La década de los sesenta fue un periodo crucial en el desarrollo y evolución del arte

contemporáneo. y se produce la
mayor mutación en la Historia del arte contemporáneo.
El Informalismo se había convertido prácticamente en un academicismo reiterativo, razón
que marcó su declive y con él el de las diferentes tendencias de vanguardia que habían
dominado el siglo XX.
Frente a esta situación surgen diversas tendencias como respuesta:
que se entendió como una crisis de lo abstracto.
frente a la falta de expresión de la abstracción
refleja la realidad de la nueva cultura de masas a través de sus objetos.
comprensibles y críticos frente a la falta de contenidos del
Informalismo.
Esta encrucijada de estilos, junto al definitivo traslado del foco artístico desde París a
Nueva York, hacen que la década de los sesenta sea un periodo crucial para el arte en el
que si aún se mantiene el mito de la vanguardia, comienza a despuntar la Posmodernidad
que aflorará ya en la década siguiente.
Segundas
vanguardias:
se va perdiendo la
figuración, la
referencia a lo real.

ESTEBAN VICENTE: “nº 11”, 1960 LUCIO FONTANA, “Concepto espacial”, 1962

Avance hacia el arte más

conceptual de la postmodernidad

BRIDGET RILEY: “Fiesta” ANDY WARHOL:

LUCIAN FREUD: “Interior
“”Campbell Soup”, 1969
en Paddington”,1951
YVES KLEIN: “Venus blue”, 1961
En 1962 gana el
premio de la Bienal de Venecia con
una obra Pop Art en la que eran
evidentes su impulso renovador y
la recuperación de elementos
neodadaístas referidos al empleo
de objetos.

Asimismo la

al representar un
gesto con los procedimientos gráficos de un
cómic, evidencia de la total falta de impulso
natural de la legión de pintores informalistas.

Bajo esto epígrafe se agrupan una serie de tendencias como el Expresionismo Abstracto, el Arte Informal, la Pintura
Sígnica y el Arte Matérico, que tanto en Europa como en América, se desarrollan entre los años cuarenta y mediados de los
sesenta. Por informal se entiende ausencia total de formas reconocibles, máxima indeterminación y dispersión. Es un arte
libre de esquemas geométricos, de líneas regulares o de colores planos en la que cuenta la expresividad del artista dentro
de la no figuración: se valora el proceso creativo tanto como el resultado, lo que lleva a la denominada Action Painting y a
la creación artística casi como un espectáculo de la actividad febril y veloz del pintor. JACKSON POLLOCK, MARC ROTHKO
“De la artesanía, a la producción en serie. Con la democratización de las
máquinas, llegó una nueva forma de consumir. Estanterías repletas de cajas,
botes y bolsas que repiten el mismo patrón de colores y formas comienzan a
poblar las tiendas. Ya no importa tanto que los productos sean únicos, sino
asequibles y ampliamente disponibles. Con punto de partida las
investigaciones de Duchamp sobre las cualidades estéticas de los objetos
cotidianos (con aquel urinario que es a la vez Virgen y Buda como máxima
enseña), las vanguardias de principios del siglo XX comenzaron a partir de ahí a
atisbar lo que de sublime puede tener lo banal.”
SILVIA HERNANDO, en Infolibre
 …la incorporación de un mundo de objetos de consumo para
transformarlos en imágenes con un sentido plástico sacudió al
espectador de su rutina al colocar delante de él algo con un
sentido y un significado diferente al que se le atribuía.

WARHOL: “Lata grande de sopa Campbell rasgada”, 1962

Fue en los Estados Unidos donde el Pop Art arraigó de una
manera especial, adquiriendo su

El movimiento no fue bien acogido en un principio por parte de la

crítica norteamericana, pues daba la sensación de que los artistas
Pop echaban por tierra los logros alcanzados en la década
anterior por los artistas del
Pero al final acabó por implantarse y conseguir llegar al público
entendido e interesar a los grandes coleccionistas y marchantes.

