-El Expresionismo Abstracto y Action Painting:

-El Expresionimo Abstracto:

Se trata de un movimiento que surge en un momento plagado de incertidumbre y pesimismo

como es el período tras la Segunda Guerra Mundial, por lo que no es de extrañar que en el
arte de esta época no se tuviera tanto en cuenta el goce artístico sino que se diera lugar a un
arte desgarrado y cargado de contradicciones.
Los expresionistas abstractos buscaban la singularidad y creían en la individualidad del
sujeto que se expresaba a través de la obra pictórica, los gestos y las acciones físicas por lo
que es lógico pensar que no deberíamos agrupar a estos artistas bajo un mismo movimiento.
Sin embargo, todos ellos compartían el objetivo común de conseguir trasladar sus
emociones personales a sus obras sin llegar a utilizar ninguna clase de recurso figurativo.
Además sintieron en sus inicios un aprecio por el Surrealismo que se fue desvaneciendo
hasta llegar al rechazo total, aunque siempre conservaron su impulso primitivista y un
enorme interés por el psicoanálisis, al menos la mayoría de ellos.

Por lo tanto esta pintura se basa en los impulsos espontáneos. Debían realizarse muy
rápidamente y sin premeditación, siendo el fruto de un arranque espontáneo. El artista
plasma su experiencia personal rechazando la forma comenzando así a hablarse de manchas,
texturas, goteos, etc. y la obra se convierte en la plasmación de la experiencia personal e
individual del artista. El movimiento puede dividirse en dos tendencias, el Action painting,
más enérgica y gestual cuyos máximos representantes son Pollock, Kline y De Kooning, y el
Colour Field Painting, más abstracta, reposada y mística, de esta vertiente destaca Rothko.

-El Action Painting:

Aunque este término fue usado por primera vez de esta forma por el crítico Harold
Rosemberg en 1952 en su texto “The American Action Painters”, que hoy en día se
considera el manifiesto de la Escuela de Nueva York, ya se había empleado con anterioridad
para describir las primeras obras abstractas de Kandinsky. En un primer momento se usó
para hablar de la pintura de De Kooning pero más tarde se extendería a todos los pintores
gestuales.

Rosemberg nos habla de que el lienzo para estos pintores es “un lugar de acción” que
muestra el proceso de creación del artista, y no solo el producto final y por lo tanto las
referencias estéticas tradicionales como son la forma, el color, la composición y el dibujo, se
quedan olvidadas para dar paso al acto de crear. Es una pintura creada de manera espontánea
e inconsciente. Finalmente, el término se terminaría usando en los años cincuenta como una
alternativa al de Expresionismo Abstracto.

-Jackson Pollock:

Está considerado el pintor más importante del action painting. Su personalidad fue
dominante en el arte y la prensa. Hizo un uso innovador con la técnica de goteo y vertido
que redefinieron las categorías del dibujo y la pintura. Nació en Cody (Wyoming). Su
formación artística estuvo entre Los Ángeles y Nueva York. Tuvo gran influencia
regionalista en sus primeras obras, pero hubo otras que mostraban un enfoque único de la
pintura. Tuvo interés por el arte nativoamericano, tal y como se muestra en los colores
 llamativos y formas geométricas. Conoció a principios de los años treinta la obra de
muralistas como José Clemente Orozco, o David Alfaro Siqueiros.

Fue entonces, cuando en el taller de Siqueiros se inició en el arte del goteo, vertido y
lanzamiento de pintura. Su mujer, más conocida que él cuando ambos se conocieron, marcó
una influencia en el artista. El cubismo, ya que estudió a fondo la obra de Picasso, y el
surrealismo también llegaron a configurar parte de su trabajo, en los años cuarenta. Además,
se sumó a esto su versión de la teoría de Carl Jung que proponía liberar las imágenes
universales inconscientes con automatismo, azar y asociación. Fue ganando reconocimiento
como pintor, tanto enNueva York, como en Europa, ya que se fueron realizando numerosas
exposiciones y entrevistas.

Murió en un accidente de tráfico, en agosto de 1956, con 44 años, un accidente, que se ha

considerado que pudo tener mucho de suicidio, ya que llevó una vida motivada por el
alcoholismo, consecuencia de una intolerancia física, agrandando sus problemas psíquicos.
Pollock aporta el uso de nuevos materiales: pintura industrial no preparada por el pintor,
pintura hecha con otros materiales como arena y la técnica, alrededor del lienzo, colocado en
el suelo, modelo que copió de los pintores indios de arena.

Salpicaba espontáneamente en el lienzo, sin un esquema, con la técnica del goteo.

