¿QUIÉN VIGILA A LOS VIGILANTES?

NÚMERO 278
AGOSTO 2020
Los superhéroes poco “convencionales” vienen ganando terreno en la pantalla chica y gracias a esta violentísima REVISTA COLECCIONABLE
adaptación comiquera, también podemos sondear en su lado más oscuro y corrompible. Por suerte hay un grupo de ARGENTINA $210
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valientes dispuestos a mantenerlos a raya y te contamos lo que nos traen para esta segunda temporada. AL INTERIOR $2.50
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LA JUSTICIA LA LIGA

DC FANDOME / ENTREVISTAS EXCLUSIVAS: PROYECTO POWER / LOVECRAFT COUNTRY

E L R E G R E S O T R I U N FA L D E LO S AUTO C I N E S / H A M I LTO N / E L O CAS O D E U N A V I DA / C O M I C C O N AT H O M E
“Durante siglos, los alquimistas intentaron fabricar oro a
partir de metales básicos. Hoy hacemos microchips de silicio,
que es arena común, pero mucho mejor que el oro”.

Max Zorin
En la Mira de los Asesinos
(A View to a Kill, 1985)
 16

¿Quiénes son los

verdaderos monstruos?

SUMARIO NOTAS
278
AGOSTO
2020

14 22 “Como actor, los secretos y los

PROYECTO GUERRILLA
Sean Baker tiene un par de décadas de carrera
a cuestas, pero en los últimos años su nombre
empezó a destacarse a fuerza de historias
profundas e independientes.
obstáculos alimentan al personaje”
DAME TODO EL PODER Nikolaj Coster Waldau
Netflix tiene una nueva aventura de súper acción
en el horizonte y nosotros pudimos entrevistar
a sus protagonistas: Joseph Gordon-Levitt y
Dominique Fishback.

16
HORROR CÓSMICO + VIOLENCIA TERRENAL
HBO y Jordan Peele unen fuerzas para este
drama sobrenatural basado en la novela de Matt
Ruff, que se atreve a cuestionar al autor de los
Mitos de Cthulhu.
26
EN BUSCA DE UNA ACADEMIA MÁS INCLUSIVA
El panorama actual obligó a los miembros de
AMPAS a flexibilizar sus reglas, y la coyuntura
sociopolítica aceleró los procesos para anhelar una
entidad más diversa.
40
SOY TU FAN
A falta de eventos multitudinarios, la vía digital
se convirtió en la norma. A las convenciones más
celebradas, ahora se suma este encuentro obligado
para los fans de DC.

20
VOLVIENDO A LOS AÑOS SESENTA
La pandemia y el cierre obligatorio de las
salas cinematográficas se convirtieron en el
escenario más propicio para el regreso triunfal
de los autocines.
28
EN LAS TUMBAS DE LA GLORIA
Otro clásico del séptimo arte celebra su aniversario,
en este caso, uno que se animó a meter la cabeza en
la boca del león, retratando el precio de la fama y
las miserias de Hollywood.
49
CHICOS MALOS
Después de una exitosísima primera
temporada, The Boys continúa explorando este
retorcido universo de superhéroes corruptos y
justicieros sanguinarios.

35 56
CHANCLETAS, PIYAMA Y LA COMODIDAD DE TU SILLÓN ¿QUIÉN CUENTA TU HISTORIA?
20 Después de 50 años de hermanar a los fans de La creación de Lin-Manuel Miranda
la cultura pop bajo un mismo techo, la San Diego trascendió los escenarios de Broadway
Comic Con se adaptó a la cuarentena con una para convertirse en un fenómeno
edición 100% virtual. cultural que, además,
rompe con el
38 clasicismo
del medio.
HOY TE CONVERTÍS EN HÉROE: MANHUNTER
El panteón superheroico está plagado de
abogados, muchos de los cuales combaten las
injusticias desde distintos frentes. Es el caso de
Kate Spencer.

LA COSA 03
 05 12
EL CARNAVAL DE LAS ALMAS
En esta oportunidad juntamos a
directores perfeccionistas y varios animé
que no resisten una maratón de fin de
semana, entre otras curiosidades.
31
AHORA SOMOS OBRAS MAESTRAS
INTERACTIVOS Jim Henson y Frank Oz unen fuerzas
para romper convencionalismos y
crear una oscura aventura familiar
convertida en clásico de culto.
SUMARIO SECCIONES
46
LIMBO
Un poquito de ayuda para atravesar esta
cuarentena en forma de recomendaciones:
películas, series, documentales, cómics,
videojuegos y más.
58
RECORDADORA
¿Sabías que en agosto se celebra el Día
de los Videojuegos? Aprovechamos la
ocasión para repasar algunos de los
títulos que definieron la industria.
04 LA COSA
Adora es mucho más
que la “hermana de” o
“la versión femenina
de”, es una verdadera
princesa guerrera. RESPONSABLES HASTA AHÍ
DIRECTORES Axel Kuschevatzky y Guillermo
Hernández.
EDITORES EN IMPRENTA Luis Rettori y Pablo
59 Giannattasio.
COMERCIALIZACIÓN Guillermo Hernández
POST MORTEM (lacosa@lacosacine.com).
Queremos seguir conectados con vos REVISTA
y esta sección es tu lugar para brillar. EDITORA PERIODÍSTICA Jessica Blady.
Se aceptan sugerencias y consultas ASESORA EDITORIAL Ana Manson.
cinéfilas varias (esas son para el tordo).
DISEÑADOR Matías Cipollatti.
60
STAFF Ezequiel Leis, Macarena Luna y Lucía
Agosta.
VIVIR Y DEJAR MORIR COLABORAN EN ESTE NÚMERO
La vida sigue cumpliendo su ciclo y nos Andrés Petruccelli, Cristian Calavia, Matías
despoja de grandes luminarias. Para nosotros Cipollatti, Gus Casals, Ignacio Esains y Sole
siguen brillando y acá les rendimos su Venesio.
merecido homenaje. ONLINE Y RRSS
61
EQUIPO Ezequiel Leis, Lucía Agosta y
Macarena Luna.
MITOMANÍA CORRECCIÓN Annie January.
ADMINISTRACIÓN, PRENSA Y DISTRIBUCIÓN
Si tu película se llama “La Profecía” y te vas
a meter con el Anticristo, es mejor que te Leandro Hernández.
prepares para afrontar las consecuencias… GRACIAS ESPECIALES A Fox, Warner, SBP,
y alguna que otra maldición. HBO, MGM, UIP, TCM, Turner, Disney, Alfa,
62
Columbia, Diamond Films, Sony, Warner
Channel, Fox TV, LAPTV, Energía Entusiasta,
GRANDES PÓSTERS DE LA HISTORIA Impacto, Concepto Cine, Netflix, AMC,
Pulpo PR.
Un afichista que creaba carteles
para un cine en particular. Con un
LA COSA - CINE FANTÁSTICO
diseño único, que hoy son piezas Propietarios Axel Kuschevatzky y Guillermo
de colección. Hernández > Edita Manderlay SRL, Sucre
Antonio Mcal. 1110 Piso 7 Dpto B T:2 (1428)
CABA > Registro de propiedad intelectual
Otro mundo, otro no. 523.30 > ISSN 0329-53311 > La Cosa -
tiempo, en la era Cine Fantástico y Bizarro es marca registrada.
de la maravilla. Todas las imágenes que integran esta edición
Hace mil años son Copyright de sus propietarios y solo
esta tierra era se reproducen con fines informativos > La
verde y buena, publicación no se hace responsable por los
hasta que el envíos no requeridos > Las colaboraciones
Cristal se quebró. no representan necesariamente la opinión de
los editores.
31
Impresa en Grupo Maorí, Avenida Mitre 3027,
Munro, Prov. de Bs. As. Tel.: 4762-0300
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¿Y A QUIÉN LE GANÓ?
El Hollywood de la Era Dorada era un
lugar glamoroso, pero también racista y
machista, donde los estereotipos estaban
a la orden del día. Aun así, Lupe Vélez logró
destacar a fuerza de carisma, exuberancia
y dotes para la comedia, además de un
marcadísimo acento latino que la convirtió
en una de las figuras más populares entre
el público de los Estados Unidos.
María Guadalupe Villalobos Vélez nació en
San Luis Potosí (México) en el año 1908,
hija de un militar y una cantante (de ópera
o de vaudeville, según las fuentes que
se consulten), siendo la mayor de cinco
hermanos en una de las familias más
prominentes de la ciudad. A los 13 años,
sus padres decidieron mandarla a estudiar
al convento de Nuestra Señora del Lago en
San Antonio, Texas, lugar donde aprendió
inglés y tuvo sus primeros contactos con la
danza, aunque confiesa no haber sido una
alumna destacada.
La Revolución Mexicana cambió la dinámica
familiar, y a los 15 años Vélez abandonó
el convento y salió en busca de trabajo
para ayudar con la economía del hogar. En
el medio, ahorró lo suficiente para tomar
clases de baile y soñar con una carrera en
el show business, anhelos que se hicieron
realidad cuando debutó en los escenarios
Q DESTACADOS
06
¿Qué me pongo?
Q Hurgamos en el armario
comiquero del Caballero
Oscuro y encontramos algunos
atuendos un tanto polémicos.
El Carnaval
de las
Almas
ESTE MES: LUPE VÉLEZ
del Teatro Principal, a mediados de la década
del veinte.
Lupe ya era una reconocida vedette cuando
decidió trasladarse a Hollywood con algunas
escalas. Gracias a diferentes contactos y
varias pruebas de cámara terminó captando
la atención de Hal Roach, productor y
director de Pathé Pictures, que le ofreció una
pequeña participación en Sailors, Beware!
(1927), cortometraje protagonizado por
Stan Laurel y Oliver Hardy. Inmediatamente
llegaría The Gaucho (1927), compartiendo
cartel junto a Douglas Fairbanks, y una
seguidilla de papeles dramáticos, casi en el rol de Carmelita Lindsay, la “Mexican
siempre enmarcados en el arquetipo de Spitfire”, serie que se extendió a lo largo de
temperamental e irreverente “mujer latina”. siete películas. Las audiencias norteamericanas
A finales de la década del veinte, Vélez amaron dichas aventuras, pero su vida personal
ya era considerada una de las grandes y sus romances tumultuosos empezaron a
estrellas de la meca hollywoodense. Logró acaparar la atención y diluir una carrera que
una exitosa transición hacia el cine sonoro costaba mantener a flote.
y, tras cinco años de dramas, cambió su Tras un breve regreso a México donde filmó
registro a la comedia, empezando con Hot Naná (1944), y su último papel en Ladies’ Day
Pepper (1933), protagónico que exhibió (1943), Lupe Vélez decidió acabar con su vida
sus talentos dentro del género y le dio la a la edad de 36 años. Muchos dicen que fue
posibilidad de mostrar las mejores facetas a causa de un desamor, pero se cree que fue
de su efervescente personalidad. consecuencia de un trastorno bipolar, vocablo
El suceso siguió con Strictly Dynamite que no existía en 1944. “La historia de mi vida
(1934), Palooka (1934) y Laughing Boy es la historia de un demonio. Soy salvaje, no
(1934), propulsando una seguidilla de puedo evitarlo”, aseguraba la actriz que triunfó
films escritos específicamente para ella y vivió siempre bajo sus propios términos.
08 12
Un intento más Por el honor de Grayskull
Q La historia del cine está plagada Q Adora volvió renovada
de directores perfeccionistas para enamorar a una nueva
y de tomas repetidas hasta el generación de fans dispuestos
cansancio… literal. a seguirla a donde sea.
LA COSA 05
 CRONICA
Q La industria gamer parece girar alrededor de las mismas grandes
empresas, pero con el correr del tiempo vio nacer y morir a otros buenos
exponentes que tenían todo para ganar y no supieron aprovecharlo.
Acclaim Entertainment no es uno de esos casos, aunque su final se veía

ANUNCIADA
venir desde lejos, luego de una seguidilla de cuestionables decisiones.
El estudio fundado en 1987 no la estaba pasando muy bien a principios
del nuevo milenio y terminó recurriendo a técnicas publicitarias
extremadamente raras. La justificación de sus ejecutivos era que, para
resaltar en una industria superpoblada, había que hacer un poco de ruido.
Es así que Acclaim tomó algunos riesgos a la hora de promocionar sus
últimos videojuegos, y lejos de darle más notoriedad a la compañía, estas
resoluciones terminaron hundiéndola para siempre. Para el lanzamiento
de Turok: Evolution, en 2002, ofrecieron diez mil dólares a los padres que
le pusieran “Turok” de nombre a sus recién nacidos. Durante la campaña,
varios “fans” se sumaron y mostraron que habían cambiado sus nombres
legales, pero años más tarde se reveló que eran todos actores. Antes de
eso, en 1999, habían intentado alquilar tumbas en un cementerio para
poner publicidades de Shadow Man: 2econd Coming. La empresa, sin
embargo, dijo que era una pequeña broma del Día de los Inocentes. En
Reino Unido prometieron pagar todas las multas por exceso de velocidad
Turok: Evolution para promocionar Burnout 2: Point of Impact, pero el gobierno británico se
enojó y cancelaron la movida. Esta serie de bizarras decisiones, sumada a
una demanda de las mellizas Mary-Kate y Ashley Olsen, llevó a Acclaim a la
bancarrota… y el olvido.

Shadow Man: 2econd Coming

FIESTA DE DISFRACES
Q Hubo una época en la historia comiquera de DC en la que las tapas
eran lo único que importaba. Letras enormes anticipaban una historia
ridícula que generaba interés en los lectores: a Superman le duele la
muela, Flash no puede parar de comer y tiene sobrepeso, y Batman...
Batman tiene un traje para cada ocasión. Uno de estos ejemplos es
el famoso Batman Cebra de Detective Comics #275. La tapa muestra
al Hombre Murciélago vistiendo un traje blanco con rayas negras y
la historia presenta por primera y única vez al villano Zebra-Man, un
científico con poderes magnéticos, los cuales controla con un cinturón
especial. Al enfrentarse a él, Batman toma sus habilidades, pero sin
cinturón genera un campo magnético que lo repele todo. Poco antes de
esa historia también existió el Batman Arcoíris de Detective Comics
#241. La aventura en cuestión se centra mucho más en Robin, que
salva a una muchacha de un robo y se lastima el brazo, pero decide ir
en busca de los ladrones fugitivos, a quienes pudo identificar. Mientras
tanto, Batman decide vestir atuendos de diferentes colores cada día.
Al final, un Bruce Wayne vistiendo un traje de todos los colores revela
su plan maestro: quería llamar la atención de todo el mundo para que
nadie se fijara que Dick Grayson y Robin tenían lastimado el brazo en
el mismo lugar. Mejor detective del mundo.

06 LA COSA
 ANIME FOREVER
Cuando se piensa en series largas del mundo del animé, suenan nombres muy populares, aunque están bastante lejos de tener la
cantidad de capítulos que los verdaderos tanques de la industria ostentan y siguen sacando en la actualidad. Se trata de series más cortas,
con episodios de diez o hasta cinco minutos, pero que estuvieron al aire por décadas, y lograron contar una cantidad de historias que
posiblemente nadie haya visto en su totalidad.

Q Doraemon (1979-2005)
El show más conocido de esta lista en Occidente porque no solo se pudo ver en la tele, sino que también
desembarcó con muñecos, juguetes, cartas y todo tipo de merchandising reconocible. La serie original
empezó a emitirse en Japón en 1979 y terminó en 2005, solo para volver renovada ese mismo año. El
show que comenzó en 2005 ya lleva más de mil capítulos al aire y se espera que alcance a los más de
1.700 del original, en mucho menos tiempo.
1979 - 2005 26 AÑOS

Q Oyako Club (1994-2013)

Traducido literalmente como Club de Padres e Hijos, empezó a emitirse en 1994 y terminó en 2013 con
más de 1.800 episodios. La historia se centra en un par de aliens que caen en la Tierra y comienzan a
vivir con una familia. Los episodios de cinco minutos muestran las extrañas y tiernas interacciones
entre los protagonistas, y dentro de la propia familia, con enseñanzas y mucho humor ligero.

1994 - 2013 19 AÑOS

Q Ojarumaru
Esta serie continúa al aire hasta el día de hoy y también superó los 1.800 episodios. Se estrenó en 1998
y cuenta la historia de un príncipe de Japón de hace siglos atrás, que viaja a nuestra actualidad y tiene
aventuras de todo tipo en un tiempo muy diferente. Mientras tanto, tres monstruos lo persiguen por
haberle robado el cetro a un rey, pero nunca pueden atraparlo.

