Que Esta Mirando No 4

ISSN 2346-3805 Santiago de Cali - Colombia Enero - Junio 2015 Nº 4
MISIÓN
La Universidad de Valle, como universidad
pública, tiene como misión educar en el
nivel superior, mediante la generación y
difusión del conocimiento en los ámbitos
de la ciencia, la cultura y el arte, la técnica,
la tecnología y las humanidades, con
autonomía y vocación de servicio social.
Atendiendo a su carácter de institución
estatal, asume compromisos indelegables
con la construcción de una sociedad justa
Fotografía / Isabel Nieves 2005 y democrática.
CONTENIDO
¿Qué está mirando? 2
Entrevista 7
ISSN 2346-3805 Mario Gordillo
Santiago de Cali - Colombia Enero - Junio 2015 Nº4
El imaginario pictórico 36
de Mario Gordillo
Rector Iván Enrique Ramos
Mauricio Doménici
Vicerrector Académico Héctor Cadavid
Decana Facultad de Humanidades Gladys Stella López
Momentos biográficos 56
Jefe del Depto. de Filosofía Pedro Posada
Mario Gordillo
Director (e) de la biblioteca Fernando Betancur
Comentarios 60
COMITÉ EDITORIAL COMITÉ ARTÍSTICO
William Álvarez Ever Astudillo
Omar Díaz María Thereza Negreiros
François Gagin César Correa
Luis Humberto Hernández María Esperanza Londoño
Mauricio Zuluaga César Santafé
PORTADA
Javier Zúñiga CARPETA NEGRA
MONTAJE Y EXPOSICIÓN Mixta sobre tela
140 x 140 cm
DIRECTOR - EDITOR PINACOTECA 2014
Omar Díaz Saldaña Universidad del Valle
Ruby Grisales
ASISTENCIA EDITORIAL Diana Benítez
Gladys Suárez
Gimena Villegas DISEÑO Y DIAGRAMACIÓN
Harold Quimbayo Jhan Victoria
CONTRAPORTADA
REDACCIÓN Y CORRECCIÓN ILUSTRACIÓN LOGOTIPO DE LA SERIE LOS OLVIDADOS
DE ESTILO Jaime López Anilina sobre papel
70 x 60 cm
Luis Humberto Hernández 1979
Carlos Rojas
Facultad de Humanidades Correo Electrónico:

revista.queestamirando@correounivalle.edu.co
Departamento de Filosofía departamento.filosofia@correounivalle.edu.co
División de Bibliotecas biblioteca@correounivalle.edu.co
ES una publicación periódica del Departamento
de Filosofía y de la División de Bibliotecas de la
Universidad del Valle. Surge con el propósito conjunto de
unificar esfuerzos en la construcción de un espacio de
reflexión sobre el arte contemporáneo y particularmente
de la plástica de nuestra región. Se orienta, en primer
lugar, a que el artista nos diga, desde su perspectiva,
en qué consiste específicamente su saber hacer y qué
características posee su obra. Nos afirmamos en la
conocida idea de que no hay Arte con mayúscula, sino
artistas, pues cualquier definición lógica de lo que es el
arte, mediante enunciados o proposiciones, no reduce la
dinámica viva, concreta, de las distintas manifestaciones
o expresiones simbólicas del arte. A través del diálogo, el
(la) artista va señalando y precisando los elementos que
orientan y modelan la creación de su obra; y mediante
la lectura de la entrevista, producto de ese diálogo, el
lector podrá acercarse a: ¿quién es?, y ¿qué hace?
Avanzamos a un segundo momento que se caracteriza

por su naturaleza reflexiva; actuando críticamente sobre
un objeto, sobre la obra de arte y su contexto, el filósofo
o el crítico de arte produce un texto interpretativo que,
desde una u otra orilla teórica o conceptual, da cuenta
de la obra; se trata entonces de: ¿qué dicen del de las dinámicas colectivas, en concreto, en los
artista? De ninguna manera se pretende validar, procesos propios de las actividades y producciones
refutar o verificar, en busca de la verdad, la obra de artísticas, como fenómenos sociales históricamente
arte, tal pretensión carece de sentido y la historia determinados. Pero no solamente elegimos la mirada,
del arte lo ha confirmado. En ¿Qué está mirando? sino el tiempo presente de la mirada. El espectador
tendrán cabida las más diversas manifestaciones podrá detenerse, con paciencia, ante la obra de arte y
artísticas en su composición, color y materialidad, volver sobre ella una y otra vez, pues en la Sala Mutis de
pues ellos expresan la idea, la filosofía estética la Biblioteca Mario Carvajal de la Universidad del Valle,
del artista. El lector podrá examinar reflexiones se expondrá una muestra representativa de la obra
distintas sobre un mismo objeto, una obra de arte del artista que miramos. Se conjuga cada semestre
o un artista, encontrando, en ocasiones, elementos el proyecto editorial de ¿Qué está mirando? con la
complementarios y de validez convergente. exposición plástica de un artista de nuestra región,
el cual contribuirá, con la donación de una obra, a la
Elegimos la mirada. La mirada de un espectador que construcción de la Pinacoteca de la Universidad del
percibe la obra de arte, al igual que otro espectador Valle, enfatizando la importancia del rescate de nuestra
que también mira. Se considera la posibilidad de memoria visual, como parte del proyecto cultural de la
distintas miradas, pues no se establece unívocamente Universidad y del Departamento del Valle del Cauca.
un rincón privilegiado desde el cual puede verse
el mundo. Ya en el siglo pasado se rompió con el
marco del lenguaje neutro observacional y se llamó
la atención sobre cómo lo que se ve depende del Omar Díaz Saldaña
objeto que se mira, de la experiencia perceptual previa Director - Editor
y de la perspectiva conceptual o teórica del sujeto
que observa. Se considera, entonces, la necesidad
Fotografía / Mariana Molano Vargas
4 ¿Qué está Mirando? Nº4 Dpto. de Filosofía División de Bibliotecas

Fotografía Jhon Mario Lemos, 2015
M
ario Gordillo nació en 1940 en Ecuador, en la ciudad de Latacunga,
capital de la provincia de Cotapaxi, en las estribaciones de la cordillera
de los Andes y a los 19 años, en 1960, llegó a Cali después de atravesar
polvorientas carreteras en la ruta panamericana con la ilusión de hacer realidad
los sueños de su infancia: quería ser pintor. “Quería ir a México porque era el
epicentro de las artes y de las vanguardias en América; dije, hago un paso
en Cali y sigo para México. De eso han pasado 55 años y nunca me fui para
México. Cali me atrapó.” En su taller, en su cálido altillo, en el barrio San Antonio,
en medio de bocetos, pinturas, grabados y su prensa que, desde el boom
de las artes gráficas en Cali, ha sido su fiel acompañante, Gordillo vindica el
dibujo como la esencia de su quehacer, señalando cómo las líneas y los trazos
modulan y guían el movimiento y la ondulación del color.
Los contornos e imágenes precisos del cuerpo de la mujer, con su sensualidad y
erotismo, son captados expresivamente por Mario Gordillo con sutiles veladuras,
construyendo atmósferas oníricas en las que se captan formas, texturas y colores
que le permiten al espectador evocar sus propios sueños. “Para mí, el dulce encanto
del cuerpo femenino ha sido fuente inagotable de mi obra”. Y cuando la expresión
artística se propone representar la tristeza y el dolor utiliza el grabado sobre metal
porque a diferencia del lienzo, él aguanta la fuerza de la gubia deformando la
anatomía precisa de la representación del dibujo del cuerpo humano.
La obra de Gordillo representa los personajes, mujeres y hombres
escénicamente, en ambientes teatrales, donde la escenografía, el color y
los elementos compositivos convergen armoniosamente en el desarrollo
dramático de la escena. Los saltimbanquis, los malabaristas, los trapecistas, las
coristas y los actores del circo muestran el anclaje de su obra en la realidad
mágica de América, de aquél viejo que lleva a un niño a conocer el hielo que
se exhibía como una curiosidad en la carpa de Melquiades, en el drama vital
del día a día de la existencia de los hombres y mujeres, con sus emociones, sus
tragedias y felicidades.
Interrogándose por el significado de la obra gráfica en el arte contemporáneo y
preocupado por la invención creativa, confronta las técnicas tradicionales y las
nuevas, encuentro que sugiere una reflexión profunda sobre la transformación
del arte hoy en día. Conocedor de las técnicas y con el propósito de utilizar
los recursos tecnológicos contemporáneos, la producción artística del
maestro Gordillo, en la última década, se ha orientado hacía el manejo del
ordenador en la posibilidad de construir litografías, serigrafías y grabados al
agua fuerte a través de la digitalización y la intervención manual logrando una
obra profundamente contemporánea.
¿Qué está Mirando? Nº4 Dpto. de Filosofía División de Bibliotecas 5

Mario Gordillo
BODEGÓN ROJO
6 ¿Qué está Mirando? Nº4 Dpto. de Filosofía División de Bibliotecas Mixta sobre tela, 100 x 100 cm, 2014
Mario Gordillo
¿Cómo fue su preocupación inicial olimpo, para mí fue deslumbrante y dije, ¡esto no
puede ser!. Era un sueño poder entrar a ese lugar y
por lo sensible, por la plástica, aprender a hacer eso, y ahí comencé. Conté en mi
por la pintura? casa que quería estudiar artes; listo, no hay ningún
problema, estudie y hágale, me dijeron.
Pienso que el arte en el ser humano es tan natural
que hay que darle rienda suelta a la sensibilidad. Me
acuerdo mucho que de pequeño veía dibujar a mi ¿Cómo era la formación en la Escuela
hermano, lo veía hacer tareas de dibujo y para mí
eso era como un sueño; verlo dibujar, por ejemplo,
de Bellas Artes en Guayaquil? ¿Cómo
las tres carabelas de Colón, verlo dibujar a Simón se estructuraba el currículo? ¿Qué
Bolívar. Estaba muy pequeño, y tenía esa afición tendencias importantes se movían en
por el dibujo, esa necesidad de expresarme con
trazos, con líneas. Un amigo, muchos años después,
aquella época?
me dijo: “mira, como eres bueno para el dibujo por
qué no entras a Bellas Artes”. Estoy hablando de Después de que conocí Bellas Artes, hice las vueltas
Guayaquil, cuando tenía 18 años, más o menos en para matricularme; había que hacer un examen
el año 58. Yo decía que ser pintor, ser artista, era igual que en todas las escuelas de arte del mundo
para otra gente, no para mí. Prefería ser arquitecto o porque llevaba un programa muy europeo. Un
contador porque eso era lo que en esos momentos examen de dibujo, si uno sabia dibujar pasaba. Estoy
daba dinero; ninguna familia le gustaba que su hijo hablando del año 58, cuando entré a la Escuela de
fuera pintor, porque no había ingresos para la familia. Bellas Artes en Guayaquil. Era la misma tendencia
que había en cualquier parte, la figuración, el
color, la preocupación por la figura humana y la
¿Cómo fue esa tensión familiar composición. Estuve un semestre en Guayaquil
por el deseo suyo y como a mí me ha gustado mucho investigar,
quería ir a estudiar a México, porque en la época
de estudiar pintura? del año 58 México era como el epicentro de las
artes y lo nuevo en América, la ola revolucionaria
Nosotros éramos de clase media y de alguna de la escuela mexicana; me dije: quiero ir a estudiar
manera mi madre era muy sensible a las expresiones a México. Necesitaba dinero y tenía una hermana
artísticas. Comencé a estudiar primero contaduría, que vivía aquí en Cali, le escribí, le dije que me
había que manejar matemáticas, números, eso averiguara en la Escuela de Bellas Artes de Cali; ella
era terrible, entonces mi amigo del que hablé me me mando un programa que era muy parecido a
dijo: “Mario estudiá pintura”. Entonces fui con él a lo que se veía en Guayaquil y en México, entonces
conocer, fue la primera vez que entré a la Escuela me dije: hago un paso en Cali y sigo para México.
de Bellas Artes de Guayaquil y me encontré con Y de eso han pasado 55 años y nunca fui a México,
esos yesos franceses, romanos, era como entrar al y sigo aquí en Cali.

