Proyecto TEDDi

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Introducción. Conceptos teóricos básicos: __________________________ 3
• Fases de realización de un producto audiovisual: _________________ 3
• Tipos de plano (internet)_______________________________________ 3
• Movimientos de cámara _______________________________________ 4
• Angulación de cámara_________________________________________ 5
• El montaje y el ritmo __________________________________________ 5
• Los oficios del cine ____________________________________________ 7
El guión (de la idea inicial a la versión definitiva). Cómo construir un
guión. ____________________________________________________________ 9
La preproducción_________________________________________________ 10
• Redacción del guión _________________________________________ 10
• Diseño de producción ________________________________________ 11
• Análisis de guión ____________________________________________ 11
• Cinematografía ______________________________________________ 12
• Ensayo _____________________________________________________ 13
El rodaje _________________________________________________________ 13
• Elaboración y cumplimiento del plan de rodaje___________________ 13
• El raccord __________________________________________________ 13
• La dirección de actores, del equipo y la búsqueda de soluciones
cuando todo se desbarajusta, las prisas y cómo se acabará el plan de
rodaje. _________________________________________________________ 13
• Los elementos de apoyo: la fotografía, el decorado, el atrezzo, el
vestuario, el maquillaje, la música prevista, los efectos especiales-visuales
previstos, transiciones entre secuencias previstas ___________________ 13
• Consejos básicos para el rodaje _______________________________ 13
La postproducción _______________________________________________ 14
• El montaje __________________________________________________ 14
• La promoción _______________________________________________ 18

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Introducción. Conceptos teóricos básicos:
• Fases de realización de un producto audiovisual:
o Preproducción
La fase de preproducción consistirá básicamente en realizar un detallado
análisis de todo el proyecto audiovisual, empezando por el desarrollo del
guión y acabando por la elaboración del presupuesto. En esta fase también
se deberán tener claros las localizaciones para nuestro producto, así como
desarrollar un completo programa de las tareas a realizar.
o Producción
Administración de producción, localizaciones y estudios, contratación de
equipos de trabajo, escenografÍas, alojamiento, transporte, etc. En fin todas
las tareas necesarias a lo largo del rodaje de un producto audiovisual.
o Postproducción
Una vez realizado el rodaje de la película prácticamente “sólo” nos queda el
montaje de la misma. En tareas de postproducción también podemos incluir
otras labores como marketing y publicidad del producto. Para productos
audiovisuales a pequeña escala, aquí podríamos incluir labores tales como
la búsqueda de concursos donde presentar nuestro trabajo.

• Tipos de plano (internet)

El plano se convierte en la unidad mínima y básica expresiva en cualquier obra
audiovisual. Cualquier exposición audiovisual se basa en la sucesión y
concatenación de distintos planos. Cada tipo de plano se diferencia de los
demás por aquello que encuadra y determina el centro de atención, con unas
capacidades para la sugerencia emocional. Para conseguir diferentes
sensaciones en el espectador, podemos utilizar los diferentes tipos de plano:
o Plano de detalle. Consiste en un plano muy cercano en el cual la cámara
nos muestra un objeto, un detalle del mismo o un detalle de una persona o
animal. Utilizado para resaltar la presencia de una cosa (generalmente de
reducido tamaño) de tal manera que no pase desapercibida por el
espectador debido a la importancia de dicho objeto en el desarrollo de la
película. En ocasiones su excesivo uso, provoca la pérdida de atención del
espectador.
o Primer plano. Podemos hacer una subdivisión en este tipo de planos. Por
un lado, el primer plano corto, en el que sólo aparece el rostro del
personaje y por otro, el primer plano largo, en el que además del rostro
también se nos muestra una porción significativa de los hombros. Utilizado

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 para mostrar las emociones o estado anímico del personaje y sus
reacciones ante todo lo que está sucediendo.
o Plano medio. Enmarca al personaje por encima de la cintura. Este tipo de
planos muestran más información acerca del personaje y además permite
la inclusión de otros elementos en la imagen. Un claro ejemplo de este tipo
de plano serían los que aparecen en los telediarios.
o Plano americano. O también conocido como plano ¾. Incluye al actor
desde la cabeza hasta las rodillas y fue muy utilizado en su momento en los
westerns.
o Plano general. El personaje se nos muestra de cuerpo entero y además
está rodeado por su entorno. Al igual que los primeros planos, se pueden
dividir en plano general corto o largo según la amplitud de lo que se
encuadre. Este tipo de planos se olvidan un poco de los personajes y dan
más importancia al todo. Sin embargo también se puede utilizar para
resaltar la soledad de un personaje colocando una figura pequeña en un
lugar desierto.
o El espacio off. Supone aquellos planos que no aparecen en la pantalla pero
cuya existencia se supone o sugiere gracias al sonido y los diálogos (ruidos
de coches, música de fondo en una discoteca).

