CRITICAS

CINEMATOGRAFICAS

LISETTE AMODÓVAR
 AGNES VARDA

Agnès Varda nació en Bruselas un 30 de mayo de 1928. Fue una directora de cine
francesa y fue considerada por algunos críticos de cine como la abuela de la Nueva
Ola (Nouvelle vague) y una de las pioneras del cine hecho por mujeres y del cine
feminista.
Una mujer interesada por la fotografía, pero intrigada por el cine, inicio su trabajo
con un proyecto grabando la ciudad de Sete para un amigo con una enfermedad
terminal que no podría visitarla por sí solo. De este modo aparece en 1954 su
primera película, La Pointe Courte, donde narraba la historia de una triste pareja y
su relación en la pequeña ciudad. La película es la precursora estilística de la
Nouvelle vague francesa. En 1962 se casó con el director cinematográfico Jacques
Demy, a quien acompañó hasta su muerte en 1990. Hombre al cual le rindió
homenaje en su trabajo más de una ocasión.
Su formación previa en fotografía le permite captar los pequeños detalles de la
realidad que la circunda.
Agnes se caracteriza por su proyección del feminismo; ella tenía su propia idea del
feminismo dejando de lado el ser una feminista que ‘’ detesta al hombre’’, siempre
un paso adelante para su época.
 SIN TECHO NI LEY 1985

Sin techo ni ley (1985), protagonizado por Sandrine Bonnaire, fue uno de sus
trabajos más destacados, y este es el filme que he decidido analizar.
Narra la vida a una joven vagabunda que sobrevive día a día en busca de asilo. Su
cuerpo congelado es encontrado en un terreno, y es así como se empieza a
preguntar el alrededor sobre la vida de una joven, como fue su vida y como murió.
La historia se contó como episodios, los dos últimos meses de vida de Mona, sobre
un viaje frio y cruel como una hippie vagabunda, quien parece solitaria pero que de
igual manera está llena de encuentros. Esta película se considera como la pieza
maestra de Varda.
Es más que obvio que Varda fue una de las mujeres más importantes en el cine y el
la Nueva Ola; este filme no es la excepción donde vemos elementos muy de la nueva
ola: grabar con cámara en mano, las calles y locaciones en exterior, todo tan natural
y las actuaciones que no son para nada exageradas.
El cine de Agnes se caracteriza por ser realista, profundizando en sus personajes y
sus inquietudes, dejando ver el lado más realista, hasta el punto que se olvida hasta
cierto punto que lo que estamos viendo es cine, para mi este filme parecía
Se retrata la vida diaria en Francia, más allá de los lujos y felicidad en este tipo de
documental y ficción, donde los pensamientos de los personajes que conocieron a
Mona nos enlazan en su mundo ‘’real’’, sin dejarnos un final entre estos encuentros.
Se empieza con planos largos y abiertos de pastizales, donde minutos después
veremos el cuerpo de la joven, donde después Varda nos contara el hilo de la
historia. En el cine de Varda todo tiene una razón de ser, nada sucede o está ahí
porque si, la cámara siempre acompaña y sigue a Mona, dejándonos simpatizar con
la joven que ha decir verdad sus actitudes harían que no fuera un personaje
agradable, pero la manera en que se proyecta cada una de sus acciones en esa fría
fotografía nos hace sentir lo contrario.
Tenemos como punto de partida la muerte de la joven, pero también es nuestro final,
es un círculo en la historia donde el final es nuestro primer momento.
El uso del travelling es esencial para seguir a Mona en su recorrido, une nuestra
historia de ficción con el carácter documental. Es uno de los recursos más utilizados
que va en contra de la corriente o de lo meramente correcto. Varda nos da tan poco
sobre el pasado de esta joven y el recurso más usado por Varda es nulo aquí, el
espejo que normalmente utiliza como recurso en donde sus personajes se juzgan a
sí mismos no existe, y creo yo que es la razón por la cual vemos al personaje ser
siempre ella misma.
Y como dije ya, que todo sucede por alguna razón lo podemos interpretar como
cada acción que sucede y cada escena pronostica el final de Mona, además de que
Agnès Varda rompió reglas que eran utilizada por directores hombres, siendo una
mujer que plasmaba a la mujer como es.
Me parece interesante que el cine de Varda sea tan diferente al de su esposo Jaques
Demy, o al menos el que yo he visto.
 MICHAEL HANEKE

Nacido en Austria, en 1942, fue un reconocido director teatral de enorme prestigio

en su país e internacional. Sus obras se caracterizan por la gran crudeza, pretende
desenmascarar la hipocresía y la doble moral de las sociedades europeas
acomodadas.
El séptimo continente es su primera película comercial. En ella se gesta el estilo
crudo que desarrollaría en títulos posteriores. Un cineasta estudiado en filosofía y
psicología, así como el teatro.
La narrativa de su cine es compleja, en situaciones que parecen comunes y
cotidianas que toman u giro diferente a la realidad. Retrata lo más violento del ser
humano.
Algunos de los paradigmas que recorren el cuerpo cinematográfico del autor
austriaco son la introducción de una fuerza externa y destructiva en el universo
burgués, como sucede en Funny Games, el filme que he visto para analizar.
 FUNNY GAMES 2007

