Catálogo

Joven
Coleccionista

Jiwen Lin

1
 Lois Patiño
Fajr1, 2017
Hahnemühle paper Photo Rag Bright White
28 x 50 cm
1200 EUR
 Lois Patiño (Vigo, 1983) compaginó sus estudios de psicología en la
Universidad Complutense de Madrid con los de cine en la escuela Tai.
Continuó su formación de cine en Nueva York y en Barcelona, donde realizó
el Master de Documental de Creación en la Universidad Pompeu Fabra.
Ha realizado cursos de video-arte en la Universität der Künst de Berlín y
talleres con artistas y cineastas como Joan Jonas, James Benning, Pedro
Costa, Víctor Erice, José Luis Guerín o Daniel Canogar.
Sus vídeos y video-instalaciones se han podido ver en centros de arte
nacionales como MACBA y CCCB (Barcelona), Casa Encendida (Madrid),
MARCO (Vigo) o Fundación Luis Seoane (A Coruña) e internacionales como
el Centro Cultural San Martín (Buenos Aires), Konstnarshuset (Estocolmo),
Galería Copperfield (Londres), JIFF Art Gallery (Corea del Sur) o Gale-ría
Solar (Portugal).
Sus películas se han mostrado en festivales de cine como Locarno,
Toronto, Rotterdam, San Francisco, Ann Arbour, Viennale, Roma, Cinema du
rèel, Media City... o en Les Rencontres Internationales, que se desarrolla en
el Centre Pompidou (París), Haus der Kulturen der Welt (Berlín) y el Museo
Reina Sofía (Madrid).

Fajr tiene un doble significado en árabe: designa al amanecer, y

también al adhan -cántico de llamada a la oración- que suena desde las
mezquitas justo antes del amanecer. El desierto, espacio mítico de retiro
espiritual, ha traído multitud de ermitaños y profeta a la soledad. La
fotografía de Lois Patiño nos invita a experimentar un tiempo interior,
profundo y espiritual.
 German Lorca
Fumante #2/10, 1954/2015
Vinta
40 × 39.5 cm
4000 EUR
 German Lorca Esteves (São Paulo, 1922) es uno de los fotógrafos
más representativos de la Escuela Paulista y el único integrante aún vivo del
Foto Cine Club Bandeirante. En 1949, se integra en este movimiento junto a
Gerardo de Barros, Marcel Giró, Thomas Farkas, entre otros, para asentar
las bases de la fotografía moderna brasileña.
En 1952 realiza su primera exposición individual en Museo de Arte
Moderno de São Paulo. Participó en la II Bienal Internacional de Curitiba,
Sala Especial - Curitiba (Brasil, 1998) y posteriormente inauguró Acontece
ou Faz acontecer en el Museo de Arte Moderno de Rio de Janeiro (2012). En
1951 recibe el premio del Salón Internacional de Arte Fotográfico de São
Paulo y un año más tarde es galardonado con el Medalla de oro, Premio
Alexandre del Comte por la exposición internacional de Buenos Aires
(Argentina, 1952).
Sus fotografías están presentes en importantes colecciones como la
Cisneros Fontanals Art Foundation (Miami, FL. USA, 2006), el MAM, Museo
de Arte Moderno de São Paulo (Brasil, 2001) o el MoMA, Museo de Arte
Contemporáneo de Nueva York (2016) entre otras colecciones del mundo.

El retrato del mismo fotógrafo, cuyas imágenes captan lo poético y lo

abstracto de la vida diaria en un espacio urbano, lo que nos hace pensar de
nuevo el espacio donde nuestra vida transcurre.
 Edgar Martins
Siloquies and Soliloquies on Death, Life and Other Interludes, 2016
Gelatina de plata sobre papel
50 × 40 cm
3500 EUR
 Edgar Martins (Évora, 1977) nació en Évora, Portugal pero creció en
Macao. En 1996 se mudó al Reino Unido, donde completó una licenciatura
en fotografía en el London College of Printing & Distributive Trades, así
como una maestría en fotografía y bellas artes en el Royal College of Art
(Londres).
Su trabajo está representado internacionalmente en varias
colecciones de alto perfil, como las de V & A (Londres), el National Media
Museum (Bradford, Reino Unido), RIBA (Londres), el Dallas Museum of Art
(EE. UU.); Fundação Calouste Gulbenkian (Lisboa), Fundação EDP (Lisboa),
Fondation Carmignac (París), entre otros.

