Exámen 2

(MONOGRAFIA DE CLAUDE MONET)

Carlos Jimènez.
Mayo de 2023.

Universidad José María Vargas

Facultad de Arquitectura
TALLER DE DISEÑO I
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Copyright © 2023 por Carlos Jimènez. Todos los derechos reservados.

Claude Monet
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Abstract

Monet fue la figura clave del movimiento impresionista. De hecho fue un cuadro suyo el

que puso nombre al movimiento. Sus innovaciones en el estudio del color y la luz causaron tanta

admiración como rechazo, pero como bien sabemos, se adelantó lo justo a su tiempo como para

ser considerado un innovador y tener éxito al mismo tiempo. Saber sobre su vida es lo que aporta

gran magnitud a su persona y obras que ha logrado realizar.

Claude Monet
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Tabla de Contenidos

Capítulo 1 Claude Monet vida y formaciòn 1

Primeros años de su vida 1
Luego de su regreso a parìs 2
Los “independientes” 5
Capítulo 2 Giverny 8
Exposiciones y su estilo 8
Viajes 9
Últimos 30 años de su vida 11
Capítulo 3 Obra 15
Capítulo 4 Resultados y discusión. 17
Lista de Referencias 18

Claude Monet
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Capítulo 1

Claude Monet vida y formaciòn

Primeros años de su vida

Claude Oscar Monet es un pintor francés conocido por su aportación en el

movimiento artístico denominado Impresionismo. Nacido en París, el 14 de noviembre de

1840, pasa su infancia en Normandía, en la ciudad de El Havre, donde se instala junto a

su familia con tan sólo cinco años. Poco a poco, el joven Monet logra desarrollar su

pasión, empezando por la caricatura, ya pintaba paisajes y marinas, algo que le agradaba

al poder trabajar al aire libre, las excursiones al campo y la playa durante su adolescencia

orientaron el posterior desarrollo de su pintura.

En 1859, con 19 años viaja a París para empezar sus estudios, estudiando pintura

en la Academia Suiza de París, siendo financiado por su familia con el apoyo de su padre.

Pero cuando Monet es llamado para el servicio militar (de 7 años) estos no quieren pagar

el reemplazo a no ser que deje ese horrible oficio, por lo que Monet se tiene que ir a

Argelia.

Su marcha a Argelia al servicio militar en 1861 interrumpió sus estudios, un año

después su tía acabaría pagando y Monet retorna a Francia. sin embargo, continúa

experimentando diferentes efectos artísticos, viaja por Europa donde se enamora de las

distintas luces en los distintos momentos del día. En el Reino Unido descubre a Turner,

que le marca como nadie había hecho. Comienza a intentar plasmarlo en pintura mediante

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manchas. Era el ojo quien las unía en el cerebro, aunque estas ideas eran demasiado

modernas para la época.

A su vuelta a París en 1862 tras una enfermedad que contrae (pleuresía), conoce

al pintor suizo Charles Gleyre y conoció a jóvenes artistas como Renoir, Sisley y Bazille

que se convertirán en buenos amigos, y en el popular café Guerbois contactó con un

grupo de intelectuales, literatos y pintores como Émile Zola, Nadar, Cézanne y Degas,

que junto con Manet comenzaban a oponerse al arte establecido.

Durante la segunda mitad de la década de 1860, Monet pinta un estilo que

recuerda al de Edouard Manet. A medida que amplía su estilo, Claude Monet se

enfrentará a dificultades económicas, no fueron tiempos de bonanza. Monet y su familia

(incluyendo hijos ilegítimos) vivían en la pobreza pero eso no impedía que el artista

vistiera con las mejores ropas, como un dandy. Además era un artista muy poco

comercial, excesivamente experimental.

Luego de su regreso a parís

La pintura rápida como las pochades o études era, en aquella época, del agrado de

la sociedad siempre que ésta se circunscribiera al tema del paisaje en pequeño formato.

