El arte experimental se manifiesta en la ruptura con las formas académicas, esta comienza en América latina en la segunda mitad del

siglo XX.
Sintoniza con la necesidad de una nueva sensibilidad estética que pueda expresar los imaginarios modernos que ya estaban presentes en el
momento. En América Latina el arte ,aun incorporando las conquistas de las vanguardias estéticas europeas, es capaz de conectarlas con los
condicionamientos concretos del medio , con su cultura, historia y tradición .

A inicios de los 80 , como lógica consecuencia de las manifestaciones conceptuales de los años 70, florece lo que se llamo no muy acertadamente
arte no convencional. Con esta denominación se pretende abarcar una serie de derivaciones del arte conceptual como las instalaciones, los
lenguajes de acción y los performances, que tienen como característica común su carácter experimental.y efímero.

Si bien en los años pasados estas manifestaciones tuvieron una figuración más bien marginal, es decir, fuera de los circuitos expositivos oficiales,
en los 80s ,al menos en sus inicios, estas expresiones estarán amparadas y protegidas por las instituciones.
 Ana Mendieta (La Habana,1948 – Nueva York,1985)

Fue una artista conceptual, escultora, pintora y video artista cubana. Es reconocida por sus obras de arte"earth-body art".

A lo largo de su carrera, hizo trabajos en Cuba, México, Italia, y los Estados Unidos. , incluyeron manipulaciones en su cuerpo, a menudo
en contextos violentos, enfocadas a temas como el feminismo, la violencia, la vida, la muerte, el lugar y la pertenencia.

El trabajo de Ana Mendieta abarca el rendimiento, la escultura, el cine y el dibujo, y gira en torno al cuerpo, la naturaleza y las
conexiones espirituales entre ellos., Mendieta llegó a los Estados Unidos en 1961 a sus 12 años, enviada por sus padres quienes
deseaban huir del régimen de Fidel Castro. Dejando atrás a gran parte de su familia, una separación cultural traumática que tuvo un
gran impacto en su arte.
.
En 1973 comenzó a visitar sitios precolombinos en México para aprender más sobre las religiones nativas de América Central y el
Caribe. Durante este tiempo, el paisaje natural adquirió una importancia creciente en su trabajo, invocando un espíritu de renovación
inspirado en la naturaleza y el arquetipo de lo femenino.

Al fusionar sus intereses en el ritual afrocubano y la religión panteísta de la santería con prácticas contemporáneas como los
movimientos de tierra, el arte corporal y el performance, mantuvo vínculos con su herencia cubana.
Silueta (1973-1980) Experimentó
con géneros emergentes como Land Art, Body
Art y Performance. Al combinar dichos
géneros, creo uno nuevo, al que bautizó como
esculturas «earth-body». A través de estas
obras, que cruzan las fronteras del
performance, el cine y la fotografía, Mendieta
exploraba su relación con el lugar, así como
una relación mayor con la Madre Tierra o la
figura de la «Gran Diosa». Mary Jane Jacob
sugiere en su libro Ana Mendieta: The
"Silueta" Series (1973-1980) que gran parte
del trabajo de Mendieta fue influenciado por su
interés en la religión Santería, así como una
conexión con Cuba.7​ Jacob atribuye al «uso
ritualístico de la sangre»7​ y el uso de la
pólvora, la tierra y las rocas a los tradicionales
rituales de Santería.7​
 Feliza Bursztyn (Bogotá,1933 - París, Francia, 1982)

Pionera de la instalación, o de los espacios ambientales en América Latina, Bursztyn trabajó con materiales no
convencionales, como la chatarra, telas rasgadas, acero inoxidable y motores para crear esculturas acompañadas de
sonido, movimiento, luces y cortometrajes.

Fue parte de la primera generación de artistas colombianos en pensar la relación entre el objeto escultórico y el espacio
de exhibición, instalación.

Después de ser perseguida y criminalizada por el gobierno colombiano, Bursztyn, inicio su exilio en Mexico lejos de su
familia, donde vivió en la casa de Gabriel Garcia Marquez, hasta que fue becada por el ministerio de cultura de Francia.

