Una breve historia del Blues Music

por Piero Scaruffi

Un capítulo de mi Historia de la Música Popular

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Para comprar el libro
(Estos son extractos de mi libro "Historia de la Música Popular")
Blues Music
El Sur: La música negra
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Aunque nunca sabremos con certeza, es probable que la música originalmente desarrollado
(en miles y miles de años atrás) como un medio para coordinar y sincronizar el movimiento
colectivo humano, como para la caza o la agricultura. Incluso hoy en día, es algo natural
para empezar a cantar una canción rítmica para acompañar la actividad de un grupo de
personas, ya sea de excursión en las montañas de la construcción de un techo.
Presumiblemente, grandes cantantes ha mantenido un estatus social importante al igual que
los chamanes o los cazadores de la parte superior. Más tarde, como instrumentos de
percusión desarrollado para acompañar la música, percusionistas individuales también
pueden haber surgido. A continuación, nuevos tipos de instrumentos, no solo de percusión,
de manifiesto que ha permitido también a virtuosismo.
A veces, durante la evolución de las civilizaciones ", la música en solitario" fue inventado
para admirar y apreciar la música de los mejores cantantes e instrumentistas. Es probable
que, inicialmente, sus actuaciones fueron sobre todo para la aristocracia y son puramente
musicales. En algún momento llegó naturales de fusionar la música en solitario y poesía en
solitario para entretener a la aristocracia (y más tarde a las masas), con historias que la
gente se conoce. Durante la época clásica del teatro griego, estas historias se hizo más
abstracta y metafórica, y la música se hizo menos evidente. El cristianismo se inclinó aún
más el propósito de la música para cantar las alabanzas del Señor y para llamar a los fieles a
la oración. Música, básicamente, se convirtió en el vehículo para un mensaje. El mensaje
(incluso cuando se trataba de una épica) no era sólo una historia, sino un sistema
ideológico.
En algún punto de la gente común empezó a crear canciones para su propio consumo, o las
canciones "folk". Estas canciones no fueron héroes o sobre Dios, sino sobre las alegrías y
las tristezas de la vida rural.
La música de la aristocracia se hizo más y más sofisticados, tanto porque puede comprar los
mejores instrumentos en el mercado y porque podría contratar a los mejores cantantes e
instrumentistas en el reino. Llegó a ser llamada música "clásica". A través de la invención
de la polifonía, es muy reducido el énfasis en el ritmo, que llegó a ser considerado como un
elemento más primitivo y plebean.
Por el contrario, la música popular basado en gran medida en el ritmo, tanto para bailar y
para cantar.
El ritmo se convirtió, en cierto sentido, el discriminante fundamental entre la música clásica
y popular.
Esa era la situación cuando la música europea (clásica y popular) llegó a tierras americanas.
En el crisol de las Américas, los europeos se vieron obligados a admitir por primera vez
que hay muchos diferentes tipos de música popular. Mientras que el instinto racial para
separar las formas de Europa occidental (y los anglosajones, en particular) de los demás,
era sólo una cuestión de siglos antes de que los límites fueron borrosa. El enfrentamiento
más traumáticos para los europeos es la existencia de la música africana. Larga descartado
como una rareza del reino animal (muy parecido a los sonidos de los animales), la música
africana logró convivir durante dos siglos siguientes a la música europea antes de hacer
incursiones en la sociedad norteamericana blanca. Durante la 19 ª siglo varios elementos de
la música africana comenzó a filtrarse en la música popular blanca. (Este fenómeno tuvo
lugar en las Américas. N afro-contaminación tuvo lugar en la sociedad europea hasta
mucho más tarde).
Una vez más, el ritmo fue el factor discriminante clave. El ritmo no fue una invención de
África, pero sin duda la polirritmos africanos fueron muy diferentes de los ritmos lineales
de la música popular europea.
El efecto de la música africana en la música blanca era inicialmente apenas sentía, pero que
iba a convertirse en el principal factor que fomenta la innovación. De hecho, la música
popular de los europeos apenas había cambiado en todos los largo de los siglos, pero se va a
cambiar drásticamente (con los cambios de recoger más rápido y mayor velocidad) una vez
que la música afro-americana se convirtió para influir en él.
La fusión de la música popular europea con la música popular de África fue la fuente más
importante de innovación para la música en el mundo occidental después de la Ars Nova.
El estado de la música clásica europea sigue siendo un poco extraño. Se steadfastedly se
negó a aceptar la música africana (aún considerado como una forma de expresión de los
animales inferiores) y todos sus descendientes mulatos. Así, la brecha entre la música
clásica y popular aumentado dramáticamente durante el siglo 19 hasta los años sesenta.
Música negra: la perspectiva africana

