ARTE GOTICO

Nace en Francia en el Siglo XII. El término fue empleado primeramente en sentido

peyorativo por los tratadistas del renacimiento, para referirse al arte de la Edad
Media, al que ellos consideraban inferior y bárbaro (godo, de allí el término gótico).
La arquitectura gótica perduró hasta bien entrado el siglo XVI en diversos países
europeos como Inglaterra, mucho después de que el estilo renacentista hubiera
penetrado en otros campos artísticos.
Mientras algunos religiosos como San Bernardo, condenaban la riqueza
decorativa de las obras de arte, que distraían a la meditación, otros como el Abad
de Suger, exaltaba su belleza y perfección que son también reflejo de la Divinidad.
Es justamente la elevación progresiva de lo terrenal a lo divino lo que da origen al
Arte Gótico.
En arquitectura, dentro del gótico, se distinguen diversos estilos:
 Gótico flamígero. Estilo ojival caracterizado por la decoración de calados
con adornos simétricos, semejantes a las ondulaciones de las llamas. La
columna gótica consiste en un haz de columnillas, y tiene el capitel
adornado con hojas muy recortadas, como las del cardo.
 Gótico tardío. El de la última época, que se caracteriza por la
ornamentación exuberante. En esta época desaparecen los capiteles de las
pilastras, ya que da paso a los pilares fasciculados (la carga de las bóvedas
de crucería, que pasa a través de los nervios, necesitaba un apoyo de la
misma naturaleza; descienden desde el nacimiento de las nervaduras hasta
el apoyo mismo en los pilares, haciéndose todo uno).

Elementos fundamentales

 Bóveda de Arista o Crucería: es la formada por la intersección de dos

bóvedas de cañón iguales que se cruzan perpendicularmente. Al principio
estos arcos no soportan todo el peso de la bóveda, solo tienen una función
de refuerzo. De allí partirá el sucesivo desarrollo del arte Gótico.
 Arco Ojival.Las dos curvas forman ángulo en la Clave. Que semejan la
postura de las manos unidas en actitud de oración.
 Arco arbotante o botarete. Arco Rampante (que tiene sus extremos a
distinta altura). Cuyo extremo inferior carga sobre un contrafuerte o botarel,
mientras que el superior absorbe el empuje de otro arco o de una bóveda.
Es un arco exclusivo de la arquitectura gótica que se utilizó en las grandes
catedrales cuyas altas naves debían ser estabilizadas.
 Predominan las Plantas de cruz latina en las que se distingue: la
cabecera, el crucero y las naves, de 3 a 5. La cabecera tiene girola y
capillas radiales. La nave central y el crucero son más anchos y altos que
los laterales.
 Aparece el Pilar fasciculado, que tiene el fuste formado por varias
columnillas delgadas (baquetones).
  Vitrales y Rosetón. Los muros exteriores son más delgados y están
ocupados por ventanales con vitrales. Estos y los Rosetones son admitidos
porque el muro ya no debe ser el sostén de la bóveda y puede ser vaciado.
La fachada exterior está flanqueada por dos altas torres. En el espacio
comprendido entre éstas se abre, arriba, el gran rosetón mientras que la
planta inferior tiene 3 ó a veces 5 portales de fuerte alfeizado. Las portadas
poseen 3 niveles: la portada de entrada, los ventanales y el rosetón.
Las vidrieras se organizan en tracerías. Cada vidriera posee un armazón
de hierro y un emplomado (anteriormente cada panel coloreado se sujetaba
con albañilería de piedra)
 En el encuentro entre la nave mayor con el crucero, se alza el CIMBORRIO
o Torre Linterna.
 Las paredes que separan la nave central de las laterales están aligeradas
por tribunas abiertas sobre la nave central.
 Las catedrales tienen campanarios múltiples que culminan en agujas
afiladas.

A estas características comunes, cada país o escuela introduce sus propias

particularidades.