Mario Gordillo
LOS VISITANTES
Anilina sobre papel, 75 x 55 cm
1981

Mario Gordillo
¿Qué le cautivó de Cali? La década de los años 60 se caracterizó

en todo el mundo, y particularmente
Llegué en el año 1960 a los 19 años, por primera en América Latina, por una profunda
vez salía de mi terruño, entonces me llamaba la transformación en la que todo lo sólido
atención todo, la comida, la gente. Estoy hablando
de los años 60 cuando Cali se terminaba en la parecía desvanecerse en el aire, los
carrera 10. Venía de Guayaquil que era muy grande, cánones del arte se ponían en cuestión,
un puerto muy internacional, Cali era una provincia, el movimiento hippie, la revolución
un pueblo pequeño pero encantador. Fue un cambio
radical pero a la vez era tranquilizante porque aquí cubana, el hombre pisando la luna,
encontré cierto remanso y tranquilidad en su gente, en fin… ¿Cómo fue ese impacto desde
en todos los lugares donde uno podía ir y además el punto de vista de la plástica y qué
conocí la Escuela de Bellas Artes.
tendencias se movilizaban?
¿Cómo se desarrollaron sus estudios Para todos los que vivimos esa década, esa gran
de pintura en la ciudad de Cali? explosión, esa revolución en la cultura, en la música,
en las letras, fue como una inyección, porque
teníamos de donde beber para nutrirnos, aprender
Hay una cosa muy linda que recuerdo. Fui a la Escuela de la literatura, del teatro, de la música, de la política,
de Bellas Artes y había un corredor muy grande y de todo esa denuncia que se gestaba en América
comencé las averiguaciones para entrar a estudiar. después de la revolución cubana, enriqueciéndonos
Estaba el profesor Bernardino Labrada y Gustavo espiritualmente e intelectualmente con todo lo que
Rojas de director, además estaba Juan Fernando bullía en América Latina y en el mundo.
Polo. Me llamó la atención el programa y me quedé.
Pero los estudiantes tenían que estudiar de día y
yo no tenía mucho dinero, como todos los artistas. ¿Cómo incide el contexto de la época
Tenía que trabajar en algo para poder estudiar
pintura. Conocí al profesor Luis Aragón Varela, en su quehacer artístico?
acuarelista, y me dijo que había otro lugar donde
se estudiaba arte que se llama Instituto Popular de Ese alimento le puede servir de varias maneras, dejar
Cultura y, entonces, me pareció excelente pues eran salir una parte contestataria o lúdica. Nunca me
los mismos profesores de Bellas Artes, además me interesó tomar partido políticamente en la obra. En
gustó porque las clases comenzaban por la tarde y realidad me interesaba lo lúdico, lo poético y esas
me quedaba el resto del tiempo para trabajar y tener expresiones fueron apareciendo en la obra de una
algo de dinero para poder vivir. manera muy discreta. En esa época encontramos

Mario Gordillo
artistas como Pedro Alcántara o el barranquillero Norman en San Antonio, una exposición individual muy linda
Mejía quienes comienzan a hacer una obra fuertísima, porque fue el primer intento de comunicar, de mostrar
completamente de denuncia, de izquierda, cien por ciento mi obra, era una serie precolombina pero no fue muy
política. Me parece importante que lo hayan hecho. Me relevante, la muestra recogía la tendencia Precolombina
nutría de las buenas expresiones que venían con el teatro, que se estaba dando en América Latina como lo hacía
de la literatura, era la época de Enrique Buenaventura, de Tabara en Ecuador.
Santiago García, del teatro La Mama.
Cuéntenos algunos detalles de su

¿Qué maestros potencializaron su periplo por Europa
formación?
Encontré artistas que me parecieron asombrosos, Salí del Instituto Popular de Cultura y empecé a
valiosos, como Rivera, Siquieiros, los muralistas Carlos trabajar en la empresa Cartón Colombia como
Correa, Arenas Betancourt; contábamos con los ilustrador, hice un ahorro y me fui a Europa en el
maestros Espinoza, Labrada, Camilo Isaza, Lucy Tejada, año 71. Me fui con mis “maravillosas” obras, que
ellos fueron para mí una guía y, además, me tocó ver expuse en el Museo de Arte Moderno La Tertulia, y
la aparición de toda esta nueva generación que venía, llegué a Barcelona después de atravesar el Atlántico
Grau, Roda, Tejada, Obregón, Botero, Manzur, que son durante doce días en barco. Esa caja con los cuadros
de la generación de los años 70 y 80. Todos ellos son parecía un ataúd. En Barcelona tenía un amigo que
realmente grandes artistas, cada uno con su temática había estudiado en la Escuela de Bellas Artes, él
y expresión. Ahora bien, uno se vuelve como una me recibió en su apartamentico y ahí empezó la
esponja, comienza a absorber de todo lo que le rodea. historia de Europa. Al otro día me desperté y salí
Por ejemplo, a mí siempre me gustó la obra del maestro con los cuadros debajo del brazo, pues creía que
Espinoza; en esa época lo que primaba era lo figurativo; en la primer galería me ofrecerían una exposición;
el color y la poética de esos maestros me llamó mucho caminé con esos cuadros debajo del brazo durante
la atención, de ellos retomé muchas cosas que son un mes y vi que esa vaina no funcionaba y guardé
vigentes hasta ahora. los cuadros, los metí debajo de la cama y me puse
a buscar trabajo. Conseguí un trabajo de diseñador
con un grupo de catalanes, muy bellas personas, que
¿Cuál fue su primera exposición? me vieron la cara de hambre y me dieron el puesto,
me pusieron a hacer ilustraciones para cuentos,
pasé un año trabajando con ellos y aproveché para
En la época de estudiante siempre estuve con deseos matricularme en grabado en la Real Academia
de mostrar mi obra. Como todos los estudiantes, Catalana de Bellas Artes de San Jorge; comencé
yo trataba de participar en eventos, en festivales, en a participar desde cero en cuanto concurso de la
concursos de acuarela, de dibujo. Antes de salir de la Escuela hubiera, a los dos años hice una exposición
Escuela participé en muchos salones estudiantiles. Hice en la galería Matiz y, ya en el medio, empezaron a
una exposición, para mí la más importante, en el año 68 conocerme e hice amigos pintores catalanes; así
cuando el museo de Arte Moderno La Tertulia estaba pasé cinco años.

Mario Gordillo
ABRAZO CON MIRONES

1981

Mario Gordillo
¿Cómo fue la recepción de su obra en añorando la tierra, la comida, uno es extraño y siente
que no es de ahí, puede ser que la gente lo quiera
Barcelona? ¿Cuál era la temática, la mucho pero uno es siempre un extranjero. Fue una
paleta y las técnicas que utilizó? nueva manera de manifestar mis ideas, mis conceptos,
muy figurativo y lleno de color; todo el tiempo me
La obra que expuse en el Museo de Arte Moderno La pasé haciendo dibujos y grabados. Después comencé
Tertulia nunca la expuse en España. Empecé a hacer con un lenguaje nuevo, más personal. En Europa hay
cosas muy figurativas, hacer otro tipo de pintura. estaciones, los colores cambian, por el contrario, en
Hay una anécdota muy linda que he conservado el trópico tenemos las pupilas amarillas de ver tanto
siempre en mi memoria. Estaba en Barcelona con mi verde, el mismo verde todo el tiempo, en los cuadros
amigo Guillermo Sandoval y le dije que hiciéramos es el mismo verde, mientras que en Europa en
una exposición de grabado y dibujo en Gerona pues verano se pinta distinto, en invierno se pinta distinto
ahí tenía amigos; él me dijo que sí. Conseguimos y la atmósfera es distinta; esa fue una de las mejores
una galería que se llamaba La Gabia, que en catalán experiencias que cambiaron mi paleta.
es la Jaula. Era el inicio del boom de Gabriel García
Márquez, de Cien años de Soledad , en Europa.
Era el año de 1973, Gabriel García Márquez vivía en
¿Cuál es la característica de su obra en
Barcelona. Me conseguí su teléfono y dirección, un los años 80?
día lo llamé y le dije que si nos podía recibir para un
texto de un catálogo para la exposición. Fuimos una
noche, hablamos con él, le mostramos los dibujos y En los años 79 y 80 realizo una exposición, en el
a los ocho días teníamos el escrito; muy lindo. Por ahí Museo de Arte Moderno La Tertulia, de obra gráfica
está publicado. Pero ahí no para la cosa: resulta que en la que utilizo como símbolo los pájaros muertos,
nosotros hicimos la publicidad y vieron el catálogo fue la época más comprometida de mi obra. En
con la presentación de Gabo, entonces esa noche, toda la serie de grabados aparece un pájaro muerto
en Gerona, en la galería no cabía ni un alma, todo el o un ala o algo que tiene que ver con la muerte,
mundo con un libro debajo del brazo para que Gabo o unos personajes con capucha muy lúgubres,
lo firmara, pero Gabo no pudo ir. Él nos había dicho hay una tristeza, un dolor profundo en esa serie.
que no podía asistir a la inauguración, pero nosotros La desaparición de mi madre me llenó de tristeza
no le dijimos a la gente porque no se nos hubiese todo el espíritu. La existencia de mi madre fue lo
llenado la galería. Esa fue una época hermosa para mí. más importante, era casi una relación edípica.
Recuerdo que hasta última hora tenía contacto con
ella, no era de mamá e hijo, sino que era un agarre
¿Cuánto tiempo estuvo en Barcelona? muy fuerte de la existencia. Cuando ella se muere
¿Cómo influyó en su proceso creativo? desaparece eso, quedo completamente en el aire,
quedo volando; es un dolor muy fuerte, nunca se
lo mencionaba al resto de la familia. Todo ese dolor
Allá estuve tres o cuatro años, pero a la hora de la lo expresé en la serie de los pájaros heridos; es la
verdad me pareció la eternidad. Vivía bien, no me primera vez que lo comento porque siempre lo tuve
faltaba nada, pero era muy lenta la vida, la soledad, conmigo, muy dentro de mí.

