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Humor

No fue hasta que estudié con Michael Shurtleff que comprendí lo que era
realmente el humor y la importancia de utilizarlo en mi trabajo. En la vida fui
gracioso: Era el bromista en la escuela. Hacía reír a la gente. Sabía cómo
encontrar los chistes en un guión, cómo prepararlos y pagarlos, pero el
concepto de "humor" me era ajeno.
Para los no iniciados, el humor no consiste en ser gracioso. Es la actitud ante
la vida sin la cual todos nos habríamos tirado de un puente hace tiempo. El
humor no es un chiste. Es la moneda de expresión entre los seres humanos que
hace posible que pasemos el día.
El humor es lo primero que el ser humano inyecta en una situación tensa o
cargada de emociones. Si alguna vez has estado en el funeral de un amigo,
sabes de lo que hablo. Un compañero querido ha muerto. Es una ocasión
solemne. Estás allí para presentar tus respetos, pero antes de que te des cuenta,
tú y varios amigos estáis contando historias divertidas sobre el fallecido,
reviviendo recuerdos entrañables de la infancia, riéndoos de las bromas que
hicisteis juntos. Nos comportamos así para aliviar la gravedad de la situación.
Eso es lo que hacemos en la vida real.
La mayoría de los actores, sin embargo, hacen lo contrario. Consiguen un
guión con una escena fúnebre y proceden a succionar la vida de la misma.
¿Por qué? Porque leen las circunstancias y saltan al cliché. Olvidan uno de los
aspectos más importantes de la escena: que sus personajes, aunque estén
tristes, aunque sufran, también son seres humanos. Y si sus personajes no
encuentran el humor en una escena, incluso en una escena en la que han
llegado a llorar la muerte de un querido amigo, entonces se estarán
comportando de forma poco realista. Si no saben buscar el humor, su
actuación será rebuscada e irreal.
El humor no está reservado a las comedias. Cuanto más pesada es la situación,
más humor necesitamos para soportarla. El humor es más importante en un
drama que en una comedia. De nuevo, piensa en Romeo y Julieta o en Un
tranvía llamado deseo. Ambos clásicos son tragedias y, sin embargo, los
actores que las interpretan, para transmitir todo el impacto de esa tragedia,
deben emplear una enorme cantidad de humor en su trabajo.
Los actores suelen confundir el humor con los chistes. Los chistes son donde
el público se ríe. El humor es donde los personajes se ríen de sí mismos. Rara
vez se dan esas dos cosas al mismo tiempo. Si el público se está riendo y tu
personaje empieza a reírse, el público dejará de reírse porque teme perderse
algo.
Si no tienes el don del "humor" de forma instintiva, necesitas desarrollar
algunas herramientas para poder reconocerlo cuando lo veas. Si eres uno de
esos actores afortunados cuyo sentido del humor está firmemente implantado,
esta sección siguiente te ayudará a reforzar lo que ya estás haciendo.
Hay cuatro elementos para encontrar el humor en una escena. El primero es el
absurdo. ¿Qué es lo que tu personaje encuentra absurdo, a pesar de la seriedad
del momento, ya sea sobre él mismo o sobre los otros personajes o la
situación? ¿Qué le hace pensar: "No puedo creer que esté haciendo esto", o
"No puedo creer que acabe de decir eso", o "No puedo creer que esté pasando
esto"? Una vez que has identificado lo que es absurdo, entonces tu capacidad
de reírte de ello, independientemente de lo serio o sagrado que pueda ser, se
vuelve más fácil.
La segunda es buscar son lugares en los que puedes romper la tensión
creciente. La tensión escénica es algo bueno y, en nuestro trabajo, a menudo
queremos llevarla a un crescendo. Sin embargo, hay otras veces en las que es
necesario hacer lo contrario. Cuando las cosas empiezan a ser demasiado
intensas en nuestra vida real, la mayoría de nosotros tenemos una válvula de
escape automática, como un manómetro, que nos permite desahogarnos.
Podemos reírnos, a menudo en un lugar inapropiado, o hacer cualquier
número de cosas diseñadas para descargar la creciente presión. Si lo hacemos
en la vida real, es lógico que nuestros personajes también lo hagan.
La tercera forma en que nuestros personajes pueden exhibir el sentido del
humor es en su deseo de expresar la ironía. Podemos responder a otro
personaje con un comentario ingenioso o sarcástico. Repetimos lo que otro
personaje ha dicho en voz baja o retorcemos la verborrea para enfatizar
nuestro punto de vista. Es importante señalar que expresar el sentido del
humor no consiste simplemente en reírse de lo que ocurre a nuestro alrededor.
A veces tu personaje no puede reírse -puede que ni siquiera sea capaz de
hablar-, pero eso no le impide expresar su sentido del humor. Una ceja
levantada puede decir mucho.
La cuarta forma en que nuestros personajes expresan su sentido del humor es a
través del auto desprecio. Nos burlamos de nosotros mismos para desviar la
atención, o señalamos al mundo que, por cualquier razón, real o irreal,
creemos que somos menos de lo que realmente somos.
Todos estos ejemplos son cosas que hacemos en la vida real. Sin embargo, a
los actores, por alguna razón, les cuesta incorporar estas verdades a su trabajo.
Si la escena es una tragedia, queremos sacarle todo el jugo posible. El
problema, cuando hacemos esto, es que acabamos golpeando al público en la