- En Inglaterra se distinguen por una mayor fuerza y pesadez de la mampostería,

por la presencia de mármoles policromos en la ornamentación de los pilares y por
la abundancia de los motivos decorativos en las nervaduras de las cubiertas.
- En Alemania las Catedrales son con naves de igual altura, llamadas
Hallenkirche o Iglesia de Aulas. En el norte de Francia se construyeron de
ladrillo.
- En Italia las naves no son excesivamente altas y no hay gran diferencia de
altura entre la nave central y las laterales. Son frecuentes los motivos
horizontales que disminuyen el acentuado verticalismo del edificio (es típica de
las iglesias de la Toscana la ornamentación de franjas marmóreas blancas y
negras colocadas en sentido horizontal).

En toda Europa la fase tardía del Gótico se caracteriza por una mayor exuberancia
decorativa: las fachadas y los techos se enriquecen con esculturas y otros motivos
ornamentales, se multiplican las agujas y pináculos, en las ventanas se presentan
dibujos más complicados.

Escultura

Siguió el precedente románico, con una amplia difusión de imágenes cuyo fin era
adoctrinar a los fieles en los dogmas de la fe religiosa y decorar las fachadas de
las catedrales. La escultura de los siglos XII y XIII tuvo un carácter
predominantemente arquitectónico. Las figuras más destacadas son las estatuas
colosales de las jambas (pilastras laterales) de las portadas. Reciben el nombre de
estatuas columnas por estar adosadas a estos soportes. A veces la estatua
columna tiende a liberarse del marco arquitectónico, como si fuera una escultura
exenta o de bulto.
En el Tímpano del portal central está representado generalmente el Juicio
Universal, con la resurrección de los cuerpos y la separación de los réprobos y
elegidos. En el portal derecho se suele ver la Muerte de la Virgen, su Asunción y
su Coronación. En el de la izquierda, ciclos narrativos ilustran las vicisitudes de un
Santo.
Figuras de Apóstoles y Profetas adornan los alféizares de los portales. Lo que
distingue la escultura gótica de la románica es el abandono de las formas
fantásticas (monstruos, animales simbólicos, etc.), renuncia de la deformación de
las figuras con el fin de obtener una actitud más suelta y natural de las imágenes.
Cuerpos bien proporcionados, rostros que expresan claramente los sentimientos
interiores (alegría, tristeza, dolor, etc, hasta llegar al patetismo en el siglo XV),
drapeados que caen en armonía.
En Inglaterra falta una verdadera tradición de escultura monumental. En Alemania
adornan los interiores de las Iglesias. En Italia se realiza la decoración de grandes
púlpitos marmóreos de forma hexagonal u octogonal, ornamentación de los
portales y de los grandes mausoleos. Las estatuas de bulto, internas, representan
a la Virgen con el Niño.

Pintura

La primera etapa corresponde a la pintura conocida como Gótico Lineal, hacia el

1200. Se caracteriza por tener un fondo dorado, de influencia bizantina, un
espacio simbólico. Las figuras tienden a ser planas, los colores vivos y aún con
convencionalismos románicos.
La segunda etapa corresponde a la Italia del Trecento, o pintura italogótica. Este
será el germen de la pintura moderna, desaparece la línea negra. Se distinguen 3
escuelas: la Toscana, con Giunta Pisano; la Romana, con Pietro Cavallini; la
Florentina, con Giotto di Bondone
En Italia hay además una escuela en Siena, con un arte cortesano, idealista, con
fondos dorados al estilo bizantino.
La última etapa corresponde al Gótico internacional, en torno al 1400. Se
caracteriza por su afición al lujo, los colores brillantes, el dibujo curvilíneo, las
pocas preocupaciones espaciales y por ser un estilo un tanto decorativo.
En esta época también se destaca la escuela Flamenca, protegida por una potente
burguesía que es su principal cliente. Los pintores se organizarán en gremios, por
lo que habrá una búsqueda colectiva de la perfección técnica y dibujística, lo que
la hace muy minuciosa en los detalles. Los principales representantes fueron los
hermanos Jan y Hubrech van Eyck.

