EDUCACIÓN ARTÍSTICA

SONIDO Y
FORMAS
MUSICALES
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Municipal de Santiago · 2017

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EDUCACIÓN ARTÍSTICA
SONIDO Y
FORMAS
MUSICALES
 PARÁMETROS DEL SONIDO
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Una de las definiciones de música dice que es el arte de organizar en el tiempo los sonidos y los silencios. Así, cuando hablamos
de música, necesariamente hablamos de sonido.

La forma más simple de entender el sonido es como una vibración. Cuando un cuerpo vibra, transmite la vibración a un cuerpo
elástico (en nuestro caso el aire), se propaga en este cómo ondas sonoras y es así cómo llega a nuestros oídos.

El sonido, esta vibración, tiene cuatro diferentes parámetros o características, que necesitamos conocer para comprender mejor la
música.

> LA ALTURA
La altura es el parámetro que define si el sonido es grave, agudo
o medio. En física, se define mediante la frecuencia, es decir la
cantidad de ciclos (vibraciones) por segundo que tiene un sonido.
Su unidad es el Hertz. A mayor cantidad de vibraciones por se-
gundo más agudo es el sonido, y a menor cantidad de vibraciones
más grave es. Se relaciona con el concepto de longitud de onda.
El umbral de audición humana está aproximadamente entre
los 20 Hz (sonido grave) y los 20.000 Hz (sonido agudo). Por
encima de los 20.000 Hz, no es que no existan sonidos, sino que
somos incapaces de escucharlos y se denominan ultrasonidos.
Por debajo de los 16 Hz tampoco podemos escuchar y estos se
denominan infrasonidos.
Vibración rápida- Alta frecuencia- sonido agudo
En el espacio exterior no hay aire, por lo tanto no hay
un medio que propague las vibraciones. Es por eso
que tampoco hay sonido.
decir, más alta o más baja de lo que debiera ser.
En una partitura, la altura se observa en forma vertical. Si una
nota es más aguda, se ubica más arriba en el pentagrama, y si es
más grave, se ubica más abajo. El pentagrama no es ni más ni
menos que una escala de referencia para saber la altura de una nota.
Los instrumentos agudos (violín, flauta traversa, etc.) se escriben
en llave de Sol, que representa los sonidos más agudos. La llave
de Fa comienza donde termina la llave de Sol y se utiliza para
los instrumentos graves (cello, contrabajo). El piano es un caso
especial, porque este es capaz de tocar sonidos agudos y graves
al mismo tiempo. Es por eso que se escribe en llave de Sol la
mano derecha, que toca los sonidos agudos, y en llave de Fa la
mano izquierda, que toca los sonidos graves.

TIEMPO

Onda de alta frecuencia

Vibración lenta- Baja frecuencia- sonido grave

TIEMPO

Onda de baja frecuencia

En música, la altura tiene que ver con las notas. Cada una de ellas
tiene una frecuencia determinada. Por ejemplo, la nota La tiene
una frecuencia de 440 Hz. Si cantamos esta nota y no llegamos
a la frecuencia exacta, se dice que esa nota está desafinada, es
> LA DURACIÓN
La duración corresponde al tiempo que se mantienen las vibra-
ciones del sonido. Los sonidos pueden ser cortos o largos. Si en
una partitura la altura se observa en forma vertical, la duración
se observa en forma horizontal, es decir en el tiempo. En música,
la duración está asociada al concepto de ritmo.
permite diferenciar el fuerte sonido de un trueno de la voz baja
que se utiliza para no despertar a un niño. En física se relaciona 5
con el concepto de amplitud de onda y se mide en decibeles (dB).
En música, al concepto de intensidad se le llama dinámica.
En una partitura esta se anota con abreviaturas que indican la
intensidad.

Pianissimo pp muy suave

“El silencio es el ruido más fuerte, quizás el más fuerte
de los ruidos” – Miles Davis Piano p suave
Mezzo forte mf medianamente fuerte
Forte f fuerte
La duración, en física, puede medirse en segundos, minutos, horas, ff
Fortissimo muy fuerte
etc. En música, la duración la determinan las figuras musicales.

Es interesante hacer notar que los silencios en música también

tienen su propia notación. Esto es porque la música no sólo se También podemos utilizar reguladores de intensidad, cuando
construye con sonidos, sino que también se construye con silencios. queremos que esta no sea pareja. Así podemos utilizar el crecendo
(incremento progresivo de intensidad) o el decrecendo (el sonido
• El pulso es la unidad básica que se utiliza en música para baja progresivamente de intensidad).
medir el tiempo. Se trata de una sucesión constante de
pulsaciones que se percibe en la música. Es su latido. Su
característica más importante es que, al igual que el pulso
cardíaco, este es regular, sin perjuicio de que pueda acele-
rarse o retardarse.

