Artes Plásticas.

Etimológicamente la
palabra Arte proviene del Latín Ars oArtis[1] y esta a
su vez proviene del griego τέχνη[1]. El arte es una
expresión de la actividad humana a través de la
cual se manifiesta una visión de lo real o
imaginario. Se clasifican de las siguientes
formas: Pintura, Grabado, Escultura,Fotografía, Orf
ebrería, Glíptica, entre muchas otras; cada una de
estas ramas de esta parte del arte cuenta con una
historia y una importancia determinada.
Tradicionalmente se consideró al arte como la
habilidad o maestría de una persona para elaborar
algo, concepto que si bien no refleja
fehacientemente el significado de arte, aun al día
de la fecha se considera como un artista a aquella
persona que realiza una tarea en forma
sobresaliente.
La primera vez que se diferencia entre artesano
(aquella persona que produce varios objetos
similares con iguales características) y artista
(persona que realiza un obra única) fue durante el
período conocido como renacimiento. Fue recién
durante y posterior a la revolución industrial
cuando se afirmó el concepto de arte. En ese
momento fue cuando aparecieron los primeros
coleccionistas, las galerías de arte, los críticos de
arte, las academias y los museos de Bellas Artes.
Entonces, el concepto moderno (podría
denominarse como amplio) es el que entiende como
arte a toda aquella manifestación de la actividad
 humana (no sometida a reglas concretas) que se
expresa en forma subjetiva, única e irreproducible
de algo real o imaginario.
Otro concepto rescatable entiende al arte como la
manifestación de la mente, de la inteligencia
humana, por la cual se expresa la creatividad con
la finalidad de establecer una comunicación entre
el artista y el observador, intentando en medida de
lo posible, la transmisión de sentimientos y
sensaciones.

Contenido
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 1 Historia
o 1.1 Arte Prehistórico
o 1.2 Arte Antiguo
o 1.3 Arte Clásico
o 1.4 Arte de la Edad Media
o 1.5 Arte de la Edad Moderna
o 1.6 Arte del Siglo XIX
o 1.7 Arte del Siglo XX
o 1.8 Arte Contemporáneo
 2 Expresiones de las artes plásticas
o 2.1 La pintura
o 2.2 El grabado
o 2.3 Escultura
 2.3.1Materiales y técnicas
tradicionales
o 2.4 Fotografía
 o 2.5 Orfebrería
o 2.6 Glíptica
 3 Conceptos principales
o 3.1 Obra de arte
o 3.2 Figura - fondo
o 3.3 Imagen
o 3.4 Percepción
o 3.5 Proporción
o 3.6 Punto
o 3.7 Plano
o 3.8 Movimiento
o 3.9 Croquis
o 3.10 Boceto
o 3.11 Tono
o 3.12 Escala de valores
o 3.13 Tonalidad
o 3.14 Valor
 4 Referencias
 5 Fuentes

Historia
Artículo principal: Historia del Arte.

Arte Prehistórico
Artículo principal: Arte Prehistórico.
El Arte Prehistórico[2] (desde la aparición del
hombre en la tierra hasta el año 5000 a.n.e.) es un
fenómeno artístico de alcance geográfico global y
una amplitud temporal suficiente como para
afectar a las épocas más diversas. El concepto es
mucho más extenso que el fenómeno rupestre
cuaternario, principalmente circunscrito
a Europa occidental, y comprende además las
manifestaciones del llamadoarte paleolítico.
Las manifestaciones artísticas de la prehistoria
tienen su máxima representación en los llamados
artes rupestre, mobiliario y megalítico.
 El arte rupestre, recibe su nombre de las
paredes rocosas de las cuevas y abrigos en los
que se realizaban las pinturas. Estas pinturas
representaban fundamentalmente animales y
escenas de caza.
 El arte mobiliario o arte mueble (también
llamado arte miniatura o arte portátil) consiste
en figuras y objetos decorativos tallados en
hueso, cuernos de animal o piedra o modelados
toscamente en arcilla.
 Como arte megalítico se reconoce a
los monumentos formados por piedras grandes y
toscamente labradas, erguidas en solitario o
combinadas para formar una estructura,
levantadas bien con fines religiosos o bien como
lugares de enterramiento o como monumentos
conmemorativos de sucesos destacados. Los de
Europa occidental pertenecen al neolítico y a
la edad del bronce.

Arte Antiguo
Artículo principal: Arte Antiguo.
El Arte Antiguo esta comprendido entre los años
5000 a.n.e y el año 0. Incluye el Arte
Mesopotámico y elArte Egipcio.
Arte Mesopotámico

Estatua perteneciente alArte Mesopotámico.

