COMPOSICIÓN CINEMATOGRAFICA

La composición no es algo creado arbitrariamente, sino mas bien, muy

estudiado por los griegos, da Vinci y muchos otros. Donde encontraron en la
naturaleza los cánones de la belleza artística. De estos cánones salio la:
SECCIÓN AUREA
Es una división del todo en dos partes, asi que la parte menos es a la mayor,
como la mayor es al todo. Esta proporción o forma de seleccionar
proporcionalmente una línea se llama proporción áurea.

Entonces de esta proporción Dibujamos un cuadrado y marcamos el punto

medio de uno de sus lados. Lo unimos con uno de los vértices del lado opuesto
y llevamos esa distancia sobre el lado inicial, de esta manera obtenemos el
lado mayor del rectángulo.

El calculo matemático de este rectángulo termina dando el numero de oro que

esta presente en todo orden de cosas, especialmente de la naturaleza.
Otro ejemplo es el pentágono de Pitágoras

Por ejemplo, la relación entre la diagonal del pentágono y su lado es el número

de oro.
La sucesión de Fibonacci
Consideremos la siguiente sucesión de números:
1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, 34...
Cada número a partir del tercero, se obtiene sumando los dos que le
preceden. Por ejemplo, 21 = 13 + 8; el siguiente a 34 será 34 + 21 = 55.
Esta sucesión es la llamada "sucesión de Fibonacci"*.
Y quizás la más sorprendente sea la siguiente propiedad. Dividamos dos
términos consecutivos de la sucesión, siempre el mayor entre el menor y
veamos lo que obtenemos:
1 :1 = 1
2 :1 = 2
3 : 2 = 1´5
5 : 3 = 1´66666666
8 : 5 = 1´6
13 : 8 = 1´625
 21 :13 = 1´6153846....
34 :21 = 1´6190476....
55 :34 = 1´6176471....
89 :55 = 1´6181818....

Entonces si juntamos todo esto el numero de oro es 1.6 (fi) periódico.

El número de oro en el arte, el diseño y la naturaleza.
El número áureo aparece, en las proporciones que guardan edificios,
esculturas, objetos y partes de nuestro cuerpo.
Un ejemplo de rectángulo áureo en el arte es el alzado del Partenón griego,
en La Gran Pirámide de Keops, en las tarjetas de crédito, en nuestro carnet de
identidad y también en las cajetillas de tabaco, en el cuerpo humano (dibujo de
Leonardo da Vinci) y en la naturaleza aparece la proporción áurea también en
el crecimiento de las plantas, las piñas, la distribución de las hojas en un tallo,
dimensiones de insectos y pájaros y la formación de caracolas.

El cine no es solamente un “arte de imágenes en movimiento”, igual o mas

importante es el recuadro donde se despliegan lo movimientos. Ante esto es
importante recurrir a un sentido de “marco” (rectángulo que me limita) con que
el camarógrafo selecciona un pedazo de realidad y dispone (ordena) los
elementos visuales que mostrara al publico.

CONCEPTOS BASICOS DE COMPOSICION

Ley de composición: Equilibrio – armonía – ritmo y uno cinematográfico:

Preganancia: Capacidad que tiene una forma u objeto de impactar en el
espectador.
Equilibrio: La distribución correcta de los pesos o elementos en el plano. ¿Qué
vamos a poner?
Armonía: Relación grata de los elementos en el espacio y plano. ¿Cómo?
Ritmo: ¿Cuándo?
son los elementos básicos de una buena composición, si no tiene alguno de
estos 3 no esta bien compuesto.
El componer tiene que tener una pregunta y una respuesta.
Nosotros leemos o vemos imágenes de izquierda a derecha, por lo cual no
puedo mostrar imágenes de derecha a izquierda.
Siempre ir de lo general a lo particular de manera armónica.
En composición siempre un objeto compone (abre) y otro responde a este
objeto (cierra)
Lo principal del plano o una obra es iluminar el centro de atención

PUNTO DE MAXIMO INTERES o centro de interes

La definición de este punto que esta presente en la naturaleza, en los animales
y el hombre es la simplicidad, aunque un cuadro o encuadre tenga muchos
elementos, todos tiene que llegar a un mismo fin o dirección “INTENCIONAL”.