• El acento es un pulso fuerte que se produce, en general con

regularidad, cada dos, tres, cuatro o seis pulsos. También lo
llamamos tiempo fuerte.

• El compás es el período de tiempo que transcurre entre un

tiempo fuerte (acento) y otro tiempo fuerte. En una partitura
se separan con una barra para establecer un orden y hacer Con el pasar de los siglos, cada vez se anotan más los cambios
más fácil la lectura. dinámicos de las obras, cosa que antes no se hacia (por ejemplo,
en la Edad Media).

> EL TIMBRE
El timbre es el elemento diferenciador del sonido. Así, dos
sonidos que tienen igual altura, duración e intensidad, pero
que están emitidos por dos instrumentos diferentes pueden ser
diferenciados.

> LA INTENSIDAD DISTINTOS TIMBRES

La intensidad es el parámetro que indica la fuerza con la que se

produce el sonido. Tiene que ver con la energía. Es lo que nos Diapasón

Flauta

Voz

Violín
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Orquesta Filarmónica de Santiago
Esto sucede porque los sonidos que escuchamos son complejos, es
decir, están construidos por una sumatoria de ondas que suenan
en forma simultánea pero que nosotros escuchamos como una
sola. El timbre depende de la calidad y la intensidad con que
suene cada una de esas ondas, teniendo cada voz o instrumento
un timbre único.
En música, el timbre está relacionado con los distintos instru-
mentos. Estos se clasifican de acuerdo con el material o la parte
del instrumento que produce el sonido. De esta manera tenemos
cuatro clasificaciones:
• Instrumentos cordófonos: lo que vibra es la o las cuerdas.
Estas pueden ser frotadas (violín), pulsadas (guitarra), o
percutidas (piano).
• Instrumentos aerófonos: lo que vibra es una columna de
aire al interior de un instrumento, no necesariamente cuando
se sopla. Ejemplos: flauta, acordeón, órgano a tubos.
• Instrumentos membranófonos: aquellos que tienen una
membrana o parche que vibra, cuando se la golpea, frota,
o vibra por simpatía. Ejemplos: timbales, bongó, kazoo.
• Instrumentos idiófonos: aquellos en los que vibra la mate-
rialidad misma del instrumento cuando se los golpea, frota
o sacude. Ejemplos: xilófono, güiro, cascabeles.
Este sistema fue desarrollado por los musicólogos Hornbostel y
Sachs y es útil porque no es ambiguo. Antes de esta clasificación,
era difícil determinar si el piano era un instrumento “de cuerda”
o “de percusión”. De acuerdo con la física, lo que es más relevante
es la vibración, más que la forma en la cual esta se provoca.
En una orquesta sinfónica, los instrumentos se organizan en
familias de acuerdo con el timbre de los instrumentos.
• Cuerdas: formada por instrumentos de cuerda frotada, es
decir, aquellos en que se produce el sonido con un arco. Per-
tenecen a esta familia: violín, viola, violonchelo y contrabajo.
• Viento - madera: instrumentos construidos en este material.
La familia está integrada por la flauta traversa, clarinete,
oboe y fagot. Hay que hacer notar que aunque muchos de
estos instrumentos originalmente fueron construidos en
madera, hoy están hechos de metal.
• Viento - metal: el material de construcción de los instru-
mentos es en bronce. Pertenecen a este grupo: trompeta,
corno francés, trombón y tuba.
• Percusión: En esta familia, el sonido se produce por el golpe
de elementos. Está formada por instrumentos membranó-
fonos e idiófonos.
 EL CONCIERTO
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> ¿QUÉ ES UN CONCIERTO?

Probablemente has utilizado más de una vez la palabra concier-
to para referirte a la actuación en vivo de uno de tus artistas o
grupos favoritos, acompañados de más músicos o de una gran
orquesta. En estos casos, lo importante es el solista o el grupo
al que fuiste a escuchar.

En el caso de la música clásica, la idea es la misma. Se le llama

concierto (de concertado, o de sonar juntos) a un evento en que
varios músicos tocan juntos. De hecho, en el siglo XVIII se
desarrolló un género que definió por doscientos años este tipo
de eventos, llamado también concierto, o en italiano, concerto. El
concierto es una forma musical en que uno o más músicos solistas
establecen un diálogo con un grupo más grande, normalmente una
orquesta. Un concierto está hecho para el lucimiento del solista
y del instrumento elegido, existiendo momentos en que este toca
sin acompañamiento para exhibir toda su técnica (igual que el
solo que hace una guitarra eléctrica en un concierto de rock).