Las grandes ciudades americanas, con su

acumulación abigarrada de objetos, arquitectónicos o publicitarios,
con la sociedad más capitalista y consumista del mundo,
constituyeron, no sólo el telón de fondo natural de esta nueva
tendencia, sino además su más importante fuente de inspiración.
 ANDY WARHOL: “5 botellas
de Coca-Cola”, 1962
RAUSCHENBERG: “Kennedy”
JASPER JOHNS: “Mapa” 1959
CLAES OLDENBURG:
“Dropped Cone”, 2001

GEORGE SEGAL: “Mujer Tom Wesselmann: “Naturaleza

ROY LICHTENSTEIN: “Mujer en el baño”, 1963 peinándose en silla verde”, 1964 muerta n º 24” 1962
JAMES ROSENQUIST:
“Marilin Monroe I”, 1962
 Coleccionista, galerista y marchante de arte italiano. Nació en
Trieste en 1907 y murió en Manhattan en 1999.
Hijo de un banquero húngaro, recibió una esmerada
educación y, gracias a sus continuos viajes por toda Europa,
llegó a convertirse en un joven cosmopolita, culto y políglota
introducido en los ambientes más selectos. Su pasión por el
arte le llevó a abrir su primera galería en 1936, en París.
Viajó a Nueva York en el año 1941 y cursó estudios de
postgrado en Historia Económica en la Universidad de
Columbia. Adquirió el derecho a la nacionalidad americana al
hacer el servicio militar en los Estados Unidos.
En 1956, organizó, en Nueva York, la mítica "Exposición de la
calle 9", en la que presentó a 61 artistas, aún desconocidos y
que se apartaban de los movimientos establecidos.

Hombre capaz de crear mitos, con una gran intuición para descubrir nuevos valores y con un
interés incansable por lo novedoso, se convirtió en uno de los más importantes promotores del
arte de vanguardia. Fue uno de los impulsores del expresionismo abstracto, considerado como
el primer movimiento pictórico netamente americano, pero sin duda su fama la adquirió como
"descubridor" del pop art: en 1951 descubrió a Rauschenberg y Warhol, en el 1957 a Jasper
Jons y Twonbly. Después promocionó a los minimalistas y los conceptuales. Su galería
neoyorquina, abierta en el 57, fue uno de los centros neurálgicos del arte del momento, cuando
. las vanguardias artísticas se sucedían en esta ciudad que había heredado de París el
protagonismo mundial de las corrientes artísticas en la segunda mitad de siglo XX.
Ivan Karp, quien ayudó a encontrar y comercializar el arte pop en el
centro, flanqueado por el galerista Leo Castelli, y Andy Warhol, en 1966.
(Pittsburg, 1928-Nueva York
1987). Artista plástico
estadounidense. Hijo de
emigrantes eslovacos, inició
sus estudios de arte en el
Instituto Carnegie de
Tecnología, entre 1945 y
1949. En este último año, ya
establecido en Nueva York,
comenzó su carrera como
dibujante publicitario para
diversas revistas como Reportero de la época, retratista de sociedad.
Vogue, Harper´s Bazaar, Los valores, los sentimientos parecían no existir
Seventeen y The New Yorker. para Warhol. El medio era el papel de prensa o
Cultivó su propia imagen con la fotografía, que para Warhol, que a veces se
la misma mercadotecnia sentía como una cámara aunque no estuviera
publicitaria que su obra. utilizando una, era tan importante como el cine.
Warhol se dedica al cine a partir de 1964. Es un
"cinéma-verité" que describe el ambiente
marginado de su existencia cotidiana, en un
tiempo real, sin cortes ni montajes. Era la "star"
del "pop art" y, como todas las "stars", cultivó y
tuvo su leyenda. Era el mago del "underground",
el papa de los "punks" después de haber sido el de
los "hippies", el arquetipo de un erotismo ambiguo
con resabios de droga, un fantasma decolorado
para los snobs del aburrimiento. Se compró una
cámara de 16 mm. y comenzó a filmar todo lo que
estaba y se movía a su alrededor, con un absoluto
desprecio por la técnica y el montaje.
Colaboró con Lou Reed y su Velvet Underground
Fue uno de los primeros creadores en explotar
conscientemente su imagen con objetivos
autopromocionales; de ese modo, y mediante un
proceso de identificación, adquirió a los ojos del
público significaciones propias de un producto
publicitario más. En 1963, inició una carrera
cinematográfica basada en los mismos principios
que su obra plástica (como la reiteración visual),
de fuerte contenido sexual y erótico: Empire,
Kiss, Chelsea girls. En una última etapa retornó a
un formato más tradicional y rodó The love y
Women in revolt.
Warhol en el rodaje
de 'My Hustler', de
Paul Morrisey.
Elementos o imágenes del entorno cotidiano, en serie, que son un reflejo de la
producción masiva capitalista.
, imágenes de difusión masiva.
de numerosos personajes famosos por los que se sentía
fascinado, fue objeto de una gran parte de su creación.
. Entre 1962 y 1964 se especializa en ella : suicidio,
bomba atómica, accidentes de automóvil, revueltas raciales, silla eléctrica.
Todo ello era registrado con la misma y fría distancia con que registraba
latas de sopa, revólveres, flores y cajas de brillo. Esta banalidad del horror
consagra su éxito.

