que es algo muy particular. Para mí, los casetes son para la playa, los Cds para los yuppies, y los discos son discos. Y este álbum tiene una artesanía de disco, está hecho como un disco, no solamente hacer una canción y grabarla, sino que hay una serie de reglas escritas y no escritas de cómo se hace un buen disco.

3. Manal. Manal 1970 Uno de los grandes pilares sobre los que se asienta todo el rock argentino es el álbum debut de Manal, aparecido durante los primeros días de 1970. Javier Martínez, un fanático de la música negra que había pasado por los Beatniks – el pionero grupo surgido en La Cueva y liderado por Morris-, estaba convencido de que se podía hacer música de blues en castellano, y llegó a encerrarse en un sótano para desarrollar su propio estilo de batería y “gastar” su voz para asemejarse a cantantes afroamericanos como Ray Charles. Su encuentro con Claudio Gabis, un joven casi adolescente pero ya virtuoso de la guitarra y estudioso del blues, dio el puntapié inicial para la formación de un trío (a la manera de Cream y Jimi Hendrix Experience), que se completaría con la llegada de Alejandro Medina, músico experimentado que había integrado Los Seasons. Cuando en una fiesta los escucha el editor Jorge Alvarez, se entusiasma tanto que decide crear, junto a los jóvenes Pedro Pujó, Javier Arroyuelo y Rafael López Sánchez , el primer sello independiente del rock local: Mandioca, que ya desde el nombre amenazaba con ser una versión latinoamericana de Apple de los Beatles. Un par de simples, especialmente “No pibe”, dieron la pauta de que el trío, cuyas actuaciones en vivo ya eran leyenda, podía alumbrar una gran obra también en el estudio. Pero su primer álbum sorprendió a propios y ajenos. La tapa, un collage fotográfico con los integrantes del grupo dentro de una bomba a punto de estallar, no podía ser más acertada: ése fue el efecto que provocó el primer álbum de Manal en la música argentina, y en las cabezas de los jóvenes que en ese momento compramos el disco. El riff que abre “Jugo de tomate” ya nos prepara para lo que vendrá; ecos de soul y psicodelia en la guitarra, una batería que aporta redobles jazzeros, y un bajo liquido y embriagador, con una presencia que nunca antes había tenido ese instrumento en grabaciones realizadas en el país. Poco después, entra esa voz negra repitiendo un estribillo casi mántrico, que es a la vez una feliz metáfora sobre lo que se necesita para alcanzar el éxito en la sociedad de consumo: “Jugo de tomate frío/ en las venas deberás tener”. A continuación, unas notas sumergidas en eco del órgano de Claudio Gabis y la voz de Javier que parece venir de otra dimensión, relatando vívidamente un renacimiento espiritual: “Porque hoy nací/ hoy, recién hoy/ el sol me quemó/ y el viento de los vivos/ me despertó”. Nos despertamos de esa experiencia y aterrizamos en plena “Avenida Rivadavia”, plena de swing jazzero, con la voz soulera de un joven Alejandro y esos enamoramientos repentinos que nos ocurren frecuentemente en la calle: “¿Cuando subiste a mi tren, mujer/ que yo no te vi?”. Llega el blues con “Todo el día me pregunto”, y la acertada descripción del “naufragio”, la forma de vida que había adoptado la generación de La Cueva: “Para qué vivo así/ caminando sin parar/ casi siempre sin dormir”. Era hora de dar vuelta al vinilo para la apertura del lado B, con unos de los temas más perfectos de todo el rock local: “Avellaneda Blues”, un relato suburbano genialmente imbuído de melancolía porteña, la sequedad de sus versos arropada en una armonía jazzística, y un solo de Gabis mezcla de Bloomfield y Coltrane. “Una casa con diez pinos”,

y lo que Patricio Rey venía a interpretar era una época de batallas culturales en las que el enemigo sería más difícil de identificar que un grupo de tareas. A eso se refería Solari cuando.". marca una bidimensionalidad.. 4. basada en un fraseo de guitarra del inigualable Skay Beilinson.quizás el tema más esperanzado de Manal. "Para mí es un poco la paranoia de la droga. retoma el ideal de los “vagabundos del Dharma”. "Divina TV Führer" concilia la tensión atómica con la explosión del mercado publicitario. también apreta el pedal en un sinuoso riff. en sus acordes dolientes pero vitales. Juan Carlos Kreimer. o empatar/ prefiero sonreír/ mirar dentro de mí/ fumar o dibujar/ para qué complicar”. Una escalada sonora rústica le gana terreno a la catástrofe nuclear y a los fuegos de una revolución oscura. del beat más rabioso al blues más sentimental. la aparición en el horizonte de una tropilla de sobrevivientes después del desastre (¡Chernobyl!). séptima canción del disco y tema favorito de la mayoría ricotera. Y anoto: spirituals porteños. mientras la guitarra acentúa las frases con yeites a lo Steve Cropper. mientras que "Canción para naufragios" cronometra el tiempo que le hubiera llevado a un misil viajar de los Estados Unidos a Rusia (o viceversa): "Son 6 minutos y nuestra mami va a contestar. Un disco cyberpunk hecho por hombres de formación beatnik. Final. para no ser menos. El bajo responde a la voz soulera con una línea cargada de notas. ni noticias. el verdadero comienzo del segundo álbum de los Redondos es más bien un advenimiento. Lo que el Indio Solari -un treintañero que enfrentaba al público de rock en mangas de camisa. el sonido de una generación que quiere creer”. La masa Berni-bolche-vique que ilustra la tapa del álbum evoca una épica revolucionaria que por entonces parecía derrotada. se respiraba el arte de la venganza). se lo contaba así a Gloria Guerrero: "Las ideas salieron de una noche de fernet. Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota 1986 Pese a las explosiones iníciales. en diálogo con ROLLING STONE. terrorismos y sueños teledirigidos. multitudes. El final es para denunciar. su autor. la mecanizada rutina del hombre de la ciudad. periodista pionero del rock. «Jijiji» es una risa medio perversa. una vez más. Oktubre. trataba de desmenuzar el sentido de "Jijiji". Las voces llegan de la agonía de la Guerra Fría y de un futuro de éxodos. Del destape democrático (o su desencanto). definirá para siempre la sumisión anhelante del mer-quero argentino: "La veo casi como un demonio/ y rasco la alfombra por su amor". es como que todo lo que estás diciendo no es una afirmación. El Oktubre Rojo y el Octubre Peronista. en efecto. Pero la guerra subliminal que libraba el disco era mucho más abarcadora y profunda: lo que estaba en juego era el "secuestro de tu estado de ánimo" ("Ya nadie va a escuchar tu remera"). Así. estaba ahí para espolvorearlo todo. cuando alguien está a la deriva dentro de esa situación." La cocaína. Rocambole. Primero . El Indio veía banderas. pelada oficinesca y bigote montonero. una búsqueda al margen de la sociedad y en contacto con la naturaleza: “Poder ganar. en el espectro de ritmos que abarca del hard rock al soul. escribía en sus certeras notas de tapa: “De regreso [del estudio] pienso en la depuración del conjunto. un catálogo de visiones distópicas puesto en la escena de un presente alterno: unos años 8o que no tienen nada que ver con los raros peinados nuevos ni la posmodernidad.. las transformaciones tecnológicas a la par de la crisis económica y la paranoia inflamada por el consumo de cocaína. una obra conceptual motorizada por el resentimiento post dictadura (más que ímpetu de liberación. en una suerte de “Nosotros vs Ellos”: “No miro el techo/ para ver más que yeso/ y la ventana me sirve para mirar/ un edificio con gente que desayuna/ se peina o fuma/ en la rutina de continuar”. y Gabis. en sus fraseos delirantes y exactos. Medina graba un bajo con distorsionador. "Semen Up". y el siempre presente anhelo de escapar.tenía entre manos era un álbum programático.

siguió cantando en inglés en una época difícil para la lengua de Byron y convirtió a Sumo en una formación capaz de transformarse en grupos paralelos como Ojos de Terciopelo. Todo el álbum está filtrado por un velo sonoro opresivo. Cinco tipos en estado de shock permanente frente al tornado que dirigía una orquesta desquiciada. Pero lo más interesante aparece en la extraña integración entre la idiosincrasia de un italiano fugitivo y sus secuaces argentinos. Las canciones tienen ese ánimo. Tito Fargo como segunda guitarra. "El técnico descubrió el reverb en el ínterin y hacía que todo sonara como en el baño de nuestras casas". Divididos por la felicidad. Sumo comenzó a grabar su primer disco en octubre de 1984. Sin embargo. Una agria epopeya de nueve canciones. con Osvel Costa como técnico de grabación. protestaba Willy Crook en La Adición. en esa mezcla de estados alterados reside la peculiar grandeza del disco. Oktubre fue registrado en los estudios Panda de la calle Seguróla. Un juego de profecías convertido en remera. Sin experiencia previa. y la Hurlingham Reggae Band. Sumo 1985 A destiempo y gracias a algunos signos providenciales. Y fue justamente el repertorio jamaiquino de este último alias el que cautivó a un capo de CBS. cantaba raro y revelaba los síntomas de la enfermedad cada vez que subía a un escenario. el sexteto trasladó al estudio la anarquía que dominaba sus shows. 5. y el rock como todo llanto. En esa mezcla de hambruna y furortecnológico. De allí proviene el reggae blanco con mueca prepotente. el álbum debut de Sumo. una especie de tremor precario que lo ubica en un plano de percepción extrañamente lejano. Luca sabía que no le quedaba mucho tiempo de vida y decidió jugar esas últimas cartas en un proyecto imposible. Daniel Melero en teclados y Claudio Cornelio en percusión. aunque ya convocaban a más de mil personas por show. A dos años de la edición de su debut (Gulp!. la expresión sobrevivió a la resolución: el segundo disco de los Redondos encarna el espíritu de un rock que asume su ubicuidad política en las últimas décadas del siglo XX. el rock argentino pudo recuperar de golpe casi ocho años de historia y completar la asignatura pendiente que dejó el punk como bomba de cambio: Divididos por la felicidad. Después de algunas charlas y con el compromiso de agregar algunos reggaes al track list. salvo una producción independiente registrada en casete bajo el título de Corpiños en la madrugada (1983). Sumito. apareció como un manual de supervivencia para la generación post Malvinas justo cuando empezaba el fin de la alegría democrática. Todos los integrantes tuvieron su cuota de opinión en cómo debía sonar el disco y de esa bendita inocencia surgió un ruido tan real como imperfecto pero la conjunción de esos elementos fue una explosión de novedades. haciendo pública una insatisfacción que. el de interpelar estéticamente al mundo. absorber elementos históricos y reordenarlos en un espectro de pesadillas y alucinaciones. de valses eléctricos mortuorios y rocanroles festivos. de militancia frustrada y bohemia romántica.iba a ser todo rojo y negro. al menos parcialmente. los Redondos todavía eran una banda underground. y los primeros experimentos entre rock crudo y música electrónica. En el reverso se ve la Catedral de La Plata en llamas: un símbolo revolucionario". La tipografía parece soviética al estar invertida una letra. El eje maestro que formaban Ricardo Mollo y Diego Arnedo dejaba lugar para el expresionismo ruidoso de Germán Daffunchio o los raptos esquizoides del saxo de Roberto Pettinato . las derivaciones del punk como materia evolutiva en la búsqueda de climas oscuros y actitud combativa. El impacto fue tremendo y aún hoy sigue sorprendiendo la irreverente mirada de Luca Prodan para sacudir una escena tan alejada de sus años de formación en la lejana Inglaterra. Invitó ahorros en equipos e instrumentos. grabado por Lito Vitale). pero cuando lo fui haciendo más abstracto le agregué el gris. compartía con Solari y Beilinson.