cabeza con el mensaje.
Si no haces nada para aliviar la presión creciente, ellos lo harán, marchándose.
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LA TENSIÓN: EL ENEMIGO DEL ACTOR
Si un actor no está relajado delante de una cámara, su trabajo será falso e
incómodo. La cámara puede enfocar a veces sólo la cara o una parte del cuerpo,
pero todo el cuerpo debe estar relajado para que el actor produzca un trabajo
honesto y de calidad.
El trabajo cinematográfico es esencialmente una "actuación ocular": la cámara capta
la verdad de las emociones en los ojos. Si un actor hace el amor a la cámara, la
cámara le devolverá el amor. Pero si hay tensión corporal, inevitablemente habrá
emociones bloqueadas. La cámara lo verá, lo captará y rechazará al actor como un
amante despechado al que se le ha mentido demasiadas veces.
Alquile una película de calidad con un actor favorito y obsérvala con atención.
Detenga e inicie el vídeo o el DVD y observe lo que el actor hace con sus ojos antes
y después de una línea. La cámara es un suero de la verdad, y el actor debe estar
relajado para poder transmitir honestamente sus pensamientos.
La relajación se aplica tanto al que escucha como al que habla en una escena de dos
personas. Cuando la cámara se detiene en el actor que escucha en lugar de hablar,
observa cómo capta los pensamientos incluso cuando no hay líneas. Un actor debe
estar relajado para hacerlo bien. Como dice Michael Caine, la actuación en el cine es
como ver nadar a un pato: se desliza suavemente por la superficie, pero rema con sus patas
palmeadas como un loco por debajo del agua.
Al igual que un atleta calienta y cuida su cuerpo, el actor debe conseguir que su
cuerpo esté relajado y preparado para trabajar. Sea cual sea el método o el ejercicio
que elija el actor, debe asegurarse de que trabaja para conseguir una relajación que
favorezca la vitalidad y la expresión. Si el actor no está relajado y "metido" en su
cuerpo, el trabajo de calidad no llegará. La tensión corta su imaginación e interfiere
con su concentración.
Los métodos de relajación también sirven a los actores de otras maneras. Nuestro
negocio está lleno de tensión: aceptaciones, rechazos, grandes apuestas, la promesa
de recompensas económicas que chocan con las actuaciones constantes que pagan
poco o nada, la búsqueda constante de trabajo, la formación y las inversiones
económicas en fotos de cabecera y otros materiales. Aunque es inmensamente
gratificante, la actuación es una de las carreras más estresantes que una persona
puede elegir. Este estrés puede llevar a una tensión que se lee en el cuerpo del
actor, lo que interferirá con el objetivo final: tener una carrera como actor de éxito.
Un actor serio debe aprender e incorporar los ejercicios que le ayuden a sobrellevar
la tensión física que genera la elección de la carrera, tanto en casa como en el plató
o el escenario.
"TRABAJO CORPORAL "PARA SER VISTO
Cada uno de nosotros tiene su propio sistema de defensa muscular que nos
protege de los daños, tanto físicos como emocionales. El estrés de un trabajo de
oficina que requiere sonrisas cuando gritar se sentiría mejor podría conducir a una
mandíbula tensa y hombros tensos. Una mochila o un bolso colgado del hombro
puede provocar tensión en los músculos de la parte superior de la espalda. Incluso
las personas más relajadas y equilibradas tienen partes del cuerpo que se tensan de
vez en cuando.
Los actores deben conocer su cuerpo y saber dónde se encuentran las tensiones y
los bloqueos. Luego tienen que liberar la tensión y permitir una apertura de estas
zonas bloqueadas para que la energía almacenada pueda fluir.
A lo largo de los años, he experimentado con muchos tipos de ejercicios de
calentamiento para el actor, desde el hatha yoga hasta la técnica de Strasberg de
"comprobar" (Strasberg Checking in) cada sección del cuerpo. Lo que he descubierto
es que un calentamiento adecuado para un actor es algo individual. Algunos
actores responden bien a los ejercicios de Strasberg. Otros recurren a estiramientos
básicos o a ejercicios más aeróbicos, como correr o montar en bicicleta, para liberar
el exceso de energía. Los actores deben explorar diferentes tipos de preparación
para la relajación para encontrar lo que más les conviene.
Dicho esto, no soy un gran fan del yoga como rutina de calentamiento. Aunque
creo que el yoga es estupendo para una rutina de ejercicios personal -estira los
músculos y enseña técnicas de respiración adecuadas-, lo encuentro deficiente para
la actuación.
Con demasiada frecuencia, he visto a actores que se quedan "embobados" después
y no tienen energía para trabajar de la manera adecuada. Están casi demasiado
relajados. El yoga puede servir a un actor muy hiperactivo o tenso, pero he
comprobado, a lo largo de varios años de observación y práctica del hatha yoga,
que la mayoría de los actores se vuelven demasiado pasivos y relajados.
Son mejores alternativas los métodos específicos para el mundo de la actuación,
como la técnica de " Checking in " de Strasberg o los ejercicios bio-energéticos.
Pueden realizarse en un tiempo y espacio mínimos, mientras que alternativas
como los estiramientos intensos, el trote u otros ejercicios pueden ser difíciles o
imposibles.