Por otra parte, el predominio de los vanos sobre los llenos, sea por la colocación
de ventanas en todas las paredes o por la abertura de las galerías, trajo como
consecuencia la disminución del espacio necesario para la pintura mural. Así fue
como la pintura se transfirió de las paredes a las vidrieras de las amplias
ventanas.
Riqueza de colores encendidos gracias a la luz que se filtraba a través de los
vidrios.
Colores planos (obligados por la técnica del vidrio) y de superficie no muy
pequeñas que hacían más difícil la ilusión de relieve y de detalles.
Los temas eran el descubrimiento del mundo terrenal, los movimientos del alma y
la representación de los acontecimientos de la época. Entre las escenas
religiosas surgen otras de la vida ciudadana: el trabajo, las artes y los oficios.

El primer centro fue Saint Denis, no quedaron obras de esa Abadía, como
tampoco las primitivas vidrieras de Nuestra Señora de París.
Quedaron las de Chartres, que se convirtió en el centro de irradiación de la técnica
vitral, no solo en Francia sino en Inglaterra y Alemania. Los colores
predominantes eran rojo y azul y tenían una armoniosa división de los espacios en
figuras geométricas (círculos, cuadrados y cuadrilóbulos) y una gran elegancia
también en sus composiciones.
En Italia el arte de la vidriera tuvo menos importancia, pues siguió predominando
la pintura mural y sobre tabla (aún perduraba el románico, el gótico no tuvo tanta
aceptación).

Durante todo el Siglo XIII, época del máximo florecimiento de las vidrieras, el
artista que dibuja el cartón es el que compone con vidrios de pequeñas
dimensiones.
A partir de la técnica compositiva de Chartres se van creando nuevas escuelas. Va
cambiando la técnica, se realiza un reticulado rojo sobre fondo azul, lo que le da
un tono violáceo a los vitrales (característicos de la Sainte-Chapelle, donde las
ventanas constituyen tres cuartas partes de la pared).
Van creciendo los encargos, por esto se usan piezas de vidrio más grandes y
aparece la grisalla neutra, a veces apenas realzada por un toque de color. Los
coloridos medallones con figuras se distinguen sobre el fondo incoloro. Esto se
hace frecuente a fines del Siglo XIII y las vidrieras van adquiriendo coloraciones
cada vez más tenues. En el Siglo XIV el armazón se convierte en un simple cruce
de barrotes de hierro verticales y horizontales; se reduce al máximo el uso de
plomo y desaparece el efecto de mosaico ya que cada vez las piezas son más
grandes. De esta manera las vidrieras se van encaminando hacia la simple
imitación de la pintura de tabla.

Miniaturas y Esmaltes

En la segunda mitad del siglo XII las miniaturas francesas, resistidas por la orden
Cistercience, contraria a todo arte decorativo, conoce un momento de decadencia.
Por la campaña a favor del Abad Suger vuelven a florecer.
El centro es París, donde hacía poco se había fundado la Universidad que
favorecía la circulación de los libros y donde residían las familias nobles que
ambicionaban la posesión de los códices miniados como un signo de distinción.
La talla en marfil, en relicarios o cofrecillos y en esculturas de bulto pequeñas, fue
una de las mayores representaciones del arte miniado (miniatura).
Entre los trabajos de orfebrería están los relicarios, incensarios en forma de
pequeña catedral gótica, erizados de agujas y pináculos. Continúa la producción
de los objetos esmaltados, rellenando con esmalte profundas incisiones realizadas
en metal precioso.

España

Continuaba sobreviviendo la tradición románica y resistió las infiltraciones góticas.

Los elementos góticos que se introdujeron se debieron a la estrecha relación que
mantenían España y Francia a partir del Siglo XI en que aparecen en España con
el reinado de Alfonso VI artistas franceses.
En Arquitectura existe un cruzamiento de elementos de los 2 estilos. Los ejemplos
puramente góticos se dan en Castilla con la Catedral de Toledo, en Burgos y
sobre todo en la Catedral de León..
Tanto la Escultura como la Pintura, de modelo francés, se vieron enriquecidas por
características típicamente locales.

Italia

Heredó en el Siglo XIII dos tradiciones: la románica y la Bizantina.