Estudió pintura en la Art Students League de Nueva York y escultura en la academia La Grande Chaumière en París.
En 1965 con la obra hecha de chatarra Mirando al norte obtuvo el primer premio de Escultura en el XVII Salón Nacional.
De la serie Las camas(1974) Las camas se exhibieron en 1974 en el MAM de Bogotá y en el Museo de
La Tertulia en Cali. La obra consiste en un conjunto de catres sobre los que hay un bulto cubierto por una tela que
se mueve de forma intermitente, sugiriendo el movimiento de la cópula. Y se exhibían en una sala pintada de negro,
acompañados con música compuesta por Jacqueline Nova. En esta obra, que escapa a las categorías de la
escultura moderna, hay algo de teatral.
 Marta Minujìn (Buenos Aires, Argentina, 30 de enero de
1943)

Es una artista plástica argentina, pionera del arte de performance, el video, los happenings y ‘soft sculture’. El uso de materiales de Minujin
es inherentemente efímero, como el cartón, comida o tela, creando obras de arte frágiles y monumentales.​

En Francia se vincula con el nuevo realismo y realiza su primer happening, La destrucción (1963), en el que colegas de Minujín destruyeron
los trabajos de la artista.9​ De vuelta en Buenos Aires, Minujín presentó varios happenings, performances e instalaciones artísticas en el
Instituto Di Tella. Durante fines de los años sesenta, Minujín se adhirió al movimiento contracultural hippie en Nueva York tras haber ganado
la Beca Guggenheim, donde se volcó al arte pop y el arte psicodélico.

A principios de los ochenta se vuelca al arte ambiental con obras como Repollos (1977) y Toronjas (1977), y a proyectos que desacralizaban
mitos populares, como El obelisco de pan dulce (1979) y Carlos Gardel de fuego (1981).5​

​Durante los años ochenta su interés por la revisión de los mitos se vuelca a la escultura griega clásica, con obras que caen o se fragmentan
como Venus de Milo cayendo (1986) y Joven helénico fragmentándose (1982); sin abandonar el arte de acción produciendo obras como su
colaboración con Andy Warhol en 1985. ​ 1​
La destrucciòn (1963)
El artista quería destruir sus obras con una fuerza
creativa de los demás, lo que significa que todos los
artistas invitados tenían que aportar elementos de
su propio trabajo, pero no de cualquiera, los que
mejor los describieron y expresaron.

Con esta destrucción simbólica, Minujín quería

quemar su identidad.Paradójicamente, este final fue
el comienzo de su arte, ya que considera los
museos y galerías como los "cementerios
culturales", donde el arte va a morir. Encarcelados
en las paredes de los museos, las obras de arte
tienen el privilegio de la eternidad, una en la que
Marta no tiene ningún interés.
EL OBELISCO DE PAN DULCE
(1979)

Buenos Aires. Argentina.

Réplica del obelisco porteño de 36
metros de alto recubierto por
10.000 paquetes de pan dulce que
luego fueron distribuidos entre el
público.
 Mario Opazo ( Tomé, Chile, 1969)

Egresado del programa de Bellas Artes de la Universidad Jorge Tadeo Lozano. Actualmente vive y trabaja en Bogotá y es profesor de la
Universidad Nacional de Colombia.

Su obra indaga sobre la politica, ejerciendo ciertos gestos y actos poéticos de resistencia desde el performance, la instalacion, el video y la
fotografia. En el 2009 recibió el Premio Luis Caballero con su obra

"La expulsión del paraíso" en la que explora la idea del desplazamiento, la ceguera, la deriva y la vulnerabilidad, en diferentes contextos
como metáfora de una expulsión a la que retornamos constantemente como humanidad.
Es una instalación compuesta por 5 etapas que funcionan como estaciones de un viaje o episodios en un recorrido..
Alude al estado nomádico del hombre contemporáneo, su errancia y desenvolvimiento como pasajero del mundo, un mundo que cada vez
más, nos presenta una idea de territorio blando y diluido.
La obra integra un performance que se convierte en un elemento sustancial y protagónico para establecer lazos entre las etapas del viaje y
para generar una tensión entre los asuntos políticos personales, manifestados como gestos micro políticos y los acontecimientos universales
en los que la expulsión y la diáspora se constituyen en el dramático resultado de la guerra y modifican los estatutos sociales.
 Olga de Amaral ( Bogotá, Colombia, 1932)

Cursó estudios de diseño arquitectónico en el Colegio Mayor de Cundinamarca, lo que le permitió entrar en contacto con dos disciplinas que
han sido sus puntos de referencia: el diseño y la arquitectura.

En 1954, cuando en Colombia se afirmaban las nuevas corrientes artísticas, partió a estudiar textiles y diseño a la Cranbrook Academy of
Art de Michigan, lo que le dio base profesional a una práctica que ya ella había apreciado en los campesinos colombianos y que después ha
sido su principal medio de operación en el campo artístico internacional.

En 1971, obtuvo el primer premio en el XXII Salón Nacional de Artistas, lo que supuso una apertura de los eventos e instituciones del país al
cruce de lenguajes y modos, el cual se empezaba a manifestar con la multiplicación de las opciones formales.