El arte de Mesopotamia está constituido por varias
etapas artísticas determinadas por la
diversificación de pueblos que dominaron este
territorio. Los creadores del estilo artístico son los
sumerios, estilo que será continuado por los
semitas, consiguiendo el máximo esplendor en los
períodos asirio y babilónico.
Dentro de la arquitectura mesopotámica se
desarrollaron ciertos monumentos, que fueron el
templo, el palacio, la muralla y la tumba. Dentro de
la escultura, se desarrollaron tanto las estatuas
como el bajorrelieve. Y dentro de la pintura y
relieve se puede decir que las obras eran
cromáticamente pobres y la temática se basaba en
escenas de guerra y de sacrificios rituales con
mucho realismo. Predominaban los símbolos
cuneiformes.
La orfebrería mesopotámica constituyó uno de los
hallazgos más interesantes de las excavaciones de
tumbas reales y templos y el trabajo de los metales
era una de las actividades artísticas más
importantes en los pueblos mesopotámicos.
Arte Egipcio

Palacios y templos egipcios, lugares donde los antiguos

artistas mostraban sus obras.
El arte egipcio es, indudablemente, la
manifestación artística que más ha subyugado al
hombre moderno. La civilización egipcia no sólo
creó una arquitectura, escultura y pintura de
impresionante belleza, sino también toda una
cultura que ha hecho soñar a investigadores,
literatos y personas corrientes, donde se funde lo
histórico, lo mítico y lo misterioso.
El arte egipcio es un arte que está muy relacionado
con el medio en el que se desarrolla. Este medio
influye en diferentes aspectos: por un lado el medio
geográfico determina una cultura cerrada que hace
un arte impermeable a influencias exteriores, que
va a evolucionar poco y cuando lo va a hacer va a
ser sobre sus propias formas debido a la falta de
comunicación con el exterior.
Por otro lado, el medio va a determinar unos
materiales que nos indican una despreocupación
por la vida terrestre y un deseo de eternizar la
moral del difunto y del dios, por lo que el arte
muchas veces está en función de templos y
tumbas. Esto está relacionado con los dos factores
determinantes del arte que también vienen dados
por el medio: la monarquía y la religión.
Los artistas egipcios van a perder en líneas
generales en el anonimato, aunque se conocen
algunos artistas ya del Imperio Antiguo, aunque son
más los que se conservan del Imperio Nuevo. De los
artistas los más considerados son los arquitectos,
que se relacionan con los clientes. Sin embargo, los
pintores y escultores son considerados como
simples artesanos.
Va a haber dos tipos de talleres: los talleres
oficiales, que están en torno a los palacios y los
templos y es donde se forman los grandes artistas
y obras, y los talleres privados, destinados a
clientes que no estuvieran relacionados ni con la
monarquía ni con la religión. De éstos últimos se
han conservado muy pocas obras, entre otros
motivos debido a que utilizaban materiales más
endebles que los talleres oficiales.

Arte Clásico
Artículos principales: Arte Clásico, Arte griego, Arte
romano y Arquitectura romana.

Escultura realizada bajo el período del Arte Clásico.

El Arte clásico y la Cultura clásica, que comprende
desde el año 2000 a.n.e. hasta el 300, es el nombre
que se da a las producciones intelectuales de
la Antigüedad clásica, es decir: el Arte griego y
el Arte romano, o la cultura grecorromana, que en
el Renacimiento eran consideradas clásicas, es
decir, dignas de imitación (mimesis).
Arte Griego
El arte de la antigua Grecia es el estilo elaborado
por los antiguos artistas griegos, caracterizado por
la búsqueda de la belleza ideal, recreando el mundo
ideal del modelo platónico, o mediante la imitación
de la naturaleza en el sentido de la mimesis
aristotélica.
La cultura desarrollada por los antiguos griegos
establece los fundamentos de la cultura occidental.
De ella surgieron los conceptos y principios del
arte, la filosofía y el saber posterior.
Arte Romano
El Arte Romano se inicia en íntima conexión con
el Arte Etrusco y con el de las colonias griegas de
la Magna Grecia, de cuya cultura es directo
heredero, incorporando, además, múltiples
elementos de las más diversas culturas
mediterráneas bajo dominio romano, con un
sincretismo sumamente característico.
Se desarrolla fundamentalmente a partir del Siglo
III a.n.e y evoluciona con evidente homogeneidad
hasta el Siglo V, a través de las etapas que van
señalando su evolución política: República (hasta el
año 27 a.n.e), Alto Imperio (hasta el siglo III) y Bajo
Imperio (siglos IV y V).
El espíritu práctico del pueblo romano se impone
en las obras arquitectónicas, interesa hacer obras
útiles, lo que contribuye a la uniformidad de los
modelos arquitectónicos. Además, deben responder
al espíritu de grandiosidad, orden y permanencia,
que rigen la política romana; la arquitectura
romana es la expresión de su poder y esto lleva a
su afán de eternidad.