1998 22 AÑOS Y CONTANDO

Q Nintama Rantaro
El estudio responsable de este show es NHK, que también está detrás de Ojarumaru, asegurándose dos
puestos en la lista de series más largas de la historia del animé. Rantaro es un niño ninja y acá se cuentan
sus aventuras en la escuela para ninjas. Está basada en el manga Rakudai Ninja Rantaro de Sobe Amako, e
incluye varios anacronismos, mucho humor y hasta estrellas invitadas. Ya superó los dos mil episodios y
continúa al aire desde 1993.
1993 27 AÑOS Y CONTANDO

Q Sazae-san
Ninguna de las series anteriores le llega a los talones a Sazae-san que, a julio de 2020, lleva más de 7.700
episodios emitidos. El show se estrenó originalmente en 1969 y adapta historias de tiras cómicas hechas por
Machiko Hasegawa entre 1946 y 1974. Obviamente, la serie animada tuvo que empezar a incluir personajes y
relatos nuevos para llegar a ganar el récord Guinness. Aunque la mayoría de los capítulos presentan diferentes
dinámicas familiares, y el animé trata de evocar la nostalgia de la sociedad japonesa antes de que la tecnología
fuera tan fundamental, las historias originales mostraban a Sazae disconforme con los roles de género y hasta
afiliándose al movimiento de liberación de las mujeres.
1969 51 AÑOS Y CONTANDO

LA COSA 07
ONE
MORE TIME
WITH FEELING
156
Hay directores altamente reconocidos
por su perfeccionismo, capaces de repetir
una toma hasta el agotamiento físico
(y anímico) de sus actores y, por qué
no, de los miembros del equipo técnico
que deben seguirles el ritmo, siempre en
nombre del buen arte cinematográfico.
Si tenemos en cuenta sus inmaculados
currículums -hablamos de nombres como
Stanley Kubrick o David Fincher-, podemos
entender (un poquito) tanta insistencia
pero, ¿es realmente necesario llegar a
semejantes extremos fílmicos?
Entre muchas otras cosas, Kubrick obligó a
Tom Cruise a atravesar la misma puerta en
unas 90 ocasiones para lograr la imagen
perfecta en Ojos Bien Cerrados (Eyes Wide
Shut, 1999). Fincher, por su parte, todavía
se jacta de haber realizado 107 veces una
340
toma idéntica hasta conseguir la “correcta”,
una metodología que no parece haberse
aplacado en Mank (2020) -su última
producción a estrenarse en octubre de este
año-, donde Amanda Seyfried asegura
haber filmado la misma escena a lo largo
de cinco días. Ni la actriz puede definir
cuántas tomas se hicieron en total, pero
bien podrían ser más de 200.
Puede sonar tortuoso para más de uno,
pero muchos de estos protagonistas
están bien dispuestos a hacer el sacrificio
y hasta repetir experiencias con dichos
realizadores. La historia del séptimo arte
está plagada de momentos como estos:
escenas que se repitieron hasta que el
director quedó satisfecho. ¿Habrá valido
la pena?
08 LA COSA
148
Q El Resplandor
(The Shining, 1980)
No, no nos vamos a referir a la famosa
secuencia de Shelley Duvall, Jack Nicholson
y el bate de béisbol que, según dicen, se
filmó 127 veces. Nos vamos a centrar en una
toma mucho menos complicada, que el bueno
de Stanley decidió repetir en 148 ocasiones.
La escena en cuestión: Hallorann (Scatman
Crothers) le explica al pequeño Danny
(Danny Lloyd) su habilidad para “brillar”,
una simple situación de diálogo que, al
parecer, debía quedar perfecta.
Tocá acá y ves la
famosa escena
Q El Hombre Araña
(Spider-Man, 2002)
La primera aventura de Spidey a cargo de Sam
Raimi todavía se destaca entre las historias
superheroicas, justamente, por detalles como
éste, donde el director trató de mantener a
raya el CGI y apostarle a los efectos prácticos.
Estamos ante el momento culminante donde
Peter descubre sus poderes. Raimi quería
que se sintiera real, por eso Tobey Maguire
necesitó 156 tomas para perfeccionar esta
mega atajada de Mary Jane (Kirsten Dunst) y
su bandeja repleta de alimentos.
Q Luces de la Ciudad
(City Lights, 1931)
Charles Chaplin pudo haber sido uno de los
primeros “perfeccionistas” de la industria, famoso
también por sus exigentes secuencias físicas,
aunque les dedicaba la misma atención a las tomas
menos complejas. Por ejemplo, la escena donde
se come su zapato en La Quimera del Oro (The
Gold Rush, 1925) requirió 63 repeticiones. Casi
nada comparado con una toma de este clásico de
1931, donde Virginia Cherrill le tiene que ofrecer
una flor al protagonista. Carlitos buscaba captar
el movimiento de los labios de la actriz a la
perfección, de ahí que se haya llevado a cabo ¡340!
veces. Un dato no menor para una película muda.
 RECETA PARA EL EXITO
Q Mientras esperamos el regreso de Neo (Keanu Reeves) y
Trinity (Carrie-Anne Moss) en la cuarta entrega de The Matrix
-a estrenarse en abril de 2022-, nos pusimos a indagar sobre
la icónica “lluvia digital”, una marca registrada (e infaltable)
de la franquicia de las hermanas Wachowski. Lamentamos
informarles que esta representación de la actividad en el
entorno de realidad virtual de la Matrix, también conocida
como código o “lluvia verde”, no es un complicado algoritmo
desarrollado especialmente para la ocasión, sino que proviene
de un rejunte de grafías sacadas de un libro de recetas de sushi.
El código que fluye en cascada fue creado por el diseñador Simon
Whiteley, personalizando imágenes especulares de caracteres kana
y letras y números del alfabeto latino. Durante una entrevista en el
año 2017, Whiteley le atribuyó el diseño a su esposa (oriunda del
país asiático) e hizo la gran revelación: “Me gusta decirles a todos
que el código de The Matrix está elaborado a partir de recetas de
sushi japonesas”, las cuales escaneó de dicho manual. Puede que
el contexto le quite un poco de mística a la historia, pero también
queda claro que, cuando se trata del arte, la inspiración puede venir
de los lugares menos pensados.

125
Q Esta es la cifra en
dólares que cobró
NUMERO VIVO

semanalmente la pequeña
Terry (mejor dicho, su
dueño y entrenador, Carl
Spitz), la Cairn terrier que
interpretó a Toto en El
Mago de Oz (The Wizard
of Oz, 1939). Un número
más que envidiable
para la época, más si
tenemos en cuenta que
los salarios de muchos
de sus compañeros de
elenco humanos, como los
enanos que representaron
a los Munchkins,
oscilaban entre 50 y 100
dólares a la semana.
Quién pudiera tener esta
vida de perros, ¿no?

LA COSA 09
 DATOS (IN)ÚTILES QUE NECESITAMOS PARA VIVIR
PANDILLAS DE NUEVA YORK
En Los Guerreros (The Warriors, 1979), las bandas de todos los barrios de Nueva York se reúnen durante una noche cual juntada de fin de año. Pero algo sale
mal y nuestro grupo protagonista (que le da nombre a la película) tiene que cruzar toda la ciudad para volver a casa. Si no la viste, corré a verla y después
leéte este análisis exhaustivo que preparamos para vos.
1
Ubicación: Coney Island (Brooklyn).
Características: Los capos de Coney se
diferencian del resto ya que sus integrantes son
de diversas etnias y cada uno aporta lo suyo.
CLEON (Dorsey Wright)
El líder. Es inteligente y duro
y no tiene problemas en dar
la vida por el grupo.
SWAN (Michael Beck)
El segundo detrás de
Cleon. Pelea muy bien y es
estratégico en campo enemigo.
AJAX (James Remar)
El mejor peleando, pero su
carácter y poca agudeza le
generan más de un problema.
COCHISE (David Harris)
Uno de los más fuertes,
usa distintos tipos de
collares africanos.
FOX (Thomas G. Waites)
Es el que más sabe sobre
las pandillas rivales.
VERMIN (Terry Michos)
No es uno de los más lúcidos,
pero siempre se puede contar
con él para lo que sea.
Zapatillas u otro
tipo de calzado
SNOW (Brian Tyler)
Otro de los más recios y
de los que mejor pelea.
REMBRANDT (Marcelino Sánchez)
El grafitero. Es el encargado
de dejar la “W” roja en
donde se le ordena.
COWBOY (Tom McKitterick)
Uno de los más débiles
y con peor estado físico.
10 LA COSA
Por Matías Cipollatti
LOS OTROS
2 TURNBULL AC’S
Ubicación: Gunhill (Bronx).
Chaleco de Características: Unos skinheads que andan
cuero marrón, por las calles en un colectivo escolar.
en la espalda
tienen el parche Vestimenta: Chalecos de jeans.
de la banda.
3 ORPHANS
Ubicación: Tremont (West Bronx).
Características: Unos “losers” bárbaros, no
fueron ni invitados a la reunión de pandillas.
Vestimenta: Jeans azules y remeras verdes.
Líder: Sully (Paul Grecco).
4 BOPPERS 5 PANZERS
Ubicación: Harlem (Manhattan). Ubicación: Washington
Heights (Manhattan).
Características: Son todos
afroamericanos. Vestimenta: Remeras violetas
Vestimenta: Chalecos y con camperas camufladas.
sombreros violetas.
6 HURRICANS 7 ELECTRIC ELIMINATORS
Ubicación: East Harlem Ubicación: Ridgewood (Queens).
(Manhattan).
Características: Camperas
Características: La pandilla latina. amarillas brillosas.
8 BASEBALL FURIES
característico
(Cochise usa
unas botas
trenzadas) Ubicación:
Riverside Park (Manhattan).
Características:
No emiten palabra alguna y
pelean con bates de béisbol.
Vestimenta:
Usan la indumentaria de los
Yankees de Nueva York y las
caras pintadas de distintos
colores. Dan miedo.
 Este es el mapa del metro
EL MAPA de Nueva York en 1979.
ACÁ ES EL MEGAEVENTO
DE PANDILLAS.
EL CAMINO DE LOS GUERREROS
Cómo es el regreso a casa de nuestro héroes:
DYRE AV. - EAST TREMONT AV.
Bronx DYRE AV. PELHAM
BAY PARK
Por un incendio ¿intencional? en la estación se tienen
que bajar y caminar hasta la siguiente parada.
FREEMAN - 96 ST. - UNION SQUARE
2 Paran en la estación de la calle 96 para cambiar de
tren, pero se arma lío con la policía y el grupo termina
Río Harlem dividido. Tres logran subirse a otra formación y llegan a
Union Square.
UNION SQUARE - CONEY ISLAND
4 3 El resto llega a la estación caminando, pero sin antes
EAST TREMONT AV. pelear en Central Park, entre otros líos. Ya reunidos
nuevamente, logran llegar a casa.
FREEMAN
5
9 ROGUES

Ubicación: Hell’s Kitchen (Manhattan).

Características: Liderados por un tipo no
muy cuerdo, tienen una especie de coche
6 fúnebre todo grafiteado.
8 7 Vestimenta: Chalecos de cuero negros.
Líder: Luther (David Patrick Kelly).
Río Este

CENTRAL 96 ST.
PARK Está bastante loco y le gusta
hacer ruido con botellas de vidrio.

Queens 10 LIZZIES
9
Ubicación: Union Square (Manhattan).
Características: Una banda conformada
por mujeres que tienen una de las mejores
10 UNION SQUARE Brooklyn
guaridas, con rockola incluida.

11
14
11 HI-HATS
15
Manhattan Ubicación: Soho (Manhattan).
Características: Algo así como una mezcla
entre mimos y payasos.
12 Vestimenta: Conjuntos rojos y negros, con
14 RIFFS
tiradores, sombreros y caras pintadas de blanco.

Ubicación: Gramercy (Manhattan).

12 SAVAGE HUNS
Características: La más grande y poderosa de la ciudad.
Vestimenta: Usan túnicas de karate naranjas o negras. Ubicación: Chinatown (Manhattan).
Líder: Cyrus (Roger Hill). Características: La banda asiática.
Es quien convoca la multitudinaria reunión con la idea de
formar una pandilla única en todo Nueva York. Vestimenta: Atuendos verdes, con ojotas y
gorros con orejeras.

13
15 PUNKS 13 SARACENS
Ubicación: Ubicación: Bensonhurst (Brooklyn).
Bowery (Manhattan).
Vestimenta: Musculosas negras.
Características:
Otros que no hablan mucho, pero saben
pelear muy bien.
Vestimenta: HOGAR, DULCE HOGAR.
Todos andan con jumpers de jean y su líder 1 CONEY ISLAND
en patines (todo muy de los setenta).

LA COSA 11
 ¿DE QUÉ
She-Ra y las Princesas del Poder nos lleva a revisitar la historia de este clásico personaje de una
S
LOS INFALTABLE manera completamente nueva, con un mensaje sobre la amistad, el amor y la unidad. La legendaria

COSAS QUE NUNCA

ESTÁN AUSENTES EN
SE TRATA? heroína descubre su verdadera identidad y debe liderar a la rebelión, con la meta de liberar al
reinado de Etheria de los hordeanos, a los que una vez perteneció.
UN CAPÍTULO

GUÍA LA COSA PARA ENTENDER

SHE-RA
Aventura épica, nostalgia de los ochenta, espadas, magia, colores brillantes,
acción de la buena, humor y una animación que mezcla lo nuevo y lo viejo, son los
AZÚCAR, FLORES Y condimentos perfectos que hacen de She-Ra y las Princesas del Poder (She-Ra
MUCHOS COLORES and the Princesses of Power, 2018-2020) una de las series animadas más exitosas
de Netflix. Este año llegó a su fin, y es una buena excusa para recomendarla.
No, She-Ra no
tiene nada que
Y LAS PRINCESAS DEL PODER
ver con Las Chicas
Superpoderosas,
DURACIÓN 2018 / 13 EPIS. 2019 / 26 EPIS. 2020 / 13 EPIS.
pero los colores
pastel y los brillos
son una constante QUIÉN ES QUIÉN Los Etherios
en la serie,
y contrastan
ADORA/SHE-RA
perfecto con la
acción.
1 AIMEE CARRERO
capitana cuando su compañera
decide ayudar a sus enemigos.
Mejor amigo de Glimmer y
más tarde también de Adora.
Desde ese momento, está Gran arquero y uno de los más
Luego de ser ascendida a determinada a detenerla y llevarse comprometidos con la rebelión, a
capitana de la fuerza por la gloria de los hordeanos. pesar de mantenerlo en secreto
Shadow Weaver, la líder para su familia, ya que no están
de los hordeanos, Adora GLIMMER de acuerdo con la misma.
acaba descubriendo que, 2 KAREN FUKUHARA
en realidad, es la esperada
¡POR EL PODER DE aliada y heroína profetizada Princesa de Luna Brillante y una
GRAYSKULL! por los Primeros, para salvar SHADOW WEAVER
de las principales aliadas de Adora LORRAINE TOUSSAINT
al reino de Etheria. en su rebelión. Tiene la habilidad
Es un poco
de teletransportarse, y es un
larga y a veces
CATRA personaje crucial para que Etheria Líder de los hordeanos, un ser
tediosa, pero la
AJ MICHALKA pueda vencer a los hordeanos. oscuro, místico y poderoso
transformación
que parece saber mucho más
de Adora en
de lo que dice. Al igual que
She-Ra siempre
Siempre a la sombra de Adora, BOW Adora, su origen no es el que
es uno de los
a pesar de su amistad, Catra 3 MARCUS SCRIBNER todos piensan y es por eso que
momentos más
termina convirtiéndose en la desea con tanto fervor destruir
emocionantes de
cada episodio.

ORÍGENES por Noelle Stevenson -caricaturista y personaje. Sin embargo, el estreno no

She-Ra y las Princesas del Poder
(She-Ra and the Princesses of
Power, 2018-2020) fue desarrollada
LO DICE LA CIENCIA
animadora que trabajó para DC Comics, se dio hasta 2018, cuando ya habían
Marvel y Boom! Studios-, quien en logrado darle forma a los primeros 13
2016 le presentó por primera vez a episodios de la serie. Desde el minuto
Netflix la idea de revivir al legendario cero, Stevenson quiso utilizar animación

Uno de los puntos CURIOSIDADES VARIAS FIGURETI

altos de la serie Stevenson no
es la facilidad con EL SOMBRERO SELECCIONADOR pudo evitarlo
la que la ciencia y
Como buena fan Hogwarts. Según ella, Adora y se incluyó a
la magia trabajan
a la par, dejando de Harry Potter, es una Slytherin tratando sí misma y a su
bien en claro que Noelle Stevenson de ser Gryffindor, pareja en el episodio
no son enemigas no tardó en mientras que Catra del Baile de Graduación de las
y se puede sacar clasificar a sus es una Hufflepuff Princesas, uno de los capítulos
provecho de protagonistas dentro tratando de ser una más emotivos, y de los favoritos
ambas. de las casas de Slytherin. del público.

12 LA COSA
 Si sos demasiado joven para saber esta respuesta, te iluminamos. La princesa Adora es la hermana del príncipe Adam,
¿QUÉ ES mejor conocido como He-Man. Fue introducida en la película animada He-Man y She-Ra: El Secreto de la Espada (The

SHE-RA? Secret of the Sword, 1985), con el fin de arrimar la franquicia de Masters of the Universe al público femenino.

Etheria, aunque su lealtad y sus de que Adora se encuentre en un

objetivos varían demasiado. mundo que no le pertenece. LIGHT HOPE
MORLA GORRONDONA

HORDAK
KESTON JOHN
El verdadero amo de los
hordeanos, quien manda sobre
Shadow Weaver, Catra y los
demás. Su único objetivo es
destruirlo todo, y es el culpable
SWIFTWIND
ADAM RAY Es una inteligencia artificial creada
por los Primeros, quien ayuda a Adora
a entrenar, prepararse y reencontrarse
El unicornio parlante de Adora. con su pasado, pero no siempre está
Originalmente, un simple caballo, del lado correcto.
pero está destinado a convertirse en
mucho más, y a tener una conexión
especial y profunda con She-Ra.

tradicional para el show, y ese fue uno de
los principales atractivos para el público
y también para la plataforma, a pesar de
que varios elementos se realizaron por
computadora. Su principal objetivo con
She-Ra era poder traer de regreso a
un personaje que, en su momento, fue
revolucionario, y superar la apuesta
con un abanico de protagonistas que en
su mayoría no respetan la heteronorma.

