Historia de la msica

Introduccin
En este trabajo conoceremos la Historia de la Musica a travez de los tiempos, y de su
evolucion e importancia en nuestra sociedad.
Viajaremos desde Oriente, pasando por la India y Europa conociendo las distintas
epocas de la musica clasica, opera y compositores mas famosos...
Conoceremos desde el simple sonido del tambor ms prehistorico hasta la musica con
sintetizador mas avanzado de nuestra epoca...
HISTORIA DE LA MUSICA
La prehistoria y las civilizaciones antiguas
Hace mas o menos 51 mil aos o mas nuestros antepasados inventaron la musica. Los
hombres primitivos tenian preocupaciones. Como no conocian la agricultura tenian que
buscar sin cesar el alimento, mientras se defendian contra sus semejantes o contra los
animales feroces. Eran a la vez cazadores y cazados, lo que les obligaba a
desplazamientos continuos.
Un buen dia el hombre descubre que puede imponer su voluntad a la naturaleza.
Algunos animales buscan su compaa y aprenden a obedecerle; algunos vegetales
comestibles se pueden plantar y de esta forma multiplicarse.
Entonces unas tribus nomades descubren los encantos de la vida sedentaria. Se
afincan en valles fertiles o fundan pueblos y luego ciudades. Estamos entre los aos 10
mil y 5 mil ac.
Los pobladores de algunos valles; Tigris y Eufrates, Nilo, Rio Amarillo... fueron los
primeros en muchas cosas: metales, carros de ruedas, escrituras, artitmetica y musica.
Verdarera musica como hoy la entendemos.
Varias regiones fueron destruidas por cataclismos naturales, los libros antiquisimos
hablan de ello, es El Diluvio del que habla La Biblia. Quizas se trate de inundaciones
catastroficas provocadas por los grandes rios pero no por eso menos devastadoras.
Ciudades enteras fueron destruidas con sus habitantes y sus tesoros. En cambio se
han encontrado instrumentos de musica, escritos, esculturas de la epoca que siguio al
Diluvio, etc.
Los que escaparon del Diluvio entre el Tigris y el Eufrates tocaban la flauta de plata, el
arpa, la lira, el tambor o el laud.

La musica en Egipto
En Egipto, tierra de las piramides y la esfinge, la musica es un misterio. Se admite su
influencia sobre la cultura musical griega y la existencia de indicios sobre instrumentos
conservados. Se deduce que los egipcios poseian instrumentos de cuerda viento y
percusion ya que se encontraron en algunas tumbas faraonicas figuras de flautas.
Empleaban el movimiento de la mano, para indicar la ondulcaion melodica marcaban el
ritmo con palmadas, cistros platillos y tambores. Tambien para indicar la marcha de la
melodia se valian de movimientos de las manos.
La musica se la asignaba con una doble posibilidad, por un lado la capacidad de
motivar en el hombre una sensacion (gozo y alegria) y por otro lado el de crear
sensaciones de naturaleza mistica y magica.

La musica en la antigedad consistio en la extereorizacion de los sentimientos del

hombre a travez del sonido de su propia voz.
Los primeros instrumentos fueron los objetos o utensilios o el mismo cuerpo del
hombre que podian producir sonidos.
Los diferentes instrumentos musicales primitivos estan clasificados en:

Autofonos: Aquellos que producen sonidos por medio de la materia

con la que estan construidos.

Membranofonos: Serie de instrumentos mas sencillos que los construidos

por el hombre, por ejemplo tambores hechos con una membrana tirante
sobre una nuez de coco, un recipiente cualquiera o una verdadera y
autentica caja de resonancia.

Cordonofonos: De cuerda, por ejemplo el arpa.

Aerofobos: El sonido se origina en ellos por vibraciones de una columna

de aire.
Uno de los primeros instrumentos fue la flauta, construida con un hueso con agujeros.
La musica en Grecia
Los griegos componian musica sobre la base de tipos de musica ya consagrados o
sea: no creaban musica.
Solian agregarle un determinado esquema musical a diferentes poesias o alteraban su
ritmo dando nacimiento a otras obras musicales.
Tenian generos melodicos muy variados:

Prosodia: canto entonado cuando la procesion se dirigia al templo.

Hipoquerma: melodia asociada a movimientos corporales propios de

danzas griegas.

Ditirambo: cancion en honor de Dionisio o Baco (Dios del Vino)

Pean: himno en homenaje a Apolo.

Treno: canto funebre y doliente creado por Linos.

Elegia: carcter triste.

Himeneo y Apitalemio: carcter alegre para el casamiento.

Sobre la base de estos generos se elaboro toda la musica lirica en Grecia, pero se
fueron introduciendo otros generos liricos como:

Dafneforicas: entonados por portadores de laurel.

Oscoforicas: entonados por quienes llevaban una rama de vid.

Tipodeforicas: entonadas por 2 personas que cargaban tripodes.

El sistema musical se nutrio de los principios de Pitagoras.
Los antiguos griegos dividian el marco melodico en 2 cuartas. En las celebres fiestas
nacionales se organizaban procesiones en las cuales se danzaba y cantaban
ditirambos.
En las representaciones teatrales el coro era un personaje importante en las tragedias
griegas.
La musica en Roma