Esta historia se podría resumir en muy pocas palabras como dos estudiantes
sumamente sádicos deciden torturar a una familia que está de vacaciones en su
casa de campo, los jóvenes que parecían ser educados en verdad estaban locos y
maniacos.
Funny Games es el remake del filme con el mismo nombre, del mismo director,
simplemente cambia la locación, sus actores y la fotografía. Cada plano, puesta en
escena y dialogo es tomado y recreado de la versión original de 1997; esta versión
estadounidense fue creada para conseguir publico americano.
Es un tipo de critica al cine estadounidense que normalmente utiliza la violencia
como un recurso muy natural y nada ambiguo. Se le considera como un grandioso
thriller de culto, tanto como su versión de 1997 y el de 2007, que, si bien el primero
es considerado como una obra de arte, este se considera grandioso por sus
actuaciones y reparto.
Aun cuando es considerada como un filme de suspenso o terror, en mi punto de
vista es una especie de critica o hasta burla a este género.
Empezamos con una secuencia larga y lenta donde no vemos los rostros de quienes
hablan e interactúan, resultando esto algo aburrido para el espectador más sin
embargo esto tiene su razón de ser. Es un inicio lento y abrumador, que sin embargo
en unos minutos esta tranquilidad esta por cambiar por una situación algo extraña
que al final traerá caos y violencia.
Cuenta con elementos nada normales en el cine de terror, un luego propio para el
espectador donde se espera que este forme la trama de lo que está viendo. Se
rompe la cuarta pared en ciertas ocasiones, hablando y preguntando al espectador,
recurso que extrañamente funciona y hasta llega a generar algo de inquietud al
espectador que busca la respuesta a las preguntas.
Y como dije ya anteriormente, si bien al principio no se tiene idea de lo que vamos
a percibir, llega un momento donde se piensa que torno está tomando la historia y
esto cambia drásticamente dando un giro completamente, si bien vemos a estos dos
jóvenes actuar raro y en mi opinión, las actuaciones de ambos siendo algo
exageradas seguramente para generar aquella tensión de no saber que sucede; con
un solo golpe nuestra narración se convierte en una historia cruda y violenta.
Gracias a los momentos que endulzan las escenas llenas de sadismo puro, la película
cumple su cometido, su espectador sigue con la esperanza de que al final sea un
final algo feliz, pero es lo contrario, dejando una sensación que ni siquiera se puede
explicar con exactitud, todo pasa sin una razón y termina de la misma manera.
Solo tenemos planos neutros, y planos secuencias en espera de reacciones de los
personajes, nada de banda que ayude a generar alguna estimulación a su
espectador, más que el sentirse inquieto y asqueado; no hay emoción solo es cruel.
Ningún final feliz, los psicópatas logran su cometido, maltratan, denigran y asesinan
por entretenimiento, y se burlan en nuestras caras porque saben que estamos
esperando la escena donde la víctima cobra venganza y los villanos reciben su
merecido, con todo y música de acción.
Definitivamente queda claro que su director tiene claro su objetivo, aun cuando
simplemente recreo alguna de sus obras pasadas, su calidad no disminuye. Sigue
siendo cruel al plasmar sus ideas. Y si bien la actuación de los jóvenes es algo
hilarante, supongo que es para plantear el por qué se rompe la cuarta pared o el por
qué se puede rebobinar las acciones con un simple control remoto, estamos viendo
una película que hace burla al cine, es de lo más forzado y antinatural.
 ROBERT BRESSON

Robert Bresson nace el 25 de septiembre de 1901, en Bromont-Lamothe, un

pequeño pueblo en Puy-de-Dôme, en el centro de Francia.
En 1934 realizó un mediometraje, Affaires publiques, una excepción que nunca
reconocería en su filmografía, plagada de numerosas adaptaciones. Todas sus
películas, excepto la primera, son adaptaciones más o menos libres.
Este director de cine se caracterizó por ser tan meticuloso en cada movimiento,
iluminación, sonido, encuadre y todo mínimo detalle debía ser supervisado y
decidido por él. Buscaba la perfección a sus ojos, buscaba personas que supieran
ejecutar con exactitud sus palabras.
Su trabajo es singular, difícil de asimilar para los actores, molesto para el público,
pero trascendental para el cine. Jean Luc Godard aseguró que Bresson es al cine
francés lo que Dostoyevski a la novela rusa o Mozart a la música alemana
 AL AZAR DE BALTSAR 1966