¿CUÁLES SON LOS TIPOS DE

CONCIERTO?
Se pueden distinguir tres tipos de concierto que surgen según
el período en la historia de la música:

1. Concierto barroco (1680 – 1750): En sus orígenes el prin-

cipal tipo de concierto era el que llamamos grosso (en que la
orquesta se divide en dos grupos), y se estableció la idea de
hacer tres movimientos: rápido-lento-rápido. Los conciertos
se hacían en iglesias (da chiessa) o en salones (da camera).

2. Concierto clásico (1750 – 1820): En este período se produjo

una revolución en el género, donde tomó favor un modelo
particular de concierto que antes se había desarrollado en
menor medida, el solista, donde un solo instrumento debate
con la orquesta. Por eso, el rol de solista se amplía y se vuelve
más importante.
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gaita incluidas. Casi todos los compositores han escrito algún
tipo de concierto, y muchos tocaron sus propios conciertos en
público, como Vivaldi, Beethoven y Rachmaninov.

3. Concierto romántico (1820 – 1900): En plena época

industrial, los instrumentos se vuelven más firmes y com-
plejos, y los músicos pueden viajar más (gracias al tren y al
vapor), por eso el instrumento solista se vuelve cada vez más
complejos y aparece la figura del virtuoso, especialmente
del piano y violín.