Roma conquisto militarmente a Grecia pero el vigor y el esplendor de la civilizacion

griega domino al nuevo imperio. Las artes, las ciencias, la filosofia pasaron a integrar el
pensamiento romano.
La tragedia y la musica griega se afincaron en la peninsula desarrollandose a la manera
romana, tomando caracteristicas que en muchas oportunidades desvirtuaron el
significado estetico que la musica habia alcanzado entre los griegos.
En Roma tuvieron gran auge las fiestas musicales consistentes en brillantes cortejos
formados por centenares de musicos y coros inmensos que recorrian la ciudad.
De todos los ambitos del Imperio acudian a Roma los musicos virtuosos, verdaderos
showmen a quienes interesaba brindar un espectaculo lleno de excentricidades. Habia
celebres artistas que se hacian pagar muy bien y que llevaban una vida de lujo. Entre
los mas famosos sobresalieron los griegos como Terpnos, gran citarista y maestro de
Neron, Polon, etc.
En los teatros romanos edificados a la manera griega se comenzo a reperesentar
comedias, siendo los principales autores Plauto y Terencio.
La Tragedia no tuvo mucha aceptacion su principal cultor fue Seneca. Entre las obras
del filosofo quedaron algunas como Medea, Las Troyanas y Agamenon.
Los romanos utilizaron instrumentos de distintos pueblos de la antigedad. Roma tuvo
bajo su poder a pueblos enteros que a su vez aportaron sus tradiciones al mundo
romano.
Los instrumentos solistas mas importantes fueron: la lira, la citara, el aulos, el oboe, el
cerni, tambien los platillos y los timbales.
El pueblo romano se preocupo por la musica y el lenguaje, por ejemplo, algunos
oradores estaban acompaados por un flautista.
Desarrollo de la musica en el Lejano Oriente
La musica en China:
En China el emperador Shih Huang-Ti fue quien ordeno la destruccion de todos los
libros. Todo lo que se sabe del pasado de China se sabe por leyendas o por la
enseanza oral de los sabios que preservaron la antigua cultura.
La musica en China atrajo a viajeros occidentales que visitaban ese pais anciosos de
novedades. Los chinos diferenciaban las notas de la musica, las notas eran para los
hombres ordinarios , la musica a los hombre sabios.
Linr-luen, de profesion sabio, invento la teoria musical china, una teoria tan perfecta
que ha servido hasta nuestros dias.
Creo la gama china, cortando caa de longitudes bien calculadas y soplando en su
interior.
Los chinos formaron la escala que los europeos llamaron cromatica, descubierta por
el maestro de musica de Hoan-Ti.

Inventaron instrumentos con diferentes materias primas y los dividieron en 8 grupos:

piedra, metal, seda, bambu, madera, cuero, calabaza y tierra.
Entre los instrumentos de viento estan las flautas de Pau, la flauta de bambu con
orificios, las flautas traversas y las trompetas. Entre los de cuerda estaba el Kin, el Che,
el Pi-pa.

La Musica en Japon
La teoria musical y los instrumentos utilizados en Japon eran provenientes de Corea,
que a su vez, los habia incorporado desde China. A pesar de esto el refinamiento
musical japones alcanzo un nivel superior al chino.
Los instrumentos favoritos japoneses eran: el koto, el Yamato-goto y el Yamato-bue. En
los casos de acompaamiento musical no acostumbraban a hacer sonar
simultaneamente la voz y el instrumento.
Existian diferentes generos musicales: el Bagaki para ceremonias del emperador, el No
para la musica de fondo en actos de teatro, el Ko-uta para la musica folclorica y el
Noga-uta para la musica seria.
La musica en la India
La India por su situacion geografica alejada de Europa no dio a conocer su musica
hasta despues de varios siglos. El carcter de la musica india se encuentra mas
cercana a la musica occidental que a la china y japonesa. Sus rasgos principales son
de origen mitologico, predomina el compas ternario y la division cromatica de la escala.
Igual que en la China las notas de la escala tenian cierta relacion con los individuos.
La teoria musical tenia como base la raga (forma melodica), el cual al modificar sus
ritmos permitia nuevos cantos. Las ragas representaban colores, estados del alma, etc.
La musica vocal e instrumental de India tenia variadas aplicaciones, en la religion, en
palacios, entre gente humilde, etc.
Algunos de sus instrumentos fueron:

De arco: ravanastia, ravana y amurita.

De viento: flautas, oboes, cornamusas y trompetas.

De percusion: campanas, platillos, panderos y tambores.

La musica en Israel
La musica en Israel era un elemento inseparable del culto.

Pentateuco: el caso de Laban

Genesis: que cita instrumentos musicales.

Exodo: el canto oral.

Algunos instrumentos usados por el pueblo de Israel fueron:

Cuerdas: las lisas y citaras. Salterios de 13 cuerdas, arpa egipcia de 10

cuerdas, tambien llamada Arpa de David.

Viento: flauta simple, cueron de carnero.

Percusion: tambores, cimbolos, y castauelas.

La musica en la Edad Media
La musica en la edad media se divide en el Periodo Patristico (hasta el ao 840). En el
Romantico (ao 840 hasta el ao 1250 en el siglo XII).
En el Gotico (1250 a fin de la edad media y 1453, fines del siglo XV).
En el Periodo Patristico aparecio la Era Cristiana y la Era Media, en esta ultima la
historia de la musica se encuentra intimamente ligada a la forma en que se desarrollo la
liturgia cristiana, ya que se consideraba a la musica el vehiculo por medio del cual los
sacerdotes elevaban la palabra a Dios.
Las diversas formas musicales utilizadas en la liturgia cristiana debieron enfrentar la
existencia de textos y melodias profanas que trataron de penetrar en los oficios
religiosos.
Los personajes de la musica profana dedicados a la disposicion de esta musica fueron:

Juglares: musicos ambulantes y plebeyos que divertian en fiestas y

castillos.

Los Trovadores: pertenecian a la nobleza y eran musicos y poetas que

inventaban rimas y ritmos.

Los Bardos: antecesor de los trovadores que cantaban proesas de sus

heroes valiendose del laud.

Los ministeriles: verdaderos productores musicales que administraban

musica y formaban corporaciones o gremios dedicados a brindar
espectaculos musicales.
En el ao 374 a 397 San Ambrosio reunio aquellos signos que debian ser aceptados en
un credo antifonario naciendo asi el Canto Ambrosiano.