Baltasar es el pequeño burro de una campesina, Marie y de Jaques. Estos tres

crecen juntos hasta que toman caminos separados, y tanto la vida como las personas
que se cruzan en su camino los maltratan. El burro es maltratado por sus distintos
dueños, al igual que Marie sufre a causa de estas personas.
La historia toma como hilo a un burro, donde un animal puede generar tanta historia
a su alrededor. Baltasar no intenta transmitirnos sus emociones, es su alrededor lo
que nos hace ver sus sentimientos, el frio, la nieve, ver como son crueles con él, etc.
Es un burro que percibe la imperfección y crueldad humana aceptando su destino
mediante sus abusos de estos seres crueles.
Resulta impresionante como se puede crear un personaje tan profundo mediante un
animal, un personaje que no puede tener diálogos, ni decisiones, solo esta callado
mientras su alrededor, los humanos son quienes actúan a su disposición. Es un
personaje vacío que, por alguna manera, logra transmitir tantos sentimientos. El
único propósito de este animal es tener un destino lamentable, pero de igual manera
es el destino final de sus dueños.
Los actores nos son profesionales, algo que ya venía usando el director, carecen de
personalidad; de igual manera el estilo de este filme fue más natural y minimalista.
La banda sonora es un gran elemento fundamental que acompaña y la elipsis es
fundamenta, ya que está repleta de ambigüedades y de falta de continuidad.
Pareciera como si todos estos errores pasaran desapercibidos viniendo de un
cineasta tan observador, pero más que errores, están ahí por alguna razón. Mas que
un estilo narrativo que busca un patrón en específico, se trata de un estilo que
profundiza en la psicología y filosofía, se busca que al momento de romper con
aquella narración con las distintas elipsis entre las líneas narrativas de los personajes
veamos como sus destinos llevaran a la desgracia.
Seguramente se sugiere que somos Baltasar, desde nuestros primeros pasos hasta
la muerte, es el universo quien hace de nosotros lo que sea. Una alegoría que
mientras el tiempo avanza, nosotros con él y la carga de la vida es cada vez más
pesada y difícil de soportar como el animal. Los personajes que carecen de
motivación o simplemente la falta de empeño, cumplen con las ideas pesimistas de
su director quien intencionalmente buscaba hacer más sensible el filme, sin tanto
gesto y emoción. Se limita en sus línea y acciones, esperando que sea el espectador
quien empatice con sus personajes siendo este quien sienta las emociones que ellos
no pueden.
Vemos en repetidas ocasiones del plano detalle, un plano simbólico en los ojos de
Baltasar para conmover a su espectador, planos detalle de distintos objetos que
luego pasan a planos más generales. Secuencias repetitivas como la pata del animal
en repetidas ocasiones, etc.
El filme en blanco y negro es bello a su manera, aun cuando Bresson se interesó en
lo mínimo en la puesta en escena, buscaba que todo surgiera de forma natural y a
su manera, no buscaba embellecer la escenografía, ni mucho menos buscaba la
perfección con la iluminación, utilizo la luz natural del día, que extrañamente aun
cuando cosas perversas sucedían, eran a lena luz del día.
En sí, la cámara es la que nos ayuda a entender aquellos sentimientos que muchas
veces nuestros personajes no transmiten, planos donde se priva de observar la
violencia y los abusos, o, todo lo contrario, planos que se alternan entre sí que
sugieren que algo se aproxima, o la cámara como los ojos del animal quien observa
a otros animales del circo.
Lo que en muchas ocasiones es demasiado para el espectador, el burro lo sobre
lleva con calma, la inocencia y debilidad de un animal se plasma en un simple plano
fijo.
 LUCRECIA MARTEL

Nació un 14 de diciembre de 1966 en Salta, Argentina. Estudió en la Escuela

Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica (ENERC) de Buenos
Aires. Fue en 1988 cuando dirigió su primer corto, El 56. Su primer largometraje, La
ciénaga (2001), obtuvo numerosos premios, entre ellos el premio NHK del Festival
de Cine de Sundance, el Grand Prix del Festival de Cine Latinoamericano de
Toulouse, entre otros.
Para Lucrecia es importante que, a la hora de escribir un guion, tomar una fuente de
inspiración, siendo esto cualquier objeto, cosa o lugar que nos rodea. Siempre
imagina los movimientos, como se comunica, las situaciones y el alrededor.
 LA MUJER SIN CABEZA 2008
La mujer sin cabeza es una película dirigida por Lucrecia Martel. Narra la historia de
una mujer, Verónica; quien estando por la carretera al distraerse unos segundos,
atropella a algo. Al volver a la carretera lo único que se encuentran es un perro
muerto y no un humano como ella piensa, sin embargo, sus pensamientos hacen
que esta mujer viva una pesadilla día a día, siendo cada vez más distante con su
familia.

El titulo se relaciona en cómo va perdiendo la cabeza de manera metafórica, justo