“Checking In” con Strasberg

El ejercicio básico de Strasberg comienza con un actor sentado en una silla y
trabajando a través del cuerpo una sección a la vez. El actor explora el cuerpo,
empezando por comprobar los dedos de los pies, luego las pantorrillas, los muslos,
la región pélvica, el torso, el cuello, la cara, los brazos y las manos. A medida que
explora cada región, flexiona ligeramente los músculos y luego los suelta. El
ejercicio completo es muy minucioso e incluye giros lentos del cuello y la elevación
de las extremidades, para luego dejarlas caer para eliminar la tensión y el exceso de
musculatura. Este calentamiento lleva unos cuarenta y cinco minutos para hacerlo
a fondo.
Conocí una versión más rápida gracias a Michael Howard que se parece a una
rutina de ejercicios de Bobby Lewis que tiene un sistema de "flexión y relajación,
flexión y relajación" para cada zona específica del cuerpo. Hasta hace unos
dieciséis años, utilizaba religiosamente tanto los ejercicios de calentamiento de
Strasberg como los de Lewis. Luego conocí un mundo completamente nuevo de
ejercicios de calentamiento para la actuación: la bioenergética 1.
Conocí la bioenergética cuando el estudio T. Schreiber contrató a Carol Reynolds
para que impartiera una clase de movimiento. Carol llegó al estudio con su plan de
estudios Body DynamicsTM. La Bioenergética es la base de Body Dynamics TM, pero
el programa también incluye otras modalidades como Pilates 2, Feldenkrais3, la
Técnica Alexander4 y la Terapia Cráneo-Sacral5, así como la amplia experiencia de
Carol en la danza. Mi conocimiento de su programa es minúsculo, pero sí conozco
los fundamentos de la Bioenergética y no he conocido nada más efectivo para
definir y trabajar con el sistema de defensa muscular de cada uno de nuestros
cuerpos.
Los cuerpos humanos están llenos de energía. Esta energía es llamada de
diferentes maneras por diferentes personas-un "aura" para los inclinados
1
El Instituto de Análisis Bioenergético fue fundado por el doctor Alexander Lwen y el doctor John
Pienkos en la década de 1950. El trabajo se basa en la terapia reichiana, que cree que las emociones
reprimidas de una persona crean tensión muscular, llamada "armadura corporal".

2
Pilates es un sistema basado en el ejercicio desarrollado por Joseph Pilates en la década de 1920.
Esta filosofía de ejercicio pretende desarrollar el "centro" del cuerpo para crear un núcleo estable
para todo tipo de movimientos.