En el 540 al 604 San Gregorio Magno recopila himnos eliminando los que tenian origen
popular o pagano, dando nacimiento al Canto Gregoriano.
Desde su nacimiento la musica cristiana fue una oracion que se tenia que cantar con
devocion tal como lo decia San Pablo Cantando a Dios con vuestro corazon, asi pues
el texto es la razon de ser del canto gregoriano ya que el que canta reza dos veces.
La melodia del canto gregoriano asimila 3 estilos diferentes:

El Silabico: cada nota representada por una silaba.

El Neumasico: una misma silaba corresponden a 2, 3 4 sonidos

diferentes.

Las Secuencias: intercalacion de un texto en las notas del aleluya.

El texto es el que da sentido a la melodia y no se puede concebir el canto gregoriano
sin texto, lo que quiere decir que al interpretar el canto gregoriano, los cantantes han
tenido que entender muy bien el sentido del texto.
Esta musica se canta a capella sin acompaamiento instrumental, se canta al unisono o
lo que es lo mismo todos los cantores entonan la misma melodia.
A esta forma de canto se le llama Monodia. Se canta con ritmo libre.
Notacion Gregorianas:
Notas simples

Virga

Punctum Quadratum

Neumas Simples

Punctum Inclinatum

Pes (podatus)

Clivis

Torculus

Porrectus

Climacus

Scandicus

Salicus

Neumas compuestos

Se forman por la unin de neumas simples por una sola slaba

Flexus: cuando se complementan con notas descendentes

Resupini: cuando se complementan con notas ascendentes

Praepunctis o subpunctis segn contengan notas antes o despus:

Praepunctis

Subpunctis
ALTURA DE LOS SONIDOS

La altura de los sonidos viene indicada por la colocacin de las notas al tetragrama con
la posibilidad de utilizar lneas adicionales inferiores y superiores.

Las claves utilizadas son de Do (C) y FA (F) que pueden estar en 2. 3. o 4. lnea.

Clave de DO (C)

Clave de FA (F)

La extensin posible de los sonidos es:

SIGNOS DE PAUSA.

Los signos de pausa, originados por la estructura del texto, son:

a) Lnea divisoria mnima, que separa los incisos o partes menores en que se divide el
texto; no implica respiracin.
b) Lnea divisoria menor, que separa los miembros de la frase. No son ms que incisos
de ms amplitud. Casi siempre implica respiracin.
c) Lnea divisoria mayor que separa les frases: Equivale a un silencio con una durada
de nota simple y obliga a respirar.
d) Lnea divisoria doble, que indica ms sentido conclusivo o tambin final de la
composicin, equivale a silencio de nota simple, a veces un poco ms prolongado.

OTROS SIGNOS

E1 guin es un signo que va al final de cada tetragrama, para indicar que nota es la
inicial.

El si bemol

El canto gregoriano es msica modal, se utilizan varias escalas o modos de sonidos

muy particulares, sirven para despertar diferentes sentimientos como: alegra, tristeza,
serenidad, etc. Esto es consecuencia de la colocacin de los semitonos dentro de las
escalas.

Guido D'Arezzo dijo: El primero es grave, el segundo es triste, el tercero

mstico, el cuarto armonioso, el quinto alegre, el sexto devoto, el sptimo
anglico, y el octavo perfecto.

Adn de Fulda los comenta: El primer modo se presta a todo

sentimiento, el segundo es apto para las cosas tristes, el tercero es
vehemente, el cuarto tiene efectos tiernos, el quinto conviene a los
alegres, el sexto a los que tengan piedad, el sptimo pertenece a la
juventud y el octavo a la sabidura.

Juan de Espinosa, autor del siglo XVI, comenta: El I es alegre y muy

hbil para suavizar pasiones de animo...; grave y llorn es el II, muy
apropiado para provocar lagrimas...; el III es muy eficaz para incitar la
ira...; mientras que el IV coge toda la alegra y incita a gozar de las
cosas...; el V causa alegra y placer a los que estn tristes...; llorica y
piadoso es el VI...; placer y tristeza se renen en el alegre VIII...
LOS MODOS GREGORIANOS

La nica escala diatnica que se utiliza en el Canto Gregoriano, es:

No todas las melodas cogen toda la extensin: algunas se mantienen en la octava

inferior (de La a La), otras en la central de (Mi a Mi) y otras en la superior (de Sol a La).
En cada una estas octavas, los SEMITONOS a ms o menos distancia de la nota final,
con lo cual tenemos un elemento fundamental para entender los Modos.
Para los Greco-romanos, la octava que conocemos hoy en da no exista. Eran ms bien
dos tetracordos separados:

Do, re, mi, fa

sol, la, si, do.

El Tetracordo es considerado como la base modal, el primer elemento completo o

ncleo generador de toda la meloda.
Las escalas tienen una quinta central a partir de la nota tnica, llamada tambin final,
ms tres sonidos, que pueden estar en la parte superior, y en este caso se llaman
modos autnticos (agudos), o en la parte inferior, y entonces se llaman modos plagales
(o graves).

El nombre de los modos son:

Existe una tnica en la cual, si bien no siempre comienza la meloda, normalmente

acaba y descansa. Las tnicas pueden ser: Re, Mi, Fa y Sol. A ms a ms en cada modo
hay una nota Dominante, llamada as porque la meloda se mueve sobre ella con relativa
frecuencia, les dominante son:

MODO
DOMINANTE

La meloda es silbica si a cada slaba del texto le corresponde un sonido y es

melismtica cuando a una slaba le corresponde varios sonidos.
Hay melismas que contienen ms de 50 sonidos por slaba. El texto es en latn, lengua
del Imperio romano y extendida por Europa, los textos se cogen de los salmos, del
Antiguo Testamento, de los Evangelios y otros eran de inspiracin propia,
generalmente, annima.
El canto gregoriano est escrito sobre tetragramas, es decir sobre 4 lneas, las notas se
denominan punto cuadrado (punctum) o virga si aparecen solos, o neumas si aparecen
agrupados.

EL ESCENARIO DEL CANTO GREGORIANO

El canto gregoriano naci para ser interpretado dentro de la Liturgia de la Iglesia, la

Liturgia es su escenario natural.