Necesitaba una superficie de fondo con resistencia, se deslizaba por su obra, por ello hay en
algunas de sus obras finalizadas en las que se pueden ver huellas de sus zapatos o de sus
manos. Su pincelada, ágil y firme hace que sus obras sean energía. Pollock hacía esbozos y
retoques al final, siempre con gran fuerza interior.
-Willem de Kooning:
Nació en Holanda aunque su formación académica transcurrió en Estados Unidos,
estableciéndose finalmente en Nueva York. En 1980 se le diagnosticó Alzheimer, muriendo
en 1997. Por los ideales que recogió a lo largo del tiempo, pasó del realismo a la
abstracción, y pretendió buscar una fusión entre el expresionismo, el cubismo y el
surrealismo. Para él, el objetivo del expresionismo abstracto no era la abstracción, sino la
expresión. Se le considera como uno de los líderes del Action Painting. Era un pintor con
una pincelada fuerte y espontánea, en algunos casos realizaba sus obras sin dibujo previo.

Por dividir su trayectoria artística en etapas, vemos una primera etapa en torno a los años
cuarenta, caracterizada por obras de naturaleza muerta, de formas biomórficas que no eran
específicamente humanas, pero lo sugerían. Su segunda etapa, destaca por la serie
“Mujeres”. Representada en tono violento y grotesco, que le llevó a recibir muchas críticas.
Finalmente, como tercera etapa, entre 1955 a 1963, deja un poco de lado la figura humana
para crear obras abstractas con formas simplificadas y coloridas que aluden al paisaje. Entre
1960 y 1963 dibujó poco, aunque le dio vitalidad a sus obras, reapareciendo con la serie de
“Mujeres”.
-Markus Rothkowitz:

Markus Rothkowitz nació en Letonia (Rusia) 1903, en el seno de una familia culta, judía y
sionista. Cuando Markus tenía diez años, la presión política y económica hacia los judíos
por parte del régimen zarista obligó a la familia Rothkovich a emigrar a Estados Unidos. Se
establecieron en Portland lugar donde se recuperaron económicamente, la familia no tardó
en adherirse a algunos movimientos de carácter local donde inspiró a Markus a desarrollar
su talante sensible y implicarse en las discusiones a favor de los derechos de los trabajadores
y al control de natalidad.

En 1921 el artista comenzó su formación al ingresar en la Universidad de Yale, sin embargo

la abandonó en dos años más tarde y viajó a Nueva York para ingresar en la New School of
Design en la que fue alumno de Arshile Gorky. Poco después también participó en un curso
con el famoso pintor Max Weber.

Los cuarenta y cinco años de carrera de Mark Rothko pueden dividirse en cuatro periodos:
La fase realista (1924 - 1940) En este periodo Rothko pintó de forma figurativa, paisajes,
interiores, escenas urbanas, naturaleza muerta y pintura en interiores del metro. Aunque el
artista pasase por este periodo en sus escritos sobre arte publicó:

La fase surrealista (1940 - 1946). Durante los años de la guerra la pintura de Rothko sufrió
un cambio radical, esta fase nació con la colaboración de Adolph Gottlieb con quien discutió
sobre la crisis temática. Rothko aquí se planteó la superación de sus escenas de metro y se
concluyó que: “Percibimos la crisis moral de un mundo transformándose en un campo de
batalla, de un mundo devastado por la violencia y la destrucción de una delirante guerra
mundial… Era imposible dibujar como antes: flores, desnudos y músicos tocando el
violonchelo”

Años de transición (1946 - 1949). A finales de los años cuarenta Rothko eliminó de su
pintura los elementos figurativos. En este momento realizó obras de transición, enmarcadas
en el 1946-1949. Su enfoque radica en colores puros en el espacio, Rothko creó un lenguaje
abstracto personal basándose en el movimiento del Colourfield painting donde la pintura
deja de ser objeto de representación para convertirse en sujeto de la representación, el color
desbanca a la figuración, el color es el protagonista. Rothko nos permite con sus cuadros
establecer una reflexión íntima que rehuse cualquier tipo de explicación racional de su
pintura.

Años clásicos (1946-1970). En estos años Rothko intentó mediante la redefinición de los
conceptos de forma, espacio, belleza, abstracción y mito elevar la pintura al mismo nivel de
intensidad y emoción que la poesía o la música. Aquí desarrollará las multiforms se podrían
considerar pinturas hacía su transición clásica abstracta, ya que desarrolla un lenguaje visual
más abstracto. Rothko asignaba a sus objetos plásticos las propiedades de un ser vivo y de
este moda las formas se convertían en portadores de significado para las emociones básicas
del ser humano Rothko diría: “ Un cuadro que no proporcione un entorno en el que pueda
respirarse el aliento de la vida no me interesa”. Su obra terminó el 25 de Febrero de 1970,
el asistente de Rothko lo encontró en el suelo, junto al lavamanos, bañado en sangre y con
una hoja de afeitar a su lado.