Arte de la Edad Media

Artículo principal: Arte de la Edad Media.
El Arte de la Edad Media o arte medieval es un gran
período de la historia del arte que va desde el
año 300 al 1400. Abarca el Arte Paleocristiano, Arte
Carolingio, Arte Bizantino y Arte Otomano.
También Arte Románico, Arte Gótico y Arte
Musulmán.
La Edad Media incluye movimientos artísticos
principales y distintos períodos, artes nacionales,
regionales y locales, diferentes géneros, períodos
de florecimiento a los que se ha venido en llamar
renacimientos, las obras de arte, y los propios
artistas (que en laAlta Edad Media permanecían en
el anonimato de una condición artesanal de poco
prestigio social, como los demás oficios
establecidos en régimen gremial, mientras que en
los últimos siglos de la Baja Edad Media, sobre todo
en el siglo XV, alcanzarán la consideración de
cultivadores de las bellas artes, aumentando en
consideración social y preparación intelectual).

Arte de la Edad Moderna

Artículo principal: Arte de la Edad Moderna.
El Arte de la Edad Moderna es el período o
subdivisión temporal de la historia del arte que
corresponde a la Edad Moderna, va desde el
año 1400 hasta el año 1800. Engloba al Arte del
Renacimiento, Arte Barroco, Arte Hispano-
Americano. No se ha de confundir con el concepto
de arte moderno, que no es cronológico sino
estético, y que corresponde a determinadas
manifestaciones del arte contemporáneo.

Arte del Siglo XIX

Artículo principal: Arte del Siglo XIX.
Entre los movimientos artísticos nacidos en el siglo
XIX se encuentra
el Neoclasicismo, Realismo, Romanticismo, Impresi
onismo,Post-impresionismo y Modernismo, este
último en los años finales del siglo.
Este siglo estuvo marcado por la Revolución
Industrial, así como revoluciones en Europa y un
despunte del imperialismo que todo ello influyó en
la creación artística de esta época. La aparición de
los nuevos materiales, vinculada a la Revolución
Industrial, implicó cambios sustanciales en el modo
de construir. El hierro, el hormigón armado, el
cristal, y el acero, permitieron desarrollar una
arquitectura muy diferente de la historicista.

Arte del Siglo XX

Artículo principal: Arte del Siglo XX.
El arte del siglo XX se divide en dos grandes
etapas, la que comprende desde principio de Siglo
XX hasta el año 1942 y una segunda que
comprende desde el año 1942 hasta el fin del siglo,
esta última etapa se inserta dentro del Arte
Contemporáneo. Se incluyen en este siglo
al Modernismo, Expresionismo, Surrealismo y Arte
Abstracto. El nacimiento de estos importantes
movimientos artísticos cambian el concepto de
arte: lo que es el arte, y hasta lo que se considera o
no obra de arte.
El arte del Siglo XX se ve fuertemente influenciado
por política y social del momento. Es un arte que no
escapa a la realidad, sino todo lo contrario, brota
de ella, como una forma de catarsis.
Luego de la Ilustración, que había creado un
sentimiento de confianza en el ser humano, la razón
y la ciencia, estos valores entraron en crisis. Las
dos guerras mundiales marcan un clima tenso e
inestable, lleno de horror y destrucción. La crisis
europea y la crisis de la bolsa estadounidense
en 1930 impactan en la sociedad creando
movimientos artísticos de protesta.
Es una época de profundos y acelerados cambios,
donde el progreso científico y tecnológico deja
avances impensados como el automóvil, el avión,
la televisión, la llegada del hombre a la luna, etc.
Todo esto provoca un gran impacto en la sociedad y
surgen movimientos artísticos como el futurismo.
Se pueden distinguir dos grandes movimientos en
el siglo XX: Las vanguardias y luego elarte
postmoderno.
La revolución industrial se convirtió en una gran
influencia en el arte, el caso más curioso de esta
etapa es el movimiento impresionista en la pintura
y su convivencia con la, aquel entonces, nueva
técnica de la fotografía. El crecimiento industrial y
la vida en las ciudades también dejaron su huella
en el arte, por ejemplo en el arte pop.

Arte Contemporáneo
Artículos principales: Arte
Contemporáneo y Surgimiento y desarrollo del arte
contemporáneo.

Obra de arte contemporáneo.