Mario Gordillo
SIN TÍTULO
1981

Mario Gordillo
¿Por qué para expresar el dolor y la se presentan exuberantes y entonces el pintor es

como el fotógrafo que capta, no con la cámara pero
tristeza usa la técnica del grabado sí con el ojo. Por ejemplo, en las reuniones Ramón
sobre metal? Garzón leía poemas eróticos, de los poetas malditos
franceses. Toda esta atmósfera lo contagiaba y
Es el enfrentamiento, el deseo de querer romper aparecen en los cuadros ciertos alusivos a la mujer.
algo, si lo hacía sobre lienzo terminaba rompiendo Yo trataba de no meterme en la política sino de
el lienzo, pero como era metal aguantaba toda abordar lo que me encantaba, la parte erótica y
la fuerza de la gubia, de la punta seca, el metal sensual. Comencé a hacer toda mi obra de acuerdo
aguanta la pelea. Esa reacción era inconsciente. a lo que estaba pasando, a lo que yo sentía y esa
Es la representación del dolor, de lo terrible que atmósfera de Cali me contagiaba. Pienso que
le sucede al ser humano cuando se le muere un desde siempre he estado muy preocupado por lo
ser querido. No se trata de representar lo feo de femenino y por la literatura, novelas y cuentos en
la tragedia. Allí hay dos personajes que son muy los que se representa la sensualidad de la mujer, sin
bien representados anatómicamente, siguiendo caer en lo morboso y barato. Lo mismo me sucede
la técnica del dibujo. Sin embargo, se puede con el cine y la fotografía; por ejemplo, una de las
representar lo mismo pero destruyéndolo un poco; fotografías más bellas que vi en una exposición fue
haciendo la figura no muy precisa para expresar la de Françoise Dolmetsch, el manejo del cuerpo
esa cosa terrible que me estaba pasando; son por el fotógrafo Matiz. Para mí, el dulce encanto
como dibujos terribles de la monstruosidad interior del cuerpo femenino ha sido una fuente para mis
que uno quiere revelar, como los retratos de Roda obras. Por ejemplo, la serie de Los Amantes es
o los últimos dibujos de Caballero. El dolor lo del año 80, es una mezcla de plumilla y acuarela.
represento en el dibujo y en ciertos detalles que La temática es lo mismo, la sensualidad. Es algo
son imperceptibles, romper la figura de un dibujo inconsciente. Cuando me siento a analizar algunos
bien hecho; uno dice, el dibujo está bien, para qué de mis cuadros, aparecen unos personajes, es
lo voy a romper, pero si no tengo ese dolor no lo como en Velázquez, los enanos que en la corte eran
rompo. Cuando se tiene un dolor, una angustia tan los bufones que eran unos mirones que se daban
fuerte e íntima, no puede dejar de expresarse. cuenta de todo, en mis obras siempre aparece un
personaje en un rincón que está mirando a la nada.
¿Cómo se expresa la sensualidad y el

erotismo en su pintura? ¿Cuál fue la causa del auge de la obra
gráfica en Cali?
Era una época en la que se hablaba de la liberación
femenina, de lo que decía Lacan sobre el sexo. En El Museo de Arte Moderno La Tertulia trae a Lorenzo
Cali había algo fundamental en los años ochenta, Homar para dictar unos talleres de serigrafía, se
y era la apertura de la sexualidad, en el cine en el señala que la obra gráfica permite ediciones para
teatro, en la literatura, se recuerda a Carlos Mayolo y que un mayor número de personas puedan adquirir
Andrés Caicedo. Hay cierta libertad en las mujeres, y disfrutar la obra, porque una obra única es muy

Mario Gordillo
RETRATO
Óleo sobre papel
70 x 100 cm
1987

Mario Gordillo
costosa. La idea era que se pudiera hacer treinta o ¿Cuáles son las diferentes modalidades
cuarenta copias de la obra de un artista y de esta
forma se vendieran más baratas y a un número
del grabado en su producción gráfica?
mayor de personas. Entonces, comienza a darse el
auge de la serigrafía y la gente empieza a adquirirlas, Hay una historia de la actividad gráfica en el Valle
gente que nunca había comprado cuadros. Luego del Cauca y particularmente en Cali. Hay que irse un
las multinacionales se interesan por este proyecto poquito atrás, en la época cuando Pedro Alcántara
y empiezan a participar, por ejemplo, Cartón tiene la idea de invitar a Lorenzo Homar, quien fue
Colombia que promueve portafolios, en proyectos uno de los serígrafos y grabadores más importantes
en los que participan artistas mexicanos, españoles de Puerto Rico, a La Tertulia para dictar un taller de
y venezolanos. Esas empresas comienzan a regalar gráfica sobre técnica en serigrafía, eso fue parte del
obra gráfica, las carpetas y los portafolios. boom de la gráfica en los ochenta, además se tenía
la colaboración de Grau. Luego vienen los salones de
dibujo y grabado donde comienza a tomar fuerza lo
En ese momento se entiende la obra que es la gráfica, aparecen las carpetas, las ediciones
gráfica como una expresión plástica y el interés de todos los artistas en convertirse en
grabadores, en esta parte de la historia del arte en
importante. Colombia se le da mucha importancia a la obra
gráfica. Es el boom de las carpetas, Cartón Colombia
Claro, es que aquí no se conocía la obra gráfica patrocina a los artistas. Señalemos la gran muestra
hasta cuando aparecen los portafolios, las bienales que hace Antonio Roda en La Tertulia con las monjas
de dibujo, las bienales de grabado, entonces la muertas; la serie de la tauromaquia de Roda es una de
gente empieza a comprender, pues antes sólo se las exposiciones más bellas que se dio en esa época
conocía la pintura, con el salón nacional de pintura y coincidencialmente, en este año 2015, hay una
y el salón nacional de escultura, pero nunca muestra en el museo del Banco de la República con
aparece el grabado. Se podría decir que Cali fue obras de esa época.
el epicentro de la obra grafica, y yo diría que de
América Latina, venía gente de todas partes y de
aquí se iba gente a trabajar donde Luis Ángel Parra. En ese auge de la gráfica, ¿qué
Actualmente, creo que hay tres o cuatro talleres
en Bogotá. Yo me dediqué quince años a hacer
modalidades fueron las más relevantes?
obra gráfica, tenía talleres de grabado y litografía.
Además, trabajaba con la Escuela de Bellas Artes y Todo el mundo estaba muy involucrado con la
contaba con alumnos; la obra gráfica era lo máximo gráfica. Como gráfica entendemos grabado en metal,
en ese momento, todo el mundo estaba interesado en acrílico, en cobre, la serigrafía y la litografía, una
en la obra gráfica por su bajo costo y por ser tan modalidad que hace muchos años fue olvidada. En
importante como una obra única. Sin embargo, Colombia, no se le había dado importancia a lo que
tuvimos que pelear muchísimo con la gente para realmente era el grabado, en Europa nunca dejó de
que entendiera la obra gráfica y la importancia de existir, recuerdo que hace muchos años el profesor
tener una obra de esta naturaleza. Carlos Correa andaba con unas planchas de grabado

Mario Gordillo
CABALLO ROJO
Mixta, acrílico y óleo sobre tela
120 x 120 cm
1993

Mario Gordillo
que hizo en Europa y no había dónde imprimirlas; ¿Qué preocupaciones temáticas y

después de eso, en Cali, los artistas comenzamos a
encargar máquinas para hacer grabados, había un
formales orientan su trabajo desde el
italiano que se llamaba Marconi que tenía una empresa año dos mil hasta la fecha?
de hacer máquinas para flexografías, y Maripaz que
vivía aquí, en esa época, encarga una prensa, es la
Esa es una pregunta bien interesante porque en el
primera prensa que aparece en Cali, estamos hablando
2000 dejamos de hacer grabado porque el mercado
de finales de los ochenta. Yo conozco a Marconi y
cambia el rumbo, ya no tiene importancia el grabado
encargo mi prensa y Lucy Tejada también. Es el boom
o la serigrafía, la gente no ha entendido qué es un
de la gráfica en Cali y en esa época aparecen los
grabado, qué es una litografía, la gente compra lo que
salones de octubre de la Cámara de Comercio.
le dice el merchant. Dejo el grabado y comienzo a
pintar a ver qué pinto, en qué lio me meto, qué digo a
través de la obra porque ese es el problema de todos
¿Cómo es el proceso de la técnica del los artistas; qué hago, me vuelvo contestatario o
grabado? señoritero o pintor de florecitas o pintor de estómago,
es un lio tenaz, me pasé dos años en mi taller,
divagando sin hacer nada.
En ese proceso hay varias etapas. Se hace un dibujo
y luego un negativo y con el negativo se pasa a
la plancha, al polímero. Igual que se hacía con
una plancha de zinc o de metal o de aluminio, el
Quizás el conocimiento y la
polímero reemplaza a la plancha de metal. No se sensibilidad latinoamericana,
utiliza buril sino la cámara fotográfica y el cuarto expresados particularmente en la
oscuro. Antiguamente, los grabadores reproducían un
cuadro en cobre con buril; el grabador firmaba al lado
literatura de García Márquez, nutrieron
izquierdo y el artista al lado derecho y uno no sabía inconscientemente el proyecto de la
quién era más artista, si el grabador o el pintor, eso Serie Circo.
era maravilloso porque el tipo reproducía con buril
la obra, una obra de cualquier pintor de la época. El
grabado sobre metal y punta seca y agua fuerte es Recuerdo algo y no sé si fue después que hice las
una técnica de mucho cuidado y oficio. Hacer una ilustraciones para el libro de García Márquez. Pero
punta seca es grabar directamente sobre una plancha pienso que hay otro origen ahí, pues desde pequeño
de metal con un buril e imprimir haciendo los surcos y me ha gustado el circo. La lucha mía era cómo
la incisión sobre la plancha que se llama punta seca o transformar ese circo tradicional en un circo que
utilizar ácido nítrico para grabar la plancha que es un esté involucrado con el teatro, los personajes, que
método un poco lento y tedioso. La serigrafía es una haya una narrativa, una acontecimiento dramático,
técnica más ágil porque través de tamices se imprime. ciertos movimientos, no se trata del trapecista, sino de
El grabado es de mucho más oficio porque es de más personajes ingrávidos volando, entonces comienzan
cuidado y de más conocimiento de materiales, la otra a aparecer ciertos elementos plásticos, el círculo del
técnica es la litogràfica. escenario, la arena del circo, las luces de la carpa.