• Movimientos de cámara
Un movimiento de cámara debe llevarnos siempre de un punto de interés a
otro. Con esto tenemos diferentes movimientos:
o Panorámica. La cámara efectúa un ligero movimiento de rotación girando
sobre su propio eje horizontal. Se utilizan para mostrar el entorno en el que
se desarrolla la acción y debe conducirnos de un punto de interés a otro
que sirva para el inicio de la narración.
o Travelling. La cámara realiza un movimiento de traslación, es decir cambia
su situación sobre el suelo. En este tipo de movimiento la cámara se sitúa
sobre unas vías, grúas o cualquier otro soporte sobre las cuales se mueve.
Se utiliza para seguir el movimiento de un determinado objeto de interés.
o Cámara al hombro. Los dos movimientos anteriores se pueden realizar con
la cámara al hombro, sin embargo el movimiento tembloroso no acaba de
caer bien entre los espectadores.
o El zoom. Se puede simular un travelling de acercamiento o alejamiento
gracias que poseen las cámaras. El efecto no es muy realista y tan sólo
cambia el tamaño de una porción de la imagen.

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• Angulación de cámara
o Eje perpendicular. La cámara se coloca
perpendicularmente al objeto desea captar.
Es la angulación más realista.
o Picado. La cámara se sitúa a una altura por encima
de los personajes y graba desde arriba. Provoca
sensación de vértigo, inferioridad del personaje que
aparece.
o Contrapicado. La cámara se sitúa a una altura
inferior a la de los personajes y los filma desde
abajo. Dan a los personajes un halo de superioridad.
o Angulación aberrante. La cámara se ladea
lateralmente además de moverse por encima o debajo de la perpendicular
produciendo un punto de vista que sugiere inestabilidad, ruptura,
desequilibrio.

• El montaje y el ritmo
Tan importante como el propio guión o el rodaje, es la fase de edición o
montaje de la película. El montaje es el final de un proceso, pero que sin
embargo se debe pensar en él desde un primer momento. Una frase lo
simplifica todo: “rodar para montar”. Esto implica que en el momento del rodaje
se ha de saber que planos nos van a hacer falta a la hora de realizar el
montaje.
Existen una serie de reglas de montaje para cualquier producción audiovisual:
o La regla de la gradación de escala. Esta regla indica que un plano general
largo no puede ir seguido por un primer plano de un rostro, sino que deben
intercalarse algo conocido como plano de escala intermedia para que el
salto producido entre ambos planos no sea demasiado grande y que
además resuelva dudas como ¿dónde se encuentra el personaje?¿con
quien está el personaje en ese momento?. La falta de utilización de esta
regla provoca en el espectador mucha confusión.
o La regla de los 90º. En un montaje no pueden aparecer dos planos de la
misma escala sin tener una diferencia en el eje de tiro de la cámara de al
menos 90º. Si colocamos dos planos demasiados similares, parecerá que

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 se ha producido un salto en la película, lo cual resulta desagradable para el
espectador.
o La regla del salto de eje. Esta regla indica que dos planos consecutivos
deberán ser siempre tomados desde el mismo lado del eje de la acción.
Esta es la típica situación de una conversación entre 2 personas una en
frente de la otra, en el que se ve a un personaje de frente y al otro de
espaldas y posteriormente al revés. En estas situaciones la cámara deberá
estar siempre en el mismo lado de forma que el personaje A esté siempre a
la derecha y el B a la izquierda, independientemente de quien esté de
frente o de espaldas en cada momento.