"Africanos" la música es en realidad un término bastante inútil. Música varía en África

mucho más de lo que hace en toda Europa (precisamente porque no hay cultura musical
única llegó a dominar y se extendió por todo el continente). La mayoría de los esclavos
comercio con las Américas vinieron de África Occidental, cuya música era completamente
diferente de la música de otras partes de África. Fue también muy diferente de la forma
musical europea se había desarrollado desde la época griega.

Si el núcleo de la música europea fue para embellecer una melodía a través del contrapunto
de una serie de instrumentos melódicos, y de paso la puso a un ritmo (que se especifica a
veces sólo en términos vagos como "adagio" o "Allegro"), el núcleo del Oeste de la música
africana era el color de un ritmo a través del contrapunto de una serie de instrumentos
rítmicos, y de paso que se visten con una melodía. Así, los elementos clave de la música del
África occidental fueron el ritmo y el timbre no, la melodía y la armonía. En lugar de
contrapunto melódico, música de África Occidental se acerca el contrapunto rítmico.

Al igual que melodismo Europea era una extensión de la lengua indo-europea,

percussionism África occidental resulta ser una extensión de las lenguas de África
Occidental, que se basan principalmente en el timbre y el ritmo. Música de percusión de
África Occidental no era más que una simulación de la lengua hablada. En cierto sentido,
África Occidental aprendió a tocar la música (la música en el que las sutilezas rítmicas y
tímbricas jugar un factor clave), mientras que estaban aprendiendo a hablar. Música de
percusión de África Occidental tenían el mismo "semántica" valor de la música melódica
Europea, salvo que el eje del significado era perpendicular.
Inicialmente, los colonos europeos de la América del Norte no tenía ninguna intención de
convertir a los esclavos al cristianismo: el hecho de que los esclavos eran "paganos", fue la
justificación moral de la esclavitud. Ellos no eran "cristianos", y en esos días "Cristiano"
significa "humano". Las personas que no eran "cristianos" eran seres inferiores. El
avivamiento metodista y Bautista, que comenzó en 1734 con el "Gran Despertar" de
Massachusetts crearon una nueva ideología de la esclavitud: la esclavitud era justificada, ya
que era un medio para salvar a los paganos de la condenación determinados. Por lo tanto la
conversión de los paganos poco a poco se convirtió en no sólo dio la bienvenida, sino
incluso obligatoria. La esclavitud llegó a ser visto (en cuartos fanáticamente religiosa)
como una cruzada para salvar almas. El "espirituales" (himnos espirituales) fueron la
primera forma original de la música creada por los esclavos de América del Norte. El canon
desarrollado a través de la adaptación de los rituales africanos a los rituales cristianos y por
la adaptación de la música litúrgica europea al sistema musical de África Occidental.
Huelga decir que el desarrollo de los espirituales negros se aceleró enormemente cuando
los predicadores primer negro comenzó a practicar, porque entonces el predicador y su
público, simplemente a su vez, su "llamada y respuesta" relación en la interacción musical.
Debido a que los negros eran separados de los blancos, que tenían que darse sus propios
predicadores (a menudo ellos mismos esclavos), que predicaba a un negro, único público.
En los predicadores negro década de 1750 ya estaban en todas partes. congregaciones
Negro se formaron en la década de 1770.

Una escala es la secuencia ordenada de las instrucciones utilizadas en un sistema musical.

música europea utilizó la escala diatónica (dividido en ocho tonos, la octava que una
repetición del primer tono una octava más arriba), o, mejor, su extensión, la escala
cromática (doce tonos por octava). Occidente la música africana utiliza una escala
pentatónica (que comprende sólo los tonos primero, segundo, tercero, quinto y sexto de la
escala diatónica). Dos escalas desarrolladas por la fusión de la música europea y africana:
la escala pentatónica desviada de "espiritual" de música y de la escala diatónica ampliado
de "blues". Todos los de la música negro en los EE.UU. se desarrollan a partir de estas dos
escalas fundamentales. La música tradicional negro que estaba más estrechamente
relacionado con sus raíces de África Occidental fue la canción de trabajo.