la traducción imperfecta tenía algo de apropiación criolla y homenaje velado. Otra extraña conexión: la letra de “Mejor no hablar de ciertas cosas” pertenece al Indio Solari y fue cedida por el líder de los Redondos luego de comprobar que Luca se había adueñado de la canción cuando lo reemplazó en una ocasión en que la banda platense tocó sin su voz original. Rodolfo García y Luis Alberto Spinetta encontró su lugar entre el purismo beat de Los Gatos. la banda inglesa que marcó el camino a las tendencias conocidas como after-punk y dark-rock. contenía un dibujo de Spinetta que hoy es un ícono insuperable. toda la generación del reggae y ska. La tapa mostraba una imagen tomada de la televisión en la que dos ballenas yacían en una playa. magnética. En “Mula plateada”. y desde los ritmos roots hasta las primeras implicancias del dub están presentes en esas intervenciones: por momentos Sumo parece Clash y con el tiempo Clash se parece a Sumo. Almendra 1970 Spinetta no mintió si alguna vez dijo: “Almendra preparó por el metódico ejercicio de la búsqueda de la autenticidad”. conocen de memoria el tratado de estilo que un italiano escribió hace más de veinte años junto a cinco inadaptados. En lo más alto. . Spinetta sentó para siempre el estatus poético del rock argentino y la banda inauguró la convivencia de influencias como los Beatles y Piazzolla (“Laura va”. atrapados por las nuevas corrientes propulsadas por los Beatles. decidieron pintar su propia aldea desde el living de una casa de la calle Arribeños.y. para encontrar y pulir las canciones que conforman este primer álbum de uno de los grupos más innovadores e inspirados de la música en castellano. Divididos… invitaba a descubrir y perderse en su simbología oscura. El título incluye más señales: como una cita explícita a Joy Division. como auténtico guardián del tiempo. Edelmiro Molinari.Buena parte de lo que escuchamos hoy nación con el disco azul de Sumo. TEMAS CLAVE: “Fermín”. Almendra. Plagado de enigmas para la época. con el bandoneón de Rodolfo Mederos). considerado por Prodan “el mejor batero blanco de reggae del mundo”. por detrás. la psicodelia de Los Abuelos y el blues urbano de Manal. surge otro de los destellos vaguardistas y “Debede” suena más actual que LCD Soundsystem con su desarrollo electro-disco-punk. La tapa. al sur de todas las cosas. y ni qué hablar de Intoxicados. La primera aproximación al sonido Sumo atrapa desde el cuchicheo de las chicas pitucas que planean estrategias de seducción antes que arranque el estallido disco-funk de “La rubia tarada”. una danza mala onda con pasajes de comedia a cargo de Geniol. el bravo clamor de Luca llamaba a tomar las armas aunque la cadencia de un reggae sugiriera lo contrario. En cada escala reggae del disco sobresale la técnica marciana de Troglio. Superman Troglio enderezaba todos los desniveles de la muralla. Desde Los Piojos a Los Tipitos. un ska con rítmica tribal. del barrio de Belgrano. “Muchacha ojos de papel”. Su edición. 6. revolucionó la escena inaugural del rock cantando en castellano y fue un pilar fundamental para la construcción de un lenguaje y del movimiento. El cuarteto formado por Emilio del Guercio. el 29 de noviembre de 1969. Almendra fue el resultado de la unión de cuatro adolescentes (tres de ellos egresados del colegio San Román) que.

de la música nacional. y en el empuje rocker de “Rasputín” y “Paisano de Hurlingham”. así como una apreciación –que suele aparecer con la distancia. el trío se alió al productor Gustavo Santaolalla. La era de la boludez. Acariciando lo áspero (1991). La propuesta alcanza un pico de alto poder emotivo con la versión de “El arriero”. El álbum. dando origen a una de las obras más profundas e impactantes del rock latino de los 90: La era de la boludez. clásico de Atahualpa Yupanqui transformado en una especie de blues hendrixiano por una interpretación memorable de Mollo. que canta en forma degarradora y ofrece dos de sus mejores solos de guitarra registrados en el disco. . pero lo que aparece con fuerza aquí es la influencia del folclore. suerte de baguala de voz y bombo. funk y post punk. estableciendo su sonido y su personalidad. la dupla Ricardo Mollo-Diego Arnedo había dejado atrás el fantasma de Sumo. Divididos 1993 Con el disco anterior. El ingreso de Federico Gil Solá en la batería (un argentino que había vivido quince años en San Francisco) fue fundamental para su consolidación. demostraba su viabilidad comercial. en el que el grupo superpone un reggae con ritmo de 6x8. La grabación en los estudios Cam-Am de Los Angeles. El grupo también deja aparecer su faceta experimental en “Tajo C”. Esta apertura dio origen a temas como “Ortega y Gases”. un título que definía el falso esplendor de la era menemista. consigue transmitir con un sonido cálido y analógico todo el rango y dimensión de la música del trío. La participación de invitados como Bruce Fowler –ex Zappa. pionero de la integración entre rock y música autóctona con Arco Iris. La potencia de Divididos está en temas con ingredientes funk como “Salir a asustar” y “Salir a comprar”. Para su tercer álbum. especie de chacarera con un trabajo descollante de Arnedo en el bajo. además de la solidez instrumental del trío. ya que aportó la potencia de un intérprete fogueado en el Primer Mundo. dando origen al “chaca-reggae” (con una notable intervención de Santaolalla en charango). que había comenzado a insinuarse en el disco anterior con “Haciendo cola para nacer”. con excelentes ventas y hits como “El 38” y “Ala delta”. TEMAS CLAVE: “El arriero”. con el famoso ingeniero Tony Peluso. El grupo ya venía ensayando con éxito su particular amalgama de rock. principal hit del álbum.7.en trombón (“Dame un limón”). alentado por Gil Solá y también Arnedo (cuyo padre fue el prestigioso folclorista Arnedo Gallo). “Que ves?”. “Huelga de amores” y “Que ves?”. Santaolalla. y el coproductor Aníbal Kerpel en vibráfono y Hammond contribuyen a realzar la variedad. que obró como catalizador de su talento. estimuló esta tendencia. el instrumental “Pestaña de camello” (Mollo utiliza su guitarra a la manera de un sitar) y en la jam psicodélica de “Indio. dejá el mezcal”.

“Escúchame entre el ruido” y “Ayer nomás”.8. Canción animal. sumado a las guitarras ruidosas del pre grunge –encabezado por bandas como Screaming Trees. Se grabó en los Estudios TNT (Buenos Aires). precisa y calculadora. “De música ligera”. 9. en una consola de cuatro canales Ampex. el trío acusó la necesidad de un cambio para privilegiar las canciones por sobre los efectos de producción. y transformó esa canción en un clásico. ¡Y ni siquiera yo me la sé entera y de memoria!. en la calle. Y la lujosa backing band la integraban amigos: Claudio Gabis. Moris 1970 “A veces me encuentro con gente que. “(En) El séptimo día” y. pero tiraban para adelante”). impulso del pujante movimiento de rockeros emergentes (Manal. lleva vendido casi medio millón de copias. mantiene un promedio de ventas de diez mil copias anuales. El productor ejecutivo fue Jorge Alvarez. dueño de un órgano Farfisa. “El oso”. modernísima para la época. Y aún hoy. sobre todo. El truco funcionó a escala continental y después de casi dos años de giras interminables. El espíritu valvular de los viejos discos de Pescado Rabioso. manejada por los técnicos Salvador Barresi y Julio Costa (“estaban acostumbrados al tango. El disco. 30 minutos de vida. entre otros. sobre una base hipnótica. cuenta Mauricio Birabet (Moris). me canta <<De nada sirve>> de principio a fin. Tiene que ver con una problemática que sigue vigente: la igualación total de la forma de vida. De esa mezcla entre pasado y presente nación un registro tan perdurable como los estribillos de “Un millón de años luz”. Canción Animal es la respuesta a tanta sofisticación el primer registro en que Gustavo Cerati empieza a mirarse como un heredero del rock argentino de los 70. grabado y editado durante la dictadura de Onganía. Smithereens y Pixies. Otro factor . a treinta y siete años de su edición original. Miguel Abuelo…). igual que la mayoría de las que integran 30 minutos de vida: “El oso”. TEMAS CLAVE: “De nada sirve”. Y esboza una explicación: “Creo que es porque significa algo para sus vidas. Es una canción universal… y un poco neurótica”. Pappo y Richard Green. Javier Martínez. el organista de los In. Soda Stereo 1990 La presencia funk de Carlos Alomar en Doble Vida convirtió a Soda Stereo en una máquina fría. Color Humano y Vox Dei. Moris improvisó esa letra existencialista de casi ocho minutos (con más influencias de Albert Camus y Jean-Paul Sartre que de Bob Dylan).formaron el marco de referencia para la renovación.

1. adaptando el esquema de power trío inaugurado por Cream y Jimi Hendrix Experience –mezcla de blues y psicodelia. señaló el cantante en el número 60 de RS. TEMAS CLAVE: “Media Verónica”. TEMAS CLAVE: “De música ligera”. Nada de eso. Pero varias estrategias fatales del productor invisible influyeron en Cerati y terminaron como algunas de las mejores ideas para el disco definitivo de Soda. En esa intención de revertir los extremos. “Fue un momento muy inspirado del grupo. blancas. Vol.determinante fue el ingreso de Daniel Melero en el rol de cuarto integrante. Frente a obras futuras. Alta suciedad conserva los niveles de equilibrio que identifican a toda masterpiece. Pero luego de un viaje . Tom Waits y Keith Richards. El Groove es bien negro y las influencias. Alta suciedad. “Loco”. y Decidí contarlo delataba de antemano su carácter confesional. el guitarrista ya había establecido el formato. La incorporación alteró los vínculos de un triángulo sin fisuras hasta ese momento. Andrés Calamaro 1997 Antes de alcanzar el título imborrable de Alta suciedad. 11. pero la desilusión tiene letra de tango y ausencias infinitas. y Daniel fue una pieza clave”.a una sensibilidad urbana que se integraba con naturalidad al rock nacional de comienzos de los 70. los quince tracks de álbum hoy parecen una módica suma de canciones que iniciaron el camino hacia la fabulosa desmesura de Honestidad Brutal y El salmón. 10. El círculo de la confianza se cerraba con la producción de Joe Blaney y su increíble facilidad para cruzarse con músicos argentinos en plena etapa de iluminación. el cantante armó el álbum soñado por un auténtico melómano que conoce a la perfección la letra chica de los discos importantes: así desfilaron por las sesiones registradas en Nueva York músicos que trabajaron con Steely Dan. El resultado es brillante y en ningún momento abusa de los despropósitos de una superproducción. Pappo’s blues 1972 En Pappo’s Blues Vol. “Té para tres”. 2. el regreso a la vida solista de Andrés Calamaro tuvo varios nombres tentativos: El otro lado del novio del olvido podía confundir con sus intenciones románticas. La ironía ganó con su carga de metáforas a discreción y el propio Andrés anunciaba que el disco giraba en torno a “la victoria de los vencidos y el fracaso de los campeones”.