¿QUÉ EJEMPLOS DE CONCIERTOS

EXISTEN?
Si bien los instrumentos más usuales son el piano y el violín, un
concierto puede ser para cualquier instrumento y, por lo mismo,
hay conciertos para casi todos los gustos, guitarra, percusión y
 EL MUSICAL
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El musical es un género teatral en el que se cuenta una historia
con partes cantadas y bailes, diálogos, acompañamientos ins-
trumentales e interludios. Este género se origina a partir de la
opereta en Europa y toma elementos de la zarzuela española, el
music hall inglés y la operette francesa. Todas estas influencias
tomaron forma en Estados Unidos hacia 1866, donde apareció
el nombre de comedia musical para hablar de obras de teatro
completas, con canciones y números de baile. Era un género
popular, pero que rápidamente fue creciendo en prestigio.
Su estructura y estilo permite que el espectador sea capaz de seguir
el espectáculo en una sucesión rápida de escenas visualmente
atractivas, dando como resultado una representación simple y
fácil de entender por cualquier tipo de público.
El musical se desarrolla principalmente en Nueva York, siendo
su epicentro la calle Broadway. En Europa, la ciudad principal
será Londres, donde también se nutrió de las comedias de Gil-
bert & Sullivan y donde han surgido algunos de sus mayores
exponentes, como Andrew Lloyd Weber. Otros países también
se comenzaron a ver influidos por el musical, como Alemania,
donde aparece Kurt Weill y Bertolt Brecht, quienes estrenaron
La ópera de tres centavos.
Pese a que los libretos de estos espectáculos carecían de consis-
tencia, permitieron el lucimiento de estrellas como Fred Astaire
y generaron decenas de canciones populares que pasaron a la
historia del musical, en composiciones de los hermanos Gershwin
y Cole Porter. En parte, esto fue por la influencia del cine, que
logró amplificar la fama del musical a nivel mundial.
En los años treinta, la gran depresión afectó el público teatral
a ambos lados del Atlántico, ya que la gente tenía poco dinero
para gastar en entretenimiento. De esa época destacan Porgy
and Bess, de los hermanos Gershwin y DuBose Heyward, con
un elenco afroamericano y una mezcla ópera y jazz.
En los años cuarenta y cincuenta hay una consagración del
género, con artistas cada vez más destacados e involucrados en
él. Destacan en esta época los musicales Oklahoma, El rey y yo
y The Sound of Music. Estos clásicos son parte de la edad de oro
del musical en Estados Unidos. De los años posteriores son
los musicales My Fair Lady (una adaptación de Pigmalion de
George Bernard Shaw).
En los cincuenta, West Side Story traslada la clásica historia de
Romeo y Julieta a Nueva York, en que la enemistad entre Montes-
cos y Capuletos se convierte en el enfrentamiento entre bandas
rivales de los sesenta son los grandes éxitos El violinista en el
tejado, El hombre de la Mancha y Cabaret. Después de esto, hace
la aparición el musical rock, al que Hair da el punto de partida,
con controvertidas opiniones sobre distintos temas de actuali-
dad, como la guerra de Vietnam, las relaciones interraciales y el
desnudo. A este estilo pertenecen Jesucristo Superstar y Tommy.
Los musicales de las décadas siguientes se caracterizan por sus
influencias pop, su gran presupuesto, grandes elencos y notables
efectos especiales. Muchos están basados en novelas u otras obras
de la literatura. Destacan Evita, Los miserables, Miss Saigón (una
adaptación de la ópera Madama Butterfly), Cats y El fantasma de
la ópera. Estos musicales aún tienen un éxito rotundo.
La década de los noventa fue testigo de la influencia de las
grandes compañías productoras en el montaje de musicales.
Disney comenzó a adaptar algunas de sus películas musicales
animadas de la época, como La bella y la bestia y El rey león, con
música de Elton John. Este musical se ha llegado a convertir en
el espectáculo más taquillero en la historia musical de Broadway.
En el nuevo siglo, los productores, deseosos de garantizar la
recuperación de sus inversiones, han apostado por musicales
dirigidos a un público masivo.
En Chile, el musical ha tenido una importante y larga historia,
con algunas obras claves de nuestra cultura. El primer musical
chileno fue ¡Esta señorita Trini!, de 1958, pero será La pérgola de
las flores, de Francisco Flores del Campo, la obra que instalará
el género en Chile. Obras posteriores, como La negra Ester de
Roberto Parra, han consolidado aún más la relevancia del musical
para la cultura chilena.
 LA SINFONÍA
Una sinfonía es una obra a gran escala para orquesta que, por lo
general, se divide en cuatro o más secciones separadas llamadas
movimientos. Esta es, claramente, una definición técnica. Sin
embargo, el sólo hecho de mencionar los nombres de famosas
sinfonías (la Quinta, la Heróica, la Novena de Beethoven; la
n°40, la Júpiter de Mozart; la Sinfonía inconclusa de Schubert; la
Italiana, de Mendelssohn; la Primera, de Brahms; la Sinfonía del
nuevo mundo de Dvořák; la Sinfonía patética de Tchaikovsky y la
Resurrección de Mahler) es evocar mundos de enorme belleza y
grandeza musical. Por más de doscientos años, las sinfonías de
los grandes compositores han sido fundamentales en el repertorio
de conciertos y son piezas que, para muchas personas, simbolizan
la música docta misma.
El precursor directo de la moderna sinfonía fue la obertura de la
ópera italiana de principios del siglo XVIII. Esta forma, llamada
“sinfonía” en italiano, constaba de tres movimientos separados,
siempre en orden rápido- lento- rápido. Hacia 1750, varios
compositores empezaron a escribir sinfonías más elaboradas,
ya no destinadas a la sala de teatro, sino para su interpretación
en conciertos públicos. La idea de estas nuevas sinfonías era
llamar la atención y por eso debían ser cada vez más elaboradas,
o interesantes, pues el público apreciaba la originalidad de los
compositores. El primer gran maestro de las mismas fue Johann
Stamitz, en Mannheim, Alemania.
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Alemania y Austria desarrollarían este género más que ningún
otro país. Una nueva generación de compositores encuentra allí
un vehículo de expresión para conciertos que, de a poco, van
saliendo del salón aristocrático para llegar a la sala pública, por lo
que también los conjuntos con que se interpretan van creciendo
en tamaño. Con la creación de algunos compositores, la sinfonía
se acepta en Europa Central como este modo de hacer drama a
través de una música únicamente instrumental. Joseph Haydn,
que escribió 104 de estas obras, es llamado a menudo “El padre
de la sinfonía”. No fue ni el primer compositor de esta forma
musical ni tampoco el más prolífico, pero sí fue el primero en
demostrar en qué podría transformarse en las manos de un genio.
Sus logros e innovaciones extraordinarias se vieron reforzadas
por las hermosas y brillantes composiciones de Mozart (amigo
y admirador), quien escribió 41 sinfonías.
Juntos, Haydn, Mozart y los músicos de su generación (que hoy
llamamos “clásicos”), establecieron los estándares de la estructura
de la sinfonía en cuatro movimientos. Esta estructura incluía un
vivaz primer movimiento en forma sonata (a veces precedido
por una lenta introducción), un segundo movimiento más lento,
más lírico, un tercer movimiento como una danza, minueto y un
último movimiento rápido. Un movimiento en forma de sonata
consiste en tres secciones –exposición, desarrollo y reexposición–
usualmente seguidos por una coda o conclusión, que lleva el
movimiento hacia su final.
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Ludwig van Beethoven mantuvo el modelo en cuatro movi-
mientos para sus sinfonías y su lenguaje musical, en especial
el armónico, era sustancialmente el mismo que los de Haydn y
Mozart. Pero Beethoven expandió la forma y la expresión sin-
fónica de innumerables maneras y en la sinfonía, igual que en
otras formas musicales, cimentó el camino desde el Clasicismo
al Romanticismo. Beethoven escribió sinfonías más extensas,
creando así, obras más poderosas, intensas y dramáticas, para
orquestas más extensas y potentes. Solo escribió nueve, lo que
dice mucho de su preocupación de que cada sinfonía fuera un
logro enorme en sí mismo y no “una sinfonía más”.
hora y media en sus últimas obras. Su discípulo más cercano,
Gustav Mahler, transformó el estilo de las sinfonías de Bruckner
en un confesionario o diario de vida, aumentando aún más los
instrumentos (llegando a los mil músicos en la Octava sinfonía),
la duración (el primer movimiento de la Tercera sinfonía dura casi
una hora) y luego el significado simbólico del género sinfonía,
incluyendo discusiones metafísicas y poesía china, entre otros
elementos. Tras la muerte de Mahler la sinfonía como género
vivió un paulatino retroceso en significado, aunque algunos
compositores como Shostakovich, Prokofiev o Messiaen la
cultivaron de maneras novedosas durante el siglo XX.