A TODO VOLUMEN NO A LAS ETIQUETAS

Cada uno de los personajes
principales tiene su propia
lista de reproducción musical
en Spotify -creadas por la
mismísima Noelle-, que ayudan
a entender un poco más a Adora,
Catra, Bow, Glimmer y más, a
través de las canciones que
seguramente escucharían.
La serie recibió una nominación a los premios GLAAD,
¿CÓMO TERMINÓ?
gracias a que la mayoría de sus personajes no tienen
definida su sexualidad o son fluidos respecto a ella, al El desenlace de She-Ra puede
igual que con su género y las normas que, generalmente, tener como línea principal
se aplica a cada uno de ellos. Además, ganó un Daytime el hecho de que Adora logra
Emmy salvar a la galaxia pero, en
realidad, lo más importante
como Mejor
es que, finalmente, Catra y
Programa nuestra heroína confiesan su
Infantil. amor y lo sellan con un beso.

LA COSA 13
 NUEVOS CINEASTAS

14 LA COSA
 SEAN BAKER

PROYECTO
GUERRILLA
Además de dedicarle esta sección a lxs cineastas debutantes que la están descosiendo en Hollywood
en los últimos años, también queremos rescatar la carrera de aquellxs que tal vez empezaron hace
mucho más tiempo, pero les costó un poquito más pegarla. No siempre es una cuestión de talento,
sino de estar en el lugar y el momento adecuado, tener un poco (bastante) de suerte y -no es un
detalle menor- contactos. Por eso, hoy les traemos a Sean Baker, un realizador que se mueve en los
márgenes de las grandes ligas, pero finalmente está dejando su marca.

Por
Ana Manson

D
e dónde viene y con esa idea contactó a Mark Duplass para que lo ayudara a
Un año antes de cumplir los treinta, Sean Baker debutó con producir su próximo largometraje: Tangerine (2015), un drama
su ópera prima Four Letter Words (2000), en la que había sobre una trabajadora sexual trans, que se comprometió a hacer
estado trabajando desde que se graduó de la Universidad de Nueva por menos de la mitad del presupuesto de su anterior película.
York, cuatro años atrás. Con apenas 80 mil dólares de presupuesto, Así fue como Baker se puso a investigar sobre nuevas técnicas
realizó esta película con restos de rollos de 35 mm, uno de sus pocos de filmación para abaratar costos sin resignar su sello distintivo, y la
largometrajes en formato analógico. A partir de ese momento, abrazó inspiración le llegó cuando vio Red Hook Summer (2012), la sexta
el digital, reduciendo drásticamente sus costos de producción y película de la saga antológica de Spike Lee, Crónicas de Brooklyn.
trabajando sin descanso de manera independiente. Filmada al estilo guerrilla y con secuencias realizadas con un iPad,
Después de su debut cinematográfico, catalogado por la crítica como Baker quedó impresionado y decidió probar suerte con un iPhone
un estudio de la psiquis masculina post- 5s que ya tenía en el bolsillo. La prueba salió
adolescente, Baker se puso a trabajar en
un proyecto televisivo que homenajeó al
“SU CRECIMIENTO SOSTENIDO tan bien que toda la película se filmó de esta
manera, bajo la supervisión del mismo director
cine indie de la época y obtuvo su propio Y EL RECONOCIMIENTO de fotografía de Starlet, Radium Cheung.
spin off: la serie de MTV Greg the Bunny DEL QUE AHORA GOZABA, Con la ayuda de aplicaciones, accesorios
(2005-2006), protagonizada por Seth Green LO ALENTARON A BUSCAR y adaptadores, revolucionaron todo con
y Eugene Levy. A pesar de que duró una este nuevo estilo de filmación, que les
sola temporada y fue cancelada, se ganó otro FINANCIACIÓN ENTRE LOS permitió más libertad de movimientos, rodar
desprendimiento basado en sus personajes. GRANDES DE LA INDUSTRIA, clandestinamente en locaciones complicadas
Pero Baker no se olvidó de dónde venía PERO SOLO ESTABA y hasta darles más verosimilitud a las
y siguió trabajando en películas escritas, actuaciones de las dos protagonistas, actrices
dirigidas, editadas y producidas por él
INTERESADO EN DIRIGIR SUS debutantes que no estaban acostumbradas
mismo, con presupuestos ínfimos, como Take PROPIOS GUIONES” a las grandes cámaras ni las producciones
Out (2004) y Prince of Broadway (2008). hollywoodenses, pero sí a posar e interpretar
Muy en la suya y sin particular interés por buscar un acuerdo con los para los celulares.
grandes estudios, el realizador siguió desfilando por festivales de cine Elogiado por su estilo vanguardista y su arriesgada visión, Baker
estadounidenses, hasta que su cuarta película, Estrellita (Starlet, 2012), obtuvo las libertades con las que cualquier cineasta sueña para
llamó la atención de la crítica y cosechó reseñas muy positivas, que lo producir su próxima película, Proyecto Florida (The Florida
llevaron a viajar por el mundo promocionando su estreno en festivales Project, 2017). Volvió a trabajar en el guion con una aproximación
internacionales, donde consiguió distribución comercial. A su galería periodística junto a su frecuente colaborador, Chris Bergoch, sobre
de protagonistas marginales, como un traficante de poca monta y un una historia que sigue a una jovencísima madre soltera y su hijita
inmigrante ilegal chino endeudado, se sumaron las dos improbables de seis años Moonee. Ambas viven en la periferia de los parques
amigas de Starlet: Jane y Sadie, que entablan una bonita relación, de Disney en Orlando, en un hotel de mala muerte al borde de la
aunque las separen más de 60 años de edad. indigencia. Willem Dafoe fue el único actor profesional contratado
para la película, y su papel como el empático encargado del lugar
Y hacia dónde va le valió su tercera nominación al Oscar e incontables premios.
Después del éxito de esa película, según palabras del mismo Baker, Sean Baker pasó a ser finalmente reconocido en todo el mundo
algo “casi” pasó. Su crecimiento sostenido y el reconocimiento del que como el cineasta rupturista y comprometido que es. Todavía falta
ahora gozaba lo alentaron a buscar financiación entre los grandes de atestiguar qué nos depara a continuación el trabajo de este director
la industria. Pero solo estaba interesado en dirigir sus propios guiones, que sabe filmar las historias que nadie más ve.

LA COSA 15
 +
LOVECRAFT COUNTRY

HORROR
CÓSMICO

16 LA COSA
+ VIOLENCIA
TERRENAL
HBO ESTRENA
LOVECRAFT COUNTRY,
UNA SERIE DE TERROR
PRODUCIDA POR JORDAN
PEELE QUE CITA Y
CUESTIONA AL AUTOR DE
LOS MITOS DE CTHULHU,
QUE REVOLUCIONÓ EL
GÉNERO EN EL SIGLO XX.
Por
Ignacio Esains
Las historias son como
“ la gente”, dice George
Turner en las primeras
páginas de Lovecraft Country
(2016). “Amarlas no las hace
perfectas. Tratás de atesorar sus
virtudes y omitir sus fallas. Pero las
fallas siguen estando”. George es
uno de los muchos protagonistas de
la novela de Matt Ruff, estructurada
como una colección de historias
cortas interconectadas. George es
un editor afroamericano de guías
de viaje que conoce de memoria a
cada autor de ciencia ficción, y sabe
mejor que nadie lo que significa
CINCO
NO-
ADAPTA
CIONES
Hay pocas películas y series
basadas directamente en el
trabajo de H.P. Lovecraft, pero su
influencia se siente a lo largo de
varias obras maestras del horror.
amar esos relatos que lo excluyen
y, a veces, hasta lo discriminan de
forma directa.
Lovecraft Country está ambientada
a mediados de los años cincuenta.
En el centro de su primera historia
está Atticus, sobrino de George,
fanático de las novelas “pulp” y
veterano de la Guerra de Corea,
que emprende un peligroso viaje
a la Norteamérica más racista en
busca de su padre Montrose. Desde
sus primeras páginas, Ruff nos
muestra como George, Atticus y
Montrose se acostumbraron a vivir
en un país que, como la ciencia
ficción de la época, parecería soñar
con un futuro en el que él (y la gente
como él) no exista.
Antes de partir, Montrose deja una
carta. En ella revela su obsesión con
la madre de Atticus (fallecida hace
años), y su plan de ir en busca de
la familia que ella siempre ocultó.
Pero el problema es que el pueblo de
origen de la señora se llama Arkham,
un nombre que el veterano reconoce
de inmediato, porque no existe. Es
una ciudad ficticia creada por H.P.
Lovecraft, el más retrógrado de
esos autores que Atticus y su tío no
pueden evitar amar.
Ese es solo el principio de una
serie de historias que juegan con la
SERIE
True Detective
Lovecraft solía mezclar sus monstruos con elementos de otros
géneros. Rust Cohle, el protagonista de este policial, es un
“verdadero detective” al que su investigación lleva a lo profundo
de la mente humana, donde conviven la locura, el horror
cósmico y un “Rey Amarillo” arrancado de las páginas del autor.
fantasía, la realidad y dos universos
que parecen contraponerse: el horror
cósmico de Lovecraft -psicológico y
cerebral- y la violencia demasiado
tangible experimentada por la
comunidad afroamericana en los
años posteriores a la proclamación
de emancipación.
No es casual que Ruff elija a
Lovecraft como punto de partida
para contar su metaficción, y
que mezcle los monstruos de la
imaginación con los que se sientan
detrás del volante de una patrulla
de policía. El autor de terror más
importante de los últimos cien años
también era un racista recalcitrante,
capaz de hablar loas del Ku Klux
Klan, caer en diatribas antisemitas y
escribir poemas satíricos insultando a
una etnia entera.
En el caso de Lovecraft es imposible
separar a la obra del autor, ya que
su visión supremacista infecta sus
cuentos, como una mancha de moho
en el estante de una biblioteca. No
solo en el texto de historias como El
Horror de Red Hook (The Horror
at Red Hook) o La Sombra Sobre
Innsmouth (The Shadow Over
Innsmouth), sino en la visión de sus
narradores, obsesionados con la
preservación de la pureza de su raza
frente a invasores de otro mundo.
VIDEOJUEGO
Bloodborne (2015)
Ninguna adaptación de Lovecraft ha logrado trasladar a lo
visual la geometría que el escritor llamaba “no-euclidiana”. La
ciudad de Yharnam -en la que está ambientado este grotesco
juego de acción- está directamente inspirada en R’lyeh, urbe
submarina en la que mora el dios antiguo Cthulhu.
LA COSA 17

Son pocos los lectores que podrían
defender el punto de vista de
Lovecraft, y a la vez nadie propone
seriamente “cancelarlo”, ya que
es imposible. Su influencia es
fundacional en la concepción
moderna del terror, así que la
solución (más constructiva, menos
moralista) que proponen autores
como Ruff es releerlo, revisarlo,
deconstruirlo. Ver al horror a los ojos.
“NO ES CASUAL QUE
MATT RUFF ELIJA A
LOVECRAFT COMO
PUNTO DE PARTIDA PARA
CONTAR SU METAFICCIÓN,
Y QUE MEZCLE LOS
MONSTRUOS DE LA
IMAGINACIÓN CON LOS
QUE SE SIENTAN DETRÁS
DEL VOLANTE DE UNA
PATRULLA DE POLICÍA”
Exactamente cien años después de
la publicación del primer cuento de
los Mitos de Cthulhu, HBO prepara
una adaptación de la novela de Ruff
que promete ser fiel sin caer en lo
literal. Es una producción de alto
presupuesto, que lleva la marca del
nombre más cotizado del terror
cinematográfico actual: Jordan
Peele y su Monkeypaw Productions,
mientras que la directora creativa
de la serie es Misha Green, co-
creadora de la excelente y olvidada
Underground (2016-2017).
Atticus ya no es Turner, sino Black,
y lo interpreta Jonathan Majors,
quien viene de un papel protagónico
en 5 Sangres (Da 5 Bloods, 2020) de
Spike Lee. Lo acompaña Courtney
B. Vance -el inolvidable Johnny
Cochran de American Crime Story:
PELÍCULA
En la Boca del Miedo
(In the Mouth of Madness, 1995)
Una pequeña maravilla de John Carpenter que, sin
adaptar literalmente a Lovecraft, incorpora distintos
elementos de su obra jugando con la locura, la percepción
y la idea paradójica de que el conocimiento nos hace aún
más vulnerables al horror.
19 LA COSA
UNDERGROUND:
LA SERIE QUE TE
PERDISTE
Quizás no te suene el nombre de
Misha Green, pero esta guionista y
productora es uno de los grandes
talentos que surgieron de la nueva
Era Dorada de la televisión. Fue
parte de los equipos de series de
culto como Heroes (2006-2010),
Spartacus (2010-2013) y Sons of
Anarchy (2008-2014), pero su
creación más importante fue la
excelente Underground, una serie
histórica sobre la red clandestina
creada en el siglo XIX para ayudar a
los esclavos a escapar de sus amos.
Protagonizada por Smollett-Bell y
Aldis Hodge, tuvo dos temporadas
en el ignoto canal WGN, que la
canceló antes de que llegue a su
final. Aun así, vale la pena buscarla
y perderse en su meticulosa
recreación histórica.
The People vs. O.J. Simpson- como
el tío George, y en el rol de su amiga
de la infancia Letitia está Jurnee
Smollett-Bell, que fue la revelación
de Aves de Presa y la Fantabulosa
Emancipación de una Harley Quinn
(Birds of Prey: And the Fantabulous
Emancipation of One Harley Quinn,
2020), y trabajó con Green en las dos
temporadas de Underground.
En sus primeros años como canal
premium, HBO tenía una pantalla,
digamos, monocromática. A pesar de
excepciones como Oz (1997-2003)
o The Wire (2002-2008), las series
más importantes del canal -Sex and
PODCAST
Welcome to Night Vale
Si los podcasts narrativos como Homecoming y
Limetown están de moda, es gracias a este precursor
de 2012, una historia de terror en un pueblito muy
lovecraftiano, que está entre el homenaje y la
parodia a las obras del escritor.
the City (1998-2004), The Sopranos
(1999-2007), Game of Thrones
(2011-2019)- narran una experiencia
en la que predominan los colores
pálidos de piel. En los últimos años,
la cadena está buscando diversificar
su producción delante y detrás de
cámara, con éxitos que incluyen
la comedia Insecure, el devastador
drama I May Destroy You y el
poético, indescriptible late night,
Random Acts of Flyness.
Quizás el mejor ejemplo de la
dirección de la “nueva” HBO sea
Watchmen (2019), la miniserie
protagonizada por una superheroína
negra, que usa el cómic como punto
de partida para explorar décadas
de racismo institucionalizado en
las fuerzas de seguridad de Estados
Unidos. La secuencia que da inicio a
la serie pone en escena la masacre de
Tulsa de 1921, que también tiene un
lugar prominente en la novela de Ruff.
Ni Peele, ni Green, ni Ruff, ni el
coproductor J.J. Abrams podían
saber que Lovecraft Country se iba
a estrenar en un contexto cargado
de conflictos raciales. El asesinato de
George Floyd y los múltiples hechos
de violencia posteriores demuestran
que la herida sigue abierta, y que no
es tarde para examinar el racismo que
late detrás de nuestra cultura pop.
Porque hay otro aspecto de
Lovecraft Country que se conecta a
la representación de la comunidad
afroamericana en pantalla. El
George de la novela no es un editor
cualquiera, sino una versión ficcionada
de Victor Green, creador de la “Guía
para Automovilistas Negros”, mejor
conocida como el “Green Book”.
La misma que inspiró la película
ganadora del Oscar, y que identificaba
los hoteles y restaurantes que no
negarían servicio a afroamericanos en
los pueblitos de Estados Unidos de la
era de la segregación.
MANGA
Tomie
(1988-2000)
El body horror tentacular de HPL ha influenciado a varios
autores japoneses, pero a ninguno tanto como al mangaka
Junji Ito, quien recrea con maestría la forma en la que la
locura de lo inexplicable se infiltra en la vida cotidiana. El
manga pronto será adaptado a una serie de Quibi.
 “EN EL CASO DE
LOVECRAFT ES IMPOSIBLE
SEPARAR A LA OBRA DEL
AUTOR, YA QUE SU VISIÓN
SUPREMACISTA INFECTA
SUS CUENTOS, COMO
UNA MANCHA DE MOHO
EN EL ESTANTE DE UNA
BIBLIOTECA. NO SOLO EN EL
TEXTO DE SUS HISTORIAS,
SINO EN LA VISIÓN DE
SUS NARRADORES,
OBSESIONADOS CON
LA PRESERVACIÓN DE
LA PUREZA DE SU RAZA
FRENTE A INVASORES DE
OTRO MUNDO”

RECICLANDO
A LOVECRAFT
Tres novelas que se atreven a
cuestionar al maestro.