después del accidente nada vuelve a ser igual para ella. Para entender la historia es
importante conocer y analizar el mensaje que se pretende dar, pero esto resulta
difícil, por lo que la directora se ayuda de los diferentes planos y movimientos
peculiares en sus escenas. Solo se cuenta en pocas palabras, como la sociedad
media alta es privilegiada y se les da justicia; se muestran los hechos, pero nunca
conocemos como fue la realidad, la historia no llega a ningún lado, pero estoy segura
que ese es el punto principal, causar terror sin ser terror.
Hay un punto muy importante cuando la protagonista intenta enmendar su error,
averiguando lo que realmente paso, pero se da cuenta que su familia y conocidos
se encargaron de encubrirla al igual que toda evidencia. Al final no hay nada que
ella pueda hacer, vive con esa angustia, pero al final nada se puede resolver, ya es
tarde, por lo que intenta vivir con ello, cambia el color de su cabello y se vuelve más
vulnerable, al final no hay una conclusión fija, pero si un punto final. Esto se puede
entender como una clase de guion clásico: inicio, desarrollo, clímax y final.
La directora sabe construir la imagen y su historia en cada uno de los planos, donde
la cámara muestra planos indirectos que hacen centrar el ojo del espectador por
encima del personaje, y más en lo que le acompaña, así como la iluminación, que
muchas veces es nula, los rostros ni siluetas sobresalen, siendo solo sombras y así
generar un espacio de terror en pocos pasos. Vemos este punto de vista de la
protagonista, donde los cuerpos o elementos mostrados en los planos se recortan o
desenfocan en varias ocasiones siendo apenas perceptibles para el espectador.
Otro aspecto que me pareció importante a la hora de ver este filme, fue una escena
donde la mujer no tolera el resentimiento de sus actos, y cuando un hombre rocía
un chorro de agua por su cuello se puede entender como una decapitación. Así
como ver el mundo ir a mil por hora, mientras que para otros el tiempo este detenido.
Muchas veces se nos muestra la situación de mayor relevancia en el plano más
alejado y en primer lugar lo de mejor importancia, una distancia vacía a primera
instancia, implorando ver más allá en espera de percibir respuestas.
Es interesante ver como una pequeña historia puede decir demasiado a través de
su imagen, los planos, la banda sonora distorsionada y hasta el silencio nos aportan
algo.
 LARS VON TRIER
Lars von Trier nacido en Copenhague, 30 de abril de 1956.
Es un director de cine y guionista danés. Destaca ante todo por su fuerte
personalidad creativa y es considerado uno de los directores más innovadores y
multidisciplinares del cine actual, a pesar de las controversias de algunas de sus
obras. Junto a Thomas Vinterberg estableció las reglas del manifiesto Dogma 95 en
1995, donde se desafiaban todas las reglas cinematográficas ya establecidas.
Su lema hacia el cine es: a una película se la debe sentir como se siente a una piedra
en el zapato. Se le caracteriza por crear películas muy personales, y demuestra su
gran talento a través de la producción experimental.
 DANCER IN THE DARK 2000
Aquí se muestra a Selma, quien es una inmigrante checa y madre soltera, que trabaja
en una fábrica en Estados Unidos, vive en un remolque en las afueras de una casa
de unos estadounidenses junto a su hijo quien padece de su misma discapacidad.
La música para Selma es su único escape y pasión en la vida, sobre todo los
musicales de los clásicos de Hollywood. Selma esconde el secreto de que está
perdiendo gradualmente la vista al igual que su hijo por lo que ella trabaja y ahorra
hasta tener el dinero suficiente para que este se someta a una operación.

El filme es toda una mezcla experimental sobre varios generos cinematográficos,

donde se crea una historia totalmente dramática, con toques musicales.
Me gustaría empezar hablando sobre cómo se nota el recurso del dogma 95, o
simplemente se ve la esencia del director. Vemos poca utilería y los colores mudos
que predominan donde destacan las actuaciones, el guion y la trama. A lo largo del
filme vemos la cámara en mano, que hasta cierto punto llega a manear, para mi
parecía un documental sobre la vida diaria de una trabajadora, más que una película;
pero cuando llegaba algún número musical, estos colores mudos y tenues se
llegaban a resaltar y saturar, con planos y movimientos más esenciales para apreciar
el número musical.
La puesta en escena deja de ser de lo más clásica, y se va por la experimentación,
pareciera ser una historia corriente, pero llega a transmitir más que eso.
Como decía Selma a lo largo de la trama: muchas veces soñaba despierta, y
supongo que esto es una representación de sus sueños. Y en cuanto volvía a la
realidad aburrida de su vida todo volvía a estar frio y en caos, con esa cámara que
para nada estaba fija.
Cuando no hay banda sonora o movimientos de cámara, centramos la atención en
las emociones y en lo más mínimo. Y, sobre todo, como se le da una nueva
perspectiva a un musical, que suelen ser más que producidos en grandes
escenarios; aquí vemos escenarios tan habituales y normales, reales. Selma escapa
unos minutos de la realidad.
Y podría opinar sobre la impecable interpretación de Bjork, o de como esta película
a pesar de su simpleza llega a causar tantas emociones, con aquel plot twist en la
vida de Selma, y ese final desgarrador donde al final nos encontramos en un mundo
injusto y perturbamos, con un último número musical que no se ilumina ni termina.
No hay nada más que ver, dice Selma en alguna ocasión dando pistas sobre su
padecimiento. La verdad es que sentí demasiada empatía con Selma, al tener
complicaciones con su visión al igual yo que yo sentí algo personal este filme.
 DAVID LYNCH

David Lynch nació el 20 de enero de 1946 en Montana (Missoula, EEUU).

Es un reconocido director, guionista, actor y productor, también se extiende en otras
disciplinas como la música, la pintura o la fotografía.
Su obra ha estado muy ligada a corrientes como el surrealismo, de la que el propio
director se declara admirador incondicional. También su cine ha bebido de artistas
como Stanley Kubrick, Federico Fellini, el escritor Franz Kafka o el pintor Francis
Bacon.
Se aleja del cine comercial, donde el público se intenta comprender un mundo lleno
de confusión, donde sobresale la exploración del universo interior del ser humano.
 DUNE 1984
Una película del género de ciencia ficción, en un entorno futurista. Narra la historia
de un joven guerrero que guía a su pueblo en contra de un villano, intentando
destruir una droga única que es producida en un planeta desértico. El joven viaja al
desierto con la intención de derrocar a sus adversarios. Una vez allí, tiene que lidiar
con diferentes amenazas y pone en peligro su seguridad.