El Arte Contemporáneo es aquel que comprende
desde el año 1942 hasta la actualidad. Contiene a
diversas expresiones del arte entre las que se
encuentran el Arte Pop, Naif, Land Art, etc. Se suele
definir como el arte elaborado después de
la Segunda Guerra Mundial. Los museos de arte
denominan arte contemporáneo a las colecciones
de este período.
En sentido amplio, el arte contemporáneo es el
hacer artístico que se desarrolla en nuestra época.
En el caso del arte contemporáneo, se desarrolla
desde la teoría postestructuralista la cual ha
acuñado el término postmoderno, ya que desde esa
teoría se vislumbra la imposibilidad de seguir
creando desde los preceptos de la originalidad y la
novedad (elementos propios de la modernidad); en
lugar de ello se apunta a elementos como
reinterpretaciones, resignificaciones y el giro
lingüístico con el fin de ampliar el concepto de arte
y establecerlo como un acto comunicativo.
Este tipo de prácticas se inician desde la obra
de Marcel Duchamp y sus cuestionamientos de la
institución del arte. Pero este pensamiento se
comienza a ampliar y a tomar seriamente desde la
década de los setenta hasta nuestros días con el
redescubrimiento de la obra de Duchamp y de los
Dadaistas de principios del siglo XX a manos de
artistas como Robert Rauschemberg, teóricos
como Roslind Krauss y toda la escuela
postestructuralista, que pusieron este pensamiento
dentro del main stream internacional.
Expresiones de las artes
plásticas
Históricamente se consideran como expresiones de
las artes plásticas a las acciones realizadas por 3
tipos de artistas determinados, se incluían las
obras realizadas por pintores, escultores y
arquitectos.
Hoy día, el arte plástica se caracteriza por incluir a
todas aquellas formas de arte cuyos objetos finales
u obras son tangibles, eso significa que son reales
y se pueden ver y/o tocar. El concepto moderno de
arte nos permite incorporar en la definición de arte
plástica no solo las expresiones clásicas del arte
sino también nuevas formas, podrían llamarse
modernas, de manifestación artística. Entre ellas
se encuentran, por ejemplo, todas aquellas
generadas por computadoras (arte digital) o con
cualquier otro elemento no convencional.
En la actualidad se le denomina Artes Plásticas
Modernas a las especialidades
de: Pintura, Escultura, Grabado, Tallado,Cerámica,
Vidrio, Fotografía, Vitrales, Porcelana, Diseño,
Restauraciones, Pintores Retratistas, entre otras.

La pintura
Artículo principal: Pintura.
La pintura[3] es el arte de expresar sentimientos,
emociones o ideas, mediante imágenes o
representaciones reales o ficticias realizadas por
un artista, plasmadas en una superficie
bidimensional, utilizando diferentes sustancias o
determinadas Técnicas pictóricas.
Encontramos que existen datos de la Pintura desde
la prehistoria, pero la pintura ha evolucionado
desde la prehistoria hasta la actualidad, siendo de
esta manera encontramos que existen distintas
técnicas para crear una pintura.
Existen variadas formas de clasificar las técnicas
de
pintura: Óleos, Acuarelas y Témperas, Cera o Encáu
stica, los Acrílicos y lasTécnicas mixtas.
Óleo
La palabra óleo viene del latín olĕum[4], que
significa aceite de oliva. En épocas pasadas
llamaban al aceite sacado de la oliva "óleo" y al
combinarlo con otras sustancias para darles color y
hacer las pinturas adoptaron el nombre de "óleos"
con el paso del tiempo. El aceite que más empleado
era el de linaza que solía mezclarse con los
pigmentos de minerales para proporcionarle
colorido.
El óleo era ya en la edad media muy conocido y
empleado en combinación con la pintura al temple
y el fresco, se usaba también para hacer retoques
en piezas de yeso. El mismo se divide en varias
técnicas: Óleo sobre muros, sobre Lienzo y Óleo
sobre tabla.
Acuarela
La acuarela[5] es una técnica de pintura que se
práctica sobre papel, cartulina o cartón; se
caracteriza por la transparencia de los colores
diluidos en Agua.
La técnica de acuarela se aplica diluyendo en agua
el pigmento aglutinado con una goma suave, como
la arábiga, la transparencia de los colores depende
la cantidad de agua que sea incorporada a la goma
y también a la tonalidad que sea requerida por el
pintor.
Esta técnica no utiliza color blanco, ya que éste se
obtiene por transparencia con el papel blanco del
fondo. El objetivo de la acuarela es transparentar
los colores con agua y quizá hasta permitir ver el
fondo del papel o de la cartulina que actúa como
otro tono.
Tempera o Temple
Tempera o temple[6], es una técnica acuosa que
emplea como aglutinante (cualquier tipo de
ingrediente que mezclado con pigmento en polvo
sirve para producir una técnica pictórica) una cola
de origen animal por lo general conejo o pescado.
La tempera es referente al proceso en donde se
mezclan los colores con el aglutinante, con la
necesidad del calor para que este pueda ser
manejado en caliente. Es una técnica basada en el
recubrimiento de los pigmentos ya secos.
Encuástica o Cera
La palabra encáustica proviene
del latín encaustĭcus, y este del griego ἐγκαυστικός[7],
que quiere decir grabar a fuego. La encáustica es
una técnica pictórica consistente en aplicar el
color mezclado con cera fundida y cuya aplicación
se realiza en caliente.
La encáustica está caracterizada por el uso de la
cera caliente, ya que esta tiene un efecto protector,
cubriente, resistente a la luz y al agua.
Acrílico
El acrílico es una técnica que brinda un efecto
similar al óleo, constituye a base de la mezcla de
pigmentos, agua y resinas que no se vuelven
amarillas, seca rápidamente sin cambiar de color y
sin oscurecer con el tiempo.
En los colores acrílicos se mezclan los mismos
pigmentos que se emplean en el óleo y la acuarela,
pero aglutinados por una sustancia plástica de
resinas acrílicas, de vinilo o de ambas, que pueden
ser diluidas por agua.
Con ellos se puede pintar sobre soportes
de cartón, papel, madera, lienzo, metal, cristal, etc.