Piano Bar. Hay riffs memorables (“Tema I” –que bajo el nombre “Castillo de Piedra” había aparecido en Spinettalandia-. 2 todo es perfecto. El tema que le da título al álbum continúa la línea de “Canción de Hollywood” (Serú Girán). batiendo lo que pasa afuera”. la novia eterna de Charly-. 12. En este Vol. TEMAS CLAVE: “Desconfío”. “Total interferencia”. muestras de su genial ingenuidad lírica (“ese monstruoso. autor. dirección orquestal e intérprete: Pappo”. señaló García luego de la edición de esta obra cumbre. donde conoció a “Bonzo” Bonham y “Lemmy” Kilmister. con un recurso simple: la letra continúa a lo largo de dos estrofas. “El tren de las 16”. La belleza sentimental de “Promesas sobre el bidet” –un tema dedicado a Zoca. García en estado de gracia junto a una banda que descarta los lujos tecnológicos y expone una versión cruda del pop rock en un disco cargado de desesperación y urgencia. A pesar de la inspiración.a Inglaterra. todo Piano Bar esconde un romanticismo sombrío. los rumbos modernos de “Raros peinados nuevos” o “El rap del exilio”. TEMAS CLAVE: “Promesas sobre el bidet”. García nunca había sonado tan punk como en “Demoliendo hoteles”. Gatti hasta la foto interior con su estampa de guitar hero porteño. un solo de batería de Luis Gambolini introduce “El tren de las 16”. lo que extiende la “vuelta” armónica del tema a 24 compases. “Yo que crecí con Videla” es la frase de apertura y también un alarido generacional. y las fases reflexivas de “No te animás a despegar” y “Total interferencia” permanecen como instantes sagrados de un artista que inauguraba su estadía en un espacio único y casi siempre en llamas. “Pobre Juan”). Pappo regresó para ponerle el moño al género que él mismo había creado. pero más allá de los niveles de intensidad. . En el comienzo. nada podía ser igual. fue un disco incomprendido. “Desconfío” se convertiría en el standard del género en Argentina. Charly García 1984 El efecto reacción envuelve a Piano Bar: después de Clics modernos. ironía y lirismo. en que Pappo convierte la simple estructura de un blues de 12 compases en una canción inolvidable. desde la portada con el dibujo naif de Juan O. que caminando va/ no se da cuenta que no tiene lugar/ y con el tiempo desaparecerá”) y solos improvisados que son libros de texto para generaciones de guitarristas. una atmosfera de music hall decadente sirve para explicar que el rock funcionó como un refugio en los años de horror: “Afuera se cae el mundo y el Piano Bar sigue inamovible. la Gibson SG conectada a un Robertone y un único crédito: “Compositor.

contaron con coro y una orquesta de cincuenta músicos. A su vez. Pero Vox Dei se sobrepuso a las adversidades creando una obra perdurable. en las cuales colaboraron sus compañeros Willy Quiroga. para “Cristo. Con la inspiración encendida. autor de todos los textos y buena parte de las músicas. por motivos nunca del todo aclarados. La reedición de 2005 –hecha a partir del hallazgo de las cintas originales. El álbum fue publicado en julio de 1992 y se transformó en un éxito comercial inmediato. como se decía por entonces) basada nada menos que en la Biblia. Varios elementos convirtieron este disco en algo único: fue la primera “obra conceptual” del rock argentino. En la grabación. y contiene gran cantidad de material previamente inédito. que a su vez editó el disco antes que fuera finalizado (de allí que “Apocalipsis” quedara sin letra). Fabiana Cantilo y Celeste Carballo encarnaron a Thelma y Louise. Godoy dejó el grupo antes de finalizar la grabación. conquistó los corazones de más de una generación. en “Dos días en la vida”. ya que Mandioca quebró y los masters fueron adquiridos por Disc Jockey. 14. Charly García y Andrés Calamaro echaron a rodar “La rueda mágica” y los Ketama aportaron sus lamentos gitanos en “Tráfico por Katmandú”. Fito Páez 1992 El disco récord de ventas de la carrera del músico rosarino es el resultado de la puesta en obra de su relación con la actriz Cecilia Roth. nacimiento”. dirigida por Roberto Lar. TEMAS CLAVE: “La rueda mágica”. a quién conoció en 1991 mientras veraneaba en las playas de Uruguay. La Biblia. cuyas canciones poseen una calidad atemporal que ha convertido a casi todas (especialmente “Génesis” y “Libros Sapiensales”) en clásicos “fogoneros”. . La idea inicial fue de su líder. Juan Cargos Godoy y Rubén Basoalto. respectivamente. Pero el trabajo tuvo una historia accidentada: la banda se vio obligada a cambiar de compañía en el medio de la grabación.13. En menos de un año superó las 200 mil copias vendidas. Ricardo Solué. El amor después del amor. “Pétalo de sal”. la grabación demandó 150 horas (algo completamente inusual para la época) y. TEMAS CLAVE: “Génesis”. quitándole a “La Balsa” (de Los Gatos) un récord de más de veinticinco años. Precisamente eso fue lo que hizo el grupo quilmeño en lo que era tan sólo su segundo LP. Todos los temas fueron hits y el estilo compositivo de Páez.nunca sonó tan claro y con una producción musical tan ambiciosa. Vox Dei 1971 Probablemente se necesite la inconsciencia de unos pibes de 20 años para acometer una empresa como la de componer una obra conceptual (u “ópera rock”.permite apreciar detalles nunca antes escuchados. Spinetta sumó su magia para “Pétalo de sal”. entre la crónica de García y la poética spinettiana. editado como álbum doble. entró a fines de 1991 en los estudios ION para trabajar junto al productor Carlos Narea y darle forma a su séptimo disco solista: Fito –su voz y su piano. sumó la colaboración de músicos de lujo para que hicieran su aporte en la travesía romántica: Mercedes Sosa fue la voz complementaria en la chacarera “El muro de los lamentos”. “Las guerras”.

la preciosa figura de Fabiana Cantilo y la producción de tío García lograron el milagro: cambiarle el humor al rock argentino. el bolero corrido de “Rubí” y la épica western de “Yoli”. frivolidad y ambigüedad. La dicha… incluía todos los ritmos y una catarata de éxitos con extremos desopilantes (“El primero te lo regalan. noches mágicas y conductas rastreras. sin perder originalidad ni vuelo. la reina del twist”). El genio y la observación del tándem creativo formado por Daniel Melingo y Pipo Cipolatti. Jessico. La dicha en movimiento utilizaba chucherías del inconsciente nacional y popular para burlarse de todo y de todos. Detrás de una tapa . boquense y con guiños mersas. expulsados de Sony y en la periferia estética del rock estatizado (en días de la Alianza en el gobierno). un día políticamente incorrecto para los popes de nuestro rock. Babasónicos 2001 Desde el fondo de la crisis argentina. TEMAS CLAVE: “Ritmo colocado”. twist y pop bailable tan ligero como sus letras inteligentes y paródicas cambiaron el modo de abordar la canción de una escena que recién empezaba a entender que era posible combinar diversión. Los Twist 1983 El 17 de octubre de 1983 apareció el debut de Los Twist. Peronista.15. que por aquellos días abrazaban el alfonsinismo como emblema de civismo y acción democrática. “Salsa”. la psicodelia sixties de “El loco” y “Camarín”. “El primero te lo regalan. el sexteto gana precisión y potencia: la seducción electro de “Fizz” y “Delectrico”. La tendencia natural de la banda y su productor (Andrew Weiss. 16. el segundo te lo venden”. El comienzo con “Los calientes” determina la profundidad del viaje: un “paraswing” (Diego Tuñón dixit) narcótico que abre las puertas a un mundo de placeres impúdicos. el segundo te lo venden”. Como las serpentinas de carnaval que ilustraban una de las primeras tapas vintage de nuestro rock. colaborador de Ween) a la digestión musical y el trabajo de estudio obsesivo le cede terreno a la síntesis cancionera. en que el magnífico y disperso raíd de Miami (1999) se reorganiza en doce canciones directas y conquistadoras. los Babasónicos sacan de las tripas un disco esplendoroso. “Pensé que se trataba de cieguitos”) y deliciosas apropiaciones pop (“Ritmo colocado”. el disco se convirtió en un exitoso compilado para fiesta sin edad. Ya sin Dj Peggyn en las filas. la soberbia rockera de “Pendejo” y “Soy rock”. Rockabilly. Grabado en veintinueve horas bajo la mirada vampírica de Charly García –a cargo de la producción-. La dicha en movimiento. “Cleopatra.

TEMAS CLAVE: “Fizz”. Está todo a la vista. “Soy rock”. TEMAS CLAVE: “La grasa de las capitales”. “Polvos de una relación” y “Superficies de placer” se perfilaron como nuevos clásicos de la banda. cobra la forma de un manifiesto vivo que interpreta su época sin escamotearle un solo segundo al divertimiento y los bajos instintos. El sexto álbum de Virus había sido pensado como un trabajo climático sin tantos hits y con un acercamiento más decidido a los ritmos latinos. en su segundo trabajo acusa el golpe del frío recibimiento del público y vuelve a asomar la cabeza al mundo exterior. claro. Dárgelos propone una revisión de los valores del rock imperante con altas dosis de malicia y autoconciencia. un marcado vuelco al jazz rock (muy en boga por aquellos años) y una tapa que replica la estética de la revista Gente. la adhesión fue instantánea y temas como “Mirada speed”. 18. Ocurrió en Río de Janeiro y. “mínimos toque de eternidad. con letras que critican con ironía y escepticismos la levedad de la vida moderna (“la grasa de las capitales no se banca más”. la banda platense siguió adelante por expresa decisión de su cantante. Todo el disco. “Viernes 3 AM”. llegando incluso a crearse un dialecto propio (recordar “Cosmigonón” o la canción que le da nombre neologista al grupo y al LP debut). Virus 1987 En medio de la grabación de Superficies de placer. Superficies… fue lanzado en septiembre de 1987 y. hoy. Sin embargo. La grasa de las capitales. a pesar de la terrible noticia. el tema de la muerte giraba en varios momentos del disco: “Las cosas se alejan de mi” (en “Ausencia”). en menos de un mes vendió más de 30 mil copias.dolorosamente sexual de Ros. siguiendo el suceso masivo que había representado Locura. La tapa y su exquisita ambigüedad causaron revuelo entre la prensa pacata: se moría por saber a qué género pertenecía la imagen del culito. Paradójicamente. . se queja García). Superficies de placer. Serú Girán 1979 Charly comienza su viaje con Serú Girán en plan abstracto e introspectivo. flecha tendida al azar” (de “Danza narcótica”) o “apocalipsis en mi intimidad” (de. arrebatos de emoción. “Apocalipsis”). Federico Moura se enteró que había contraído una enfermedad de la que se sabía poco salvo que era letal: tenía sida. 17.