La primera en Arquitectura y la segunda en Pintura prevalentemente.
El Gótico se introduce por la actividad de los monjes cisterciences que habían
construido desde los primeros años del Siglo XIII muchas abadías de acuerdo a
los modelos franceses (en forma de Cruz Latina, con 3 naves y coro rectangular).
Ejemplos de Arte Gótico son la Basílica de San Antonio de Padua, la Catedral de
Génova (proyectada para que tuviera dos torres a los costados de la fachada,
luego se hizo una sola; los portales góticos se ven atenuados por las franjas
horizontales blancas y negras típicamente italianas)
Fachada de la Catedral de Siena (1284, fines del S.XIV) La parte inferior realizada
entre 1284 y 1299 mantiene un carácter románico; la superior agregada entre
1374 y 1377 es típicamente gótica. En el interior, el ímpetu vertical está anulado
por las franjas horizontales blancas y negras.
Catedral de Orvieto, realizada por el escultor y arquitecto Fray Bevignate de
Perusa (que perteneció a la orden Cistercience). Erigida entre los siglos XIII y XIV
es ejemplo de verdadero gótico italiano. Igualmente la proyección hacia lo alto es
frenada por la equilibrada y geométrica división de la fachada en cuadros,
triángulos equiláteros, círculos y semicírculos y por el desarrollo horizontal de la
galería que constituye el límite entre los cuerpos inferior y superior. El interior está
revestido por franjas al estilo pisano.

La Arquitectura Civil, representada en este período por numerosos palacios

públicos, está dominada por el sólido equilibrio del arte románico. Ejemplo de esto
es el Palacio Viejo en Florencia.

La Pintura en Italia a principios del Siglo XIII era de tendencia bizantina (repetición
mecánica de signos convencionales, de formas cada vez más rígidas y
estereotipadas, una corrupción del estilo bizantino). Todos los productos artísticos
como murales, mosaicos y esculturas eran muy similares: respondían a una serie
de fórmulas varias.
Entre los que trataron de vencer esto se encuentran: Junta de Pisa, Buenaventura
Berlinghieri y Jacobo (Coppo) de Marcovaldo. Más tarde Cimabue, antecesor de
la pintura moderna, hito hacia el Renacimiento, junto a Pedro Cavallini. El primero
trata de superar la composición rítmica bizantina, que descansa en la repetición de
imágenes bien definidas e inmateriales, para tender a una moderna expresión de
los movimientos internos del alma, donde las figuras comienzan a adquirir cierta
consistencia física y el espacio parece indicado en varios planos que dan una idea
de realidad.
Pedro Cavallini se preocupa por representar el volumen de los cuerpos con togas
mediante un difuso claroscuro.

En Escultura (continuando con Italia) uno de los representantes fue Nicolás Pisano
(esculpió el Púlpito de la Catedral de Siena)

Hacia fines de Siglo XIII, Italia se encontraba a la cabeza del mundo moderno, por
obra de un arquitecto, un escultor y un pintor para quienes el arte no se limita a la
académica imitación de fragmentos de la época clásica. Se advierte la separación
entre lo mundano y lo divino y se descubre la realidad y su nueva relación con el
hombre.
Arquitecto - Arnolfo de Cambio
Escultor – Juan Pisano
Pintor - Giotto

Arnolfo de Cambio (1245-1302)- Realiza la Catedral florentina de Santa María de

la Flor (el Duomo de Florencia) Equilibrio entre el ímpetu vertical y la estabilidad
horizontal, así como entre la difusión de luz y de penumbra. (La fachada fue
destruida en el Siglo XVI y reconstruida en el S.XIX)
También realizó varias esculturas para la misma iglesia.

Juan Pisano (1248-1317) – Hijo de Nicolás Pisano

Tiene un lenguaje vigoroso y dramático, con contrastes de luces y sombras, líneas
quebradas y estructuras nerviosas. Su mundo es humano, rico en sentimientos.
Sus obras son el Púlpito de la Catedral de Pisa, el Púlpito de San Andrés de
Pistoya, etc.