LIMITE INTERNO DEL MARCO

Dentro del cuadro cinematográfico los elementos interiores tienen que estar
ordenados en relación al rectangulo de la pantalla sin que haya desequilibrios,
entonces tiene que haber elementos o personajes que la equilibren y esa es su
función, que el punto maximo de interes lo mantengan constante aunque este
se mueva. Los distintos elementos de la composición deberán dar la impresión
de un todo.
Lo que ustedes deben lograr como primera regla es que este punto maximo de
interes no sea monotono y aburrido y que nunca este en el centro del cuadro.

EL HORIZONTE
En todo paisaje donde aparezca el horizonte, se procurará que éste ocupe el
tercio superior o el inferior. Se evitará, por lo tanto, que divida el cuadro en dos
partes iguales. La elección del tercio inferior o superior dependerá de la
importancia que adquiera el cielo o la tierra en paisajes lejanos, y del nivel a
que se ubique el sujeto más importante. Tal nivel en nuestro caso es la altura
en que se ubica la cámara.

DIAGONALES
Las líneas diagonales son el recurso más importante en cuanto a la ruptura de
la monotonía que producen las líneas paralelas al marco. Ahora bien, las
diagonales también pueden ser monótonas cuando se producen cruces
simétricas en el centro y aun cuando cortan el cuadro de vértice a vértice. Es
preferible que las diagonales nazcan o mueran en el vértice del horizonte con el
marco, o bien en uno de los puntos fuertes, si la diagonal es el trazo más
importante de la composición.

Regla de los tercios

Exceptuando, posiblemente, los primeros planos de gente es mejor ubicar el

centro de interés en alguno de los puntos indicados por la regla de los tercios.
En esta regla la pantalla se divide vertical y horizontalmente en tres secciones
iguales.

Aunque muchas veces es mejor ubicar el centro de interés en algún punto a lo

largo de las líneas verticales y horizontales, generalmente la composición es
más sólida cuando el centro de interés cae en alguno de los 4 puntos de
intersección.

Crear un patrón de significado

Otro lineamiento para componer efectivamente es usar una combinación de

elementos en la escena para crear un significado.
De la misma manera, cuando una variedad de objetos aparece en una escena,
a veces hasta inconscientemente intentamos dar algún sentido a lo que vemos.
Asumimos, que las cosas no se juntan por accidente. Un buen director sabe
esto y trata de colocar los objetos en su encuadre por una buena razón.

Un buen ejemplo de ello es la atmósfera de introducción, donde el director

presenta en la escena, detalles sobre los personajes principales antes de ver a
los actores.

En contraste con esto tendríamos, tomas de una habitación llena de latas de

cerveza, ceniceros repletos de colillas, sillas volteadas y zapatos, al amanecer
que nos diría no solo algo de lo que sucedió en ese lugar la noche anterior sino
de la gente que habita el lugar.

Los elementos en una escena pueden ser obvios, o pueden sugerir sutilmente
e inconscientemente un sentido.

Aproveche la perspectiva

Aprovechar el efecto de perspectiva para realzar la intención de la toma.

Aunque se supone que la "cámara no miente", ya debe haber inferido que la
interpretación de las escenas puede ser alterada significativamente a través de
la iluminación, ángulos de cámara y distancia focal del lente.

Tal como fue expuesto, la posición de una cámara así como la distancia focal
del lente altera la perspectiva aparente de la toma así como la supuesta
distancia entre los objetos. Una distancia corta entre la cámara y el sujeto, con
un lente corto (o el zoom en su posición más abierta) exagera la perspectiva.

Las líneas paralelas se separarán más cercanas a cámara y tenderán a

converger acentuadamente a poca distancia.

A través del control creativo de cosas tales como las distancias focales del
lente y la distancia entere la cámara y el sujeto, puede lograrse comunicar
diferentes impresiones de dicho sujeto.
Toda línea paralela al suelo sufre los efectos ópticos de la Perspectiva. En otras
palabras tiende a unirse en el infinito con las otras líneas que tienen un común.
Todo cubo y todo cuerpo compuesto por caras planas (Ej. edificios, etc.), puede
mostrar una sola cara si se lo capta de frente, en un ataque de 90o, con lo que
resultará una imagen chata y sin perspectiva.
Así pues todo cubo puede ofrecer una pespectiva si se lo ataca en 45o, con
ello aparecerán diagonales en la composición y una impresión de profundidad
tridimensional. En todo tipo de líneas paralelas, sean senderos, verjas,
arboledas, postes, muros exteriores e interiores, muebles, etc., el sentido
composicional del cámara debe estar al acecho de la diagonal en perspectiva.