Warhol se apoderaba de una simple imagen y la revolucionaba. La intensa

expresividad y el apasionamiento que dominan el arte desde las pinturas
negras de Goya a las vanguardias artísticas, es sustituida aquí por una
neutralidad que la aproxima al de la pura mercancía.
En cuanto a su lenguaje específico el pop art se caracteriza por la apropiación
de las técnicas expresivas orientadas a la divulgación y el consumo, ya validadas
por los medios de comunicación de masas. Ello tendrá consecuencias
importantes en la construcción tanto de imágenes como de objetos.
Fácil identificación del objeto.
(Aunque los colores puedan ser
complementarios y estridentes se reparten de forma armoniosa y
equilibran la imagen, no hay tensión final, sino belleza y armonía).
como en el cómic. Dibujo claro y
preciso.
que producen un efecto espectacular.
, de modo que los elementos armonicen.
proceso medio manual y medio mecánico, que se
había convertido en el favorito de los artistas comerciales después de la
Segunda Guerra Mundial. Repetían los mismos motivos una y otra vez en
una serie sin fin.
"Con la serigrafía puedes coger una fotografía,
ampliarla, trasladarla con la cola a la seda y después
aplicar la tinta encima, de forma que la tinta atraviesa la
seda pero no la cola. De esta forma obtienes la misma
imagen, ligeramente diferente cada vez. Era tan sencillo,
incierto y rápido. Yo estaba encantado con ello.”
ANDY WARHOL

“Su intención era eliminar la manualidad en el proceso de creación de una

obra de arte, encontrar un efecto de que le ayudara a
acortar la distancia existente entre sus imágenes, la producción de éstas y lo
que imitaban. La serigrafía logró aunarlo todo y mucho más, ya que permitió
a Warhol utilizar los colores chillones de los anuncios publicitarios. No lo
hacía, como los fauvistas, para expresar sus sensaciones respecto a un
objeto, sino para imitar la paleta de la cultura pop.”
WILL GOMPERTZ: "Qué estás mirando?
Otra faceta destacada de su
obra es su
, que en buena parte
procede de sus conocimientos
sobre los mecanismos del
medio publicitario.

La frivolidad y la extravagancia
que marcaron su modo de vida
establecieron una línea
coherente entre obra y
trayectoria vital; su peculiar
aspecto, andrógino y
permanentemente tocado con
un rubio flequillo característico,
acabó por definir un nuevo
ANDY WARHOL. “Autorretrato”, 1967. Pintura
icono: el artista mismo. acrílica y serigrafía sobre lienzo. 180 x 183 cm.

