Mejicanos Welles Hitchcok

Guillermo del Toro
Guillermo del Toro
Guillermo del Toro en 2013

Nombre de nacimiento Guillermo del Toro Gómez
Guadalajara, Jalisco, México
Nacimiento
9 de octubre de 1964 (50 años)
Nacionalidad Mexicano
Ocupación Director, guionista, novelista
Años activo/a 1984-presente
Características físicas
Estatura 1,78 m
Familia
Cónyuge Lorenza Newton
(1986-presente)
Hijo/s Mariana y Marisa
Premios
Mejor película de habla no inglesa
Premios BAFTA
2007 El laberinto del fauno
Premio Mercedes-Benz
Festival de Cannes
1993 Cronos
Mejor guion original
Premios Goya
Premios Ariel Mejor película
1993 Cronos
Mejor dirección
1993 Cronos
Mejor ópera prima
1993 Cronos
Mejor argumento original
1993 Cronos
Mejor guion cinematográfico
1993 Cronos
Mejor película iberoamericana
Premios Cóndor de Plata
Ficha en IMDb
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Guillermo del Toro Gómez (n. Guadalajara, Jalisco; 9 de octubre de 1964) es un director, guionista y
novelista mexicano, galardonado con el Premio Goya y varias veces con el Premio Ariel.
Del Toro empezó a filmar en México desde adolescente, cuando estaba en el Instituto de Ciencias, en la
ciudad de Guadalajara. Pasó diez años en diseño de maquillaje y formó su propia compañía, Necropia,
antes de poder ser el productor ejecutivo de su primer filme a los 21 años. Fue cofundador del Festival
de Cine de Guadalajara y creó la compañía de producción Tequila Gang. En 1998 su padre fue
secuestrado en México; tras conseguir su liberación mediante el pago de un rescate, Del Toro decidió
mudarse al extranjero y actualmente vive en Los Ángeles (Estados Unidos).
Índice
• 1 Carrera cinematográfica
• 1.1 Proyectos futuros
• 2 Otras actividades
• 2.1 Del Toro como novelista
• 2.2 Videojuegos
• 3 Filmografía
• 3.1 Cine
• 3.2 Televisión
• 4 Galardones
• 4.1 Premios Goya 2006
• 4.2 Premios BAFTA 2006
• 4.3 Premios Óscar 2006
• 5 Referencias
• 6 Enlaces externos
Carrera cinematográfica
Guillermo del Toro es un cineasta que ha dirigido una amplia variedad de películas, desde adaptaciones
de cómics (como Hellboy y Blade II), hasta películas de terror y fantasía histórica, dos de las cuales se
sitúan en España en la época de la Guerra Civil Española y el periodo inmediatamente posterior,
durante el régimen dictatorial del general Franco. Estas películas, El espinazo del diablo y El laberinto
del fauno también comparten aspectos similares: protagonistas (niños pequeños), y temática (como la
relación entre terror y fantasía y el vivir bajo el yugo de un régimen fascista o dictatorial).
Del Toro se caracteriza por imprimir una estética y ambientación espectaculares a sus películas,
creando ambientes tétricos y agobiantes o situaciones mágicas y fantásticas. Su estilo está marcado por
su gusto por la biología y por la escuela de arte simbolista, su fascinación por el mundo fantástico
desde el punto de vista de los cuentos de hadas y su gusto por los temas oscuros. Sus trabajos incluyen
frecuentemente monstruos o seres fantásticos. Del Toro siempre ha afirmado estar enamorado de los
monstruos: «mi fascinación hacia ellos es casi antropológica... los estudio, los disecciono en algunas de
mis películas: quiero saber cómo funcionan, qué aspecto tienen por dentro y cómo se comportan».
También tiene una lista de otras cosas que le fascinan y que se han convertido en piezas habituales de
sus películas: «tengo una especie de fetichismo por los insectos, la relojería, la maquinaria y los
engranajes, monstruos, lugares oscuros, cosas sin nacer...»
Guillermo del Toro es también amigo de dos directores mexicanos aclamados por la crítica: Alfonso
Cuarón y Alejandro González Iñárritu. Los tres influyen a veces en las decisiones de los demás en
cuestiones de dirección, han sido entrevistados juntos por Charlie Rose, y Cuarón fue uno de los
productores de El laberinto del fauno. Los tres fueron nominados a los Premios Óscar de 2006,
celebrados en febrero de 2007: Del Toro fue nominado por El laberinto del fauno (que obtuvo seis
nominaciones, incluyendo mejor película de habla no inglesa), Cuarón por escribir y editar Hijos de los
hombres e Iñárritu por producir y dirigir Babel.
A finales de enero de 2008, se publicó que dirigiría las películas basadas en la novela El hobbit, del
escritor británico J. R. R. Tolkien, a partir de la que se realizarían dos películas, cuyo estreno se preveía
para 2012 y 2013. Sin embargo, a pesar de haberse involucrado por más de dos años en el diseño y
producción de las adaptaciones al cine de dicha novela,1 el 31 de mayo de 2010, Del Toro renunció a la
dirección de las cintas, a causa del retraso en el comienzo de la filmación debido primordialmente a
problemas financieros que atravesaba la productora Metro Goldwyn Mayer.2 3 Finalmente ha quedado
acreditado en lo que ha acabado siendo una trilogía sólo como guionista.
Proyectos futuros
En junio de 2010 se anunció que Del Toro podría escribir y producir una nueva historia sobre Van
Helsing. No se ha confirmado si él va a dirigirla.4
Aunque se difundieron rumores de que Del Toro sería el director de la nueva adaptación
cinematográfica de Godzilla al poco tiempo el mismo lo negó y se desveló su nuevo proyecto, Pacific
Rim en la que alienígenas de otra dimensión llegan a la Tierra por un portal en el océano Pacífico para
destruir el planeta, pero tendrán que enfrentarse a robots gigantes pilotados por humanos desatando una
épica batalla.5 El reparto incluye a Charlie Hunnam, Idris Elba y Ron Perlman, lo cual marca la quinta
colaboración entre este último y Del Toro.
Este mismo año planea dirigir el episodio piloto para la adaptación televisiva de la novela Nocturna
que coescribió junto a Chuck Hogan, y más tarde dirigir una nueva adaptación de Pinocho. Asimismo
se le ha vinculado con la serie que planea sacar Marvel sobre El increíble Hulk.[cita requerida]
Antes y después de la Convención de Cómics de San Diego (California) de 2013 y la WonderCon de
Los Ángeles (California), Guillermo del Toro estuvo hablando con la productora Warner Bros. Pictures
y la compañía de cómics DC Comics, en una adaptación de personajes mágicos superhéroes en los que
reuniría a personajes clásicos de la editorial como Etrigan el Demonio, The Spectre, Deadman,
Zatanna, John Zatara, Sargón, Extraño Fantasma, John Constantine, Swamp Thing, Madame Xanadú,
Shade, El Hombre Cambiante, Enchantress y otros nuevos como Mindwarp entre otros reuniéndolos
por primera vez en un Supergrupo tomando el más reciente éxito comercial de una serie basada en los
llamados Los Nuevos 52 de la modernización contemporánea de los cómics de DC, titulada, Liga de la
Justicia Oscura, en la que no sólo sería una película de este super grupo, sino la creación de una serie
de películas individuales de cada personaje, en lo que este proyecto Guillermo del Toro tituló como
Dark Universe. Por el momento, espera su aval de confirmación por parte de Warner Bros. Pictures y
DC Comics que esté confirmadas dentro del calendario fílmico de los próximos años.6
Otras actividades
Del Toro como novelista
En 2009 Guillermo del Toro debutó como escritor al verse publicada su primera novela: Nocturna,
primer volumen de la Trilogía de la Oscuridad (Nocturna, Oscura y Eterna), escrita conjuntamente con
Chuck Hogan y que trata de un virus que transforma a las personas en vampiros. En el segundo
semestre de 2010 Del Toro y Hogan publicaron en todo el mundo Oscura, la segunda entrega de la
trilogía.
Videojuegos
Mercury Steam utilizó de la película El laberinto del fauno, en 2010, como parte importante tomar el
personaje de Pan en Castlevania Lords of Shadows.
Guillermo del Toro tenía planeado lanzar un videojuego con la compañía THQ titulado INSANE, un
juego de supervivencia como Silent Hill. Se esperaba que el lanzamiento se produjera a mediados de
2013, pero el 6 de agosto de 2012 el proyecto fue cancelado por la misma THQ. El 6 de enero de 2013,
Guillermo del Toro declaró que el proyecto seguía en pie y que estaba en negociaciones con «una
compañía grande» que financiaría la publicación del juego.
Durante la Gamescom 2014 se dio a conocer al público una demostración titulada «P. T.» (demo del
juego) la cual consistía en un pequeño juego de horror en primera persona donde el jugador debe
resolver un acertijo sin ninguna clase de pista o instrucción específica dentro de una pequeña casa, la
cual cambia ligeramente sus escenarios y genera un ciclo de pasillos y sótanos infinitos hasta que el
jugador sea capaz de resolver el acertijo.
Durante los créditos de dicha demostración se puede apreciar el nombre de Guillermo del Toro junto
con Hideo Kojima y Norman Reedus desvelando al final el título del próximo videojuego que podría
estar desarrollando; Silent Hills el cual podría estar basada en la clásica franquicia del Survival Horror
Silent Hill aunque segundos después aparece otro anuncio advirtiéndole al público que la demostración
no tiene ninguna relación con el juego en el que se esta trabajando.
Filmografía
Guillermo del Toro
Cine
Acreditado como
Año Título
Director Guionista Productor
1985 Doña Herlinda y su hijo Sí
1993 Cronos Sí Sí
1997 Mimic Sí Sí
1998 Un embrujo Sí
2001 El espinazo del diablo Sí Sí Sí
Asesino en serio Sí
2002
Blade II Sí
Crónicas Sí
2004
Hellboy Sí Sí
Hellboy Animated: Sword of Storms (animación) Sí
2006
El laberinto del fauno Sí Sí Sí
Hellboy Animated: Blood and Iron (animación) Sí
2007
El orfanato Sí
Perseguida Sí
Rudo y Cursi Sí
2008
Cosas insignificantes Sí
Hellboy 2: el ejército dorado Sí Sí
2009 Splice: experimento mortal Sí
Biutiful Sí
2010
Los ojos de Julia Sí
Kung Fu Panda 2 Sí
2011 No le temas a la oscuridad Sí Sí
El gato con botas Sí
Rise of the Guardians Sí
2012 El hobbit: un viaje inesperado Sí
The Captured Bird (cortometraje) Sí
El hobbit: la desolación de Smaug Sí
2013 Mama Sí
Pacific Rim Sí Sí Sí
El hobbit: la batalla de los Cinco Ejércitos Sí
2014
El libro de la vida Sí
2015 Crimson Peak (en postproducción) Sí Sí Sí
2016 Kung Fu Panda 3 (en producción) Sí
Televisión
• La hora marcada (1988-89)
• The Strain (2014-presente)
Galardones
Premios Goya 2006
Entregados el 28 de enero de 2007.
Categoría Persona Resultado
Mejor película Candidata
Mejor director Guillermo del Toro Candidato
Mejor guion original Guillermo del Toro Ganador
Premios BAFTA 2006

Entregados el 11 de febrero de 2007.
Categoría Persona Resultado
Mejor película de habla no inglesa Ganador
Mejor guion original Guillermo del Toro Candidato
Premios Óscar 2006

Entregados el 25 de febrero de 2007
Película Categoría Persona Resultado
Candidato
El laberinto del fauno Mejor película extranjera
(por México)
El laberinto del fauno Mejor guion original Guillermo del Toro Candidato
Orson Welles
Orson Welles
Orson Welles en 1937

Nombre de nacimiento George Orson Welles
Kenosha, Wisconsin, Estados Unidos
Nacimiento
6 de mayo de 1915
Los Ángeles, California, Estados Unidos
Fallecimiento
10 de octubre de 1985 (70 años)
Ocupación Actor, director, guionista, productor de cine
Años activo/a 1931-(†) 1985
Estatura 1,87 m
Familia
Paola Mori (1955-1985)
Cónyuge Rita Hayworth (1943-1948)
Virginia Nicholson (1934-1940)
Christopher Welles Feder (1938)
Michael Lindsay-Hogg (1940)
Hijo/s
Rebecca Welles Manning (1944 - 2004)
Beatrice Welles (1955)
Premios
Premios Óscar 1941 Citizen Kane
Óscar Honorífico
1971 Premio a la Trayectoria Profesional
Palma de Oro
1952 Otelo
Festival de Cannes
Mejor interpretación masculina
1959 Compulsion
Ficha en IMDb
George Orson Welles (Kenosha, Wisconsin, 6 de mayo de 1915 - Hollywood, California, 10 de