3
El Método Feldenkrais se ha descrito como una fusión inusual de desarrollo motor, biomecánica,
psicología y artes marciales desarrollada por el Dr. Moshe Feldenkrais (1904-1984). A veces se
utiliza en cursos de fisioterapia y movimiento. Feldenkrais es impartido por instructores
especialmente formados en este método.

4
La Técnica Alexander es una práctica de posturas que eliminan la tensión innecesaria. Toma su
nombre de F. Matthias Alexander, que la ideó a finales del siglo XIX. A menudo se considera la
precursora de otros procesos de trabajo corporal, como Feldenkrais.

5
La terapia cráneo-sacral, fundada por el médico osteópata John E. Upledger, es un método
práctico para evaluar y mejorar el funcionamiento del cuerpo, normalmente mediante un toque
suave para mejorar el funcionamiento del sistema nervioso central.
espiritualmente, o millones de "impulsos electrónicos bioquímicos" para los
científicos. Se llame como se llame, la idea básica es la misma: los cuerpos
humanos tienen energía que fluye a través de ellos, desde la coronilla hasta la
punta de los pies. Y como el agua en una manguera de jardín, la energía fluye
libremente cuando no hay torceduras de tensión que bloqueen su camino.
El principio del trabajo bioenergético es tomar la energía desde el suelo, en lugar
de hacerlo desde la cabeza, como hacemos la mayoría de nosotros.
A menudo, cuando la energía se toma hacia abajo, no viaja más allá de nuestro
pecho y espalda, y se queda ahí. Presiona con el pulgar los lados de los pectorales.
¿Sientes la tensión? La mayoría de la gente encontrará dos pelotas de golf de
tensión viviendo allí.
Reestructurar nuestra fuente de energía requiere tiempo y disciplina. Hay que
reeducar a los viejos músculos para que se suelten. Los actores deben aprender a
realinear su columna vertebral para estar más centrados en su arco pélvico.
Muchas personas cargan una gran cantidad de tensión en los pies, especialmente
en los dedos. Toda esa "sujeción" debe abrirse y liberarse para sentir el flujo de
energía desde el suelo. Los pies deben estar centrados para que no estén girados
hacia fuera o hacia dentro al estar de pie, y el actor debe tener cuidado de no
caminar o estar de pie hacia el interior o el exterior de los pies. Para estar
completamente energizado, los pies deben estar conectados a tierra y la tensión
muscular de las pantorrillas y los muslos debe ser mínima.

Encuentre su fuente de energía

El punto más importante del cuerpo del actor -la "fuente de energía", según Pilates
y otros expertos en movimiento- es la parte superior de los muslos, la zona pélvica
y el torso. Para muchos actores (y personas en general), la zona pélvica es la zona
del "no" del cuerpo. Es la zona sexual de nuestro cuerpo, la zona más protegida.
Por lo tanto, es de vital importancia liberar la ingle, el ano y las nalgas.
Hemos sido entrenados por la sociedad para meter la barriga y apretar el trasero, y
ciertamente, el bloqueo pélvico es necesario para algunos estilos de danza, como el
ballet. Pero para un actor es mortal y le priva de la energía que puede extraer del
suelo, energía que es necesaria para el tamaño y la fuerza de su actuación.