Pasando al tema de las transiciones entre planos, podemos distinguir entre:

o Al corte. Un plano seguido de otro limpiamente. Esto implica una
continuidad espacio-temporal. Si queremos incluir este tipo de transición, el
siguiente plano debe ser lo suficientemente diferente como para que el
espectador no piense que se trata de la misma escena.
o Fade in. La imagen va apareciendo en una pantalla oscura que se va
aclarando. Se utiliza normalmente para abrir una escena.
o Fade out. La pantalla se oscurece gradualmente haciendo desaparecer la
imagen. Da sensación de cierre o de haberse acabado aquel instante
dentro del periodo en que estamos.
o Encadenado. Refundido de dos imágenes. La segunda se va
superponiendo a la primera. Se utiliza para indicar un paso de tiempo más
rápido que un fade.
o Encadenado con desenfoque. En este caso, la imagen se difumina, pierde
intensidad, clarea hasta que desaparece o entre otra distinta. Es un recurso
sofisticado de paso de tiempo, de transición o bien de cierre.
o Congelado. La imagen deja de moverse, queda instantáneamente
inmovilizada. Este efecto se utiliza para enfatizar un instante o cerrar una
escena.
o Cámara lenta. Los movimientos se ralentizan; la imagen pierde velocidad.
Con ello, se intensifica, se acentúa, se remarca una acción; se altera y se
transforma el tiempo real. Si hacemos un uso abusivo, podemos perjudicar
la acción. En los años sesenta, la cámara lenta se convirtió en tópico de
imágenes románticas, tanto amorosas como violentas.
o Cortinilla. Ocurre un desplazamiento de la imagen fuera de la pantalla por
una línea vertical, y es sustituida por otra escena. Da idea de

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 simultaneidad. Una variante del desplazamiento de imagen es el remolino:
imagen que gira y se va, o desaparece en el fondo de pantalla.
o Cámara rápida. La imagen adquiere mayor velocidad; los movimientos son
más rápidos. Este recurso se limita a las escenas humorísticas. La relación
que el público establece que la cámara rápida y el cine primitivo se debe a
la frecuencia con que películas antiguas se proyectan a una velocidad
inadecuada, por culpa de unas máquinas automáticas no siempre
graduables.
o Barrido. La cámara corre, desplazando la imagen con rapidez y,
simultáneamente, cortamos y pasamos a otra escena, o volvemos a la
misma escena (corte de continuidad en seco).

• Los oficios del cine

En cualquier producción audiovisual, el reparto del trabajo es fundamental para
el éxito del mismo. Vamos a tener que dividir el proyecto en una serie de
funcionalidades básicas. Vemos unas cuantas:
o El director y los guionistas
El trabajo del director del producto consiste en llevar el control de todo lo
que se está haciendo en cada momento. Por este motivo, el director
necesita tener conocimientos de las funciones que desempeñan el resto de
los participantes. En resumen, es responsable del producto final por lo que
su buena elección será vital.
Al lado del director se encuentran los guionistas, que como su propio
nombre indica construirán el guión a desarrollar en el producto. Estos se
suelen apoyar en los dibujantes de storyboard cuyo trabajo es representar
en forma de “comic” las diferentes secuencias que luego se presentarán en
imágenes. Los storyboard constituyen la primera aproximación visual al
relato y nos facilitará la ordenación de nuestras ideas.
o El productor
La producción siempre ha estado ligado la parte económica. El productor
será el encargado del estado de cuentas de nuestro producto: materiales
necesarios, cintas, maquillajes, comidas de los participantes, pedir
permisos para grabar en determinados lugares.
o El director de fotografía
Encargado de que la imagen esté acondicionada adecuadamente en
cuanto a sus niveles de luz. Cuando no disponemos de la suficiente luz, los