octubre de 1985) fue un actor, director, guionista y productor de cine estadounidense.
Es considerado uno de los artistas más versátiles del siglo XX en el campo del teatro, la radio y el cine,
en los que tuvo excelentes resultados. Alcanzó el éxito a los veintitrés años gracias a la obra radiofónica
The War of the Worlds, que causó conmoción en los Estados Unidos cuando muchos oyentes del
programa pensaron que se trataba de una retransmisión verdadera de una invasión extraterrestre. Este
sensacional debut le valió un contrato para tres películas con el estudio cinematográfico RKO, que le
otorgó libertad absoluta en sus realizaciones. A pesar de estos beneficios, sólo uno de sus proyectos
previstos pudo ver la luz: Citizen Kane (1941), su película más exitosa.
En 1946, bajo la sospecha de ser comunista, su carrera en Hollywood se estancó y se vio obligado a
trasladarse a Europa, donde trabajó como actor para financiar sus producciones. Este suceso fue muy
común a lo largo del periodo conocido como Macarthismo durante el cual numerosos personajes de la
vida pública fueron acusados de pertenecer a este corriente ideológico y, con ello, ser enemigos de los
Estados Unidos.
Esta acusación nunca fue verificada, aunque el mismo Welles hizo declaraciones como la que sigue:
«Lo malo de la izquierda estadounidense es que traicionó para salvar sus piscinas. Y no hubo unas
derechas estadounidenses en mi generación. No existían intelectualmente. Sólo había izquierdas y
estas se traicionaron. Porque las izquierdas no fueron destruidas por Mac Carthy; fueron ellas mismas
las que se demolieron dando paso a una nueva generación de nihilistas». Pese a su persecución y
debido a su triunfo en Europa, en 1958 Welles pudo volver a Hollywood para el rodaje de su película
Touch of Evil entre otros títulos de capital relevancia en su carrera.
Entre sus otros muchos proyectos destaca la producción y dirección de películas como Macbeth (1948),
Otelo (1952), El proceso (1962) y F for Fake (1975), entre otros. Su última aparición fue en televisión,
haciendo un cameo en la teleserie Luz de luna, muriendo cinco días antes de la emisión del capítulo.1
Su fama creció tras su muerte en 1985 y ahora se le considera uno de los más grandes directores de cine
y teatro del siglo XX. En 2002 fue elegido por el British Film Institute como el mejor director de la
Historia del cine.
Índice
• 1 Carrera
• 1.1 Primeros años
• 1.2 Teatro y radio
• 1.3 Ciudadano Kane
• 1.4 Años 40
• 1.5 Años de madurez
• 1.6 Últimos trabajos
• 1.7 Prolífico y genial
• 2 Vida privada
• 3 Filmografía
• 3.1 Como director
• 3.1.1 Radio
• 3.1.2 Como actor
• 3.2 Como narrador
• 4 Bibliografía
• 5 Referencias
Carrera
Orson Welles nació en Kenosha, Wisconsin, segundo hijo de Beatrice Ives, una pianista y sufragista
que había cumplido una condena por sus opiniones políticas fuertemente radicales, y Richard Welles,
propietario de una cadena de fábricas de camionetas e inventor aficionado proveniente de una familia
rica de Virginia. Desde su nacimiento, Welles recibió una educación poco convencional de parte de sus
eclécticos y adinerados padres, lo trataron como el prodigio de la familia y dirigieron su precoz talento
hacia las diferentes formas de arte. El pequeño Orson aprendió rápidamente las enseñanzas de su madre
y pronto se inició en la pintura.
Primeros años
Welles hizo su primera aparición en el escenario a los tres años en una representación de la obra
Sansón y Dalila, en la Ópera de Chicago.2 En 1919 sus padres se separaron y Orson pasó a residir con
su madre en Chicago, donde comenzó a introducirse en los círculos artísticos e intelectuales. El 10 de
mayo de 1924, Beatrice Welles murió repentinamente de ictericia a la edad de cuarenta y tres. Tras la
pérdida de su madre Welles vuelve a vivir con su padre y abandona para siempre su carrera musical.
El Dr. Maurice Bernstein, un viejo amigo de la familia Welles y ex pretendiente de su difunta madre,
estimuló en el infante el amor por el teatro, dándole una linterna mágica, un cuadro de pintura y un
teatro de marionetas.3 A la edad de diez años, mientras estudiaba su primaria en Madison (Wisconsin),
Welles se dedicó a ofrecer presentaciones escolares y dirigió y protagonizó su primera representación
teatral, El extraño caso del doctor Jekyll y míster Hyde. Al poco tiempo ingresó en la Todd School de
Illinois, una escuela de vanguardia dirigida por el profesor Roger Hill, que en numerosas ocasiones
Welles citó como su mentor y la persona que le suministró las ideas artísticas y literarias en las que
fundamentó toda su obra futura.
Teatro y radio
En 1931, a los 16 años, Welles comenzó a trabajar en el teatro en Dublín, Irlanda. Pronto se trasladó a
Nueva York, donde debutó al año siguiente en Broadway con la representación de Romeo y Julieta.
Fundó posteriormente la compañía de teatro Mercury Theatre, con la que obtuvo gran éxito. En 1938,
junto con varios colegas de su compañía, representó por radio, en la cadena CBS, una adaptación de la
obra de H. G. Wells La guerra de los mundos. El realismo fue tal que la emisión causó auténtico pánico
en Nueva Jersey, donde, según la obra, estaba teniendo lugar la invasión de los extraterrestres. Este
episodio le dio fama mundial, lo que llevó a la RKO Pictures a contratarle en 1939 con plena libertad
para escribir, producir y dirigir dos películas.
El contexto internacional del año 1939 - inestabilidad en Europa, inicio de la Segunda Guerra Mundial
- también contribuyeron a potenciar el efecto que la representación de Welles tuvo en una audiencia
muy sensibilizada por esos acontecimientos.
Ciudadano Kane
Hasta ese momento la experiencia de Welles como realizador cinematográfico había sido casi nula, por
lo que comenzó a interiorizarse de la técnica y del lenguaje del cine, contribuyendo además con un
estilo visual propio, inédito para la época, como el uso del "documental" dentro de la propia historia.
Tenía 24 años cuando convenció al guionista Herman J. Mankiewicz para escribir una historia basada
en la vida de William Randolph Hearst, magnate de la prensa, propietario de dos importantes
periódicos. Tras unos retoques que él mismo realizó en el guion, Welles dirigió la película bajo el título
de Citizen Kane. Hearst intentó prohibir la proyección, pero se estrenó en 1941 con gran éxito de
crítica, aunque no de taquilla, debido a las trabas que tuvo en la distribución, promovidas por Hearst.
Años 40
Para el guion de su segunda película, The Magnificent Ambersons (1942), Welles se basó en la novela
The magnificent Ambersons de Booth Tarkington (Premio Pulitzer en 1919). La película reflejaba la
vida de una familia norteamericana a principios del siglo XX. El montaje final de Welles fue alterado
por la RKO hasta tal punto que el cineasta dijo que habían arruinado su obra. No obstante la película
conserva el vigor creativo de Ciudadano Kane.
Con El extraño (1946) Welles se puso al frente de un proyecto en el que, como él mismo reconoció, su
implicación personal fue mínima. A pesar de todo, demostró que también sabía ser un eficaz artesano.
La dama de Shanghái (1948), con su apariencia de thriller al uso, y similar en varios aspectos al filme
Vértigo de Hitchcock (1958) —la ciudad de San Francisco, California, el teñido del cabello de Rita
Hayworth, el traje sastre gris— trascendió los límites del género y de un enrevesado argumento, para
convertirse en una tela de araña que atrapa al espectador con una rara fascinación. Se recuerda
especialmente la escena en la galería de los espejos.
Años de madurez
Mr. Arkadin (1954) se resintió de un argumento que parecía querer aprovechar muchas de las premisas
de Citizen Kane, así como de un reparto poco adecuado si exceptuamos la interpretación del propio
Welles en su papel protagonista.
Sed de mal (Touch of Evil, 1958) es su segunda obra maestra después de Citizen Kane. En este
subyugante thriller, Welles se reservó el papel de un obeso inspector de policía que utilizaba métodos
de una ética más que dudosa hasta llegar al asesinato. La película recorre un mundo onírico y de
ambientes enfermizos que tiene ecos de drama shakespeariano. El film fue muy tocado en el montaje, e
incluso se añadieron planos y escenas breves; hoy se ha repuesto dentro de lo posible con el plan de
Welles (que expuso en una memoria de más de 50 pp. su crítica concreta a esa manipulación).4
En El proceso (1962) Welles intentó adaptar la novela de Franz Kafka sirviéndose de su particular
estilo cinematográfico. El resultado global fue desigual, aunque sobresaliente en muchas escenas, por
su capacidad de crear un mundo paralelo al de Kafka.
Welles ofreció una personalísima y muy intensa visión del mundo de Shakespeare en tres películas
aceptadas por todos como obras maestras: Macbeth (1948), Otelo (1952)5 y Campanadas a
medianoche (1966). Ésta última, inspirada en diversas obras del dramaturgo inglés, es un monumento
de inventiva visual y maestría interpretativa. La película tiene como hilo conductor a Sir John Falstaff,
interpretado por el propio Welles.
Últimos trabajos
En 1973, Welles estrena F de Falso (en España, Fraude), una película de corte experimental planteada
como un falso documental que se anticipa a algunas propuestas del cine postmoderno y que fue
reconocida como influyente por realizadores como Jean-Luc Godard. En la película aparecen Picasso y
Oja Kodar.
En 1976, graba su voz recitando a Edgar Allan Poe para el famoso disco "Tales of Mystery and
Imagination", de Alan Parsons Project. Curiosamente jamás tuvo contacto con ningún miembro del
grupo (nunca conoció en persona a Parsons), que mientras estos trabajaban en la obra en Inglaterra,
Welles lo hizo en unos estudios en USA; Por problemas técnicos de la época su participación no se
incluyó en las primeras ediciones del trabajo (Alan era muy exigente y esto supuso un problema
tecnológico que provocó la anulación de varias pistas de sonido en la grabación final, incluida la voz de
Welles). En 2007 el álbum fue remasterizado y gracias a las mejoras técnicas actuales se incluyeron
todas las pistas anuladas, recuperando la voz profunda de Welles y su magnífica forma de recitar.
En 1979, hizo la narración de la versión en inglés de, A Step Away, película oficial de los VIII Juegos
Panamericanos, celebrados en Puerto Rico en 1979. Esta narración fue la última que hizo para un
largometraje. La película A Step Away, se restauró en 2010 en audio y video. El audio de la voz de
Orson Welles, se sacó de la grabación de un LP original del soundtrack de la película.
Su última aparición fue en octubre de 1985, en la serie de televisión Luz de luna, donde hacía un cameo
e introducía el capítulo 4 de la segunda temporada "The Dream Sequence Always Rings Twice",
homenaje al cine negro de los años 40.6 7
Prolífico y genial
Actor prolífico, Welles a menudo usaba su trabajo de actor para financiar sus proyectos como director.
Fue uno de los directores de mayor talento de la historia del cine. Citizen Kane, en su momento y
ahora, representó (y representa) un prodigio de la técnica y narrativa cinematográfica. El plano
secuencia inicial de Touch of Evil (una toma ininterrumpida de varios minutos) demuestra un dominio
de la puesta en escena y organización de los movimientos como sólo un cineasta de su categoría podía
conseguir, si bien él no apreciaba esos planos en exceso.8 Incluso obras en apariencia menores, como
The Stranger, presentan rastros de su gran talento.
En ocasiones es difícil establecer la cronología exacta de su filmografía debido a las películas que
inició y no pudo finalizar por falta de financiación.
Vida privada
Welles vivió un tórrido romance entre 1938 y 1942 con la actriz mexicana Dolores del Río. Según su
hija, Rebecca Welles, Dolores fue el amor de su vida. Welles estuvo casado con la actriz Rita
Hayworth.
Era conocido su amor por España por lo que rodó varias de sus películas en tierras españolas y cultivó
la amistad de figuras conocidas del mundo de los toros de la época, como Antonio Ordóñez o Luis
Miguel Dominguín.
Durante toda su vida tuvo un elevado ritmo de trabajo y muchos pleitos financieros, lo que a la larga le
acarrearía la muerte. Welles murió de un ataque cardíaco en Los Ángeles en 1985. Sus cenizas fueron
depositadas en el municipio malagueño de Ronda, en la finca de recreo de San Cayetano, propiedad de
su amigo el matador de toros Antonio Ordóñez, según tal y como había expresado.9 Sin embargo hay
otras versiones en las cuales se dice que Orson Welles no dejó testamento alguno donde expresara sus
deseos luego de su muerte, por lo cual tanto su hija como su esposa acordaron que sus cenizas fuesen
esparcidas en España, ya que concordaron que ése fue el lugar donde Welles se sintió más feliz en el
transcurso de su vida.
Filmografía
Como director
• 1938 - Too Much Johnson - película desaparecida y recuperada en 2013.10
• 1941 - Citizen Kane (Ciudadano Kane / El ciudadano)
• 1942 - The Magnificent Ambersons (Soberbia11 / Los magníficos Amberson / El cuarto
mandamiento)
• 1942 - It's all true - película inacabada
• 1942 - Tanques (Tanks) - película inédita y desconocida
• 1945 - The Stranger (El extraño)
• 1947 - The Lady from Shanghai (La dama de Shanghái)
• 1947 - Macbeth (Macbeth)
• 1952 - Otelo
• 1955 - Mr. Arkadin (Mister Arkadin/Confidential report)
• 1955 - The Land of the Basques (La tierra de los vascos) - Documental para la BBC
• 1956 - Moonraker - Película desconocida en argumento.
• 1957 - Touch of Evil (Sed de Mal / Sombras del mal)
• 1962 - El proceso (The Trial), basada en El proceso, novela de Franz Kafka.
• 1965 - Campanadas a medianoche (Falstaff / Chimes at Midnight), sobre obras de Shakespeare
• 1967 - The Deep - Película inacabada
• 1968 - Una historia inmmortal (The immortal story
• 1969 - Don Quijote de Orson Welles - película inacabada (aunque montada en 1992 por Jesús
Franco).12
• 1970 - Al otro lado del viento - película inacabada
• 1973 - F for Fake (F de Falso / Falso / Fraude)
• 1978 - Filming Othello
Radio
• 1938 - La guerra de los mundos (War of the Worlds)
Como actor
• 1941 - Citizen Kane (El Ciudadano / Ciudadano Kane), de Welles
• 1943 - Journey into Fear (Estambul), de Norman Foster (pero iniciado por Welles).
• 1944 - Jane Eyre (Jane Eyre), de Robert Stevenson
• 1945 - El extraño (The Stranger), de Welles
• 1947 - The lady from Shanghai (La dama de Shanghái), de Welles
• 1947 - Macbeth (Macbeth), de Welles
• 1952 - Otelo (Othello), de Welles
• 1949 - El tercer hombre (The Third Man), de Carol Reed
• 1949 - Cagliostro (Black Magic), de Gregory Ratoff y Welles
• 1949 - Principe de los zorros (Prince of Foxes), de Henry King
• 1950 - La Rosa Negra (The Black Rose) de Henry Hathaway
• 1953 - El enigma de Manderson, de Herbert Wilcox
• 1956 - Moby Dick (Moby Dick), de John Huston
• 1957 - Touch of Evil (Sed de Mal), de Welles
• 1958 - El largo y cálido verano (The long hot summer), de Martin Ritt.
• 1959 - Compulsión
• 1962 - El proceso (The Trial), de Welles
• 1963 - Ro.Go.Pa.G (dirigida por Godard, Pasolini,Rossellini y Gregoretti)
• 1965 - Campanadas a medianoche (Chimes at Midnight), de Welles
• 1966 - Un hombre para la eternidad (A man for all Seasons), de Fred Zinnemann
• 1966 - ¿Arde París? (Is Paris burning?), de René Clément
• 1967 - Casino Royale (Casino Royale), de John Huston
• 1968 - Una historia inmmortal (The immortal story), de Welles
• 1968 - Castillo de naipes (House of Cards), de John Guillermin
• 1970 - La batalla del río Neretva (Bitka na Neretvi / The Battle of Neretva), de Veljko Bulajić
• 1971 - La década prodigiosa (La Décade prodigieuse), de Claude Chabrol
• 1973 - Fraude (F for Fake), de Welles
• 1972 - La isla del tesoro, de John Hough y Andrea Bianchi
• 1979 - A Step Away, Película Oficial VIII Juegos Panamericanos 1979, San Juan de Puerto Rico
(Última narración para un largometraje - 140mins.)
• 1980 - El secreto de Tesla (Tajna Nikole Tesle), de Krsto Papic
• 1986 - The Transformers the movie (voz/Unicron) último papel
Como narrador
• 1965 - A King's Story, documental.
• 1971 - Centinelas del silencio, cortometraje.
• 1973 - Orson Welles' Great Mysteries, serie.
• 1981 - Las Profecías de Nostradamus, documental.
Michael Haneke
Michael Haneke
En el Festival de Cannes de 2009.

Múnich, Alemania
Nacimiento
23 de marzo de 1942 (72 años)
Nacionalidad Austriaca
Ocupación Director, guionista
Año de debut 1974
Familia
Cónyuge Susanne Haneke (1983)
Premios
Mejor película en lengua no inglesa
Premios Óscar
2012 Amor
Mejor película en lengua no inglesa
Globos de Oro 2010 La cinta blanca
2012 Amor
Premios BAFTA
2012 Amor
Gran Premio del Jurado
2001 La pianiste
Mejor director
Festival de Cannes 2005 Caché
Palma de Oro
2009 La cinta blanca
2012 Amor
Mejor película europea
Premios Goya
2013 Amor
Mejor película
2012 Amor
Mejor director
Premios César
2012 Amor
Mejor guión original
2012 Amor
Premio del Cine Europeo a la mejor película europea
2012 Amor
Premio del Cine Europeo al mejor director europeo
2005 Caché
Otros premios
2012 Amor
Premio del Cine Europeo al mejor guionista europeo
Ficha en IMDb
Michael Haneke (Múnich, 23 de marzo de 1942) es un director y guionista de cine austríaco conocido
por su estilo sombrío y turbador inquietante. Sus películas a menudo tratan problemas de la sociedad
moderna, y suelen causar controversia. Haneke ha trabajado en televisión‚ teatro y cine. En 2005
obtuvo el premio a la mejor dirección por su película Caché en el Festival de Cine de Cannes, así como
el premio de la FIPRESCI y el premio del Jurado Ecuménico del mismo festival. Ese año Caché sería
la gran triunfadora en los Premios del Cine Europeo con cinco galardones, entre ellos los de mejor
película y mejor director. El 24 de mayo de 2009 obtiene la Palma de Oro en la 62ª edición del Festival
de Cannes por su trabajo Das Weiße Band ("La cinta blanca"), premio que volvería a ganar 3 años
después, el 27 de mayo de 2012 en la 65ª edición del Festival con Amour. En 2012 Europa se rinde ante
el director, otorgándole cuatro premios en la gala del cine europeo. 1
Índice
• 1 Biografía
• 2 Obra
• 3 Temas
• 4 Filmografía
• 5 Premios y nominaciones
• 6 Referencias
Biografía
Michael Haneke es hijo del director y actor alemán nacido en Düsseldorf Fritz Haneke, y de la actriz
austríaca Beatrix Degenschild. Haneke creció en la pequeña ciudad de Wiener Neustadt con la familia
de su madre. Sus padres se divorciaron cuando era pequeño. Asistió a la Universidad de Viena para
estudiar filosofía, psicología y drama después de fracasar en sus primeros intentos en la actuación y la
música. Después de graduarse en 1965, se convirtió en un crítico de cine y entre 1967 y 1970 trabajó
como editor y dramaturgo en la estación televisiva del sur de Alemania Südwestfunk. Como
dramaturgo dirigió varias producciones escénicas en Alemania, entre ellas obras de Strindberg, Goethe
y Heinrich von Kleist en Berlín, Múnich y Viena. Hizo su debut como director televisivo en 1973.
Desde 2002 ejerce como profesor de dirección en la Academia de Cine de Viena. En sus clases intenta
transmitir sus conocimientos fílmicos a sus estudiantes, haciendo especial hincapié en la dirección de
actores, ya que para él es la base de la credibilidad real y emocional total de una escena.
Desde 2006 se dedica también a la dirección de ópera, siendo Don Giovanni y Cosi fan tutte de Mozart
sus producciones más notables.
Michael Haneke está casado desde 1983 con la propietaria de un negocio de antigüedades de Viena. Él
mismo describe a su mujer como su crítico más agudo e importante de su trabajo.
El 9 de mayo de 2013 fue elegido como Premio Príncipe de Asturias de las Artes 2013 que se celebran
anualmente en la Ciudad de Oviedo , Asturias , España en el mes de octubre.
Obra
La película comercial con la que Haneke debutó fue El séptimo continente de 1989, que sirvió para
trazar su estilo violento y grueso que florecería en los años siguientes. Tres años después, la
controvertida El Video de Benny colocó el nombre de Haneke en el mapa. El gran éxito de Haneke
llegaría en 2001 con su película más aclamada por la crítica La pianista. La película ganó el prestigioso
Gran Premio en el Festival de Cine de Cannes de 2001 y también ganaron sus protagonistas, Benoit
Magimel e Isabelle Huppert, los premios de mejor actor y actriz. Ha trabajado con Juliette Binoche en
dos ocasiones, después de que ella expresase interés en trabajar con él. Una de esas películas fue
Caché, película en donde el director ganó el premio a Mejor director en Cannes y a Mejor película en la
ceremonia de Premios del Cine Europeo
En el 2007, debutó en el mercado norteamericano, con el remake de su película Funny Games, que fue
producida por la actriz Naomi Watts, quien también actuó en esta película. En el 2009 logra ganar la
Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes, por su película La cinta blanca, película que ganó el
Globo de Oro a la mejor película en lengua no inglesa y obtuvo nominaciones a mejor película
extranjera y a mejor fotografía en los premios Oscar.
Haneke se declara admirador de los directores de cine Kiarostami y Bruno Dumont.2
Temas
Haneke deconstruye las estructuras narrativas tradicionales para lograr un distanciamiento brechtiano.
Su provocativa forma de narrar busca sobre todo hacer pensar al espectador y sacarle de sus cómodas
convenciones cinematográficas situándole en encrucijadas donde todo es posible. En ese sentido, el
precedente de Michelangelo Antonioni ha sido fundamental para él.
Son una llamada a un cine que aporte insistentes cuestiones en lugar de respuestas falsas
(por lo excesivamente rápidas), que clarifique las distancias en lugar de violar la cercanía,
que abogue por la provocación y el diálogo en lugar de la consunción y el consenso.
Rechazando lo que considera convenciones estándar de tiempo, construcción del suspense y

continuidad lógica, Haneke no teme llegar a ser aburrido, irritante o frustante. Sus películas son
consideradas como muy inmediatas y realistas sin ser simplistas. Es muy posible que trate acerca de
una sociedad que no sabe cómo amar —o en todo caso cómo odiar— y sus películas son en diversos
modos un intento por afinar los sentimientos del público y sus respuestas hacia el mundo. El ritmo de
sus filmes es lo más particular: no necesita extender más de lo ordinario la duración de sus narraciones
(generalmente sin verdaderas intrigas) o sus planos, incluyendo en la mayor parte de sus obras periodos
de inacción, de vacío, de frustración y de irritación. Es, sobre todo, en la representación de la violencia
en lo que el cineasta innova, sin estilizarla ni volverla espectacular. Sin exuberancia, la barbarie aparece
en la progresión dramática misma de cada uno de sus filmes de manera estructural. Es, por otra parte, a
menudo más sugerida que verdaderamente mostrada, manifestada sin subrayado alguno y generalmente
jamás está justificada o motivada, lo que vuelve su puesta en escena aún más seca y brutal. De manera
implacable el realizador busca sin cesar poner al espectador en una situación incómoda, alterando las
maneras tradicionales y su manera de percibir o de recibir una obra cinematográfica. Deseando
provocar reacciones vivas y emotivas, Haneke intenta interrogar sobre la responsabilidad del testigo
ante las escenas expuestas, planteando cuestiones de orden social, político, histórico, cultural o moral
sin jamás aportar respuestas claramente establecidas. Un trasfondo cultural y filosófico denso se
percibe detrás de cada una de sus obras.
Entre sus temas recurrentes están:
• La introducción de una fuerza malévola en la confortable vida burguesa, como se ve en Funny
Games y en Caché;
• Una actitud crítica contra los medios masivos, en especial la televisión, como sucede en Funny
Games, donde algunos de los personajes son conscientes de pertenecer a una película.
• La incomunicación o incapacidad de poderse comunicar directamente con el otro, presente en
Benny´s Video y Caché.
• Imágenes de maltrato animal: El director defiende que al espectador de cine le impresiona más
la muerte de un animal que la de una persona, pues da por hecho que la muerte de la persona es
ficticia. Para conseguir mayor impacto, en muchas de sus películas incluye escenas en las que
aparece la muerte de un animal. En la mayoría de los casos es ficticia, así ocurre con uno de los
caballos en El tiempo del lobo, entrenado para caer; sin embargo la muerte de otro caballo es
real, filmado en un matadero donde se iba a sacrificar, ya que Austria no se permite el maltrato
gratuito de animales. En El séptimo continente aparece la muerte de un pez, pero es ficticia ya
que el pez fue de nuevo introducido en el agua.2 En El vídeo de Benny, el protagonista graba
como disparan a un cerdo en la cabeza (escena real), la cual es rebobinada y puesta a cámara
lenta, y aparece de nuevo en varias ocasiones de la película. En Caché el protagonista tiene un
sueño en el que se decapita a una gallina, y ésta sigue dando saltos después de decapitada;
escena también real.[cita requerida]
Filmografía
• 1989 Der siebente Kontinent - El séptimo continente
• 1992 Benny's Video - El video de Benny
• 1994 71 Fragmente einer Chronologie des Zufalls - 71 fragmentos de una cronología del azar
• 1995 Der Kopf des Mohren - La cabeza del moro (guion)
• 1997 Funny Games (juegos divertidos)
• 1997 Das Schloß - El castillo
• 2000 Código desconocido
• 2001 La Pianiste - La pianista. Adaptación de la novela La pianista de la autora austriaca
Elfriede Jelinek. Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes.
• 2003 El tiempo del lobo
• 2005 Caché o Escondido Premio al mejor director en el Festival de Cannes y premio a la mejor
película y mejor director de los Premios del Cine Europeo 2005
• 2007 Funny Games, remake U.S.
• 2009 Das Weiße Band- La cinta blanca. Palma de Oro en el Festival de Cannes. Globo de Oro a
la mejor película extranjera.
• 2012 Amor. Oscar a mejor película de habla no inglesa. Palma de Oro en Festival de Cannes.
Globo de Oro a la mejor película en lengua no inglesa.
Premios y nominaciones
Artículo principal: Premios y nominaciones de Michael Haneke
Alejandro González Iñárritu
Para otros usos de este término, véase Alejandro González (desambiguación).