“La Factory fue un hervidero artístico y también un negocio para

un creador que nunca renegó de su amor por el dinero y la fama”.
ANDY WARHOL: “Marilyn Díptico”, 1962. Poca gente ha logrado combinar la ambivalente fascinación de la fama y
lo morboso con tanta pasión. Warhol realizó esta obra en 1962, el año en que su carrera despegó y en el que la de la
actriz se vio truncada por su muerte. Es uno de los primeros ejemplos de la técnica serigráfica de Warhol
Andy Warhol
Marilyn Monroe en blanco y negro
(Veinticinco Marilyns), 1962
Introducción de procesos de repetición y producción propios del arte de masas,
eliminación de la manualidad de la imagen a favor de la reproducción
tecnificada, uso de procesos de creación colectivos
“Andy Warhol miraba las obras de
Rauschenberg y Johns y se desesperaba: ¿cómo
podía él, un simple artista comercial que
trabajaba en publicidad, lograr el impacto de
estos dos valientes artistas? Él se había labrado
una carrera como dibujante de zapatos y
ganaba bastante dinero como diseñador de
escaparates, pero no era lo que le satisfacía.
(…) En 1960 continuó la senda abierta por
Paolozzi, Hamilton y Rauschenberg, e hizo una
obra de arte con una botella de Coca-Cola
como tema central, aunque su enfoque fue
distinto. Si los demás habían utilizado la botella
como parte de su obra, Warhol la convirtió en
el tema central de la suya, al igual que había
hecho Jasper Johns”.
WILL GOMPERTZ: "Qué estás mirando?
ANDY WARHOL. “5 Coke Bottles”, 1962
ANDY WARHOL:“Botellas de Coca-Cola”, 1962. Óleo sobre lienzo
“Lo que es genial de este país es que América ha
iniciado una tradición en la que los consumidores más
ricos compran esencialmente las mismas cosas que
los más pobres. Puedes estar viendo la tele y ver la
Coca-Cola, y sabes que el Presidente bebe Coca-Cola,
Liz Taylor bebe Coca-Cola, y piensas que tú también
puedes beber Coca-Cola. Una cola es una cola, y
ningún dinero del mundo puede hacer que encuentres
una cola mejor que la que está bebiéndose el mendigo
de la esquina. Todas las colas son la misma y todas las
colas son buenas. Liz Taylor lo sabe, el Presidente lo
sabe, el mendigo lo sabe, y tú lo sabes”.
ANDY WARHOL
 ANDY WARHOL: “”Campbell Soup”, 1969
ANDY WARHOL: “Campbell Soup Cans”, 1962
ANDY WARHOL: “Lata grande de sopa Campbell rasgada”, 19
ANDY WARHOL: “Billete de un dólar con el retrato de Washington”
1962. Lápiz sobre papel. 45 x 60 cm.

ANDY WARHOL: “80 billetes de dos dólares”,

1962. Serigrafía sobre lienzo. 210 x 96 cm.
 “Me encanta América; para esto hay varias razones.
Mis cuadros son mensajes simbólicos sobre los estridentes
productos impersonales y esos destellantes objetos materiales
sobre los que hoy en día se levanta Estados Unidos.
Son la proyección de todo lo que puede comprarse y
venderse, símbolos prácticos, pero efímeros, que nos
mantienen en movimiento.”

ANDY WARHOL
ANDY WARHOL: “Símbolo del dólar americano”
1982. Serigrafía sobre lienzo. 229 x 178 cm.
“Antes de comenzar a hacer imágenes que se volvían
omnipresentes a través de, y por medio de las
técnicas que utilizaba, Warhol había experimentado
pintando personajes de cómic. Obras como
Superman (1961) eran copias en gran formato de
escenas de tebeos que él pintaba imitando el estilo
gráfico. Había pocas diferencias entre la forma en
que realizó sus pinturas basadas en cómics y la que
poco después le llevaría a la fama y el éxito.”
WILL GOMPERTZ: "Qué estás mirando?
Empezó a pintar
dibujos de tiras
cómicas de
héroes como
Popeye, Dick
Tracey y
Superman con el
fin de hacer por
si mismo su
propio nombre
como un artista.

ANDY WARHOL: “Superman”, 1961

ANDY WARHOL: “Mickey Mouse”, 1981
 Antes de comenzar
a hacer imágenes
que se volvían
omnipresentes por
medio de, las
técnicas que
utilizaba, Warhol
había
experimentado
pintando personajes
de cómic. Había
pocas diferencias
entre la forma en
que realizó sus
pinturas basadas en
cómics y la que
poco después le
llevaría a la fama y
el éxito.