La temprana obra de Monet, La costa de Sainte-Adresse (1864, Institute of Arts,

Minneapolis), recuerda a su iniciador, Boudin, pero adquiere mayor alcance al aplicar la

pintura directa a temas y formatos de mayor complejidad y tamaño. ya que ningún Salón

quiere exponer sus lienzos, a pesar del éxito de La Femme en robe verte. que representa a

Camille Doncieux, la mujer que se convertirá en su esposa en 1870

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Figura 1. La Femme en robe verte (1866).

Similar innovación puede apreciarse en Mujeres en el jardín (1866, Museo de

Orsay, París), obra rechazada en el Salón de 1867, en la que tres mujeres se divierten en

el campo bajo un sol tan intenso que sus vestidos alcanzan el blanco en estado de gran

pureza, con escasas modulaciones intermedias y marcadas escisiones entre las zonas de

luz y sombra. La instantaneidad de la escena se pone de manifiesto tanto por la precisión

luminosa del momento como por el dinamismo de las figuras, correteando y girando

caprichosamente alrededor de un árbol. Con esta ambiciosa obra, Monet se aleja del

tratamiento tradicional que hasta entonces se dio al retrato -el retrato de su primera mujer,
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Camile, había sido ensalzado por Zola en el Salón de 1866- y se inclina por la integración

de las figuras en la naturaleza.

Figura 2. Mujeres en el jardín (1866)

Los serios problemas económicos y el nacimiento de su hijo ilegítimo, Jean, en

1867, condujeron a Monet a vivir una época de hambre y pobreza extremas, así como a

un intento frustrado de suicidio. Por sus dificultades financieras fingió una ruptura con

Camille para acercarse nuevamente a su familia, de la que esperaba ayuda económica.

Por esta razón pasó el verano de 1867 con su familia en Sainte-Adresse, mientras que

Camille, que se encontraba embarazada, permaneció en París y era cuidada por Bazille.
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El 8 de agosto de 1867 nació el primer hijo de Monet, Jean. Debido a que no quería dejar

desamparados a su querida y a su hijo, regresó a París y el 26 de junio de 1870 se casó

con Camille Doncieux. Por su selección de temas y estilo de pintura, Monet se

distanciaba cada vez más del Salón de París y por lo tanto del éxito económico.

Durante la contienda franco-prusiana, el artista se refugió en Inglaterra, donde

conoció a Pissarro y obtuvo el apoyo económico y la amistad de Paul Durand-Ruel. Allí

se interesó mucho por la obra de Turner, que tanto influiría en su percepción de la luz y el

color. Según Monet, el pintor que se coloca ante la realidad no debe hacer distinciones

entre sentido e intelecto.

A partir de 1872, Monet se interesó por el estanque de Argenteuil como lugar

idóneo para adaptar su técnica a la representación rápida del agua y la luz.

La obra titulada Monet trabajando en su barco en Argenteuil (1874, Neue

Pinakothek, Munich) representa esa especie de laboratorio náutico desde el que el artista

podía navegar sobre el agua del estanque apreciando los cambiantes efectos luminosos de

su superficie, que reproducía mediante diversas variaciones sobre un mismo tema. El

barco-taller de Monet se oponía radicalmente a la idea de estudio que veinte años antes

exaltaba Courbet en su obra El estudio del pintor, y suponía un pintoresco testimonio de

las principales aspiraciones impresionistas.

Los “independientes”

Una parte del futuro grupo de impresionistas se une en 1872 en Argenteuil

—formada por Monet, Manet y Renoir—, y el primer lienzo que surgirá de este

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movimiento artístico será Impresión, sol naciente, y que, de hecho, dará su nombre al

movimiento.

La incipiente luz del amanecer y sus aleatorios reflejos sobre el agua pueden

apreciarse también en la mítica obra Impresión, sol naciente (1872, Museo Marmottan,

París), pintada en Le Havre. En poco más de medio metro cuadrado numerosas

pinceladas se superponen en un solo color general neutro, captando el instante luminoso

del amanecer y los destellantes reflejos del sol rojizo sobre el agua. Esta pintura se

presentó al público en la primera exposición impresionista en 1874. Este será el año que

marcará el apogeo del Impresionismo y definirá a Claude Monet como uno de los

creadores del movimiento.