Evite la confusión

Evitar confusiones. Existen confusiones tonales, dimensionales y de bordes.

Confusión tonal

Las confusiones tonales se producen cuando varios elementos importantes del

cuadro se mezclan y pierden su identidad. Puede ser por falta de foco en el
lente, porque los elementos tienen valores tonales o de color similares o por
problemas de iluminación.
Al colocar objetos a diferentes distancias de la luz, su valor tonal variará mucho
de acuerdo a cuánta luz reciban. Todos hemos visto fotos con "flash" donde
alguien cercano a la cámara aparece como un fantasma blanco y alguien en la
parte de atrás, está completamente oscuro y casi sin color. Cuando distintos
valores tonales se confunden de esta manera, se habla de confusión tonal.

Confusión dimensional

Siguen las confusiones dimensionales. Ya hemos dicho que el ojo ve

selectivamente y en tres dimensiones. Al cerrar un ojo el videógrafo puede
evaluar mejor cómo se verá la escena cuando se elimine la tercera dimensión.
En las mejores circunstancias la confusión dimensional se produce cuando dos
elementos de una escena se juntan y pierden significado. En las peores
circunstancias, se verán ridículos, como cuando una fuente en el fondo parece
salir de la cabeza de alguien en primer plano.

Aunque el foco selectivo y el uso de contraluz ayudan a aliviar el problema, la

mejor solución es por lo general mover el ángulo de cámara o recomponer los
elementos en el set.

Confusión de bordes

El último tipo de confusión, la de bordes, se produce cuando el sujeto de la

toma queda cortado por el borde del cuadro en un lugar inapropiado. Una vista
lateral de un vehículo que apenas muestre las ruedas traseras dará una
sensación incómoda de que la parte trasera del carro está suspendida en el
aire sin soporte alguno.

Un plano de una persona recortada a la altura de las rodillas se vería

incongruente. Igualmente sucede al cortar las manos o los pies en una toma.
Un plano de una chica con un vestido "strapless" (sin tiras) encuadrada
ligeramente sobre el vestido, la hará lucir "topless".

Cerrar o abrir el encuadre es casi siempre la solución en estos casos.

Limite el número de objetos principales

Limitar el número de objetos principales en la escena. En general, un número
impar de objetos principales produce una composición más fuerte que un
número par.

Fíjese que en la primera ilustración los dos objetos parecen dividir la

composición. Al añadir un tercer objeto mejora la composición.
Pero cuando se agrega un cuarto elemento, la composición parece dividirse
nuevamente.

Aproveche el significado
que sugiere el movimiento
Aprovechar el significado que sugiere la dirección del movimiento. De
dónde y hacia dónde va la acción es importante. El movimiento de zonas
oscuras hacia zonas iluminadas puede simbolizar liberación o una mejora en el
ánimo.

El movimiento ascendente, a veces algo tan simple como un individuo

levantándose de su silla, atrae la atención porque sugiere evolución y avance.
El movimiento descendente usualmente connota lo opuesto (por ejemplo, un
hombre cayendo sobre una silla).

La acción hacia la cámara es más poderosa que la acción que se aleja de la

cámara. El objeto puede estarse moviendo o bien el movimiento pudiese ser
creado por un dolly o un zoom in.

Muchas veces, las locuciones televisadas se trabajan de manera que la cámara

haga zoom in en ciertas partes especialmente importantes del diálogo. En este
sentido es mejor (psicológicamente hablando) que durante un diálogo se
produzca un zoom in y luego corte a un plano más abierto (en lugar de hacer
un zoom out).