Alejandro González Iñárritu
Alejandro González Iñárritu en 2008.

Ciudad de México, México
Nacimiento
15 de agosto de 1963 (51 años)
Nacionalidad Mexicano
Apodo(s) El Negro
Director
Productor
Ocupación
Guionista
Compositor
Años activo/a 1995-presente
Estatura 1,84 m
Familia
Cónyuge María Eladia Hagerman
María Eladia
Hijo/s
Eliseo
Premios
Mejor película
2014 Birdman
Mejor director
Premios Óscar
2014 Birdman
2014 Birdman
Mejor película - Drama
2006 Babel
Globos de Oro
Mejor guion
2014 Birdman
Premios BAFTA
2001 Amores Perros
Mejor director
Festival de Cannes
2006 Babel
Premio Independent Spirit a la mejor película
2014 Birdman
Otros premios Premio de la Crítica Cinematográfica al mejor guion
original
2014 Birdman
Ficha en IMDb
Alejandro González Iñárritu (Ciudad de México, México, 15 de agosto de 1963) es un cineasta,
guionista, productor y compositor mexicano.
González Iñárritu es el primer cineasta mexicano en ganar el premio a la Mejor película por parte de la
Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas y el segundo cineasta mexicano en ganar el premio al
Mejor director por parte de la misma, así como de la Directors Guild of America (DGA). También es el
primer cineasta nacido en México que ha ganado el premio como mejor director en el festival de
Cannes (2006), o Prix de la mise en scene, siendo el segundo y el tercero, Carlos Reygadas y Amat
Escalante respectivamente.
Sus cinco largometrajes, Amores perros (2000), 21 gramos (2003), Babel (2006), Biutiful (2010) y
Birdman (2014) han sido aclamados por la crítica a nivel mundial, y todos ellos han recibido premios
en festivales internacionales y nominaciones al Óscar en diferentes categorías. Iñárritu ha ganado en
total a lo largo de su carrera dos Globos de oro, un BAFTA y un premio al mejor director del festival de
Cannes. Ganó tres premios Óscar por su película Birdman en 2015: premio al mejor director, mejor
guión original y mejor película.
Índice
• 1 Primeros años
• 2 Su fama
• 3 Hollywood
• 4 Cortometrajes
• 5 Anuncios publicitarios
• 6 Filmografía
• 7 Premios y nominaciones
• 8 Referencias
• 9 Enlaces externo
Primeros años
Alejandro González Iñárritu nació el 15 de agosto de 1963 en la Ciudad de México, hijo de Luz María
Iñárritu y Héctor González Gama.1 Cruzando el Atlántico y laborando en un barco carguero, primero a
los 17 y después a los 19 años, González Iñárritu trabajó en Europa y África en dos diferentes periodos
de su vida. Atribuye a estas experiencias la mayor influencia en su trabajo. Finalmente, sus películas
han sido ubicadas en los lugares por donde viajó.2 3
Después de sus viajes, el cineasta regresó a la Ciudad de México e ingresó a la Universidad
Iberoamericana. Simultáneamente, en 1985, González Iñárritu empezó su carrera en la estación
mexicana de radio WFM y dos años más tarde deja a un lado la carrera de comunicación para dedicarse
de lleno a la práctica. En 1987, llegó a ser el director de esta estación de rock y música ecléctica. A lo
largo de los próximos cinco años, el cineasta entrevista a estrellas mundiales de rock y transmite
conciertos de rock en vivo vía satélite. Por cinco años consecutivos, WFM se convierte en la estación
número uno de la ciudad de México. De 1987 a 1989, compuso la música para seis películas
mexicanas. González Iñárritu considera que la música ha tenido más influencia en él que lo que han
tenido las películas.
En los años noventa, creó Z Films con Raúl Olvera en México con la finalidad de empezar a escribir,
producir y dirigir películas, cortos, audiovisuales, anuncios y programas de televisión. Con Z Films,
González Iñárritu empezó a escribir, producir y dirigir cortometrajes y anuncios. Durante su
exploración en televisión, González Iñárritu estudió dirección de teatro por tres años con el prestigiado
dramaturgo y director de teatro polaco Ludwik Margules y con Judith Weston en Los Ángeles.
Su fama
En 1995, González Iñárritu escribió y dirigió su primer piloto de televisión, Detrás del dinero,
protagonizado por Miguel Bosé. Z Films se convirtió en una de las compañías de producción más
grandes y fuertes de México. Desarrolló e hizo el lanzamiento de siete directores jóvenes en la arena de
la publicidad y las películas. En 1999 el cineasta dirigió su primer largometraje Amores perros, escrita
por Guillermo Arriaga. Amores Perros exploró la sociedad mexicana de la capital con la perspectiva de
tres historias que se entrelazan. En 2000, Amores perros se estrenó en el Festival de Cannes y ganó el
gran premio de la semana de la crítica. También fue la película que presentó al público a Gael García
Bernal quien había trabajado anteriormente con González Iñárritu en un comercial. Amores perros fue
ese año la película más premiada en los festivales de cine del mundo y fue nominada al Oscar como
Mejor Película Extranjera.
Hollywood
Después del éxito de Amores Perros, Alejandro González Iñárritu revisita de nuevo la estructura de
historias que se cruzan en su segunda película 21 gramos, escrita de nuevo por Guillermo Arriaga. 21
gramos fue protagonizada por Sean Penn, Benicio del Toro y Naomi Watts. La película fue presentada
en el Festival de Venecia, y ganó la Copa Volpi para Sean Penn como mejor actor. Benicio del Toro y
Naomi Watts fueron ambos nominados para el Oscar de Mejor actor y actriz en la ceremonia del 2004.
En 2005 González Iñárritu lanzó su tercera película Babel, situada en 3 continentes, 4 países, y en 4
idiomas diferentes. Babel consiste en cuatro historias situadas en Marruecos, México, Estados Unidos,
y Japón. La película tuvo como protagonistas a Brad Pitt, Cate Blanchett y Gael García Bernal, pero
presentó también un elenco de nuevos actores tales como Adriana Barraza, Rinko Kikuchi y trabajó
también con una gran cantidad de no actores en las historias de Marruecos y Japón. La película fue
presentada en el Festival de Cannes 2006 dónde González Iñárritu ganó el premio de Mejor Director
(Prix de La Mise en Scene).
Babel fue estrenada en el noviembre de 2006 y recibió 7 nominaciones para los Oscares en la Edición
79 de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas convirtiéndose así en el primer cineasta
Mexicano nominado para un Oscar como Mejor director y nominado por el DGA (Directors Guild of
America). Babel ganó como Mejor Película en la categoría de Drama en los Globos de Oro el 15 de
enero del 2007. Gustavo Santaolalla ganó ese año por su trabajo en Babel en la categoría de Mejor
Música Original. Después de Babel, González Iñárritu y su compañero de redacción, Guillermo
Arriaga, se separaron profesionalmente para centrarse en sus visiones individuales y crecer como
cineastas.
En 2008 y 2009 González Iñárritu escribió, dirigió y produjo Biutiful, protagonizada por Javier
Bardem.
El guion fue escrito por Alejandro González Iñárritu, Nicolás Giacobone y Armando Bo Jr
estableciendo así su nuevo equipo de colaboradores en la escritura.
La película se presentó en el Festival de Cannes el 17 de mayo del 2010. Javier Bardem ganó el premio
del Mejor Actor (compartido con Elio Germano por La nostra vita) en Cannes. Biutiful recibió
nuevamente dos nominaciones al Oscar como Mejor Película Extranjera y una nominación al Oscar
para Mejor Actuación Masculina.
Biutiful es la segunda película en castellano, idioma nativo de González Iñárritu desde su debut,
Amores perros.
Por segunda ocasión en su carrera, Alejandro González Iñárritu recibe una nominación al Oscar en la
categoría de Mejor Película de Idioma Extranjero y por primera vez un actor en una película en
castellano es nominado al Oscar como Mejor Actor.
Biutiful fue nominada para los Globos de Oro y los premios BAFTA en la categoría de Mejor Película
Extranjera en el 2011.
Durante la primavera del 2013 González Iñárritu rodó en Nueva York su quinta película titulada
Birdman or the unexpected virtue of ignorance.
Birdman nominada y ganadora de el premio de mejor película en los Premios Óscar del año 2015, está
escrita por el mismo González Iñárritu, Nicolás Giacobone, Armando Bo Jr y Alexander Dinelaris. La
película está protagonizada por Michael Keaton, Naomi Watts, Edward Norton, Emma Stone, Zach
Galifianakis, y Andrea Riseborough. Birdman se estrenó en los Estados Unidos el 17 de octubre de
2014.
El cineasta mexicano no solo está trabajando con un nuevo equipo de colaboradores sino que también
está explorando un nuevo género, ya que la película es su primera exploración en la comedia negra.
González Iñárritu se encuentra en plena pre producción de The Revenant, escrita por Alejandro
González Iñárritu y Mark L. Smith. The Revenant está basada en la novela del mismo título de Michael
Punke. La película estará protagonizada por Leonardo DiCaprio y Tom Hardy iniciando el rodaje en
octubre del 2014.
Cortometrajes
Desde 2001 a 2011, González Iñárritu ha dirigido siete cortometrajes.
En 2001 el cineasta dirigió un segmento de la película de once minutos y nueve segundos para
11.09.01– que se compone de varios cortometrajes que exploran los efectos de los ataques terroristas
del 9/11 desde diferentes puntos de vista de todo el mundo y con la participación de 11 prestigiados
directores mundiales.
En 2007 González Iñárritu escribió y dirigió "Anna" el cual se proyectó en el Festival de Cannes de
2007 en Chacun son cinema. Como parte del aniversario 60. del festival, Chacun son cinema es una
serie de cortometrajes realizados por 33 destacados cineastas de todo el mundo.
En 2012 el cineasta hizo el cortometraje experimental Naran Ja: One Act Orange Dance - inspirado en
L.A Dance Project a cargo del coreógrafo francés Benjamin Millepied.
Anuncios publicitarios
En 2001 y 2002 González Iñárritu dirigió Powder Keg, un episodio para la serie de cine publicitario
BMW The Hire, protagonizada por Clive Owen y la cual obtuvo el León de Oro del Festival de Cannes
como la mejor campaña publicitaria de ese año.
En 2010 el cineasta dirigió Write the Future, un anuncio de fútbol para Nike antes de la copa mundial
de FIFA. Nuevamente Write the Future ganó el premio de Grand Prix en la festival de publicidad
Cannes Lions.
En 2012 González Iñárritu dirigió el anuncio Best Job de Procter & Gamble para los Juegos Olímpicos
de 2012. Ganó el Emmy al Mejor Anuncio Primetime de los Premios de Creative Arts Emmy y terminó
en segundo lugar en el Festival de Cannes.
Filmografía
• Detrás del dinero (1991)
• El timbre (1996)
• Amores perros (2000)
• Powder Keg
• 11'09"01 - September 11 (2002)
• 21 gramos (2003)
• Babel (2006)
• Chacun son cinéma ou Ce petit coup au coeur quand la lumière s'éteint et que le film
commence (segmento "Anna")(2007)
• Biutiful (2010)
• Write the Future (2010)
• Behind Biutiful: Director's Flip Notes (2011)
• Naran Ja (2012)
• Birdman (2014)
• The Revenant (2015)
Premios y nominaciones
Premios Óscar
Año Categoría Película Resultado

Mejor película Ganador
2015 Mejor director Birdman Ganador
Mejor guion original Ganador
2010 Mejor película extranjera Biutiful Nominado
Mejor película Nominado
2006 Babel
Mejor director Nominado
2001 Mejor película extranjera Amores perros Nominado
Premios Globo de Oro

Mejor película - Comedia o musical Nominado
2015 Mejor director Birdman Nominado
Mejor guion Ganador
2010 Mejor película extranjera Biutiful Nominado
Mejor película - Drama Ganador
2006 Babel
Premios BAFTA

2015 Mejor director Birdman Nominado
Mejor guión original Nominado
2010 Mejor película de habla no inglesa Biutiful Nominado
2006 Babel
2001 Mejor película de habla no inglesa Amores perros Ganador
Festival de Cannes

2006 Mejor director Babel Ganador
Festival Internacional de Cine de Venecia

2003 León de Oro 21 gramos Nominado
Alfred Hitchcock
Alfred Hitchcock
Nombre de nacimiento Alfred Joseph Hitchcock

Leytonstone, Londres, Inglaterra, Reino Unido
Nacimiento
13 de agosto de 1899
Bel-Air, Los Ángeles, Estados Unidos
Fallecimiento
29 de abril de 1980 (80 años)
Nacionalidad Británico
Apodo(s) Hitch, el maestro del suspense
Ocupación Director de cine, productor
Años activo/a 1921-1976
Estatura 1,70 m
Familia
Cónyuge Alma Reville (1926-1982)
Hijo/s Patricia Hitchcock (1928)
Premios
Premio en Memoria de Irving Thalberg
Premios Óscar
1967
Premio Cecil B. DeMille
Globos de Oro
1972 Premio a la Trayectoria Profesional
Ficha en IMDb
Sir Alfred Joseph Hitchcock (Leytonstone, Londres, 13 de agosto de 1899 — Bel Air, Los Ángeles,
29 de abril de 1980)1 fue un director de cine y productor británico.2 Fue pionero en muchas de las
técnicas que caracterizan a los géneros cinematográficos del suspense y el thriller psicológico. Tras una
exitosa carrera en el cine británico en películas mudas y en las primeras sonoras, que le llevó a ser
considerado el mejor director de Inglaterra, Hitchcock se trasladó a Hollywood en 1939.3
A lo largo de una carrera que duró más de medio siglo, Hitchcock configuró un estilo cinematográfico
distintivo y muy reconocible.4 Fue innovador en el uso de la cámara para imitar la mirada de una
persona, obligando de esta manera a los espectadores a participar de cierta forma de voyeurismo,5
empleaba encuadres para provocar ansiedad, miedo o empatía y desarrolló una novedosa forma de
montaje fílmico.5 Sus historias a menudo están protagonizadas por fugitivos de la ley y sus actrices
protagonistas suelen ser de pelo rubio.6 Muchos de sus filmes presentan giros argumentales en el
desenlace y tramas perturbadoras que se mueven en torno a la violencia, los asesinatos y el crimen. Con
frecuencia, los misterios que articulan las tramas no son más que señuelos (Macguffin, como los llamó
el propio director) que sirven para hacer avanzar la historia pero no tienen mayor importancia en el
argumento. Las películas de Hitchcock también abordan a menudo temas del psicoanálisis y tienen
marcadas connotaciones sexuales. Gracias a los cameos en muchos de sus filmes, las entrevistas, los
avances publicitarios de sus películas y el programa de televisión Alfred Hitchcock Presenta, el cineasta
se convirtió en un icono cultural.
Hitchcock dirigió más de cincuenta películas a lo largo de seis décadas. Reconocido a menudo como el
mejor cineasta británico, apareció el primero de una encuesta realizada entre los críticos de cine en
2007 por el periódico The Daily Telegraph. El diario lo definió así: «Indudablemente el más grande
cineasta nacido en estas islas, Hitchcock hizo más que cualquier otro director para dar forma al cine
moderno, que habría sido completamente diferente sin él».7 La revista MovieMaker lo ha descrito
como el director más influyente de todos los tiempos8 y es ampliamente considerado como uno de los
artistas más importantes del séptimo arte.9
Índice
• 1 Primeros años
• 2 Entrada en el mundo del cine
• 2.1 British International
• 2.2 Las primeras películas sonoras
• 2.2.1 Chantaje: del mudo al sonoro
• 2.2.2 Michael Balcon: Gaumont British
• 2.2.3 Gainsborough, sin M. Balcon
• 3 Hollywood llama a Hitchcock
• 3.1 Comienzos con David O. Selznick
• 3.2 Rebeca
• 3.3 Enviado especial
• 3.4 RKO Pictures
• 3.5 Las primeras películas con Universal
• 3.6 20th Century Fox
• 3.6.1 Intermedio británico: propaganda / Shoah
• 4 Inmediata posguerra
• 4.1 Últimas películas con Selznick
• 4.2 Transatlantic Pictures
• 5 La década de los 50: el Hitchcock más esplendoroso
• 6 Psicosis y Los pájaros, las obras maestras de los 60
• 7 Declive y últimos años
• 8 Influencia de Hitchcock en el cine posterior
• 8.1 La exégesis De Palma
• 8.1.1 La Psicosis de Gus Van Sant
• 8.2 Influencia sobre el cine de género
• 8.3 Los cameos de Hitchcock
• 8.4 Películas biográficas sobre Hitchcock
• 9 Filmografía
• 10 Colaboradores frecuentes
• 11 Bibliografía
• 11.1 En español
• 11.2 En inglés
• 12 Premios
• 12.1 Óscar
• 12.2 Premios BAFTA
• 12.3 Premios Globo de Oro
• 12.4 Premios BAFTA
• 12.5 Premios Emmy
• 12.6 Academia de Ciencia Ficción, Fantasía y Terror, EE.UU.
• 12.7 American Film Institute, EE.UU.
• 12.8 Festival de Cannes
• 12.9 The Film Society of Lincoln Center
• 12.10 Premios Jussi
• 12.11 Kinema Junpo Premios
• 12.12 Premios Golden Laurel
• 12.13 Festival Internacional de Cine de Locarno
• 12.14 National Board of Review, EE.UU.
• 12.15 New York Film Critics Circle Awards - Cine de Nueva York Premios del Círculo
de Críticos
• 12.16 Festival Internacional de Cine de San Sebastián
• 12.17 Festival Internacional de Cine de Venecia
• 12.18 Paseo de la Fama de Hollywood
• 13 Véase también
• 14 Notas
• 15 Referencias
Primeros años
Alfred Hitchcock nació el 13 de agosto de 1899 en Leytonstone, un barrio ubicado en el municipio
londinense de Waltham Forest, cercano a la capital de Gran Bretaña. Fue el tercer y último hijo del
matrimonio de William Hitchcock (1862-1914) y Ellen Kathleen (1863-1942), dos comerciantes de
clase media de rigurosa educación católica.10
Su estricta educación hizo que el pequeño Alfred fuera un niño tímido y apocado, elementos de su
personalidad que lo acompañarían durante toda su vida. En 1906, la familia debió trasladarse desde
Leytonstone a Stepney, en donde Hitchcock concurre al colegio jesuita de San Ignacio; sin embargo,
debido a la muerte de su padre tuvo que abandonar el colegio en 1915 para comenzar a trabajar en la
Compañía telegráfica Henley. Hitchcock siempre fue un ávido admirador de Charles Dickens y Edgar
Allan Poe y un amante del cine, especialmente tras haber visto El nacimiento de una nación de David
Wark Griffith.
Entrada en el mundo del cine