Figura 3. Impresión, sol naciente (1872)

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La rapidez que la fugacidad del tema exigía condicionó el formato, la técnica e

incluso el título, condensado manifiesto de intenciones que dio nombre al grupo cuando,

en 1874, al mostrarse la obra en la primera exposición impresionista, el crítico Louis

Leroy empleó el término para referirse despectivamente, en Le Charivari, a quienes hasta

ese momento eran conocidos como el grupo de Manet.

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Capítulo 2

Giverny

Exposiciones y su estilo

El primero de los ismos modernos tenía ya denominación y Monet era

considerado jefe del grupo. De 1878 a 1881 el artista permaneció en Vétheuil, trabajando

en la línea iniciada en Argenteuil, sin participar en la quinta y sexta exposiciones

impresionistas de los años 1880 y 1881.

A pesar de la crítica satírica, los impresionistas presentarán seis exposiciones

hasta 1882. Las continuas compras de Durant-Ruel le permitirán a Claude Monet vivir

dignamente sin necesidad de participar en los Salones oficiales.

Monet había descubierto su estilo, que se fue radicalizando con el tiempo. Intentó

captar el instante (sus trenes con humo), la luz (sus paisajes), las variaciones del color a

través de sus series sobre un mismo tema, a distintas horas o durante estaciones

diferentes. Paulatinamente fue acentuando los efectos luminosos hasta llegar en ocasiones

a difuminar las formas o incluso a fundirlas entre sí.

En 1883, Durand-Ruel organiza una exposición individual con pinturas de Monet.

Esta exposición tuvo una crítica favorable, sin embargo no resultó en grandes ventas. A

pesar de esto, la situación económica de Monet mejoró gracias a que el mercado de obras

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impresionistas se reanima a partir del principio de la década de 1880. Monet alquiló una

casa en Giverny donde creó su famoso jardín. Después de una estancia en Poissy, que se

prolongó hasta 1883, Monet, en compañía de su amiga Alice Hoschedé, se trasladó a

Giverny, con los seis hijos que ella tuvo con Ernest Hoschedé y sus dos hijos propios.

Giverny se convertirá en un verdadero remanso de paz para Monet, donde vivió hasta su

muerte.

Figura 4. Monet en su jardín. Al fondo, se ve el puente japonés. (1883)

Viajes

En diciembre de 1883, se fue con Renoir a la costa mediterránea. Ambos recorren

la ruta de Marsella a Génova y luego visitan a Cezanne en L'Estaque. Después de un

breve regreso a Giverny, Monet reanudó, solo en enero de 1884, el camino hacia el sur.

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Se fue esta vez a Bordighera y Menton. Impresionado por la naturaleza y los paisajes

salvajes, Monet pinta unas cuarenta pinturas que representan los lugares más pintorescos

como los valles de Sasso o Nervia.

En noviembre de 1884, comenzó una larga amistad con el escritor Octave

Mirbeau, que a partir de entonces se convierte en su bardo oficial y contribuye a su

reconocimiento

En 1885, con ocasión de un viaje a la costa de Normandía, en Étretat, Monet entró

en un acuerdo con el galerista Georges Petit, para que pudiera comprar y vender algunas

de las obras del pintor. Como resultado, la exclusividad que tenía Durand-Ruel hasta

entonces se rompió. A finales del año, Monet anunció su deseo de tratar únicamente con

Petit. Por otra parte, Monet, no deseando depender totalmente de los galeristas, se

entrevista y desarrolla su red de coleccionistas.