El grabado

Grabado
El grabado[8] es un proceso de duplicación,
creación, reproducción, estampado e impresión de
imágenes, conseguido por medio de una matriz que
sirve de placa.
Con anterioridad, esta placa ha sido tratada para
poner en ella, mediante distintas técnicas, una
imagen (a la inversa) que, una vez entintada la
placa, podrá imprimirse sobre papel mediante una
prensa. Existen varias técnicas y métodos que se
han desarrollado por varios siglos para crear la
imagen en las placas:
Esta placa es tratada para poner en ella una
imagen (a la inversa) que, una vez entintada la
placa, podrá imprimirse sobre papel mediante una
prensa.
Entre los procedimientos utilizados para la
obtención del grabado se distingue: el grabado
manual, ejecutado mediante un útil (buril, punzón o
sistemas análogos) o por medios químicos
(aguafuerte), los grabados mecánicos
(fotomecánicos, fotoquímicos, electroquímicos,
electrónicos).
Otra forma de clasificar el grabado es en dos
grandes categorías: hueco y relieve,
diferenciándolo según los materiales utilizados
para la confección de la plancha, que pueden ser:
cobre, cinc, aluminio, acero, cristal, piedra,
madera, linóleo, seda, etc.
Procedimientos de Grabado
El artista gráfico cuenta con diversos métodos para
la aplicación de un grabado manual, puede utilizar:
el relieve, en hueco, plano gráfico, monotipia o
estarcido.
Contando cada uno de ellos con un procedimiento
distinto. Existen distintos tipos de
grabado: Grabado en relieve, Grabado en
linóleo, Grabado en fibra, Grabado en
contrafibra, Grabado al aguafuerte, Grabado al
aguatinta, Grabado a punta seca, Grabado a media
tinta.

Escultura
Escultura
Se llama escultura[9] al arte de moldear el barro,
tallar en piedra, madera u otros materiales. Es una
de las Bellas Artes en la cual el escultor se expresa
creando volúmenes y conformando espacios. En la
escultura se incluyen todas las artes de talla y
cincel, junto con las de fundición y moldeado, y a
veces el arte de la alfarería.
Tipos de esculturas
La escultura se divide en dos grandes ramas,
la estatuaria y la ornamental, según que represente
la forma humana y exprese las concepciones
suprasensibles del hombre o se ocupe en
reproducir artísticamente los demás seres de la
naturaleza, animales o vegetales.
La primera lleva con propiedad el nombre de
escultura y tiene un ideal propio, desempeñando la
segunda un papel secundario al servir de auxiliar a
la primera y a la Arquitectura. La estatuaria a su
vez comprende varios tipos, de bulto redondo y de
relieve.
Materiales y técnicas tradicionales
Materiales tradicionales para la Escultura