La Misa.

1.La Misa: En la celebracin de la Eucarista hay dos grupos principales de piezas:

a) El ordinario: Est formado para textos que se repiten en todas las Misas.
- Kyrie Eleison
- Gloria in excelsis Deo
- Credo
- Santo y Benedictus
- Agnus Dei

b) El Propio: Est formado por piezas que se cantan segn el tiempo litrgico o
segn la fiesta que se celebra.
- Introito: canto de entrada para iniciar la celebracin
- Gradual o Aleluya o Tracto: despus de las lecturas
- Ofertorio para acompaar la procesin de las ofrendas
Comunin

o
La Polifonia.

Hacia finales del siglo IX y principios del X se procucen 2 hechos de gran trascendencia
desde el punto de vista musical nacidos para dar mas riqueza al canto gregoriano:

Los primeros indicios de polifonia.

Los tropos y las secuencias.

La polifonia era una nueva tecnica musical resultante del cruzamiento de varias voces,
segn reglas y esquemas armonicos. La musica polifonica tuvo origen en el canto
gregoriano, o sea que el tema de un canto liturgico se tomaba como base
superponiendole otro nuevo.

El Organum: forma mas antigua de la polifonia que se conoce y tiene por

base la superposicion de voces a distancia de cuartas o quintas.

El Discantus: las voces o melodias realizaban movimientos contrarios en

lugar de movimientos directos.

El Conductus: con su aparicion los compositores tienen una mayor

libertan en su creacion, sin sujetarse a la melodia base.

El Gymel: las voces o melodias se movian en distancia de terceras

solamente comenzando y concluyendo en el unison.

El Faux-bordon: procedimiento musical en el cual las voces se disponian

en intervalos de tercera y sexta.
Con la aparicion del conductus y con los organums de perotin ue ya tienen cuatro
voces, se habren caminos a nuevas combinaciones de polifonia medieval hasta
culminar en la forma del Motete. La palabra Motete deriva del frances Mot (texto).
La voz principal es el tenor y se va renovando con las otras voces con variantes y
diversos desarrollos.
Es condicion escencial del motete que sus voces canten simultaneamente al menos
dos letras.
Aunque nacio de la liturgia poco a poco se va aliando cada vez mas con los razgos
melodicos de las canciones de los trovadores, marcando asi la primera aparicion de un
arte polifonico profano lleno de vida.
La lengua empleada en el motete era el latin para el teros y otras dos voces en frances.

La musica en el Renacimiento

El termino Renacimiento no es muy adecuado para la musica ya que no hay ninguna

rutura con la etapa anterior si no una evolucion estilistica; es mas bien un termino
cronologico que nos sirve para hablar de la musica de los siglos XV y XVI.
El espiritu del renacimiento nace en Francia y se extiende hacia Italia. A partir de la
primera mitad del siglo XV se olvida el espiritu feudal. Los pintores descubren la
perspectiva, los arquitectos dejan que entre la luz en las casa, y se construyen calles y
plazas como si estuvieran pensadas por los poetas y musicos.
Los artistas del renacimiento trabajan para ser perfectos en su ciencia.
Pero que renace?, lo que se pretende renacer es la civilizacion antigua despues de un
largo periodo de barbarie tambien llamado edad media.
El hombre vuelve a mirarse a si mismo, a la naturaleza que lo envuelve y a buscar las
fuentes de la cultura clasica.
Los centros de produccion artistica ya no son los monasterios si no los circulos
artisticos, las cameratas, alrededor de las cortes de los nobles que se convierten en los
grandes centros de las artes.
La imprenta existia desde hace medio siglo pero todavia no se habia conseguido
imprimir musica de buena calidad para poderla comercializar.
Va a ser durante el ao 1501 cuando se va a publicar por primera vez una coleccin de
94 obras polifonicas. Esta etapa va a ser muy importante en la historia de la musica.
En Italia, Francia y los Paises Bajos, se publican numerosos libros de musica.
Unos de los primeros musicos del renacimiento fue Guillaume Duffay, despues de l, el
siguiente gran genio de la musica es Josquin des Prs. Su importancia musical a travez
de los siglos es tan solo comparable con la de Mozart.

La musica que se publica es la de Josquin y la de sus contemporaneos, tambien sus

canciones. No son canciones como las de hoy dia, si no canciones polifonicas y
algunas tan complejas como las misas.
Como no todo el mundo es capaz de interpretar esta musica y como a la mayoria de los
aficionados les gustaria tocar esta musica, ellos solos, se publican arreglos para laud,
o para una sola voz acompaada de laud.

Laud
Gracias a la musica impresa el siglo XVI es la epoca de la historia en la que ha habido
mas numero de buenos musicos aficionados. En las clases acomodadas, que
desgraciadamente son las unicas que pueden comprar estos bonitos y caros libros, la
musica forma parte obligatoria de la cultura general. Todo el mundo sabe cantar o tocar
uno o dos instrumentos y tambien desifrar la musica. Cuando sus amigos vienen a
cenar se les invita a formar parte de la orquesta familiar.
Los pobres compositores no se hacen ricos y la musica no es un objeto que se venda
como si fuera un cuadro. El salario anual del musico mas grande ni siquiera iguala el
precio de una obra de un pintor ilustre.
A pesar de esto algunos musicos se hacen famosos gracias a la edicion de su musica,
este es el caso de Clement Janequin, director del coro de la catedral d'Angers, quien se
dio a conocer por sus numerosas canciones francesas. Algunas son faciles y bonitas