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 objetos aparecen desvirtuados y apenas existe definición. Estos defectos
los tendrá que solventar el director de fotografía.
o El técnico de sonido
Para grabar sonidos, este ha de ser alto, claro y sin distorsiones y para
añadirle realismo debe venir acompañado de efectos como ruidos de
pasos, puertas que se abren, etc.
o El montador
Será el encargado de recoger todas las escenas grabadas, editarlas con un
programa de edición de video y obtener el resultado final. Este montado
debe conocer a fondo el lenguaje audiovisual para captar errores en la
grabación y sacar el máximo partido a las escenas filmadas.
o El script
Todas las cámaras incluyen la posibilidad de visualizar un contador. El
trabajo del script es anotar en una tabla el plano rodado, la secuencia a la
que pertenece y el número de tomas que se hacen en cada caso indicando
la duración que viene en dicho contador. Esta tabla será de vital
importancia para el montador ya que gran parte de las cintas contendrán
muchos errores. El montador debe saber cuales son los planos buenos y
cuales, los desechables.
El script también debe estar pendiente de que exista continuidad o raccord,
es decir, que el actor lleve la misma ropa en todas las grabaciones de una
misma escena.
o El claquetista
Una es una pequeña pizarra donde se anota la información que al mismo
tiempo anotará también el script en su libreta, es decir, el plano, la
secuencia a la que pertenece y el número de la toma que va a ser rodada.
Cuando ya se tiene, lo primero que se graba, antes de decir “acción” es la
claqueta y se da el golpecito y comienza la escena.
o Los actores
Constituye la profesión más sufrida. Suben, bajan, corren, gritan, huyen y
sobre todo ensayan mucho. La primera comunicación entre un personaje y
su público es no verbal y se lleva a cabo a través de su físico y de su rostro.
De ahí lo importantes que es el casting.
o Otros
Maquilladores, cámaras, ayudantes de cámara, auxiliares de cámara,
ayudantes de dirección, ayudantes de producción, eléctricos, ... son el resto
de profesiones que caracterizan un producto audiovisual.

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El guión (de la idea inicial a la versión definitiva). Cómo construir un
guión.
No es conveniente dejar la elaboración del guión a la divinidad de algún dios
oculto, por eso es conveniente contar con un grupo de entre 5 y 8 personas y
realizar lo que se conoce con el nombre de brainstorming o lluvia de ideas.
Cada persona del grupo podrá exponer sus ideas y estas ser debatidas por
todos los demás. De esta manera se puede ir escogiendo lo mejor de cada una
de las ideas para posteriormente unirlas y formar una idea global más
completa. Una vez elaborada esta idea total, es conveniente verificarla con
otras personas para obtener una valoración más objetiva ya que en muchas
ocasiones se produce el fenómeno inevitable de ver lo nuestro como lo mejor.
Cualquier guión debe pasar por una serie de etapas:
o La Idea. Sentido fundamental de la historia que se quiere convertir en un
guión.
o La sinopsis. Constituye la idea más la acción. Contendrá los hechos más
destacados de la historia, personajes y la resolución de aquello que sucede
entre los personajes.
o Tratamiento. Matiza el sentido de la historia. Se fija el modo en el que se va
a contar la historia (intriga, comedia, fantástica). Ya deben empezar a
perfilarse los rasgos característicos de los personajes protagonistas,
perfiles físicos y psico-sociales.
o La escaleta. Construcción esquematizada de lo que va a ser el guión
definitivo. Enumeración muy escueta de lo que va a ser todas las
secuencias por orden de continuidad, con pequeñas indicaciones sobre las
localizaciones y algunos otros rasgos orientativos. Tendremos una visión
anticipada de la estructura global de la película.
o El guión literario. Redacción de la historia dividida en secuencias, de forma
descriptiva, pero sin entrar en anotaciones técnicas de ningún tipo. Se
incluyen los elementos anteriores más los diálogos. El guión literario sólo
dará instrucciones muy escuetas y claras, sin entrar en detalles, sobre
localizaciones y ambientes. Sólo es necesario entrar en detalles muy
minuciosos cuando los objetos tienen una importancia trascendente para la
historia. También es necesario caracterizar a los personajes con datos
como: edad, posición social, forma de vestir, gastos, reacciones, relaciones
humanas, influencia del pasado, etc.

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 o El guión técnico. Contiene todos los aspectos del guión literario más todas
las indicaciones técnicas precisas (campo visual, movimientos de cámara,
planos). El storyboard supone un complemento al guión técnico. Consiste
en dibujar la película plano a plano. Las viñetas deben responder a la
escala y angulación adoptadas de antemano por escrito. Por otro lado, el
croquis de rodaje consiste en un sistema de dibujo de las escenas más
complicadas que, de forma muy sencilla, describen los movimientos,
angulaciones y posiciones de la cámara que se deben adoptar para filmar
las sucesivas tomas que corresponden a la escena.
o El plan de rodaje. Desglose por tomas, que se ordenan de forma que el
rodaje se haga lo más económico posible en el tiempo y dinero. En este
desglose pueden figurar los siguientes datos: día de rodaje (fecha), número
de secuencia, localización, luz natural o artificial, número de páginas de
guión técnico que comprende la secuencia, decorados, personajes
principales, secundarios y figuración. El plan de rodaje está realizado por el
jefe de producción a partir del guión técnico.