En 1776 los EE.UU. declararon su independencia de Gran Bretaña.

Música negra: la perspectiva europea
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El comercio de esclavos en el Atlántico, iniciado por los portugueses en el siglo 16 y se

convirtió en el motor del crecimiento de América del Norte por los ingleses en el siglo 18, a
la izquierda del recién nacido EE.UU. con su legado más vergonzoso: un millón de
esclavos. En la época de la Guerra Civil, que había aumentado a más de cuatro millones de
dólares.

La población africana que plantea un dilema moral a la gente muy religiosa de los colonos
europeos: cómo convertir a los paganos africanos en buenos cristianos. Los misioneros que
participaron en esa tarea crucial fueron los blancos primeros en darse cuenta del gran
talento musical de la raza negro. De dónde venían, la música era un fenómeno social que
acompañó a cada actividad. Lo mismo ocurre con la música más o menos los blancos, pero
que la música sobrevivió principalmente en las comunidades rurales pobres. Los ricos
propietarios blancos de las plantaciones habían adoptado las costumbres sofocado musical
de sus homólogos europeos (la música como un evento formal), por lo tanto repudiar la
música como un comentario sobre la vida cotidiana. Los africanos de las plantaciones se
aferró a sus tradiciones, y los misioneros que se encuentran conveniente adaptar la liturgia
cristiana a la mente musical de los africanos. Se convirtió en habitual para las
congregaciones negro para acompañar ceremonias sagradas con la música que fue, de
hecho, importados de África. Por ejemplo, las armonías pulido, lineal vocales del canto
Europea han sido sustituidos por sincopado armonías vocales con todo tipo de sutilezas
rítmicas. Este "espiritual" la música era la primera instancia de la música africana adaptada
al entorno social del Nuevo Mundo (en este caso, la iglesia, algo que no existía en África, y
la letra de los Evangelios). No fue difícil para el esclavo individuo a identificarse con el
martirio de Jesús, y para la comunidad en su conjunto para identificar con la odisea de los
Judios.

El otro tipo de expresión musical, principalmente canciones de trabajo (por "grita" y

"arhoolies", es decir, el algodón y los recolectores de trigo) y las danzas del partido, estaban
más cerca de la música original de África, debido a las mismas actividades (trabajo y la
fiesta) existían en África. Vaya con Dios es un ejemplo de "canción del jubileo", canciones
para el "jubileo", o partes de las plantaciones. "Hollers" y "arhoolies" (trabajadores,
respectivamente, de las plantaciones de algodón y trigo) desarrollaron canciones de trabajo
que estaban en sincronía con el ritmo de trabajo.

Los tres tipos de música (obra religiosa, y el partido) comparte la misma característica: eran
básicamente hipnotiza tanto el cantante y los oyentes. Ya sea éxtasis, tristes o exuberante,
la música de los africanos tienden a ser repetitivas, rítmicas y sentidas. Su "hipnótico"
efecto tal vez expresó la resignada aceptación de un destino trágico. Al mismo tiempo, ya
sea estática (religiosos) y triste (de trabajo) o la exuberante (partido), era mucho más
emocional que la música popular blanca, un hecho que tal vez expresó la esperanza de un
futuro menos trágico. Esta emoción dio lugar a la improvisación individual sobre los temas
colectivos. El efecto combinado del formato hipnótico y el contenido emocional creado
estructuras sueltas que podrían extenderse por períodos indefinidos de tiempo, en una
alternancia casi interminable de repetición y la improvisación.