Reemplazó el minueto de la sinfonía clásica por el scherzo, más

rápido y más dinámico, y en el último movimiento de su Novena
sinfonía agrega por primera vez la voz, con solistas y coros. Ese
movimiento, conocido hoy como Canción de la alegría, es una de
las melodías más famosas del mundo, himno de la Comunidad
Europea y de innumerables causas sociales en el mundo.

Tras la muerte de Beethoven, la sinfonía sufrió una crisis profun-

da. ¿Podía escribirse algo después de él? Distintos compositores
lo intentaron, como Berlioz (quien agregó historias a ellas) o
Mendelssohn y Schubert, quienes trataron de recuperar parte
de la sinfonía clásica. Pero sólo a fines del siglo XIX la sinfonía
retomó su lugar en la creación musical. Quien más se preocupó
por el género en su sentido filosófico y espiritual fue Anton
Bruckner, ampliando el número de instrumentos – utilizando una
orquesta equivalente a las de las grandes óperas de su tiempo– y
aumentando la duración, alcanzando una extensión de casi una
 LA SUITE
La suite es una forma musical compuesta por varios movimien-
tos breves y cuyo origen son distintos tipos de danzas barrocas.
Podemos decir, por lo tanto, que una suite es reconocida por ser
un conjunto de danzas.
La suite aparece en el Barroco, siendo una de las primeras formas
musicales pensadas para la orquesta. Para darle unidad a estas
danzas y para que pareciera que todas formaban parte de una
misma unidad, estas estaban compuestas en la misma tonalidad o
en acordes cercanos. Una técnica distinta fue presentar el mismo
tema musical en diferentes danzas.
Este género es un antecedente de la forma sonata que se origina
en el siglo XVII, que también será precursora de las sinfonías.
Grandes compositores de suites fueron Georg Friedrich Händel
y Johann Sebastian Bach.
Las cuatro danzas que se volvieron más comunes en la suite
barroca son la allemanda (de Alemania, tranquila y seria), la
courante (de Francia, más rápida, con saltos y giros), la zara-
banda (de España, una danza pausada) y la giga (de Inglaterra,
rápida y vivaz).
Otras danzas que también pueden aparecer en una suite son la
pavana, el menuet, el rondó, la bourré, la gavota y la chacona,
entre otras. Otras veces la suite puede estar acompañada de una
introducción o preludio.
Esta idea de tomar distintas secciones para hacer una obra más
extensa se retoma en los siglos posteriores. Por ejemplo, existen
suites de ballet (como la del Cascanueces) o de ópera (como la
de Carmen), e incluso de música de películas. La suite se ha
transformado en un conjunto de piezas que se interpretan juntas.
Pero también se siguen escribiendo modernas suites de danza,
incluyendo algunas más locales o actuales. En Chile, tenemos el
ejemplo de la Suite latinoamericana del compositor Luis Advis,
que en el siglo XX compuso una suite con una milonga, una
tonada, un vals peruano y una conga.
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