La preproducción
Las cinco fases de preproducción de un producto audiovisual son las
siguientes:
• Redacción del guión
o Recursos e investigación
Cuando se quiera redactar un guión se pueden tener a la mano una
librería de fotografías recortadas para cada escena durante la
composición, esto servirá como referencia para localizaciones
específicas o para la evocación de memorias y sentimientos. Estas
imágenes son sólo temporales, no son los planos finales pero ayudarán
al director a comunicarle al diseñador de producción o al cinematógrafo
al espíritu, tono y atmósfera deseado para una escena. La mejor forma
de organizar la estructura de un guión es mediante el despliegue de
tarjetas en un corcho de pared, en el que cada tarjeta es una escena, y
en cada una se irá redactando el boceto de dicha escena.
o Sonido y música
Existen varias formas de imaginar el sonido para una producción,
algunos editores usan clips de música existentes que luego reemplazan
por la composición original. Según la selección de sonido que el
cineasta imagina para la escena, el cinematógrafo y el diseñador de

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 producción pueden capturar instantáneamente la idea y el sentimiento
que deben imprimirle artísticamente.
• Diseño de producción
o Ajuste del guión y del presupuesto
Algunas veces invertir más dinero en una producción no significa que va
a ser mejor. El director asistente y el gerente de producción se sientan
para hacer un ajuste de guión que no es más que una proyección
logística y financiera de la película para que no se sobrepase el
presupuesto. Para evitar gastos innecesarios la mejor solución es
realizar el storyboard y poder así rodar lo necesario.
o Diseño artístico y secuencial
El diseño artístico incluye el diseño del set, vestuario, utilería, maquillaje
y cualquier otro elemento que deba ser fabricado u obtenido. El diseño
secuencial es el recorrido que hace el director y el cinematógrafo por
una localización, planeando los ángulos y movimientos de cámara.
o Diseño de la continuidad
Es la composición de planos individuales, el planeamiento de la acción,
la selección de lentes y el orden de los planos finales. Preferiblemente
todo debe ser responsabilidad del director.
o Exploración de localizaciones
Es el recorrido realizado por el equipo de producción, el productor, el
diseñador de producción y el artista de storyboard, examinando los
sitios seleccionados para rodar. El director puede cargar una cámara
fotográfica para poder después estudiar ángulos, composición, lentes y
dirección de la luz del sol.
o El guión ilustrado
Después de tener bastante material visual para cada escena, como las
fotografías que ha tomado o los bocetos que se hayan hecho, pueden
desplegarlas completamente sobre una mesa para tener una vista
general de toda la producción. Todo esto servirá para que no pierda la
continuidad visual. Reunirse con el equipo creativo estudiando y
reorganizando este collage de imágenes y fotografías es muy
aconsejable.
• Análisis de guión
Cada cineasta desarrolla su propia manera de trabajar antes de filmar,
algunos lo hacen a partir del storyboard, otros a partir de una lista de
planos. Lo mejor es crear el plan de rodaje, en donde se describe la

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 representación de la acción, la selección de lentes y el ángulo de la
cámara.
o Plan de rodaje
Primer borrador: después de haber visitado las localizaciones y tomado
decisiones de producción basado en el presupuesto, el director realiza
el plan de rodaje a partir de las fotografías tomadas en las
localizaciones. El director después hace una lista de imágenes y así
determina que fotografías de planos son determinantes en el efecto
narrativo de la escena, basado en las ideas que vienen a su mente por
asociación libre mientras lee el guión.
Segundo borrador: aquí el director examina la descripción de cada
escena en el guión, y resuelve el tipo de plano adecuado, abierto,
medio, cerrado.
o Desarrollo del Storyboard
Una forma de desarrollar fácilmente el storyboard es distribuir cada
escena del plan de rodaje escribiéndola dentro de cajas pero sin
imágenes, sólo la descripción principal. Después el director agrega las
fotos o imágenes o una selección de planos cerrados, medios y abiertos
de los actores principales. Después escucha su librería musical para ir
seleccionando el repertorio para las escenas.
o Modelos y miniaturas
El cineasta puede hacer uso de maquetas de los platós para estudiar
ángulos y movimientos de cámara también. Puede tomar fotos con
ayuda de lentes macro o diópticos, con lo que podrá fotografiar planos
medios de los pequeños modelos.
• Cinematografía
Desde que se inicia la preproducción el director de fotografía o
cinematógrafo tiene que estar pendiente de todo lo que corresponda a las
localizaciones de rodaje, revisiones de storyboard, pruebas de imagen e
iluminación de objetos de utilería, vestuario, maquillaje, etc.
Sus responsabilidades es la iluminación, exposición de la película, y la
ejecución del encuadre y movimiento de cámara determinados por el
diseñador de producción, el director y el cinematógrafo mismo. Algunos
directores le muestran a sus directores de fotografía imágenes, recortes o
pinturas como una forma de ilustrar que es lo que quieren estética y
artísticamente.