ANDY WARHOL: “Mickey Mouse”, 1981

“Cuando “tienes”
Pop, nunca más
podrás ver un signo
de la misma
manera. Y cuando
has pensado Pop,
nunca más podrás
ver a los Estados
Unidos de la misma
manera.
ANDY WARHOL

ANDY WARHOL: “Zapatos“, 1980

ANDY WARHOL: “Cow”, 1966
“La idea Pop,
después de
todo, era que
cualquiera podía
hacer cualquier
cosa;
naturalmente,
entonces, todos
intentábamos
hacerlo todo…”
ANDY WARHOL

ANDY WARHOL: “Cow”, 1966

ANDY WARHOL: “Flores”, 1970. Hoja del cartapacio con 10 serigrafías. 91.5 x
91.5 cm. Tirada de 250 ejemplares sellados, numerados y firmados a lápiz
ANDY WARHOL: “Flores”, 1964. Polímero sintético. Serigrafía sobre lienzo. 208 x 208 cm.
ANDY WARHOL: “Revolver“, 1981
Alcanzó su cota máxima de
despersonalización en 1962 al
utilizar como método de trabajo un
proceso mecánico de serigrafía,
mediante el cual reproducía
sistemáticamente mitos de la
sociedad contemporánea y cuyos
ejemplos más representativos son
las series dedicadas a Marilyn
Monroe, Elvis Presley, Elizabeth
Taylor o Mao Tse-tung, así como su
célebre tratamiento de las latas de
sopa Campbell, obras todas ellas
realizadas durante la fructífera
década de 1960. Representa la
América marginal y la angustia
existencial de los años sesenta.

ANDY WARHOL: “Audrey Hepburn”

Desde pequeño, Warhol vivía fascinado con
ser famoso como los políticos y estrellas de
cine. Todas esas personalidades que él
veía en revistas. Sus retratos tienen
carácter de inventario desapasionado y
desinteresado de nuestra época
Desde
pequeño vivía
fascinado con
ser famoso
como los
políticos y
estrellas de
cine. Todas
esas
personalidades
que él veía en
revistas.

WARHOL:
Audrey Hepburn
1961
 “Warhol había
convertido a Marilyn
en un objeto
comercial, que era
precisamente lo que
deseaba lograr.
Aquello encajaba a la
perfección con su
intención de
representar las
maquinaciones del
mercado hasta el
último detalle.
Había convertido a la
actriz en un
producto, pero
también lo hacían los
proveedores y los
consumidores de la
cultura pop.”

ANDY WARHOL:
“Marylin Monroe”, 1964
De los cuadros
más conocidos de
Warhol son estas
reproducciones
de múltiples
imágenes de la
fotografía de
Marilyn Monroe -
sex-symbol e
inalcanzable diosa
del cine-,
coloreada sin
atención al
detalle y con
tonos planos y
extremados.

ANDY WARHOL:
“Marylin Monroe”
1967
La distanciación fría
con que Warhol veía
detrás de sus
máscaras,
especialmente en la
serie de fotografías
de la alta sociedad,
proporciona a su obra
el carácter de un
inventario
desapasionado y
desinteresado de
nuestra época.
En su imaginería, los
futuros arqueólogos
que exploren el siglo
XX encontrarán un
rico filón.

ANDY WARHOL: “ Elizabeth Taylor”, 1964

ANDY WARHOL: “Ingrid Bergman” 1983
ANDY WARHOL: “Ingrid Bergman” 1983
ANDY WARHOL: “Jane Fonda” 1982
Desde
pequeño vivía
fascinado con
ser famoso
como los
políticos y
estrellas de
cine. Todas
esas
personalidades
que él veía en
revistas.

ANDY WARHOL: “Doble Elvis”, 1963

ANDY WARHOL: “Mick Jagger”, 1975
Caperta con 10 serigrafías. 111 x 73 cm.
 ANDY WARHOL:
“The Beatles”
ANDY WARHOL: “John Lennon”, 1985
ANDY WARHOL: “Beethoven” 1987
ANDY WARHOL: “Muhammad Al ”, 1973
ANDY WARHOL: “Muhammad Alí”, 1973
ANDY WARHOL: “Jacquie III”,
1966. Serigrafía sobre papel.
101.6 x 76.2 cm.
ANDY WARHOL: “Che Guevara”, 1968
 ANDY WARHOL:
“Reina Isabel II”
Andy Warhol
Mao, 1972
ANDY WARHOL: “Mao” 1973.
Polímero sintético y silkscreen
sobre tela. 448.3 x 346.7 cm.
ANDY WARHOL: “Sigmun Freud” 1980
ANDY WARHOL: “Einstein” 1980
ANDY WARHOL: “Green Disaster”
1963. 106,5 x 230 cm.
ANDY WARHOL: “Silla eléctrica” 1967. Pintura acrílica y serigrafía sobre lienzo. 137 x 186 cm.
ANDY WARHOL: “Silla eléctrica”
ANDY WARHOL: “Bomba atómical" ANDY WARHOL: “Disturbios raciales rojos“,
1963. Pintura acrílica y serigrafía sobre lienzo
ANDY WARHOL: Detalles de pinturas renacentistas”,
( La Anunciación se Leonardo) 1984
ANDY WARHOL
Detalles de pinturas renacentistas , 1984 (Sandro
Botticelli, Nacimiento de Venus, 1482),
La apropiación
constante en los
trabajos de los
artistas del pop
art, se extendió
a obras de arte
de carácter
universal y de
autores como
Rafael, Botticelli,
De Chirico,
Munch o
Leonardo.