LA BALADA DE TOM EL NEGRO

A diferencia de lo que pasa en la
película, en Lovecraft Country el “green
book” es más que un libro: es un arma.
Una herramienta de autodefensa que,
dentro de la ficción de Ruff, funciona
como un contrapunto al Necronomicon
de Lovecraft. Conocimiento arcano
que protege a su dueño de un horror
cósmico. O, en el caso del “green book”,
de la violencia terrenal.
A pesar de que su autor no es
afroamericano, la metaficción de
Lovecraft Country postula que la
inclusión y la diversidad no son
cuestiones de corrección política. La
representación es importante. Casi
como un hechizo, ganar un lugar en
la cultura pop allana el camino para
ganarlo en el mundo real.
Matt Ruff admite que su novela nació
como la propuesta de una serie de
televisión, una versión alternativa
de Los Expedientes Secretos X (The
X Files), con una conciencia
social ausente en la creación de
Chris Carter. Con esa misma
conciencia, Ruff tomó la decisión
de entregar sus personajes a
productores, actores y guionistas
que vivieron en carne propia los
relatos de terror que Lovecraft
Country usa como inspiración. El
autor, que acaba de editar el aclamado
cyberthriller 88 Names, sabe que no
es la persona indicada para seguir
contando esa historia.
Soltar, en este caso, parece la decisión
correcta. Lovecraft Country no solo
es el lanzamiento más fuerte de HBO
para lo que queda del año, sino que
podría ser el punto de partida de una
de las primeras grandes sagas televisivas
en mezclar la fantasía, el terror y la
experiencia negra, con afroamericanos
delante y detrás de cámara. George
Turner estaría orgulloso.
(2016)
En esta novela corta, Victor LaValle
recuenta El Horror de Red Hook (The
Horror at Red Hook) desde la perspectiva
de un personaje afroamericano. La
dedica: “A H.P. Lovecraft, con todos mis
sentimientos conflictuados”.
PROVIDENCE
(2015-2017)
Alan Moore, autor de Watchmen, mezcla
humor y horror al explorar en esta novela
gráfica el mundo real que existe en los
confines de las historias de Lovecraft y, a
la vez, analiza su propia influencia sobre
el arte de los cómics.
LA LETANÍA DE LA TIERRA
(The Litany of Earth)
Magistral novela corta de Ruthanna
Emrys, publicada en la antología Agua en
los Pulmones, que sirve de continuación
de La Sombra Sobre Innsmouth, pero que
muestra a los seguidores de los Profundos
de Lovecraft como víctimas de poderes en
pugna, entre el terror y el romance.
MÁS Mirá el
INFO tráiler

LA COSA 19
 EL REGRESO TRIUNFAL
DE LOS AUTOCINES

VOLVIENDO
A LOS AÑOS
SESENTA
UNA DE LAS MÁXIMAS PREOCUPACIONES QUE TENEMOS LOS CINÉFILOS EN TIEMPOS
DE PANDEMIA ES: ¿CUÁNDO PODREMOS VOLVER A DISFRUTAR DE UN BUEN ESTRENO
EN LA PANTALLA GRANDE? POR AHORA TENEMOS QUE CONFORMARNOS CON HACER
POCHOCLO EN EL MICROONDAS Y SENTARNOS EN EL SILLÓN DE CASA. O NO.

Por
Lu Agosta

os autocines se están haciendo volvieron a inaugurarse más de 150

L escuchar en todo el mundo de estos espacios. El Memorial de

como una nueva/vieja
alternativa ante el Coronavirus. Aunque
tuvieron su momento de declive en
los años setenta con la llegada de la
televisión a color, los reproductores de
VHS y los alquileres de películas (¡Hola,
Blockbuster!), hoy se presentan como
una salvación momentánea para nuestro
problemita de “abstinencia”.
Con todos los protocolos de prevención
incluidos, el autocine reapareció en
distintos lugares del mundo. En Alicante
(España) se abrió el más grande de
Europa y por estos días estuvieron
proyectando Jurassic Park (1993) en
3D, mientras que en Estados Unidos
AUTOCINE EN EL CINE
América Latina, un complejo gigante
ubicado en el centro de San Pablo, es
otro de los que regresó al ruedo para
reestrenar clásicos como Apocalipsis
Now (Apocalypse Now, 1979).
En nuestro país, el de Catamarca fue
el primer drive-in habilitado por el
INCAA y tuvo su debut durante el mes
de mayo con la proyección de Parasite
(Gisaengchung, 2019). Mientras tanto,
en Santa Rosa (La Pampa), el autocine
tuvo su regreso triunfal a “sala llena”
con más de 300 vehículos. Por otro
lado, en ciudades como París elevaron
un poquito la apuesta, armando un
autocine flotante en el lago artificial
Dale
play acá
y te miras
Grease la escena
(1978)
Después de que Sandy rechaza a Danny
Zuko en el autocine (en una escena que
hoy sería bastante controversial), Travolta
reacciona como todo buen personaje
dentro de un musical y decide expresar
sus sentimientos a través del canto. Se
pasea entre los autos al ritmo de “Sandy”,
y termina sentado en una hamaca de la
plaza mientras en la pantalla de fondo,
vemos un comercial bien retro.

20 LA COSA
de Bassin de La Villette. Éste contará
con una pantalla de 16 x 9 metros, y
el público podrá ver la película desde
38 botes eléctricos inteligentes con
capacidad de entre dos a seis personas.
Todo a puro glamour parisino.
Resulta increíble pensar que una
apuesta que se extinguió hace tanto
tiempo esté resurgiendo dentro de un
contexto tan particular como el que
vivimos hoy. Lo cierto es que el autocine
parece hecho a medida para esta
pandemia, en donde lo que más importa
es el distanciamiento social: cada uno en
su auto con su pochoclo.
UN POCO DE HISTORIA
El autocine surgió en los años cuarenta,
en Estados Unidos, y de a poco se fue
expandiendo hasta llegar al resto del
mundo. Pronto se convirtió en una de
las salidas más cool de la época, clave
para tener una cita o armar una buena
juntada con amigos. Con el tiempo
tuvieron que sobreponerse a distintos
obstáculos, entre los que se encuentran
aquellos que querían prohibirlos por
considerar que fomentaban actitudes
inmorales. Decían que muchos de los
bebés nacidos durante el famoso “baby De todos
boomer” habían sido concebidos en modos, uno
este escenario. Al final, el motivo de de los aspectos
su verdadera extinción se debió a la más novedosos
llegada de las nuevas tecnologías. Ya era que en el
no tenía mucho sentido estar sentado autocine se
durante dos horas en un auto para vendía
intentar escuchar lo que los personajes comida.
decían a través de parlantes de baja Por aquel
calidad y sin sonido estéreo. entonces,
A Argentina toda esta movida llegó cuando
bastante más tarde y tuvo su momento ibas al cine
de mayor popularidad en los años tradicional
ochenta. Si le preguntan a algún padre solo se
o pariente (y si pudieron vivirlo sabrán podía comer
de lo que hablamos), les dirán que bombón
el sonido siempre fue el desafío más helado,
grande. Los altavoces aparecían en chocolate o
una suerte de parquímetros y podían caramelos, y
ser enganchados en la parte lateral nada de nachos
de los vehículos, pero el problema era con queso cheddar o salas premium
que la gente, a veces, se olvidaba de con sushi, como podemos ver hoy en
ponerlos en su lugar y se los llevaba día. Para llamar al mozo solo había
por error, así que en ocasiones ni que encender las luces bajas y te podías
siquiera podías ver la película con pedir un lomo completo con papas,
sonido. Otro sistema que se usaba un matambre, y hasta una pizza o
mucho era el de la conexión a través una hamburguesa. Y claro, cualquier
de la radio del auto, pero ese también comida podía ir acompañada de un
se escuchaba terrible. buen vino.

Volver al Futuro III
(Back to the Future Part III, 1990)
¿La vieron mil veces como nosotros
y nunca repararon en el autocine?
Cuando el Doc manda a Marty
McFly al pasado, vestido como el
cowboy más extraño del Oeste, el
DeLorean acelera a través de las
instalaciones de un autocine, en
donde pueden verse la pantalla
y hasta los parquímetros con los
altavoces para cada auto.
Twister
(1996)
Uno de los tornados de la película
con Helen Hunt y Bill Paxton
arrasa con un autocine en donde
están proyectando El Resplandor
(The Shining, 1980). Para elevar la
tensión de la secuencia, la pantalla
es destrozada justo en el momento
en que Jack Nicholson pierde la
cabeza e intenta derribar la puerta
con un hacha.
Eterno Resplandor de una Mente Sin Recuerdos Los Marginados
(Eternal Sunshine of the Spotless Mind, 2004) (The Outsiders, 1983)
En la película de Michel Gondry, los Los chicos malos, Dally (Matt
recuerdos de Jim Carrey también Dillon) y Ponyboy (Ralph
incluyen una escena en el drive-in con Macchio), se meten en un
Kate Winslet. Como no pueden escuchar autocine sin pagar la entrada
el sonido, los dos se divierten recreando y ahí conocen a Diane Lane
los diálogos del film e incluyendo frases cuando apenas tenía 20
geniales como: “Querida, hay gente años. ¿La película que ven?
saliendo de tu trasero”. Un hermoso Un clásico de Buster Keaton
momento que el personaje no quería llamado Beach Blanket
borrar después de todo. Bingo (1965).

LA COSA 21
 PROYECTOCUTPOWER
SNYDER

DAME
TODO
EL
PODER ¿Qué harías si pudieras tener superpoderes,
aunque solo fuera por unos minutos?
Seguramente, todos nos lo preguntamos alguna
vez, pero en la nueva película de Netflix, la gente
de New Orleans no tiene que vivir de suposiciones
y puede comprobarlo de verdad. De eso, y un
poco más, trata Proyecto Power (Project Power,
2020) y te lo contamos acá.

22 LA COSA
 Por
Macarena Luna
esde que los superhéroes existen, y probablemente
D desde antes, la humanidad se ha preguntado qué
haríamos si estuvieran a nuestro alcance esas
habilidades que parecen dignas de los dioses, pero que en la
mayoría de las historias las ostentan personas que son casi,
casi como nosotros. Y al final del día, lo son. Entonces, ¿qué
sucedería si fuéramos capaces de comprobar en nuestra
propia piel algún superpoder? Proyecto Power (Project
Power, 2020), la nueva apuesta de Netflix, nos sumerge en
un mundo donde contestar esa pregunta es posible.
Situada en las calles de Nueva Orleans, la historia nos
presenta a tres personajes que están haciendo todas las
cosas incorrectas por los motivos correctos. Por un lado, está
Robin (Dominique Fishback), una adolescente que intenta
ahorrar plata para poder pagarle el tratamiento médico
a su mamá con diabetes. ¿Cómo lo hace? Traficando con
drogas. Pero no una cualquiera. Esta nueva píldora parece
darle a quien la toma, la oportunidad de experimentar
algún superpoder. Sí, es al azar, y tiene que ver con algo
que ya existe en tu cuerpo. Su “trabajo” la lleva a conocer
a Frank (Joseph Gordon-Levitt), un policía dispuesto a todo
para detener el avance de esta nueva droga sobre su ciudad,
aunque eso implique consumirla él mismo. Y por último,
tenemos a Art (Jamie Foxx), un padre que no va a descansar
hasta recuperar a su hija de las manos de una red criminal,
los mismos responsables de la famosa píldora Power. Sus
caminos se van a cruzar, lo quieran o no, y tendrán que
hacer muchas cosas con las que, en otras circunstancias, no
estarían de acuerdo.
EL DÚO DINÁMICO –
ENTREVISTAS EXCLUSIVAS
Uno de los atractivos principales de Proyecto Power es la
química entre sus tres protagonistas pero, especialmente,
entre la Robin de Dominique Fishback y el Frank de Joseph
Gordon-Levitt, quienes comparten una complicidad muy
peculiar que le da ternura, humor y diversión a la historia.
Hablamos con ellos dos sobre cómo fue la experiencia de ser
parte de esta apuesta tan particular.
¿Cómo describirían Project Power?
Joseph Gordon-Levitt: Bueno, lo primero que se me viene
a la cabeza es: divertida. Realmente fue así como me
sentí haciéndola, disfruté cada segundo en el set, con mis
compañeros, con el equipo. Fue increíble. Me gusta ver todo
tipo de películas, no debés encasillarte solo en una. Me gusta
ver cine arte, romance, drama, acción. Disfruto de un film
que te deje pensando durante horas y también de uno que te
entretenga para pasar un buen rato, ponerte de buen humor.
Creo que así describiría a Proyecto Power.
Dominique Fishback: También la veo como una película
de acción muy divertida, donde podés ver a personas de
diferentes mundos, distintas realidades, uniéndose por un
objetivo común, aún sin saberlo. Creo que eso es lo que la
hace más interesante, esta mezcla de personalidades.
¿Qué pueden decirnos de sus personajes?
DF: Bueno, veo a Robin como una persona que se preocupa
mucho por su familia, por su mamá. Es dulce y protectora. Es
de esas personas que quiere ayudar, quiere sentirse útil. Sí, no
toma las mejores decisiones a la hora de hacerlo, pero sabe que
debe cumplir en ayudar a su madre, y así lo hace. También es
un poco asustadiza, aunque parece muy valiente, porque no se
atreve a mostrar su talento, por ejemplo. Se deja cohibir.
JGL: Frank, bueno, él no es el tipo perfecto. Al principio no
estás seguro de si es bueno o si es malo, y realmente me gustan
los personajes así, porque los vuelve más humanos. Nosotros
no somos totalmente buenos o malos. Él es un detective que se
preocupa mucho por su ciudad y quiere hacer lo posible por
salvarla. Pero, por otro lado, no puede resistir la tentación de
saber qué se siente experimentar con esta droga. Así que no
solo no es el hombre perfecto, tampoco es el policía perfecto.
LA COSA 23
“ROBIN ES DE ESAS MUJERES QUE NO ¿Qué impacto tiene para vos, como mujer, interpretar a un personaje
femenino tan importante, fuerte y determinado como Robin?
SE QUEDAN SIN HACER NADA, QUE SE
DF: Es verdaderamente un honor. Como mujer afroamericana,
PONEN EN ACCIÓN Y, AL MOMENTO DE crecí viendo películas como El Perfecto Asesino, con las que me
ACTUAR POR UN BIEN MAYOR, NO DUDAN sentía identificada e inspirada, pero no podía verme reflejada.
Entonces, tener la oportunidad de contar esta historia, que
EN HACERLO, INCLUSO CUANDO A VECES espero llegue a muchas personas y principalmente a mujeres
NO LO HACEN DE LA MEJOR MANERA. ESO como yo, es algo realmente valioso para mí. Robin es de esas
NOS DA UNA HEROÍNA QUE, ADEMÁS DE mujeres que no se quedan sin hacer nada, que se ponen en
acción y, al momento de actuar por un bien mayor, no dudan en
SERLO, ES HUMANA, Y CON QUIEN MUCHAS hacerlo, incluso cuando a veces no lo hacen de la mejor manera.
PERSONAS PODRÍAN IDENTIFICARSE EN Eso nos da una heroína que, además de serlo, es humana, y con
MUCHOS SENTIDOS” quien muchas personas podrían identificarse en varios sentidos.
Eso me parece verdaderamente importante.
DOMINIQUE FISHBACK

Esto que mencionan es muy interesante, sobre estos personajes que

hacen cosas incorrectas por motivos correctos, porque es lo que les
pasa a estos tres protagonistas. ¿Qué piensan sobre eso?
JGL: Bueno, por un lado está Robin, una adolescente que
vende drogas, unas píldoras que son realmente dañinas
para las personas. Pero lo hace para ayudar a su madre.
Y Frank es un policía que le permite que lo siga haciendo
porque utiliza esa misma droga para hacer su trabajo, que
consiste en erradicarla. Creo que, a pesar de que esta es una
película muy divertida, toca temas realmente interesantes e
importantes sobre lo verdaderamente difícil que es, a veces,
estar en las calles, más que nada para personas que no tienen
los recursos o el dinero para poder tratarse médicamente, o
acceder a un buen empleo. Todo está ahí, en esta historia,
aunque parezca que hablamos de otra cosa
completamente diferente.

24 LA COSA
“A PESAR DE QUE ES Ya comentaron que la película está repleta de
secuencias de acción. ¿Hubo alguna especialmente
UNA PELÍCULA MUY difícil de filmar? ¿Cuál fue la que más disfrutaron?
DIVERTIDA, TOCA TEMAS JGL: No recuerdo alguna que me haya
REALMENTE INTERESANTES costado, la verdad hice poco del trabajo de
acción. No soy bueno para eso. En cuanto
E IMPORTANTES SOBRE LO a lo que más disfruté, sin dudas, fueron las
VERDADERAMENTE DIFÍCIL escenas junto a Jamie y Dominique, cuando
QUE ES, A VECES, ESTAR EN LAS estábamos los tres. Creo que había una
energía muy particular entre los personajes y
CALLES, MÁS QUE NADA PARA entre nosotros, muy divertida y revitalizante.
PERSONAS QUE NO TIENEN Pienso que esa es la esencia de la película, GRANDES
LOS RECURSOS O EL DINERO los momentos en que los ves a ellos peleando
juntos, yendo contra el mundo.
TALENTOS
PARA PODER TRATARSE
MÉDICAMENTE, O ACCEDER A DF: Bueno, a Robin tampoco le permitían Henry Joost y Ariel
Schulman se pusieron
UN BUEN EMPLEO” quedarse mucho en la acción. Siempre le
detrás de las cámaras
decían que se quedara afuera, que vigilara.
JOSEPH GORDON-LEVITT Pero sí fue interesante filmar la primera
para esta historia de
acción y ciencia ficción.
escena, cuando uno de sus clientes la ataca.
Aunque (principalmente)
No voy a preguntarles qué superpoderes les Fue divertido simular esa pelea, tener sangre
han trabajado
gustaría tener, pero si pudieran tomar Power sin en la nariz, tener que defenderme. También
en producciones
consecuencias legales o físicas, ¿qué habilidad que me gustó el final, cuando todos están reunidos,
relacionadas con el
ya poseen les gustaría mejorar? parecían como una familia y fue muy lindo.
mundo del terror, como
JGL: Wow, esa está difícil. Creo que me Actividad Paranormal
gustaría poder ser más empático. Siento que
lo soy, aunque obviamente no soy la persona “LA VEO COMO UNA PELÍCULA (Paranormal Activity),
hay un film que es muy
más empática del mundo. Es algo que me DE ACCIÓN MUY DIVERTIDA, similar a Proyecto Power,
gustaría poder mejorar. Además, sirve mucho DONDE PODÉS VER A PERSONAS al menos desde lo visual:
para la actuación, poder ponerse en el lugar Nerve: Un Juego Sin
del otro, entre las cosas que atraviesa, lo DE DIFERENTES MUNDOS,
Reglas (Nerve, 2016). Esta
que experimenta. Pienso que es algo muy DISTINTAS REALIDADES, película, protagonizada
importante hoy en día, y que todos deberíamos
ejercitar y trabajar.
UNIÉNDOSE POR UN OBJETIVO por Emma Roberts y Dave
Franco, tiene una vibra
COMÚN, AÚN SIN SABERLO” muy cercana a la más
DF: Esto es muy complicado. Bueno, no soy DOMINIQUE FISHBACK reciente colaboración del
como Robin que puede rapear, pero me gusta dúo, no en la historia,
la poesía y escribo. Pienso que me gustaría pero sí en los colores,
alguna habilidad relacionada con eso, como su forma de retratar las
poder conseguir algo con mis palabras. Puede calles y la acción. Entre
ser muy útil, pero siento que también podría sus próximos proyectos se
ser peligroso. Tal vez no podría medirme, no encuentra la adaptación
sé. Hay que tener cuidado con lo que decimos. de Mega Man, donde
Pero pienso que sería algo así. volverán a trabajar junto
a Mattson Tomlin,
quien también escribió el
guion de Project Power
y de una de las películas
más esperadas del
próximo año: The Batman
(2021). La carrera de
Tomlin está plagada de
cortometrajes, tanto en
su rol de escritor como de
director, así que sus más
recientes producciones
son las que realmente lo
MÁS Mirá el
han colocado en la mira
INFO tráiler de Hollywood.