El director dirige la atención

Aunque usualmente asumimos que el término director se refiere a una persona
que dirige al personal de producción, el vocablo tiene un significado más
importante: dirigir la atención del televidente.
En este rol, el director cambia de forma a contenido y se concentra en cómo
utilizar las herramientas a su disposición para atraer la atención del espectador
a los aspectos críticos del mensaje.
En este sentido, el director es una suerte de guía para los telespectadores.

Inserts y cutaways
En lugar de decir, "al mirar por el lado izquierdo del vehículo, encontrarán..." un
buen director corta a un primer plano de lo que sea importante ver en ese
preciso instante. Esto se le conoce como
un insert , de un primer plano de algo relevante
para la escena básica.
La utilización de un insert es tan sólo una
manera de dirigir la atención hacia ese
elemento. El insert forza a la teleaudiencia a
mirar un aspecto particular de toda la escena, y
realza detalles que de otra manera no serían
aparentes.
Los buenos guías, ayudan a que la gente
comprenda el viaje añadiendo información relevante en el camino. Un buen
director hace igual. El equivalente visual de ello es el cutaway o plano de
recurso, que corta de la acción principal para traer a colación material
relevante, pero no esencial a la escena. Por ejemplo, cubriendo un desfile, el
director podría cortar a una toma de un bebé durmiendo tranquilamente en su
coche.

Aplicación de los principios de CAMARA

Algunos de estos efectos dinámicos que hacen que el cámara pueda dar
variedad a la imagen y mantener la atención del espectador son los siguientes:
Alterar la importancia del sujeto. Reencauzar la atención del espectador
Introducir o retirar información mientras el espectador observa transformar la
disposición de ánimo de una escena. Mostrar movimiento, crecimiento,
desarrollado.
Se han sintetizado algunos excelente axiomas de trabajo que tienen una amplia
aceptación.
Dirección del movimiento. Al igual que las líneas verticales, el movimiento
vertical es más fuerte que el horizontal, que es el que menos llama la atención.
Un movimiento de izquierda a derecha tiene mayor fuerza que una acción de
derecha a izquierda. Una acción ascendente tiene mayor fuerza que una
descendente. De aquí que una elevación a partir de una posición sentada
tenga mayor atracción que el movimiento descendente de sentarse.
Movimiento diagonal. Al igual que las líneas diagonales, esta es la dirección de
movimiento más dinámica.
Movimientos hacia la cámara. Todos los gestos o movimientos hacia la cámara
tienen más fuerzas que las acciones recesivas que se alejan de la cámara; una
mirada, una cabeza que se vuelve, una mano que señala. De igual forma, una
toma que se mueve hacia el sujeto( acercamiento con zoom) provoca mayor
interés que una que se aleja. Cuando alguien se mueve delante de otra
persona (o escenario) se atrae más la atención que cuando se mueve detrás.
Deben evitarse tales movimientos cruzados en las tomas más cortas que el
plano medio.
Continuidad del movimiento. Mientras que un objeto en movimiento atrae la
atención más fácilmente que uno estático, el movimiento continuo a una
velocidad constante no mantiene un máximo interés. Cuando la acción se
interrumpe momentáneamente o cambia de dirección, el impacto es mayor que
cuando esta es continua. Los movimientos convergentes son generalmente
más fuertes que los divergentes.

EL EJE DE ACCIÓN
Cuando queremos representar un movimiento a través de varias tomas
debemos respetar el eje de acción. Podríamos definir el eje de acción como la
línea imaginaria que marca todo viaje rectilíneo. Pero no solamente se crea un
eje de acción cuando se intenta representar un movimiento, así pues dos
personas que aparezcan en una escena, estén una frente a la otra, una al lado
de la otra, una sentada y la otra de pie, con tal que aparezcan de cualquier
modo relacionadas, han creado una línea imaginaria que las une: un eje de
acción.
ALGUNOS PUNTOS INTERESANTES SOBRE EL ENCUADRE
Una escena puede, de hecho, estar recargada de cosas y gente, como , por
ejemplo, un plano de situación de un individuo caminando por una sala de
redacción. Pero cada elemento debería estar en su puesto, sin sacarnos del
centro de interés y el centro de interes es el tipo caminando hacia su lugar de
trabajo.

Un plano abierto del interior de una finca del siglo XVII puede contener docenas
de objetos. Cada uno de ellos, debe sostener el planteamiento: "finca del siglo
XVIII". Asegúrese de que estos elementos quedan visualmente en segundo
plano.