Este filme no es considerado como uno de los mejores trabajos del director, pero es
esencial para comprender su trayectoria. Es criticada por ser una adaptación poco
fiel a la novela, con una narración completamente lenta.
Nos adentramos en un universo donde los momentos pasan lentos y confusos.
Resulta algo difícil seguirle el ritmo y aun con los maravillosos escenarios y puesta
en escena, deja mucho que desear hablando de su trama. Es una historia de fantasía.
Es única a su manera, y podemos ver que sus efectos especiales son dichos para
esta época, pero se quedan algo cortos, sabiendo que Star Wars, había estrenado
años antes.
Puntos buenos tiene, como la banda sonora que es de mi agrado, ese elemento de
sonido de vacío espacial le aporta el toque intergaláctico. El guion algo sencillo pero
atento y los vestuarios y espacios. Las imágenes superpuestas y simbólicas a las
alucinaciones.
Pero dejando de lado el tema más técnico, si nos ponemos a analizar de manera
más psicológica hasta lo posible, fue interesante como los personajes se cuestionan
a sí mismos en repetidas ocasiones, hablan consigo mismos mientras analizan las
situaciones que los rodean con estos pensamientos tan artificiales; las
peculiaridades en las expresiones, y diálogos de un universo alienígena.
Entiendo el enojo de la gente por este filme, sabiendo que la filmografía de David
Lynch es impecable, por lo que pienso que al ser un filme comercial esta termino
siendo un mal producto final. Pero también apreciamos la atracción de Lynch por lo
extraño, lo repulsivo y deforme,
 Michel Franco

Michel Franco es un guionista, productor y director mexicano, nacido el 28 de agosto

de 1979, en la Ciudad de México. Luego de estudiar comunicación, Franco comenzó
a realizar sus primeros cortometrajes, destacando Cuando seas Grande (2001), el
cual formaba parte de una campaña de lucha conta la corrupción. Poco después
estrenó otro cortometraje, Entre dos (2003), ganador del Gran Premio del Festival
Huesca. Fundó su productora, Pop Films, con la que realizó varios comerciales y
videos.

En 2009, debuta en largometrajes con la cinta Daniel y Ana (2009), seleccionado en

la Quincena de los Realizadores del Festival de Cannes. Su siguiente película fue
Después de Lucía (2012), la cual ganó el premio de Un Certain Regard, en Cannes.
Le siguió, El último paciente (2015), otra cinta premiada en Cannes por Mejor Guión,
en la que estelarizó Tim Roth. Su más reciente producción cinematográfica es Las
hijas de Abril (2017), la cual también ganó el premio del jurado en el Festival de
Cannes.
 Las hijas de abril 2017

Valeria tiene 17 años y está embarazada, vive solo con su hermanastra y su madre
está ausente de su vida por lo que no sabe de su embarazo. Clara, la hermanastra
preocupada por su situación económica y por las responsabilidades de conlleva
cuidar a un bebé decide llamar a su madre y contarle sobre él bebe que viene en
camino. La madre por otro lado tiene un amorío con el padre del bebé, que la lleva
a llevarse al recién nacido a otro hogar a espaldas de la madre.

Cine de mujeres, pero no es un cine que empodera a la mujer, sino que se muestra
un lado más vulnerable de esta, pero no vulnerable por un hombre, por su vida
misma. Es una historia desamparada. Cada personaje tiene su propia historia que
contar y no quedan en un segundo plano, es la madre la que busca enmendar sus
errores a base de la maternidad de su propia hija. Una mujer que está decidida a
empezar una nueva vida a través de los propios errores de su hija menor.
Y si bien la Clara no forma tanto parte de esta historia más o menos desde la mitad
de la película, es importante su participación en la historia. Son los hombres los que
no tienen una fuerte participación en esta narrativa, son irrelevantes aquí, a
excepción de Mateo quien tiene poca participación al ser manipulado de manera
fácil y es dejado influenciar por las mujeres que se aparecen en su vida. Es el deseo
y placer.

Pero aquí el tema principal es la maternidad, una maternidad prematura que se ve

casi interrumpida por una maternidad madura. La maternidad se ve como un espacio
de salvación, pero es aquí que vemos que puede contraer más conflictos a la vida.

La narrativa pretende desenvolver el tema psicológico de una madre, o mejor dicho

una mujer que es convertida en abuela a temprana edad. Lo que parece ser el
principio de una reconciliación familiar termina en una pelea, en un conflicto aún
peor.

Todo se desenvuelve de manera lenta al principio, todo fluye de una manera tan
natural, pero es cuando Valeria se transforma en una persona que defiende sus
derechos cuando la historia toma fuerza en la narrativa. Es una historia fría y distante
que no nos hace simpatizar con sus personajes, solo en ciertos momentos, pero son
sus acciones las que los convierten en despreciables. El ritmo se vuelve algo
frenético e impreciso en cada momento. Hasta el final que queda incierto.