ANDY WARHOL: “La Última cena”, 1984. Pintura acrílica

y liquitex sobre lienzo. 101.5 x 101.5 cm.
 ANDY WARHOL: “Última Cena”, 1986

Los últimos cuadros no sólo están pintados con una técnica de virtuoso, sino
que revelan una concepción meditada que se adapta perfectamente al motivo.
Este evasivo excéntrico, que ocultaba su verdadero yo y sus
auténticas intenciones bajo un silencio, por supuesto, calculado, y
bajo una serie de máscaras, hasta la peluca blanca de sus años
finales, nunca reveló su secreto.
(…) "El artista -omnipresente y apasionado en cada
una de sus obras informalistas- se oculta ahora y
deja fríamente que sean ellas (los objetos) los
protagonistas, de la misma manera que se oculta el
diseñador industrial que hace un nuevo plato o una
vitrina para exponer paquetes de arroz. Nada de
emotividad, expresividad o manifestación del yo. El
artista pop pretende que su obra parezca una obra
producida por la industria, hecha en serie."
JOAQUÍN YARZA LUACES
“La aparición del pop art a finales de los años cincuenta y
comienzos de los sesenta fue uno de los momentos más
liberadores de la historia del arte. Su adscripción decidida a
la nueva cultura de la tecnología y el consumo echaba por
tierra los anhelos heroicos y subjetivos de las vanguardias
anteriores y reintegraba el arte al mundo real.
Con el incesante intercambio entre el arte y todo tipo de
objetos de la cultura visual y de la cultura popular,
el pop acabó con la separación entre la "alta" y la "baja"
cultura y abrió un nuevo debate sobre las relaciones entre lo
estético y lo antiestético. Para elpop toda imagen era
reciclable, todo objeto era susceptible de convertirse en arte
y su verdadero propósito era ofrecer una nueva
interpretación de la imagen en la cultura contemporánea.”
MUSEO THYSSEN BORNEMISZA
http://www.wikiart.org/es/Artists-by-Art-Movement/pop-art
http://www.artchive.com/artchive/pop_art.html
http://web.archive.org/web/20081013145630/http://popartmachine.com/masters/
http://cultura.elpais.com/cultura/2014/06/06/actualidad/1402077242_412634.html
http://www.wikiart.org/es/Artists-by-Art-Movement/pop-art
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=6565
http://cultura.elpais.com/cultura/2014/06/06/actualidad/1402076484_159992.html
http://elpais.com/diario/2011/12/30/cultura/1325199601_850215.html

KLAUS HONNEF: “Warhol”. Taschen

TIRMAN OSTERWOLD: “POP ART”. Edit. Taschen
NIKOS STANGOS: “Conceptos de arte moderno: Del Fauvismo al posmodernismo”
JUAN F. RUIZ (revista MEMORIA)
KLAUS HONNEF: “Pop Art”. Taschen
JON THOMPSON: "Cómo leer la pintura moderna“ Edit. Electa
RUHRBERG, SCHNECKENBURGER, FRICKE, HONNEF: “Arte del siglo XX”. Edit. Taschen
WILL GOMPERTZ: "Qué estás mirando?...Edit. Taurus
FLAMINIO GALDONI: “ART. Todos los movimientos del siglo XX” Edit. Skira
STEPHEN FARTHING: “ARTE. TODA LA HISTORIA”. Edit. Blum
KARL RUHRBERG: “Arte del siglo XX”. Pintura. Taschen