Recuerde que la audiencia tiene un tiempo limitado? apenas unos segundos ?

para comprender el contenido y significado de cada plano. Si algún significado
esencial del plano no es aparente rápidamente, la audiencia perderá el sentido
del mismo. (recuerde que una de las definiciones del "Director es aquel que
dirige la atención")
Tenga presente además que el ojo ve selectivamente y en tercera dimensión.
Así es que tiende a excluir lo que no es relevante de momento. Pero, la cámara
no ve de la misma manera ? igual que el micrófono no selecciona lo que va a
oír, eliminando el ruido de un avión que pasa en medio de un diálogo.

Ahora que ya hemos hablado de algunos conceptos básicos de la técnica

visual daré algunos consejos prácticos.
Encuadre de personas: debemos evitar cortar a las personas en puntos de
unión naturales. De igual forma debe evitarse que el encuadre toque el borde
de la pantalla.
Encuadre posiciones: el centro de la pantalla es, por lo general, la zona más
débil para mantener la atención del RECEPTOR. El uso continuado o
sostenido de la imagen en el centro de la pantalla resulta monótono. Las
posiciones cercanas a los bordes no suelen dar buen equilibrio (en particular
cuando hay líneas paralelas a ellas). Las esquinas ejercen una presión hacia el
exterior en objetos allí situados. La fuerza pictórica del objeto y su importancia
tienden a aumentar cuanto más alto y a la derecha está en el encuadre.
Ajuste del encuadre: los primeros planos crean problemas, por ejemplo en el
caso de gesticulación de brazos que quedan fuera de la imagen. Un encuadre
ajustado realza los márgenes de la pantalla. Los movimientos de cabeza
pueden quedar fuera de la imagen dejándola vacía por lo que requiere tomar
un panorama cambiante que constituye una operación tediosa.
Encuadre descentrado sujetos en movimiento: Cuando un sujeto está en
movimiento debe mantenerse ligeramente retrasado en relación al centro del
encuadre. El retraso que se precisa se va haciendo ligeramente mayor a
medida que aumenta la velocidad del movimiento.
Reencuadre: a medida que la persona entra o sale del encuadre, la cámara
normalmente lo va ajustando para la situación siguiente. En acciones
dramáticas se pueden deliberadamente no reencuadrar para conseguir que la
tensión debida a la composición desequilibrada realce a la salida o ausencia
del segundo sujeto.

Movimientos De Cámara

1. Paneo. Mover la cámara horizontalmente ya sea de izquierda a derecha o de

derecha a izquierda. Cuando se realiza un movimiento de izquierda a derecha
se le denomina paneo hacia la derecha. Asimismo, cuando se realiza un
movimiento de derecha a izquierda se le denomina paneo hacia la izquierda.
2. Tilt. Mover la cámara verticalmente ya sea de abajo hacia arriba o de arriba
hacia abajo. Cuando se realiza un movimiento de abajo hacia arriba se le
denomina “TILT UP”, mientras que cuando se realiza un movimiento de arriba
hacia abajo se le denomina “TILT DOWN”.
3. Travel. Moverse junto con la cámara paralelamente a la acción. Esta acción
puede hacerse de izquierda a derecha denominándose “TRAVEL IZQUIERDO”
o de derecha a izquierda denominándose “TRAVEL DERECHO”.
4. Dolly. Moverse junto con la cámara hacia delante o hacia atrás. Cuando se
mueve uno hacia delante se le denomina “DOLLY IN” y cuando se mueve uno
hacia atrás se denomina “DOLLY OUT”.
5. Crane. Subir o bajar de nivel de altura junto con la cámara. Cuando subimos
con la cámara se le denomina “CRANE UP” y cuando bajamos se le denomina
“CRANE DOWN”

Enfoque

Al sacar de foco los elementos en primer plano y los fondos, hay que mantener
el centro de interés en donde está enfocado.
Donde hay luz
El ojo es atraído por las zonas brillantes del cuadro. Ello implica que el uso a
conciencia de la luz puede convertirse en una herramienta de composición, en
algunos casos enfatizado o desenfatizando ciertos elementos del encuadre.
Como se describe en los próximos módulos de iluminación las viseras pueden
ser usadas para desestimar la importancia de ciertos elementos haciéndolos
más oscuros.
Composición De la Imagen

Uno de los puntos mas importantes al grabar es aprender a componer

correctamente la imagen de lo que se quiere grabar. Dependiendo de lo que se
va a grabar hay ciertos principios que hay que seguir.

