25 tips practicos para ministerios musicales

A continuación comparto contigo estos tips con el objetivo de ayudar a mejorar la

interpretación musical de las bandas cristianas que sirven en el área de alabanza y
adoración.

1.       El bajista y el baterista son la base de la cual depende el resto de la banda.

Ellos deben hablar acerca de lo que van a hacer durante la canción. Ellos deben
trabajar juntos, analizar los cantos y escucharse el uno al otro constantemente.
Deben construir la canción y quedar de acuerdo en las variaciones que
harán  en ella, entre estrofa y coro, por ejemplo, o cómo acompañarán el
puente etc.
 
2.       Cuando cambien el estilo de una canción pero deseen mantener la misma
métrica, deben estar seguros de que aunque el ritmo cambie la métrica se
mantenga. Esto es importante especialmente si  se están moviendo de medio
tiempo a doble tiempo y viceversa.  Por ejemplo el canto “God is
great” (Hillsong) (Del coro al puente y de regreso al coro)
 
3.       Es importante practicar con un metrónomo para desarrollar un buen tempo en
las canciones.  Esto es de vital importancia especialmente para los bateristas. El
baterista tiene la responsabilidad del tiempo en una canción. El baterista
también controla en buena parte la intensidad de una canción. Entre más firme
y seguro toque un baterista, mejor sonará la banda.
 
4.       Cuando vamos a cambiar la velocidad en un canto es mejor si el cambio lo
dirige una sola persona (usualmente el baterista). Pero no importa quién lo
haga debe tratar de hacerlo lo más discreto posible.
 
5.       Toda la banda debiera estar físicamente localizada cerca uno del otro
(especialmente el bajo y la batería)  a modo que puedan escucharse claramente
el uno al otro. Si existe la posibilidad de colocar el amplificador del bajo a la
derecha o izquierda del baterista, mucho mejor.
 
6.       El bajista también es responsable de mantener la velocidad de la canción. Un
buen bajista no es tan notorio para la congregación a menos que no esté
tocando. (La mayoría de personas dirán: “Hoy le faltó un no sé qué a la
música”)
 
7.       La guitarra eléctrica  no debe tocar mucha melodía sobre la línea vocal. Si va a
acompañar a las voces es mejor que haga sus licks y fills al final de las frases
vocales.
 
8.       La guitarra debe tratar de acentuar en el 2º y 4º tiempo en las baladas. Y es
mejor si toca algo diferente de lo que está tocando el piano buscando siempre
armonizar.
 
9.       Cuando tenemos 2 teclados y una guitarra, tenemos 3 potenciales
competidores dentro de la banda. Debemos tratar de que cada uno haga algo
diferente a fin de enriquecer más la música y evitar que se anulen el uno al otro
al tocar exactamente lo mismo. Al tener dos teclados  es mejor que cada uno
utilice sonidos diferentes, uno puede ser el “piano base” y el otro el de
“arreglos” utilizando distintos sonidos como metales, cuerdas, órganos etc.
 
10.   El tecladista debe familiarizarse con los distintos sonidos que su instrumento le
provee,  incluso el que toque el “piano base” debe variar sus sonidos para darle
un matiz especial a sus interpretaciones.
 
11.   Seamos cuidadosos de que los sonidos que tocamos estén de acuerdo con el
estilo que tocamos (tanto para tecladistas como para guitarristas) no
pretendamos tocar una canción rock con sonidos jazz o viceversa, conozcamos
bien el tipo de sonido del estilo que vamos a tocar.
 
12.   Cuando tenemos bajista en la banda, el pianista debe usar su mano izquierda
lo más discretamente posible a fin de no entrar en conflicto con el bajista.
 
13.   Cuando el guitarrista y el pianista están tocando juntos es bueno que de
antemano se pongan de acuerdo en cual parte destacará cada instrumento a
fin de no competir el uno con el otro durante la canción sino más bien disfrutar
de la belleza que puede producir el matizar adecuadamente  cada instrumento
en su momento.
 
14.   Si el piano está tocando “muy lleno” sería bueno que el guitarrista tocara
sosteniendo las notas prolongadamente a modo de ser solamente un fondo
sobre el cual se desempeñe el pianista. Del mismo modo, en su momento, el
pianista deberá ser solamente el fondo sobre el cual se aprecie la melodía o el
arreglo de la guitarra. (No temamos ser solo el fondo)
 
15.   Si uno de los teclados está tocando “strings” debe asegurarse de acompañar
como lo harían los instrumentos de cuerda.  Cada sonido sintetizado debe
interpretarse lo más parecido posible a como lo harían los instrumentos reales.
(vientos, cuerdas, percusiones etc.)
 
16.   Tanto guitarristas como pianistas deben trabajar en construir un “beat” solido
a lado del  baterista y bajista, es decir, no solamente tocar el acorde correcto
sino tocarlo en el tiempo correcto. (especialmente en los acentos)
 
17.   Los miembros de la banda deben siempre mirarse uno al otro. El contacto
visual es importante. No teman comunicarse el uno con el otro. Recuerden no
depender demasiado de los papeles para tocar.
 
18.   Conozcan sus cantos, conozcan la forma en que estos están estructurados y
donde ustedes podrían enriquecerlos. Traten de aprender los cantos de
memoria (incluyendo los cambios de tonalidad) a modo de poder tocarlos sólo
 al oído. Cuando dependemos 100% de los acordes escritos no tenemos la
posibilidad de disfrutar los cantos y de fluir libremente con el resto de la banda.
 
19.   Escuchemos qué es lo que el resto de la banda está tocando.  Si todos tocamos
todo el tiempo durante la canción podemos llegar a saturarla. No sintamos que
tenemos la obligación de tocar en todas las canciones (incluso los pianistas).
Dejemos espacio para los demás, especialmente en los tiempos de adoración
espontánea,  seamos solamente un fondo para las voces o el instrumento que
esté interpretando un solo. Que se sienta que estamos tocando en unidad y
con pasión, eso le dará color a nuestra interpretación.
 
20.   Busquemos siempre darle dinámica a nuestra música.  Crescendo o
diminuendo, cantando con sólo batería y luego regresar a tocar todos juntos
etc. Recordemos que cuando estamos haciendo un crescendo no significa
añadir notas sino añadir fuerza a la interpretación.
 
21.   Es importante tomar tiempo en el ensayo para practicar juntos las dinámicas,
debido a que es muy fácil que cada músico agarre por su lado al momento de
tocarlas. Es muy común que se pierda el tiempo de la canción en medio de una
dinámica, por eso es importante practicarla incluso con metrónomo.
 
22.   El sonidista puede hacer o destruir la música. Es necesario que el sonidista
conozca lo que se está intentando alcanzar con la música a fin de apoyar desde
la consola. Y también necesita ser sensible al Espíritu Santo.
 
23.   No sientan que porque están tocando rock necesitan tener más volumen,  se
puede tocar rock y seguir teniendo la misma energía sin necesidad de saturar
las bocinas. El problema con el sonido viene cuando algún músico no se
escucha bien y por ello le sube el volumen a su instrumento y luego el otro
también hace lo mismo. Tengamos una buena comunicación en cuanto a esta
área.
 
24.   El director de alabanza debe darle señales claras a sus músicos a fin de
mantener el orden y la armonía durante la canción.
 
25.   Algo importantísimo es: Oren juntos, sean amigos y conózcanse, no solamente
como músicos sino como personas y hermanos en Cristo.