En 1920 se dedicaba a hacer los rótulos de varias películas de cine mudo en la Famous Players Lasky.
Este trabajo ocasional provocó que, poco a poco, el joven Hitchcock comenzara a apasionarse por el
mundo del cine. Es así como empezó a trabajar como montador, director artístico y guionista en
películas de directores como Donald Crisp y Hugh Ford. En la Famous Players Lasky conoció a Alma
Reville, que trabajaba como montadora, y con la que se casaría en 1926. Alma fue ayudante de
dirección y guionista de varias películas de su marido.
En el lado profesional, Hitchcock estuvo tres años trabajando como ayudante de dirección de Graham
Cutts. En 1923, se le encargó el rodaje del corto Number 13 aunque la producción se detuvo y la
película quedó inacabada. De todas maneras, la posibilidad de acabar un largometraje apareció poco
después, ya que dirigió en Múnich, en 1925, su primera película completamente acabada: El jardín de
la alegría, una coproducción germano-británica que se haría muy popular. Poco después, el realizador
londinense dirigió la primera película de cine sonoro de Inglaterra: Blackmail, en 1929. Durante el
rodaje, recibió la visita sorpresiva de Isabel Bowes-Lyon, duquesa de York, quien sería la madre de la
actual monarca.
British International
Hitchcock, descontento de los guiones que le proponen, deja Gainsborough Pictures para firmar un
contrato con la British International Pictures (BIP).11 La primera película realizada para la compañía,
El ring (1927), una historia de triángulo amoroso sobre fondo de boxeo, encuentra los favores del
público. Sigue una comedia romántica, The Farmer's Wife (La esposa del granjero) (1928), en el
rodaje, Hitchcock tiene que reemplazar el director de fotografía, Jack Cox, enfermo. El año siguiente,
Hitchcock, que entonces vive con su esposa - y pronto con la pequeña Patricia - al 153 de Cromwell
Road, un chalet en las afueras al oeste de Londres, dirige sus últimas películas mudas: Champagne
(1928) y The Manxman (1929).
Las primeras películas sonoras
Chantaje: del mudo al sonoro

Hitchcock sabe que sus últimas películas no están a la altura de las esperanzas dejadas por The Lodger.
A pesar de un gran dominio técnico, a las ideas les falta genialidad. En 1929, el director rueda su
décimo largometraje, Blackmail (Chantaje / La muchacha de Londres), que adapta de una obra de
Charles Bennett, que se convertirá desde El hombre que sabía demasiado (1934) hasta Enviado
especial (1940), en uno de los guionistas habituales de Hitchcock, y que tendrá una influencia
determinante sobre la orientación de la obra hitchcockiana.
Aunque la película no está aún terminada, la BIP, entusiasmada por la idea de utilizar la revolución
técnica que constituye entonces la llegada del cine sonoro, decide hacer de Blackmail una de las
primeras películas sonoras nunca producidas en Gran Bretaña. Hitchcock se sirve del sonido como de
un elemento particular de la película, sobre todo en una escena donde se pone en evidencia la palabra
«knife» («cuchillo»), en una conversación a la que asiste el heroína. Culminando con una escena que
tiene lugar en la cúpula del British Museum, Blackmail es también la primera película en la que
Hitchcock utiliza como decorado de una escena de suspense un lugar famoso.Nota 1 Durante el rodaje
recibió la visita de la Duquesa de York Isabel Bowes-Lyon, futura madre de la reina Isabel II del Reino
Unido. Al estreno, la película tiene un éxito fenomenal, tanto de público como de crítica. La prensa está
encantada por la confrontación entre el deber y el amor y, más exactamente, del amor opuesto al deber.
En aquella época, Hitchcock funda, con Baker, un agregado de prensa, la Hitchcock-Baker Ltd., Una
pequeña estructura consagrada a su autopromoción.12
En esa época, Hitchcock dirige igualmente secuencias de Elstree Calling (1930), una revista musical
filmada, producida por la BIP, así como un cortometraje, An Elastic Affair (1930) que tiene como
protagonistas a dos premiados en la Film Weekly. Hitchcock también habría participado, modestamente,
en otra revista musical de la BIP, Harmony Heaven (1929), aunque su nombre no aparezca en los
créditos. Hitchcock dirige a continuación Juno and the Paycock (1930), adaptado sin gran brillo, sin
duda demasiado fielmente, de una obra del irlandés Sean O'Casey; se trata verosímilmente de un reflejo
de la voluntad de explotar la novedad de la llegada del sonoro. Rueda después, de 1930 a 1934,
Murder! (Asesinato) del cual realizará también una versión con actores alemanes, distribuida con el
título Mary - The Skin Game (Juego sucio), Rich and Strange (Ricos y extraños / Lo mejor es lo malo
conocido), Number Seventeen (Número diecisiete), así como una película musical, Waltz from Vienna
(Valses de Viena).
Michael Balcon: Gaumont British

En 1933, Hitchcock es contratado nuevamente por Balcon para la Gaumont British Picture
Corporation.13 Su primera película para la compañía ( The Man Who Knew Too Much, 1934), es un
éxito. Hitchcock rodará él mismo un remake en Estados Unidos. En cuanto a la segunda, (Los treinta y
nueve escalones, 1935), que servirá más tarde de modelo a Inocencia y juventud, Enviado especial,
Sabotage y Con la muerte en los talones, es normalmente citada como una de las mejores películas del
comienzo de la carrera del realizador. Las dos cintas tienen en común a Charles Bennett como guionista
principal.
Los treinta y nueve escalones es la primera película en la que Hitchcock recurre a un «MacGuffin»,
término que designa un elemento de la intriga en torno al cual parece girar toda la historia, pero que no
tiene en realidad ninguna relación con el significado de la misma o la manera como se acaba. A Los
treinta y nueve escalones,14 el «MacGuffin» es en este caso escondido en una serie de planos que
parecen haber sido eludidos.
La siguiente película del realizador, Sabotage en 1936, es la adaptación muy libre, por Charles Bennett
y Alma Reville, la esposa de Hitchcock, de una novela de Joseph Conrad. En 1937, Alfred Hitchcock,
acompañado de su mujer Alma y de su ayudante Juan Harrison, hace un primer viaje a Hollywood, en
Estados Unidos.15
Gainsborough, sin M. Balcon
Estatua de la cabeza de Alfred Hitchcock, en el antiguo lugar donde se encontraban los estudios
Gainsborough.
Con Sabotage termina de manera abrupta la segunda fase de fructífera colaboración con Michael
Balcon, en el momento en que los propietarios de la Gaumont British cerraron definitivamente el
negocio. Entonces Hitchcock rodará sus dos películas siguientes de nuevo por la Gainsborough
Pictures, pero sin su antiguo promotor. Inocencia y juventud (1937) constituye una variación sobre el
tema de la inocente injustamente perseguido, con un tono de comedia más pronunciado. El director
conoce otro éxito importante en 1938 con The Lady Vanishes,16 una película espiritual y de fuerte
ritmo en la que el tema es la desaparición de Miss Froyo, simpática vieja inglesa (May Whitty),
mientras viaja en un tren en un país ficticio llamado Vandrika, una alusión apenas velada a la Alemania
nazi.17 Aunque trata de un viaje, el rodaje tiene lugar exclusivamente en un pequeño estudio
londinense, y tiene el recurso, para dar la ilusión de desorientación, de maquetas y proyecciones en
segundo plano de los personajes.
En esta época Hitchcock hizo una reflexión poco halagadora, refiriéndose a los actores, y asimilándolos
al «ganado».18 La frase acompañaría entonces a Hitchcock durante años. Y hacia finales de los años
1930, sin embargo, el realizador goza de una cierta reputación con el público americano, está entonces
en Gran Bretaña, en la cumbre de su arte.
Así, David O. Selznick le propone ir a trabajar a Hollywood. Hitchcock acepta y, a partir de ese
momento, rodará casi todas sus películas en los Estados Unidos. El 14 de julio de 1938 firma un
contrato de 40 000 dólares por película. En 1939, rueda -provisionalmente- una última película en Gran
Bretaña, Jamaica Inn, un melodrama histórico. El 6 de marzo de 1939, él y su familia llegan a Nueva
York y luego se instalan en Los Ángeles.
Hollywood llama a Hitchcock
Alfred Hitchcock en 1956.
Comienzos con David O. Selznick

El 22 de agosto de 1937 visitó con su familia Nueva York para entrevistarse con David O. Selznick,
productor de Lo que el viento se llevó, quien lo contrató el 14 de julio de 1938. Las condiciones del
productor convencieron a Hitchcock y se trasladó junto a su familia a Estados Unidos en 1939.
Rápidamente, Hitchcock quedará impresionado por los superiores recursos de que disponían los
estudios americanos, en comparación con las restricciones financieras con las que se había encontrado
a menudo en Inglaterra. En septiembre de 1940, los Hitchcock compran Cornwall, un rancho de 200
acres (0,81 km ²) situado cerca de la pequeña ciudad de Scotts Valley, en las Montañas Santa Cruz, en
el norte de California. El rancho seguirá siendo su residencia principal hasta su muerte, a pesar de que
conservarán su casa de Bel Air.
El productor David O. Selznick.

Las condiciones de trabajo con Selznick no serán óptimas. Normalmente, el productor se encontraba en
dificultades financieras y a menudo, Hitchcock estará descontento con el control ejercitado por
Selznick sobre sus películas. Selznick «alabará» a Hitchcock a los grandes estudios (RKO, Universal,
20th Century Fox) antes de que producir él mismo las películas del director. Además, Selznick, como
Samuel Goldwyn, su colega productor independiente, sólo hacía algunas películas cada año, de modo
que no tenía siempre proyectos para proponer a Hitchcock. Goldwyn había negociado también con el
realizador para un contrato potencial, pero Selznick había subido y se lo había llevado. Más tarde, en
una entrevista, Hitchcock resumirá así su colaboración:
«[Selznick] era el gran Productor. [...] El productor era el rey. La cosa más halagadora que Mr.
Selznick nunca haya dicho de mí -y esto muestra el grado de control-... dijo que era el único
director al que confiaría una película.»
Nota 2
Rebeca
El primer trabajo que Selznick encargó a Hitchcock fue la adaptación de la novela de Daphne du
Maurier Rebeca (1940).
Mrs. Danvers (Judith Anderson), la criada desagradable, y la joven Mrs. De Winter (Joan Fontaine), en
Rebecca (1940)
Este melodrama gótico explora los miedos de una ilusionada y joven esposa (Joan Fontaine), que se
traslada a Gran Bretaña y debe luchar con un marido distante (Sir Laurence Olivier), un ama de llaves
demasiado posesiva (Judith Anderson) y la memoria de la fallecida primera esposa de su marido: la
bella y misteriosa Rebeca. El film obtuvo once nominaciones al premio Oscar. Pero John Ford se llevó
ese año el premio al mejor director por Las uvas de la ira, arrebatándoselo al británico, que jamás
ganaría una estatuilla, salvo el premio en memoria de Irving Thalberg, de carácter honorífico. Aparte de
esto, empezaron a surgir los primeros problemas entre Selznick y Hitchcock. Y es que el director
británico no podía soportar las restricciones fílmicas y artísticas del productor.
Tras numerosas revisiones del guión, el rodaje de la película arranca el 8 de septiembre de 1939, cinco
días después de la declaración de guerra de Inglaterra a Alemania y la vigilia del preestreno de Lo que
el viento se llevó. A Hitchcock le gusta trabajar solo, sin interferencias. Con Selznick, debe justificar su
elección y tomar en consideración las ideas y las observaciones del productor.19 En el curso de la
producción, surgen tensiones entre Hitchcock y Selznick en cuanto a la fidelidad de la obra literaria
adaptada, la elección y la dirección de los actores, y la importancia del montaje.20 En relación con el
primer punto, por ejemplo, Selznick, que desde hace tres años trabaja con Lo que el viento se llevó -la
película que lo hará famoso-, amante de la literatura, desea que las escenas y los diálogos enteros de
Rebecca sean fielmente reproducidos en la pantalla.19 Su enfoque es totalmente opuesto al de de
Hitchcock.19 Se queja por otra parte sobre el «maldito rompecabezas»21 de Hitchcock, que muestra
que, finalmente, no es él, el productor, quien tendrá la última palabra para crear una película a su
manera, sino que es obligado a seguir la visión de Hitchcock en relación con lo que debe parecerse al
producto terminado.22
Rebeca, cuento gótico, explora los miedos de una ingenua joven casada (la actriz Joan Fontaine) que se
instala en una gran casa de campo inglés, y debe luchar con un marido distante (Laurence Olivier), una
ama de llaves demasiado posesiva (Judith Anderson) y la memoria de la primera esposa muerta de su
marido: la bella y misteriosa Rebecca. En esta película, el realizador recurre a procedimientos que
serán característicos de sus obras posteriores más consumadas: un ritmo lento, una historia contada
según el punto de vista de un único personaje, la introducción al recorrido de un elemento que cambia
totalmente el sentido de la historia y la utilización de procedimientos visuales espectaculares reservada
a los momentos claves de la intriga.23
A pesar de su duración –más de 2 horas–Nota 3 –, es un triunfo, y recibe dos Oscars de trece
nominaciones: el de la Oscar a la mejor película, otorgado a Selznick,24 y el de la mejor fotografía,
otorgado al director de fotografía George Barnes. Hitchcock es nominado por el Óscar al mejor
director, pero será John Ford quien finalmente se llevará el premio por Las uvas de la ira, un premio
que Hitchcock no llegó a ganar nunca. Hitchcock siendo con cierta amargura que el premio a la mejor
película llegue a las manos de Selznick antes que a las suyas, y es sin duda el que la estimularía en su
voluntad de independencia.25 Durante la realización de la película se iniciaron las desavenencias entre
Selznick y Hitchcock, ya que este último no podía soportar las restricciones fílmicas y artísticas del
productor.
Enviado especial
Trailer de Enviado especial.

La segunda película americana de Hitchcock volvería a estar centrada en Europa. Foreign
Correspondent también fue nominada a mejor película. El film fue rodado en el primer año de la
Segunda Guerra Mundial y estaba inspirada en los rápidos cambios que experimentaba Europa en esos
momentos, descritos por el corresponsal de un diario norteamericano, Joel McCrea. El film mezcló
decorados construidos en Hollywood con escenas de la Europa real. Conforme a la censura del Código
de Producción de Hollywood, la película evitó referencias directas a Alemania y a los alemanes.26
Hitchcock, como muchos ingleses que viven en los Estados Unidos, está muy inquieto por su familia y
sus amigos que se han quedado en el país al comienzo de la Segunda Guerra Mundial.27 Los rinde
homenaje con la película Enviado especial, (1940), producida por Walter Wanger y basada en Personal
History, un libro de Vincent Sheean.19 28 la historia es la de un periodista, interpretado por Joel
McCrea, enviado a Europa para analizar la eventualidad de una nueva Guerra Mundial.
Imagen promocional de Enviado especial (1940)
La película, que mezcla escenas reales rodadas en Europa y otros filmadas en Hollywood, acaba con un
alegato a favor de la entrada en la guerra de los Estados Unidos, el filme mezcló decorados construidos
en Hollywood con escenas de la Europa real y, sin embargo, para cumplir con el código de censura
entonces en vigor en los Estados Unidos, la película evita las referencias directas a Alemania ya los
alemanes.29 Enviado especial será nominada para el Óscar de la mejor película, en competición con
Rebecca, que será la elegida.
RKO Pictures
A pesar de un interés moderado por los ecos de sociedad, Hitchcock y su mujer hacen amistad con
Clark Gable y su esposa Carole Lombard para quien acepta dirigir una comedia romántica con Robert
Montgomery: Matrimonio original (1941)27 30 La historia es la de una pareja camorrista, interpretada
por Lombard y Montgomery, que descubren que no están casados legalmente. Después de una
separación, acaban reconquistando a base de discusiones. El Red Book Magazine calificará la película
de la «comedia más hilarante y explosiva de 1942».
Tanto Matrimonio original como Sospecha (1941)31 son producidas por la RKO. Las dos películas de
Hitchcock salen el mismo año que Ciudadano Kane de Orson Welles, producida por la misma
compañía, la música de la que es firmada por Bernard Herrmann, un compositor que sería importante
para Hitchcock.
Hitchcock considerará Sospecha, adaptada de la novela Before the Fact de Anthony Berkeley Cox, la
historia de la que se desarrolla en su mayor parte en Inglaterra, como su segunda película inglesa
realizada en Hollywood tras Rebecca. Las escenas que representan la costa inglesa serán en realidad
rodadas en la costa septentrional de Santa Cruz en California.32 El guión es coescrito por neoyorquino
Samson Raphaelson, por Juan Harrison y por Alma Reville. En el reparto, se encuentra Joan Fontaine,
que tiene esta vez como compañero Cary Grant (también británico de origen). Se trata para el actor de
su primera aparición en una película de Hitchcock, y una de las raras películas de toda su carrera
personal donde encarna a un personaje bastante siniestro.32
Grant hace el papel de un hombre que, escondiendo su ociosidad en su encanto, logra seducir a una
joven de fortuna y de carácter más bien reservado (Fontaine). Se casan. Rápidamente, la joven se da
cuenta de que su marido es un irresponsable y se encuentra, al hilo de una serie de eventos, sumergida
en una terrible angustia. Termina sospechando que el hombre que ama es un asesino y que busca la
manera de deshacerse de ella. Según el director, el miedo y la angustia forman parte de los fantasmas
más corrientes del ser humano. La heroína se llega a imaginar su marido precipitando de un acantilado
a su amigo y socio y, después, a sospechar que un vaso de leche es envenenado, en una escena
típicamente hitchcockiana, donde se ve el personaje encarnado por Grant en la penumbra subir
lentamente la escalera que lleva a la cámara de su mujer, llevando en una bandeja un vaso de una
blancura asombrosa. Hitchcock explicará que, para esta secuencia, había hecho colocar una fuente
luminosa directamente en el vaso.Nota 4
En un primer montaje, la película respetaba el final del libro, y el personaje de Grant se revelaba ser
realmente un asesino, pero la RKO consideró que esto perjudicaría la imagen del actor. Aunque - como
lo reconocerá más tarde a François Truffaut, un homicidio le habría convenido más - Hitchcock acaba
aceptando dar a la historia un desenlace más feliz, aunque ambiguo.33
Por su papel en esta película, Joan Fontaine34 gana, los veinte y cuatro años, el Oscar a la mejor actriz
- el único de toda su carrera35 -, así como el premio de la crítica de Nueva York por su «destacable
actuación».31
Las primeras películas con Universal

A finales de 1941, después de haber rodado cuatro películas en dos años, Hitchcock se lanza a su
producción más personal y audaz hasta la fecha, Saboteur (Sabotaje),36 que recuerda Los treinta y
nueve escalones y anuncia ya Con la muerte en los talones. El 20 de agosto de 1941, fecha del final del
rodaje de Sospecha, Hitchcock se pone a trabajar, hasta el mes de octubre del mismo año, con el
guionista Peter Viertel; participa igualmente en el guión Dorothy Parker. Esta película marca la primera
colaboración de Hitchcock con la Universal Pictures.
La intriga comienza con un obrero de la aeronáutica acusado, equivocadamente, de haber cometido un
acto de sabotaje en su fábrica: un incendio que conllevó la muerte de su mejor amigo. Para probar su
inocencia, comienza una carrera-persecución encarnizada a través del país en busca del verdadero
saboteador. En el transcurso de su huida, conoce a una joven que, en principio desconfiada, le acabará
ayudando.
Para los papeles principales, Hitchcock deseaba poder disponer de Gary Cooper y Barbara Stanwyck
pero, como consecuencia del rechazo del estudio, serán contratados finalmente Robert Cummings y
Priscilla Lane. El director lamentará no haber podido trabajar, al menos en cuanto al papel masculino,
con un actor más conocido, con quien el público se hubiera identificado mejor.37
A menudo, se acusó al realizador de que no se interesara más por sus películas antes de comenzar el
rodaje pero, en realidad, Hitchcock, estaba continuamente en busca de la perfección, estaba siempre
listo para modificar cualquier elemento de su guión en función del ritmo del trabajo.38 Para Saboteur
experimenta nuevas técnicas con el decorador Robert F. Boyle. Rueda también dos versiones diferentes
de numerosas escenas, para tener la posibilidad de elegir en el momento del montaje. Hitchcock podía
llevar una mirada crítica sobre su propio trabajo. Al final de la película, el héroe persigue a un asesino
que se encuentra suspendido en la cima de la antorcha de la estatua de la Libertad.38 Según Hitchcock,
se trata de un error, y hubiera sido mejor que fuera el héroe que se encontrara en esta enojosa postura:
así la identificación del público con el personaje habría sido más fuerte.38 Estrenada en abril de 1942,
la película, sin embargo, tiene un gran éxito.
El 26 de septiembre de 1942 muere en Londres su madre a la edad de 79 años. Además, al año
siguiente, muere también su hermano William. Preocupado por su obesidad mórbida (pesaba 135
kilos), llegó a perder 40 kilos en pocos meses.
Joseph Cotten, los créditos de La sombra de una duda (1943), como el turbador y cínico tío Charlie.
Desde el final del rodaje de Secret Agent, Margaret McDonell, jefe del departamento literario de
Selznick, se pone en contacto con Hitchcock para proponerle nuevos proyectos. El realizador elige Tío
Charlie, una historia escrita por Gordon McDonell, marido de Margaret McDonell. Para escribir el
guión de lo que será La sombra de una duda, (1943),39 su segunda película con la Universal. LLama
en un principio a Thornton Wilder, que se dedica a esta tarea entre mayo y junio del año 1942. Antes de
terminar, sin embargo, el guionista decide de manera repentina alistarse a los servicios secretos del
ejército. Y desde entonces, la novelista Sally Benson y Alma Reville se encargan de terminar los
diálogos. El rodaje comienza el 10 de agosto del mismo año. Nuevamente, numerosos planos de
Shadow of a Doubt serán filmados en exteriores, esta vez en la ciudad de Santa Rosa, en el norte de
California.
Teresa Wright y Joseph Cotten a Shadow of a Doubt. Charlie y Charlie.