En 1973, se le otorgó el Guggenheim Fellowship y en 1972 el primer premio de la Tercera Bienal de Arte de Coltejer en Medellín, lo que
mostró la recepción que su trabajo había empezado a tener en circuitos diferentes a las artes decorativas o a la artesanía propiamente
dicha.
Brumas
 Diego Mazuera ( Medellín, Colombia, 1947)

Nació en Bogotá. Estudió Bellas Artes en la Universidad Jorge Tadeo Lozano y en el Conservatorio de Artes del Libro, La Massana en
Barcelona, España.

Ganó el primer puesto en el Salón Nacional de Artistas de Colombia en 1989. Su estilo, abstracto, nos invoca a una búsqueda de
infinitas posibilidades espaciales.
En “Los Caídos” se exponen figuras humanas dobladas, caídas sobre un alambre de púas.
 Nadin Ospina (Bogota, Colombia, 1960)

Nadín Ospina es un artista pop y pintor, es reconocido principalmente por elaborar figuras basadas en el arte precolombino con
personajes de la cultura popular como Mickey Mouse o Bart Simpson.

Realizó estudios en la Universidad Jorge Tadeo Lozano. Ha expuesto individual y colectivamente desde 1981 en Colombia, EE.UU.,
Alemania, Australia, Brasil, Venezuela, Cuba, México, España, Holanda, Noruega y Dinamarca.

"Lo más importante de su obra es que revela una firme

voluntad de romper con todo convencionalismo y una actitud
abierta independiente y libre, así como una tendencia a
probar y actuar intuitivamente. Su trabajo también pone de
presente cierta conexión entre el arte de hoy y los símbolos
de la prehistoria mítica, y de allí ese efecto entre mágico y
simbólico que la caracteriza". 2 Diccionario de Colombia.
Jorge Alejandro Medellín y Diana Fajardo. Grupo Editorial
Norma. 2005-2006. Bogotá. Colombia. Página 726
Fisi Culturista. 2015.Bronce Policromado. 40 x 17 x 17 cm.

El pensador . 2009 Bronce policromado. 203 x 100 x 120 cm. Colección Bancolombia. Medellín.
 Ana Maria Rueda (Ibague, Colombia, 1954)

Desde sus primeras pinturas —realizadas en 1985 – hasta las fotografías de hoy en día, Ana María Rueda ha trabajado y explorado de
manera recurrente el vínculo del hombre con la naturaleza y el territorio, incluyendo su relación con el otro y su lugar en el mundo. Esta
aproximación la ha realizado de manera vital a través de un profundo acercamiento a la naturaleza, pero también a partir del interés personal
y análisis de ciertas posiciones filosóficas donde se indaga por las relaciones interpersonales, éticas y sociales.
Plantea constantemente en sus proyectos reciprocidades y correspondencias. Su interés profundo ha sido el de indagar y presentar desde
la metáfora ese vínculo existencial entre el hombre y su posición en el mundo.
 Oscar Muñoz (Popayan, Colombia, 1951)

Oscar Muñoz estudió arte en la Escuela de Bellas Artes de Cali en los años setenta.

Muñoz es conocido por su uso de materiales efímeros, en reflexiones poéticas sobre la memoria y la mortalidad.

Ha realizado una gran cantidad de exposiciones en toda Latinoamérica desde la década de los seten ta. En 2014 en el Jeu de
Paume de París, se exhibió una exposición retrospectiva de su obra. Su primera exposición en Suecia tuvo lugar en Bildmuseet,
Umeå, en 2009. Las obras de Óscar Muñoz forman parte de colecciones privadasy públicas, incluyendo el Museo de Arte
Moderno de Bogotá, el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA), el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva
York, la galería Tate Modern de Londres y la Colección suiza Daros Latinamerica en Zúrich, por nombrar algunas.