El guion y su interpretación está bien puesto, cada palabra sale de manera natural y
nada exagerada; el dialogo nos hace entender el porqué de las distintas decisiones.
La puesta en escena en natural, no se exagera en los elementos visuales, esta lo
que tiene que estar. Son los planos los que nos ayudan a entender la psicología de
este filme más a fondo, ya que parece ser una historia normal, pero los planos fijos
y detallados, estáticos y el mínimo movimiento de cámara en conjunto con
encuadres de escena ayudan a entrar en la historia visualmente ya que la fotografía
no es más que normal y algo pobre. Ya es al final donde los encuadres se vuelven
cerrados que nos limitan conocer el destino de nuestros personajes.
 CARLOS REYGADAS

Carlos Reygadas Castillo es un director, guionista y productor mexicano, nacido el

10 de octubre de 1971, en la Ciudad de México. Antes de ser director, Carlos se
tituló como abogado en la Escuela Libre de Derecho, ejerciendo como abogado de
derecho internacional por algunos años. Fue gracias a Andréi Tarkovsky, con el que
quedaría fascinado y así entregarse por completo a la cinematografía. En 1998,
empezó a filmar sus primeros cortometrajes en Bélgica, hasta volver a México y
fundar su productora, NoDream Cinema, en 2000.
Uno de los directores más reconocidos y premiados en el mundo, el director
mexicano ostenta una breve pero notable trayectoria en su carrera, con cintas como
Luz silenciosa (2007), la cual resultó ganadora del Premio del Jurado en el Festival
de Cannes; Serenghetti (2009) y Post Tenebras Lux (2012).
 POST TENEBRAS LUX 2012

Se presenta a Juan y a su familia, una familia urbana que vive en un campo. Día con
día nuevas experiencias pasan en sus vidas por consecuencia de la gente de la
comunidad rural. Y es que resulta difícil de explicar el contexto en específico y sobre
todo explicar el contexto; pero es el lenguaje cinematográfico el que nos relata a
través de sus elementos visuales un poco de la historia.

Se inicia con una secuencia pura y sin sentido alguno; la pequeña niña rodeada de
perros y otros animales, una escena llena de misterios que resulta inquietante pero
que es acompañada de esa maravillosa fotografía y color que caracteriza el filme.

Llega la tormenta y un salto en nuestra escasa narrativa nos confunde aún más, un
demonio rojo brillante que está de visita en un hogar advirtiendo distintos hechos. O
los perros que, aunque abundan en el filme y su historia, no me queda claro su
objetivo principal, pero es que seguramente tienen un propósito más psicológico
que aún no termino de entender, más que la violencia a la que se atraviesan y
aferran.

Las pocas escenas (24 cuatro en total, según encontré) que vemos a lo largo de
estas secuencias largas, aparecen de cierta manera, a lo largo que nuestra historia
avanza y pareciera que no tienen una línea argumental entre sí; como mencioné ya,
la niña rodeada de animales, el demonio, después vemos una familia despertando
en su recamara, los alcohólicos anónimos, un partido de jóvenes, fiestas y
celebraciones, etc. Pero todas mantienen al espectador alerta y en un entorno de
tensión, ya que en parte los escasos diálogos al principio, o las escenas que parecen
interminables, así como

Son los planos peculiares que distorsionan la imagen, y que en otra instancia la
oscurecen, elementos que nos hacen reconocer el trabajo del lenguaje de su
director que intenta transmitir diferentes sensaciones a través de la imagen.

Y es que parece que algunas partes no son más que sueños, no nos queda claro
que es lo que realmente está pasando y seguimos a la espera de respuestas.

Me hace recordar a un filme que vimos hace unos meses atrás para otra clase: el
libro de la vida, que de igual manera nos cuenta una historia sencilla, pero es la
fotografía junto con la iluminación utilizada la que nos atrapa junto con la naturaleza
capturada en los planos que de alguna manera es una parte fundamental de nuestro
hilo narrativo. Donde se utiliza la luz y fotografía como elemento narrativo principal
más que la propia historia ‘’escrita’’. En el trabajo de Reygadas la naturaleza toma
protagonismo para plantearnos momentos de intensidad y un desorden que se
acompaña de diversas bandas sonoras que nos dan pista del tiempo. Es solamente
una crítica a las clases medias altas, así como conflictos sociales y personales; con
un final donde un hombre se arranca su propia cabeza deja un mal sabor de boca e
intriga, junta la fantasía con lo real, cambia la percepción de sus planos y
simplemente deja una conclusión inconclusa.
 AMAT ESCALANTE

Amat Escalante es un director nacido en España de padre mexicano y madre

estadounidense. Estudio cine en el Centro de Estudios Cinematográficos de
Cataluña. Posteriormente, se unió a la Escuela Internacional de Cine y Televisión en
La Habana, Cuba y realizó su primer cortometraje en México
titulado Amarrados (2002), el cual recibió un premio en el Festival Internacional de
Cine de Berlín de 2003. Es un buen amigo del director Carlos Reygadas, quien lo
ayudó a financiar su primer largometraje, Sangre (2005).

VIDAS VIOLENTAS 2015

Nos narran 6 historias cada una con diversos casos

verdaderos de violencia que se viven día a día en el mundo y
el país. Fue creada en equipo por los mejores directores de
Cine para el análisis de la convivencia y conductas agresivas.
Es una de las películas más representativas de los últimos
años del cine latinoamericano.

Y si bien no es exclusivamente un conjunto de historias

exclusivas de Escalante, es interesante conocer uno de sus
trabajos más conocidos y representativos. Y viendo la filmografía del director, puedo
pensar que su interés viene hacia historias reales, pero algo violentas, siendo
descarado con lo que relata, pero con la intención de ser realista en lo que plasma.
Su común denominador es la realidad, aunque se debe pensar que es la violencia y
ya; ya que es la realidad mexicana que muchas veces es más cruda y oscura de lo
que pensamos y vivimos.