La sombra de una duda que, de entre todas sus películas, Hitchcock dirá que era una de sus
preferidas,Nota 5 Joseph Cotten interpreta Charlie Oakley, un hombre de pasado extremadamente
turbio, y manipulador. Sintiéndose acorralado por la justicia, decide refugiarse con su hermana que la
acoge con los brazos abiertos. La hija mayor de su hermana, Charlotte Newton (Teresa Wright),
llamada «Charlie» en referencia a su tío, es una chica dinámica y soñadora que se siente agobiada en su
pequeña ciudad y ve en su homónimo una especie de redentor. Sin embargo, Oakley es vigilado de
cerca por dos hombres misteriosos, lo que siembra la duda en el espíritu de Charlie/Charlotte, y la lleva
a sospechar que su salvador fantaseado es lo que es en realidad: un asesino de ancianas, venal y cínico.
A propósito de Charlie Oakley, Hitchcock dirá a François Truffaut: «Es un asesino idealista. Forma
parte de estos asesinos que sienten en ellos una misión de destrucción. Quizás las viudas merecían lo
que les ha pasado, pero no era su trabajo hacerlo. Un juicio moral aparece en la película, ya que Cotten
es destruido finalmente, incluso accidentalmente, por su sobrina. Y así podemos decir que todos los
malos no son negros y que todos los héroes no son blancos. Hay grises partes. El tío Charlie quería
mucho a su sobrina pero, sin embargo, no tanto como ella la quería. Pero lo ha tenido que destruir, ya
que no olvidemos que Oscar Wilde ha dicho: «Se mata lo que a uno le gusta.»»40
Sobre la película, hay críticos que han dicho que la utilización por Hitchcock de personajes, de diálogos
y de primeros planos de doble sentido ofrecen una mina de interpretaciones psicoanalíticas potenciales
a toda una generación de teóricos del cine, entre los que Slavoj Žižek (director de una obra titulada
Todo lo que siempre quiso saber sobre Lacan sin atreverse nunca preguntarle a Hitchcock, aparecida
en 1988). El realizador presenta su propia fascinación por el crimen y los criminales en una escena
donde dos personajes tienen una discusión sobre las diferentes maneras de perpetrar un homicidio,
emocionante la joven Charlie. El realizador, durante el rodaje, se entera de la muerte de su madre, que
se había quedado en Londres. Algunos episodios de la niñez de Hitchcock en Leytonstone parecen
evocados en el filme:41 como Hitchcock, Charlie tiene una madre que se llama Emma; Oakley ha
tenido un accidente de bicicleta en su niñez; una chica llamada Ann lee Ivanhoe, libro que Hitchcock de
niño se sabía de memoria, y el personaje de Joseph - segundo nombre de Hitchcock-rechaza conducir
un coche.42 Sin embargo, según la propia hija del director, Patricia, sólo serían simples
coincidencias.43
20th Century Fox

Para la 20th Century Fox, Hitchcock realiza entonces su primera película abiertamente política,44
Lifeboat (Náufragos) (1944), una adaptación de uno de los guiones de John Steinbeck, crónica de las
experiencias vividas por los supervivientes del naufragio de un barco estadounidense hundido por un
submarino alemán45 y que intentan, sin brújula, llegar a las Bermudas a bordo de un bote salvavidas.
Uno de los pasajeros, uno de los únicos capaz de llevar la embarcación a buen puerto, sin embargo,
resulta ser alemán.
La película estudia qué hacen los hombres cuando no tienen nada más. Se puede tratar de una película
de propaganda, una nueva contribución al esfuerzo de la guerra. Las escenas de acción son rodadas a
bordo del bote y la estrechez del lugar crea una ligera preocupación en relación con el tradicional
cameo del director. El problema será resuelto por la aparición de Hitchcock en la foto de un diario que
el personaje interpretado por William Bendix lee el barco, una publicidad «antes y después» para un
producto adelgazante: reducción Obesity Slayer.46 Lifeboat recibirá una acogida crítica muy favorable
al principio, pero la critica bruscamente se repensará, gangrenada por la duda, ya que el tratamiento de
estas nueve individualidades, y sobre todo la del nazi, se toma algunas libertades intolerables en el
contexto de la época. La película es a pesar de todo nominada tres veces a los Oscars47 en las
categorías mejor director, mejor guión original (Steinbeck) y mejor fotografía (Glen MacWilliams), y
la actriz Tallulah Bankhead recibe el premio del New York Film Critics Circle a la mejor actriz.47
Mientras trabaja para la Fox, Hitchcock considera seriamente rodar una adaptación de la novela de A.
J. Cronin, The Keys of the Kingdom (Las Llaves del reino),48 sobre un sacerdote católico en China,
pero el proyecto se va a pique, y John M. Stahl, en 1944, terminará haciendo la película, producida por
Joseph L. Mankiewicz y con Gregory Peck como protagonista.49
Intermedio británico: propaganda / Shoah

De vuelta a Inglaterra para una estancia prolongada hasta principios del 1944, Hitchcock realiza dos
cortometrajes, de aproximadamente media hora cada uno, por el Ministerio de Información británica (
Ministry of Information), Bon Voyage < ref> Internet Movie Database (ed.). « Bon Voyage (1944)» (en
inglés). Consultado el 21 de septiembre de 2011. </ref> y Aventura malgache.50 Estos films - rodados
por las Fuerzas francesas libres - son los únicos de Hitchcock en francés y «presentan las teclas
típicamente hitchcockiana».51 El segundo, juzgado demasiado sensible, será prohibido en Francia.
Durante los años 1990, las dos películas serán difundidas por la cadena estadounidense Turner Classic
Movies y saldrán en vídeo.
En 1945, Hitchcock es contratado como «consejero artístico» ( treatment advisor, de hecho como
montador) para un documental producido por el Ejército británico y consagrado a la Shoah. Dirigido
por Sidney Bernstein, la película, una grabación de la liberación de los campos de concentración nazis,
quedará inédito hasta 1985; será entonces completado para la serie Frontline de la cadena
estadounidense PBS y difundido con el título Memory of the Camps.52 53
Inmediata posguerra
Últimas películas con Selznick
Hitchcock vuelve a Estados Unidos para rodar Spellbound (Recuerda), 1945,54 segunda película del
realizador, tras Rebecca, con Selznick como productor, y que explora el tema entonces en boga del
psicoanálisis y donde destaca la colaboración de Salvador Dalí, que diseñó y elaboró los decorados de
la escena del sueño. Los papeles principales son para Gregory Peck e Ingrid Bergman.
Cary Grant e Ingrid Bergman a Notorious, 1946).
Producida por la RKO, la película sería consecuencia de una transacción entre Selznick y el estudio
Peck encarna un personaje que se presenta en principio como el Dr. Anthony Edwardes, el nuevo
director de un asilo psiquiátrico. Se sospecha de inmediato que no es quien pretende ser. Afectado de
amnesia, luego acusado del homicidio del verdadero Edwardes, es ayudado en su búsqueda de
identidad por la joven Dra. Peterson (Bergman) quien, finalmente, le permitirá igualmente disculparse.
Una de las secuencias más famosas de la película, por otra parte con muchos diálogos, es la del sueño
surrealista creado por Salvador Dalí, una especie de jeroglífico que permitirá a la psicoanalista
dilucidar el misterioso pasado de su protegido.44 Juzgada demasiado perturbadora para el público, la
escena onírica tal como aparece hoy en la película es sensiblemente más corta que los minutos
previstos en un inicio. Una parte de la banda original compuesta para la película por Miklós Rózsa -
que se sirve sobre todo de un theremin - será más tarde adaptada por el compositor bajo la forma de un
concierto para piano La casa del doctor Edwardes, que será un gran éxito comercial.44 Con Notorious
(Encadenados / Tuyo es mi corazón) empezó a trabajar con Ingrid Bergman, la primera
rubia»hitchcockiana« por la que sentía fascinación, llegando a manifestar en una entrevista que prefería
protagonistas rubias porque las consideraba más misteriosas.
Cary Grant e Ingrid Bergman en Encadenados (1946).

En el libro-entrevista de François Truffaut, Hitchcock afirma que Selznick, para compensar el avance
de presupuesto del western Duelo al sol (1946), producido por él y dirigido por King Vidor, vende
entonces un «lote» a la sociedad RKO: Hitchcock, escenógrafo, Cary Grant e Ingrid Bergman, las dos
estrellas, así como un guión de Ben Hecht, todo por un importe de 500 000 dólares. Esta transacción
está en el origen de Notorious (1946).55 Bergman hay que interpretar el papel de una joven, hija de un
espía nazi alcoholizado que, al comienzo de la película, es seducida por un agente del gobierno
estadounidense (Grant), que de hecho tiene como misión servir de ella para espiar un llamado
Alexander Sebastian (Claude Rains), uno de sus antiguos amantes, amigo de su padre y que, refugiado
en Brasil, lleva actividades sospechosas.
Mientras trabaja en la escritura del guión con Ben Hecht, el realizador se pregunta qué «MacGuffin»
podrían realmente buscar los héroes de la película y escoge el uranio, pasado de contrabando en
botellas de vino por los espías y destinado a la fabricación de una bomba atómica. Fechaacceso
expertos que, para alejarlo de la verdad, intentan hacer creer que esta bomba está compuesta de agua
pesada y no de uranio;44 en cuanto a esto, el director habría consultado sobre todo Robert Andrews
Millikan, del Instituto Caltech. Juzgando el «MacGuffin» totalmente ridículo, el estudio se muestra más
bien reticente - el mismo Selznick, hasta la difusión de la noticia de los bombardeos atómicos de
Hiroshima y Nagasaki de agosto de 1945, consideraba el tema dentro el ámbito de la «ciencia
ficción».56 El realizador acaba conociendo el secreto de la fabricación de la bomba y, entonces, sabrá
que el FBI lo ha hecho seguir tres meses para descubrir de dónde sacaba esta información.44 Notorious
ganará un enorme éxito en box office y queda como una de las películas de más renombre por el
realizador, y considerada por Truffaut como la mejor película en blanco y negro de Hitchcock.44 The
Paradine Case57 (1947), un drama judicial, será la última película de Hitchcock producida por
Selznick.
Hastiado por la fortuna que el productor acumula -éste toca, en cada contrato, tanto como él-,
Hitchcock manifiesta poco interés por el proyecto.58 En la película, Alida Valli hace el papel de una
joven acusada de haber envenenado a su marido, un viejo rico y ciego. Su abogado (Gregory Peck)
acabará por sucumbir a su encanto glacial. La película será un desastre, tanto de público como de
crítica,58 que la juzgó pesada, pecando de una duración excesiva y de falta de ideas. Hitchcock se
negará a continuar su colaboración con Selznick, que sin embargo le había comunicado una gran
lección: en Hollywood, es el productor quien decide el final cut.58 Desde entonces, el realizador hace
intentos por autoproducirse.
Transatlantic Pictures
Farley Granger, James Stewart y John Dall, en La soga, 1948, La primera película de Hitchcock en
color pero, sobre todo, ejercicio de estilo y una proeza técnica.
En 1948, Hitchcock, en tándem con su amigo y compatriota Sidney Bernstein, crea Transatlantic
Pictures, una sociedad de producción con la que dirigirá dos películas. Para la primera, el realizador
elige adaptar la obra Rope's End de Patrick Hamilton, que se convertirá en la gran pantalla como La
soga (The Rope).59 Inspirada en el homicidio cometido en 1924 por Nathan Leopold y Richard Loeb,
renombrados en la película como Brandon Shaw y Philip Morgan.
La película empieza tras un plano mostrando la calle en contrapicado sobre el que desfilan los créditos
y sigue con el asesinato de un joven por cuentas pendientes de sus compañeros. Éstos preparan
entonces una cena a la que están invitados esa misma tarde en la escena del crimen, los padres de la
víctima, su novia y un antiguo pretendiente de ésta. Entre los invitados se encuentra igualmente un
profesor de los tres, Rupert Cadell, que, atento el comportamiento extraño de los jóvenes en el
transcurso de la tarde, comenzará una sospechar lo impensable. Los dos homicidas son interpretados
por John Dall y Farley Granger y en el papel del profesor, la Warner, Que distribuía la película, escogió
a James Stewart. Sería la primera de las cuatro películas que el actor rodaría con el director.59
Trailer de La soga
La soga es la primera película de Hitchcock rodada en color y constituye también un ejercicio de estilo.
Como lo había hecho algunos años antes en Náufragos,45 el director se propone un desafío de suspense
metódicamente ordenado en un espacio confinado. Experimenta igualmente con planos
excepcionalmente largos -la película tienen once en total, uno por bobina y algunos duran hasta diez
minutos. De una manera u otra, la cámara de Hitchcock consigue desplazar de manera fluida a través
del decorado la pesada y molesta cámara Technicolor y seguir la acción continua de los largos planos
secuencia.
Terminada el 21 de febrero, la película se estrena en Estados unidades en septiembre de 1948 con el
título de Alfred Hitchcock's Rope. Es la primera vez que su nombre aparece en un título, y Hitchcock
experimenta un gran orgullo. Las críticas, no obstante, son moderadas y el éxito de taquilla fue
templado. La película no tuvo problemas con la censura, aunque fuera prohibida en varias regiones de
los Estados Unidos, o bien con proyectada cortes (normalmente la escena del homicidio). El National
Board of Review la desaconsejó a los menores de veintiún años. En Europa, es prohibida en un
principio en Francia y Italia. Al final, La soga no tuvo el éxito resonante, pero los productores
recuperaron ampliamente su inversión.
El primer éxito de Transatlantic Fotos es contrapesado por el fracaso de Under Capricorn
(Atormentada) (1949),60 un drama histórico que tiene como escenario la Australia del siglo XIX.
Ingrid Bergman interpreta el papel de una joven que, gracias al amor, consigue eludir el alcohol y la
locura.
Como La soga, Hitchcock, en Atormentada recurre a los planos secuencias, pero sin embargo de un
modo menos insistente. La película es igualmente rodada en Technicolor, sin embargo, el realizador
preferirá, en sus tres películas siguientes, volver al blanco y negro. Es la película que el cineasta más
lamentará haber rodado. Marca la última colaboración de Hitchcock con la actriz Ingrid Bergman, y el
fracaso del filme -el más grande de toda la carrera del director61 - significa el fin de la efímera
sociedad Transanlantic. Hitchcock seguirá no obstante, produciendo sus propias películas hasta el final.
James Stewart y Grace Kelly en La ventana indiscreta (1954)

En 1948 Bergman dejó de actuar con Hitchcock con el fin de iniciar su colaboración con el también
director Roberto Rossellini. Esto supuso un golpe para un Hitchcock, que sin embargo no tardó en
recuperar la confianza, conociendo a la que acabaría convirtiéndose en su nueva musa, Grace Kelly.
Con ella, dirigirá La ventana indiscreta (1954), junto a James Stewart, Crimen perfecto (1954), junto a
Ray Milland, y Atrapa a un ladrón (1955), en compañía de Cary Grant.
El 3 de enero de 1949, el realizador firma con la Warner un contrato con el que se compromete a rodar
cuatro películas en seis años, por un salario estratosférico de 990 000 dólares.
La década de los 50: el Hitchcock más esplendoroso