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 • Ensayo
El ensayo es una gran opción para evitar tener que perder tiempo cuando
se realiza la producción. Las escenas que requieren mayor concentración o
exigencia de habilidades por parte de los actores y que podrían significar
pérdida de tiempo si no están claras, deberían ser ensayadas a nivel de la
misma disciplina que ofrece el teatro.

El rodaje
• Elaboración y cumplimiento del plan de rodaje

• El raccord
Este galicismo designa en terminología cinematográfica el perfecto ajuste
de movimientos y detalles que afectan a la continuidad del corte entre
distintos plano y, en consecuencia, raccordar significa unir dos planos de
modo que no se produzca una falta de coordinación entre ambos, de tal
manera que el salto que se produzca no sea perceptible y la ilusión del
espectador de ver un fragmento de acción continúa no se vea interrumpida.
Con esto podemos distinguir diferentes tipos de raccord, como raccord de
dirección, de movimiento, de luz, etc.

• La dirección de actores, del equipo y la búsqueda de soluciones cuando

todo se desbarajusta, las prisas y cómo se acabará el plan de rodaje.

• Los elementos de apoyo: la fotografía, el decorado, el atrezzo, el vestuario,

el maquillaje, la música prevista, los efectos especiales-visuales previstos,
transiciones entre secuencias previstas
• Consejos básicos para el rodaje
1. No filmar todo lo que se presenta al objetivo de la cámara. Sólo hay que
filmar aquello que tenga relación con el tema escogido
2. No abusar de los movimientos de cámara: travelling o panorámica
3. Variar el ángulo de toma de vistas, desplazándose cada vez alrededor
del sujeto
4. No abusar de las vistas de monumentos o de paisajes. La película no
debe ser un conjunto de fotografías, sino que debe mantener un orden y
una coherencia y cohesión entre sus planos

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 5. Estudiar bien todas las posibilidades de los exteriores antes de ponerse
a rodar en ellos
6. La iluminación y los ángulos de toma de vistas bien escogidos
desempeñan un gran papel en el éxito de una película
7. A una panorámica que vaya de derecha a izquierda no se debe oponer
otra que vaya de izquierda a derecha
8. Estar atentos a los raccords de todo orden que son necesarios para
lograr la continuidad
9. Evitar los movimientos de cámara cuando se rueda con teleobjetivo
10. No abusar del zoom

La postproducción
• El montaje
o Introducción
El trabajo del montador es un trabajo de sustracción: se parte de un
número de metros de película o de horas de grabación, a los cuales no
se les puede añadir nada, para eliminar una parte, que se convierte en
descartes. Mediante esta unión de planos se crea la lógica, el sentido,
el ritmo que estos no manifestaban en estado separado. En este
sentido, el montador no deja de tener una conciencia aguda, mezclada
con un cierto vértigo, de una infinidad de posibilidades combinatorias
que jamás tendrá tiempo material para explorar.
En la medida en que una película ha sido objeto de un trabajo previo de
escritura, y en el que el guión suele indicar el desglose de los planos, o
presentarlo en forma de storyboard, podemos cuestionarnos por qué el
montador no se limita a reproducir en la pantalla este desglose previo.
La razón es que en el cine una vez fijada la imagen de la película, ya no
es sólo la traducción de una idea o de un dibujo; tiene su ritmo, su vida,
sus propiedades. Lo que parece convincente sobre el papel puede no
funcionar en pantalla por razones imprevisibles en abstracto.
o Aspectos importantes del montaje
Secuencia: unidad dramática y temática con sentido completo. Cada
secuencia va a estar dividida en varias escenas, lo que más le interesa
al montador es la escena y no tanto la secuencia. Una escena en un
libro sería un párrafo.
Escena: acción continuada que se desarrolla dentro de un mismo
ambiente o escenario. Es de escenario de donde viene la palabra