Arcilla

Piedra

Hierro
Arcilla
(Del griego "arguilos": arcilla blanca), es uno de los
materiales más antiguos utilizados por el hombre
por ser fácil de modelar y no necesitar de utensilios
especiales, ya que se pueden utilizar simplemente
las manos.
Con el barro se pueden sacar moldes para después
trabajar con otros materiales. Si es empleado como
material definitivo debe cocerse; en este caso
recibe el nombre de terracota.
Piedra
Este material es usado desde muy antiguo por
encontrarse abundantemente en la naturaleza. Para
manejar la piedra se necesitan herramientas
especiales. Las piedras más comunes en la
escultura son: piedra caliza, mármol, arenisca,
alabastro, granito, basalto, diorita y otras piedras
duras.
Hierro
El hierro es un metal que se utiliza para hacer
esculturas, mediante distintas técnicas de trabajo.
Estas son: repujado, forja, soldadura eléctrica,
soldadura autógena.
Madera
Es un material muy apreciado por los escultores,
por sus propiedades físicas y buenos resultados.
Hay muchos tipos de madera y según sus
cualidades puede dejarse la escultura en su color
natural o por el contrario pintarse en un
policromado adecuado a cada textura. Las maderas
llamadas nobles se dejan en su color natural. Son el
nogal, roble, haya, cedro, caoba y otras.
La madera se corta al menos cinco años antes de
ejecutar la obra, en la estación de invierno cuando
la savia está en las raíces y de esta manera se
consigue que esté bien seca y sin dar lugar a
descomposición de la materia.

Fotografía
Fotografía antigua.
La fotografía[10] es el proceso de capturar imágenes
y almacenarlas en un medio de material sensible a
la luz, basándose en el principio de la cámara
oscura, con la cual se consigue proyectar una
imagen captada por un pequeño agujero sobre una
superficie, de tal forma que el tamaño de la imagen
queda reducido y aumentada su nitidez.
Para almacenar esta imagen, las cámaras
fotográficas utilizaban hasta hace algunos años
exclusivamente la película sensible, mientras que
en la actualidad se emplean, casi siempre,
sensores CCD y CMOS y memorias digitales; es la
nueva fotografía digital.
La fotografía puede clasificarse bajo la más amplia
denominación de tratamiento de imágenes y,
debido a esto, ha fascinado a artistas y demás
personas desde
En los inicios los científicos, sobre todo, han
aprovechado la capacidad para plasmar con
precisión todo tipo de circunstancias y estudios,
tales como los dedicados a la locomoción humana
y animal de Eadweard Muybridge (1887).
Orfebrería

Trabajo de Orfebrería.
Se llama Orfebrería[11] al trabajo artístico realizado
sobre utensilios o adornos de metales preciosos.
Los metales que constituyen los objetos de
orfebrería propiamente dichos son eminentemente
la plata y el oro o una mezcla de ambos que en la
antigüedad se llamaba Electrón o eléctrum.
Con dichos metales se fabrican ya desde edades
muy remotas utensilios muy variados como vasijas,
piezas de adorno, joyas, monedas, estatuas
siguiendo el estilo, la ornamentación y el gusto
propios de la época y de la nación que los elabora,
como puede observarse recorriendo las principales
civilizaciones.
Técnicas de orfebrería
Las técnicas empleadas en el trabajo del oro fueron
muy sencillas al inicio pues los nativos zamawey de
la región sur de la península ibérica pulimentaban
su estilo: el martillado en frío proporcionaba
láminas e hilos que podían adoptar formas
diferentes.
Posteriormente, pero aún en una época temprana,
se utilizaron el calentado y la fusión. Los avances
técnicos supusieron una diversificación de las
formas; no obstante, es muy difícil cuando no es
posible datar las piezas tipológicamente.

Glíptica

Glíptica.
La Glíptica (Del griego γλυπτική [τέχνη], [arte] de la
grabación)[12] es arte de grabar o tallar las piedras
finas. Ha pasado en la Antigüedad por tres grandes
fases:
 En la primera, se limitan a grabar pictogramas
sobre piedras más o menos duras para que
sirvieran de signos o sellos a los altos
dignatarios, sacerdotes o reyes. Este primer
período de la glíptica abraza las dos mayores y
más antiguas civilizaciones: la del Antiguo
Egipto y la de Sumeria.

 En los comienzos del segundo período

encontramos los fenicios, la Antigua Grecia y los
 etruscos. En estos pueblos, la glíptica empezó a
convertirse en verdadero arte.

 La glíptica llegó a su apogeo en el tercer

período en Grecia en el siglo de Pericles y en
la Antigua Romaen el reinado de Augusto. Los
griegos buscaron sobre todo la pureza de la
forma y los contornos como la belleza de los
rasgos ylíneas mientras que los romanos se
ocupaban más en hacer resaltar los colores y la
transparencia de las piedras finas, aspiraciones o
tendencias ambas que caracterizaban bien el
genio particular de aquellos pueblos: el uno
persiguiendo el ideal de la Poesía; el otro,
buscando la riqueza y el brillo como desideratum
supremo del arte.