En el 2018 gano el El Premio Hasselblad, un premio sueco dado anualmente desde 1980 a fotógrafos que ha realizado una labor
notable. El premio es otorgado por la Fundación Erna y Víctor Hasselblad y está dotado con 110.000 euros.
"Mi trabajo de hoy", escribe Muñoz, "se basa en mi esfuerzo
por comprender el mecanismo desarrollado por una sociedad
que finalmente ha sufrido la rutinización de la guerra ... Un
pasado, un presente y con toda probabilidad un futuro lleno de
eventos violentos en un diario base, que se repiten
obstinadamente, de una manera prácticamente idéntica ".
 En Cortinas de baño (1985-1989), experimenta por primera vez con un soporte no convencional, para construir una
imagen a partir de una fotografía transferida a un tamiz serigráfico. En el proceso de impresión, realizado con aerógrafo a
través de la seda de serigrafía previamente preparada, la imagen era recibida por una superficie inestable que impedía la
fijación total del pigmento, pues el artista rociaba agua en el momento de dibujar. Al igual que en A través del cristal, Muñoz
logra establecer una distancia entre la imagen fotográfica del sujeto representado y el soporte que la acoge.
Aliento (1995-2002) consiste en una serie de espejos aparentemente en blanco. Sin embargo, cuando el espectador se acerca a ellos y
respira sobre ellos, sutiles retratos de obituario emergen momentáneamente en la superficie. El video de Muñoz Re / trato (2004) muestra al
artista pintando un autorretrato con agua. A medida que el agua entra en contacto con el pavimento caliente sobre el que Muñoz pinta, el
retrato se desvanece. Muñoz a menudo tiende puentes entre los medios de cine, video, fotografía, instalación y escultura.
 Dibujo con cigarrillo sobre papel
Intervalos (mientras respiro),2004, son autorretratos realizados por Muñoz usando un cigarrillo para "dibujar" mientras fumaba. La
bocanada de humo aviva el fuego con el que la imagen será constituida -dándole vida a la imagen- al tiempo que agrega un poco
de muerte al cuerpo que la aspira. La obra se constituye en el flujo del cuerpo a la mano, de la mano a la imagen y de la imagen de
nuevo al cuerpo, en una perturbadora metáfora del (demasiado breve) intervalo entre la vida y la muerte.
Proyecto para un memorial ,2004-2005. Proyección de video, 28', bucle, sin sonido

¿Cómo lograr que la fotografía no detenga ese instante, que el retrato no dé muerte a la imagen, sino que prolongue su existencia? Una mano
ntenta definir los rasgos de identidad de un retrato, pero el medio utilizado (el agua) y el soporte (una losa de cemento iluminada por el sol directo)
conspiran para que esta simple tarea no pueda completarse. Cuando el pincel ha logrado dibujar una parte del fugaz autorretrato, el resto ya se ha
evaporado, pero la mano sigue incólume en su incesante proceso, motivada al parecer por una terca tenacidad.
Atramento [tinta negra], las páginas de libros se sumergen en el agua; las letras salen del papel una a una, distorsionando el texto
y haciéndolo imposible de leer. Esas páginas están tomadas de George Orwell de 1984, y la desintegración del texto se refiere
directamente a los temas centrales de la famosa novela distópica: censura y vigilancia, así como a su personaje principal, Winston
Smith, responsable de la propaganda y el revisionismo histórico. en el Ministerio de la Verdad. Su tarea consiste en reescribir
registros y alterar fotografías antes de incinerar los documentos originales en un "agujero de memoria". Por lo tanto, Atramento
actúa como una mise en abyme, ya que el contenido de 1984 está siendo alterado y casi falsificado.

Atramento, 2014. Las páginas de libros se sumergen en el agua; las letras salen del papel una a una, distorsionando el texto y
haciéndolo imposible de leer. Esas páginas están tomadas de George Orwell de 1984, y la desintegración del texto se refiere
directamente a los temas centrales de la famosa novela distópica: censura y vigilancia, así como a su personaje principal,
Winston Smith, responsable de la propaganda y el revisionismo histórico. en el Ministerio de la Verdad. Su tarea consiste en
reescribir registros y alterar fotografías antes de incinerar los documentos originales en un "agujero de memoria". Por lo tanto,
Atramento actúa como una mise en abyme.
 Lugar a Dudas
En 2006, fundo Lugar a dudas, un centro cultural y un programa de residencia para artistas
ubicado en Cali. Es un espacio independiente sin ánimo de lucro que promueve y difunde
la creación artística contemporánea a través de un proceso articulado de investigación,
producción y confrontación abierta, un espacio de reflexión y crítica continua, acerca de
las prácticas artísticas y las complejidades que vivimos hoy en nuestro entorno.
 Protografias

https://www.youtube.com/watch?v=pV6c8rtSLlc

Atramentos

https://www.youtube.com/watch?v=r2SQAG-t0rI
Poetics in transit: the Latin American's contemporary art from a transmedial analysis/Poeticas del transito! el arte
latinoamericano contemporáneo desde un análisis transmedial

Visión del arte latinoamericano en la década de 1980 , centro wifredo lam

http://unesdoc.unesco.org/images/0013/001392/139260so.pdf

Arte y política: un estudio comparativo de Jacques Rancière y Nelly Richard para el arte latinoamericano