"TRABAJO VOCAL "PARA SER ESCUCHADO

Hice hincapié en la necesidad del trabajo corporal porque el lenguaje corporal de
un actor se lee en el momento en que entra en el espacio de la audición, ya sea una
sala o un escenario. Igual de importante es su voz, ya que su producción vocal
también se juzga en el momento en que abre la boca. Como pregunta Lynn Singer,
entrenadora vocal del estudio T. Schreiber, "si sólo enviaras tu voz, ¿conseguirías el
papel?".
No importa lo bien que pueda actuar un actor en última instancia, si no puede
moverse bien o hablar bien, se va. Como director, he tenido que rechazar a algunos
actores para papeles por falta de producción vocal, al igual que he tenido que
rechazar a otros por una grave tensión corporal. No estoy solo en este dilema.
Otros directores me han dicho que han optado por no contratar a actores que, de
otro modo, serían perfectos para el papel debido a problemas vocales. Estos actores
necesitan tan desesperadamente un trabajo de producción vocal que su
contratación es casi imposible.
Hay diferentes tipos de problemas de producción vocal. Para alguien con un
impedimento del habla o un regionalismo grave, puede ser necesario un trabajo
individualizado muy específico con un logopeda. Pero el objetivo principal para
todos los actores debería ser abrir y ampliar el rango vocal y la producción vocal.
La filosofía de Lynn es que los actores deben recuperar la libertad vocal con la que
nacieron. "¿Qué bebé nace con una voz fea?", dice. La voz de un bebé puede ser
fuerte y nerviosa, sobre todo cuando llora, pero nunca tiene los defectos de
debilidad, tensión o falta de expresión que se escuchan en las voces de los adultos.
Piensa en lo fácil que es escuchar a un niño riendo, llorando o incluso balbuceando
desde la distancia o a través de una pared o puerta. Esto se debe a que la voz joven
es libre en lugar de estar protegida y difuminada. Estas protecciones acaban
convirtiéndose en hábitos vocales que pueden inhibir al actor. Muchos actores han
pasado años sin saber cómo utilizar su equipo vocal correctamente.
La clave para utilizar el instrumento vocal es la respiración. Creo firmemente en el
principio compartido por Lynn Singer: "Si no estás en tu respiración, no estás en tu
voz".
El primer paso para poner la voz en la respiración es la relajación. Al igual que con
el trabajo de movimiento, los ejercicios basados en la bioenergética pueden
aplicarse al trabajo de la voz.
Los ejercicios pueden orientarse a eliminar los factores que impiden una buena
producción vocal. El trabajo de Lynn, por ejemplo, comienza con la liberación de la
tensión desde la parte superior de la cabeza del actor y a través del cuerpo hasta
los pies.
A continuación, Lynn enseña a investigar aspectos específicos como la máscara
nasal. Explora los problemas vocales que provienen de una lengua, una mandíbula
o un cuello tensos. Los estudiantes trabajan toda la tensión de la parte superior del
torso que los deja con la respiración alta y "retenida" en las cavidades superiores de
la espalda y el pecho. Para contrarrestar esta tensión, enseña cómo liberar la
"retención", así como las técnicas de respiración adecuadas, cómo dejar caer esta
respiración hacia la región pélvica y el diafragma.
Esto es sólo el comienzo del trabajo vocal adecuado, por supuesto. Una vez que el
alumno empieza a encontrar su voz, el siguiente paso es explorar las palabras.
Mientras introduzco a los estudiantes a los conceptos y a la importancia de utilizar
el lenguaje para transmitir la vida emocional de un personaje en ejercicios como el
de Spoon River, los instructores vocales expertos como Lynn hacen hincapié en este
tipo de entrenamiento, utilizando poesía y prosa ricamente poética para ampliar el
bagaje de los estudiantes y su comodidad con el lenguaje.
Incluso los estudiantes que tienen un buen rango vocal y una buena capacidad, a
menudo no saben cómo utilizar correctamente el lenguaje para transmitir la
emoción, o incluso un pensamiento completo del texto. Si un actor no entiende lo
que está diciendo o la calidad emocional que hay detrás de las palabras, es
imposible que el público lo entienda. Una voz bonita no puede solucionar este
problema.
Aunque sé y comprendo lo importante que es este tipo de formación, el trabajo
merece más tiempo y atención de la que se presta en una clase de interpretación.
Por eso remito a muchos de mis alumnos a Lynn, que no sólo tiene una importante
formación en producción vocal, sino también en literatura, poesía y teatro.
Algunos actores cometen el error de pensar: "Sólo quiero estar en la televisión o en
el cine, así que ¿para qué necesito una gran voz si hay un micrófono justo encima
de mi cabeza?". Aunque hay muchos actores trabajando ante la cámara que son
capaces de realizar un trabajo admirable, creo que, si algunos de ellos tuvieran que
juntar cinco líneas sin la ayuda de un buen editor, dormirían a los espectadores.
A menudo, la voz está bloqueada o mal colocada, no tiene apoyo y no tiene ningún
rango, o el actor no puede ver cómo utilizar las palabras del guionista de una
manera más profunda y significativa para transmitir la calidad emocional que hay
detrás de ellas.
Estos actores a menudo no tienen colores vocales, y el sentido del ritmo -la música
del lenguaje- se pierde. Trabajar con un experto vocal como Lynn puede devolver
la música a la voz.