Giotto (1267-1337) – Cierra una civilización pictórica que se ocupaba sobre todo
de Dios y abre otra nueva que se ocupa sobre todo del hombre.
Para la representación divina basta la imagen en superficie, para la representación
de la vida humana se necesita el espacio en profundidad, la tercera dimensión.
Sus imágenes ya tienen peso, están apoyadas en el suelo, el cuerpo se adivina
bajo la ropa.
En su obra hay una relación de proporciones jerárquicas que no son naturales. El
orden de importancia para él era: ser humano, animales, plantas, minerales. Le da
mucha importancia a los ojos y manos intensificándolos.
Lo divino está presente en todas partes, cualquier objeto que se represente es
visto en sí antes que en sus relaciones. Hay un equilibrio perfecto entre el
aislamiento de las imágenes y la visión del conjunto.
Giotto logra la solidez plástica de las imágenes mediante la línea y el claroscuro y
hasta por el color logrando la homogeneidad de la obra; utiliza las formas
arquitectónicas y el claroscuro.
Las imágenes son al mismo tiempo abstractas y concretas, son de hombres en
sentido universal, que no pertenecen a ninguna contingencia ni de clase ni de
tiempo.
Una de sus obras más famosas es el fresco de la Capilla de los Scrovegni, donde
en el panel de entrada encontramos el “Juicio Universal” y en las paredes laterales
representaciones del antiguo y nuevo Testamento, incluso de evangelios
apócrifos.

Análisis de la obra “El sueño de Joaquin” de Giotto

Las proporciones entre los elementos son diferentes de las que nos ofrece la
experiencia de la naturaleza. Es un prejuicio que se basa en ver al arte como
imitación de la naturaleza, como una Fotografía.
La proporción de las imágenes no depende de la apariencia de las cosas en la
naturaleza, sino de su importancia en el pensamiento humano. Proporciones y
desproporciones son elementos de la obra y no el conjunto de la misma.
Las montañas siguen igual ejemplo, para Giotto no son fondo, el único fondo es el
cielo. Hay un fuerte sentido de la realidad en las rocas, pero no de la realidad de
las montañas sino de la realidad de las cualidades expresadas: peso, solidez,
dureza, etc.
Además la montaña con sus desproporciones, hace resaltar las figuras de los
hombres, no solo por contraste sino también directamente. Las aristas al vivo
ponen en evidencia el efecto plástico.
La pintura puede representar el efecto de relieve o de tercera dimensión por medio
del claroscuro, independientemente de los colores que se usan para producir el
efecto. Cuando el relieve de una imagen se da por claroscuro, se dice que el pintor
ha obtenido el EFECTO PLASTICO o la FORMA PLASTICA.
Las figuras están envueltas en ropajes muy simples, con muchos pliegues. Los
contornos trazan líneas duras y generalmente derechas, que se ensanchan hacia
abajo y se expanden alrededor por medio de las gradaciones del claroscuro. Por
esto las formas tienen relieve.
Giotto busca la forma plástica porque le apasiona la ESTRUCTURA que se
advierte tanto en sus figuras como en sus rocas.
La montaña es baja a la izquierda y alta a la derecha, teniendo una línea diagonal
que sugiere la tercera dimensión. La roca alta de la derecha parece más lejana
que la baja de la izquierda y con el fin de equilibrar la composición, Giotto coloca
un ángel en el extremo izquierdo de la roca.
El sentido de profundidad es más fuerte en cada una de las figuras que en el
conjunto de la composición, y cada figura se muestra como un relieve antes que
como una verdadera escultura.
Sus imágenes son estáticas, no rígidas. La solidez de la estructura hace que
carezcan de movimiento, pero no de energía. Hay una tensión en la estática de
sus figuras, es un movimiento que aparece detenido en el acto.
En cuanto al color utiliza el azul en los fondos que cumple la función del negro, es
decir hace resaltar claramente los otros colores. El blanco verdoso de las rocas, el
blanco rosado de las vestimentas aparecen casi como blancos contra un casi
negro, que es el azul.