“¡Hola pequeño ser!”. 19. porque esa escala ya había sido superada cuando apareció Wadu Wadu. el hermosos blues menor “Como el viento voy a ver”) hasta canciones casi acústicas con una sensibilidad cercana a Almendra (“Credulidad”).Nada alteró el rigor artístico de la banda. Pescado 2 Pescado Rabioso 1973 Luego del sonido explosivamente rockero de “power trío” de Desatormentandonos. El disco culmina con el ambicioso “Cristálida”. en la perspectiva de este grupo: siempre audaz. “Credulidad”. con arreglos orquestales de Carlos Cutaia. comentarios.permiten a Spinetta ampliar considerablemente su paleta compositiva. A veinte años de su edición sería impropio calificar a Superficies… como un disco valiente. compuesto por varios módulos (a la manera del clásico “A day in the life” de los Beatles). expresada en letras pobladas de imágenes surrealistas pero a la vez extrañamente familiares. TEMAS CLAVE: “Encuentro en el río musical”. batería y cantaba. y ensayar una gran variedad de arreglos y texturas. que constituye una de las obras cumbre de Luis Alberto Spinetta y de todo el rock en castellano. EL sonido recorre desde el rock y blues más potentes (“Nena boba”. Pescado Rabioso se convierte en cuarteto con la incorporación de Carlos Cutaia en órgano Hammond y teclados varios. envuelto en un delicioso clima de delirio. La edición original incluía un librito de 48 páginas con letras. y la Argentina vivía una efervescencia militante por el regreso del peronismo-. siempre con pretensión de actualidad. TEMAS CLAVE: “Cristálida”. poseedoras de un poder de llegada casi instantáneo. un álbum doble con dieciocho canciones. “Superficies de placer”. El resultado mejora con el paso del tiempo e instala de una buena vez un lenguaje más real para empezar a hablar de pop latino. Estos dos instrumentista muy completos –David además tocaba guitarra. dibujos y poemas. a la vez que David Lebón reemplaza a “Bocón” Frascino en el bajo. . incluyendo también extensas zapadas y elementos del rock progresivo. El último álbum de Virus con la voz de Federico pretendía plasmar una obra que describiera la evolución después de siete años de carrera. La idea de liberación es una constante que recorre el trabajo. Violadores. El resultado fue ese monumento del rock argentino llamado Pescado 2. un tema de casi nueve minutos. 20. bien de la época. tanto en lo individual como en lo social –recordemos que corría el año 1973. realizado por cuatro músicos jóvenes mancomunados espiritualmente y capturados en el pico de su creatividad.

parándose en la vereda de enfrente de los patriarcas del rock nacional para cumplir con su misión en esta tierra: destruir. TEMAS CLAVE: “Heroína”. un dramático raid interno (“Heroína”) completa el viaje. “Estallando desde el océano”. TEMAS CLAVE: “Represión”. Con notables mejorías en el estudio y un repertorio menos sombrío. Sumo 1986 En las primeras giras de Sumo por la costa atlántica. vetos y Cósmicos”. El león aún hoy sigue funcionando como la banda sonora indispensable de cualquier fiesta animada. TEMAS CLAVE: “Carnaval toda la vida”. también es un álbum fundacional del rock latino. . tan emblemático de los 90. Del reggae (“Rollando” y “No good”) pasa al funk patotero y hitero (“Los viejos vinagres” y “TV caliente”) y al after-punk con “Estallando desde el océano”. Los Fabulosos Cadillacs 1992 Por un lado. la frase elegida para la difusión era “Llegando los monos”. le apuntan a la pasividad hippie y a la dictadura militar y disparan con furia punk pura y explícita. producido por Michel Peyronel. Pero más allá del carácter festivo. 22. Con Gustavo Santaolalla. Llegando los monos. cantaba –berreaba. “Viejos patéticos”.Los Violadores 1983 “Basta de hospicios. y es el soundtrack vital de cualquier argentino que la haya pasado en grande a lo largo de estos últimos años. Paulinho Da Costa y el Flaco Jiménez. El primer disco de Los Violadores.Pil Trafa en “Viejos patéticos”. el segundo disco de la banda celebra la diversidad. como invitados estelares. 21. versionan a Rubén Blades (“Desapariciones”) y realizan un sugerido homenaje al Che Guevara (“Gallo rojo”). Fuera de la bitácora. la banda anunciaba sus conciertos como vendedores callejeros: megáfono en mano. Los Cadillacs abordan ritmos del Brasil y el Caribe. “Siguiendo la luna”. tiene la urgencia de quién finalmente puede gritar luego de pasarse años amordazado: temas como “Represión” o “Para que estoy aquí (Hijos de perra)” se alimentan de injusticias. El león.

TEMAS CLAVE: “Don Sixto Palevecino”. TEMAS CLAVE: “Barro tal vez”. terminó convirtiéndose en uno de los álbumes imprescindibles de la discografía del Flaco. “Ella también”. León Gieco 1985/86 La idea de “De Ushuaia a la Quiaca” partió de la gira. una increíble zamba compuesta cuando tenía 15 años. con un estudio móvil que registraba a bagualeros anónimos como Gerónima Sequida. Luis Alberto Spinetta 1982 Lo que empezó como una compilación de inéditos de distintas épocas (1965-1978). “Maturana”. dejando ver su lado más intimista. Las canciones incluyen “Barro tal vez”.establece una inusual proximidad con su voz. De Ushuaia a la Quiaca. Kamikaze. .23. Con Santaolalla como productor. Un testimonio único de la música argentina de raíz. chacareras santiagueñas de Sixto Palavecino y el chámame de Isaco Abitbol. los volúmenes 2 y 3 de De Ushuaia… reflejaban el viaje de Gieco y Santaolalla por el país –al frente de un equipo de veinte personas-. perteneciente a la legendaria ópera de Almendra. más el ocasional acompañamiento de Diego Rapoport en teclados. que llevó a Gieco por todo el país. La instrumentación básicamente acústica –Luis con su guitarra. y la compleja minisuit “Águila de Trueno” (dedicada a Tupac Amaru). donde tomó contacto con artistas desconocidos que trabajaban en el folclore de las distintas regiones. 24. “Quedándote o yéndote”.

” TEMAS CLAVE: “Prófugos”. eso amplifica todo el desastre. fue complicadísimo todo. Y además estábamos tomando mucho. El rock argentino dejaba atrás la edad de la inocencia. Más cerca de Echo and the Bunnymen y The Cure. Signos aparece como el objeto ideal para seducir a grandes audiencias. “No bombardeen Buenos Aires” explicaba el estado de las cosas. 26. también achicó las distancias entre su pasado y los tiempos venideros. un disco muy sufrido desde la tecnología. TEMAS CLAVE: “No bombardeen…”. . el trío sorprende con un álbum furiosamente directo y a la vez expansivo. No sólo fue el debut solista. La grabación casi deja afuera de combate a Cerati: “Las letras se hicieron en una sola noche. “Persiana americana”. “Canción de dos por tres”. Signos. Malvinas definió la urgencia de ocho canciones fugitivas. “Inconsciente colectivo” abría la esperanza y “Peluca telefónica” iniciaban un posible camino junto a Spinetta. García recuperó algunos temas que Serú había abandonado luego de su desintegración. Yendo de la cama al living. Soda Stereo 1986 En el año de la consagración de Soda en América latina. Contiene hits imbatibles (“Persiana americana” y “Prófugos”) e himnos darks (“Signos”.25. “El rito” y “Final caja negra”). Charly García 1982 Mientras trabajaba en la composición para la banda de sonido de Pubis angelical.

a Pappo no le quedaba otro camino que armar su propia banda. El jardín de los presentes. en batería y “Davies” (David Lebón) en bajo. que unía lo cósmico y lo cotidiano. Después de mostrar su talento en Los Gatos y La Pesada. junto al primero de Almendra y Bajo Belgrano de Spinetta Jade. junto a Black Amaya. Pomo y Machi aumentado por el ingreso del guitarrista Tommy Gubitsch. “Los libros de la buena memoria”. Invisible 1976 El tercer y último disco de Invisible llega con el trágico año de 1976. 28. letrista con un raro poder de síntesis.27. Vol. Pappo’s Blues 1971 “Algo ha cambiado dentro de mi/ que alucinado quiero vivir”. lo que hizo con esta demostración contundente de identidad musical. 1. Pappo escribía el primer capítulo de su leyenda. inaugurando una nueva era dentro del rock argentino. con los bandoneones de Mederos y Mosalini. TEMAS CLAVE: “El viejo”. Con el trío inicial de Spinetta. “El hombre suburbano”. decía el tema que iniciaba el primer álbum de Pappo’s Blues. como “Las golondrinas de Plaza de Mayo”. Podría integrar una “trilogía porteña” dentro de la obra spinettiana. el Flaco despliega una obra maestra del lirismo urbano con aires tangueros. TEMAS CLAVES: “El anillo del capitán Beto”. y contiene algunas de las veladas referencias a la situación represiva. Guitarrista virtuoso. .

“Los aviones”. Andrés Calamaro 1999 Definido por su autor como La Biblia del abandono o la declaración de principios de los que no tienen principios. Los Abuelos de la Nada 1983 El 30 de Junio del 83. días y días sin dormir. por sobre todo. la excursión por el país del desengaño es una lectura genuina del estado dylaniano conocido como Blood on the tracks. TEMAS CLAVE: “Vamos al ruedo” y “Así es el calor”. Honestidad brutal. a meses de la democracia. desde el bajo. y con la claridad descarnada que sólo manejan los grandes discos de divorcio de la historia del rock. Cada integrante tiene autonomía creativa: Melingo hace su aporte al reggae con “Chalaman”. . las canciones son parejas y hay mucha energía” (Calamaro dixit. 30.29. acaso el reflejo más fiel de la química de su mejor formación. Grabado en condiciones de riesgo. Vasos y besos. Un disco peligroso. “Es el mejor momento del grupo. de alguien jugado a extraer verdades de cada herida. TEMAS CLAVE: “El día de la mujer mundial”. Bazterrica suma “No se desesperen” y Cachorro. Este álbum y sus shows teatrales fueron un estandarte de los primeros 80. Honestidad es. autor de “Mil horas” y “Así es el calor”). Los Abuelos entran en los estudios Panda para registrar su segundo disco. un álbum doble con 37 canciones para adorar a Calamaro y sus gestos suicidas. le pone Groove a la poética de Miguel Abuelo.

TEMAS CLAVE: “Ella vendrá”. 32. “Para quién canto yo entonces”. . el segundo disco.31. TEMAS CLAVE: “Las increíbles aventuras del señor Tijeras”. aunque por “pedido” del gobierno de Isabel Perón muchas de las letras fueron suavizadas y dos temas quedaron afuera (“Juan Represión” y “Botas locas”. Sui Generis 1974 Apenas dos años después de Vida. Era algo nuevo y tan emocional como la voz de su cantante. La producción de Andrés Calamaro y Mario Breuer fue acusada de ser demasiado pop por los miembros del grupo y derivó en la exhibición salvaje de Patria o Muerte. Don Cornelio y la Zona. “Cenizas y diamantes”. Ahora la escucho y me encanta”. incorporadas en el CD). melodías intrincadas y complejos arreglos de teclados. Palo reconoció: “Me oía una voz tan de maricón que la odié. Pequeñas anécdotas sobre las instituciones. Don Cornelio y la Zona 1987 El debut de Don Cornelio es una colección de oscuras canciones psicodélicas. un jovencísimo Palo Pandolfo. Charly comenzaba a dar muestras de su mordacidad y su facilidad para la protesta metafórica. La banda no se parecía a nada: se adueñaba de las palabras como el Spinetta de Pescado y tenía el aura del fin de Sumo. Sui era un grupo distinto: las canciones de su tercer disco incorporaban instrumentación eléctrica.

nuevos himnos. y el Indio sintetiza su ideario de personajes de la noche (“El héroe del whisky”). 34. El disco refleja el gran talento vocal y musical de Lebón y la influencia del Flaco. Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota 1989 Nueve canciones. Black Amaya. . TEMAS CLAVE: “Ropa sucia”. hasta que Spinetta lo convocó para integrarse a las filas de Pescado Rabioso como guitarrista y bajista. invitado eventual de Billy Bond en la Pesada y baterista de Color Humano. Rocambole reversiona los fusilamientos de Goya (los verdugos son miembros de la Cruz Roja). Bang! Bang! Estás liquidado. al que le dedica “Tema para Luis”. Lebón fue bajista de Pappo’s Blues. “Esa estrella era mi lujo”. “Hombre de mala sangre”. los Redondos inventan el nuevo rock del país. Isa Portugheis. David Lebón 1974 En los primeros años de su carrera. que habla del desencuentro. Con una concisión aplastante. Cuando Pescado llegó a su fin. drama amoroso (“Ropa sucia”) y apocalipsis político (“Nuestro amo juega al esclavo”). Todos los versos son inolvidables.33. Skay compone algunos de sus mejores riffs y fraseos (“La parabellum para el buen psicópata”). David Lebón. TEMAS CLAVE: “Dos edificios dorados”. Pappo y Charly García. Lebón registró este impactante disco debut junto a otros músicos y algunos compañeros de la Pesada entre otros los que estuvieron Alejandro Medina.