Se trata de una fotografía del canto de una carta que dejó un

antónimo antes de cometer suicidio. A travez del contraste drástico de la
luz y la oscuridad el artista pretende establecer una analogía de la relación
entre la vida y la muerte.
Cristina de Middel
Bambuit, 2013
Chromogenic print
30 x 30 cm
5000 EUR
 Cristina de Middel (Alicante, 1975) presenta escenas ficticias a
través de una lente basada en la realidad en sus fotografías. Desencantada
con el foto-periodismo y la forma en que los medios moldean las opiniones
públicas, de Middel hace hincapié en la narración holística de su arte, que
tiene sus raíces en sistemas de creencias, rituales y religiones. Ella es mejor
conocida por "The Afronauts", una serie auto-editada sobre el breve
programa espacial de Zambia. La serie sigue una representación ficticia de
hechos reales, yuxtaponiendo temas de la era espacial contra una estética
del arte popular con la intención de criticar la estigmatización de África por
parte de los medios occidentales. El objetivo de De Middel es generar
debate sobre las representaciones de la verdad a través de estas imágenes
escenificadas. Más recientemente, de Middel ha utilizado la fotografía para
explorar la militarización de la comunidad en las favelas brasileñas, los
barrios marginales de Lagos y los correos no deseados nigerianos.

El absurdo que da la primera impresión de esta fotografía es lo que

causa un gran interés en el espectador, también una manera eficiente para
provocar el interés de descubrir la historia escondida detrás de la obra.
 Ragnar Kjartansson
Omnipresent Salty Death, 2015
Acuarela en papel
58 × 76 cm
6000 EUR
 Reconocido por sus performances y video-instalaciones basadas en la
resistencia, Ragnar Kjartansson (Reykjavik , 1976)incorpora todas las
artes -musicales, teatrales, literarias, fílmicas y plásticas- en sus obras
opulentas, irónicas y profundamente humanas. Al explicar que sus obras
son "siempre sobre un sentimiento, pero no hay historia", crea experiencias
duraderas, a menudo centradas en sí mismo e involucrando a amigos y
familiares. Inspirado por el poder del trabajo de Hans Haacke, Roni Horn y el
movimiento feminista, supera la ansiedad y el tedio de situaciones
repetitivas para transmitir un estado de alegría y trascendencia. Espejos
para la condición humana, sus interpretaciones tragicómicas combinan el
dolor y la felicidad, el horror y la belleza, el drama y la ligereza. En 2009,
como el artista más joven en representar a Islandia en la Bienal de Venecia,
Kjartansson se instaló en Venecia y completó una pintura de su amigo
todos los días durante los seis meses de exhibición de la exposición.

Esta acuarela de este artista islandés prolífico demuestra lo amplio de

su ámbito de trabajo cuanto al medio y al tema tratado. Además, lo que me
atrae en esta obra es el color, una escena del mar donde nada ocurre, solo
el diálogo entre el cielo y el mar.
 Dénes Farkas
How-to-calm-yourself-after-seeing-a-dead-body, 2017
Gelatina de plata sobre papel
18 × 24 cm
1000 EUR
 Dénes Farkas (Budapest, 1974) vive y trabaja desde hace diecisiete
años en Estonia, donde ha cursado los estudios de Artes Gráficas en la
Academia de Bellas Artes de Estonia (2001), formación que completó con la
realización de un Máster en Media Art y Fotografía en 2003. Ha trabajado
como Profesor Asociado en la Academia Estonia de Bellas Artes, y como
gestor de proyectos en la sede del Instituto Húngaro en Tallín, Estonia. En
dos ocasiones ha recibido the Annual Prize of the Estonian Cultural
Endowments Foundation for Fine and Applied Arts (2010-2013)
Su trabajo está presente en instituciones como The Art Museum of
Estonia, Hungarian National Gallery, Leal Rios Foundation Lisbon, así como
en colecciones privadas internacionales de Europa Europe, Asia, USA y
Columbia.