Tres aspectos más de la música negro fueron innovadoras para los estándares de la música
blanca. El ritmo sincopado fue general, y (al principio) sólo se proporciona por palmas y
zapateo. El cantante contrató a un amplio rango vocal y toma nota de puente de manera
acrobática, introduciendo así una libertad desconocida a la armonía occidental. El
equivalente negro del contrapunto se llevó a cabo principalmente en la "llamada y
respuesta" formato: un líder entonó una melodía y un coro que repite en un registro
diferente, ya veces un ritmo diferente, y muchas veces doblando la melodía un poco. El
papel de la improvisación en la música negro contrastaba claramente con la precisión de un
reloj de la armonía occidental. Y la estructura de composición abierta de la música negro en
contraste con la progresión lineal de la música occidental.

Originalmente, música de los esclavos era puramente vocal. Muchos negros de las
plantaciones fueron violinistas expertos, pero eso era un trabajo que realiza la mayor parte
de los amos blancos, no por su propia comunidad. Tocaron la música para los bailes de sus
amos.

La herencia africana se mantuvo principalmente en el Sur. Los negros del norte eran mucho
mejor integrados en la sociedad blanca en el siglo 19. Por ejemplo, el teatro negro primero
había abierto en Nueva York ya en 1821 (el "África Grove", en la esquina de Bleecker y
Mercer, que forma parte del Greenwich Village, que entonces estaba un poco fuera de
Nueva York adecuada). Francis Johnson fue un compositor respetado de la música
orquestal en Filadelfia (realizó el primer concierto a `la Musard" en los EE.UU. en 1838).
Y Elizabeth Greenfield, también en Filadelfia, se convirtió en un vocalista respetado
concierto en 1851. Fue en el Sur, que los negros, excluidos de la integración en la sociedad
blanca, tuvo que "contenido" a sí mismos con sus tradiciones africanas.

En teoría, la guerra civil que terminó en 1865 liberó a los esclavos africanos, y, de hecho, la
primera colección de canciones negro fue publicado poco después, Esclavo canciones de
los Estados Unidos (1867). En la práctica, hizo poco para mejorar las condiciones de la
demanda negro: mismo trabajo, la discriminación misma. Incluso para los negros que
salieron de los estados del sur, las ciudades de la libertad prometida del Norte, pero sobre
todo entregado un tipo diferente de la esclavitud. Por otro lado, el fin de la esclavitud es, en
cierta medida, la disolución de los dos puntos de encuentro tradicional para la comunidad
africana: las plantaciones y la iglesia.

La música sigue siendo el principal vehículo para expresar la frustración de un pueblo, pero
el fin de la esclavitud introducida la persona: en vez de ser definida por un grupo (los fieles
o los trabajadores), el cantante negro era ahora libre y capaz de definirse a sí mismo como
un individuo. Sus palabras y el humor todavía se hizo eco de la condición de todo un
pueblo, pero cantantes solistas representan una nueva toma en esa condición, el punto de
vista de un hombre que finalmente permitió viajar, y ya no es un prisionero de su
comunidad, aunque, a veces, más solo. Las canciones de un negro fueron el diario de su
vida (por carretera, tren, la cárcel, salón, sexo), a menudo una vida itinerante, en
comparación con el diario de una comunidad (de las plantaciones, la iglesia).

cantantes Solo necesita instrumentos. El banjo, un instrumento africano ("banhjour"), llegó

en los barcos. La guitarra y la armónica fueron adoptados de los blancos. Finalmente, la
guitarra llegó a ser la segunda "voz" del blues. En lugar de hacer frente a una audiencia en
una iglesia o de las plantaciones, e interactuar con ella, el cantante negro estaba
interactuando con su guitarra. El blues se convirtió en un diálogo entre un ser humano y su
guitarra. El itinerante negro "cantores" de la época de la Reconstrucción, armado con la
guitarra, las canciones adaptadas de la grita a la forma narrativa de la balada británica (por
ejemplo, John Henry).

A pesar de que fueron similares en el tono, la diferencia entre la música popular en blanco y
negro fue profundo. Ambos eran realistas, pero la música de los blancos crearon "épica" de
los acontecimientos ordinarios, mientras que los "blues" fue casi brutal en su descripción de
la vida real. El paisaje de los azules fue una de las prisiones (Midnight Special) y caminos
polvorientos. "El amor" era simplemente el sexo no, una emoción romántica. La muerte era
un hecho de la vida, no un paso hacia la vida eterna. Por otro lado, la calidad existencial de
la música fue más fuerte en el blues. El blues fue, ante todo, un estado de ánimo. No
importa cómo la muerte directa, y el sexo en última instancia, se remontaba a las cárceles y
cantinas, que a su vez se remontaba a la pobreza y la miseria. El materialismo desenfrenado
del blues no era yo, sino la glorificación autocompasión. El blues fue, fundamentalmente, el
sentido de un destino inevitable (tanto individual como colectiva).