“El rey lloró”. con el tiempo. Verdadero empacho de ritmos y melodías inolvidables. sino que también las adaptaban a la idiosincrasia argentina. Los Gatos 1967 “Música Beat” se llamaba a fines de los 60 ese movimiento subterráneo de jóvenes bohemios y pelilargos que recogían las influencias de grupos como los Beatles o los Rolling Stones. y no sólo las traducían al español. luego de vender 250 mil copias del simple “La Balsa”. Los Auténticos Decadentes 1995 Esa rapsodia bohemia que es “La guitarra” empieza con violines y deriva en un trópico en que la voz de Cucho Parisi patenta la letra de Jorge Serrano: “Tuve un problema de difícil solución…”. los Decadentes se dedican a evadir la solución con una tenacidad conmovedora. los primeros signos del compositor complejo que se convertiría.35. . en influencia perdurable. con un puñado de canciones de Litto Nebbia que demostraban. TEMAS CLAVE: “La guitarra”. “Corazón”. A partir de ahí. Mi vida loca. TEMAS CLAVE: “La Balsa”. 36. graban en 1967 el primer LP del rock nacional. Los Gatos. aún con la ingenuidad de la época. Los Gatos. la canción de amor arrebatada (“El pájaro vio el cielo y se voló”) con la bonaerense de Diego Demarco (“Turdera”). Y nos alegran la vida. esta especie de grandes éxitos en tiempo real concilia la cumbia romántica (“Corazón”) con ska punk fiestero (“Esta locura”).

Con este disco. TEMAS CLAVE: “No es tu sombra”. . Una influencia clave para las bandas de este tiempo. Los chicos quieren rock. los Ratones Paranoicos era un grupo de influencia punk muy acentuada. Y pese a lo que se repetía. dijo Dante Spinetta. dos temas que adaptan el festivo espíritu del rock global y la noche. TEMAS CLAVE: “Enlace”. alguien lo hizo primero”. El primer disco de hip hop latino con proyección regional. 38. Illya Kuryaki & the Valderramas 1995 “Doscientas cincuenta mil copias vendidas de Chaco en toda América latina lo dicen todo: hay que tener respeto. “Una noche no hace mal”. los Ratones Paranoicos lograron su primer reconocimiento masivo con la difusión radial de “Carol” y.37. Chaco. Ratones Paranoicos 1988 Ya en sus primeros años. Estos dieciséis tracks producidos por Mariano López y Machi Rufino (ex Invisible) y masterizados en Nueva York por Ted Jensen (Madonna) fueron la puerta lateral hacia los chistes internos del dúo Spinetta/Horvilleur: el sueño de la provincia propia. “Remisero”. la banda de Juanse estaba más obsesionada por el sonido de los New York Dolls que por el de los Rolling Stones (basta escuchar “Sucia estrella” o “Enlace”). donde Federico Kleim baila g-funk (“Jaguar House”) y los remiseros son dioses nacionales. al momento de registrar este segundo disco. luego. “Ceremonia”.

Harto de la censura. TEMAS CLAVE: “Padre Francisco”. Spinetta aporta temas de alta belleza (“Para ir”. Las armonías vocales de Cantilo-Durietz se enriquecen con el aporte de Roque Narvaja (a la manera de Crosby. “Para ir”. sin dejar de lado la temática social (“Apremios ilegales”. Pedro y Pablo 1972 Conesa. pero Molinari no se queda atrás.39. TEMAS CLAVE: “Rutas argentinas”. con clásicos como “Mestizo” y “Amor de aire”. hay desde canciones acústicas a temas esperimentales.con el rock representado por La Cofradía de la Flor Solar. Conesa. nombre de la calle donde quedaba la casa comunitaria. Si bien en general el sonido es más rockero y distorsionado que el primer disco –en sincro con el rock internacional de esa época-. el dúo emigra a un sello independiente y graba una serie de clásicos. “Catalina Bahía”. . con letras que ensalzan el “regreso a la naturaleza” (“El Bolsón de los cerros”. condimentados con psicodelia y surrealismo. Almendra 2. “Padre Francisco”). una explosión creativa en múltiples direcciones que constituye una especie de Álbum Blanco del grupo. Still & Nash). representa el encuentro de Pedro y Pablo –especialmente Miguel Cantilo. pero antes de separarse registró el primer álbum doble del rock argentino. “Parvas”). “Blues del éxodo”). Almendra 1970 Almendra no llegó a grabar su famosa ópera. 40. y brilla la guitarra de Kubero Díaz.

Pappo se afirma como el gran outsider del rock argentino. “Crua-Chan”. El alcohol era el verdugo y After chabón su última pelea contra la muerte. Criticando la sociedad de consumo (“Pájaro metálico”).41. Vol. Sumo 1987 En 1987. el disco tuvo participación grupal: Luca se limitó a destrabar las cargadas bases con eficaces melodías vocales. Sus progresos sobresalen en el instrumental que abre el disco. . el reggae espiritual (“No tan distintos”) y las atmósferas pesadas (“No te pongas azul”). los prejuicios de la clase media. 42. es el trabajo más experimental de Sumo y un conmovedor escudo ante lo inevitable: brillan la épica de “Crua-Chan”. After chabón. 3. “Stratocaster Boogie”. Grabado en condiciones caóticas. TEMAS CLAVES: “Mañana en el Abasto”. Pappo’s Blues 1973 Apenas veintiocho minutos le alcanzan a Pappo para establecer un nuevo clásico del rock de los 70. defendiendo su estilo de vida con un riff machacante (“Sucio y desprolijo”) y hasta desorientando a la prensa musical con una viñeta country criticada por “comercial” (“Trabajando en el ferrocarril”). “Mañana en el Abasto” es el sol de noche entre tanta densidad. el tiempo de descuento que perseguía a Luca se mostraba implacable. verdadero rito iniciático para cualquier aspirante a dios de la guitarra. Sin pretender registrar un testamento.

Pablo Pontezoni en batería y Pablo Molina en bingi-drums y voz. Su raíz está en las noticias policiales. Entraron: Gamexane en guitarra. Este disco. fueron asesinadas la abuela y la tía que habían estado a cargo de su crianza. Y es. . también (con la base Casa Babylon y más tarde Ideia Zabaldu de Negu Gorriak). En el momento en que Fito alcanzaba su consagración como solista. compuso canciones que lo sacaron del perfil optimista y candoroso de sus primeros discos. 44. “Alerta guerrilla”). ese el mejor articulado de TTM. 1987 El disco más rabioso de la carrera de Páez. Ciudad de pobres corazones. “Ándate”. TEMAS CLAVE: “Mate”. el tercero. Una mezcla magistral entre catarsis punk y sopor barbitúrico que aún hoy estremece por su crudeza. “Ámbar violeta”. reconstruyó el fuselaje de su vieja banda para plasmar la esencia de sus nuevas convicciones (“Mate”. Entre llantos. el vértice sur de la sagrada trilogía del rock latino y mestizo. tras dos meses de grabación de Casa Babylon en España.43. además de Manu Chao y Fermín Murguruza como invitados. pastillas y reflexiones. Dale aborigen. El rosarino entró en una profunda crisis depresiva y sin consuelo huyó a las playas de Tahití. TEMAS CLAVE: “Track Track”. Todos Tus Muertos 1994 Fidel Nadal volvió de la gira El Expreso de Fuego y Hielo por Colombia junto a Mano Negra y. u a poco de fallecer su padre. Fito Páez.

es uno de los discos más buscados por los coleccionistas.45. TEMAS CLAVE: “El largo día de vivir” y “El muelle”. Aún con las inconfundibles influencias progresivas que surcaban todo el LP. las largas zapadas instrumentales y las letras surrealistas. un blusero (Hugo Gonzáles Neirea. Miguel Abuelo 1975 En su exilio. teclados) y una “bola de ruido” (Héctor Stark. Miguel Abuelo quiso mantenerse lejos de la música. Inédito aquí. TEMAS CLAVE: “Canto”. Junto al violero platense Daniel Sbarra y otros exiliados argentinos y chilenos. Aquelarre debutó en 1972 con un álbum marcado por los quiebres rítmicos y melódicos. bajo y batería respectivamente). En Francia conoció a Moshe Naim. . cuando optó por editarlo como un trabajo solista. chelos y efectos electrónicos. Et nada. Aquelarre 1972 Reuniendo dos ex Almendra (Emilio del Guercio y Rodolfo García. guitarra). Naim lo tentó para grabar u el resultado fue el disco más experimental de su carrera. formó Hijos de Nada. 46. El grupo se permitía momentos de crudeza blusera (“Aventura en el árbol”) y pasajes extraordinarios de belleza bucólica (“Cantemos tu nombre”). Aquelarre. No pudo. La lírica de Miguel fluye entre los sonidos de clavicordio. Hijos se disolvió y el productor postergó la edición hasta 1975. un mecenas que venía de financiar a Dalí. “Cantemos tu nombre”.

TEMAS CLAVES: “La ventana sin cancel”. explica Nebbia desde el booklet del disco que consolidó la formación del trío junto a los jazzeros Néstor Astarita (batería) y Jorge Gonzales (contrabajo). Aún hoy sorprende este cruce de géneros y la insistencia de Litto para vencer prejuicios. Litto Nebbia 1974 Mucho antes de saber que significaba la palabra “melopea”. es una síntesis de su obsesión por hacer sonar el rock tan potente como original. ni tan abstracto como Cuadros dentro de cuadros. Catupecu Machu 2004 En su búsqueda de intensidad. “¿Qué clase de amor tendrás?” . “Me gustaba la fuerza que tenía al sonar… Luego me enteré de que quiere decir componer y en un vulgarismo también es borrachera. forzando sus límites sin perder la ambición expresiva y emotiva. Macabre y Javier Herlein).47. “El número imperfecto”. Sus versos cobran diferentes sentidos con el tiempo. Nebbia bautizó su quinto álbum solista con el vocablo de origen griego. Las letras y las guitarras de Fernando transparentan las influencias de Cerati y de Bumbury. no tan hitero como Cuentos Decapitados. Catupecu dio con este disco grabado como cuarteto (Fer y Gabriel Ruiz Díaz. Una perfecta conjunción de canciones pop y letras detallistas de Mirtha Defilpo. Melopea. No tan urgente como Dale!. 48. vital y rockera. El número imperfecto. TEMAS CLAVE: “Magia veneno”.

En este álbum debut acumula algunas de sus piezas más pop (“No dejes que llueva”. en sus días de fines de los 80. entre el rol de productor y cazatalentos under (Todos Tus Muertos. con la hendrixiana viola de Edelmiro brillando como nunca en “Cosas rústicas (Coto de caza)” y “Las historias que tengo”. Melero se debatía. Por lo demás. Entre una melancolía fría y la búsqueda de la emoción tecno-pop. TEMAS CLAVE: “No dejes que llueva”. Oscar Moro y Rinaldo Rafanelli incluye la canción por la que muchos recordarán la agrupación: “Mañana por la noche” (“Estoy tan cansado/ que me voy a suicidar/ mañana por la noche”). e invita a pensar en cómo podría haber sonado el combo de haber permanecido unido. Juana La Loca) y el inicio de su carrera solista. el opus final de Edelmiro Molinari. “Piso 24”).49. Cada uno de los temas que integran el disco posee algún instante memorable. Color Humano. “Deleite fatal”. el trío se muestra en su apogeo. . Conga Daniel Melero 1988 Después de liderar Los Encargados desde comienzos de los 80 y participar en Oktubre (puesto 4 de esta lista) pero antes de colaborar en Canción Animal (puesto 9). Color Humano 1974 Originalmente pensado como un disco doble. “Cosas rústicas…” 50. algunos tracks anticipan un derrotero que fue tomando un cariz más abstracto y experimental. TEMAS CLAVES: “Mañana por la noche”.