LA COSA 25
 LOS OSCAR Y
LA DIVERSIDAD
EN BUSCA DE UNA
ACADEMIA MÁS
INCLUSIVA
AUNQUE TODAVÍA FALTA MUCHO PARA QUE LLEGUEN LOS PRODES, LAS RED
CARPETS Y LOS DEBATES SOBRE LOS POSIBLES GANADORES DE LOS OSCAR,
ÚLTIMAMENTE ESTUVIMOS ESCUCHANDO HABLAR BASTANTE SOBRE LA
ESTATUILLA DORADA. ACÁ TE CONTAMOS POR QUÉ.
Por
Lu Agosta
abemos que al igual que
S el resto de los estrenos de
cartelera y los festivales,
el evento que celebra lo mejor del
cine también tuvo que adaptarse a
los tiempos de pandemia, moviendo
sus fechas y modificando algunas
de las reglas establecidas. Pueden
encontrar todo lo relacionado al nuevo
calendario en la edición #277 de La
Cosa Cine, pero los premios también
nos sorprendieron con nuevas medidas
para fomentar la inclusión. El caso
de George Floyd volvió a encender el
debate del racismo en Estados Unidos
y ya sabemos que los Oscar no tienen
el mejor historial en este aspecto.
Viajemos al año 1940 cuando
Hattie McDaniel se convirtió en la
primera persona de color en recibir
el galardón como actriz secundaria
por Lo Que el Viento Se Llevó (Gone
with the Wind, 1939) y no la dejaron
sentarse junto a sus compañeros de
elenco en la ceremonia, por ser una
mujer afroamericana. La miniserie
Hollywood, creada por Ryan Murphy,
hace referencia a este evento histórico
26 LA COSA
en donde
Queen Latifah
interpreta a la
actriz en cuestión,
y hace hincapié
en lo injusta que
fue la Academia
con ella. Antes de
que empecemos
con comentarios del
estilo: “Pero eran otros
tiempos”, recordemos lo
que ocurrió en el 2015,
cuando se viralizó en redes
el hashtag #OscarsSoWhite
(Oscars demasiado blancos)
como consecuencia de la
ausencia de diversidad durante
aquella temporada de premios.
Como si eso no fuera poco,
el año pasado tuvimos un escenario
similar cuando de los 20 candidatos a
mejor actor y actriz, la única nominada
de ascendencia afroamericana fue
Cynthia Erivo, la protagonista de la
película Harriet (2019). A la Academia
no le quedó otra que tomar cartas
en el asunto, sobre todo, teniendo en
cuenta la última protesta que cientos
de personas hicieron en su sede de Los
Ángeles. El actor David Oyelowo fue
quien alzó su voz para reclamar sobre
la marginación sufrida por Selma: El
Poder de un Sueño (Selma, 2014), en el
mismo año de la polémica.
Ya no es suficiente con poner a Chris
Rock como anfitrión o hacer chistes
en contra del gobierno de Trump. Es
necesario ver resultados concretos, y
por eso se creará una fuerza especial
titulada: “Academy Aperture 2025”,
que desarrollará nuevos estándares
de inclusión, empezando con la
incorporación de nuevos “líderes de la
industria”. Al dream team conformado
por talentos de la talla de Steven
“SE ALENTARÁN
PRÁCTICAS
EQUITATIVAS DE
CONTRATACIÓN Y
REPRESENTACIÓN
DENTRO Y FUERA DE
LA PANTALLA, CON EL
OBJETIVO DE MEJORAR
EL MODO EN QUE SE
REFLEJA LA DIVERSIDAD
DE LA COMUNIDAD
CINEMATOGRÁFICA”
Spielberg, Laura Dern y
Whoopi Goldberg, este año
se sumaron la directora Ava
DuVernay y la productora
Lynette Howell, aumentando el
número de mujeres en un rol de
liderazgo a 26. Para que tengan
una idea, estamos hablando de 54
integrantes en total, de los cuales
solo 12 son personas de color.
Hasta acá, todo pinta muy
prometedor, pero... ¿qué incluirán
exactamente estas nuevas reglas?
En primer lugar, ya se sabe que la
categoría a Mejor Película estará
fijada en diez candidatas (como ya
había sucedido entre 2009 y 2011),
en vez de tomar en consideración las
nominaciones que fluctuaban entre
cinco y diez. Así aumentarán las
posibilidades de sumar producciones
innovadoras y de abrir un poco
más el juego. Por otro lado, las
películas elegidas tendrán que cumplir
con una serie de requisitos que ya
fueron anticipados por uno de los
capos de la institución: “Se alentarán
prácticas equitativas de contratación
y representación dentro y fuera de la
pantalla, con el objetivo de mejorar el
modo en que se refleja la diversidad
de la comunidad cinematográfica”.
En ese mismo comunicado se calificó
la necesidad de abordar esta temática
como urgente, y hasta hicieron una
suerte de mea culpa sobre las reglas
y procedimientos impuestos para
garantizar que en el futuro todas
las voces puedan ser escuchadas
y celebradas.
También habría que ver si se tomarán
medidas similares a las del British
Film Institute (los Oscar
del Reino Unido), que
desde 2018 tiene
incorporadas una
serie de normas de
diversidad e inclusión
en dos de sus
categorías principales:
Mejor Película Británica
y Ópera Prima de un
director, productor o guionista. Para
participar de la selección tienen que
cumplir, al menos, dos de cuatro
requisitos, siendo uno de ellos el de
contar con una mayor representación
en la pantalla. Después del anuncio
de la Academia, se creó un efecto
dominó y los mismos representantes
de BAFTA salieron a decir que, ahora,
ellos también van a considerar aplicar
este criterio a todas sus categorías.
¿Y las directoras? Nos interesa saber
si las nuevas reglas también aplicarán
a la falta de nominadas en el rubro
de dirección. Este año se criticó
fuertemente la ausencia de Greta
Gerwig, la realizadora de Mujercitas
(Little Women, 2019) y una de las
indiscutidas favoritas de la crítica y de
los espectadores. No queremos que
Natalie Portman tenga que volver
a lucir un outfit con los nombres
de todas las cineastas que fueron
excluidas de la categoría.
No queda otra que esperar. La
historia de la Academia habla por
sí misma y suele dar dos pasos para
adelante y tres para atrás. Esta vez las
cosas podrían ser diferentes, pero ojo,
porque las nuevas reglas se aplicarán
recién en la 94° ceremonia, el 27 de
febrero de 2022. ¿Ver para creer?
LA COSA 27
 EL OCASO DE UNA
VIDA CUMPLE 70

Con su talento y sarcasmo habituales,

Billy Wilder y Charles Brackett concibieron
una obra maestra que se animó a ser
irreverente en un contexto hostil. A través
de un personaje que padeció el paso del
cine mudo al sonoro, la dupla retrató el
precio de la fama y exhibió las miserias
de Hollywood. ¿Por qué El Ocaso de
una Vida todavía funciona como una
descripción de la industria? En esta nota
nos aventuramos a responderlo. ¡Muy
bien, señor DeMille, estamos listos!

Por
Andrés Petruccelli

as estrellas que mueren jóvenes nunca dejan

L de brillar. No importa el ámbito en el que se
destacaron, la cultura pop abraza (y retiene) sus
imágenes perfectas. Como si se congelaran en su esplendor
y no las castigara el paso del tiempo. Podríamos estar
refiriéndonos a Eva Perón o Ernesto “Che” Guevara,
EN L

Marilyn Monroe o James Dean. Y es que la Parca suele ser

bastante cholula y apartidista. Contrariamente, otras figuras
sobreviven a su leyenda y eso las condena al olvido -hasta
que se publique la siempre inoportuna noticia necrológica-.
¿Y cómo es sobrevivir a su propia leyenda? Melancólico e
ingrato. Eso descubrieron Charles Brackett y Billy Wilder
cuando empezaron a confeccionar su obra maestra: El
AS

Ocaso de una Vida (Sunset Boulevard, 1950). La dupla

arrancó el proyecto como una comedia liviana, pero
terminó ofreciendo un ejercicio reflexivo y autocrítico; una
tragedia que escarbó en las miserias de su propio medio
para concebir un diagnóstico clínico/cínico e imperecedero
de Hollywood.

TUM
Desde su título, el film recorre las entrañas de la fábrica de
sueños. La calle en cuestión fue la sede del primer estudio
cinematográfico de Los Ángeles, ubicado estratégicamente

BAS
entre las mansiones del establishment. Pero también
esa “puesta de sol” corresponde al crepúsculo de su
protagonista: Norma Desmond (Gloria Swanson), una diva
que se transformó en una pieza de su propio museo. A sus
radiantes (y dolorosos) 50 años, ella no tolera que el
cine se haya vuelto sonoro, y planea su regreso
triunfal con una versión grandilocuente
de Salomé. Para este papel
central, Wilder había
contactado

28 LA COSA
previamente a otras actrices legendarias, pero todas se
UN GERIÁTRICO
negaban a participar de un producto que parecía un DE ENSUEÑOS
retrato descarnado de sí mismas. Incluso Swanson casi
rechaza la oferta porque le molestó pasar por una prueba Aunque le gustaba parecer
de cámara. “Tenés que hacerlo, la gente te recordará por un desalmado, Wilder tenía
esto”, le dijo su amigo George Cukor. Y acá estamos, 70 sentimientos. Y en esta
película quería reunir a todos
años después, reafirmando lo que ella presumía: siempre
los tipos que admiraba para
fue grande, las películas fueron las que se encogieron.
rendirles pleitesía: Cecil B.
Para esta sátira maliciosa, los guionistas crearon un DeMille aparece como el gran
puñado de personajes que resultaron representativos superviviente del cine mudo
de la fauna variopinta que circulaba por las colinas: Joe -las escenas realmente fueron
Gillis (William Holden) es un escritor que se derrumba rodadas mientras filmaba
hasta convertirse en un gigoló deprimente -además de un Sansón y Dalila (Samson and
cadáver con la capacidad de narrar su propia muerte (¡!)-, Delilah, 1949), Buster Keaton
mientras que el mayordomo Max (Erich von Stroheim) es tiene un breve cameo en
un talentoso cineasta que postergó su carrera para salvar el que dice “pase” en una
partida de bridge, y Erich von
a su amada ex pareja y ahora patrona. El resto puede
Stroheim interpreta al cineasta
ser decorado, aunque está ubicado para mostrarnos
que encumbró a Desmond
cuán mísero es el negocio: están los jóvenes desechables -algo que realmente hizo con
que sobrevuelan la crema para hallar un boleto dorado Swanson-. “Obtuvieron algo
-“Hollywood no fue bueno con nosotros, no tenemos de dinero y un pequeño
piscina”-, y los ejecutivos que solo sueltan sus palos de reconocimiento.
golf para maltratar a sus empleados -“¿Sabés que las Estaban encantados”,
mejores cosas se escribieron con el estómago vacío?”-. Y afirmó BW.
si supieron cómo retratarlos fue porque Brackett y Wilder
también desfilaron por oficinas y fiestas en las que se
celebraba la mezquindad y superficialidad.

“LA DUPLA (BRACKETT/WILDER) ARRANCÓ

EL PROYECTO COMO UNA COMEDIA
LIVIANA, PERO TERMINÓ OFRECIENDO UN
EJERCICIO REFLEXIVO Y AUTOCRÍTICO;
UNA TRAGEDIA QUE ESCARBÓ EN LAS
MISERIAS DE SU PROPIO MEDIO PARA
CONCEBIR UN DIAGNÓSTICO CLÍNICO/CÍNICO
E IMPERECEDERO DE HOLLYWOOD”

Los Ángeles al desnudo

Para despistar a Paramount, el proyecto avanzó bajo el
nombre de “Una Lata de Frijoles”. El dueto sabía que
estaba escarbando en el corazón de su propia compañía
y no quería levantar la perdiz en una época en la que
los límites estaban muy marcados como consecuencia
de la lista negra anticomunista y la Guerra Fría. Y, en
ese contexto, los estudios debían mantener la imagen
de su negocio como una despensa de las aspiraciones
occidentales. Entonces, ¿cómo se iban a bancar que sus
chicos dorados ventilen sus demonios? Aunque nunca
participó de ningún movimiento, Wilder era un tipo de
izquierda que prefirió denominarse socialdemócrata
para evitar roces -además estaba demasiado ocupado
coqueteando en clubes como para sentarse a debatir
el futuro de una nación ajena-. Por su parte, Brackett
era un aristócrata conservador que se mantuvo seis
años al frente de la Academia de Artes y Ciencias
Cinematográficas como buen republicano. Esas
diferencias subyacían en su relación, pero ambos
concordaron en preservar a su criatura.

LA COSA 29
 HASTA BROADWAY NO PARÓ
Wilder se resistía a una remake cinematográfica de este
clásico, pero se rindió a la maestría que encontró en la
adaptación musical de Andrew Lloyd Webber. “Dejaron
el guion, no intentaron mejorarlo”, afirmó.

Libre de cualquier intromisión o censura, Wilder

le puso su impronta al relato. Por ese entonces, la
competencia que alimentaba la sociedad con Brackett
ya se había decantado a su favor. Así que aprovechó
ese rédito para volcar una dosis extra de su acidez.
Gracias a Pacto de Sangre (Double Indemnity, 1944), Cine dentro del cine, ¿o reality show?
ya había demostrado sus aptitudes como realizador Durante todo el proceso, el cineasta sabía que había hecho algo irreverente
y ahora buscaba comer en la misma mesa que y maravilloso. Y aunque eso era más que evidente, siempre se resistió a que
Ernst Lubitsch, John Ford o Cukor. Y lo logró. El denominen El Ocaso de una Vida como una pieza subversiva. “Es un film pro-
resultado fue una joya en la que estuvo presente su Hollywood. El tipo más importante que tenía Paramount en ese entonces, Cecil
mala leche habitual y su conocimiento del noir. “No B. DeMille, hizo de sí mismo y se comportó como la Madre Teresa, excepto por
hay movimientos falsos o configuraciones elegantes esos pantalones y botas de montar que usaba en los rodajes”, argumentó. Pero
para demostrar que soy un cineasta. Los personajes ningún capo de la industria se comió ese cuentito. Según el mito que recogen
no se apresuran por estar ocupados porque creo que varios libros, el primero en repudiar el film fue Louis B. Mayer, pope de MGM,
el movimiento se puede lograr de manera elocuente, quien le advirtió a Wilder que haría lo imposible para que fuese expulsado de
elegante, económica y lógica. No es necesario filmar los Estados Unidos. “¡Bastardo! ¡Deshonraste la industria que te alimentó!”,
desde un agujero, colgarse de un candelabro o poner retumbó en su oficina. Inclusive, los rumores sostienen que pretendió comprar
una dolly cam a bailar polka”, describió. Y esa todas las copias para enterrarlas como ya había intentado sin éxito con El
genuinidad forjó el contraste que se evidencia en la Ciudadano (Citizen Kane, 1941). El que sabe, sabe, y el que no, es jefe, ¿no?
pantalla, entre la realidad manifiesta y los delirios de Por suerte, nadie pudo torpedear el lanzamiento de esta narración
una megalómana. aleccionadora sobre la fama. La película se volvió una cita obligada para
quienes deseen contemplar las ruinas del período pre-sonoro y también para los
autores que exploraron el cine dentro del cine. Pedro Almodóvar, David Lynch,
Ryan Murphy y los hermanos Coen, todos reconocieron su influencia. Y es que
BASURAS DE UNA MÁS su valor artístico excede el retrato ligero y fascinante de la industria.
ALTA SOCIEDAD INFO La caída en desgracia de una celebridad interpela al espectador sobre los
peligros de la adulación y el distanciamiento de la realidad; una premisa que
Como la mayoría de las duplas,
se revitaliza en tiempos de redes sociales. Porque, como muchos de nosotros,
“Brackettandwilder” se hicieron grandes Norma solo parece vivir cuando es enfocada por una cámara. ¡Solo la vimos
complementándose y compitiendo entre vigorosa cuando se la llevan en cana ante los medios sensacionalistas! No
sí. Había admiración, había desprecio, importaba a quién pertenecían esas lentes y esos reflectores, nuevamente estaba
habían volado elogios, también ceniceros Mirá el en el centro de la escena; la escena de un crimen que le devolvió una sonrisa.
y guías telefónicas. Lo habitual en tráiler ¿Es un final feliz? Háganse responsables de lo que consideren al respecto.
cualquier grupo de trabajo. Pero cuando
uno empezó a destacar, las tensiones se
volvieron más insostenibles. Wilder dice
que todo terminó cuando tuvieron una
discusión personal en torno al nieto de
Brackett, pero lo cierto es que ya estaba
todo podrido. Él ya estaba decidido a
cortarse solo y su mejor enemigo lo sabía
-además lo habían perjudicado en su
último contrato-. Así y todo, El Ocaso
de una Vida salió adelante con el toque
genial del dúo y la certeza de que Billy
había tomado el mando: era tan cruel
como él quería.