como canciones populares y otras son verdaderas escenas animadas a cuatro o cinco
voces por ejemplo La Guerre.
Durante la segunda mitad del siglo XVI los italianos dominaban el mundo artistico. El
Madrigal era sinonimo de cancion a Francia. Es musica de camara, tan solo para unos
cuantos cantores e instrumentistas, todos sentados alrededor de una mesa. No es
musica coral.
El mas grande de los compositores italianos es sin lugar a dudas Claudio Monteverdi.
Su genio sobrepasa todos los modelos y hace brillar la polifonia. Va a ser al mismo
tiempo el mejor compositor tradicional y el mejor compositor de vanguardia de su
tiempo.
Los ultimos libros de Madrigales que compuso son fascinantes, algunos son cantatas y
escenas de opera.
Con el siglo XVI la musica polifonica llega a su cima, con una inaudita complejidad y
perfecta armonia. No obstante a fuerza de ir ligando las voces ya no se entienden las
palabras. Los poetas de la musica tienen la impresin de cansarse para nada.
Algunos compositores como Josquin des Pres, Orlando de Lassus, Giovanni
Palestrina, Tomas Luis de Victoria escribieron misas y motetes que son la culminacion
del arte del Renacimiento
Johann Sebastian Bach (1685-1750), fue un musico aleman, quien fue como todos los
musicos de su tiempo, logado a los principes de las pequeas cortes alemanas. Bach
no pudo imponerse como compositor ya que se le consideraba un virtuoso del organo.
Las bases de su tecnica musical se hallan en el aprovechamiento de todos los logros
anteriores, y especialmente en el enriquecimiento de la antigua polifonia: la fuga llega a
su punto culminante.
La musica en el Romanticismo
La palabra Romantico comenzo a utilizarse hacia mediados del siglo XVI. En los ultimos
aos del siglo XVII, comienza como una reaccion contra el clasisismo.
Dentro de los conceptos de un alto idealismo, el romanticismo no solamente acepta si
no alienta la sobreposicion de extremos opuestos: amor a la soledad del individuo y a
la vez amor al projimo; un disfrute de lo exotico junto a una nostalgia por lo familiar;
una aficion a lo novedoso y al desarrollo junto con ansia por el pasado.
El romanticismo es claramente universal y de todo los tiempos y no puede limitarse a
solo un periodo de la historia. Por una parte, la nueva sociedad del siglo XIX, hija de las
ideas de la revolucion francesa, desea liberarse del pasado y, asi, conseguir un arte que
exprese el comportamiento y las ideas de su tiempo.
A medida que avanza el siglo XIX, hay una gran influencia, que va creciendo, cada vez
mas, de la literatura en la musica: en Alemania los poemas de Wolfgang Von Goethe y
Friedrich Von Schiller, fueron utilizados por Schubert, Schumann, Brahms, etc, para
producir una de las manifestaciones musicales-poeticas mas importantes de todos los
tiempos, el Lied Aleman. Asimismo escritores franceses y britanicos fueron los
inspiradores de diversas obras de Beethoven, Berlioz, Verdi y otros.

El romanticismo supone el desarrollo de los nacionalismos. Esto se nota en la

acentuacion de las diferencias entre los estilos musicales nacionales, y llego a
venerarse a la cancion popular como expresion espontanea del alma naicional.
Tambien aparece el drama musical. Hay un sentido profundo y definitivo del colorido
sonoro, lo que permitira enriquecer el vocabulario musical con los medios que
transformaran y ampliaran el arte sinfonico de los tiempos modernos.
El siglo XIX sera el siglo del Piano, gracias a sus posibilidades polifonicas, sonoras y
de virtuosismo extraordinario.
El Lied
Los razgos romanticos comenzaron a aparecer en el Lied Aleman hacia fines del siglo
XVIII. Se desarrolla un tipo nuevo de cancion, la balada (poemas largos que alternaban
la narracion y el dialogo con historias llenas de aventuras). La influencia de la balada
tuvo por efecto la expansin del concepto de Lied, tanto en su forma como la amplitud
y fuerza de su contenido emocional. La parte de piano se elevo de simple
acompaamiento a una posicion de acompaante de la voz. Hacia comienzos del siglo
XIX el lied, se habia convertido en un vehiculo apropiado para el maximo despliegue de
facultades de cualquier compositor.
El caso de Franz Peter Schubert (1797-1828), es unico en la historia de la musica. Antes
de cumplir los 20 aos ya habia escrito 8 operas y 4 misas. Su produccion es enorme:
se le conocen 1270 obras compuestas: 9 sinfonias, 22 sonatas para piano, unas 35
obras de camara, 6 misas, 17 obras del genero operistico y mas de 600 Lieder.
Ludwig Von Beethoven(1770-1827), compositor aleman, de gran importancia en la
musica. Su carcter arisco e independiente le hacia vivir replegado en si mismo su
pesimismo se refleja en el testamento de Heiligenstadt, Beethoven escribio musica
instrumental, vocal y para el teatro, entre sus obras mas destacadas se encuentran la
Sinfonia nro 3 llamada Heroica, la nro 6 llamada Pastoral, La misa Solemnis y otras
muchas obras, hasta un total aproximado de 260. Con Beethoven la musica deja de ser
una diversion aristocratica y se dirige al conjunto de la humanidad.
Robert Schumann (1810-1856), este compositor aleman fue uno de los maximos
exponentes del movimiento musical romantico del siglo XIX.
Una lesion en la mano derecha desbarato su carrera como concertista de piano. Se
dedico entonces a la composicion y a escribir sobre musica.
La musica para piano de Schumann, aunque dista de ser facil de ejecutar, jamas trata
de impresionar al oyente mediante su bravura. Su musica encarna mas plenamente que
la de cualquier otro compositor, las profundidades, contradicciones y tenciones del
espiritu romantico. Sus obras para pianoson colecciones de piezas cortas en las que
una pequea idea deriva en la creacion de toda la obra a travez de una sencilla
organizacin; ejemplo de estos son: Mariposas, Escenas de Nios y Album para la
juventud.
Federico Chopin (1810-1849), compositor y pianista polaco, considerado como uno de
los mas grandes compositores de musica para piano. Comenzo a estudiar piano a los 4