Mario Gordillo
CIRCO CALLEJERO
Mixta sobre tela,
80 x 60 cm
2000

Mario Gordillo
CIRCO CALLEJERO 3
Mixta sobre tela, 80 x 40 cm, 2000
Hay una preocupación en la Serie Circo por el teatro, la

dramatización. Es importante, toda vez que Cali fue una
ciudad donde el teatro era una forma de expresión artística
de mucha significación, basta señalar la importancia de
Enrique Buenaventura, las vivencias de Fanny Mickey, los
festivales de teatro que…
Sí, claro. Fue una época maravillosa, no solo se montaban obras de teatro clásicas sino
que había una dramaturgia, el Teatro Experimental de Cali a través de su actividad, que
era diversa, nos puso en contacto con la tradición teatral. A mí me encanta el teatro y
me encanta esa parte escénica, los personajes en escena. Trato de llevar esa esencia

NOCHE DE CIRCO, Mural, mixta sobre tela, 350 x 180 cm, 2010
Mario Gordillo
escénica a los cuadros, crear una escena, podrían ser esto, anécdotas de mi vida. A veces, sin ponerle
perfectamente dos personajes estáticos pero en un trascendencia, toda esa vivencia que ha estado como
ambiente teatral. Botero, en su última entrevista, habla guardada en mi durante muchos años.
de por qué hizo la serie del circo, dice que, entró al
circo de México, habló con ellos, convivió con ellos
y el resultado fue una señora columpiándose en un ¿Es posible establecer una relación
trapecio. Ese es su concepto. Yo lo veo de otra manera, entre su obra y la del pintor venezolano
más la parte escénica. Si de pronto veo en A la diestra
de dios padre un tipo lleno de harapos hablando, lo Alirio Palacio?
convierto en un personaje con unos trapos azules, es
otra manera de expresión. Haciendo un análisis muy personal, diría que se trata
de la parte escénica en la obra de Palacio, cuando
produce todos sus personajes basados en personajes
¿Por qué la temática del circo? ¿Cuál es de la Edad Media; para mí, los caballos pueden estar
la naturaleza de ese proyecto? en cualquier escenario y ese personaje está como
volando y dando vueltas. En los circos los caballos son
personajes muy importantes; lo mismo podemos ver
Hay un sentimiento, afecto y gusto por la puesta en en cualquier otro cuadro, como en ese Cristo que pinta
escena, además, el circo me ha gustado siempre, Palacio con ese personaje que está al lado derecho
tengo una anécdota, yo no he ido a conversar con superior, esa parte es completamente escénica. Por
artistas del circo como Botero, sino que un día estaba ejemplo, un evento escénico es un reciclador que
muy joven y llegó un circo a la ciudad en que yo vivía, comienza a buscar los papeles y a hablar solo, está
en Guayaquil, salimos de la escuela y vimos un señor reciclando lo que desechamos y ese es su trabajo,
que estaba pintando un payaso a la entrada al circo; yo su vida cotidiana, pero, para mí, es dramático porque
iba con un amigo que también dibujaba, nos pusimos, esa persona está metido con la basura, con lo que
en el cuaderno, a dibujar lo que estaba haciendo ese desechamos, con lo que contaminamos y lo que nos
señor que era un payaso hermosísimo, una cara que está acabando; la basura, es un problema universal,
nunca voy a olvidar. Salió un tipo del circo, vio nuestros es algo que mucha gente no ve. También es escénico
dibujos y dijo: ¡ahh! ustedes pintan, y nos regaló una subirse al MIO o irse al centro de Cali, a la calle Oro,
boleta para entrar al circo. A los 12 años eso quedó donde la gente te coge para vender zapatos, uno no
en mí como un sello, y han pasado 63 años. No le está lejos de toda esa teatralidad. El circo, en parte, es
pongo metafísica al sufrimiento de los circenses, me eso, hay un aspecto que tiene una connotación en
encanta el ambiente que hay por dentro y creo que mis cuadros y es esa parte tranquila en la que siempre
esa pasión viene desde esa época porque hay muchas hay una meditación y que está detrás de bambalinas.
cosas que viven del recuerdo de la niñez, es como Puede ser esa parte inconsciente del niño tímido que
una fuente para la vida después. En el proceso creativo a lo mejor tiene ganas de decir cosas y no se atreve;
del circo quizás hay algo inconsciente que con los el personaje está hablando allí tímidamente, porque
años se hace manifiesto. Hay pensamientos que sin no me he atrevido a ser contestatario y salir con una
uno proponérselo contienen sabores, colores y olores pancarta a decir todo lo que me molesta de este
de la infancia. Es la primera vez que estoy contando estado de la vida y de todo lo que me ha ocurrido.

TRINIDAD 5
Mixta sobre tela, 120 x 120 cm, 2009

Mario Gordillo
Su obra sobre el circo es muy diversa tiempo. En ese sentido, me pongo a pensar en Ana
Mercedes Hoyos, veinte años pintando papayas y a
en el manejo del color. las palenqueras y, luego, haciendo esculturas de los
bananos y las papayas. En realidad, en el fondo, no
Sí, un circo muy tropical. Es el trópico con esos se trata del tiempo, a veces me digo: “han pasado
colores crudos que no son nada cocinados, sesenta años y sigo pintando; quería ser famoso y
elaborados, amarillos, rojos y verdes. Además, los todavía no lo he logrado”, y lo asumo. Y digo: “he
circos pueden tener muchos colores, el paisaje de pasado tanto tiempo en Cali, ciudad que me encanta,
la selva, el trópico. También en la elaboración me tengo hijos en Cali y voy a estar aquí siempre, porque
detengo a pensar en algún personaje, una corista soy parte de eso y me he apropiado de un espacio
o una trapecista que no está haciendo nada, que y tengo el afecto de mucha gente, y aunque soy
está simplemente sentada, sin embargo, trato de extranjero, me siento con ciertos derechos”. Ahora,
representarla no como la persona que está sentada una de las cosas que me ha preocupado y me sigue
sin hacer nada sino en una escena teatral, de preocupando es lo que hago cuando soy profesor,
fondo personajes ensayando, adelante una actriz he tratado de dar al máximo lo que yo sé y trato de
practicando técnica vocal. Independientemente de motivar a mis alumnos y lo hago desinteresadamente,
la composición me preocupa mucho el color, en esa porque no todo se relaciona con pagar cuentas.
parte tengo que agradecerle a un pintor venezolano,
al maestro Alirio Palacios, uno de los pintores que
más me llama la atención de los latinoamericanos. ¿Cómo ha incidido el ordenador en la
Para mí, él es primordial porque ha logrado mezclar obra gráfica?
la parte abstracta con el dibujo, el color y la forma. Él
vivió en China muchos años y recogió su tradición
plástica. Lo he seguido muy de cerca a través del Yo hablaría del ordenador como una herramienta,
tiempo y he aprendido mucho al comprender esa pienso que es el instrumento más importante que hay
mezcla del color y el dibujo. Para mi, es uno de los para hacer obra gráfica, da la facilidad de transformar
artistas más importantes, un excelente trabajo; uno en segundos una imagen, es más veloz que la mano,
se maravilla de la capacidad compositiva y narrativa. puedes cambiar el dibujo cinco veces en milésimas
de segundo y además se tiene a nivel de video el 3D.
El ordenador es una herramienta muy fundamental
¿Qué elementos utiliza para para todos los que trabajamos en el mundo del arte.
Ahora, dependiendo de qué quieres hacer, puedes
representar el drama del circo? quedarte con un afiche hecho en plotter digitalizado
y lo puedes vender a tres pesos, o hacer una obra en
Se trata de un período más tranquilo, una época muy plotter e intervenirla como lo hacen muchos artistas,
alegre en la que el color comienza a vibrar, todos por ejemplo Fabián Marcaccio, el argentino, él hace
esos personajes detrás de bambalinas comienzan a unos murales en digital que son de quince, treinta,
aparecer en escenas de circo callejero. Ahora que cuarenta metros de largo y es muy reconocido en
hablamos de este período, son quince años desde el el mundo entero hoy en día. El ordenador es un
dos mil, pienso que, a la larga, no se trata de mucho instrumento valiosísimo para la creación artística.

HOMENAJE A VELÁZQUEZ 400 AÑOS
Obra digitalizada, 100 x 80 cm, 1999

Mario Gordillo
En esa línea de desarrollo de su poética, ¿cómo se ha

relacionado su obra con las nuevas tecnologías en el ámbito
de lo gráfico?
Cuando apareció la impresión digital y el software para graficar digitalmente, para

mí, se convirtió en una herramienta de trabajo que ofrece muchas posibilidades,
menos la de pensar. Al ver las posibilidades que ofrecían estos métodos de “gráfica
contemporánea”, como yo los llamo, me puse en la tarea de aprender, estuve dos
años aprendiendo las virtudes de estas herramientas y descubriendo cómo podía
complementarlo con mis conocimientos en grabado y serigrafía para desarrollar una
obra nueva. Hay artistas muy importantes que han usado los medios digitales de
modos impresionantes, como Fabián Marcaccio y sus murales. Yo intento intervenir
todas las técnicas en mis obras antiguas, las digitalizo y las trabajo. El único problema
es que sólo se puede hacer una obra, no se pueden hacer ediciones numerosas por
los costos. Se hace una y se destruye la plancha. En eso consiste la exposición de
la Universidad del Valle, todas son obras únicas y originales. Pero en Colombia el
arte digital no ha tenido acogida, aún los galeristas no consideran las obras digitales
como obras originales.
¿Cómo es el proceso de intervención de su obra a través de

los medios digitales, con qué elementos importantes juega
allí? Puede hablarnos un poco más sobre ese aspecto.
Cuando se digitaliza e interviene una obra ya hecha pueden ocurrir cosas, inclusive,
chistosas, por ejemplo, me pasó algo con mi primer mural trabajado por este medio
y que ya se había vendido. Cuando casi me había gastado el dinero, el comprador me
llamó a informarme que ya no lo deseaba comprar porque su decorador de interiores
le había dicho que era una obra digital impresa, y que lo que él deseaba era un óleo.
Que lo que yo les había ofrecido era algo así como un afiche que se conseguía en
el barrio San Nicolás. Después de escuchar semejante barbaridad decidí no insistir
en explicarles el trabajo de intervención que había detrás de ese afiche, así que le
devolví el dinero para que comprara el óleo. Entonces, si una persona que vende
arte, como ese decorador, se atreve a decir que ese trabajo se consigue en cualquier
lugar donde haya un plotter, ¿cómo hace uno? Si trabajar digitalmente se convierte
casi en un pecado o en algo sin valor. Pienso que falta aún mucha investigación de
parte del artista y del comprador de arte en lo que se refiere a lo digital.