30 LA COSA
 OBRAS MAESTRAS
DEL TERROR, FANTASIA
Y CIENCIA FICCION
CAPÍTULO 157 EL CRISTAL ENCANTADO (The Dark Crystal, 1982)

l momento de su estreno, El los tantos puntos de partida visuales

A Cristal Encantado (The Dark

Crystal, 1982) podía describirse
como la única película de acción real en
la que no aparece ningún personaje de
carne y hueso. Claramente no es un film
animado, y si no fuera porque en algunas
tomas panorámicas los gelflings son
“interpretados” por actores, podría haber
sido la primera película live action sin
humanos delante de las cámaras. Como
muchos de los trabajos de Jim Henson,
esta aventura fantástica sigue siendo
“incatalogable”, en el mejor sentido de la
palabra: demasiado oscura y desdeñada
para los estándares del entretenimiento
familiar de la época, aunque convertida en
amada obra de culto a través de los años.
La historia de los skeksis, los urRu y los
gelfling comenzó a tomar forma en la
cabeza de Henson alrededor de 1975-
1976, cuando se cruzó con un libro de
poesía de Lewis Carroll ilustrado por
Leonard B. Lubin. La imagen de unos
cocodrilos palaciegos ataviados con
túnicas y joyas elaboradas fue uno de
para la película, que también bebe
de algunos conceptos de The Land
of Gorch, un fallido segmento con
marionetas de Saturday Night Live,
creado por el propio Jim.
En febrero de 1978, Henson y su hija
Cheryl quedaron varados en un hotel
del aeropuerto John F. Kennedy a
causa de una tormenta de nieve.
La espera ayudó a delinear los
detalles del universo del film, y las
notas pronto se convirtieron en la
inspiración para un nuevo guion.
Una vez finalizado el rodaje de
Llegan los Muppets (The Muppet
Movie, 1979), el realizador
puso manos a la obra a partir
de ese ecléctico borrador
de 25 páginas, con el título
tentativo de “The Crystal” (El
Cristal). No todos los conceptos llegaron “El núcleo espiritual de El Cristal
al producto final, pero la idea general Encantado está fuertemente influenciado
siempre prevaleció, así como los matices por Seth. Siempre sentí que la idea de
filosóficos originados en El Material Seth seres perfectos divididos en una parte
(Seth Material) de Jane Roberts. mística buena y una parte materialista

TAMBIÉN En Renton, estado de Washington (Estados Unidos), se realiza el primer vuelo del Boeing 757 - Se edita Mi Último Suspiro, autobiografía de
Luis Buñuel - El 14 de marzo, en California, Metallica lleva a cabo su primer concierto - En un accidente aéreo muere Randy Rhoads, guitarrista
ESE AÑO... principal de Ozzy Osbourne y ex Quiet Riot - El 2 de abril, las Fuerzas Armadas argentinas toman las Islas Malvinas dando comienzo a la guerra
con el Reino Unido - Se estrena Pink Floyd: The Wall, el drama animado de Alan Parker - A causa de un accidente, durante el rodaje de Al Filo de la Realidad
(Twilight Zone: The Movie, 1983), fallecen el actor Vic Morrow y dos niños del elenco - Gabriel García Márquez recibe el Premio Nobel de Literatura - Sale a la
venta Thriller, sexto álbum solista de Michael Jackson - El doctor William De Vries realiza el primer implante de un corazón artificial permanente.

LA COSA 31
 ARGUMENTO

Mil años pasaron desde que se quebró

el Cristal de la Verdad y aparecieron
dos nuevas razas en el planeta
Thra: los malvados skeksis, quienes
abusaron de su poder y corrompieron el
Mirá el
tráiler cristal para extender sus propias vidas,
y los gentiles místicos, los cuales se
resguardaron en el Valle de las Piedras
aguardando su destino. Mientras
en el castillo de los skeksis deben
elegir a un nuevo emperador, el líder GRACIAS POR LA MAGIA
Jim Henson, Frank Oz y compañía dándolo todo para dotar de vida a sus bellas y extrañas
de los místicos instruye a su joven criaturas en la lejana tierra de Thra.
discípulo Jen -el único sobreviviente
de los gelfling- sobre una profecía
malvada que se reúnen después de una cristal fascinaron a Jim, quien no dudó en
que puede restaurar el orden cuando
larga separación, es la respuesta de Jim integrarlos a su historia.
se produzca la conjunción de los tres
a las enseñanzas de ese libro”, comentó La película se filmó entre abril y
soles. Jen no conoce el mundo exterior,
aunque acepta la misión de encontrar el guionista David Odell, haciendo septiembre de 1981, en los estudios
a Aughra, guardiana de los secretos y hincapié en que el director y titiritero Elstree de Inglaterra y en escenarios
del fragmento cristalino que debe ser pensaba que esta filosofía abría una naturales de las Tierras Altas de Escocia,
restablecido. La odisea es peligrosa, forma completamente diferente de ver Gordale Scar (North Yorkshire) y Twycross
pero el gelfling dejará sus miedos de la realidad, uno de sus objetivos en la (Leicestershire). Henson y Frank Oz -en
lado para descubrir la verdad sobre su creación de la película. su debut como realizador- compartieron
mundo y el hecho de que, en realidad, La incorporación de Brian Froud fue crédito en la dirección, pero según el
no está tan solo. determinante para la producción. El propio Jim: “Sus fortalezas radicaban en
diseñador es responsable de la apariencia componer tomas y movimientos de cámara,
de casi todos los aspectos del film, mientras que Oz estaba más en sintonía
desde las criaturas y los paisajes, hasta con el desarrollo de los personajes y la
la tipografía de los títulos de apertura. dinámica de cada escena”.
Froud comenzó a trabajar sin un guion El Cristal Encantado y toda su innovación
definitivo y malinterpretó muchas de las en materia animatrónica llegaron a las
ideas iniciales de Henson. Igual, el enfoque salas de Estados Unidos el 17 de diciembre
del artista y su conceptualización del de 1982, con críticas mixtas (muchos

La fascinación de Froud por las langostas Los trajes de los garthim eran tan pesados
influyó en los toques crustáceos que los intérpretes debían ser ‘colgados’

DATOS, DATOS
que impregnó en el diseño del film, de un gancho, con todo y vestuario, cada
particularmente el de los garthim. cinco minutos para descansar.

DATOS
El lenguaje inventado de los Mithra era el nombre original que Henson
Y MÁS

podlings, y el de Kira cuando habla ideó para el planeta, pero sonaba muy
con los animales, contiene varias parecido a un dios persa. Por eso se cambió
palabras croatas, serbias y bosnias. a Nithra y finalmente se acortó a Thra.

32 LA COSA
 DIJO LA CRÍTICA...
“Diluye a J. R. R. Tolkien... sin encanto ni interés”
Vincent Canby, The New York Times.
“A diferencia de muchas fantasías, El Cristal Encantado
lanza su hechizo desde sus primeros fotogramas y avanza
tan rápido que termina antes de que te des cuenta. Te queda
la sensación de que acabas de despertar de un sueño”
Kevin Thomas, Los Angeles Times.
EN LAS ALTURAS
El diseño de los zancudos (landstriders) se completó
gracias a las destrezas de Robbie Barnett, uno de los
tantos acróbatas que formó parte del elenco.
alabaron los aspectos técnicos, pero para
otros el enfoque de los títeres no era
realista) y un presupuesto estimado de
15 millones de dólares, inversión que se
recuperó ampliamente (no tuvo una gran
campaña publicitaria) con los poco más de
40 millones recaudados. Los productores
no tenían mucha fe en esta oscura aventura
infantil que recibió más consideración y
cariño con el correr de las décadas. En su
momento, ni Henson ni Oz abogaron por
una secuela, pero el universo de Thra en la
pantalla al final se expandió con El Cristal
Encantado: La Era de la Resistencia (The Dark
Crystal: Age of Resistance).
LA GRAN FRASE
“Fin, comienzo, todo es lo mismo. Un gran
cambio. A veces bueno. A veces malo”.
Aughra no está segura de lo que
vaya a pasar cuando se produzca
la conjunción de los tres soles y se
cumpla la profecía.
INFLUENCIAS A quiénes
afanaron
LOS HERMANOS GRIMM
1
Henson quería retomar la oscuridad de estos
cuentos de hadas originales. Sentía que a los
niños les gustaba la idea de estar asustados
y que era una emoción saludable para ellos.
LOS SIETE PECADOS CAPITALES
2
Si bien son nueve, los skeksis se basaron
en estos siete vicios condenables:
skekShod (avaricia), skekSil (envidia),
skekAyuk (glotonería y pereza), skekEkt
(lujuria), skekZok (orgullo) y skekUng (ira).
THE LAND OF FROUD
3 (1977)
Los místicos son muy parecidos a los trolls
que aparecen en este libro previo de Brian
Froud. Para evitar problemas de licencia, los
urRu fueron diseñados con cuatro brazos.
LEGADO
Y quiénes
afanaron
FRAGGLE ROCK
(1983-1987) 1
Los primeros borradores mostraban a Jen y Kira
viajando por el inframundo, donde se cruzaban
con una raza de criaturas mineras subterráneas,
concepto que se rescató para la serie de CBC.
FARSCAPE
(1999-2003) 2
Unas criaturas demasiado parecidas a los skeksis
aparecen en “Out of Their Minds” (2000), el noveno
episodio de la segunda temporada de esta creación
de Rockne S. O’Bannon.
SAMURAI JACK
(2001-2017) 3
No es coincidencia que la escena de apertura en el
castillo de Aku, en el primer episodio de la serie, se
asemeje a la del castillo del cristal. Genndy Tartakovsky
iba a ser el director de la secuela que no fue.
LA COSA 33
 ANATOMÍA DE UNA ESCENA En Uno
Reconstruido

1 2 3

Tras la conjunción de los tres soles, el se extiende por todo el lugar: los garthim su oscura apariencia rocosa, revelando una
sacrificio de Kira y la restitución del fragmento comienzan a desintegrase, los esclavos hermosa estructura cristalina. Los ocho
del Cristal de la Verdad por parte de Jen, la podling recuperan la esencia que les fue urRu/místicos restantes, recién llegados a
profecía finalmente se cumple y la magia arrebatada y el castillo se desprende de la cámara, utilizan el poder del cristal para

4 5 6

fusionarse con los skeksis sobrevivientes, error y arrogancia-, mucho tiempo atrás. los han restaurado, trayendo de nuevo el
manifestando así a los urSkeks: seres Cuando el cristal se quebró, hace mil años, los equilibrio a cada región del planeta. El líder
espigados y etéreos, responsables de urSkeks se dividieron en dos razas y diezmaron de los urSkeks alienta al joven gelfling a
destrozar la gema en su estado puro -por a Thra. Ahora, las valerosas acciones de Jen mantener a Kira siempre a su lado bajo el

7 8 9

Ahora
mirate la
escena

concepto de que ella es parte de él: “Al igual los urSkeks ascienden a un nivel superior
que todos formamos parte los unos de los de existencia, dejando la gema en manos de
otros”. El verdadero poder del cristal los gelflings para que puedan construir un
se manifiesta, Kira vuelve a la vida y nuevo Thra, rejuvenecido y fecundo.

PODÉS VER EL CRISTAL ENCANTADO EN CUALQUIER MOMENTO POR AHÍ, TANTO EN TU SMART TV, COMPUTADORA,
SMARTPHONE, TABLET O PRÁCTICAMENTE CUALQUIER DISPOSITIVO.

34 LA COSA
 SAN DIEGO COMIC CON

Cha n c l e t a s ,
pi y a m a y l a
com o d i d a d
de t u s i l l ó n
DESDE HACE YA VARIOS MESES REPETIMOS EL CONCEPTO
DE “NUEVA NORMALIDAD”, UN PARADIGMA QUE
PARECE TRAER SUS PROPIAS REGLAS SOCIALES Y QUE
TRANSFORMÓ EL EVENTO MÁS IMPORTANTE DE LA CULTURA
POP EN UNA EXPERIENCIA INNOVADORA. YA PASADAS SUS
CUATRO JORNADAS, ¿CÓMO FUE COMICCON@HOME?

Por
Sole Venesio

s
i fuese un año cualquiera, la tercera semana de
julio sería el escenario de los días más emocionantes
y movilizadores para todo fan de la televisión,
el cine, la literatura y los videojuegos. Para mí,
significaría un bolso chico, cientos de anotaciones
en mi cuaderno, hojas impresas con confirmaciones y un pote
de protector solar factor 100. Pero no lo es. 2020 llegó con
una crisis sanitaria y la necesidad mundial de reinventar los
eventos más importantes del calendario. En ese contexto, la
edición número 51 de San Diego Comic Con se reconvirtió en
ComicCon@Home: paneles pregrabados, grandes ausencias y
el caótico cronograma de siempre.
De la propuesta a la realidad
Mientras que es cierto que nada reemplaza la experiencia
de vivir en primera persona una convención fan, dos fueron
los grandes desafíos que se le presentaron a la ONG detrás
de San Diego Comic Con. Por un lado, que la propuesta
digital no perdiese su espíritu, que exista diversidad en las
iniciativas y que el fanático siga siendo el celebrado. Por el
otro, contar con la participación de personalidades y títulos
relevantes. Un tema no menor ya que, gracias al COVID-19,
la totalidad de las filmaciones se frenaron, el calendario de
estrenos está repleto de demoras y el concepto de “novedad”
quedó desdibujado.

LA COSA 35
 “DOS FUERON LOS GRANDES
DESAFÍOS QUE SE LE
PRESENTARON A LA SAN DIEGO
COMIC CON. POR UN LADO, QUE LA
PROPUESTA DIGITAL NO PERDIESE
SU ESPÍRITU, QUE EXISTA
DIVERSIDAD EN LAS INICIATIVAS
Y QUE EL FANÁTICO SIGA SIENDO
EL CELEBRADO. POR EL OTRO,
CONTAR CON LA PARTICIPACIÓN
DE PERSONALIDADES Y TÍTULOS
RELEVANTES”
Si a esto le sumamos que WarnerMedia (que el
año pasado ya había amagado con no participar)
decidió lanzar su propia experiencia virtual y
Marvel apenas dijo presente, el panorama se
veía algo complicado.
Con varias confirmaciones de último momento y
una programación que se terminó de completar
a tan solo una semana de la inauguración, los
cuatro días de ComicCon@Home trajeron
contenidos interesantes, relevantes y de buena
calidad. Ya sean las fiestas cosplayers o de los
fandoms, las entrevistas exclusivas o los paneles
sobre los temas más extraños; la diversidad fue
la norma y, como fanáticos, todos tenían un
gran abanico para elegir en qué sumergirse y
qué dejar de lado.
En ese sentido, también supieron aprovechar al
máximo las posibilidades del on demand que
ofrece el mundo digital. Encadenando cada
uno de sus paneles y guiándote por las distintas
propuestas, acá no hubo un horario único que
pusiera presión, sino que la idea fue lograr cierta
transitabilidad del tiempo para que encuentres
aquello que estabas buscando.
Está claro que se extrañó el sol, las interacciones
con otros asistentes, las conversaciones de
pasillo y las corridas. Aunque es fácil admitir
que, desde la comodidad de mi escritorio, vivir
ComicCon@Home trajo sus propios desafíos
y enseñanzas. ¿La elegiría? Mi respuesta es
negativa. Pero también hay que reconocer
la enorme capacidad de adaptación que
mostraron, la sensibilidad social ante la crisis y,
aún a pesar del daño económico que implicó
cancelar el evento, cómo volvieron a poner al
fanático en el centro.
Abrir el juego y dar nuevos espacios
Comic Con es un asunto tan serio que, a lo largo
de los años, son muchos los medios que buscan
llevar este fenómeno a gráficos simpáticos. Por
ejemplo, se calcula que durante la convención
se venden más de 50 mil bebidas y se consumen
36 LA COSA
unas 16 mil pizzas individuales. Una persona
tiene el 50% de chances de acceder a un
ticket para entrar al centro de convenciones,
y ese número baja a solo un 15% cuando nos
referimos a la posibilidad de ingresar en el
Hall H (escenario principal). Se estima que
el promedio de espera para disfrutar de una
atracción es de entre cuatro a cinco horas,
mientras que el dato más curioso gira en torno
a las temáticas más populares dentro de la
agenda. Al contrario de lo que uno podría
imaginar, el animé está en el primer puesto
y, algo más abajo, el cine y la televisión. Pero
2020 no solo fue una edición particular por el
contexto en el que se celebró la Comic Con o
por el formato digital que se vieron obligados
a implementar, sino porque algunas ausencias
“HAY QUE RECONOCER LA
ENORME CAPACIDAD DE
ADAPTACIÓN QUE MOSTRARON,
LA SENSIBILIDAD SOCIAL ANTE
LA CRISIS Y, AÚN A PESAR
DEL DAÑO ECONÓMICO QUE
IMPLICÓ CANCELAR EL EVENTO,
CÓMO VOLVIERON A PONER AL
FANÁTICO EN EL CENTRO”
dejaron un gran espacio para que otros
temas de agenda consigan su lugar.
Al mirar la grilla completa se aprecian
numerosos paneles que le dieron espacio
a nuevas voces femeninas dentro de
la industria, que plantearon temas
de diversidad racial, de cuerpos y de
representación, así como debates súper
intensos sobre la importancia de seguir
luchando por el lugar de la comunidad
LGTBIQ+ en la cultura pop. Espacios que
siempre existieron, pero que en esta edición,
sin duda, tomaron más relevancia y ganaron
muchísima más difusión.
“LA DE 2020 NO SOLO FUE
UNA EDICIÓN PARTICULAR POR
EL CONTEXTO EN EL QUE SE
CELEBRÓ LA COMIC CON O POR EL
FORMATO DIGITAL QUE SE VIERON
OBLIGADOS A IMPLEMENTAR,
SINO QUE ALGUNAS AUSENCIAS
DEJARON UN GRAN ESPACIO PARA
QUE OTROS TEMAS DE AGENDA
CONSIGAN SU LUGAR”
 Paneles que
10
Con una duración que varió entre los 45 minutos y una hora,
pregrabados y con una participación mínima de la audiencia, el

no deberías
cronograma fue tan intenso como desordenado. Mientras que
algunos paneles chicos conquistaron los horarios centrales, se

dejar de ver
sobrepusieron otros referidos a títulos muy importantes. Pero
nada define mejor la San Diego Comic Con que la palabra caos
y, como es debido, acá va una pequeña guía para surfear ese
terremoto de información.