Definición de planos. Cuando vamos a grabar podemos tener la acción en:

• Primer plano. Es lo mas distintivo en nuestra composición y mas cercano a la

cámara.
• Segundo Plano. Son los elementos que se posicionan atrás de los elementos
que están en primer plano.
• De fondo. Son los elementos que están atrás de los elementos que están en
segundo plano.

Al ver un video en una televisión, las tomas que se distinguen mas son las que
están tomadas en primer plano. Las tomas a larga distancia no se alcanzan a
distinguir bien en una pantalla de televisión.

Reglas importantes

• Ojo humano se mueve de izquierda a derecha

• Importancia de dejar espacio aire. El termino aire se refiere a dejar un poco de
espacio en lo que se esta grabando. Cuando se esta grabando a una persona
caminando hay que dejar alrededor de 1/3 de espacio libre hacia donde va
caminando. Si la toma un plano medio o primer plano hay que dejar un poco de
espacio hacia la dirección hacia donde esta viendo exceptuando cuando ve
hacia cámara. Asimismo hay que dejar un poco de espacio arriba de la
cabeza.
• Crear sensación de profundidad. Esto se logra cuando se juega con el
posicionamiento de los elementos que se van a grabar teniendo algunos en
primer plano, otros en segundo plano y finalmente algunos elementos de
fondo.

Ángulos

Dependiendo del ángulo con el que se compone una imagen se da una distinta
comunicación visual. Cuando se graba uno tiene la decisión de hacia donde
queremos que nuestra audiencia concentre su atención. Es importante a la
hora de componer una imagen de estar consciente de los elementos visuales
que distraen a la vista.

A la hora de hacer una grabación es importante tener diversas opciones de

ángulos, así como encuadres para que a la hora de editar el proyecto se le dé
dinamismo al mismo. Para que un cambio de ángulo funcione debe ser mínimo
de 30º acompañado de un cambio de plano para que se note en la edición.

• Picado. Es cuando se hace una toma de arriba del personaje hacia abajo.
Este tipo de toma nos da una sensación de disminución de la altura y debilidad
del personaje.
• Contrapicado. Es cuando se hace una toma de abajo del personaje hacia
arriba. Este tipo de toma nos da una sensación de aumento de altura y
fortaleza del personaje.
• Holandés. Es cuando la cámara se inclina ya sea hacia la izquierda o derecha
entre un 20-40o para dar una sensación de modernidad.
• Over the shoulder. Es cuando tenemos a dos personajes hablando entre ellos
y se utiliza el hombro de uno de los personajes en primer plano y otro
personaje en segundo plano.

TIP. Para hacer tomas en movimiento como dolly, travel o arco se puede utilizar
una silla de ruedas, un carrito de súper, un carrito de maletas de aeropuerto o
una patineta.

Profundidad de campo

Definición. Es la región, expresada en términos de la distancia cercana y lejana

donde los objetos se encuentran enfocados en un encuadre.

La profundidad de campo va a depender de tres elementos:

• Apertura del iris. Mientras menor sea la F, mayor será la apertura del iris y
menor la profundidad de campo. Mientras mayor sea la F, menor será la
apertura del íris y mayor la profundidad de campo.
• Longitud de enfoque. Se refiere al cambio de distancia focal en la cámara. La
mejor manera de distinguir este es haciendo pruebas manteniendo un mismo
encuadre en cámara pero jugando con diferentes lentes (o distancias de zoom
en la cámara)
• Distancia. Distancia del objeto desde la cámara de video.

Mientras mas cerca esté el objeto de la lente, menor será la profundidad de

campo en cualquier abertura o longitud de enfoque. Es importante mencionar
que para poder jugar con la profundidad de campo es importante trabajar lo
más que se pueda con la cámara en manual para poder manipular los
diferentes parámetros.