Las 6 historias que se muestran mientras avanzan la historia, no tienen la gran

producción, o mejor dicho no podemos ver un lenguaje cinematográfico
representativo, pareciera que estamos viendo una novela mexicana o una serie
sencilla. Y es que la verdad no tengo mucho que decir más que es el final lo que
realmente me ha gustado, después de ver cada caso de los personajes, la frase:
todos podemos cambiar, deja como conclusión que sí, los actos violentos mínimos
o de mayor numero pueden ocurrir, pero somos nosotros quienes debemos
empezar un cambio.
NICOLÁS PEREDA

Nicolás Pereda es un directo, guionista y editor que

estudió cine en la Universidad de York y actualmente es
el director del Programa de Cine. Durante su carrera
dirigió nueve largometrajes, dos mediometrajes y dos
cortos que ha presentado en festivales como Cannes,
Berlín, Venecia, Locarno y Toronto, donde ganó 30
premios. En México ganó el premio a Mejor Película
Mexicana en los festivales de Guadalajara, Morelia,
Guanajuato, Ficunam, Monterrey y Los Cabos. En 2010
fue galardonado con el Premio Orizzonti en el Festival
de Cine de Venecia gracias a su filme Verano de Goliat
(2010).
ENTREVISTA CON LA TIERRA 2008

Entrevista con la Tierra es el pequeño

relato del duelo que vive una familia y
amigos sobre la muerte accidental de
un niño. La exploración de usar actores
no profesionales que son entrevistados,
mientras llevan a cabo su vida cotidiana
en un ambienta más rural brinda una
autenticidad que ayuda a contrarrestar
lo artificial.
La cámara captura las expresiones de
nuestros no actores, que al ser
entrevistados dejan a simple vista sus
sentimientos reales y profundos. Y es
en pocos minutos donde vemos y
conocemos a nuestros personajes sin
ser previamente presentados, junto a
un final donde vemos al niño jugando
con uno de los micrófonos, con una
fotografía y luz que complementa los
relatos.
Creo que estos tres trabajos que analice se relacionan de alguna manera. Al tener
una historia de algún suceso o de la vida cotidiana, pero que se narra y desarrolla
de cierta manera que el director plasma con sus conocimientos cinematográficos
para así, crear otro aspecto de la vida cotidiana de la sociedad, de este caso de la
vida mexicana. Son historias que podrían pasarle a cualquiera de nuestro alrededor,
pero no serán contadas de la manera que estos directores del cine independiente
lo han hecho, porque de seguro su propósito principal es crear cine, cine que no se
ve habitualmente en México, un cine más complejo para el espectador.
 PIER PAOLO PASOLINI

Fue un escritor y director cinematográfico italiano. Estudió en la Universidad de

Bolonia e, influenciado por A. Gramsci, intentó sistematizar el hermetismo con el
marxismo. Personalidad compleja y provocativa, en su faceta de escritor fue crítico,
narrador y poeta, e intentó revalorizar lo popular como vehículo de expresión de la
realidad.

En 1961 inició su carrera cinematográfica, en la que defendió el lenguaje popular y

la investigación abierta y dogmática de la realidad. En sus películas inserta escenas
líricas con el más descarado realismo, lo que convierte su obra en una de las más
originales de nuestro tiempo.
 TEOREMA 1968

Una familia burguesa que no está pasando por sus mejores momentos; llega a su
vida un desconocido con una mirada penetrante, quien a lo largo de su estadía
empieza a acercarse a los miembros de esta familia, los consiente y escucha, por lo
que estos caen rendidos a él, entregando su vida a este, en un profundo amor. Pro
en cuanto este se marcha la vida miserable de la familia vuelve a ser la misma.

En principio se nos muestra entrevista con ese aspecto documental dende se

interroga a los trabadores, se dividen clases sociales desde primer momento.

Después la familia sobre un blanco y negro, no diálogos, mostrando su vida en

blanco y negro. Es cuando este misterioso visitante, con un rostro provocador se
presenta leyendo algún libro, mientras todos se van cautivando en tan solo mirando.

Como tema principal tenemos la seducción, la pasión: el sexo y el deseo, que

extrañamente esta siempre presente pero fuera de campo. Y esto se cuenta de todas
las maneras posibles, con las distintas perspectivas de los personajes.

Se sabe jugar con cada escena y plano, con tan poco dialogo que escuchamos,
donde es la imagen y su representación lo que expresa mas de mil palabras.
Es un ritmo lento que solo toma fuerza con la interacción de miradas y acciones, se
pretende transmitir todo con muy poco. Es la imagen que nos hipnotiza, captando
cada detalle en estos planos no tan ideales, repletos de acercamientos abruptos
junto a una puesta en escena sencilla y elegante. No le falta ni le sobra.

Es la cámara la que hace este juego psicoanalítico con toques surrealistas sin verse
exagerados, se plantean diferentes puntos metafóricos y es sin duda una obra
esencial de conocer, ya que no cae en un morbo de la seducción, sino que plantea
el tema como es permitiendo al espectador apreciar los distintos símbolos que el
director recurre.
 FEDERICO FELLINI

es un
director de cine italiano. Sus primeras grandes aficiones, antes de descubrir su
pasión por el cine, fueron el dibujo y la caricatura. A los diecisiete años publicó en
una revista sus primeras caricaturas, que representaban a los compañeros del
campamento de verano de la organización juvenil del Partido Nacional Fascista al
que había asistido en el verano de 1936. A partir del año siguiente colaboró en los
semanarios La Domenica del Corriere y el político-satírico florentino 420, en los
cuales publicó relatos, viñetas y dibujos, todo ello bajo el seudónimo de Fellas.