TEMAS CLAVE: “Salgan al sol”. un auténtico seleccionado integrado por monstruos como Pappo. dividida en dos actos. “Cada día somos más”. . con toques de blues psicodélico à la Cream y letras irreverentes con carga ideológica. siempre bajo la tutela del inefable Billy Bond. Luchando por el metal. 53. Sudamérica o el regreso a la aurora. Billy Bond y La Pesada del Rock and Roll. 52. “Salgan al sol”.51. Allí compartieron vivencias con los aborígenes y eso fue el estímulo fina de su proyecto más ambicioso: esta obra conceptual. en la que el quinteto reafirma su creencia en el poder espiritual y en las fuerzas del cosmos. Hicieron escuela. Arco Iris 1972 El interés por la música folclórica llevó a la banda de Santaolalla y Ara Tokatlian a realizar un viaje místico al norte argentino. Spinetta y David Lebon. Uno de los experimentos más arriesgados y logrados en el difícil terreno de la fusión entre el rock y el folclore. representa como nada el orgullo de la rebeldía rockera en contraposición con la comodidad burguesa. Esa era la fórmula de La Pesada. firmada por Javier Martinez. Billy Bond y La Pesada del Rock and Roll 1971 Puro rock básico y pesado. TEMAS CLAVE: “La canción de Nahuel” y “Sudamérica o el regreso a aurora”.

materia revulsiva de dos agitadores culturales trastocando principios como autenticidad. Los Encargados 1986 La historia de Silencio es una epopeya de resistencia y terquedad. compromiso y mensaje. cuenta con la participación de Pappo en “Hiena de metal”. Por eso quedó el logo sobre un fondo negro: hoy es la tapa más icónica del heavy local. el reconocimiento llegaría con las voces del rock más original de la década pasada. cansados de llorar. “El rock es mi forma de ser”. pelo corto y corte desafiante. el trío impuso un concepto avanzado de canciones electrónicas. En la sesión de fotos de tapa. Y aunque la empresa ya estaba condenada al fracaso. TEMAS CLAVE: “Orbitando”. 54. En un medio hostil. desafiaba el canon de lo correcto y proponía diversión con un rock ligero. TEMAS CLAVE: “Soy moderno. La novedad jugaba con los clichés del rock. Wadu Wadu. el grupo se enfrentaba tanto a la pasividad hippie como al optimismo del final de la dictadura. Pero el real peligro se escondía en la voz de Federico Moura y las letras de Roberto Jacoby. una razia apresó a la banda.V8 1983 El debut de V8 encarna el sentimiento de jóvenes como los de “Brigadas metálicas” que. no fumo”. Grabado sin conocimientos técnicos. Con Silencio. Silencio. Mucho más atrevidas eran las canciones. contenido y duración. “Brigadas metálicas”. “Líneas”. TEMAS CLAVE: “Destrucción”. . por su velocidad. Los Encargados tuvieron que archivar dos discos antes de lanzar su álbum debut: aún permanecen inéditos Necesidad y Creo que estamos bailando. querían gritar. Virus merecía el premio a la banda rupturista de 1981: seis caras nuevas irrumpían luciendo remeras ajustadas. Virus 1981 Solo por la foto de tapa. Hugo Foigelman y Alejandro Fiori iniciaron el desvío hacia la actualización de los presupuestos pop en su fase tecnológica. 55. Con sonido duro y letras marciales. con pocas horas de estudio y muchos excesos. Daniel Melero.

el café concert. Para 1970. Su primer álbum. la chanson. “Natural”. Miguel Cantilo y Jorge Durietz dan inicio al rock acústico en la Argentina. un puñado de canciones de belleza rústica y frágil. “Yo vivo en esta ciudad”. Contenidos. Pedro y Pablo 1970 Con influencias de Dylan. TEMAS CLAVES: “Amor de primavera”. Riff 1982 . Simon & Garfunkel. Tanguito 1973 En tiempos en que la bohemia local todavía conservaba la inocencia. “La marcha de la bronca”.56. como “En este instante” y la primera versión de “Catalina Bahía”. una recopilación de aquellos esbozos desprolijos. acompañándose solo con su guitarra acústica. 57. no obstante -en una sesión llevada a cabo en los estudios TNT. incluye sensibles viñetas urbanas. Tango. críticas al consumismo y la represión de la dictadura de Onganía. a modo de demo. sin haber llegado a grabar un LP propiamente dicho. humor. La reedición en CD contiene temas censurados. José Alberto Iglesias se convirtió en el primer tren descarrilado del rock nacional. el folclore de Yupanqui y el tango de Piazzolla. Murió dos años después. las drogas y el alcohol ya habían hecho mella en su salud física y mental. 58.logró registrar. Beatles. a la vez que crean uno de los primeros himnos de protesta. Yo vivo en una ciudad. Pelo el sello Talent rescató su legado en 1973 con Tango. con arreglos de Jorge Calandrelli. TEMAS CLAVES: “La marcha de la bronca”.

“Me tienen cansado”. y no conseguiría recuperar el brillo en sucesivas reuniones. el cantante de la eterna voz adolescente dejó antes de la partida algunas de sus mejores canciones de amor y traición. Andrés Calamaro 1989 El cuarto álbum solista de Calamaro merecía mejor suerte. inspirados en el viejo disc jockey Pato C. después de catalizar la ansiedad generacional y antes de entregarse al Adversario. Los cuatro integrantes componían. Nadie sale vivo de aquí. los hits rocanroleros de Vitico (“Mal romance”) y las historias épicas de Pappo en plan héroe solitario (“Duro invierno”). Ariel Rot y Gringui Herrera en la delantera. con un sonido contundente y canciones atrapantes. Trance Zomba. Estética trash-menemista.Si bien introdujo la estética metalera de cuero y cadenas. hecho saliva y sangre”. infusiones de George Clinton y rap para el desarme: como superados. el coyote. “Señal que te he perdido”. “Koyote”. pero la crisis lo sepultaba todo. lo que daba a su repertorio una variedad que incluye las historias de cómic-ficción de Michel (“Pantalla del mundo nuevo”). la banda cristaliza su estilo en el tercer álbum. Entre odas alcohólicas y rocanroles de ruta reaparece el compositor pendiente de las melodías inolvidables y las frases para no olvidar: “Nuestro Vietman. Babasónicos se embarca en un trance de despegue. TEMAS CLAVE: “Patinador sagrado”. TEMAS CLAVE: “Susy Cadillac”. Riff estaba más cerca del hard rock que del heavy. Después de grabar dos LO en 1981. y asó se convierten en la primera banda del rock latino en incorporar un DJ en su formación estable. Este álbum anticipó el exilio español de Andrés y también los ritmos que iban a conmover a Los Rodríguez.giran a toda velocidad alrededor de un grupo de gente capaz de enfocar la música cuadro por cuadro: los Babasónicos incorporan. 60. El punto más alto de un grupo que se separaría al año siguiente. a Peggyn. TEMAS CLAVE: “Pasemos a otro tema”. 59. la palmera. Babasónicos 1994 La flora y la fauna de América –el ñandú. . Escuchado por buenos amigos.

aclara la contracubierta del disco en que se imprimió la única versión del mayor clásico de esos primeros 90: “Kanishka”. Gabriel Guerrisi. Tal vez. Después de tres años de demoler escenarios. “Hay otra canción”. TEMAS CLAVE: “Yo caí por tu amor”. La la la es un disco extraño. Los Brujos destapan la paella del Nuevo Rock Argentino. Spinetta y Páez registraron entre agosto y octubre de 1986 este álbum doble que sería un hito de colaboración entre dos generaciones. La la la. el único en que la comunión creativa entre ambos alcanza a plasmarse es “Hay otra canción”. Fin de semana salvaje. “Fin de semana salvaje”. pero no terminó de manifestarse en una unidad: los temas de Páez y Spinetta están diferenciados en textura y estilo. el último tema del LP. compuestas por su guitarrista. Los Brujos 1991 “Grabado durante un fin de semana salvaje del mes de mayo de 1991”. . en que la alquimia de Luis Alberto y Fito funcionó de forma tangencial e interesante. Con Vivi Tellas como cantante invitada y el solo de Cerati en “Fin de semana salvaje”. TEMAS CLAVE: “Todos estos años de gente”.61. 62. fábulas de psicodelia y amor indio. ausente en reedición en CD. invocaron a Melero para grabar en los estudios Aguilar “un demo de once temas”. Spinetta-Páez 1986 Sorteando todo tipo de trabas legales de sus respectivas disqueras.

Electrical. TEMAS CLAVE: “Hacelo por mi”. tocó en televisión hasta el hartazgo y vendió más de 150 mil copias. Attaque 77 1990 El eterno karma del éxito punk: con su segundo disco. la banda liderada por Ciro Pertusi pegó un megahit (“Hacelo por mi”.63. The art(e) of Romance. se ganaron la desaprobación de sus fans más radicales. El cielo puede esperar. un idealista de la emoción entregado a su propaganda. gracias a lo cual abandonaron definitivamente el under y. . “Espadas y serpientes”. 64. En la increíble portada el retrato del anarquista Kurt Wilckens. Fun People 1999 “Steve Albini nos obligaba a usar mamelucos tipo Devo para entrar en su estudio. Con Gato en la batería y Gori en guitarras. En ese ambiente. TEMAS CLAVE: “Vientos”. cortina del recordado programa de Mario Pergolini). En lo musical. alejándose de la ortodoxia ramonera de su álbum debut. el productor de In Utero (el último disco de Nirvana) apeló a su técnica de grabación y le imprimió el volumen de un mar de cemento a las canciones de Nekro. ¡Teníamos una máquina de pochoclo y un billar!”. en los suburbios de Chicago. “Dick Dale”. El cielo puede esperar (producido por el perico Juanchi Baleirón) los muestra influenciados por el pop inglés de los 60 y 70. Fun People grabó The Art(e) of Romance: su obra definitiva. al mismo tiempo.

de M. . en la tapa. como lo prueban tres simples aparecidos en el mismo año: “La llave del mandala”. García supo conectar de lleno con el sentimiento adolescente de aquella época. un disco de canciones simples. Vida. “Natalio Ruiz”. 66.65. “Suspensión”. a fines de 1973 Spinetta forma Invisible junto a Pomo Lorenzo y Machi Rufino (ex Pappo’s Blues). como James Taylor y Elthon John. Siguiendo los pasos de cantautores sensibles. TEMAS CLAVE: “Jugo de lúcuma”. aun sin carecer de complejidades. en que Spinetta exhibe una creatividad expansiva que no cabía en un solo disco. TEMAS CLAVE: “Canción para mi muerte”. armonías jazzísticas) y letras influidas por el surrealismo y los simbolistas franceses caracterizan esta primera etapa del grupo. y con un lenguaje musical que. Invisible. con letras tangibles y a la vez poéticas. Invisible 1974 Después de la etapa de Pescado Rabioso. Charly García (por entonces Charlie) y Nito Mestre irrumpieron en escena con Vida. podía ser reproducido en cualquier fogón con la ayuda de una guitarra criolla. Sui Generis 1972 En años en los que el rock nacional les sacaba lustre a sus influencias bluseras y psicodélicas. y al año siguiente edita su LP debut. Músicas complejas (rítmicas compuestas. acústicas pastorales. con el dibujo Charcos. “Elementales leches” y “Viejos ratones del tiempo”.C. Escher.

su tercer álbum. Bicicleta.T. TEMAS CLAVES: “Gil trabajador”. Serú Girán levanto vuelo en Bicicleta. el público no tuvo más remedio que rendirse ante el clasicismo de “Desarma y sangra”. los “Beatles argentinos” ya jugaban de memoria: el ensamble instrumental se había afianzado y el estilo del grupo. Acido argentino. Serú Girán 1980 Como si de E.67. Letras como las de “Gil trabajador” o “Robó un auto” reflejaban la cotidianidad de los oprimidos y dejaban sentada la postura nacionalista que caracterizaría a Iorio en sus obras posteriores. ante la desaparición de sus dos bandas más emblemática: Riff y V8. La edición del tercer álbum de Hermética en 1991 marcó un resurgir del género. siempre afecto a combinar retorcidos pasajes de jazz rock con canciones directas y emotivas. había llegado a su punto de mayor desarrollo. TEMAS CLAVE: “Canción de Alicia en el país”. La voz de Claudio O’Connor. 68. “Desarma y sangra” . se tratara. el heavy nacional perdió la pujanza que supo mostrar a medidos de la década. pero además consolidó la figura de Ricardo Iorio como caudillo del rock pesado local. A esta altura. “Memoria de siglos”. el “homenaje” a Lynyrd Skynyrd de “Encuentro con el diablo” y la protesta política ultrametaforizada de “Canción de Alicia en el país”. Hermética 1991 Sobre el final de los 80. sobresaliente. Por todo esto.