SIN TÍTULO
Fotografía intervenida, 60 x 60 cm, 2014
Mario Gordillo
¿Cómo construye usted cada obra utilizando la herramienta

del ordenador?
Es un proceso parecido a todo lo demás, muchas veces, si se tiene un boceto en

plumilla o carboncillo, o un grabado propio, simplemente lo escaneo y accedo con
él al programa necesario para empezar a mezclar sus propios colores, colores que
la máquina no te ofrece en un inicio. Elaboras capas, planchas, distorsionas, es
como estar con un lápiz. Para mi fue un proceso de aprendizaje increíble porque
los medios digitales y esos programas es cosa de jóvenes, trabajé por mucho
tiempo con un técnico que me enseñó a manejar estos medios. Es algo que para
mi es revolucionario en el arte, y en lo personal, pues tuve que buscar la mejor
manera de realizar cantidad de ensayos de impresión, buscando los precios más
módicos, y muchos no querían imprimir en mis telas porque no confiaban en que
sus máquinas podrían. Ha sido un proceso costoso en tiempo y dinero, pero me
gusta, y lo muestro por primera vez en este proyecto de la revista.
Acerca del color en la obra gráfica digital, ¿cómo interviene

el software?
La intervención de la obra digital va más allá, yo busco los colores necesarios en el

software y después de imprimir, la intervención consiste en trabajar manualmente
con lápiz de color, acrílico o serigrafía. Cuando me decido por la serigrafía es un
trabajo extenso, ya que por cada color que decida implementar en el grabado se
requiere una plancha diferente, entonces un trabajo de esta clase puede tardar una
semana mientras que una pintura un día, por eso estos medios han disminuido
su influencia, lo que no sucede en Europa. Todo parece ser cuestión de moda,
por ejemplo, la fotografía aún no ha recibido la importancia que merece, por lo
menos en cuanto al reconocimiento de su valor de venta. Ojalá lo logre, porque
se encuentran trabajos tan importantes como el de Fernell Franco, que tiene un
trabajo creativo increíble, uno de los más valiosos que existe.

Mario Gordillo
Desde esa perspectiva, ¿qué le espera en el futuro a la obra digital?
Pues en este momento en Europa se ha desarrollado muy bien, con mucha aceptación.
Hay que pensar cómo lograr lo mismo en Colombia. Pues el artista puede reproducir
su obra como un grabado, obteniendo diez copias para firmarlas y poder venderlas.
Además, se puede lograr hacer obra digital original y sin copia. Aunque esa palabra,
“original”, contiene un sofisma que la gente aún no identifica correctamente, pues
todas las ediciones que se han hecho de Picasso, Omar Rayo, etc., son obras originales
pero numeradas. Las ediciones son obras originales y tienen un valor de acuerdo a
su número, las cinco primeras tienen un valor y así sucesivamente. En este sentido,
pienso que los galeristas y los merchants están en deuda con la gente que compra
arte, pues deberían tomarse la tarea de enseñar.
¿Cómo es la relación entre la línea y el color?

¿Cómo se expresa esa tensión?
En mi obra, tiene mucha importancia la línea, he sido dibujante toda mi vida. Ha

sido una lucha ser pintor porque una cosa es ser pintor y otra es ser dibujante. Hay
dibujantes excelentes que no son pintores, no ven la forma, ven la línea. La línea da el
movimiento y la onda para el color, por ejemplo, mira la fuerza de la línea en Miró, la
fuerza del color cuando simplemente hace una línea y una mancha roja o dos gotas
azules, para mí Miró es un ejemplo básico del dibujo en mis clases, empiezo con Miró,
no con Miguel Ángel ni con Leonardo, sino con Miró o Chagall. La línea contribuye a
definir el límite del color, pero la línea no podría ser la línea sin el color.
¿Cómo es el proceso en la creación de sus obras?
No sé si se pueda hablar de que hay algo interno que a uno lo guía, o le transmita,
por clave morse, haga esto o cambie esto, este personaje así o este color así, eso es
muy misterioso, no creo en las musas, la creación tiene que ver con un estado de
consciencia natural, de pronto usted no está pensando en los recibos del agua, de la
luz y los impuestos, y de pronto llega como al poeta, como al músico, la nota, la fuente,
el agua, la luz, la lluvia, el sol, la palabra clave, y en el cuadro, el ambiente preciso. En
cualquier momento, el más normal de este planeta, sentado en una banca, mirando una
mata con un color fuscia, ¡miércoles! Entonces digo, ahí está una naturaleza muerta.

Mario Gordillo
GRABADO DIGITALIZADO
Técnica mixta, intervención manual con serigrafía, papel fabriano, 70 x 100 cm, 2013

Mario Gordillo
Técnica mixta, intervención manual con serigrafía, papel fabriano, 70 x 100 cm, 2014

Mario Gordillo
¿Tiene idea previa de la paleta antes de comenzar la

construcción de su obra?
Siempre trato de pensar en el cuadro como un todo, lo que va a ir en el cuadro

y aquello que lo motivó. Nunca me he dejado llevar por el temperamento, ni los
ánimos oníricos. La motivación que me lleva a realizar el cuadro es lo esencial. El
¿qué hago?, ¿qué pinto? como en el bolero, el motivo y la razón. La lucha siempre
es conseguir el motivo, cada artista debe buscar su motivo, Ana Mercedes Hoyos
encontró las palenqueras, Luis Caballero debió tener su motivo para esos abrazos de
cuerpos desgarrados y amantes furtivos.
Hay un aspecto de su obra que tiene que ver con el cuerpo,

y ha estado presente tanto en su obra gráfica digital como en
la obra anterior. ¿Qué diferencias existen respecto a esos dos
momentos?
Siempre he tenido una fascinación por la figura humana y siempre ha sido un pretexto
de trabajo para cualquier espacio. Mi otra fascinación es el dibujo; desde la escuela,
con los dibujos sencillos copiados hasta el dibujo de memoria. Pienso que el dibujo
del cuerpo humano es una forma universal de expresión, desde la prehistoria en las
cavernas, el palito de la columna, la bola como la cabeza, los palos de los pies y los
brazos, es la comunicación de una acción. Entonces tomo un cuerpo y lo pongo en
cualquier estado. Y es algo que, simplemente, me gusta.
¿Cómo ha sido su actividad docente y qué ha significado el

magisterio de la pintura?
Pienso que la docencia es un reto de mucha responsabilidad. Para mí, fue como un
regalo que me hayan invitado a ser profesor en el Instituto Popular de Cultura o en
Bellas Artes. Lo bueno es que yo tenía un trabajo de donde percibir un salario, entonces
esta invitación a enseñar me dio la gran oportunidad de ofrecer todo mi conocimiento
sin sentir el compromiso de tener que enseñar para sostener un puesto, pues muchas
personas son “profesores de estomago”. En cambio, yo tenía la oportunidad de poder
enseñar lo que sabía sin tener la necesidad de pelear por un puesto y también la posibilidad

de poder investigar y siempre tratar de ofrecer a los de mis colegas interviniendo desde una opinión muy
estudiantes problemas para que investigaran y para personal, y a través de la experiencia, ofreciendo
que se volvieran más creadores, aunque eso no se consejos estéticos y de manejo de material para que
enseña; pero sí, por ejemplo, enseñarles que la pintura ellos logren su obra. Y es grato observar cómo ellos
no sólo es mezclar colores, sino que también consiste mismos se sorprenden de los resultados cuando ven
dejar salir sus pensamientos, sus sensaciones, su sus obras expuestas.
necesidad de ser artistas; que sean conscientes que
son privilegiados al tener el don de artistas.
¿Cuáles serían sus recomendaciones
para las nuevas generaciones de
Es importante en la actividad artística
artistas plásticos?
la relación entre creación y docencia.
Usted que trabaja en ambos ámbitos,
La palabra clave que aplica para todo, no sólo para
desde su experiencia, ¿qué puede las artes plásticas, es perseverancia. La perseverancia
decirnos acerca de esa relación? te lleva a trabajar e investigar, y dejar salir todas las
sensaciones, las emociones relacionadas con lo que
se está haciendo, sea lo que sea. En una entrevista
Recuerdo las clases de dibujo y grabado en el Instituto que le hacían a Ana Mercedes Hoyos, en la que le
Popular de Cultura, ya hace mucho tiempo y durante preguntaban por sus estudios y preparación para
muchos años, aunque no recuerdo cuántos. También, llegar a ser artista, ella citó a todos los maestros que
recuerdo en Bellas Artes las clases de diseño por la había tenido, alabándolos por su conocimiento y
época en que llegó Doris Salcedo y en la cual se hizo erudición en la materia, sin embargo, ninguno de ellos
un cambio estructural de gran alcance. La experiencia le transmitió la capacidad de crear. De lo que concluí,
con Doris fue muy importante, porque entendí la que el acto y el proceso del crear son incomunicables.
diferencia entre los “profesores de estomago” y los que Es algo muy personal y es imposible enseñarse. Es
están comprometidos de verdad con la enseñanza. algo tan personal que yo diría que el aspecto más
Allí trabajé para reunir a Doris con algunos disidentes importante en el acto creativo es la honestidad, la
de Bellas Artes en el proyecto del periódico Mi Arte, transmisión de lo que se sabe sin miedo. El maestro,
donde logré transmitir lo que yo sentía a nivel creativo, de lo que sabe de la técnica, y el alumno, de lo que
que siendo docente debía procurar ser más creativo conoce de sus sensaciones. Es importante que hagan
y no acomodarme a los cánones mínimos que te propuestas, y que las muestren. Que propongan, que
exigía la enseñanza de una determinada técnica. Lo formen grupos de trabajo, que trabajen en propuestas
creativo debe llevar al docente a renovar su discurso, y de peso que apunten a perdurar. Hay mucha gente
no quedarse durante veinte años repitiendo el mismo trabajando, hay semilleros infinitos, pero pienso que
discurso para distintas personas. En el taller que dirijo a la gente joven le da miedo hacer propuestas. En el
actualmente me encargo de monitorear los trabajos fondo todo es atreverse a proponer.