En 1940, participo como guionista, en la película ¡El pirata soy yo!, dirigida por Mario
Mattoli. En 1944, año en que conoció a Roberto Rossellini, quien se convirtió en su
tutor, colaboró como guionista en Roma, ciudad abierta y otras películas suyas.

En 1951 se estrenó como director, primero codirigiendo, junto a Alberto Lattuada, el

filme Luces de varieté, y posteriormente en su ópera prima El jeque blanco, basada
en una idea de Michelangelo Antonioni.
 8½ 1963

Guido Anselmi, guionista y director está atravesando una crisis creativa e intenta
relajarse después de su última película. No puede conseguir la tranquilidad
necesaria para encontrar ideas nuevas para su siguiente película y todo el mundo
parece ansioso de saber en qué punto se encuentra el trabajo que está preparando.
Pero el solo está en busca de respuestas a base de recuerdos de vida sueños e
imágenes oscuras. La llegada de Claudia, actriz y musa de su vida, y de su amante
Carla trae nuevas inquietudes en vez de la serenidad y el consuelo que él esperaba.

Es una película en parte autobiográfica, sobre los problemas en los rodajes.

El argumento lento nos deja en claro de que tratara nuestra historia, para mi resulto
ser una historia con personajes algo absurdos y una historia confusa en esta parte
de los sueños y la realidad. Pero si dejamos de lado la historia y su argumento, las
imágenes y el sonido son las que se hacen memorables de una historia algo vaga;
el trabajo de cámara es brillante y acertado. Resulta curioso que sea una historia de
un director que carece de creatividad, pareciera que es la historia de su director que
quería concebir un trabajo, pero esta crisis artística le detuvo y solo pudo dar como
resultado final sus conocimientos cinematográficos y de arte más que la una historia
que acompañe esto.

Los planos y movimientos de cámara ayudan a conocer el trabajo técnico de este

director, con cámara en mano, planos detallados, y de ratos amplias, en pocas
palabras hay una gran explotación de estos recursos. Pero esto la convierte en una
obra donde se centra el uso del lenguaje cinematográfico, no de su narrativa; si bien
vemos mezclas de realidades con lo onírico y personajes con excelentes
actuaciones, no es para el publico que busca lo comercial, sino para quienes pueden
digerir el arte visual y sonora presente en los vestuarios, puesta en escena, los
decorados, y sobre todo en la fotografía.
 MICHELANGELO ANTONIONI

Director de cine italiano. Unos planos largos y espaciosos van siguiendo a sus
personajes hasta que su esencia se revela a la mirada. A través de una inmovilidad
calmosa, las tomas transmiten la despótica presión que el tiempo ejerce sobre las
emociones del ser humano. Así puede resumirse el cine de Antonioni. En 1960
cosechó su primer éxito internacional, La aventura, que supuso la culminación de la
madurez tanto de su estética irrepetible como de sus temas y estilo de cámara.

Se dedicó inmediatamente al periodismo en calidad de crítico cinematográfico en

las páginas del diario Il Corriere Padano. Marchó a Roma a finales de los años treinta
y continuó su labor cinematográfica en la revista Cinema. Sus primeros pasos en el
cine los dio como ayudante de dirección en 1942.
 Zabriskie Point 1970

Tras un enfrentamiento en un campus universitario entre estudiantes y policías,

Mark, cree haber matado a un agente y huye, en compañía de otro joven y tras robar
una avioneta, al desierto de Arizona. Allí se encuentra de un modo fortuito con Daria,
una muchacha que trabaja para un abogado, director de un importante proyecto
inmobiliario, y que está cruzando el desierto en automóvil para asistir a una reunión
de negocios.
Es la música lo que más me gusta de este filme, una banda sonora propia del
reconocido grupo Pink Floyd que acompaña bien estas escenas con onda hippie
muy de su época, que rellena escenas y secuencias silenciosas de momento.
Elementos de Antonioni se modernizan y crean una estética fantástica, que me
hacen sentir estar en estas épocas de descontento juvenil. Y parecerá algo aburrida,
con unos personajes algo planos que solo retratan unos jóvenes enamorados, pero
que sin duda es la esencia del director y su dirección lo que convirtió este filme en
uno de los mas memorables.

Si bien, para mi fue como una representación algo hippie de aquel relato religioso
de adán y Eva en algunas partes, es también el conocer activistas, hippies, y
personas conservadoras explorando contracultural de los años 60 y 70.

Planos repletos de anuncios y colores que representan el consumismo, después

planos solo de un desierto, solitario que solo acompaña uno o dos cuerpos en
escena. Y es mas que huir de la sociedad, ya que en estos años os jóvenes buscaban
(según ellos) de alguna manera entender y filosofar de su alrededor, pensando en
el amor y paz.

Cine en exterior con planos bastante amplios y una iluminación natural del sol que
esta en pleno día, el director logra transmitir su mensaje gracias a la fotografía
empleada, retratando los paisajes secos, y su estilo algo documental al retratar a sus
personajes.