aos. Tambien fue precoz como compositor, donde destaco con sus piezas cortas tales
como: Mazurkas y Polonesas.
Chopin, a cada pieza, por corta que fuera, le dedicaba extrema atencion, asegurandose
de que cada nota tuviera una funcion y significado especificos.
Musica de Camaraca
Felix Mendelssohn (1809-1847), este musico demostro ser un genio precoz, a los 16
aos Mendelssohn produjo sus primeras obras: el rondo capricioso para piano y el
octeto para doble cuarteto de cuerda, al ao siguiente, Sueo de una Noche de
Verano. La obra que contiene su famosa marcha nupcial la compuso 17 aos despues.
Como pianista y director realizo giras por Europa, sobre todo por Inglaterra. Trabajo
como director musical.
Cesar Franck (1822-1890), compositor y organista nacido en Belgica, donde estudio en
el conservatorio, para pasar luego al de Paris, donde realizo toda su carrera musical.
Su obra se caracteriza por el uso de las formas clasicas, entre ellas la sinfonia y las
sonatas. Franck fue el fundador de la musica de camara francesa moderna y su
principal obra en este terreno, es la muy conocida sonata para violin en La mayor.
El poema Sinfonico
Franz Liszt (1811-1886), pianista y compositor de origen hungaro, fue el precursor del
recital para piano, tal como lo entendemos hoy, en el que un solo artista toca una
velada completa. Recorrio Europa en gira de conciertos y consiguio una fama sin
precedentes. Fue director musical, maestro, compositor, incluso llego a estudiar
teologia.
El nombre de poema sinfonico es significativo: estas obras son sinfonicas, pero Liszt
no las denomino sinfonias, quizas por que son breves y no estan divididas en
movimientos separados en un orden convencional.
Sus mas conocidos poemas sinfonicos son: Orfeo, y Hamlet.
Su obra maestra, la sinfonia de Fausto, consta de 3 movimientos, con un final para
tenor solista y coro masculino.
La Sinfonia
Johannes Brahms (1833-1897), compositor de origen aleman, cuyas obras combinan lo
mejor de los estilos clasico y romantico. Brahms era especialista en el piano. Su
principal interes como compositor comenzo por concentrarse en el piano.
El enfocaba la composicion de una sinfonia con gran cuidado y reflexion. Sus sinfonias
son clasicas en varios aspectos, estan expuestas de 4 movimientos.
Las sinfonias son romanticas en su lenguaje armonico y en su sonoridad orquestal,
plena y multicolor.
Hector Berlioz (1803-1869), compositor frances, quien a lo largo de su vida hizo varias
giras por Europa y Gran Bretaa, como director de orquesta. Fue maestro de toda una
generacion de musicos y se convirtio en el primer director de orquesta virtuoso.

Berlioz enriquecio la musica romantica con nuevos recursos de armonia, timbre,

expresion y forma.
La opera en el siglo XIX
Francia
La Grand Opera
A partir de 1820, nacio un nuevo tipo de opera, destinado a atraer a los publicos
relativamente incultos que llenaban los teatros en busca de emociones y
entretenimiento. Los rasgos fundamentales de La Grand Opera quedan delineados asi:

Argunmento historico no aulico: con fuertes vetas romantico-populares.

Trama policentrica: variedad de situaciones, e incluso de estilos.

Grandiosidad orquestal y coral.

Duracion de la opera de 5 actos.

Costumbre de acabar el penultimo acto con un falso final feliz.

Concluir el ultimo con el final tragico.

La Opera Comique
Este tipo de opera, siguio su curso en Francia durante el periodo romantico, la
diferencia entre la gran opera y la opera comique fue que la segunda utilizaba el dialogo
hablado en lugar del recitativo, y en que era menos ambiciosa: exigia menor numero de
cantantes instrumentistas, y estaba escrito en un lenguaje musical mas sencillo.
La Opera Lirica
La opera lirica, era el tipo romantico de la opera comica. Su atractivo principal se ejerce
a travez de la melodia, su tema es el drama o las fantasias romanticas.
George Bizet (1838-1875), fue un compositor frances muy conocido por sus operas. Una
de las mas famosas es Carmen. Esta opera ejemplifica un rasgo que recorre todo el
periodo romantico, el del exotismo.
Italia
A pesar de la enorme repercusion de Beethoven en la musica instrumental, durante los
primeros aos del siglo XIX, es la opera italiana la que domina Europa. La distincion
entre opera seria y opera buffa se mantuvo con bastante claridad hasta muy entrado el
nuevo siglo.
Dentro de este ambiente, la figura mas resaltante es la de Giaccomo Rossini (17921868).
Su fama crecio por toda europa. En su musica se fusionan la expresion lirica y la
necesidad dramatica, con melodias cristalinas, una instrumentacion orquestal llena de
colorido y un ritmo contagioso.