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 escena, porque en teatro cuando se cambia de escenario es cuando se
cambia de escena. En el cine, hay que privilegiar a la continuación de la
acción dramática.
Toma: acción ininterrumpida de la cámara, desde que se prende hasta
que se apaga. En el montaje no se va a incluir ni la plaqueta ni la
veladura final que hace la cámara cuando corta.
Toma de montaje: aquel fragmento comprendido entre dos cortes.
Plano: tiene dos significados: el primero tiene que ver con el tamaño en
que se está tomando la toma. El segundo es lo mismo que decir toma.
Campo: el campo es estrictamente la imagen o el cuadro que tenemos
enfrente o lo que aparece en la pantalla.
Fuera de campo: se refiere a lo que no vemos pero se sugiere o se
imagina que está.
Espacio fílmico: la suma del campo y el fuera del campo es igual al
espacio fílmico. O sea lo que se ve en el cuadro, o pantalla, y lo que no
se ve pero se sugiere o imagina.
o Reglas de montaje. Principios básicos
Tras el ritmo, la continuidad se considera la regla del buen montaje. Si
el ritmo más adecuado lo marca la propia película, en cuanto a la
continuidad poco a poco han ido apareciendo una serie de leyes,
creando una especie de gramática del montaje.
Una de las reglas se refiere a los saltos de eje (cambio de plano sin
cambiar el eje de la mirada) e implica un contraste muy marcado en el
tipo de plano, es decir: no se puede pasar en el mismo eje de un plano
medio a un plano apenas más amplio, o a la inversa. Si se incumple
esta regla, se percibe un salto en la imagen.
Un principio similar se refiere a los posibles cambios de ángulo de un
plano a otro y se llama la regla de los 30 grados. Tiene que haber al
menos 30 grados entre el eje de un plano y el eje del plano siguiente;
en caso contrario, el ojo del espectador podría percibir el cambio de
plano como un cambio torpe. Estas dos primeras reglas plantean que la
condición para el encadenamiento de dos planos sea fluido en un
contraste suficientemente acentuado.
La tercera regla se aplica a los raccord de dirección. Si un personaje
sale del campo caminando hacia la derecha, el plano siguiente deberá
mostrarlo entrando por la izquierda. En caso contrario, el espectador

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 tendrá la impresión que ha retrocedido y se desorientado, tomando
enseguida conciencia de la mediación de la cámara.
También relativa a la orientación, especialmente en los diálogos y el
cambio de ángulo de un plano a otro, la cuarta regla exige que se
conserve siempre que sea posible a la derecha el personaje que estaba
a la derecha y a la izquierda el personaje que estaba a la izquierda
(campo/contracampo).
La quinta regla, que es de las más importantes, pues garantiza
básicamente la impresión de continuidad, consiste en practicar siempre
que sea posible, en una acción continúa, el paso de un plano al
siguiente utilizando un raccord de movimiento. Por ejemplo, tenemos
una escena en la que la protagonista deja una taza de café y se
levanta. Se ha filmado a la actriz en primer plano y luego en plano
general, con ángulos iguales o diferentes. La solución de montaje
desaconsejada sería mostrar la totalidad de la primera acción en el
primer plano y, una vez dejada la taza, cambiar el ángulo para mostrar
en plano general al personaje que se levanta. Se aconseja colocar el
empalme durante una de las dos acciones, la de colocar la taza o la de
levantarse. Al final del primer plano, la acción no habrá terminado y al
principio del segundo se terminará o se continuará. La observación del
movimiento por parte de espectador hará que empalme le pase
inadvertido. Se observa, además, que durante un raccord de
movimiento, suele ser necesaria una elipsis de tiempo, es decir, cortar
una parte muy breve de la acción en el momento del empalme, para
que el espectador no tenga la sensación de salto. Finalmente señalar
que desde la llegada del cine sonoro, los raccord sonoros cuentan
mucho en este sentimiento de continuidad que trata de conseguir el
montador.
o Tipos de montaje
Por todos es sabido que el montaje tiene como primera finalidad la de
hacer inteligible el discurso de los contenidos y crear la continuidad del
mismo. El montaje reorganiza las ideas y genera el sentido. Estos
objetivos pueden lograrse mediante algunos de estos procedimientos
de yuxtaposición de los planos:
1. Montaje lineal: busca una narración cronológica, continuada de los
hechos. Se trata de un montaje en continuidad que busca evitar al
máximo los grandes saltos temporales de la narración. Su desarrollo