En 1886 hace otro viaje a los Países Bajos. En el otoño de 1886 Monet pinta en

Bretaña, donde conoce a su futuro biógrafo, Gustave Geffroy. De enero hasta abril de

1888 pinta en la Costa Azul y en el verano viaja nuevamente a Londres. Luego de su

regreso a Francia, rechazó la cruz de la Legión de Honor. Al año siguiente juntó dinero

para comprar la pintura Olympia a la viuda de su amigo Manet, que luego donaría al

Louvre. En 1890 Monet compró la casa en Giverny, en la que había vivido por varios

años, gracias a que su situación económica había mejorado debido a las ventas regulares

de sus obras.

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Últimos 30 años de su vida.

A partir de 1890 la pintura de Monet se vuelve más compleja y la inmediatez y la

euforia iniciales se transforman en insatisfacción y melancolía, en un difícil intento por

conciliar la técnica fresca y expresiva de sus primeros años con búsquedas más profundas

y ambiciosas que podían prolongarse durante varios días, meses e incluso años, con la

intención de crear obras que encerraran una mayor complejidad: variaciones que en su

reiteración temática permitieran enfatizar la investigación de las resoluciones formales.

Efecto de nieve (1891, National Gallery of Scotland, Edimburgo), Almiares (1891,

Museo de Orsay, París) y Almiares, puesta de sol (1890-1891, The Art Institute, Chicago)

son obras que forman parte de algunas de sus primeras series.

Sin embargo, la más conocida es la que dedicó en 1892-1893 a la catedral de

Ruán, en la que se evidencia, de un modo poético y didáctico, cómo las variaciones de la

luz alteran la percepción del medio que modula esa energía, cómo la luz y color

constituyen fenómenos indisociables de la percepción humana. Monet pintó cincuenta

cuadros de la catedral, dieciocho de ellos del pórtico, y afirmó: "Podría haber realizado

cincuenta, cien, mil, tantos como segundos hubiera en su vida..."

Durante los últimos treinta años de su existencia, el artista trabajó en torno a su

jardín de agua de Giverny. En un prado vacío por el que pasaba un pequeño arroyo

construyó un exuberante jardín en el que un gran estanque, colmado de nenúfares de

todos los colores y rodeado por sauces y árboles exóticos, se cruzaba por un pequeño

puente, de forma ovalada, que aparecería en numerosas pinturas de la época, como en El

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estanque de las ninfeas (1900, Museo de Orsay, París) o la lírica composición titulada El

puente japonés (1918-1924, Museo de Orsay, París).

Figura 5. El puente japonés

Todo el tiempo y el dinero que Monet invirtió en la construcción de este jardín se vio

compensado por las pinturas que de él surgieron; el agua era nuevamente un espejo cuya

apariencia se modifica con los efímeros e imprevisibles cambios del cielo que en él se

reflejaban.

Allí nacieron también las conocidas series de Ninfeas o nenúfares que, más tarde, se

asociaron a las aportaciones de Vasili Kandinsky, Paul Klee, Pablo Picasso y Georges

Braque, como símbolos del nacimiento de la abstracción en la pintura occidental, tras

largos siglos de predominio de la representación figurativa. Las Ninfeas: paisaje acuático

(1903, Bridgestone Museum of Art, Tokio), Nenúfares al atardecer (1916-1922,

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Kunsthaus, Zurich) o Ninfeas (1919-1920, Museo Marmottan, París) son obras de gran

formato que, en cierto modo, pueden ser contempladas por el espectador contemporáneo

como pinturas abstractas.

Figura 6. Menúfares (Las nubes), de 1903

Cézanne aludió a la capacidad del artista para captar objetiva e inmediatamente la

realidad. Sin embargo, su proceso creativo iba más allá de la observación directa de la

naturaleza, y empleaba la memoria visual como recurso imprescindible para el acabado

de sus composiciones. Las imágenes que se forman en la memoria son percepciones,

igual que las determinadas por la visualización de las cosas, y entre ambas puede surgir,

como ocurrió en la pintura de Monet, una nueva concepción de la imagen pictórica de la

realidad. En sus últimas composiciones de lirios de agua, la forma está prácticamente

disuelta en manchas de color, lo que, de algún modo, resulta una anticipación de lo que

sería más tarde el arte abstracto.