Al principio de los años 1950, Lew Wasserman, entonces al frente de MCA, tendrá una influencia
importante en la futura imagen y promoción de las películas del realizador. MCA tiene además como
clientes James Stewart y Janet Leigh, dos de los actores que aparecerán en películas de Hitchcock.
Las películas realizadas y producidas por Hitchcock a partir de 1954 y Crimen perfecto son en general
consideradas como sus principales obras maestras (este periodo fastuoso se extenderá hasta el
comienzo del decenio siguiente, hasta Los pájaros, en 1963).
Marlene Dietrich en Pánico en la escena (1951)
En 1950, Hitchcock vuelve a Gran Bretaña para dirigir Pánico en la escena.62 Por primera vez,
Hitchcock trabaja con Jane Wyman, una de las principales estrellas de la Warner Bros y con la sensual
actriz alemana Marlene Dietrich. Forman parte del reparto algunos actores británicos de primer orden,
como por ejemplo Michael Wilding, Richard Todd y Alastair Sim. Es la primera película del realizador
producida por la Warner, que antes ya había distribuido La soga59 y Atormentada,63 la sociedad
Transatlantic debe hacer entonces frente a dificultades financieras.64
Pánico en la escena recuerda a las películas precedentes del realizador, como Los 39 escalones (1935),
Inocencia y juventud (1937) y Saboteur (1942). Jonathan Cooper (Todd), un hombre enamorado de una
actriz y cantante (Dietrich), es sospechoso de ser el homicida de su marido; su amiga Eve (Wyman)
intenta ayudarlo. Sin embargo, el cineasta se entrega dentro de una nueva experiencia: la película
empieza con un flashback que, finalmente, resultará ser engañoso. La película no es un éxito, y
Hitchcock lo explicará en el hecho de que, a causa de este procedimiento narrativo poco ortodoxo, el
público se habría sentido engañado.
Al comienzo del año 1950, Hitchcock descubre con entusiasmo la primera novela de Patricia
Highsmith:Strangers on a Train, de quien compra los derechos el 20 de abril, por un importe de 75 000
dólares.65 El realizador trabaja con la sinopsis con Whitfield Cook en junio. Para la escritura de los
diálogos, Hitchcock se pone en contacto en un principio con Dashiell Hammett, pero Raymond
Chandler, sugerido por la Warner, será quien se encargue del trabajo. Sin embargo este no llegará hasta
el final, debido a desacuerdos entre escritor y director.66 Hitchcock explicará más tarde: «Recuerdo
que para Extraños en un tren, no encontraba nadie que quisiera colaborar conmigo. Todo el mundo
pensaba que mi primer lanzamiento era a la vez tan plano y tan cerca de los hechos que no se
encontraba la menor calidad. En realidad, toda la película estaba ahí, visualmente».67
Farley Granger, cómplice de asesinato a The Rope, es el «joven respetable», víctima de la suerte, en
Extraños en un tren ( Strangers on a Train, 1951)
Robert Walker en Extraños en un tren. El «malo». Un papel inusual
En Extraños en un tren,68 Hitchcock combina numerosos elementos de sus precedentes películas. Dos
hombres se encuentran por casualidad en un tren y evocan la idea de deshacerse de él cada uno de la
persona que le plantea problemas. Mientras que para el primero, un campeón de tenis (en el libro, el
personaje es un arquitecto), no se trata más que de una broma, el segundo toma la historia del todo en
serio. Con Farley Granger retomando algunos elementos de su papel de The Rope, el realizador, en
Extraños en un tren, se sigue interesando por las posibilidades narrativas de los temas del chantaje y
del homicidio. Robert Walker, que hasta aquí sólo había interpretado papeles de joven «de buena
familia», encarna aquí el «malo».69
Su interpretación de demente inquietante, demasiado vinculado a su madre, anuncia que Anthony
Perkins a Psicosis; desgraciadamente, Walker morirá algunos meses después del estreno de la película.
Hitchcock confía por otra parte uno de los papeles secundarios en Patricia, «Pat», su propia hija,
entonces con veintidós dos años y que ya había interpretado un pequeño papel en Pánico en la escena:
en Extraños en un tren, encarna Barbara, «Babs», una víctima, no directa sino en la demencia mortífera
de Bruno, el personaje interpretado por Walker.
Estrenada en marzo de 1951, Extraños en un tren, a pesar de algunas quejas de personas indignadas por
sus connotaciones sexuales y su homicidio explícito, tiene un gran éxito. Hitchcock, tras el fracaso de
la aventura Transatlantic, ha encontrado la confianza del público y de los estudios.67
Desde los años 1930, la idea de adaptar un pieza llamada las Nuestras dos conciencias, un drama
católico escrito en 1902 por Paul Anthelme (seudónimo de Paul Bourde), no para de dar vueltas en la
cabeza de Hitchcock; más de una decena de años más tarde, tiene finalmente la oportunidad de llevar a
cabo este proyecto.70 La historia es la de un sacerdote, cuya conciencia le fuerza a asumir la
culpabilidad de un crimen perpetrado por otro, un tema bastante delicado. Poco a poco, es concreta el
proyecto de lo que será Yo confieso.
Montgomery Clift a Yo confieso (1953)

Por el contexto católico de la historia, se excluye el rodaje en Estados Unidos. La acción, entonces, se
sitúa en Quebec donde, después de haber escrito un primer esbozo, el director y su esposa en la
localización. El realizador vacila en cuanto a la elección del guionista definitivo, hasta que Alma le
sugiere contratar William Archibald, que había hecho pruebas en Broadway; George Tabori participa
igualmente en el guión. Montgomery Clift y Anne Baxter interpretarán los dos papeles principales.
Yo confieso se estrena a la mitad de febrero de 1953. La película es recibida tímidamente, tanto por la
crítica como por el público. Entonces, Hitchcock explicará a François Truffaut:
«La idea de base no es aceptable para el público. Nosotros los católicos sabemos que un
sacerdote no puede revelar un secreto de la confesión, pero los protestantes, los ateos, los
agnósticos piensan: "Es ridículo callarse; ningún hombre sacrificaría su vida para algo así.«»
Hitchcock que, sin duda por comodidad, juzgará siempre sus películas según la acogida del público,
llegará a declarar que Yo confieso fue un "error".
Grace Kelly, la rubia típicamente hitchcockiana, en Crimen perfecto (1954). Siempre ávido de
innovaciones técnicas, Hitchcock experimentará en esta película un procedimiento de cine en relieve
Siguen tres películas muy populares, con Grace Kelly como protagonista, que se convertiría en el
arquetipo de «la rubia hitchcockiana».
En 1953, Hitchcock había firmado un contrato de cuatro años con la Warner, y le queda una película
para rodar. Durante un tiempo, trabaja para la adaptación de una novela de David Duncan, The
Bramble Bush, pero acaba renunciando. El realizador descubre entonces que el estudio ha comprado los
derechos de una obra de éxito de Broadway, Dial M for Murder, de Frederick Knott.
Crimen perfecto marca el retorno de Hitchcock al Technicolor, pero experimenta también un
procedimiento de moda en aquel tiempo, el cine en 3D, en relieve estereoscópico y proyección en luz
polarizada obligando la utilización de gafas adaptadas. La película no será sin embargo explotada en
este formato en su estreno; será proyectada en 3D a comienzos de los años 1980. Hitchcock piensa un
momento confiar los papeles del marido y de la esposa en Cary Grant y Olivia de Havilland, pero
choca con el rechazo de los estudios. El director llama pues a una joven actriz que sólo había rodado
tres películas hasta entonces: Grace Kelly.
Convertiría, además de una gran amiga, su actriz favorita. En Crimen perfecto, el papel del "malo",
muy diferente del Bruno de Extraños en un tren, es interpretado por Ray Milland. Es un dandi venal y
calculador, ex jugador de tenis profesional (actividad ejercitada por el héroe/víctima de Extraños en un
tren), que construye un plan maquiavélico para deshacerse de su mujer infiel (Kelly) y heredar su
fortuna. Pero es ella quien, para defenderse, mata al hombre contratado para efectuar el macabro
trabajo. El marido manipula entonces las pruebas de que su esposa sea acusada de haber asesinado el
secuaz. El amante, Mark Halliday (Robert Cummings), y el inspector de policía Hubbard (John
Williams) deben actuar rápidamente para salvar la joven de la pena capital.71 Hitchcock tira
astutamente los resortes de la obra y, a su estreno, Crimen perfecto es apodado como un "gran"
Hitchcock.
En el rodaje de Crimen perfecto, Lew Wasserman, el agente de Hitchcock, firma con la Paramount un
contrato de nueve películas, la primera de las cuales debe ser la adaptación de una novela de Cornell
Woolrich - seudónimo de William Irish -, titulada It Had to be a Murder, la cual se llevaría a la pantalla
bajo el título La ventana indiscreta (1954).72 Para escribir el guión, Hitchcock llama a John Michael
Hayes, un antiguo periodista, que colaborará igualmente en la escritura de sus tres películas siguientes.
James Stewart en La ventana indiscreta
La ventana indiscreta. La vista

Apresurado por sus acreedores y por Wasserman, Hitchcock acepta en 1955 poner su nombre y su
imagen a una serie de televisión titulada en principio Alfred Hitchcock Presents (1955/62) por un
salario de 129 000 dólares por episodio de 30 minutos. Es una serie en la que él mismo presentaba unas
historias cortas en la línea de sus películas.
La ventana indiscreta tiene como protagonistas James Stewart y nuevamente Grace Kelly, los papeles
secundarios son para Thelma Ritter y Raymond Burr. La historia ocurre en Nueva York. Un fotógrafo
(Stewart, un personaje basado en Robert Capa), a causa de un accidente se encuentra enyesado y en
silla de ruedas, está obsesionado por la observación de los habitantes de un inmueble separado de su
por un patín. Poco a poco, comienza a sospechar de uno de estos vecinos (Burr) de haber matado a su
esposa y, desde entonces, intenta compartir sus temores vez con su amiga modelo (Kelly) y un policía
de sus amigos (Wendell Corey). Terminará consiguiéndolo.73 Como Lifeboat45 y en The Rope,59 la
película es casi rodada completamente en un espacio reducido, el minúsculo piso del fotógrafo, que sin
embargo domina una decorado impresionante, constituido por un jardín y el inmueble de enfrente.
Hitchcock se sirve de primeros planos de la cara de Stewart para mostrar las reacciones del personaje al
espectador, desde el divertido voyeurismo en escenas en apariencia anodinas, hasta su terror impotente,
cuando ve su promesa, que se ha introducido en el piso sospechoso, amenazada por la llegada,
repentina e inesperada, del presunto asesino.73 Al estreno, la película tiene un gran éxito y obtiene
cuatro nominaciones a los oscars, entre ellos el del mejor director. Sin embargo no recibe ninguna.
Grace Kelly con el actor Cary Grant en su tercer y último papel en una película de Hitchcock, To Catch
a Thief (1955), una película considerada como «ligera» por el realizador.
La ventana indiscreta no se había estrenado todavía y Hitchcock ya estaba ocupado en otro proyecto.
La Paramount le propone realizar la adaptación de To Catch a Thief, una novela de David Dodge. Muy
satisfecho de Hayes como guionista, el realizador lo contrata de nuevo. Hayes, sin embargo, no conoce
en absoluto el sur de Francia, situación que el director soluciona enseguida:
«Cuando se enteró de que nunca había ido al sur de Francia, lo arregló para que mi mujer me
acompañara, a cuenta de los gastos del estudio, a fin de efectuar localizaciones. Este viaje fue
naturalmente bienvenido y, a mi regreso, sabía exactamente qué hacer con la novela.»A finales de
abril de 1954, el guión está listo, y el rodaje comienza a principios del mes de mayo.
La tercera y última película de Hitchcock con Grace Kelly, Atrapa a un ladrón, es una comedia
policíaca que tiene como decorados la Riviera francesa y acompaña a la actriz Cary Grant. John
Williams forma parte de nuevo del reparto, junto, a los franceses Brigitte Auber y Charles Vanel (que
no habla una palabra de inglés ). Grant hace el papel de John Robie, llamado «el Gato», famoso
atracador «jubilado», pero que se convierte en el principal sospechoso de una serie de robos cometidos
en la Riviera. Una heredera americana (Kelly) rompe el misterio de su verdadera identidad, prueba de
seducirlo con sus propias joyas, y se propone incluso de ayudarle en sus proyectos criminales.
El estreno tiene lugar en Nueva York, el 15 de agosto de 1955. Según el director, To Catch a Thief es
una «película ligera». Es la constatación que hace la crítica en su conjunto, sin embargo, subraya
también los puntos fuertes y los encantos de esta obra. En cuanto al público, se muestra muy satisfecho.
«A pesar de la diferencia de edad evidente entre Grant y Kelly y una intriga más bien ligera, el guión
lleno de ingenio (y trufado de dobles sentidos) y la buena interpretación de los actores, finalmente,
garantiza a la película un éxito comercial.»74 Se trata de la última colaboración entre Hitchcock y
Grace Kelly, debido al matrimonio de ésta con el Príncipe Rainiero de Mónaco, en 1956, un estatus que
le obligaba a terminar su carrera de actriz.
En 1955 marca igualmente el comienzo de Hitchcock en la televisión americana, con una serie de
historias más o menos macabras producidas por la CBS y que llevarán su nombre: Alfred Hitchcock
Presents. Hitchcock realizará él mismo, entre el año de creación y en 1962, un total de veinte episodios
de la serie. De 1962 a 1965, la serie tomará el título de Suspicion.
The Trouble with Harry (1955). Una comedia macabra, «a la inglesa». Una película inesperada de parte
del realizador.
El director no abandona sin embargo, su carrera en el cine. En 1950, había leído la novela de Jack
Trevor Story, The Trouble with Harry. Antes de rodar To Catch a Thief, pide a Hayes que trabaje para
su adaptación. Compran los derechos por 11 000 dólares, a pesar del hecho de que, cuatro años antes, el
comité de lectura de la Paramount hubiera emitido una opinión desfavorable en relación con la novela,
juzgando su humor demasiado frágil, un poco extraña, y con personajes que se parecen un poco a
extraterrestres.
The Trouble with Harry (Pero... ¿quién mató a Harry?) sigue el recorrido de un cadáver que encuentra
primero un chico. Éste corre a buscar a su madre. En el mismo momento, un viejo cazador descubre el
cuerpo y piensa que lo ha matado. Sucesivamente, otros personajes, relacionador a la muerte, se
imaginarán tener algo que ver con su estado, por diversos motivos, el cadáver es enterrado y es
desenterrado varias veces. Ocupado en el rodaje de To Catch a Thief, Hitchcock no se puede ocupar de
la distribución. Herbert Coleman, su productor asociado, se hace cargo entonces, así que son elegidos,
por los dos papeles principales Shirley MacLaine, que sería la primera aparición en la gran pantalla, y
John Forsythe. El rodaje se efectúa en parte en decorados naturales en Vermont, y en parte en estudios
en Hollywood. Harry marca por otra parte la primera colaboración del compositor Bernard Herrmann
con una película de Hitchcock. Hitchcock revelaría a François Truffaut:
«He rodado esta película para probar que el público americano podía apreciar el humor inglés y
no ha funcionado demasiado mal.»
Cuando la película se estrena, el realizador ya está ocupado en rodar la siguiente, que atrae toda su
atención. La Paramount no sabe muy bien qué hacer, de Harry, renunciando incluso a promoverla.
Desde entonces, los Estados Unidos, la película interesa medianamente al público. En Europa, por el
contrario, es muy bien acogida, sobre todo en Gran Bretaña y en Francia, donde recibe críticas muy
positivas y se quedará, incluso, seis meses en cartel. El humor macabro de The Trouble with Harry se
encuentra en la televisión en las presentaciones y las conclusiones-dadas por el maestro en persona- de
cada episodio de su serie Alfred Hitchcock Presents.
La versión de 1956 de El hombre que sabía demasiado. Entre los dos platillos, el compositor Bernard
Herrmann dirigiendo la Orquesta Sinfónica de Londres
A finales de 1954, Hitchcock acaba de finalizar su cuarta realización en diecisiete meses. Sin embargo,
para él está fuera de cuestión hacer una pausa. Piensa entonces en uno de sus éxitos del periodo
británico, The Man Who Knew Too Much (1934) que, en 1941 ya había considerado realizar una nueva
versión, cuando estaba con Selznick.75 Finalmente, por primera y última vez en su carrera, se decide a
rodar un remake de su propia película.
Para escribir el remake de El hombre que sabía demasiado,76 Hitchcock dirige una vez más a Hayes.
El director, que pide al guionista que no visione el original, le explica simplemente la historia: un espía
es asesinado y confía a un doctor en medicina, que ha conocido el día antes, que se prepara un atentado,
el médico y su mujer se encuentran entonces embarcados en un complot internacional y están obligados
a callar para salvar a su hijo tomado como rehén. Hitchcock ofrece el papel principal a James Stewart,
que ya es la tercera colaboración con el realizador, tras La soga y La ventana indiscreta; respecto al
papel de la esposa y antigua cantante en la película, se le confía a Doris Day, que el cineasta había
localizado algunos años antes en Storm Warning.77 La película es rodada en Londres y Marrakech.77
Para la música, llama de nuevo a Herrmann; se podrá verlo dirigir la Orquesta Sinfónica de Londres en
la agotadora escena final, en el Royal Albert Hall. Los últimos planos son rodados en los estudios
Paramount en julio de 1955. La película resultará ser la más rentable del año 1956. La canción Que
Sera, Sera (Whatever Will Be, Will Be), escrita por Jay Livingston y Ray Evans, será premiada con la
Oscar a la mejor canción original78 y será un gran éxito de Doris Day. Sobre la segunda versión de El
hombre que sabía demasiado, Hitchcock dirá más tarde:
«Digamos que la primera versión es la obra de un aficionado de talento y la segunda, la de un
profesional.»77
Secuencia de introducción de The Wrong Man (1957). Alfred Hitchcock presenta su película en off
79 The Wrong Man (Falso culpable) (1956) será la última película dirigida por Hitchcock para la
Warner..
Rodado en blanco y negro, The Wrong Man no es una película de suspense sino un drama, basado en
una historia verdadera, un error judicial explicado por la revista Life en 1953. El asunto es tratado de
una manera realista, casi documental. Henry Fonda interpreta un músico del Stork Club, en Nueva
York, que lo toman equivocadamente por el autor de varios atracos cometidos en la misma compañía de
seguros. Es detenido por este crimen del que es inocente. Su mujer (Vera Miles, que hace la primera
aparición en una película del director), la empuja a probar su inocencia antes de tener lugar el proceso,
pero no puede resistir al estrés de la situación y, de una manera que parece irremediable, se hunde en la
depresión. El realizador otorga a Falso culpable un lugar particular, sustituyendo a su habitual cameo
por una introducción hecha por él mismo en off al comienzo de la película:
«Os habla Alfred Hitchcock. En el pasado, os he dado numerosas clases de películas de suspense,
pero esta vez, quisiera que vieran algo diferente. La diferencia radica en el hecho de que es una
historia verdadera, de la que cada palabra es verídica. Sin embargo, contiene elementos más
extraños que toda la ficción que figura en un buen número de películas de suspense que he hecho
antes.»
Como La ley del silencio, otra película "seria" del director, es evocado el catolicismo: algunos planes se
entretienen con el rosario de falsos culpables, y el verdadero culpable es descubierto como resultado de
una oración del falso culpable ante la imagen del Cristo. La película recibe una acogida del público
poco entusiasta. Así, Hitchcock explicará a Truffaut que había sido empujado a hacer esta película por
el miedo que había experimentado siempre con la policía, y de la que se encuentran rastros en
numerosas escenas»,80 sobre todo aquella donde el personaje interpretado por Fonda explica a su hijo
la experiencia que ha sufrido y que es similar, invirtiendo los papeles, a un episodio traumatizante que
habría vivido el director durante su niñez.
James Stewart, de nuevo, a Vértigo, de entre los muertos (1958). La escena de introducción
Escena de la película Vértigo (De entre los muertos)