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 es lineal, progresivo en el tiempo y generalmente vinculado a un
acontecimiento, hecho o circunstancia precisa.
2. Montaje discontinuo: el montador puede construir el relato
incluyendo secuencias filmadas en distinto tiempo y lugar, aunque
ordenadas cronológicamente. En ciertos fragmentos se encuentra
muy cercano al montaje lineal; con la diferencia de que el montaje
discontinuo utiliza los saltos en el tiempo y las elipsis continúa sobre
las que se articula el relato.
3. Montaje paralelo: aquí siempre se recurre a secuencias referidas a
hechos que se desarrollan simultáneamente en el tiempo, pero que
son presentadas alternativamente al espectador.
4. Montaje ideológico: es aquel montaje que introduce secuencias o
planos que conectan con el tempo no por su vinculación espacio-
temporal, real, fáctica o argumental con los hechos, sino por su
relación simbólica, por su poder metafórico.
o Etapas del montaje
El montaje comienza con el visionado de las imágenes rodadas. Se
trata, en realidad, de un primer acto de montaje destinado, por razones
de economía y de ahorro de tiempo evidentes, a identificar las tomas
que van a formar parte de la copia de trabajo, eliminando de entrada los
demás: movimientos de cámara fallidos, fallos de interpretación,.... En
el rodaje, la script debe anotar las tomas consideradas como
defectuosas e imposibles de recuperar. Al visionar globalmente los
rushes (imágenes rodadas) con el montador, el director puede
explicarle sus intenciones antes de dejarle montar él sólo una primera
versión.
El trabajo prosigue con la realización de un premontaje, que consiste en
montar uno tras otro, de acuerdo con las indicaciones del guión, los
plano de los que se han eliminado las claquetas del principio y los
“corten”. Este premontaje puede mostrarse a algunos colaboradores
para darles una idea de la película.
Tras este primer montaje ya se empieza a realizar la primera versión del
montaje definitivo. Tras la unión de las secuencias, se observa que
cada secuencia puede funcionar de diversas maneras. Se hacen
diversas combinaciones hasta que el enlace resulta de interés y
atractivo para el espectador. De este modo se van haciendo
transformaciones hasta que queda el montaje definitivo.

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• La promoción
Una vez finalizado el producto audiovisual sólo nos queda pensar el
procedimiento a utilizar para que la idea se venda. ¿Cómo vender un
producto audiovisual? La manera más sencilla de que un producto
audiovisual se venda, es el nombre de los componentes del equipo de
trabajo, es decir que los componentes del grupo tengan una gran prestigio
en el mundo audiovisual. Está claro que esta opción para gente que
empieza a hacer sus primeros productos no es nada factible. Por lo tanto
debemos buscar otra serie de alternativas. Estas pueden ser la realización
de un cartel anunciador atractivo que sea capaz de enganchar a la gente a
primera vista.
Otro de los aspectos que no se debe pasar por alto es la realización de un
press-book interesante. El press-book consiste en nombrar a todas las
personas que han trabajado para el producto, así como anunciar el título
del producto. En fin, el press-book sería aquella parte que aparece al inicio
y al final de cualquier producto audiovisual.
Al igual que el press-book, otras formas típicas de promoción han sido la
realización de un trailer en el que se coloquen las escenas que
consideremos más atractivas para el espectador así como el making off
(como se hizo). Debido al uso de las nuevas tecnologías, realizar una
página web con la información del producto audiovisual, también será un
aspecto importante en su promoción.
En este ámbito tampoco debemos olvidarnos de los medios de
comunicación. Con ellos más vale llevarse bien, porque ellos son los que
tienen los medios para llegar a más gente. Las buenas relaciones con los
medios de comunicación serán muy importantes para el buen
funcionamiento de nuestro producto entre el público.

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