SIN TÍTULO
Fotografía intervenida, 60 x 60 cm, 2014
¿Cuál es su perspectiva del desarrollo de la plástica en la ciudad
de Cali?
Todos los tiempos son distintos, yo diría que en este momento los jóvenes tienen más
oportunidades; porque la evolución es algo que va dirigido a ellos, porque ellos son
los que están haciendo propuestas y los que están exigiendo que el maestro no se
quede rezagado en cuanto a técnicas y aprendizaje, casi que obligando a los artistas
consolidados a mantenerse enterados de lo que pasa en el mundo entero. Entonces,
hay que estar observando las nuevas propuestas, lo que para mí no es un conflicto,
aunque hay muchos artistas de la vieja guardia que menosprecian el arte que surge de
los nuevos artistas. Yo creo que eso es parte de una evolución y de lo que se vive ahora.
Y digo que ahora los jóvenes tienen muchas más oportunidades porque anteriormente
el arte sólo valía como pintura, ahora hay muchas más opciones para el arte.
¿Cómo es el apoyo del gobierno a los artistas?
Esa es la pregunta de todos los tiempos. El arte siempre ha sido como el patio trasero
de la civilización. A veces sucede que se niega su existencia, cuando es una columna
fundamental de la expresión cultural en todo el mundo. Los países del viejo mundo
obtienen muchos ingresos del turismo que generan los museos, las galerías, etc. En
Cali solo tenemos el Museo de Arte Moderno La Tertulia y una galería, sin mencionar la
carencia de incentivos por parte del gobierno local para que se estimule el estudio del
arte o para patrocinar concursos que premien el arte. Entonces, ¿cómo podemos tener
escritores o pintores sin incentivos? Ni siquiera se hacen homenajes para la gente que
ha hecho una labor en beneficio del arte local, ¿dónde están los monumentos a Fanny
Mickey, a los músicos, a Andrés Caicedo? Yo sé que no soy el único que piensa así.
Santiago de Cali, abril de 2015

Mario Gordillo
Intervención manual con serigrafía, técnica mixta, papel fabriano, 60 x 60 cm, 2014

M ario Gordillo lleva más de cuarenta años en
Cali, dedicados al oficio de pintor, grabador
e ilustrador. Al encontrarlo en su taller de San
Antonio, uno tiene la sensación que toda la vida ha
estado allí, siempre muy activo, tan puntual como un
empleado bancario, está siempre en la dinámica de
un nuevo proyecto, con su overol, sus brochas, sus
lienzos, su computador, atento, incisivo, así le vemos
desde hace ya mucho tiempo; en medio de la luz
EL IMAGINARIO radiante que entra por el techo del estudio, se hace

más evidente el carácter apolíneo de su forma de
trabajo. La idea del pintor como artesano, metido en
PICTÓRICO DE la capilla de su taller, parece hoy en la era digital un
anacronismo, un romanticismo, pero, tal vez no sea
MARIO GORDILLO otra cosa que un acto de resistencia poética ante el

caos del mundo urbano y el universo globalizado de
los medios masivos de comunicación.
Llegó a finales de la década del 50. Cali fue su destino,

había nacido en Latacunga, rodeado de volcanes,
aunque desde muy joven emprendió su camino a otra
parte, venía de Guayaquil-Ecuador, donde ya había
estudiado artes, iba a México para continuar rumbo a
Europa, eso creía, estaba de paso, se quedó de visita
unos pocos días donde una hermana, la estadía iba
a ser larga, pero había llegado a su puerto de anclaje.
La vocación y la voluntad de ser pintor ya estaba
incrustada en su conciencia, debía seguir, pero, por
alguna cosa misteriosa, aquí se quedó. Era un joven
de algo más de veinte años, pasó por las puertas del
Conservatorio como un transeúnte desprevenido, vió
MAURICIO DOMÉNICI y olió que allí había una Escuela de Artes Plásticas,
entró, le gustó, reinicio sus estudios, conoció algunos
maestros, tomó algunos cursos, siguió su búsqueda,
unas cuadras más abajo descubrió otra Escuela de
Artes, con otro carácter, otro ambiente, otro espacio, era
SIN TÍTULO / FRAGMENTO

Grabado y aguafuerte, 1976
El imaginario pictórico de Mario Gordillo / Mauricio Doménici
SIN TÌTULO
Grafito sobre papel, 70 x 100 cm, 1978

el Instituto Popular de Cultura, también le interesó y allí,

finalmente, remató sus estudios básicos. Lo demás ha
sido una larga y sistemática experiencia de artista que
ha viajado por el mundo, estudiando y exponiendo.
A principios de los años sesenta, Cali era una ciudad

provinciana, que se abría al mundo a través de las artes.
La vieja ciudad señorial de los barrios coloniales y
republicanos, impactada por la inmigración traumática
que vino del campo, le abría el paso a nuevas zonas
urbanas. Se había inaugurado hacía pocos años la
democracia del Frente Nacional, Colombia había
comenzado a sacudirse el polvo de su tradicionalismo
e iniciaba su apuesta por las libertades y las liberalidades
del mundo moderno. Una arquitectura racional,
internacional, de frio rigor modular norteamericano
se iba imponiendo, la “estética” del hormigón armado
comienza su dominio en la industria de la construcción
urbana y el viejo centro inicia su demolición. La época
de los 60 va a ser una época vertiginosa, de grandes
cambios, agitaciones y rebeliones, sociales y culturales.
El proceso de nuestra historia del arte moderno

local es relativamente reciente, si esa historia, como
un hecho de la vida pública de la ciudad en el Siglo
XX, comienza, como creemos, con la fundación de
la Escuela de Artes Plásticas de Bellas Artes en 1934,
por el Maestro Jesús María Espinosa, quiere decir
que para 1960 nos encontramos con la segunda
generación de ese siglo, la cual se mueve en torno
al geometrismo y el abstraccionismo, en ella ocupan
un lugar destacado dos nombres claves como son
Omar Rayo y Edgar Negret, ligados en sus orígenes al
ámbito local, pero cuya obra se desarrolla y consolida
internacionalmente. Los años sesenta significan,
también, el retorno del protagonismo de los Salones
Nacionales (1957), suspendidos durante el periodo
crítico de la primera violencia y se caracterizan,
igualmente, por el surgimiento de los Museos de

Arte Moderno en Colombia, en particular el Mambo

de Bogotá, que inició actividades en 1963, y el Museo
La Tertulia, fundado en 1956, en una casona colonial,
pero cuya gran proyección nacional la tendremos
varios años después.
La Cali de los sesenta, a la que llega Mario Gordillo en

su periodo de formación, interesada en promover los
procesos de su modernización, estará cruzada por
tensiones estilísticas diversas: en Bellas Artes y en el
IPC están los Maestros formados por la escuela de
Jesús Maria Espinosa, son ellos, Bernardino Labrada,
Hernando Polo y Daniel Romero, entre otros. Con
quienes están sus propios discípulos, quienes
constituyen la tradición técnica del óleo, el dibujo, el
mural y la acuarela, en los marcos del impresionismo
y el expresionismo. Además del abstraccionismo al
que ya hemos hecho referencia, un importante grupo
de artistas nacionales tienen como referente de su
obra la cultura popular, con sus rasgos de ingenuidad
y primitivismo, como es el caso de la obra original
de Hernando Tejada, con sus trabajos en madera
de balso, sus esculturas-muebles, sus máscaras, sus
títeres, objetos ambiguos, a medio camino entre el
arte y la artesanía.
Permítaseme una breve digresión un tanto teórica. La

idea según la cual el significado estético es un asunto
exclusivo de la estructura interna de la obra, no impide
reconocer que ella es, también, el resultado de un
diálogo, consciente o inconsciente del artista con el
medio en el que esa obra se elabora y codifica. La
concepción internalista, autónoma, de la obra de arte
como objeto autosuficiente creo que está superada.
Necesitamos inscribir la obra en una narrativa histórica
y desde allí intentar comprender sus elecciones y
desafíos. Se trata de superar el fetichismo de considerar
la obra de arte como un objeto sagrado, cerrado
sobre sí mismo. Vamos, pues, a situar la obra de Mario
SIN TÍTULO
Grabado y aguafuerte, 1976
Gordillo en el contexto de las tendencias artísticas de

finales de los años sesenta y los setenta cuando se
configura su universo creativo, sus temas, sus formas
y sus obsesiones.
Los pintores colombianos no han operado como

grupos generacionales que comparten un ideario y
lo expresan en un manifiesto de impacto político, lo
han hecho más como personalidades aisladas. Sobre
todo la consagrada generación de Obregón, Ramírez
Villamizar, Botero y Rayo, entre los más sonados,
cada uno inmerso en el lenguaje de su propia
cosmogonía internacional. No obstante, la siguiente
generación, han dicho los historiadores, aunque
trabaja individualmente, crea múltiples afinidades y
coincidencias. Marta Traba denomina la década de los
sesenta en materia pictórica como la década de la “pos-
violencia”, no en el sentido que la violencia se diera
por terminada sino que esta comenzó a ser estudiada
con “cierta perspectiva”, se empezó a comprender
su verdadera intensidad. La violencia es en el arte
colombiano una atmósfera opresiva y amenazante
dentro de la cual se crean las obras. Surge así una
generación que rompe el inmovilismo y el statu quo
de la idiosincrasia elitista colombiana, una generación
desmitificadora, irreverente y provocadora. A este
grupo, desde mediados de los sesenta, pertenecen
los nombres de Norman Mejía, Feliza Bursztyn, Luis
Caballero y Pedro Alcántara.
A partir de los setenta, la vitalidad del arte colombiano,

su diversidad, ha estado en manos de artistas
independientes que no han estado bajo el impacto de
ningún gran maestro absoluto. Este es el caso de Mario
Gordillo y no solo por eso pertenece a la generación
que surge en los setenta. El arte de esta década va a
ser, de forma predominante, figurativo.
BOCETOS PARA UNA CARPETA DE POEMAS, FRAGMENTO

Dibujo sobre papel, 20 x 18 cm, 1980

SIN TÍTULO
Grabado sobre plancha acrílica, 40x40 cm, 1980.

EL ALQUIMISTA
Oleo sobre tela, 30 x 20 cm, 1980
Baste mirar los trabajos de Oscar Muñoz con sus personajes desnudos de la cintura
para abajo, en situaciones grotescas y truculentas o los trabajos de Ever Astudillo con
sus desolados paisajes urbanos y las sombras humanas de los barrios populares que
acechan las esquinas. Es tal el interés figurativo que el historiador y crítico de arte German
Rubiano Caballero divide en cuatro corrientes la pintura figurativa colombiana de los
setenta: una corriente de figuración erótica del tipo Luis Caballero; otra denominada de
figuración clásica-expresionista representada por Juan Cárdenas; otra de figuración pop
al estilo de Ana Mercedes Hoyos, y por último la corriente de figuración hiperrealista
encarnada por Darío Morales.