Spinetta se muestra inspirado. “Maribel se durmió”.del estado psíquico de los sobrevivientes de un país devastado. TEMAS CLAVE: “Resumen porteño”. con su magistral retrato melancólico –y a la vez esperanzado. Spinetta vuelve a la temática porteña. El tercer álbum de Spinetta Jade –en este caso reducido a un cuarteto. con melodías memorables y grandes performances vocales. . Divididos 2000 Posiblemente haya sido una combinación de factores.69. lo que contribuyó a que los Divididos. 70. como la ruptura de su larga relación con Érica García y la grabación en los estudios Abbey Road. Spinetta Jade 1983 En ocasión del regreso de la democracia. alcanzaran un nuevo pico creativo. Divididos reinventa su carrera y produce la primera obra maestra del nuevo milenio. TEMAS CLAVE: “Par mil”. y especialmente Ricardo Mollo. Mollo abandona en parte el hermetismo de sus letras y la obligación de ser “la aplanadora del rock”. alumbrando algunas de la canciones más emocionales (y bellas) de su discografía. César Franov y Pomo. “Spaghetti del rock”. visible en temas como “Maribel se durmió”. Con este álbum. dedicado a las Madre de Plaza de Mayo. Bajo Belgrano.aúna el cariz jazzero del grupo con influencias del rock de los 80 (especialmente The Police). con Leo Sujatovich. Narigón del siglo.

Charly García armó un supergrupo de rock progresivo junto a otro tecladista –Carlos Cutaia. La Máquina de Hacer Pájaros 1977 Luego de la separación de Sui. José Luis Fernández y Oscar Moro. Aunque suene más o menos. los músicos salen del cine. En la portada. Los Visitantes 1992 Durante un año y medio. fue grabado durante la dictadura más sangrienta de la historia argentina. que sólo puede entenderse como guiño a la situación social imperante. Los Visitantes probaron las canciones que integrarían su primer disco en shows memorables en el pub La Luna: un trío capaz de intervenir el tango con la solvencia enérgica del punk. Acaban de ver Trama macabra. su segundo LP. un film de Alfred Hitchcok. es una obra maestra. Nadie se había animado a ese sacrilegio.. Salud universal.71. Algunas de las mejores letras de Palo están en este disco de esperanzas módicas. ¿Y las canciones? Poesía filosa (con toques de humor) y una conjunción de virtuosismo sinfónico aplicado al funk y al candombe. Despedazado por mil partes . Este. “Sangre”. viajes suburbanos y una polenta que metía miedo. su tapa sea horrorosa y algunos temas aturdan. 73. Películas. Gustavo Bazterrica. TEMAS CLAVES: “Tanta trampa”. 72. Palo Pandolfo y sus aliados trasladaron esa furibunda demostración de poder eléctrico al estudio.

La Renga graba su obra cumbre bajo el ala de Polygram y potencia su destreza para el rocanrol rutero. TEMAS CLAVE: “Vals de mi hogar”. el Mataderos blues y las fábulas que cruzan costumbrismo barrial con metafísica rasante.La Renga 1996 Después de un hitero disco en vivo (Bailando en una pata). . ni ellos tocaban rock. contó Litto. Peligrosos Gorriones 1993 Con su primer álbum. Las letras desarticuladas de Francisco Bochatón aportaban el factor irreverente al estilo del grupo. “El otro cambio.. Este álbum resume la dinámica natural del trío ChizzoTete-Tanque. pero lo raro era que tocábamos en lugares populares. “Lo bueno fue que yo no tocaba jazz. una trompada tras otra. al noise y el grunge. Eso que era un quilombo de arreglos y cambios de ritmos”. Algo muy avant-garde. La pintura de tapa de Pérez Celis completaba una obra jugada en su lírica como el paisaje que describe “El otro cambio.se postularon para traducir al castellano aquella fiebre alternativa que dominaba el mundo anglosajón a principios de los 90. 75.. 74. su hard rock embebido en Creedence y Patricio Rey. y se convirtieron así en figuras de aquel caótico Nuevo Rock Argentino. es el inicio del trío formado por Nebbia. cercano al college rock. y armamos una nueva manera de improvisar. los Gorriones –una de las tantas joyas del inagotable filón platense. Peligrosos Gorriones. Litto Nebbia 1973 Basado en rítmicas irregulares e improvisación. El metal melódico de “El final es en donde partí” (el “Enter Sandman” argentino) la épica arrabalera de “La balada del Diablo y la Muerte”… En fin. Allá por 1993.. “El bicho reactor”. TEMAS CLAVE: “Escafandra”.”. Gonzáles y Astarita. Muerte en la catedral. Muerte.. y para la pendejada que cantaba y bailaba. mirar media hora de MTV y no pescar el video de “Escafandra” era tan difícil como sintonizar hoy ese canal y no enganchar un reality. los que se fueron”.

. Lake & Palmer. “No me separen de mi” con parte vocal) en los que sobresale la versatilidad del guitarrista Pino Marrone. “Abismo terrenal”. Influido por grupos como Yes. Mundo guanaco. registran dos versiones (“Desencuentro” de Castillo/Troilo y “De los pagos del tiempo” de José Larralde) y diez temas propios que son su despegue como cantante bajo el seudónimo de Pedro Bonifacio Palacios.. un largo y enmarañado instrumental que resumía a la perfección la esencia de Crucis. al punto de terminar dándole nombre a su segundo y último disco. declara en “Amasijo de un gran sueño”. Crucis 1977 El mariscal en cuestión era el tecladista Aníbal Kerpel (hoy socio creativo de Santaolalla en Surco). el cuarteto se muestra más aceitado que en su debut. Camel y Emerson. Los delirios del mariscal. desplegando su virtuosismo en cuatro temas (sólo uno de ellos. Y tengo una voz muy particular por eso siempre quise cantar.76. . Con Claudio Marciello en guitarra y Claudio Cardacci en batería. “El pibe tigre”. El ex líder de V8 se repone de la escandalosa separación de Hermética: “Premeditaron apartarme y al saberlo me hice a un lado”. 77. TEMAS CLAVE: “Dijo el droguero al drogador”. y su delirio. TEMAS CLAVE: “Los delirios del mariscal”. soy como el hijo mogolico de ese que canta en la doma”. Almafuerte 1995 Dijo Iorio a RS: “Payando soy una luz.”.

basados en la ambición percusiva de Dani Buira y en un Andrés Ciro de lengua y pluma afiladas. su idea de conciliar a los Stones con Discépolo. pegó fuerte en el corazón de una época de vaciamiento político y héroes de trapo. con beat sui generis. TEMAS CLAVE: “3 walls”. Mariano “Manza” Esaín y Ariel “Minimal” Sanzo armaron. Massacre produce y registra Sol Lucet Omnibus: su primer disco larga duración. los tutores crossover y el stage-diving. y. Sol Lucet Omnibus. Doce canciones que presagian. Massacre 1992 Entre junio y julio de 1992. 79. Flopa Manza Minimal. Walas Cidade entrega la guitarra a Pablo M. Sobresalían la canción de redención a una puta (“Al atardecer”). por recomendación de este último. TEMAS CLAVE: “Dejadez”. Tres autores que se revelan y miden la profundidad de seis cuerdas de nylon por triplicado.78. criollo entregan el primer clásico del skate rock nacional: “3 walls” en dos versiones. Acá. compuesto e inspirado en el viejo half-pipe de Ciudad Universitaria. “Debajo del Álbum Blanco”. Banda de culto… desde los cromosomas. pasa al frente de sus compañeros de colegio para asistir y bautismo del hippie-core argentino. la nostalgia y la esperanza del derrotado. un proyecto eventual: el trío acústico (y a veces no tanto) Flopa-Manza-Minimal. TEMAS CLAVE: “Esquina libertad”. Los Piojos 1996 En un gran año para los tanques rockeros. Los Piojos llevaron a la masividad su proyecto de murganrol festivo y sentimental. Flopa Manza Minimal 2003 Florencia “Flopa” Lestani. conjunción de caracteres que jamás iba a grabar un disco hasta que un amigo les ofreció pagar la sesión en TNT. “Al atardecer”. nuevos tiempos de folk en el over-ground. “Nuevo día”. . Tercer arco. de temas que rondan el amor. el himno “Maradó” (emblema del rock futbolero) y los hits bolicheros “El farolito” y “Verano del 92”. Álbum hi-fi para las esquinas (producido por Alfredo Toth). al mismo tiempo que su banda se desliza fuera de la Buenos Aires Hard Core. 80.

TEMAS CLAVE: “Giros”. sus aproximaciones al tango (“Giros”) y al folclore (“Yo vengo a ofrecer mi corazón”). y lo mismo sucedió cuando su padre. pero fue con la edición de Giros. 82. en 1985. Páez se postuló como potencial aspirante a alcanzar el podio de los grandes solistas del rock nacional. Cerati-Melero 1992 Como Eno-Cale en Wrong Way Up. Esperando el milagro. el estaba ahí. 83. Todo ese periodo estuvo marcado por la creación de Colores Santos. Cerati-Melero unieron fuerzas y egos para cristalizar un proyecto postergado. “11 y 6”. en el que el rosarino de 22 años enfatizó desde el rock.81. recordó Cerati. el siguiente disco de Soda. Con base de acid-house y el pop electrónico. y describe el trayecto sónico que irá a Dynamo. un disco que hicimos por el placer de hacer música y fue una especie de ligazón con la vida a partir de situaciones muy fuertes”. Las Pelotas . la calidad musical de sus canciones y la profundidad de sus letras no pasaron inadvertidas ni para el público ni para sus pares. Colores santos. “Colores santos”. el disco combina la pericia melódica de Cerati con el laboratorio de Melero. decía el propio Spinetta al referirse a este disco. Fito Páez 1985 Con la salida del primer álbum (Del 63). TEMAS CLAVE: “Cozumel”. que logró el lugar que lo ponía en la línea sucesoria de Spinetta y García. “Cuando murió mi padre. Su fuerte personalidad. “Es la mejor música que se está haciendo”. Giros.