10 Body
Talk
Siete mujeres de la industria de las novelas gráficas se
juntaron a charlar sobre la importancia de luchar por la
diversidad de cuerpos en los cómics y cuál es su aporte en
esta pelea diaria. Haciendo frente a problemáticas como
la gordofobia, la homofobia y el racismo, cada una de
ellas se abrió para contar experiencias personales.
9 A Look Inside
Marvel’s 616
Docuserie y antológico, este es el típico documental que no
creíamos necesitar hasta que escuchamos hablar sobre la
producción. La premisa es genial: recorrer los 80 años de la
editorial Marvel, para contar desde personajes olvidados hasta
quiénes son las mujeres de la industria. Sin dudas, una joya de
la pantalla chica.

8 Solar
Opposites
La gran serie animada de Hulu fue responsable de
una charla íntima, entretenida y con altos niveles
de delirio. Tanto que los creadores se animaron
a teorizar sobre un posible crossover entre Rick &
Morty y los alienígenas originarios de Shlorp.
7 Amazon Prime
Video: Truth Seekers
Hace rato que las comedias sobrenaturales no tienen
éxito, pero esperamos que Truth Seekers la rompa. Sobre
todo por la gran química entre Simon Pegg y Nick Frost,
porque este dúo es pura dinamita. Solo queda preguntar,
¿ustedes creen en los extraterrestres fantasmas?

6 Charlize Theron: Evolution of a Badass -

An Action Hero Career Retrospective
Usando su carrera como plataforma para hablar del lugar de la mujer en el género de acción, esta
entrevista a Charlize es un lujo del periodismo moderno. Abierta, honesta y crítica, comparte
muchísimas anécdotas que vale la pena conocer.

5 First Look at
Hulu’s Helstrom
Más allá de la serie, durante el panel los actores compartieron sus
opiniones sobre el movimiento “Black Lives Matter”. Muy personal y con
reflexiones movilizadoras, recordaron algo fundamental: la televisión
sigue siendo una plataforma política.
4 Blast Off with Disney+’s
The Right Stuff
¿Tuvo este panel a una verdadera astronauta como moderadora? ¡Así es!
Junto a la Dr. Mae Jemison, el elenco del nuevo docudrama de NatGeo
habló sobre la carrera espacial, la historia de los astronautas y cuánto de
realidad tiene la propuesta.

3 Guillermo del Toro and Scott Cooper

on Antlers and Filmmaking
Nunca, nunca, pero nunca es mala idea escuchar a Guillermo del Toro hablar sobre la
industria cinematográfica y el detrás de escena de sus película. Desde su fascinación por los
hermanos Coen hasta su colección de blu rays… ¿Puede nuestro amor por él ser más grande?

2 HBO’s Lovecraft
Country
Con una obvia relevancia social, no fue difícil para el elenco conversar
sobre el valor que gana este drama al estrenar en medio de las marchas
contra el racismo. Hablando sobre experiencias propias y encontronazos
con la policía, el panel llevó la charla a lugares muy interesantes. Y solo
diremos esto: Courtney B. Vance cerró el debate diciendo que confía en
que la serie será más grande que Game of Thrones (2011-2019).
1 What We Do in
the Shadows
Este es un pequeño capricho personal. La
fantástica comedia de FX brindó un panel digno
de la serie, repleto de momentos ridículos y
muy graciosos. El elenco se mostró muy cómodo
chicaneándose entre sí y tratando de hablar
sobre algunas de sus partes favoritas del show.

LA COSA 37
 HOY TE CONVERTÍS EN HÉROE

A QUIÉNES
DARKSTARS AZRAEL MANHUNTER
Mark Shaw

LES CHOREÓ LOS PODERES

Poderes, habilidades y chiches

FICHA Kate “tomó prestados” varios elementos de una sala de evidencias que le
proporcionan sus habilidades actuales: un traje de los Darkstars que le da
fuerza y resistencia, los guanteletes que eran parte del traje de Azrael mientras
fue Batman (sí, eso sucedió, eran los noventa) y el bastón de tecnología
¿Quién?
alienígena que perteneció a su involuntario antecesor en el rol de Manhunter,
Kate Spencer.
Mark Shaw. El bastón dispara energía, le permite volar a distancias cortas y,
Creada por seguramente, muchas cosas más que Kate aún no descubrió porque no tiene el
Marc Andreyko y Jesús Saiz. manual del usuario.
Creadores representativos
Marc Andreyko, Jesús Saiz, Jae Lee, Javier Pina. Reseña de publicación
Kate fue creada como un personaje
Grandes épocas completamente nuevo de su
La serie no duró tanto, así que durante todo el propia serie durante
tiempo que se publicó y/o revivió.
un raro período de
Afiliación experimentación en
Poder Judicial, FBI, DEO, ocasionalmente Birds of DC, a principios de
Prey, Justice Society of America. los dos mil, basada
Profesión muy ligeramente
Fiscal de distrito, abogada, espía en el nombre e
gubernamental y aventurera. historia de los
Manhunters:
guerreros clásicos
El bastón le permite de la editorial
volar a cortas
distancias entre
otras cosas

¿SABÍA USTED…?
Marc Andreyko afirma que su
inspiración para el carácter y
El traje le da fuerza actitud general de Kate fue la
y resistencia teniente Jane Tennison de Prime
Suspect (1991-2006), el feroz
personaje de Helen Mirren.

38 LA COSA
MANHUNTER
¿Alguna vez se preguntaron qué pasa con el sistema de justicia del
Universo DC, teniendo que lidiar todo el tiempo con héroes y villanos
que desafían la lógica? La respuesta es Manhunter, donde la fiscal Kate
Spencer decide que si no puedes vencerlos...
desde la época de la Segunda Guerra,
pasando a la Silver Age, y llegando a
la era moderna. Esta era la primera
vez que una mujer abrazaba el rol
en su serie individual, Manhunter
(2004). El cómic nunca vendió bien,
y estuvo a punto de cancelarse luego
de dos años con el #24, pero le dieron
unos números más de vida hasta el
#31. Entonces sí fue cancelada, pero
revivida a pedido del público con
la misma numeración, solo para ser
concluida en el #38. Luego fue parte
del back-up en la poco duradera
Batman: Streets of Gotham (2009) y
como parte del controversial revival de
Birds of Prey (1999), desde el número
100 hasta la cancelación de la revista.
Reseña biográfica
Kate Spencer es una fiscal de la corte
federal, conocida por su ferocidad
en los juzgados y su malhumor
fuera de los mismos. Frustrada
de trabajar en casos que incluyen
criminales superhumanos, vigilantes
urbanos y abogados con fondos mal
habidos infinitos, finalmente tiene
su momento de quiebre cuando
el clásico bativillano Copperhead
queda libre tras un litigio, asesinando
a dos guardias en el proceso. Kate
hace su equivalente de “romper
todo” metiéndose en una sala de
evidencias y agarrando varias armas
prácticamente metahumanas para,
según su criterio, ajusticiar este caso
en particular. En esa aventura, y las
EL PANTEÓN
COPPERHEAD
DE LOS ENEMIGOS
que le siguen, Spencer se da cuenta que
puede ser mucho más que fiscal: también
jueza y, de ser necesario, ejecutora, por
lo que no solo continúa su carrera como
vigilante, sino que además abandona
la fiscalía y se dedica a la práctica
privada. A lo largo de su recorrido
conoce a la agente del Departamento
de Operaciones Extra-Normales (DEO)
Cameron Chase, y termina teniendo
sus actividades ‘sancionadas’ al ser una
empleada libre de la agencia.
La vida privada de Kate también tiene
sus complicaciones: un matrimonio
fallido, un hijo (Ramsey) del que tiene
una discutida tenencia compartida, un
socio gay (Damon) en pareja con un ex
superhéroe, y una historia de abuelos
superheroicos digna de las mejores
telenovelas. Ah, y el nombre y principal
arma que utiliza tienen anteriores dueños
no del todo contentos con la arribista...
Personajes relacionados
Ramsey (hijo), Cameron Chase (amiga
y supervisora), Damon Matthews
(socio), Obsidian (amigo, novio de socio,
consejero superheroico), Iron Munro
y Phantom Lady (abuelos biológicos),
Atom/Al Pratt (abuelo en los papeles),
Starman/Jack Knight (primo segundo),
Green Arrow y Wonder Woman (clientes
de muy alto perfil), Manhunters (afiliación
cósmica no elegida).
Principales enemigos
Copperhead, Manhunters, Blue Beetle/
Jaime Reyes por error de hardware.
MANHUNTERS
Por Gus Casals
A VOS TE TENGO
VISTA DE...
Kate, en una versión limitada
solamente a su rol como fiscal de
distrito, fue parte del elenco de
Arrow (2012-2020), interpretada
por la actriz Chelah Horsdal. Uno
de esos personajes recurrentes
que aparece como antagonista
para Oliver, y luego queda como
un secundario para el cual trabajó
Laurel Lance, hasta que es
asesinada por agentes de Slade
Wilson en la segunda temporada.
Su trabajo se limita a solo cinco
episodios y nunca adoptando su
persona superheroica. Sí vale la
pena mencionar que su creador,
Marc Andreyko, trabaja como
guionista en Hollywood, por lo
que no sería descabellado verla en
algún proyecto a futuro.
BLUE BEETLE
Jaime Reyes
LA COSA 39
 DC FANDOME
SOY TU FAN La realidad pandémica también obligó a la industria del entretenimiento a replantearse sus eventos multitudinarios. Por suerte,
la tecnología nos sigue acercando y reuniendo -aunque sea de manera virtual- bajo un mismo sentimiento por la cultura pop,
Por
Jessica Blady
aunque hayamos tenido que prescindir del factor más humano. Se viene el primer DC FanDome, ¿cómo será la experiencia?
esde mediados del mes
D
de marzo (incluso antes
para algunas regiones), el
mundo tuvo que hacerse a la idea de
resguardarse en el hogar y alejarse de
cualquier aglomeración de gente para
mantener el distanciamiento social y
evitar la propagación y el contagio de
COVID-19. Esta nueva “normalidad”
de pantuflas, joggineta, home office y
compras online nos alejó de muchas
de nuestras actividades y salidas
favoritas como el cine, el teatro, los
conciertos… y hasta una simple
reunión con amigos. De repente,
nuestra necesidad de contacto se
convirtió en el principal enemigo,
y la diversión externa en una de las
primeras bajas de la pandemia.
“NO SE TRATA DE
DESPLAZAR O SUPLIR
ALGO QUE PARECE
IRREMPLAZABLE, SINO
‘PASAR ESTE MAL RATO’ LO
MEJOR POSIBLE; AUNQUE
MUCHOS ORGANIZADORES
VAN A TENER EN CUENTA
EL SUCESO (O NO) DE
ESTOS EVENTOS Y, QUIEN
SABE, CAMBIAR MUCHAS
DE SUS MODALIDADES
A FUTURO POST-
CUARENTENA”
40 LA COSA
Lo aceptamos,
no nos quedó
otra, pero
lo seguimos
sufriendo. Y
así, cada una
de las ramas
de la industria del
entretenimiento también
se vio obligada a sacar sus mejores armas
para paliar la situación y compensar(nos)
con recursos originales o, al menos,
viables para la mayoría, dadas las
circunstancias. Vivir en la “Era Digital”,
donde todo parece estar al alcance de un
clic, suma varias ventajas, más cuando la
norma se establece a través de los recursos
de Internet o las redes sociales, accesibles
desde cualquier tipo de dispositivo.
Las plataformas de streaming se ocuparon
de saciar nuestra necesidad de series
y cine (aunque la experiencia no sea
la misma) y los “eventos virtuales” se
transformaron en la mejor solución ante
la falta de dichas reuniones. Desde Zoom,
nos conectamos con amigos y parientes,
pero también fuimos cómplices del
reencuentro de varios elencos, recitales
en clave más íntima, apreciamos puestas
teatrales de lugares lejanos del globo,
entrevistas de todo tipo y unas cuantas
situaciones bizarras. Como si fuéramos
los protagonistas de un oscuro episodio
de Black Mirror, lo “humano” quedó
rápidamente reemplazado por lo digital y
lo virtual, un pequeño y conformista oasis
en medio de este desierto pandémico.
En los papeles, no se trata de desplazar o
suplir algo que parece irremplazable, sino
“pasar este mal rato” lo mejor posible;
aunque muchos organizadores van a tener
en cuenta el suceso (o no) de estos eventos
y, quien sabe, cambiar muchas de sus
modalidades a futuro post-cuarentena.
La respuesta virtual puede haber sigue faltando: el factor humano y “CONVENCIONES COMO
funcionado en convenciones anuales social que hace de estos eventos un
multitudinarias como la E3 (Electronic encuentro único para los fans de todo
LA WONDERCON O LA
Entertainment Expo), un lugar no el mundo, quienes durante un par de DRAGON CON SIGUIERON
accesible para los fans (solo empresas y días al año se hermanan en armaduras LOS PASOS DE LA
periodistas), quienes no debieron mutar mandalorianas o congregaciones de
sus costumbres a la hora de enterarse Linternas Verdes, y se sumergen en CANCELACIÓN, PERO
de todas las novedades a través de los esta fantasía idílica donde (casi) todo es MUCHAS OPTARON POR
medios. Pero, ¿qué pasa cuando lo posible, incluso conocer a tu ídolo. LA VIRTUALIDAD PARA
‘social’ juega un papel fundamental en Se sabe (y se entiende), en muchas de
estos celebrados acontecimientos de estas ocasiones, la experiencia más MANTENER VIVO EL
la industria? tangible solo aplica para aquellos ESPÍRITU DE REUNIÓN”
La intervención y el ida y vuelta con los que presencian dicha exposición,
fanáticos es el alma de juntadas como recompensados con materiales
la Star Wars Celebration que, ante la exclusivos que pocas veces
situación actual, decidió cancelar la llegan a la web de
edición 2020 y mudar su próxima
gala al Anaheim Convention
Center (California) -la
última había sido en
Chicago en 2019-
, a mediados de
agosto de 2022.
Convenciones como
la WonderCon (abril)
o la Dragon Con
(septiembre) siguieron
estos mismos pasos, pero
muchas optaron por la
virtualidad para mantener
vivo el espíritu de “reunión”.
Ejemplo que pronto adoptó la madre
de todos los eventos: la Convención
Internacional de Cómics de San Diego, o
Comic-Con, para los amigos.
Sí, tuvimos las novedades de siempre, con
lanzamientos de tráilers, escenas adelanto
y anuncios de fechas de estreno, incluidas.
Tuvimos el merchandising exclusivo que
pudo adquirirse desde la web (aplauso
para esos suertudos), y mucho famoso que
se prestó para la ocasión sin necesidad
de moverse de su casa. Pueden leer todos
los detalles al respecto en este mismo
número de la revista, pero seguro no
van a encontrar ese sentimiento que

TENEMOS UNA CITA

¿Dónde? ¿Cuándo? ¿Cómo? ¿Quiénes? La convocatoria es el próximo 22 de
agosto, a partir de las 2 p.m. (hora de Argentina), en el sitio web DCFanDome.
com, desde donde se llevará a cabo esta experiencia virtual y gratuita que
no requiere ningún tipo de acreditación previa. Un recorrido por el pasado,
presente y futuro de la editorial y sus queridos personajes -a lo largo de 24
horas seguidas-, de la mano de los mismísimos actores, directores, productores
y creadores involucrados. Atenti a los eventos locales con invitados especiales,
que desde La Cosa les tenemos un par de sorpresas reservadas.