Rossini utilizo el bel canto para crear melodias alegres de gran brillantes y emotividad.
Algunas de sus operas mas famosa son: El Barbero de Sevilla, La Cenerentola, etc.
Uno de los compositores italianos mas prolificos del segundo cuarto del siglo
fue Gaetano Donizzeti (1797-1848). En general sus operas comicas resisten mejor que
las serias, las pruebas del tiempo. El carcter rudo, primitivo e impulsivo de su musica,
se adapta muy bien a la reprensentacion de situaciones crusdas y melodramaticas,
pero sus obras resultan frustradas con harta frecuencia por la monotonia de su
armonia, su ritmo y su orquestacion.
Dentro del mismo genero, surgio en Italia otro gigante que llevo a la opera a una nueva
cuspide: Giuseppe Verdi (1813-1901). Su trayectoria constituye practicamente la historia
de la musica italiana, en la primera fase de su vida musical, se manifiesta el don de
Verdi para producir melodias conmovedoras y crear situaciones tragicas y heroicas. En
su segundo periodo produjo 2 operas de importancia: Macbeth y Luisa Miller.
En su tercera fase se traslada a Paris, donde compone gran cantidad de operas. Con
Aida, cierra esta tercera fase de creatividad. Con la famosa Otello abre su cuarta y
ultima fase.
Verdi transformo la opera italiana y actualmente sus operas se encuentran entre las
mas representadas en todo el mundo.
Alemania
Una de las caracteristicas del siglo XIX, fue la fuerte influencia mutua ejercida entre la
musica y la literatura, y puesto que Alemania era el pais en que el romanticismo florecio
con mayor intensidad, algunos de los desarrollos y ramificaciones mas importantes de
todo el movimiento se exhiben en la opera alemana.
El compositor mas destacado de la opera alemana y una de las figuras mas importante
en la historia de la musica del siglo XIX fueRichard Wagner (1813-1883). La importancia
de este compositor es triple: llevo a su maximo la opera romantica alemana; creo una
forma nueva, el drama musical; y el lenguaje armonico de sus ultimas obras llevo hasta
el limite las tendencias romanticas.
En Tristan und Isolde, el desarrolla un estilo orquestalmente mas rico, melodicamente
mas cromatico, y logra una tension armonica nunca antes alcanzada en la musica.
La obra de Wagner afecto a toda la opera subsiguiente. Por encima de todo, su musica
se impuso por que, era capaz de sugerir, suscitar o crear en sus oyentes un estado total
de extasis.
Postromanticismo
Los finales del siglo XIX, y los comienzos del siglo XX fueron testigos de las ultimas
etapas del romanticismo, y de la transformacion del lenguaje romantico en el nuevo
lenguaje musical. Este movimiento se produjo principalmente en Alemania. Sin
embargo dos fuerzas desafiaban la posicion musical en Alemania. Una era el
nacionalismo, y la otra era el surgimiento de una nueva escuela de composicion en
Francia. Los ultimos 30 aos del siglo XIX fueron relativamente pacificos en Europa, el
comienzo del siglo XX se caracterizo por un creciente desasosiego social y un aumento
de la tension internacional (La Primera Guerra Mundial).

En el reino de la musica hubo tensiones e inquietudes similares, y durante estos aos,

concluyo el periodo clasico-romantico.
Uno de los rasgos caracteristicos de este periodo en Alemania fue una resurreccion del
interes por la opera sobre el cuento de hadas.
Richard Strauss (1864-1949), compositor y director de orquesta aleman, y uno de los
orquestadores y polifonistas modernos mas excepcionales. Su obra puede dividirse en
3 periodos: en el primero creo su Sonata para violoncello y piano.
En el segundo periodo perfecciono el poema sinfonico y creo su famosa obra Don
Juan, al tercer periodo pertenecen sus operas Salome y Electra.
La Musica en el Siglo XX
Para comprender la musica en el siglo XX, es importante acercarse primero a la del
siglo XIX, y en especial a una corriente llamada impresionismo. Esta corriente supone
una autentica liberacion, se va a luchar por una musica mas individual y personal,
saliendose para ello de las normas establecidas, la musica impresionista pretende
destacar el impacto que provoca la obra al ser escuchada. Se aplican nuevos acordes,
colores y sonoridades. En esta musica el sonido va a constituir el alma de la musica.
Claudde Debussy (1862-1918), genero ideas completamente nuevas en la forma, la
orquestacion y fue uno de los renovadores mas eficaces de la historia de la musica en
el mundo occidental.
A partir de la ruptura que supuso el impresionismo, el panorama artistico europeo, lo
mismo en arte que en musica va a cambiar enormemente. Cada musico tiende a crear
su arte independiente, ademas los diversos estilos se iran sucediendo a gran velocidad.
Igor Stravinsky (1882-1971), una de las figuras mas importantes del siglo XX. Toco en
su obra los aspectos mas variados, investigo en todos los aspectos de la musica, se
subio al carro del neoclasicismo donde trata de acomodar su musica a la de la finales
de barroco.
Si hay algo que caracteriza al sigloi XX es la ruptura con la tonalidad Atonalismo.
Esta regla consiste en crear una musica completamente distinta, obviando las reglas
que rigieron durante siglos de seirse a una tonalidad. Primero se rompe con la
armonia, luego con la melodia, el ritmo y con todo lo establecido.
Bela Bartok (1881-1945), musico hungaro, es uno de los musicos que mas va a influir en
la musica del siglo XX. Bartok consigue unir la musica moderna con la tradicional,
creando un lenguaje nuevo.
Mientras tanto en Italia aparecen una serie de musicos que incorporan a su musica,
nuevos objetos sonoros: la incorporacion de ruidos. Esta corriente se llamo Futurismo
y afecto tanto a la musica como a la literatura y al arte. El futurismo pone como punto
de partida el ruido, no el sonido.
En Francia mientras tanto, surgio paralelamente el Bruitismo (del frances Bruit, ruido),
que parte de ese mismo punto.
La musica despues de la Primera Guerra Mundial