El proyecto How-to-calm-yourself-after-seeing-a-dead-body está

inspirado en la novela An Unneccessary woman traducido al español cómo
La mujer de papel , del escritor libanés-estadounidense Rabih
Alameddine. Contando con la complicidad del escritor, Dénes Farkas extrae
fragmentos y cita con literalidad pasajes de esa novela en sus obras, por
medio de páginas mecanografiadas y locuciones de voz
 Jitka Hanzlová
#5 Untitled (Ears / Usi) from HORSE 2007-2014, 2011
archival pigment colour print on OBA
48 x 37.5 cm
4800 EUR
 Ya sea que se centre en los bosques de su República Checa natal, en
las mujeres que encontró en Europa, América y el norte de África, o en su
pueblo de infancia de Rokytník, Jitka Hanzlová (Náchod, 1958) fotografía
a todos sus sujetos de una manera sensible y meditativa. Su trabajo está
imbuido de una sensación de melancolía, derivada de su conciencia de los
efectos atmosféricos de la luz, su encuadre aislado de sus sujetos y su
fuerte sentido de la historia. Como ella describe: "El camino que tomo es un
camino de regreso para mirar hacia el futuro .
Hanzlová hace el hincapié en el vínculo entre la idea de pertenencia y la
de identidad, una identidad en transformación continua y fluida. Ella
destaca la importancia de esta conexión, pero también su imposibilidad.
Cuando la identidad se vuelve andrajosa y deshilachada, perdiendo su
fuerza, se manifiesta como pérdida o falta.
Timothy Hyunsoo Lee
Murmuration I, 2017
Acuarela en papel
81 × 93 cm
4600 EUR
 Timothy Hyunsoo Lee (Corea del Sur, 1990), es un artista
emergente coreano-estadounidense que trabaja en Brooklyn, Nueva York,
EE.UU. Su amor por el dibujo comenzó cuando era niño, pero su decisión
de dedicarse al arte profesionalmente ocurrió durante su último año de
master en Biología, Dibujo, y Neurociencia en la Wesleyan University
(Middletown, CT, E.E.U.U.). Atraído por el estudio y el proceso creativo de
hacer arte, Timothy apartó sus aspiraciones de asistir a la escuela de
medicina y alquiló un estudio en Williamsburg después de su graduación,
en el que trabaja actualmente.
Sus minuciosos dibujos y pinturas de están basados en referencias
biológicas, psicológicas y emocionales. Usando acuarela y gouache,
construye composiciones similares a fractales que se asemejan a panales
psicodélicos, estructuras celulares y otras redes repetitivas.

Una cartografía de su psicopatología , es una respuesta del joven

artista a su ansiedad con el arte. Estudiar una parte de sí mismo, es lo que le
atrajo a estudiar la biología y la neurología a la universidad.
 Max Gómez Canle
Sobre a exo-subjetividade, 2017
Óleo sobre lienzo
36 × 27 cm
6000 EUR
 Max Gómez Canle (Buenos Aires, 1972), a mediados de los años 90
se especializó en pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano
Pueyrredón. Trabajó como carpintero, realizador escenográfico,
restaurador, cocinero, artesano, letrista y realizador entre otras cosas. Copió
todas las pinturas de todos los estilos, y todavía lo sigue haciendo mas
agotadamente con el grupo Amigos del Siglo XX. Fue premiado en el
concurso 50ª Aniversario del Fondo Nacional de las Artes y en el Salón
Nacional de Rosario . Recibió el 2º Premio en el certamen 10 años de Bola
de Nieve votado por artistas y el premio Ignacio Pirovano al artista joven
del año 2007 otorgado por la AACA/AAICA. En 2009 fue seleccionado para
exhibir su obra Ventana cubriendo la fachada del Edificio Del Plata sobre la
avenida 9 de Julio en Buenos Aires. Obtuvo la beca arte BA-FLORA para
viajar a Colombia y gane el Premio Andreani en 2013. Su exposición tiene
lugar habitualmente en Buenos Aires y en San Pablo, y mas bien
esporádicamente en otros lugares del mundo.
 Grey Crawford
UMBRA #38, 1975
Gelatina de plata sobre papel
31 X 45,6 CM
4500 EUR
 En las primeras fotografías en blanco y negro de Grey Crawford
(Inglewood, CA, US) , él combina el sentido de construcción de Benjamin
con la capacidad de reducción de McLaughlin en zen. Basándose en su
formación clásica de sus estudios en Rochester Institution of Technology,
Crawford se destaca como una figura única de ese período de tiempo. Sus
experimentos en el cuarto oscuro con máscaras de papel, de corte
específico para cada imagen y forma, lo diferencian de los topógrafos del
día, como Lewis Baltz. Estas máscaras se utilizan para permitir exposiciones
separadas en cualquier área que seleccione, pasando del blanco, a través
de tonos grises a negro sólido. Crawford incorpora estas formas
geométricas y líneas de bordes duros en sus fotografías, creando sus
propios paisajes, casi como un escenario para una obra no definida.

En las fotografías de Grey Crawford se destacan los elementos

geométricos, que no son captadas por su cámara sino son añadidos en el
procedimiento de las fotos. Así, en su propia palabra, creando un mundo
nuevo y armónico.