BOCETOS PARA UNA CARPETA DE POEMAS 2

Dibujo sobre papel, 20 x 18 cms
1980

CARPETA CON POEMAS DE ORIETTA LOZANO 3

Grabado sobre plancha acrílica, 40 x 50 cm, 1981

Los años setenta son de regreso a

la figuración, al desarrollo del dibujo
y el grabado. La bienal Americana
de Artes Gráficas de Cali, organizada
por “La Tertulia” a partir de 1968,
contribuirá a ello. No hay que olvidar
que en los setenta también hay una
fuerte tendencia a que el arte sea un
testimonio comprometido del presente.
Se va a producir una importante
confluencia entre arte y política. Uno
de los grupos de artes gráficas más
representativos fue el denominado
Taller 4 Rojo de Bogotá, colaboradores
significativos de la revista Alternativa ,
fundada por García Márquez y Enrique
Santos Calderón, uno de cuyos temas
centrales será la represión militar del
Gobierno de turno. En esta tendencia
se ubica buena parte del trabajo como
dibujante, pintor y grabador de Pedro
Alcántara, una obra marcada por una
fuerte intencionalidad política: figuras
de hombres desgarrados, despellejados,
distorsionados, mutilados, imágenes
del dolor y el horror de la violencia
en Colombia.
Es importante tener en cuenta que

dentro de una misma corriente o estilo
la heterogeneidad de las obras y su
singularidad creativa son notorias.
SIN TÍTULO
Grabado sobre metal, 20 x 15 cm
1986

En la multiplicidad de esta diversidad

figurativa de los setenta, en su claro
carácter de rebelión hacia el statu quo,
Marta Traba señala la existencia de dos
líneas libertarias que se entrecruzan:
la anarquía y la libertad sexual. A esta
última pertenece la obra de Mario
Gordillo: el erotismo es una constante
en su obra, es su gran obsesión
temática, se renueva constantemente,
cambia de escenario, pero siempre está
allí. La sexualidad expuesta de forma
abierta y espontánea se erige en una
forma de confrontación con respecto
al ethos social establecido. Es la idea
desestabilizadora de concentrar todo
el sentido de la existencia en el éxtasis
físico, en la fecundidad de los cuerpos
que se abrazan y se desean.
Las criaturas de la estética de Mario

Gordillo pertenecen a un mundo
propio y verdadero: un mundo de
apariencias galantes. Su lenguaje es
alusivo y poético, sus cuerpos son
bellos, suaves, atractivos y armoniosos.
No son cuerpos deformados al estilo
de Bacon o descuartizados al estilo
de Norman Mejía o desesperados
como los de Caballero o apocalípticos
como los de Alcántara. Mario Gordillo
es todo lo contrario del escándalo y la
provocación, en él hay una especie de
serenidad incaica, hierática, ancestral,
que viene, tal vez, de lo profundo del
LA PESCADORA
Grabado sobre metal, 18 x 12 cm, 1986

CARPETA CON POEMAS DE ORIETTA LOZANO 2

país donde nació y en el que no se han vivido las violencias fratricidas de los colombianos.
Su imaginario visual se enmarca en la corriente de la neofiguración, pero no participa
del espíritu dramático o de confrontación de muchos de los nombres significativos que
la representan. No ha sido nunca un crítico social, ni su pintura obedece a posturas
ideológicas determinantes, su espíritu es festivo, teatral, tiene mucho de la anarquía del
carnaval y su vitalismo desordenado.
¿De dónde viene el mundo imaginario de Mario Gordillo: de los sueños, de los mitos y de
la pintura italiana del Renacimiento? Desde luego no es el mundo de la vida cotidiana lo
que vemos en sus cuadros, es más una suerte de elaboración onírica, su cueva interior,
su percepción del mundo. Su obra está en contravía del realismo del supermercado que

CARPETA CON POEMAS DE ORIETTA LOZANO

inspira al pop-art o del realismo fotográfico o cinematográfico dominante en la expresividad

visual contemporánea. Se trata de una pintura no supeditada a la realidad inmediata o a
la vida diaria o al tumulto urbano o a la degradación realista del ser humano, el artista se
aleja de los problemas nunca resueltos del hombre contemporáneo. Uno puede trazar
conexiones arbitrarias con el universo creativo de otros pintores de atmósferas semejantes
sin que haya que hablar de influencias o nada por el estilo, pintores como Juan Antonio
Roda en el Delirio de las Monjas Muertas o Lucy Tejada con la prolijidad poética de su
mundo barroco o, por qué no, con la pintura de Chagall, por el espíritu completamente
onírico que la inunda; pero, también, por su pasión por el teatro y el circo.

LA TARDE DE LAS SOMBRILLAS, Mixta sobre papel, 1.30 x 1.30 cm, 2009

LA CORISTA CON SOMBRILLA NEGRA Óleo sobre tela, 100 x 100 cm / 2009

Desde otro ángulo: lo más parecido a un cuadro de

M.ario Gordillo tal vez sea un poema de Mallarmé,
el poeta francés del simbolismo abstracto. Usted lee
el poema y es seguro que tiene que volverlo a leer,
una y otra vez, en el primer verso se identifican
algunos referentes conocidos, luego desaparecen,
hasta que se da cuenta que tiene que echar mano
de su imaginación, abrirse desprevenidamente
hacia las asociaciones libres y aventurarse en alguna
interpretación personal que haga posible un cierto
sentido de las cosas que está viendo. Se trata siempre
de un juego de posibilidades ocultas, como en el
poema, el lienzo se organiza alrededor de un símbolo
central. Mario Gordillo podría suscribir esta frase de
Mallarmé: “Un poema es un misterio cuyo secreto
debe buscarlo el lector”. Los comentaristas de la obra
de Gordillo han hablado mucho del simbolismo en
su obra, pero hay que tener en cuenta, para evitar
equívocos, que el simbolismo no es una corriente SERIE TANGO, FRAGMENTO
unitaria, su cronología es amplia y sus figuras dispares, Litografía sobre papel, 40 x 25 cm, 2010
allí podemos encontrar a Gauguin, a Klimt, a Munch,
universos de significación que reclaman cada uno su de liberación del esquema formal abstracto o de
propio análisis: hay un simbolismo romántico como descubrimiento, paso a paso, de su universo simbólico.
un simbolismo macabro, todas las culturas crean sus Buena parte de su estilo está envuelto en los velos
símbolos, que los artistas recrean incansablemente. del sueño, siempre nos topamos con un deliberado
El simbolismo de Mario Gordillo ha sido ecléctico y espacio onírico donde flota el misterio, el arcano, la
hay que rastrearlo en las series que como ciclos vitales cifra cabalística. La realidad de sus cuadros sugiere
ha ido trazando su pintura: desde la serie inspirada en en su hermetismo, leyes secretas, hilos fatales, en un
el imaginario simbólico precolombino, pasando por contexto de referencias intertextuales que van del
la serie de los pájaros tropicales, o la de los cuadros quatrocento italiano hasta los imaginarios revueltos
donde se mezcla la mitología griega con los terrores de la cultura popular. Los elementos de su simbología
medievales de brujas y demonios, hasta la última personal han sido muy dinámicos en sus distintas
dominada por el espacio del circo, sus acróbatas, sus series: pájaros gigantes, manzanas o panes en espacios
trapecistas, sus animales amaestrados, en una suerte azarosos, naipes adivinatorios, bolitas de cristal, verdes
de realismo mágico sensual y placentero. grillos de la buena suerte, dados lanzados al aire y
extraños seres con la cabeza envuelta en capuchas
La clave esencial de la obra de Mario Gordillo es su cónicas que podrían ser duendes amigables o brujas
predisposición hacia lo mítico, de hecho la trayectoria vengadoras. Marcel Proust ha escrito con su sicología
de su vida artística va del experimento abstracto original que a través del mundo del sueño es posible
hacia el espacio onírico o mitológico. Es un proceso dar con un mundo más verdadero, no se trata, pues,

LITOGRAFÍA DIGITALIZADA
Intervención manual con serigrafía, técnica mixta, papel fabriano, 70 x 100 cm, 2013
de una pura o arbitraria fantasía. climático de su intimidad. La religión profana de Mario

Gordillo es el cuerpo como paraíso de la felicidad, la
Como de lo que se trata en este análisis es de trazar dulzura y el éxtasis beatifico. Dado su interés por la
líneas de sentido que sirvan de puente hacia una visión pintura del Renacimiento y sus viajes de aprendizaje a
de la obra de Mario Gordillo, quiero volver a un tema Italia, es inevitable asociar estas mujeres yacentes, su
ya aludido en este texto: el erotismo como forma de concepción pictórica, a esas otras que como la “Venus
liberación. Señalemos algunas de las transgresiones en Reposo” de Giorgione o la “Venus de Urbino” de
del erotismo ensimismado de varias de sus figuras Tiziano, las que representan, en su delicado erotismo,
femeninas: son esas mujeres semidormidas, dulces, el cuerpo como modelo y signo de una cosmovisión
plácidas, desnudas y en éxtasis, con la mano entre sus atrapada en la belleza como valor supremo del arte
piernas, delante de nosotros, impúdicas, en el instante clásico. La rebelión erótica en la obra de Mario Gordillo
se desarrolla en un escenario tranquilo y evanescente,

es una rebelión pacifista, dulce,

armónica, los cuerpos ingrávidos casi
que flotan en medio de las sábanas que
se difuminan en el aire.
La última serie de la actual pintura de

Mario Gordillo tiene como tema el
circo. Este tema atraviesa la pintura del
siglo XX, es una fuente de inspiración
inagotable, tal vez por su naturaleza
tragicómica, su mezcla de alegría y
sufrimiento, sus números variados de
riesgo y suspenso. Son famosos los
saltimbanquis circenses del periodo
rosa de Picasso y sus arlequines
desolados también, lo son los animales
del circo de alambre de Calder, así
como el circo poético de Chagall,
con sus acróbatas enamorados y sus
caballitos de carrusel; ni qué decir del
circo puntillista de Seurat y del circo
provocador de la noche parisina de
Toulouse Lautrec. Cada uno tiene
un punto de vista particular y un
imaginario propio, la originalidad no
está en el tema, que es universal, sino
en el tratamiento formal.
El escenario del circo de Mario Gordillo

no representa la carpa habitual de
la tradición del circo popular, no es
un circo “real” en el sentido literal del
término, evoca una suerte de escenario
múltiple, en temporalidades distintas,
que se superponen en el cuadro como
Intervención manual con serigrafía, técnica
mixta, papel fabriano, 70 x 100 cm, 2014