La quintaesencia del blues fue el dolor, pero el arte del blues con frecuencia consistían en la
reducción de la brecha entre la tragedia y la comedia (en términos generales).

Musicalmente, la música blues de doce compases en 4 / 4 (aunque esto puede haber sido un
desarrollo posterior). Su melodía es determinada por una escala que es una adaptación de la
escala africana de cinco notas de la escala del oeste de siete notas. música de blues
introdujo dos "aplanado", señala, el "azul", señala.

música negra fue originalmente concebido como música para los negros solamente, no sólo
hizo caso omiso, pero a menudo despreciados por la comunidad blanca. El movimiento
demográfico de la bonanza económica que siguió a la reconstrucción tras la Guerra Civil
contribuyó a la exportación negro músicos y su música a las ciudades blancas, y derribar
algunos de los muros culturales entre las dos comunidades.

Por el momento, los elementos que sonaba más indignante para los oídos blancos eran la
obscenidad de la letra y los movimientos indecentes. El sexo era el tema dominante de las
baladas de negro y las letras eran a menudo explícito. cantores Negro gustaba jactarse de
sus actuaciones sexuales. Esto no era tanto una tradición africana como una tradición de las
plantaciones: los titulares de esclavos utilizados para fomentar las relaciones fuera del
matrimonio entre los esclavos, porque la gente lo tanto negro vino de entornos en los que la
promiscuidad sexual era más que tolerado: es la vida ordinaria. El otro "indecente"
elemento fue la ceremonia cristiana, que parecía más ceremonias paganas, en los que cantar
fuerte y embriagadora mezcla con el baile histéricos aullidos y orgásmica. iglesias Negro
alentó a la exposición de fervor místico salvaje a través del lenguaje corporal, pero los
blancos lo vieron como prueba de que los negros no eran seres civilizados.

Como la música de blues fue escuchado y "consumido" por los blancos, se hizo más
consciente de su propio significado. También tenía que de alguna manera "ocultar" que el
significado (por ejemplo, la sexual), que no era compatible con los valores de la sociedad
blanca. Así, el blues desarrollaron entregado a "doble discurso" para hacer frente a temas
que la gente blanca rechazado. El blues se hizo más metafórica y alegórica (Bollweavil
Blues, Stewball, tío Conejo, La Grey Goose).

Como guetos surgió en todas las grandes ciudades, los temas de la música blues adaptados
al paisaje urbano, y comenzó a describir la vida en el gueto. Pero la música blues nunca fue
concebido para reflejar el ritmo de la vida urbana. De hecho, el ghetto se mantuvo anónimo
hasta la década de 1970, cuando el rap nació.

El primer lugar para la música negra era la "medicine show", el espectáculo de variedades
itinerante que acompañó a los "doctores" en su búsqueda de clientes gullable (de ahí el
término del argot "vagón Physick"). Los "médicos" que se utiliza negro músicos, actores y
bailarines como entretenimiento barato llamar a una audiencia a sus argumentos de venta.
Finalmente, el "medicine show" se convirtió en un arte en sí mismo, que recorrió varios
condados y estados, incluso, a menudo aumenta con magos, acróbatas, etc

En Memphis, en 1907 el primer teatro permanente de la medicina muestra fue creada por
Fred Barrasso. Esto condujo a la formación de la T.O.B.A. ("Teatro de los propietarios de
reservas Asociación"), una red de salas especializadas en espectáculos negro. Los músicos
negros, maltratados y mal pagados por sus empleadores, sin embargo, fueron los primeros
artistas profesionales negro.