Despues de la 1ra Guerra Mundial, surge una nueva actitud que domina el campo
artistico en las siguientes dos decadas. Sus caracteristicas son la claridad, la
objetividad y el orden. Surge un deseo de evitar los excesos del romanticismo tardio o
postromanticismo.
Algunos de los mas importantes musicos de esta epoca fueron: el musico ruso
Stravinski y el musico aleman Schoenberg.
Entre los musicos ingleses con mas talento que surgio en la decada de los 30's se
encontraba Britten, quien desarrollo su estilo, caracterizado por un eclecticismo claro,
con una tecnica muy segura y expresiva.
En Estados Unidos, los aos que siguieron a la 1ra Guerra Mundial, fueron testigos de
la aparicion de la primera generacion de compositores nacidos en su pais, entre ellos
se destacan Coppland, que recibe las influencias directas del jazz y Vareze, que se
intereso por introducir sonidos nuevos en sus composiciones.
En America Latina, la musica estuvo influenciada por la tradicion cultural europea.
Fue a finales del siglo XIX, cuando comienza a aparecer una musica latinoamericana
por si misma. Casi todos los compositores latinoamericanos comenzaron como
nacionalistas y poco a poco introdujeron en su musica las influencias de la musica
europea.
Entre sus maximos representantes estan Villalobos, Chavez, y Ginastera.
La Musica despues de la Segunda Guerra Mundial
Una de las caracteristicas de esta guerra fue la creacion de 2 bloques internacionales y
antagonicos, el comunismo sovietico frente al capitalismo de EE.UU.
Este turbulento contexto historico, tendra gran repercucion en la actividad artistica de
la post-guerra; la mas inmediata la emigracion de muchos e importantes musicos desde
Europa a EE.UU. lo que convertira a este pais en el centro de la musica y del arte
occidental.
La musica experimenta un desarrollo muy rapido y si en la decada de los 50's
predominan solo 2 tendencias: el serialismo y la indeterminacion, en los 60, surgen el
minimalistmo, la musica textural, la etnica, la ambiental, etc...
Por fin una caracteristica importante del desarrollo cultural y musical a partir de la
segunda guerra mundial, sera la inexistencia de una estetica central, ademas el
desarrollo de estas culturas no comunes propisiara a un desarrollo individualista y a la
desconeccion total.
El espiritu composional de la post-guerra, supondra un gran aislamiento entre el
compositor y el publico. Ahora todo se basa en una secuencia de proporciones
melodicas, de duracion y soloridades.
La indeterminacion es uno de los desarrollos musicales mas significativos que
aparecen tras la segunda guerra mundial, y se basa en la utiliacion intencionanda de la
casualidad en la composicion y/o interpretacion. Muchos de los musicos de esta
corriente tenian la conviccion de que la musica carecia de proposito, de esta forma

podian crear estructuras musicales lanzando por ejemplo monedas al aire, o utilizando
las cartas de navegacion de cualquier barco.
Desarrollo en la Tecnologia
Musica Electronica
La primera manifestacion de la musica asistida por medios electronicos es la musica
concreta. Esta musica parte del ruido o de los sonidos naturales, al igual que el
futurismo.
En 1952, se crea en Alemania el primer estudio exclusivo de musica electronica. Esta
musica esta exclusivamente creada con sonidos producidos electronicamente y parte
de lo que se llama tono sinusoidal, un sonido puro, sin armonicos, que es fisicamente
desagradable y que hay que elaborar con aparatos muy complicados.
Entre las primeras obras puramente electronicas encontramos Study I y II del
compositor aleman Stockhaussen.
Sin embargo la musica electronica creo descontento en los compositores desde el
principio ya que aunque permitia un contro exacto y una presicion absoluta sobre la
obra, este resultaba pobre y parecia carecer de vida. Por ello, muchos compositores
unieron la musica concreta y la electronica, para crearun genero que goza desde gran
popularidad desde entonces y hasta hoy en dia, la musica electroacustica.
El vertiginoso desarrollo de la tecnologia a partir de la 2da guerra mundial traera como
fruto la incorporacion de sintetizadores y a la musica creada por computador o musica
cibernetica.
En nuestros dias, el panorama musical mundial se caracteriza por un pluralismo
cultural y por la irrupcion de las culturas y musicas populares en la vida diaria de
todos.
El abismo entre compositor y publico es hoy mas acusado que nunca y la musica
culta parece haberse distanciado de los gustos y preferencias del publico, mas
interesados por las musicas mas populares y cercanas, tales como el rock el pop, etc...
A pesar de todo esto no parece probable un cambio de la magnitud que la musica viene
experimentando a lo largo de todo el siglo XX.
Para que la musica cambie, parece que antes el mundo debe cambiar de nuevo...
Indice
Introduccion

La Prehistoria y las Civilizaciones Antiguas.

La musica en Egipto.
La musica en Grecia.
La musica en Roma.
Desarrollo de la musica en el Lejano Oriente.

 La musica en China.
La musica en Japon.
La musica en la India.
La musica en Israel.
La Musica en la Edad Media.

El Canto Ambrosiano.
El Canto Gregoriano.
La Polifonia.
La musica en el Renacimiento.

Johann Sebastian Bach.

La musica en el Romanticismo.
El Lied.

Franz Peter Schubert.

Ludwig Von Beethoven.
Robert Schumann.
Federico Chopin.
Musica de Camara

Felix Mendelssohn.
Cesar Franck.
El Poema Sinfonico.

Franz Liszt.
La Sinfonia.

Johannes Brahms.
Hector Berlioz.
La Opera en el Siglo XIX.

Francia.

La Grand Opera.

La Opera Comique.

La Opera Lirica.

Italia

Giaccomo Rossini.

Gaetanno Donizzeti.

Giuseppe Verdi.

Alemania

Richard Wagner.
Postromanticismo.

Richard Strauss.
La musica en el Siglo XX.

Claudde Debussy.

Igor Stravinsky.

Bela Bartok.
La Musica despues de la Primera Guerra Mundial.
La Musica despues de la Segunda Guerra Mundial.
Desarrollo de la tecnologia.

Musica electronica.
Opinion Personal.
Bibliografia.
Opinion Personal
En este trabajo, hemos aprendido sobre los origenes de la musica en nuestra
civilizacion, desde la prehistoria, pasando por los egipcios, romanos, griegos, indios, la
edad media, el renacimiento, etc... Ademas conocimos instrumentos como los
membranofonos (tambor), cuerda (lira) viento (flauta), hasta lo mas avanzados de
nuestros dias como lo son los sintetizadores de musica electronica, tambien
aprendimos sobre los grandes maestros de la musica de todos los tiempos como Bach,
Stravinsky, Beethoven...
Bibliografia

Iniciacin Musical, O.S Bareilles. Editorial Kapeluz. Editado en diciembre

de1968.

Educacin Musical, de Gastn Mathias. Editorial: Sainte Claire. Editado en

marzo de 1979

Enciclopedia Multimedia Salvat ao 2000

Enciclopedia Encarta 2000.

Musica de Todos los Tiempos, Icarito.