La glíptica casi desapareció después del Imperio

romano pero volvió a reaparecer en el siglo
XV en Italia. Dos artistas eminentes la cultivaron
en Milán: Juan y Dominico más conocidos por Juan
el de las Cornalinas y Dominico el de los Camafeos.
Este arte fue importado en Francia por Mateo del
Vassaro que fue a París siguiendo a Francisco I.
Son notables las colecciones
deLondres, Múnich, Viena y París y se encuentran
datos interesantísimos sobre esta materia en las
obras de Vettori, Ratter, Millín yMariette.

Conceptos principales
Obra de arte
La Obra de arte es un medio del artista para
transmitir sentimientos y emociones al espectador,
fundamentándose en la capacidad que poseen las
personas para experimentar los sentimientos
ajenos como personales.

Figura - fondo
Ley de la psicología de la forma, formulada por Max
Wertheimer, establece la tendencia a subdividir la
totalidad de un campo de percepción en zonas más
articuladas (figuras) y otras fluidas y
desorganizadas que constituyen el fondo.
Según esta ley, toda superficie rodeada tiende a
convertirse en figura en tanto que la restante
actuará como fondo. Wertheimer fijó, además, otras
leyes principales que determinan el fenómeno: todo
objeto sensible existe contra un fondo; la figura
tiene calidad de cosa, el fondo tiene la impresión
que el fondo 'pasa' por detrás de la figura.
La figura es por lo general el campo de menor
tamaño; el color es más denso y compacto en la
figura que en el fondo; también aquella presenta
mayor estabilidad, claridad y precisión, y aparece
siempre más cerca del espectador. Todo lo de la
figura se recuerda mejor.

Imagen
Suele llamarse imagen al conjunto de las
representaciones que tenemos de las cosas. En
alguna medida imagen y representación son
sinónimos y se refieren a los diversos tipos de
aprehensión de un objeto presente, la
representación de percepciones pasadas, estar
ligado a la imaginación en la libre combinación de
percepciones pasadas o a la alucinación.
Las imágenes o representaciones pueden ser
acústicas, ópticas, eidéticas, no eidéticas,
afectivas, volitivas, etc. En el sentido artístico, la
imagen plástica puede ser definida como el
resultado de un proceso de creación, en el que,
buscando la adecuación de los materiales, las
técnicas y la organización sufre una transformación
de las impresiones sensoriales, de fantasías
mnémicas, supone siempre la actualidad de la
experiencia, la que aparece a través de la imagen;
esto hace suponer a la vez una experiencia
anterior. La imagen trae consigo la actualidad del
objeto convocante de lo dado.

Percepción
El término alude primariamente a una aprehensión,
sea cual fuere la realidad aprehendida. Percibir es
en efecto recoger, si se recoge o aprehende notas
intelectuales se habla entonces de nociones. El
rojo o el verde no son sensaciones, son algo
sensible, y la cualidad no es un elemento de la
conciencia, sino una propiedad del objeto.
También es distinta de la intuición intelectual,
parece ser equidistante de ambos actos. Distingue
entre percepción interna y externa, llamadas a
veces intuiciones. La interna llamada también
inmanente, son vivencias intencionales, cuya
esencia consiste en que sus objetos intencionales,
cuando existen pertenecen al mismo flujo vivencial.
La percepción es sensible cuando aprehende un
objeto real, que es aprehendido directamente y
categóricamente cuando aprehende un objeto
ideal, es decir cuando se constituyen nuevas
objetividades que se fundan en las anteriores y se
refieren a ellas. Dentro de este campo la
percepción tiene una base sicológica, pero con un
propósito ontológico.

Proporción
Es una relación de medidas armónicas entre las
partes componentes de un todo, tanto como la
distancia armoniosa entre parte y parte. Estas
relaciones de medida son encontradas en el mundo
orgánico e inorgánico.
Pero tales relaciones matemáticas no se expresan
de manera mecánica, la relación existe pero las
formas exhiben una serie de pequeñas variaciones
dentro de la relación general, lo que contribuye a la
belleza y la vitalidad.

Punto
Según Wassily Kandinsky, es el elemento plástico
básico. Siguiendo sus conceptos el punto en
plástica no es un ente material, sino que al
reclamar una cierta superficie sobre el plano, se
materializa, posee límites, sus tensiones internas y
comienza a vivir como ente autónomo; en él se
encuentra el embrión de la línea y el plano, pero se
lo percibirá como punto si en relación con el plano
que lo contiene y los elementos que lo rodean, su
tamaño es adecuado a la percepción de un punto.
Su forma externa es variable, sea circular,
triangular, trapezoidal, como simple mancha sin
características geométricas, etc. Constituye el
`sonido' elemental de la plástica y con sólo un
punto sobre el plano éste ya comienza a expresarse
estructuralmente. Es la mínima expresión posible
que se puede dejar sobre una superficie.