un conjunto de elementos no relacionados, una formas y materiales, pero ha mantenido las claves
composición de escenas fragmentadas, separadas, de su identidad pictórica, los hilos conductores
como en un juego cubista de ángulos puestos en que recorren su obra se han hecho sistemáticos: el
una serie discontinua, pero todo ello atrapado en simbolismo, las atmósferas oníricas, la combinación
una atmósfera de líneas y colores que lo unifican. En de lo abstracto con lo figurativo y sobre todo el gesto
algunos cuadros, vemos en el trasfondo los artistas teatral y la exaltación vitalista que anima su obra. La
del circo callejero de los semáforos y en el primer presencia de su obra en el campo pictórico nacional
plano, al lado, observamos un recinto interior, un ha sido permanente, su imaginario artístico se ha
camerino donde una acróbata o una bailarina posa mantenido análogo, no ha experimentado cambios
cansada después de haber realizado su presentación. bruscos e insólitos, su lenguaje se ha desarrollado
Es como si se fuera del circo de sobrevivientes de de manera telúrica, de forma lenta, constante y
la calle al ambiente cerrado de un escenario interior. coherente. Sostenerse no ha debido de ser fácil en
Uno tiene la impresión que estas figuras, en su las últimas décadas, que han significado el tránsito del
mayoría femeninas, son tomadas o en un ensayo o arte moderno al contemporáneo, signado este por
después de la función, salvo en los dos cuadros que la negativa de los artistas a situarse o anclarse en un
en esta exposición son como la apoteosis del circo estilo y unas formas más o menos estables, pero, sobre
de Gordillo por sus grandes dimensiones, uno en todo, que ante la pluralización de las voces artísticas
blanco y negro, y el otro en colores cálidos, pues, en los noventa, ante el eclecticismo radical del arte en
aquí las escenas, parece, suceden en el presente de una era de comercialización y consumo desaforados,
la función. la crítica especializada desapareció de los medios de
comunicación y con ella el propósito de formar al
Es difícil saber de qué se alimenta la pintura de público en la dinámica contradictoria del arte de hoy.
Gordillo, es un artista reservado, muy prudente, no le Los artistas veteranos como el maestro Mario Gordillo
interesa mucho hablar de su proceso creativo, tiene han atravesado solitarios y serenos el áspero escenario
sus opiniones, sus fantasmas, pero no es muy explícito de las rupturas radicales del arte contemporáneo y aquí
al respecto. Yo creo que se alimenta de sus propios está hoy inaugurando esta retrospectiva esencial de su
sueños, en los cuadros sobre el circo de pronto aparece trabajo, que invita, entre otras cosas, a una reflexión
un ángel y una corista desnuda, es claro que no son que impida la banalización y la descalificación de las
personajes del circo tradicional, tal vez provienen del prácticas artísticas en nuestro medio.
oscuro inconsciente de sus deseos. En el circo de
Mario Gordillo no vemos al público, de pronto alguien
se asoma tras una cortina y mira desde la tras escena, Mauricio Doménici
lo que vemos es la soledad de los artistas del circo, Santiago de Cali, enero de 2015
ensimismados y ausentes.
Mario Gordillo ha sido protagonista y testigo

privilegiado del proceso de la pintura en Cali durante
los últimos veinte años, se ha aventurado con nuevas
técnicas, en su oficio ha experimentado con distintas

BOCETO
Dibujo con carboncillo, 20 x 18 cm , 2015

Mario Gordillo
MOMENTOS BIOGRÁFICOS
M ario Gordillo nació en Latacunga (Ecuador) en 1940. A la edad de 17 años, ingresa

a la Escuela de Bellas Artes de Guayaquil, dos años después viaja a Cali donde
se matricula en el Instituto Popular de Cultura. En 1971, se traslada a España, allí
permanece durante cinco años, período en el que ingresa a estudiar grabado en La
Escuela Superior de Bellas Artes San Jorge en Barcelona.
Desde los inicios de su carrera artística, se ha proyectado hacía la representación de

ambientes teatrales en escenas donde el cuerpo y las formas de la mujer han ejercido
un papel principal. La sensualidad, el erotismo y el drama son elementos constantes en
su construcción pictórica, permitiéndole a los espectadores transportarse a escenarios
oníricos en los que la explosión de colores resaltan personajes que ingrávidos se
balancean sobre trapecios.
Se ha caracterizado por permanecer a la vanguardia en las técnicas de las artes

plásticas, su obra ha transitado por expresiones abstractas y figurativas, utilizando
métodos tradicionales como el óleo y las tintas. Desde la década de los años ’80, ha
utilizado el grabado como técnica fundamental en la construcción de su obra; en la
actualidad, ha usado el ordenador como herramienta principal en la realización de
serigrafías, grabados y litografías, permitiéndose salir de los cánones de lo tradicional
para ofrecer al público una obra fresca y renovada, sumergida dentro de las infinitas
posibilidades que nos permite el mundo digital.
Mario Gordillo ha permanecido la mayor parte de su vida en Cali. Desde 1964, ha

participado en diversas exposiciones individuales y colectivas en diferentes ciudades
del país y en países como República Dominicana, Italia, España y Estados Unidos. Ha
sido acreedor de diversos premios y menciones de honor tanto en Colombia como
en otros países.

EXPOSICIONES INDIVIDUALES
1964
Museo de Arte Moderno La Tertulia. Cali
1972
Galería Matisse. Barcelona
1976-1980
Galería de Arte El Callejón. Bogotá
1981-1983
Galería de Arte, Autopista El Poblado. Medellín
1996
Casa Bastidas. Santo Domingo, República Dominicana
2007
Galería ADN. Cali
EXPOSICIONES COLECTIVAS
1988
Exlibris Concurso Benua Junod. Bogotá
1990
Exposición Exlibris En Monchengladbach. Alemania
1992
Concurso Internacional de Exlibris Cristoforo Colombo 1492
1993
Primer Internacional Grafiek Bienale Necc Masstricht. Holanda

EXPOSICIONES COLECTIVAS
2004
Exposición itinerante “18 grabadores de Cali”. Colombia
2005
Laboratorios Baxter, “Portafolio 6 artistas”. Cali
2010
Alianza Colombo Francesa “Blanco y Negro”. Manizales
2013
Galería Magenta “Grabado Contemporáneo”. Buga
Biblioteca Departamental “Una mirada a Cali”. Cali
2015
Museo de Arte y Cultura Presentación. Cartagena
MURALES
1996
Estación de Pescara, Italia
2001
Restauración murales de Hernando Tejada, estación del tren, Cali
2004
Mural Conmemorativo ICESI, Cali
2006
Participación pictórica proyecto “Las novias del gato” de Hernando
Tejada, Cámara de Comercio, Cali

PREMIOS
1976
Mención, XXVI Salón de artes visuales
Cali
1977
Mención de Honor, Bienal del Grabado,
Maracaibo
1981
Mención de Honor, IV Bienal Americana de Artes Gráficas,
Cali
1984
Primer Premio, Salón de Octubre, Cámara de Comercio,
Cali
1992
Mención Honorífica, Exlibris Jouzas Zikaras,
URSS
1994
Primer premio, 1er concurso Internacional de pintura Mural
Pescara, Italia

COMENTARIOS
Cuando Cristóbal Colón regresó de su primer viaje, los indios que trajo consigo asombraron a los reyes y a los
pueblos de España con las cosas inverosímiles de su tierra. Mostraron máscaras de oro puro que sólo servían
para jugar, frutas exquisitas que se volvían venenosas al atardecer, pájaros que hablaban como hombres, perros
educados para no ladrar cuando no debían. Aquellos indios cautivos, los primeros americanos que pisaron
el suelo de Europa, no dejaron en la historia ningún rastro de su destino, pero en cambio implantaron para
siempre la costumbre de sus maravillas.
He pensado en esto mientras Guillermo Sandoval y Mario Gordillo me mostraban los cuadros que ahora exhiben
en esta exposición de Gerona, a diez mil kilómetros de la tierra en que nacieron. Oyéndoles hablar, admirando
su arte, he pensado con un orgullo legítimo en tantos americanos como ellos, que sin saberlo ni proponérselo
han intentado durante quinientos años la misma hazaña de nuestros antepasados remotos: atravesar el océano
para mostrar maravillas.
Gabriel García Márquez / 1972
En la obra de Mario Gordillo encontramos como materia prima los pájaros, desde inocentes golondrinas hasta
fieros cuervos, los ojos de niños, mujeres y los lazos que junto con manteles drapeados prestan unos perfiles
aún más dramáticos a la obra. Es toda una simbología. La vida, la muerte, la libertad, son tantas cosas… todo
eso que el hombre no puede hacer porque está encerrado en una jaula, o atado con cintas, sobre todo el pico…
Es tratar de decir con símbolos muchas cosas, como esas ventanas unas veces abiertas, otras con rejas. Hay
constantes en su obra: no podemos librarnos de la cuestión religiosa, ni de la autoridad, el deseo de libertad
que se refleja en esos ojos brillantes fijos. Por eso en sus grabados o en sus óleos hay siempre un pájaro-obispo,
una pájara maltratada, los ojos de posada conformado por pequeñas calaveras. Pueden ser los que van a morir
o los que ya murieron… pueden ser las ilusiones.
Melba Ortega / 1980

Mario Gordillo
Mario Gordillo trabaja a partir del enigma de la pirámide que es este rostro múltiple de la mujer en “tríptico”, esfinge
de misterio, eterna extranjera, infinitud inescrutable del pájaro de la sensualidad, “flor del mal”, que crece en la
soledad del secreto de su belleza, de los desiertos calcinados de la existencia: esta mirada tierna que desde su propio
intersticio muestra la abolición de todo espacio de objetividad renacentista, de su juego de representaciones y de
la justificación de la realidad y de su conversión y actúan en un simulacro de espacios y perspectivas en donde el
mismo proyecto de lo real está puesto en cuestión y solo existen los signos de su simulación, pero en cuyo pliegue
furtivamente tenue aún brilla la extrañeza de la risa femenina que desafía a las mismas implosiones de la muerte y
a su manzana de la discordia con un aliento maravilloso de vida…
Ramón Garzón Mendoza / 1980
En nuestro medio colombiano y vallecaucano, el nombre del maestro Mario Gordillo ocupa un sitio definidor de
aperturas y rumbos en las artes gráficas y en el propio territorio de la plástica, en cuyo ámbito se mueve con los
instrumentos de precisión de su excepcional y atávica facultad creadora. Asumió el universo macondiano para
ponerlo en manos de los niños, con la duplicada virtud de lo terrestre y lo espiritual, en cuyo ámbito sugerente es fácil
advertir las voces alucinantes de una mitología que nosotros mismos hemos creado, como pueblo, al interior del
“caos primaveral” de este continente de caudillos bárbaros y demagogos, pero también de poetas excepcionales y de
pintores que insurgen del fondo de la nostalgia.
Héctor Moreno / 1988
Con Mario Gordillo y su obra tengo un reverencial respeto y una serena y firme admiración paradisiaca. Gordillo me
devuelve a mundos perdidos que ya son nostalgia en mi alma y por eso no recurro al mundo de los tecnicismos. Cuando
uno se encuentra con el mundo de los trazos y colores de los mundos vegetales debe soñar antes de calificar.
Álvaro Bejarano / 2007
¿Qué está Mirando? Nº 4 Dpto. de Filosofía División de Bibliotecas

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Llegó a finales de la década del 50. Cali fue su destino,

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