Minstrel muestra, aunque dirigido por artistas blancos, comenzaron a contratar a cantantes
negro después de la Guerra Civil, y eventualmente se convirtió principalmente negro.
Blanco emprendedor John Isham organizó la primera revista itinerante negro (básicamente,
un mejor espectáculo juglar organizada), "Criolla de Jack Burlesque Compañía", en 1890.
Una revista como incluso una gira por Europa en 1897. Estas revistas mantiene el formato
de tres partes del espectáculo juglar (escena de apertura, actos especiales y final), pero, a
efectos prácticos, programas de variedades con orquestas y coros.
Nueva York: el nacimiento de una nación Negro
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La agitación en la música refleja el surgimiento de los intelectuales negro que desafió a los
estereotipos de la cultura blanca. Al final de la Guerra Civil, el mayor problema enfrentado
por los EE.UU. fue cómo hacer frente a los millones de negros sin educación, que aún
depende de los blancos para su sustento. Por ejemplo, en 1867, un abolicionista blanco de
Nashville (Tennessee), Clinton-Bowen Fisk, fundó la Universidad de Fisk, con el objetivo
de educar a los antiguos esclavos y sus hijos. Después de la muerte de Frederick Douglass,
el único personaje importante negro de la era abolicionista (un esclavo fugitivo que
apoyaron tanto John Brown y Abraham Lincoln), Booker Taliaferro Washington, el hijo de
un esclavo de Virginia, se convirtió en el destacado intelectual negro de la Reconstrucción
época. Él creía que la educación le daría la oportunidad de los negros en la sociedad
estadounidense. En un discurso en 1895, hizo un llamado a los negros a aceptar la
segregación y de invertir en su futuro, por lo que algunos negros día sería igual a los
blancos. Pero una década más tarde a lo largo de vino-William Edward Burghardt Du
Bois-, que en vez organizado el "Movimiento del Niágara" en 1905 con el objetivo
explícito de crear una plataforma para luchar contra la segregación. Cuando, en 1909,
varios activistas de blanco y negro, fundó la "Asociación Nacional para el Avance de la
Gente de Color (NAACP). Du Bois se convirtió en uno de sus líderes. Los problemas que
enfrenta la comunidad negro en aquellos días eran muy básicos: las comunidades blancas
fueron la expulsión de los negros y el linchamiento por los cientos (en el pico, en 1892, más
de 200 negros fueron linchados en un año). En 1916, Jamaica-nacido Marcus Garvey se
trasladó a Nueva York y inicializado un nacionalista nuevo negro y el movimiento
separatista. A diferencia de sus predecesores, él creía que la civilización negro era en
realidad superior a la civilización blanca, y que los negros deberían volver a África.

Gracias a los esfuerzos de las décadas anteriores en la educación de los negros, la década de
1920 fue testigo de un "Renacimiento de Harlem", dirigido por negros como el poeta
Langston Hughes. La música era sólo un ámbito en el que estaba la cultura negro aceptado
durante la década de 1920.
La grabación comercial de la música negro era una consecuencia directa de este
"renacimiento negro". Al darse cuenta de que los artistas negro se estaban convirtiendo en
un negocio lucrativo (Scott Joplin en el ragtime, William Handy en tonos azules, Eubie
Blake en el pop, Louis Armstrong en el jazz), y que las discográficas se muestran todavía
reticentes a dejar que artistas negro hacer discos, negro de Atlanta compositor Harry ritmo
(una ex pareja de William Handy) abrió en Harlem su propio sello, "Pace fonógrafo
Compañía" (más tarde "Cisne Negro Records"), en 1921, empleando un joven Fletcher
Henderson como el pianista de estudio. el éxito de Pace fue tal que las etiquetas de
propiedad de blancos, como la Paramount (Alberta Hunter, Ida Cox, Charley Patton, Blind
Lemon Jefferson) y Colombia (Bessie Smith, Ethel Waters) empezó a competir ferozmente
por artistas de negro, y que en 1924 la Paramount compró los Catálogo Cisne Negro en
conjunto. breve aventura Cisne Negro es legitimado el artista negro, y abrió las puertas a la
grabación de la música negro en todo el país.
Nueva Orleans, Kansas City, Memphis
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El desarrollo urbanístico de la música negro en el siglo 20 debía mucho a las ciudades

pecado del sur: Nueva Orleans, Kansas City y Memphis. Sus salones, clubes, prostíbulos,
barcos de vapor y clandestinos patrocinado innumerables músicos negro que emigraron del
campo.