Plano
Desde el punto de vista geométrico, el plano puede
ser representado sobre una superficie [13], pero en el
espacio no es posible representarlo sin espesor,
tiene que existir como material, en este caso si el
alto y el ancho predominan con respecto al espesor
percibimos la forma como un plano.
Hay dos tipos de plano. El plano regular y el plano
irregular; el plano regular se refiere a que tiene una
forma definida como por ejemplo las figuras
geométricas, y el plano irregular es aquella figura
que no tiene su forma bien definida como puede ser
una manchas o un garabato.

Movimiento
Es el foco de atención más fuerte en una
comprensión. Sugerencia que logra en un orden
plástico debido a la aplicación, en la organización,
de determinados fundamentos visuales: destino
común, buena dirección, agrupamiento, secuencia
lineal, transponibilidad, progresión, alternancia,
etcétera.
Tensión existente entre varios elementos formales
o lineales y el campo que los contiene, a través de
la cual las figuras son atraídas, repulsadas o
aquietadas provocando la sugerencia del
movimiento o desplazamiento. Según la regla de
Duncker, en la experiencia de desplazamiento el
marco tiende a permanecer fijo, mientras que el
objeto dependiendo de ese marco ejecuta el
movimiento.
La estructura del contexto en el espacio y en
el tiempo determinan la percepción del movimiento;
de igual manera ocurrirá con las propiedades del
movimiento, es decir velocidad y dirección (la
velocidad puede ser constante, cambiar en
progresión regular o abruptamente).
El movimiento se percibe dentro de ciertos límites
de velocidad, el minutero del reloj, aparentemente
parece quieto, dada su escasa velocidad, pero las
paletas de un ventilador se ven como una forma
borrosa y quita dada su alta velocidad.

Croquis
Se le llama croquis[14] al diseño rápido y ligero que
se hace de un terreno, de un paisaje, de una
posición militar, etc., sin valerse de instrumentos ni
aparatos geométricos en forma de dibujo y como
tanteo o preliminar de algo que puede completarse.
A pesar de ello un croquis no carece de mérito.
Incluso algunos, realizados por grandes artistas, se
consideran actualmente como obras de gran valor,
debidamente apreciadas y con categoría de
producciones artísticas. Son famosas, por ejemplo,
algunos croquis de Rafael, Rubens, Leonardo Da
Vinci, etc. LasArtes Visuales se diferencian de
todas aquellas en su forma de expresión

Boceto
El boceto[15], en pintura, es la plasmación de la
primera idea del artista, realizada en un borrador,
es decir, en una superficie apta simplemente para
trazar unas líneas y dar unos colores, todo de forma
rápida, y con el único objetivo de conocer el objeto
que ha de producir la obra definitiva.

Tono
El tono[16] es el color integrado en todas sus
dimensiones. Se denomina también tono a la escala
resultante de un color mezclado sea con blanco,
negro o gris, es decir, al matiz o bien con su color
complementario.

Escala de valores
Es el orden de los gradientes que se encuentran
entre los extremos máximos. En este caso se
refiere sólo a variaciones crecientes o
decrecientes de claridad, ubicadas entre polos de
claridad u oscuridad.

Tonalidad
La Tonalidad[17] es la resultante de diversas
relaciones del tono, conceptuado en todas sus
dimensiones, que por su organización tienden a
provocar un tipo tal de orden de color que se
manifiesta moviéndose hacia la armonía, el
contraste o la relación de temperatura.
Frente a un cuadro siempre se hace referencia a la
tonalidad dominante, sea armónica, por predominio
de un solo color (monocromático), por predominio
de un color al cual los otros tienden a asemejarse
por mezcla (tonalidad rojiza, azulada, etc.), tanto
como por su oposición (contraste), o por su
temperatura (tonalidad cálida o fría). Puede darse
también en valores de grises.

Valor
Grado de claridad u oscuridad de
un color (blanco y negro), debido a la presencia de
blanco o negro en el mismo. El valor no depende del
color en sí, sino de los tonos cercanos: por ejemplo
el amarillo, es un color muy claro, tiene un valor
inferior a un verde ovioleta.
Dentro de una pintura destacan mayormente los
colores que poseen un valor más alto, es decir los
que cuentan con una mayor presencia luminosa:
amarillos, cremas, blancos, etc. En
el Renacimiento, los pintores mantenían un
equilibrio de los valores, en elBarroco, tal equilibrio
se sustituye por el juego de los mismos.