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En sus últimas obras (nenúfares), la forma está ya prácticamente disuelta en manchas

de color. Muchos historiadores de arte/oftalmólogos (?!?) afirman que al sufrir Monet de

cataratas, el artista veía cada vez más tras un filtro borroso y amarillento. De hecho, tras

ser operado, volvió una temporada a su estilo anterior.

Sea como sea, Monet murió a los 86 años el 5 de diciembre de 1926, falleció en su

casa de Giverny rodeado por su familia. Tras su fallecimiento, se creó la fundación de

Monet para conservar el patrimonio de Giverny y abrirlo al público. consagrado como

una leyenda. Estaba prácticamente ciego pero al morir tenía un pincel en la mano.

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Capítulo 3

Obra

Ningún pintor del grupo fue tan puramente impresionista como Monet. En su obra

el factor dominante es un claro esfuerzo por incorporar el nuevo modo de visión, sobre

todo el carácter de la luz, mientras que la composición de grandes masas y superficies

sirve únicamente para establecer cierta coherencia. Por su parte, Renoir fue el pintor que

nos convence de que la estética del impresionismo fue, sobre todo, hedonista. El placer

parece la cualidad más evidente de su obra, el placer inmediato y ardiente que produce en

él la pintura. Nunca se dejó agobiar por problemas de estilo y llegó a decir que el objeto

de un cuadro consiste simplemente en decorar una pared y que por eso era importante que

los colores fueran agradables por sí mismos.

De todos los impresionistas, Monet fue el que con más énfasis practicó el

plenairismo, es decir la práctica de la pintura al plein-air (en francés: 'aire pleno, total' y

también —y ese es el significado que aquí más nos importa— aire libre), la pintura al aire

libre. Aunque existe gran cantidad de pintores paisajistas previos a Monet, se nota en

ellos que la factura de sus obras ha sido realizada principalmente dentro del taller tras un

previo esbozo. Hasta la segunda mitad de s. XIX, las pinturas (óleo, temple) eran

realizadas artesanalmente y envasadas en frascos, pomos, etc. La invención de los tarros

y tubos de pintura (un positivo producto de la Revolución industrial), permitió a los

pintores llevar sus óleos o témperas al aire libre, bajo el sol, sin que estos elementos se

secaran u oxidaran rápidamente como había sucedido hasta entonces.

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Al aire libre, bajo la luz directa del sol, pudo minuciosamente observar y plasmar

casi inmediatamente, con pinceladas libres, los efectos de la luz sobre los objetos, los

cambios, las vibraciones de esa luz; por esta razón la pintura de Monet resulta

especialmente vital y llena de armonías.

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Capítulo 4

Resultados y discusión.

opino que claude monet fue un gran pintor con una vida bastante interesante, al

escoger este pintor note no solo que muchas de sus pinturas eran de estética conservadora

e impresionante si no que en realidad el plenairismo, es decir la práctica de la pintura al

plein-air (en francés: 'aire pleno, total' y también —y ese es el significado que aquí más

nos importa— aire libre), la pintura al aire libre. fue algo muy propio del mismo autor

que lo caracterizaba en sus grandes obras

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Lista de referencias

Fernández, Tomás y Tamaro, Elena. «Biografia de Claude Monet». En Biografías y

Vidas. La enciclopedia biográfica en línea [Internet]. Barcelona, España, 2004.
Disponible en https://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/monet.htm [fecha
de acceso: 5 de mayo de 2023].
Arnold, Matthias: Claude Monet, Rowohlt, Hamburgo, 1998, p. 9.
Extracto de una entrevista con Monet de 1900 según Charles F. Stuckey: Claude Monet
1840-1926, Könemann, Colonia, 1996, p. 204 ff.
Hirmer Verlag GmbH: Monet und Camille – Frauenportraits im Impressionismus.
Múnich 2005, p. 23.
Sagner-Düchting, Karin: Claude Monet und die Moderne. Prestel Verlag, Múnich 2001,
pág. 22.

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