Algunos años antes, Hitchcock había interesado por la novela Celle quien n'était plus de los franceses
Pierre Boileau y Thomas Narcejac, pero el libro se le había escapado y, finalmente, fue Henri-Georges
Clouzot quien la adaptó bajo el título Las Diaboliques, y fue estrenada en 1955. Tras The Wrong Man,
Hitchcock piensa en rodar la adaptación de Vértigo, de entre los muertos, otra obra del tándem.
Para escribir el que será Vértigo, de entre los muertos ( Vértigo, 1958),81 recurre, antes de mostrarse
satisfecho del guión, a no menos de tres autores. El último, Samuel Taylor, reconocería más tarde que
había trabajado sin leer ni el primer guión ni la novela original, pero limitándose a seguir las
indicaciones del director, para concentrarse en el personaje principal. El realizador contrata como
estrella masculina James Stewart. Para interpretar la obsesiva mujer joven, Hitchcock desea en
principio contratar Vera Miles - había resultado excelente la interpretación a su película precedente-,
pero estando embarazada, y se ve forzada a renunciar. Entonces, el estudio le encuentra una sustituta en
Kim Novak, que hará aquí uno de sus mejores papeles.
Aunque está centrado en un homicidio, Vértigo, de entre los muertos no es propiamente una película
policíaca, sino, según las propias palabras del realizador, «una historia de amor de clima extraño».
Stewart es «Scottie", un antiguo investigador de la policía que sufre acrofobia que progresivamente se
obsesiona con una misteriosa joven (Novak). El vértigo invencible y la obsesión de Scottie desembocan
en una tragedia. Entonces, encuentra otra joven que se parece sorprendentemente a la desaparecida. La
película se decide sin happy end. El estreno tiene lugar en España, en el Festival de San Sebastián,82
83 donde Hitchcock gana la Concha de Plata. Aunque actualmente sea considerado un clásico, Vértigo,
de entre los muertos enfrenta sin embargo, en su estreno, a críticas negativas ya una acogida reservada
por parte del público; marca la última colaboración entre James Stewart y el director.80 La película, sin
embargo, hoy es considerada por muchos como una de las mejores películas del realizador, y se
encuentra sobre todo en en grupo que encabeza la clasificación Sight & Sound de las mejores películas
del decenio; constituirá por otra parte, con Psicosis, uno de los puntos de referencia privilegiados para
Brian De Palma para la su relectura cinematográfica de la obra hitchcockiana, en los años 1970-1980.
En 1958, Hitchcock descubre que su mujer, Alma, es afectada de un cáncer de mama. Así aparece el
año siguiente a Tactic, una emisión de televisión consagrada a la prevención de este tipo de cáncer.
Alma se curará gracias a un tratamiento experimental.84 También en 1958 recibe varios premios: el
Globo de Oro a la mejor serie de televisión.
Cary Grant y Eva Marie Saint en Con la muerte en los talones (1959)
Hitchcock, después, filmó a numerosas regiones de los Estados Unidos.85 A Vértigo, de entre los
muertos81 siguen tres otras películas de éxito, todas reconocidas como formando parte de sus mejores
largometrajes: Con la muerte ( North by Northwest , 1959),86 Psicosis (Psycho, 1960)87 y Los pájaros
(The Birds, 1963).88 El primer retoma el tema del «Señor Nadie» tomado en un engranaje,
injustamente perseguido, y obligado tanto si como no a disculparse.
Escena de la película Con la muerte en los talones (1959)
Trailer de Con la muerte en los talones
El Monte Rushmore, o más bien su maqueta, decorado de la escena final de Con la muerte en los
talones
En Con la muerte en los talones, Cary Grant hace el papel de Roger Thornhill, un publicitario de
Madison Avenue que nunca había tenido razones más que con su madre excéntrica, y que, por un
cúmulo de circunstancias, se encuentra repentinamente como blanco de una misteriosa organización.
Conoce una rubia seductora, Eve Kendall (Eva Marie Saint), que le seduce antes de hacerle caer en una
trampa. La escritura del guión original es confiada a Ernest Lehman. Para la escena final, Hitchcock
tiene la idea de utilizar como marco el Monte Rushmore, un lugar sin embargo protegido. El 17 de
septiembre de 1958, obtiene finalmente la autorización del Ministerio del Interior de los Estados
Unidos para servirse de maquetas de las famosas esculturas que representan la cara de cuatro
presidentes.89 Los créditos de la película (ámbito en el que Hitchcock había iniciado en el cine), como
los de Vértigo, de entre los muertos, es debido a grafista Saul Bass y a Bernard Herrmann, que desde
Harry se ha convertido en el compositor habitual de Hitchcock, firma aquí la que será una de sus más
célebres partituras.
Psicosis y Los pájaros, las obras maestras de los 60

En la década de los 60 comienza con dos películas generalmente consideradas como obras de arte del
director, Psicosis (1960), protagonizada por Anthony Perkins y Janet Leigh, uno de los principales
éxitos comerciales de su carrera, la cual contenía una de las escenas más impactantes de la historia del
séptimo arte: el asesinato de su protagonista en la mitad de la película, Janet Leigh, en la ducha, y Los
pájaros (1963), protagonizada por Tippi Hedren y Rod Taylor. Las películas que seguirán serán menos
personales, y quizás también menos ambiciosas. La edad se empieza a hacer sentir, el cine está en crisis
debido a la llegada de la televisión a los hogares, y Hitchcock ha perdido dos de sus más cercanos
colaboradores: Bernard Herrmann, el compositor, y Robert Burks, el director de fotografía. Las
películas realizadas después de Marnie (1964) no tendrán la misma dimensión que las de la «edad de
oro» del realizador.
La casa de Norman Bates en Psicosis (1960) - foto sacada en 2006 en los estudios Universal.
Mientras lee el apartado «Libros» del New York Times, Hitchcock se encuentra con una excelente
crítica de Psicosis, un libro de Robert Bloch, basado en la historia de Ed Gein, un asesino en serie.
Compra la novela, y anuncia a su secretaria: «Tengo nuestro próximo tema».90 Lo que motiva también
y sobre todo el cineasta, es el desafío de realizar una película tan eficaz como posible con pocos
medios. Dado que muchas malas películas en blanco y negro y poco costosas resultaban un éxito al box
office, se pregunta qué pasaría con una película rodada en las mismas condiciones, pero realizada con
cuidado.25 Producida con un presupuesto en efecto muy limitado - 800 000 dólares -, Psicosis fue
rodada con el equipo de televisión de Alfred Hitchcock Presents en un terreno abandonado de los
estudios Universal.91
Para escribir Psicosis, que se convertiría en una de las obras maestras de la filmografía del realizador,
considerado por algunos la mejor,92 Hitchcock recupera a Joseph Stefano, un guionista principiante.
Todo comienza con el robo de una cierta suma de dinero por la empleada de una compañía de seguros,
Marion Crane (Janet Leigh) que, atrapada en una difícil historia de amor, da un golpe. Huye con su
coche, que cambia, después de haber sido detenida por un policía, por un coche de ocasión.
Sorprendida por una tormenta, decide pasar la noche en un motel, donde los clientes parecen haber
desaparecido, y donde conoce al propietario, Norman Bates (Anthony Perkins), un simpático joven
pero de reacciones un poco extrañas y que vive con su madre, posesiva en extremo, en una vieja casa
situada cerca. Su conversación con Norman convence a Marion para restituir el dinero escondido.
Mientras se está duchando, la joven es asesinada brutalmente. Una vez comprobada la desaparición del
dinero y de la joven, un detective privado (Martin Balsam) y la hermana de Marion (Vera Miles) van en
su búsqueda. Patricia Hitchcock, hija del realizador, tiene aquí un pequeño papel. Para la película,
Bernard Herrmann firma de nuevo una música muy inspirada, casando las imágenes (sobre todo las
cuchilladas) y anticipando de maravilla las emociones del espectador. Para la promoción de la película,
Hitchcock insiste en que, contrariamente a lo que antes era una costumbre, las taquillas de las salas no
dejen entrar a los espectadores una vez comenzada la película, lo que tiene como efecto promover la
curiosidad del público.
Alfred Hitchcock presentando la casa de Norman Bates en trailer original de Psicosis
En el estreno en Estados Unidos, la película es mal recibida por la crítica,93 de la que dicen que no está
a la altura de Falso culpable, Vértigo, de entre los muertos, Con la muerte en los talones, y otras
películas de Hitchcock.94 La razón probable de estas reacciones es que los periodistas no apreciaron la
película en el cine.95 El público, sin embargo, sí que respondió y la película conseguirá una
recaudación de 40 millones de dólares. Algunos espectadores, acostumbrados a ver un Alfred
Hitchcock divirtiéndose en la televisión se encuentran impactador por la violencia, del todo inesperada,
de la película. Hitchcock, forzado a explicarse, dirá en una entrevista que Psicosis no es «más que una
broma».96 . Al mismo tiempo, se alegra de este éxito. En Europa, la película es aclamada tanto por la
crítica como por el público.97 La violencia sin precedentes de la escena de la ducha, la desaparición
brutal de la heroína después de sólo algunas escenas, las vidas inocentes acortadas por un homicida
enfadado, todas características de ' Psicosis, serán copiadas en numerosas películas de terror.98
Después de haber terminado Psicosis, Hitchcock marcha a Universal, con quien rodará todas sus otras
películas.
La escuela de la película Los pájaros (1963). - Foto sacada en 2007 en Bodega (California)
Hitchcock tiene entonces dificultades para encontrar un nuevo tema.99 Comienza a trabajar con Joseph
Stefano sobre el guión de Marnie, película que tenía que marcar la vuelta a la pantalla de la actriz
fetiche del realizador, Grace Kelly:40 que a pesar de ser princesa de Mónaco, estaba dispuesta a
aceptarlo,100 pero al final, declinará la oferta.100 101 Decepcionado pero no desanimado, el
realizador, para su 49.ª largometraje en el cine, se decanta entonces por la adaptación de Pájaros, una
novela de Daphne du MaurierNota 6 publicada en 1952 en la revista femenina Good Housekeeping.
Piensa en principio hacer un episodio de Alfred Hitchcock Presents pero, después de haber oído que en
California una mujer había sido realmente atacada por pájaros, se decide, a pesar de las dificultades que
implica rodar con animales y sin duda en parte debido a éstas, a convertirlo en el argumento de su
próximo largometraje.102
Tráiler original de Los pájaros ( The Birds, 1963). El Apocalipsis según Hitchcock
A propósito de Los pájaros, el director declarará:
«Se podría decir que el tema de los Pájaros es el exceso de autosatisfacción que se observa en el
mundo: la gente es inconsciente de las catástrofes que nos amenazan».103
Stefano, que producía entonces la serie The Outer Limits, no estaba disponible, y Hitchcock, desde
entonces, busca otro guionista. Después de haber considerado varios candidatos potenciales, entre los
que se encuentran Ray Bradbury, el realizador se decanta por Evan Hunter (que sería famoso con el
seudónimo de Ed McBain), que acepta.104 El éxito de Psicosis, pese a la ausencia de grandes estrellas,
hace decidir Hitchcock adelante con Los pájaros.105 Para encarnar el papel principal, después de unas
cuantas pruebas con varias actrices, elige finalmente una desconocida, Tippi Hedren, que se añadirá
desde entonces con Ingrid Bergman y Grace Kelly al grupo cerrado de las «rubias hitchcockianas».106
Tendrá como compañeros Rod Taylor, Suzanne Pleshette y Jessica Tandy. La película comienza en una
tienda donde se venden pájaros y por el encuentro fortuito y un juego de seducción entre la hija de un
magnate de la prensa, Melanie Daniels (Hedren), y un abogado, Mitch Brenner (Taylor). Este último
quiere ofrecer a su joven hermana una pareja de inseparables (en inglés: lovebirds, literalmente
«pájaros de amor»). Después del episodio, y aunque el encuentro había ido bastante mal, Melanie,
impulsivamente, decide volver a ver al hombre que, de hecho, vio con su madre y su hermana en una
casa aislada en un pequeño islote de Bodega Bay, un lugar bastante alejado de su casa. Pronto, el lugar
se convierte en el blanco de ataques de aves de todas las especies, cuya causa no es explicada en la
película, «sin duda para subrayar el misterio de fuerzas desconocidas».107
El realizador dispone aquí de un presupuesto de 2 millones y medio de dólares, más holgado que el de
su película precedente,108 109 dinero que serán sobre todo dedicados a los efectos especiales, que son
objeto de un cuidado particular. Las secuencias que se ven pájaros atacando requerirán en efecto
centenares de presas, mezclando escenas reales y escenas de animación. El rodaje comienza el 5 de
marzo de 1962; todo ha sido meticulosamente previsto ya que a Hitchcock no le gustan los
exteriores,110 111 por las dificultades relativas al control, sobre todo de la luz y del ruido ambiente.112
Para la banda sonora, la música es reemplazada por efectos compuestos entre otras de la grabación de
gritos de pájaro y del batir de alas; Herrmann se encarga de supervisar la distribución en las diferentes
escenas. Con un gran presupuesto113 y una película que consideraba según propia confesión como «la
más importante», Hitchcock no puede decepcionar.
Los pájaros se presenta por primera vez en la apertura del Festival de Cannes 1963,114 fuera de la
selección oficial.115 Saliendo de la proyección, el público está en estado de shock: «No son algunos
palomas bonachones, ni el encanto de Tippi Hedren lo que atenuará la impresión de terror sentida en la
presentación de la película Los pájaros».116 En Estados Unidos, la película gana en total 11 403 559
de dólares,117 un resultado menos bueno que el previsto, pero con el que sin embargo se tranquiliza el
director. Los pájaros figurará en el 16 º lugar de las películas más vistas en 1963.113 Hoy en día, la
película es considerada como un clásico del cine de terror118 119
Psicosis y Los pájaros son particularmente destacables por su banda sonora no habitual, orquestada en
ambos casos por Bernard Herrmann. Las cuerdas estridentes interpretadas en la primera escena del
homicidio a Psicosis87 ·120 constituyen en aquel tiempo una innovación. En cuanto a la película Los
pájaros,88 deja de lado los instrumentos de música convencionales y, en lugar de aquello, recurre a una
banda sonora producida de manera electrónica, sólo adornada por la canción de los colegiales, sin
acompañamiento, justo antes del ataque de la verdadera escuela de Bodega Bay. Destacar igualmente
que Santa Cruz será citada como el lugar donde el fenómeno de los pájaros se habría producido
inicialmente.32
Declive y últimos años

Estas películas son consideradas como las últimas grandes películas de Hitchcock. Algunos críticos,
como Robin Wood y Donald Spoto, estiman sin embargo que es Marnie,121 estrenada en 1964, una de
las obras principales del realizador, y otros, como Claude Chabrol, consideran que Frenesí122 es
injustamente subestimada.
Su salud empeora y Hitchcock es obligado a reducir su producción durante los dos últimos decenios de
su carrera. Rueda dos thrillers de espionaje sobre el fondo de la guerra fría. El primero, Cortina
rasgada (Torn Curtain, 1966),123 tiene como protagonistas Paul Newman y Julie Andrews.
Cortina rasgada marca el fin, bastante triste, de la colaboración, que duraba doce años, entre Hitchcock
y el compositor Bernard Herrmann. Descontento con la partitura que ha preparado Herrmann,
Hitchcock le acaba reemplazando por John Addison. La película se estrena en Estados Unidos el 27 de
julio de 1966.
La película siguiente de Hitchcock, Topaz,124 es la adaptación de una novela de Leon Uris (autor de
Exodus). La historia comienza en Dinamarca, y continúa en los Estados Unidos, en Cuba y en Francia.
Frederick Stafford es contratado por el papel principal; entre el resto del reparto, más bien heteróclito,
figuran John Forsythe, y los franceses Daño Robin, Claude Jade, Michel Subor, Philippe Noiret y
Michel Piccoli. Al final del rodaje, como de costumbre, se efectúan pruebas de las proyecciones, y
resultan desastrosas: la película es juzgada demasiado larga, aburrida, y el final, un duelo que enfrenta
Devereaux (Stafford) y Granville (Piccoli), ridículo. Como consecuencia, se cortan escenas, otros son
acortadas, de otros incluso aceleradas, y se proponen dos finales opcionales: uno muestra Devereaux
subiendo a un avión y viendo que Granville sube a otro avión con destino a la Unión soviética, y el
otro, que es bastante seco, muestra, o más bien sugiere (los actores no están disponibles para rodar más
escenas) el suicidio de Granville: se ve furtivamente un hombre entrar en una casa, después se oye un
disparo. Este final será conservado por el estreno en salas, en 1969.125 El National Board of Review
otorgará sin embargo el premio al mejor director en Hitchcock para este filme.126 Topaz, como
Cortina rasgada, recibirá una media acogida de parte de la crítica.
Alfred Hitchcock.
En 1968 recibió de parte de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas el Premio Irving G.
Thalberg a toda su carrera. Posteriormente recibió un homenaje a Nueva York realizado por la Sociedad
Cinematográfica del Lincoln Center, acudiendo con Grace Kelly a la ceremonia. Cuatro años más
tarde, J. Russel Taylor publicó la primera biografía autorizada de Alfred Hitchcock. En 1976 rodó
Family Plot protagonizada por Karen Black y Bruce Dern, última película del director. En 1979 la
American Film Institute le otorgó el premio a la labor de toda una vida, y ese mismo año la reina Isabel
II del Reino Unido le otorgó el título de Sir.
Un año más tarde, el 29 de abril de 1980, Hitchcock muere en su casa de Los Ángeles a los 80 años de
edad.
Influencia de Hitchcock en el cine posterior

Alfred Hitchcock desarrolló en sus películas una tendencia hacia temas que se repiten y mecanismos
cinemáticos como el suspense, el público como voyeur, y su conocido "MacGuffin", un detalle
aparentemente menor que sirve de pivote sobre el que hacer girar la narración. Se puede casi sentir
muchas veces que como director se repite la misma película. Otros temas que aparecen repetidamente
en sus películas son los pájaros, la madre o las mujeres rubias
Las innovaciones y la visión de Hitchcock han influenciado un gran número de cineastas, por ejemplo,
Truffaut, Chabrol, Roman Polanski, Martin Scorsese o Steven Spielberg,Nota 7 de productores y
actores. Esta influencia se ha notado sobre todo en la tendencia que tendrán los directores por controlar
los aspectos artísticos de sus películas a pesar de los productores.
Si Hitchcock es hoy considerado con mucho uno de los principales realizadores de cine, no era ésa la
sensación en el momento del estreno de sus películas. La crítica le acusaba a veces de explotar siempre
la misma historia, o incluso reprocharle que hiciera sus películas en función del público. En cuanto a
este último punto, Hitchcock respondía que no comprendía la actitud nominalista de ciertos
realizadores que hacen películas para ellos mismos. Hoy en día, numerosos directores se inspiran
directamente en el trabajo de Hitchcock. Es el primero en haber aplicado a sus películas todas las
«recetas» del suspense y escenas de antología siempre apreciadas - la ducha en Psicosis- muestra hasta
qué punto sigue siendo popular. Sin embargo, Hitchcock siempre ha sido sometido al plebiscito por el
público. Además, se han hecho numerosas películas, guiños a Hitchcock.
Con Psicosis y, diez años antes, Pánico en la escena (1950), Hitchcock es el precursor de lo que, en los
años 1990-2000, se convertirá casi en un género: la película «de giro argumental».
La exégesis De Palma
Entre los realizadores ulteriores, el más inclinado por la obra de Hitchcock es sin discusión, al menos al
principio de su carrera Brian De Palma, calificado entonces de «maestro moderno del suspense».Nota 8
Después de haber visto Vértigo, Brian De Palma deja de lado unos estudios científicos prometedores
para girarse hacia el cine.127 En sus propias películas, lejos de conformarse con imitar Hitchcock,
pálidamente o incluso brillantemente, De Palma lo revisita, propone una lectura particular. Su atención
se concentra esencialmente en tres obras: La ventana indiscreta, Vértigo (De entre los muertos) y
Psicosis.
Las películas de De Palma se diferencian en principio a los de Hitchcock debido a que son realizadas
en un momento en que se han relajado considerablemente en el cine americano las restricciones severas
de la representación o incluso la evocación de la sexualidad. Así, son frecuentemente escenas con
escenas eróticas, apuntando deliberadamente a excitar al espectador,Nota 9 y abordan de cara temas
como la insatisfacción sexual, el exhibicionismo, la transexualidad, la pornografía, incluso la
impotencia,Nota 10 el incesto.Nota 11 127 y el fetichismo.Nota 12 El voyeurismo, el mismo tiempo
que es explotado, es explorado bajo múltiples facetas, sobre todo el de su relación con los medios de
comunicación de todas las maneras.Nota 13 El tema del doble constituye igualmente a De Palma
"autor", como con Hitchcock, un sujeto permanente de interrogación.
Psicosis, el Hotel de los Bates: lugar de rodaje de la escena principal