“Esperando el milagro”. esa fusión de rock con ritmos negros. Los Abuelos de la Nada 1982 “No creo que alguien haya logrado producir a Miguel Abuelo alguna vez”. fundamentalmente. TEMAS CLAVE: “Sr. Pero también hay un homenaje a los desaparecidos (“Vuelos”). los catapultó hacia la fama no sólo en Argentina. El resultado es un disco prolijo que. sino que les abrió las puertas en el resto de América Latina. A su característica fórmula de acidez. una cumbia-rock (“Yo tomo”) y una “Murguita del sur”. señalo Charly García a RS. 84. apareció Santaolalla y junto.2003 Queriendo ironizar sobre la costumbre argentina de esperar que caigan soluciones del cielo. Libertinaje. . una extraña canción de amor que con el tiempo se convertiría en un hito del rock nacional modelo 00: “Será”. Este álbum. fue clave para plantar las bases de su innovadora propuesta estética. TEMAS CLAVE: “Tristeza en la ciudad”. Cobranza”. como grupo y como seres humanos. “En la cama o en el suelo”. Las Pelotas terminaron haciendo una analogía de su propia carrera: tras catorce años sumando público a paso de hormiga. aunque no logra reflejar el calor de sus shows. Los Abuelos de la Nada. 85. Cobranza” (compuesto por Las Manos de Filippi) y “Se Viene” como estandartes combativos. “Yo tomo”. funk y reggae e influencias latinas. con el productor. Con la versión de “Sr. en referencia a la tirante relación que mantuvo con él al encargarse de la producción del primer LP de Los Abuelos. el grupo le sumó prolijidad y. Bersuit Vergarabat 1998 Cuando los bersuit parecían degradados. una verdadera seguidilla de hits. llegó la resurrección. su octavo disco. TEMAS CLAVE: “Será”. oscuridad y sensibilidad roñosa. Pero el resto de los integrantes entendía que la relación con García era beneficiosa y medió para que Miguel se amoldase a las directivas. el “milagro” (encarnado en convocatoria masiva y difusión radial) llegó con este. Bersuit le puso letra y música al ocaso del menemismo.

amigos. estética moderna y un sonido seco y directo. el Pity se revela Jedi del monoblock y tiene sus clásicos raptos de sinceridad brutal (“Un tema de mierda”. “Reggae para los amigos”) sobre una mayor paleta de géneros (“¡Alta banda de hip hop Intoxicados. dijo una vez”).86. con descripciones del “shock cultural” (“Mama. TEMAS CLAVE: “Una vela”. une rap con reggae con blues. provoca la génesis de una nueva tribu urbana: el rastone. ejercería una profunda influencia –notoria en el Clics Modernos-. Intoxicados 2003 “En algún momento en el tiempo y por algún lugar del espacio”. Incomprendido en su momento. tengo una TV color”). Con Ezequiel Araujo como asesor en la producción de algunos tracks. . “Está saliendo el sol”. No es sólo rock & roll. 87. TEMAS CLAVE: “Vasudeva”. “Ando rodando”. Gustavo Santaolalla 1982 Después de la experiencia soluna. narra Pity Alvarez en el prólogo del segundo disco de su segunda banda. y durante su regreso a Buenos Aires en 1981 registra su primer álbum solista. inaugurando los años 80 dentro del rock argentino. El disco es casi una crónica de esta transformación. que produce un gran impacto en su rumbo artístico. Santaolalla. Santaolalla emigra y en Los Angeles se encuentra con la new wave. Con este disco. Intoxicados: No es solo rock & roll. forma el grupo Wet Picnic. Identificado con el movimiento. eh!.

Ahí. Raúl Porchetto. Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota 1996 Este álbum oscuro y potente marca el fin de la etapa más directamente hitera de los Redondos. reunidos sin presiones ni pretensiones alrededor de un puñado de canciones folk: cualquier semejanza con Still. En 1975. quiero ser…” 90. “Caravana”. Nito Mestre. pese a haber sido pensado para durar. pero no nos privó de himnos del hippismo vernáculo como “La colina de la vida” y “Tu alma te mira hoy” TEMAS CLAVE: “La mamá de Jimmy”. León Gieco y María Rosa Yorio idearon un proyecto acústico e informal que.88. TEMAS CLAVE: “Lago en el cielo”. Hace rato que un disco pop no sonaba tan rockero. 89. Cerati plantó trece canciones tan claras como la fuente eléctrica que las alimenta. solo llegó a concretar este LP. La iluminación llegó acompañada de un par de amigos dispuestos a robarse una porción del primer plano del mundo Cerati. “Juguetes perdidos”. Charly García. en esa zona franca donde sencillez y energía todo lo pueden. Luzbelito. Rocambole modeló un busto de nueve kilos de barro que cobraría estatus mítico al ser robado de una exposición. La censura de la época cercenó “El Fantasma de Canterville” (sólo está incluida en la primera edición). PorSuiGieco 1976 Un grupo de estrella. en que la guitarra de Skay cobra un filo de acero y la voz del Indio se pone más frontal y ominosa. Un plan simple para devolverles a sus shows esos relámpagos que acallan hasta los ruegos por Soda. Basado en el imaginario mefistofélico del álbum. Ahí vamos. PorSuiGieco. “Quiero ver. TEMAS CLAVE: “La dicha no es cosa alegre”. . y tanto Richard Coleman como Fernando Samalea aportaron esas marcas de guerra que delatan veinticinco años en la ruta. Nash & Young no es pura coincidencia. Gustavo Cerati 2006 De regreso a la temporada de guitarras. Solari y Beilinson parecen recurrir aquí a la épica de los orígenes (incluye el rescate de dos inéditos: “Mariposa Pontiac” y “Blues de la libertad”) y a un sistema de grabación más moderno y recargado.

000”). 92. Ezequiel Araujo llega de Avant Press para programar la histérica belleza de la banda. El Otro Yo 1999 Este disco es el refugio de la última generación paria: los hermanos menores de los 90. muero… muero”. Con frescura y virtuosismo. La Portuaria 1991 La aparición de Escenas de la vida amorosa convirtió a La Portuaria en uno de los grupos más prometedores de los comienzos de los 90: mezcla de estilos. planta bandera en la ambición de mirar el mapa musical de la región desde Buenos Aires como capital rockera latinoamericana. Un Diego Frenkel inspirado en la senda global latin de David Byrne (y hasta un acercamiento al hip hop) es soporte para las ideas musicales de Christian Basso. 93. TEMAS CLAVE: “El bar de la calle Rodney”. El Nevermind de El Otro Yo. Resultado: el gran salto de la música que no escuchan todos. los que vivieron en diferido el Nuevo Rock Argentino porque eran infantes (apenas arañaron el grunge) y ahora se desayunan con el audio de un país que se va al tacho. Escenas de la vida amorosa. Abrecaminos. Mensajes del alma. . TEMAS CLAVE: “Filadelfia”. letras tan candorosas como cotidianas. y una banda de hermanos mayores dispuestos a protegerlos (“Cierro mis ojos y escucho/ te estoy creyendo/ si no creo. desprejuicio rítmico. “Mira las nubes”. María Fernanda Aldana en “10.91. “No me importa morir”. instrumentación precisa.000.

Las crónicas crudas. “Que mala suerte”. Rock de la mujer perdida. 94. Los Gatos 1970 El quinto álbum de los gatos es el que los consagra como una banda revolucionaria del rock y el blues en castellano (habiendo dejado atrás el beat). . Gieco firma con EMI (un sueño de la adolescencia: grabar en el sello de los Beatles) e inicia un renacimiento artístico. rock con clase (“Por qué bajamos a la ciudad”) y una banda en estado de gracia (Toth. alcanzando una síntesis en “Los salieris de Charly”. las mochilas reprodujeron el logo de la banda y el Mosca se convirtió en una singular estrella de rock. “Invasión”. este disco rebautizado por la censura (iba a ser Rock de la mujer podrida) suena denso y melódico. 95. La síntesis anticipada del universo del rock barrial tardío. vitales y graciosas de un grupo de pibes que se la pasan en el kiosco tomando birra. Gieco integra ritmos folclóricos con sus raíces de rock y folk. Fogliatta. primera expresión del “rap agropecuario”. Producto calibrado del cruce de estilos de Nebbia y Pappo. TEMAS CLAVES: “Cinco siglos igual” “Los salieris de Charly”. Valentín Alsina. aunque tocado en clave ramonera-cachivachera. “Ya nos sos igual” fue un himno generacional. TEMAS CLAVE: “Requiem para un hombre feliz”. puteando a los policías y escuchando punk. El cantante también inaugura su sociedad compositiva con el tecladista Luis Gurevich. ahí donde termina la Pompeya porteña y empieza este álbum debut. coautor de clásicos como “Todos los días un poco” y “Cinco siglos igual”. con una zapada proto-stoner (“Invasión”). Nadie esperaba que este disco pobre y entrañable se convirtiera en un suceso de 50 mil copias. Utilizando programaciones junto a instrumentos autóctonos. TEMAS CLAVES: “Ya no sos igual”. 2 Minutos 1994 La tapa lo decía todo: el puente Alsina. Notable como Lito Nebbia su rango vocal para seguir el vuelo de un Pappo prematuramente magistral. Moro).León Gieco 1992 Después de algunos años oscuros.

. Bistró Málaga. “Autos sobre mi cama”. Fricción 1986 Una obra de culto para la patria darkie. en el que Cerati cumplía el rol de de guitarrista invitado. electrónica fuera de la pista del dancefloor y cerca del pop.96. 97. Con Samalea en batería y Basso en bajo –ambos ex Clap-. Las obsesiones oscuras y las metáforas de Coleman sobre la sociedad de consumo marcaron el pulso de la época. El disco menos experimental del dúo. este disco grabado por Fernando Lamas y Sebastián Mondragón muestra una renovación y un collage sónicos junto a una tapa retro y kitsch. TEMAS CLAVE: “Fui hecho para amarte”. en este disco producido por Cerati carga con la sombría vitalidad de lo maldito. del ambient al nuevo easy listening). “Mentol”. Autogestionado total. Consumación o consumo. adelantando fenómenos de música electrónica no bailable (de Air al Emisor. cuando Richard Coleman desistió de ser el cuarto integrante de Soda Stereo para liderar un proyecto personal. Fricción se formó en los backstages de los conciertos de la primera mitad de los 80. TEMAS CLAVE: “A veces llamo”. en una casa de Banfield. Estupendo 1994 Heredando la falta de ubicuidad en el mapa rockero de Los Encargados de Daniel Melero. grabación ciento por ciento hogareña. detalles de producción artesanal.

permitió que “La Maga. Si bien la primera de ellas había pasado inadvertida. sumaron. Man Ray 1991 El grupo de Hilda Lizarazu y Tito Lovasio. 99. una camada de artista que traerían aires de renovación tanto al rock como a la música popular. También fue el disco que marcó el arribo a Buenos Aires de la “trova rosarina”. Detalle no menor es que el disco cuenta con un gran aporte de producción de Charly García y con su participación como invitado. el relanzamiento del disco.98. Perro de playa contó con dos ediciones. en 1991 para CBS y. en 1992. Juan Carlos Baglietto 1982 Fue mucho más que el debut de Baglietto. TEMAS CLAVE: “Sola en los bares” y “Tierra sagrada”. “Olvídate de mi” y “Caribe Sur” se convirtieran en hits radiales. se propuso en este álbum retratar la imagen del ser porteño desde un costado optimista. más tarde. Perro de playa. Tiempos difíciles. bautizado en homenaje al revolucionario fotógrafo surrealista. casi una selección de estos compositores e intérpretes entonces desconocidos: Rubén Goldín (guitarra y voz). Como muestra de sus raíces e influencias. una edición independiente. Silvina Garré (coros) y Fito Páez en teclados. en la grabación al Chango Farías Gómez y Manolo Juárez. La primera. Baglietto grabo este álbum acompañado por su banda estable. TEMAS CLAVE: “Mirtha de regreso” y “La vida es una moneda”. .

“Octubre (mes de cambios)”. . lo que disparó la censura y un destino casi maldito para este álbum TEMAS CLAVE: “Traigan un vino”. Domingo Cura y Uña Ramos. Pedro y Pablo. el primer álbum solista de Narvaja sintetiza la confluencia de un grupo de músicos alrededor del sello Trova que generó un sonido de rock acústico con influencias del folk estadounidense y del folclore latinoamericano. cuyo talento embellece estas canciones magistralmente cantadas y tocadas por Roque.100. Roque Narvaja 1972 Tesoro oculto del rock argentino. Octubre (mes de cambios). con guitarras acústicas y charangos. Algunas letras políticas reflejan la convulsión de la época. Entre ellos estaban Nebbia.