Nueva Orleans, en la desembocadura del río Mississippi, la ciudad vieja francesa que había
exhibido una opulencia amoral antes de la Guerra Civil, fue un crisol de culturas que no es
igual en el sur (negros, italianos, caribeños, criollos blanco y negro de habla francesa , los
nativos americanos, los mexicanos, y los descendientes de los europeos). Su puerto era una
fuente infinita de los intercambios culturales con el resto del mundo. Como la mayoría de
los puertos marítimos, Nueva Orleans contaba con una animada vida nocturna de la
prostitución, el juego y el entretenimiento ("Dixies"), y el "laissez faire" (relajada) la
actitud de la población del Caribe francés lo hizo aún más tolerante que la mayoría de los
puertos marítimos. Al margen de la revolución industrial y socialmente menos estresadas
que otras economías de plantación, Nueva Orleans fue capaz de mantener las tradiciones de
los diversos grupos étnicos que se fueron rápidamente de ser aniquilado en el resto de los
EE.UU.. rituales exotéricos, danzas tribales, fiestas paganas, marchas fúnebres y todo tipo
de partes continuaron existiendo hasta bien entrado el siglo 20. Su "Mardi Gras" de
carnaval fue una celebración musical híbrido que mezcla las tradiciones africanas, francés e
indígenas en sus coloridos desfiles y bandas de música. Nueva Orleans, una ciudad
comercial, era más tolerante hacia los negros de las ciudades del sur de otros. Cuando los
negros fueron emancipados, que era un lugar mucho más amigable para ser un músico
negro que la mayoría de países del Sur. En 1897 el gobierno puritano de la ciudad había
creado "Storyville", el barrio rojo, conocido después de que el político que tuvo la idea, un
distrito que se convirtió rápidamente en una ciudad dentro de la ciudad. Como la mayoría
de los establecimientos había un músico atienden a los clientes, "Storyville" se convirtió en
el mayor empleador de los músicos de negro fuera de Broadway. Cuando "Storyville" fue
cerrada en 1917, los músicos negro extendido por todo el país, trayendo consigo
fragmentos de sonido de Nueva Orleans. Una de las bandas de Nueva Orleáns, la Original
Creole Band, exportó un nuevo tipo de música que sería llamado "jazz".

Kansas City había experimentado su primera ola de inmigrantes en negro después de las
disputadas elecciones presidenciales de 1877, que básicamente matado toda esperanza
restante de la integración sincera negro en el Sur. Los negros de estados como Louisiana y
Mississippi emigraron por millares a lugares más tolerantes, tales como Kansas City.
Durante el régimen corrupto de Tom Pendergast (desde 1925 hasta 1939, cuando fue
condenado por evasión de impuestos), los clubes ilegales de Kansas City floreció, casi
burlándose de la "prohibición" de alcohol (desde 1920 hasta 1933). El auge de la industria
del alcohol y el juego resultó ser una bonanza para los músicos de negro, que se convirtió
en la espina dorsal de la máquina de entretenimiento.

Memphis, un importante puerto interior en el Mississipi y un importante nudo ferroviario

entre Nueva York y Chicago, hicieron ricos por la industria del algodón, era el vínculo
natural entre la población rural del Sur y el Norte industrial. Memphis era a menudo el
primer paso en el camino de salida de las plantaciones de los negros que querían emigrar
hacia el norte. Muchos de ellos terminaron jugando o cantando en Beale Street, el centro de
la vida nocturna. Cuando nylon sustituye algodón, Memphis comenzó a decaer, y los
negros se unieron a la migración masiva hacia Chicago, la parada principal siguiente en el
ferrocarril.
El Delta: Música Blues
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música de blues fue la antítesis de la vida de la ciudad, pero la grabación a principios de la

música blues fue un asunto de Nueva York.