De Palma se refiere en principio de manera indirecta a Alfred Hitchcock, a Sisters (1973), Obsesión y
Carrie (1976). La primera, con música de Bernard Herrmann, hace alusiones a La ventana indiscreta -
e incluso una cita casi «literal» - y explora, como Psicosis, a partir del caso de una joven esquizofrénica
de resultas de la muerte de su hermana siamesa, el tema del doble y del desdoblamiento de la
personalidad. Obsession (1976), guión de Paul Schrader según una historia de De Palma, se basa en
una relectura de Vértigo, integrando el tema del incesto. El compositor de la música de la película es
también Herrmann.Nota 14 En cuanto a Carrie, se trata de la adaptación de una novela de Stephen
King. Sin embargo, los efectos utilizados son calcados de los utilizados por Hitchcock, sobre todo a
Psicosis, en la que por otra parte rinde homenaje a través del nombre dado a la escuela de Carrie, la
Bates High School. Carrie, sin embargo, respecto a las películas de Hitchcock, fuerza el disparo, con
secuencias humorísticas-los ejercicios-castigo al campo de deportes, el probador-que rayan lo grotesco
y, a modo de apoteosis, una larga secuencia de suspense de terror, dramatizada casi a ultranza, hasta el
sobresalto final. El simbolismo, presente de manera sutil con Hitchcock, es igualmente presente en la
película de De Palma, pero de manera más ostensible, sobre todo con la imagen de la madre
«crucificada» que recuerda la del san Sebastián, o los cientos de velas que se pueden ver por todo en la
casa cuando Carrie, después del baile, la humillación y la venganza, regresa a su casa. La casa de
Carrie y su madre tiene una cierta relación con la de Norman Bates (y su madre). En cuanto a la
música, Donaggio inspira directamente con la de Herrmann a Psicosis. El guión de Dressed to Kill,
1980 es una combinación de Vértigo y Psicosis. Como Vértigo, la película, después de presentación de
los personajes, prosigue con una larga secuencia de seducción, evocando una exhibición amorosa,
desarrollándose en gran parte en un museo y en el transcurso de la cual no se dice nada. Como Psicosis,
la película termina con una exposición de aspectos científicos, en relación con la personalidad y las
motivaciones del homicida. Son los conflictos relativos a su identidad sexual, que son la causa del
desdoblamiento de personalidad del homicida de Dressed to Kill. Body Double (1984) es una relectura
de La ventana indiscreta y Vértigo. El papel principal femenino es interpretado por Melanie Griffith,
hija de Tippi Hedren. La película es, más allá de una simple diversión, una reflexión sobre el cine y sus
artificios (como el título de la película, en parte, lo indica: la «doble»), y sobre los «defectos»sexuales
(voyeurismo, exhibicionismo, incluso fetichismo), en el contexto de los años 1980, con la emergencia
del vídeo, la popularización relativa del cine gore y el desarrollo de la industria pornográfica.
De Palma, en estas películas, recorre por otra parte a la split screen, procedimiento que nunca utilizó
Hitchcock, pero que corresponde a secuencias de La soga, o Marnie, en las que el espectador puede
asistir a escenas concomitantes, una susceptible de tener un efecto sobre la otra. En las películas de De
Palma, el efecto no tiene sin embargo siempre la misma función-se parece entonces más bien en las
ventanas de La ventana indiscreta, o tiene por objetivo causar una especie de vértigo nauseabundo, de
«llenarse» de alguna manera de imágenes el espectador-voyeur.
La Psicosis de Gus Van Sant

Psycho (1998) de Gus Van Sant retoma plano por plano el contenido de la original, pero rodada en
color. Van Sant explicará: «Se trata más de una réplica que de un remake [...] es casi como si
realizáramos en falso. Como si hiciéramos una copia de La Gioconda o de David».128 La película, sin
embargo, resulta ser un fracaso.
Influencia sobre el cine de género

Hitchcock ha ejercido una enorme influencia sobre el desarrollo de algunos géneros cinematográficos,
esencialmente con dos de sus películas: Psicosis (1960) y Los pájaros (1963), realizadas cuando ya era
sexagenario. El primero es, sobre todo, en el origen del slasher, subgénero del cine de terror, que
agrupa a las películas donde un asesino psicopático elimina uno por uno los personajes de la historia, y
el segundo se encuentra en el origen de las películas de catástrofes,129 y particularmente de toda una
serie de películas que ponen en escena animales asesinos. Psicosis sirve de referencia reconocida en
John Carpenter's Halloween (1978) de John Carpenter, y ha engendrado una panoplia de películas
yendo de The Texas Chain Saw Massacre (1974) de Tobe Hooper - cuya historia parece igualmente
inspirada en la de Ed Gein - hasta Scream (1996) de Wes Craven, y bien más allá, pasando por Friday
the 13th (1980) de Sean S. Cunningham o A Nightmare on Elm Street (1984) de Craven. Películas que,
mayoritariamente, y como la misma Psicosis, tendrán continuaciones, a veces en un número bastante
importante.
Los pájaros anuncia las películas de catástrofes, aunque el término sirva más bien para designar
películas donde es pregunta por desastres factibles, en cualquier caso más comunes que un ataque
masivo de aves. Se podría decir que crea un subgénero antes de que el género mismo exista, un
subgénero en el que se puede meter una película como Jaws (1975) de Steven Spielberg, y muchas
otras, de una calidad a menudo bien más discutible. Ciertos ingredientes de Los pájaros se encontrarán
en la mayoría de las películas de catástrofes: la descripción de una historia personal - a menudo las
historias personales son multiplicadas en las películas de catástrofes posteriores, «clásicas» -, la
descripción de una comunidad y de sus reacciones de cara a la catástrofe, y la descripción, en varias
escenas choque, de la catástrofe en sí misma. Jaws acerca claramente al modelo ofrecido por Los
pájaros. Las dos películas son adaptaciones de obras literarias, pero la elección de los elementos que se
encuentran en la pantalla es casi idéntica: a Jaws: descripción de la familia del jefe Brody (Melanie,
Mitch y su madre), de la comunidad de Amity (Bodega Bay) - con, a las dos películas, una bofetada:
Melanie la da a Los pájaros y Brody la recibe en «Jaws» -, y escenas de emoción fuerte destiladas
progresivamente a la película.
Los cameos de Hitchcock
Estrella del Paseo de la Fama.

La gran mayoría de las películas de Alfred Hitchcock (37 de 53) contienen cameos de sí mismo, breves
apariciones «extraordinarias», fuera del contexto general, que al director le gustaba hacer. El director
aparece efímeramente como extra o se ve una imagen suya en una foto o en un diario.
En sus primeras películas es más difícil encontrarlo, ya que se escondía en la multitud o no llevaba ni
hacía nada que llamara la atención, pero a medida que su fama fue creciendo, sus cameos fueron más
visibles y vistosos. Llegaron a ser tan famosos, que en sus últimas películas les hacía en los primeros
minutos que los espectadores no se entretuvieran buscándolo a lo largo de la película y pudieran
centrarse en el argumento.
Esto de aparecer en sus películas era un hábito que el director británico explicó en el libro-entrevista
con François Truffaut, 1967:40 «Era estrictamente funcional, porque teníamos que llenar la pantalla.
Más tarde se convirtió en una superstición, y, finalmente, un gag. Sin embargo, hoy es un gag que
estorba, y para permitir a la gente ver la película con facilidad, me preocupo de que salga en los
primeros cinco minutos»
Películas biográficas sobre Hitchcock

En 2012 se estrenó en los Estados Unidos Hitchcock película dirigida por Sacha Gervasi, que narra los
pormenores de la filmación de Psicosis. El protagonismo recae tanto en él (interpretado por Anthony
Hopkins) como en Alma Reville, (interpretada por Helen Mirren), así como en otras personas
involucradas en la realización de la película, como Janet Leigh (Scarlett Johansson), Vera Miles
(Jessica Biel) o Anthony Perkins (James D'Arcy).
En el mismo año HBO lanzó el telefilme The Girl de Julian Jarrold, en la cual se narran los pormenores
de la filmación de The Birds y la posterior Marnie, ahondando en la relación de Hithcock con la actriz
Tippi Hedren, quien protagonizó los susodichos films. En esta ocasión Hithcock es caracterizado por
Toby Jones y el papel de Hedren recae en Sienna Miller. Esta producción obtuvo 3 nominaciones a los
premios Globos de Oro, incluyendo mejor miniserie/película para TV.
Filmografía
Artículo principal: Anexo:Filmografía de Alfred Hitchcock
Hitchcock en el rodaje de Family Plot en (1975).
Colaboradores frecuentes
• Actriz principal:
• Ingrid Bergman
• Joan Fontaine
• Tippi Hedren
• Grace Kelly
• Vera Miles
• Actor principal:
• Cary Grant
• James Stewart
• Otros actores principales no tan frecuentes:
• Joseph Cotten
• Anthony Perkins
• John Forsythe
• Farley Granger
• Charles Laughton
• Peter Lorre
• Gregory Peck
• Montgomery Clift
• Paul Newman
• Otros actores:
• Laurence Olivier
• Sara Allgood
• Leo G. Carroll
• Madeleine Carroll
• Hume Cronyn
• John Gielgud
• Robert Cummings
• Malcolm Keen
• Jessie Royce Landis
• Ivor Novello
• Anny Ondra
• John Williams
• Alma Reville (Alma Lucy Reville, fue una actriz, asistente de dirección, guionista y la
esposa del director cinematográfico Alfred Hitchcock)
• Equipo de filmación:
• Saul Bass - Diseñador de títulos principales
• Robert Burks - Cinematógrafo
• Edith Head - DIseñador de vestuario
• Bernard Herrmann - Música
• George Tomasini - Editor
• Albert Whitlock - Pintor
• Guionistas:
• Charles Bennett
• Joan Harrison
• John Michael Hayes
• Ben Hecht
• Ernest Lehman
• Alma Reville (Alma Lucy Reville, fue una actriz, asistente de dirección, guionista y la
esposa del director cinematográfico Alfred Hitchcock)
• Samuel A. Taylor
Bibliografía
En español
• El Cine según Hitchcock François Truffaut. Alianza Editorial. ISBN 84-206-3856-0.
• Alfred Hitchcock José María Carreño. Editorial JC. ISBN 84-85741-03-X.
• Alfred Hitchcock Bruno Villien. Edición de Cinema Club Collection. ISBN 84-85741-57-9.
• Alfred Hitchcock José Luis Castro de Paz. Editorial Cátedra. ISBN 84-376-1848-7.
• Alfred Hitchcock. Filmografía completa Paul Duncan. Editorial Taschen. ISBN 3-8228-2245-0.
• Alfred Hitchcock. La cara oculta del genio Donald Spoto. Editorial JC. ISBN 84-89564-25-6."
• Alfred Hitchcock. El armario secreto de Hitchcock.Boris izaguirre editorial espasa.
• Alfred Hitchcock. El poder de la imagen Enrique Alberich. Publicaciones Fabregat S.A. ISBN
2-425-33305-3.
• Revista Fotogramas
• La huella de Vértigo. Diego Moldes. Ediciones JC Clementine, Madrid, 2004. Ensayo de cine
sobre la influencia del film Vértigo de Alfred Hitchcock. 208 pp. ISBN 84-89564-39-8.
• AA.VV.:El universo de Alfred Hitchcock. Coordinado por Guillermo Balmori. Notorius
Ediciones, Madrid, diciembre de 2006. ISBN 88493470142.
• Hitchcock: imágenes entre líneas. Elisa María Martínez Martínez. Biblioteca Javier Coy
d'estudis Nord-americans. Universitat de València. 2011. ISBN 978-94-370-8105-2.
En inglés
• Spellbound: Alfred Hitchcock and Carlos Fuentes, University Press of the South, Nueva
Orleáns, 2012. ISBN 978-1-937030-08-7.
Premios
Óscar
1967 Premio en Memoria de Irving Thalberg Ganador
1960 Mejor Director Psicosis Candidato
1954 Mejor Director La ventana indiscreta Candidato
1945 Mejor Director Recuerda Candidato
1944 Mejor Director Náufragos Candidato
1940 Mejor Director Rebeca Candidato
Premios BAFTA
1971 BAFTA Honorífico Ganador
1960 Mejor Director Psicosis Candidato
Premios Globo de Oro

• La asociación entrega desde 1952 el Premio Cecil B. DeMille, en honor a la trayectoria
cinematográfica.
• 1972: Alfred Hitchcock Premio Cecil B. DeMille, en honor a la trayectoria
cinematográfica.
• 1973: Nominado mejor director, mejor película por Frenesí
• 1958: Ganador por mejor programa de televisión: Alfred Hitchcock Presents
Premios BAFTA
• El BAFTA Fellowship es un premio presentado y otorgado anualmente por la Academia
Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión (conocida por sus siglas en inglés,
BAFTA) desde 1971 «en reconocimiento a los logros más destacados en la forma del arte de la
imagen en movimiento», y es el honor más grande que la Academia puede otorgar.130 131 132
• 1971, Reino Unido, Alfred Hitchcock, Cineasta y productor.
Premios Emmy
• 1959 Nominado
Primetime Emmy Mejor Dirección de un Programa Individual de una Serie Dramática - Menos de una
hora Alfred Hitchcock Presents (1955) Para el episodio "Cordero a la Masacre".
• 1957 Nominado
Primetime Emmy Mejor Personalidad Masculino - Rendimiento Continuando
• 1956 Nominado
Primetime Emmy Mejor MC o Programa de Acogida - Hombre o Mujer Mejor Director - Ciclo de Cine
Alfred Hitchcock Presents (1955) Para el episodio "El caso del señor Pelham".
Academia de Ciencia Ficción, Fantasía y Terror, EE.UU.

• 1994 Ganadas
Premio Póstumo
American Film Institute, EE.UU.

• 1979 Ganadas
Premio a la Vida
Festival de Cannes
• 1956 Nominado
Palma de Oro El hombre que sabía demasiado (1956)
• 1953 Nominado
Gran Premio del Festival Yo confieso (1953)
• 1946 Nominado
Gran Premio del Festival Notorious (1946) Gremio de Directores de América, EE.UU.
• 1968 Ganadas
Lifetime Achievement Award
• 1961 Nominado
Premio DGA Logro Directoral Sobresaliente en una imagen en movimiento Psycho (1960)
• 1960 Nominado
Premio DGA Logro Directoral Sobresaliente en una imagen en movimiento Muerte en los talones
(1959)
• 1959 Nominado
Premio DGA Logro Directoral Sobresaliente en una imagen en movimiento Vértigo (1958)
• 1957 Nominado
Premio DGA Logro Directoral Sobresaliente en una imagen en movimiento Mató a Harry (1955) Logro
Directoral Sobresaliente en una imagen en movimiento El hombre que sabía demasiado (1956)
• 1955 Nominado
Premio DGA Logro Directoral Sobresaliente en una imagen en movimiento La ventana indiscreta
(1954) Logro Directoral Sobresaliente en una imagen en movimiento Crimen perfecto (1954)
• 1952 Nominado
Premio DGA Logro Directoral Sobresaliente en una imagen en movimiento Extraños en un tren (1951)
The Film Society of Lincoln Center

• 1974 Ganadas
Gala Homenaje
Premios Jussi
• 1984 Ganadas
Jussi Mejor Cineasta Extranjera
Kinema Junpo Premios

• 1948 Ganadas
Premio Kinema Junpo Mejor Película en Lengua Extranjera Sospecha (1941)
Premios Golden Laurel

• 1971 Ganadas
Laurel de Oro Mejor Productor-Director de
• 1970 Ganadas
Laurel de Oro Productor-Director de
• 1968 Nominado
Laurel de Oro Productor-Director de 6 º lugar.
• 1967 2 º lugar
• 1966 Ganadas
• 1965 2 º lugar
• 1964 Ganadas
Laurel de Oro Top Productor / Director
• 1963 2 º lugar
• 1962 Ganadas
• 1961 Ganadas
• 1960 Ganadas
• 1959 Ganadas
• 1958 2 º lugar
Festival Internacional de Cine de Locarno

• 1950 Ganadas
Mención Stage Fright (1950)
National Board of Review, EE.UU.

• 1970 Ganadas
Premio NBR Mejor director Topaz (1969)
New York Film Critics Circle Awards - Cine de Nueva York Premios del Círculo de
Críticos
• 1954 2 º lugar
Premio NYFCC Mejor director La ventana indiscreta (1954) Atado con Renato Castellani para Romeo
y Julieta (1954), Edward Dmytryk de El motín del Caine ... Más
• 1939 Ganadas
Premio NYFCC Mejor director Alarma en el expreso (1938)
• 1936 2 º lugar
Premio NYFCC Mejor director El hombre que sabía demasiado (1934) Los 39 escalones (1935)
Festival Internacional de Cine de San Sebastián

• 1959 Ganadas
Silver Seashell Muerte en los talones (1959)
• 1958 Ganadas
Silver Seashell Vértigo (1958)
Festival Internacional de Cine de Venecia
• 1955 Nominado
León de Oro Atrapa a un ladrón (1955)
• 1954 Nominado
León de Oro La ventana indiscreta (1954)
• 1947 Nominado
Gran Premio Internacional Spellbound (1945)
Paseo de la Fama de Hollywood

• 1960 Ganadas
• Cine
• Estrella en el Paseo de la Fama Motion Picture
El 8 de febrero de 1960 En 6506 Hollywood Blvd.
• Televisión
• El 8 de febrero de 1960 En 7013 Hollywood Blvd.

Mejicanos Welles Hitchcok

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Guillermo del Toro

Guillermo del Toro

Guillermo del Toro en 2013

Guillermo del Toro

Premios BAFTA 2006

Premios Óscar 2006

Orson Welles en 1937

George Orson Welles (Kenosha, Wisconsin, 6 de mayo de 1915 - Hollywood, California, 10 de

En el Festival de Cannes de 2009.

Rechazando lo que considera convenciones estándar de tiempo, construcción del suspense y

Alejandro González Iñárritu

Para otros usos de este término, véase Alejandro González (desambiguación).

Alejandro González Iñárritu en 2008.

Año Categoría Película Resultado

Año Categoría Película Resultado

Año Categoría Película Resultado

Año Categoría Película Resultado

Año Categoría Película Resultado

Nombre de nacimiento Alfred Joseph Hitchcock

Entrada en el mundo del cine

Las primeras películas sonoras

Chantaje: del mudo al sonoro

Michael Balcon: Gaumont British

Alfred Hitchcock en 1956.

Comienzos con David O. Selznick

El productor David O. Selznick.

Trailer de Enviado especial.

Las primeras películas con Universal

Teresa Wright y Joseph Cotten a Shadow of a Doubt. Charlie y Charlie.

20th Century Fox

Intermedio británico: propaganda / Shoah

Cary Grant e Ingrid Bergman a Notorious, 1946).

Cary Grant e Ingrid Bergman en Encadenados (1946).

James Stewart y Grace Kelly en La ventana indiscreta (1954)

La década de los 50: el Hitchcock más esplendoroso

Montgomery Clift a Yo confieso (1953)

James Stewart en La ventana indiscreta

La ventana indiscreta. La vista

Escena de la película Vértigo (De entre los muertos)

Trailer de Con la muerte en los talones

Psicosis y Los pájaros, las obras maestras de los 60

Declive y últimos años

Influencia de Hitchcock en el cine posterior

Psicosis, el Hotel de los Bates: lugar de rodaje de la escena principal

La Psicosis de Gus Van Sant

Influencia sobre el cine de género

Estrella del Paseo de la Fama.

Películas biográficas sobre Hitchcock

Premios Globo de Oro

Academia de Ciencia Ficción, Fantasía y Terror, EE.UU.

American Film Institute, EE.UU.

The Film Society of Lincoln Center

Kinema Junpo Premios

Premios Golden Laurel

Festival Internacional de Cine de Locarno

National Board of Review, EE.UU.

Festival Internacional de Cine de San Sebastián

Paseo de la Fama de Hollywood

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