Varias estrellas azules (Bessie Smith, Ma Rainey, Ida "Cox" Prather) comenzó en
demostraciones del minstrel, y luego simplemente emigraron de la muestra itinerante del
Sur a los teatros de vodevil permanentes de Nueva York, donde sus canciones fueron
escritas específicamente para un más amplia audiencia por profesionales negro
compositores como William Handy, con sede en Memphis, que "compuso" (pero a lo mejor
simplemente publicado) varios de los principios "clásicos": Blues de Memphis
(originalmente escrita en 1909 para una campaña política, pero publicada recién en 1912 ),
St. Louis Blues (1914), Beale Street Blues (1916), Amor sin amor (1921), Harlem Blues
(1923), Blues Careless Love (1925). Handy fue plenamente consciente de que había
"inventado" un nuevo género musical, como escribió en 1916: "He añadido otra forma a la
composición musical y al mundo". Se dio cuenta de que la característica clave de la música
de blues que lo hizo único fue que se trataba de la tristeza no, de la alegría. Handy hizo su
propia grabación de estas composiciones con su banda de blues Memphis entre 1917 y
1923. La orquesta presentó trombón, clarinete, saxo alto, violín, piano, tuba, contrabajo,
batería y xilófono. Se había introducido con claridad los elementos de la armonía occidental
en el blues original (por ejemplo, se puede detectar un tango de dieciséis bar en St. Louis
Blues). Handy también registró una de las primeras canciones con "jazz" en el título: Danza
Jazz (1917).

La estructura de doce compases que con el tiempo se convirtió en el estándar fue un invento
de estos compositores urbano: el blues original era en gran medida de forma libre.

Los cantantes de blues de puente diferentes ámbitos de la música negro, que reúne a los
estilos y prácticas de las demostraciones del minstrel, de los teatros de vodevil, del ragtime
y de sus entornos rurales de origen.

Las canciones de blues primero en ser publicado, en 1912, fueron Baby Blues Sellos,
escrito por el ragtime artista Artie Matthews, y Blues de Dallas, escrito por el compositor
blanco Hart Wand.

Ohio, nació Mamie Smith (no realmente un cantante de blues, aunque negro) cantó dos
números azules escrito para ella por el negro compositor Perry Bradford: Esa cosa llamada
amor (febrero 1920), el primer disco de una artista femenina negro, y Crazy Blues ( agosto
de 1920), el blues primero en convertirse en un éxito en todo el país (con Willie Smith en el
piano). Se vendieron 200.000 copias el primer año. Ella estuvo acompañada por el Jazz
Hounds, que contó con Memphis trompetista Johnny Dunn, el primer maestro del émbolo
mudo. Antes de golpear Smith, música de blues sólo atiende a los infiernos de los burdeles
y los teatros de vodevil. Después, la música blues se convirtió en "respetable", como las
orquestas sincopado negro, a pesar de que se trataba de una música sobre el dolor en vez de
alegría. La idea de que el registro era en gran parte debido a su productor negro, Alabama
pianista Perry Bradford, un veterano del circuito trovador se presenta, y ahora un
compositor, autor de Lonesome Blues (1918), que había compuesto sólo la revista basada
en el blues Fabricado en Harlem (1918), que había protagonizado Mamie Smith. Revisó Y
mamá James Johnson's Blues Papa como Crazy Blues, arquitectura de la "respetable"
sonido del disco (diferente de la "salvaje" de sonido en vivo de Jazz de Sabuesos) y
convenció a la discográfica (Okeh) para liberar el disco de blues por primera vez por negro
músicos. En 1921 Okeh presentó un "Catálogo de colores" dirigido a la comunidad negro,
la primera serie de "registros de la raza".

Alberta Hunter, de Memphis, lo mismo en 1921 con ¿Cómo Daddy Long dulce y tenía un
golpe con Gulf Coast Blues (1922) antes de unirse a las orquestas de jazz.

Bessie Smith, de New York, hizo su primer disco en febrero de 1923 (Alberta Hunter de
Down Hearted Blues acompañada por Clarence Williams en el piano y el propio Williams
Blues Costa del Golfo), que se convirtió en un éxito instantáneo, y en enero de 1925 se
cortó la versión de San Louis Blues con Louis Armstrong en la corneta. Ella jugó un papel
decisivo tanto en la escultura de un estilo poderoso, emocional y vocal en la reducción de
los mundos del blues, pop y jazz. Los músicos que tocaban con sus tenido que desarrollar
nuevos estilos de juego.
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