Bienvenido al multiverso

LA COSA 41
 manera
oficial y,
claro… la
emoción
desbordada
de cada
momento.
Igual, levante
la mano quien no se
emocionó desde su casa (seguramente
frente a la computadora) con algún
panel del Hall H, repleto y expectante,
por el arribo de los protagonistas de
esa serie/película/cómic/videojuego
que te puede alegrar el día. Este es el
sentimiento principal que la Comic
Con at Home 2020 trató de replicar, de
manera más inclusiva, sin hacer largas
colas o gastar un solo peso para viajar
hasta San Diego.
Pros y contras de un escenario que es
tan incierto como impredecible. Para
algunos habrá sido un triunfo en medio
de la crisis, para otros, una decepción
que no llegó a cubrir las expectativas,
más cuando tenemos en cuenta la falta
de “números fuertes” a los que ese Hall
H nos tiene tan mal acostumbrados.
No podemos culpar a la gente de
Marvel -aunque se la jugaron con su
presentación de Los Nuevos Mutantes
(The New Mutants, 2020)- o Star
Wars, ya que no hay verdaderas
novedades para anunciar. Tampoco a
los amigos de Warner Bros. que, por
segundo año consecutivo, decidieron
esquivar la famosa convención, como
tantos otros estudios, debido a la
incertidumbre cinematográfica.
“MÁS ALLÁ DE CUALQUIER
PRIMICIA QUE NOS
PUEDAN REGALAR, EL
DC FANDOME TIENE UNA
FUNCIÓN ESPECÍFICA:
RECUPERAR LO MEJOR
DE ESTOS EVENTOS
MULTITUDINARIOS,
DONDE GRANDES Y
CHICOS DE TODAS LAS
LATITUDES SE PUEDEN
HERMANAR BAJO UNA
MISMA BANDERA, EN ESTE
CASO, LAS LEGENDARIAS
FIGURAS DE DC COMICS”
42 LA COSA
En resumen, la Comic Con at
Home se sintió más cercana a los
esquemas de la New York Comic
Con, donde la tele suele llevar la
delantera. Las series (y los cómics, por
supuesto) fueron las grandes estrellas de
esta edición, justamente, porque son las
únicas que pueden ostentar algún tipo
de continuidad y futuras fechas de
lanzamiento, incluso aquellas que
se habían pausado a causa de
la cuarentena.
Pero nada de esto es
un impedimento para
que otros/as estudios/
editoriales/productoras
sigan el camino de
la virtualidad para
complacer a sus
hambrientos seguidores.
Es el caso de DC
FanDome: “Una mega
experiencia inmersiva”
que, a lo largo de unas
intensas 24 horas, promete
llenarnos de anuncios,
primicias y todo tipo de
contenidos relacionados a la
Distinguida Competencia.
UNDER THE DOME
“El mundo ha recurrido a la
inspiración que los héroes de DC y sus
historias nos han dado para animarnos y
entretenernos por más de 85 años. Este
evento digital inmersivo dará a todos una
nueva opción de personalizar su viaje a
través del Universo DC, sin la necesidad
de hacer filas, comprar entradas o cruzar
fronteras”, así describe la experiencia Ann
Sarnoff, CCEO de WB., una alternativa
diferente para que los fans se conecten
y, de paso, accedan a algunas de las
novedades que se vienen dentro de este
 conglomerado de entretenimiento que incluye “LA IDEA DEL DC FANDOME
videojuegos, cómics, películas y series.
Para qué vamos a mentir: DC FanDome es como
PARECE RETOMAR LA
una Star Wars Celebration, aunque de superhéroes PREMISA DE DC UNIVERSE,
y villanos DCnianos, para disfrutar desde casa en QUE TAMBIÉN INTENTÓ
pijama, si así lo prefieren (vale doble si el pijama es
alusivo). La idea parece retomar la premisa de DC RECREAR ESTA SENSACIÓN
Universe, plataforma de streaming de la editorial, DE COMUNIDAD A TRAVÉS DE
que también intentó recrear esta sensación de SUS FOROS Y DIFERENTES
comunidad a través de sus foros y diferentes
interacciones entre sus suscriptores. No sabemos si INTERACCIONES ENTRE SUS
el servicio on demand cumplió con las expectativas SUSCRIPTORES”
de la compañía a dos años de su lanzamiento
-hasta el día de hoy no traspasó los límites de
Estados Unidos-, pero sí nos dejó un montón Si lo tuyo es el cine comiquero, no olvides
de nuevas propuestas que, tal vez, reservar tu lugar, porque puede que
no hubiesen encontrado su haya novedades sobre las próximas
lugarcito en otros terrenos. entregas de Aquaman, The
Hablamos de cosas Batman (2021), Black Adam
como la violenta serie (2021), The Suicide Squad
animada de Harley (2021), The Flash (2022),
Quinn o la bizarra Shazam!, la esperadísima
Doom Patrol, dos de las Mujer Maravilla 1984 (Wonder
producciones que estarán Woman 1984, 2020) y la Zack
presentes en este festejo de Snyder’s Justice League (2021),
la cultura pop. la cual todavía no sabemos cómo
El secretismo que gira alrededor encasillar. ¿Será una película larga o
de esta experiencia virtual no nos una miniserie repartida en episodios?
permite saber con certeza con qué nos Lo cierto es que, más allá de cualquier
vamos a encontrar el próximo 22 de agosto, pero primicia que nos puedan regalar, el DC
desde las redes sociales, muchas de las estrellas FanDome tiene una función específica y se
y realizadores involucrados ya anduvieron apega a las mismas “reglas” que venimos
anticipando su participación, la cual (suponemos) comentando desde el principio de esta
no será tan diferente a lo que venimos atestiguando nota: recuperar lo mejor de estos eventos
en la Comic Con u otros especiales digitales. Shows multitudinarios (imposibles de celebrar en
como Batwoman, DC’s Legends of Tomorrow, el contexto de la pandemia), donde grandes
The Flash, Stargirl, DC Superhero Girls, Young y chicos de todas las latitudes se pueden
Justice, Lucifer, Los Jóvenes Titanes en Acción hermanar bajo una misma bandera, en este
(Teen Titans Go!), Pennyworth, Black Lightning, caso, las legendarias figuras de DC Comics.
Supergirl, Watchmen, Titans y la futura Superman Héroes y heroínas de pura ficción, pero
and Lois, ya tienen su espacio reservado bajo el concebidos bajo esos valores que siempre
domo, demostrando la versatilidad de propuestas vienen bien rescatar cuando el mundo no
para toda la familia y tipos de fan. atraviesa su mejor momento.

JUSTICIA PARALELA
Como ya dijimos, WB esquivó la Comic Con at Home
2020 para darle prioridad a su propia convención. Igual,
Zack Snyder no se pudo contener y se dio una vueltita
virtual por la Justice Con, evento organizado por los fans
que puso al director y su inminente versión de Liga de
la Justicia (Justice League) al centro y al frente, para
charlar al respecto y, quien dice, sumar alguna primicia.
El realizador no quiso decepcionar y entre pregunta
y pregunta se despachó con la primera imagen del
kryptoniano (Henry Cavill) en su clásico traje negro (un
retoque digital), tal cual aparece en el arco comiquero
The Return of Superman (1993). “Quiero a Superman
a todo volumen, en todo el espectro de emoción, no a
un boy scout de una sola faceta”, aseguró el director, y
anticipó que habrá muchas novedades sobre la película
durante el DC FanDome. Zack Snyder’s Justice League
sigue siendo un título tentativo para este polémico y
esperado corte que no tendrá ni un fotograma filmado
por Joss Whedon y que se extenderá a lo largo de
más de 214 minutos, de ahí la especulación sobre su
verdadero formato. Muchos de estos interrogantes, al
parecer, serán contestados el 22 de agosto, fecha en la
que también se estrenará el primer adelanto oficial.
Qué nervios.
Mirá el panel “Spotlight
on Zack Snyder” por acá:

LA COSA 43
PARA TODOS LOS GUSTOS DC KidsVerse

Explorando el DC FanDome. No hay edad para ser fan de DC, pero los más chicos tienen un lugar
privilegiado creado especialmente para ellos, con horas y horas de
diversión, a través de una amplia variedad de actividades. Se puede
acceder de forma directa en www.DCKidsFanDome.com
y compartir esta pasión en familia.
DC YouVerse
Acá la estrella sos vos. Este es el
rinconcito donde los fans comparten sus
propias creaciones y contenidos con el
resto de sus pares alrededor del mundo.
¿Sumaste tu granito de arena?

DC WatchVerse
Como su nombre lo indica, este es
nuestro auditorio virtual, lugar de
reunión para congregarse y disfrutar
de contenido audiovisual exclusivo,
material inédito y diferentes paneles
encabezados por los intérpretes,
creadores y equipo detrás de las
cámaras de las películas, shows
televisivos y videojuegos de DC.

El Salón de los Superhéroes

(Hall of Heroes)

Epicentro de la acción, a partir del cual vas a poder adentrarte y explorar cada una de las estaciones satelitales. El hall albergará una programación
especial repleta de paneles de discusión y todas las novedades del cine, la TV y los videojuegos, disponible en varios idiomas. También en español.

44 LA COSA
 DC InsiderVerse
Jim Lee (director creativo de DC), Walter Hamada (presidente
de producciones cinematográficas) y Greg Berlanti (creador del
Arrowverse) te dan la bienvenida a este espacio donde la creatividad
toma la posta a lo largo y ancho del multiverso, y donde las mentes
maestras de cada una de las formas de consumo te llevan tras
bambalinas de sus creaciones.

DC FunVerse

Ninguna convención está completa sin un stand de souvenirs o coleccionables, en este

caso, imágenes digitales que vas a poder acumular y compartir a través de las redes
sociales. Cómics, kits creativos y una tienda online repleta de productos oficiales y
ediciones limitadas exclusivas. Adiós al aguinaldo.

LA COSA 45
 LA COSA MATIC
PELÍCULA
Si querés llorar, llorá
PALM SPRINGS
USA, 2020
DIRECCIÓN Max Barbakow
GUION Andy Siara
DURACIÓN 90’
REVIEW Jessica Blady
La cuarentena sigue siendo el
escenario ideal para el lucimiento de
películas independientes como este
debut cinematográfico a cargo de
Max Barbakow. La comedia romántica
(con toques de ciencia ficción) escrita
por Andy Siara brilló en el último
Festival de Cine de Sundance, antes
de aterrizar en algunos autocines de
Estados Unidos y romper récords de
audiencia en la pantalla de Hulu, que
adquirió los derechos junto con Neon.
La historia nos mete de lleno en un día
en particular de la vida de Nyles (Andy
Samberg), quien despierta en un hotel
de Palm Springs donde se llevará a
cabo la boda de Tala (Camila Mendes)
y Abe (Tyler Hoechlin), amigos de
SERIES
HOMEMADE
Italia/ Chile, 2020
46 LA COSA
Como la vida misma
LIMBO
Que chucho manucho
Mirá el
tráiler
su novia. Pronto descubrimos que la
situación es un eterno déjà vu para
el protagonista, atrapado en un bucle
temporal desde hace ya un largo rato.
¿Cuánto? Este es uno de los tantos
misterios del guion de Siara, quien al
principio no había contemplado los
elementos fantásticos de su relato.
Si bien Hechizo del Tiempo (Groundhog
Day, 1993) fue un punto de partida
más que importante a la hora de
introducir el recurso de time loop
CREADA POR Pablo Larraín, Juan de Dios
Larraín y Lorenzo Mieli
EPISODIOS 17 (Primera Temporada)
REVIEW Cristian Calavia
La primera serie antológica pergeñada
durante la pandemia de COVID-19 consta
de una temporada de 17 episodios, de
entre cinco y doce minutos cada uno,
en los que la premisa fundamental gira
en torno al aislamiento social en los
distintos rincones del mundo.
Muchos son los y las cineastas que
hacen su aporte al proyecto desde
sus hogares y con los recursos que
tienen a mano. Desde el italiano
Paolo Sorrentino hasta el chileno
Uno, dos, ultraviolento Science, bitch!
en esta rom-com, los realizadores
decidieron apartarse de los
convencionalismos y presentarnos a
Nyles ya sumergido en esta disyuntiva
como si se tratara de “la secuela de
una película que no existe”. La adición
del personaje de Sarah (Cristin Milioti)
fue el ingrediente fundamental para la
narración… y para la audiencia que, de
esta manera, puede conectarse con los
planteos de una historia que calzan
muy bien en medio del aislamiento
Pablo Larraín y el alemán Sebastian
Schipper, pasando por la libanesa
Nadine Labaki, la japonesa Naomi
Kawase y el escocés David Mackenzie,
entre otros y otras. Incluso las
actrices norteamericanas Maggie
Gyllenhaal y Kristen Stewart se
ponen delante y detrás de cámara
para la ocasión.
Por su parte, las perspectivas
planteadas en pantalla son varias:
un simpático juego de doppelgängers
casero, un paseo en drone por las
calles de París, un delirante -y
picante- encuentro entre el papa
Francisco y la reina Elizabeth II, y
hasta un escenario distópico que
juega con la idea de qué podría pasar
si la situación se extiende por muchos
años más.
Sí, fue magia *Risas*
DESTACADO
DEL MES
social y la “nueva normalidad”.
De repente, esta parejita de extraños
-Sarah es la hermana mayor y rebelde
de la novia- se convierten en los
dos únicos seres de este universo
infinito e inexorable que se crea a su
alrededor; metáforas de la soledad,
la falta de compromiso, la inmadurez,
el amor y la existencia, un pasado
que no se puede borrar y un extraño
presente que puede ayudar (o no) a
cambiar un incierto futuro.
A pesar de formar parte del catálogo
de Netflix y lo tentador de sus
capítulos cortos, quizás esta no sea
la típica serie para maratonear de
principio a fin, sino para ver por
tandas y dedicarle alguna que otra
pausa de introspección cuando la
interpelación de un lado al otro de la
pantalla lo amerite.
Se trata de un compendio de relatos
atravesados por el humor y el drama
de la vida misma que, también,
funcionan como registro de época de
uno de los períodos más extraños
de la historia. Acorde a la premura
de las redes sociales, el consumo de
información y contenidos culturales,
Homemade propone un rato de
reflexión profunda en medio de una
crisis que aún está lejos de terminar.

DESARROLLADO POR Sucker Puch
Productions
DISTRUBUIDO POR Sony Interactive
Entertainment
PLATAFORMAS PlayStation 4
REVIEW Ezequiel Leis
La PlayStation 4 continúa su
despedida triunfal mientras los fans
esperan con ansias la llegada de la
CÓMICS
MIGHTY MORPHIN POWER RANGERS / GO GO
POWER RANGERS
USA, 2015-2020
DIBUJOS Dan Mora, Daniele Di Nicuolo, Sina
Grace y más
GUION Kyle Higgins y Ryan Parrott
EDITA BOOM! Studios
REVIEW Ezequiel Leis
La serie televisiva de Power Rangers
continúa apuntando a un público
muy joven que se sorprende con
explosiones de mentira y monstruos
de goma. Quien escribe la sigue
amando, pero los cómics más recientes
de la franquicia están a otro nivel
respecto del show y muestran
un costado muy distinto de los
defensores de la Tierra.
La serie principal, Mighty Morphin
Power Rangers, y su precuela, Go
Go Power Rangers, ahondan mucho
más en las relaciones entre los
protagonistas, así como también entre
ellos y sus familias (que en la tele rara
nueva generación de consolas. En
esta ocasión, el estudio creador de
la saga inFamous vuelve a la acción
para presentar una narración nueva y
visualmente muy atractiva.
Ghost of Tsushima lleva a los
jugadores a un período bastante
particular en la historia japonesa.
El protagonista es el último samurái
de la isla de Tsushima y tendrá la
tarea de aprender un nuevo estilo
de combate para repeler casi solo
a los invasores mongoles. El juego
cuenta con espectaculares escenas
vez aparecen), u otros personajes
de la escuela, que son unos cuantos
más que Bulk y Skull. Los cómics
también confirman que Tommy Oliver
es el mejor y más importante Power
Ranger de todos los tiempos, y lo
utilizan para incorporar conceptos
que no se habían visto nunca antes.
Los lectores ávidos de historietas
conocen a fondo todas las teorías
sobre el multiverso, tierras
paralelas, viajes en el tiempo y otros
recursos que el mundo comiquero se
cansó de explotar. Sin embargo, en
el universo Power Rangers es algo
completamente nuevo, que abre las
puertas a infinitas posibilidades e
historias aún más geniales.
Ambas series se cruzaron en un par
de oportunidades gracias a eventos
crossover como Shattered Grid y
Necessary Evil, que cumplieron los
sueños de varios fans, mezclando
generaciones, agrupando rangers
que nunca se atravesaron y hasta
JUEGOS
GHOST OF TSUSHIMA
USA, 2020
cinematográficas que, por suerte, se secretas y mucho más.
pueden escuchar en japonés para una Como se anticipa en su premisa, el
experiencia más auténtica. combate es otro de los ejes del juego.
El aspecto visual es primordial en Para cada misión, asentamiento
GoT -hay demasiadas propiedades o enemigo, existe la opción de ir
intelectuales que se pueden abreviar armados hasta los dientes gritando
así, ¿no?-. Por un lado, hay una gran como locos o la alternativa sigilosa.
cantidad de opciones estéticas que Ambos estilos marcan tanto lo que
ayudan a personalizar el videojuego pasa en las batallas como la sensación
y lograr los efectos que se usaban general que tendrán los enemigos al
en las películas de samuráis de Akira ver al protagonista, ya sea como una
Kurosawa y otros grandes directores. máquina de matar o un fantasma al
Por el otro, el equipo de Sucker Punch que temer.
decidió darle una vuelta de tuerca a la Ghost of Tsushima se suma a la lista
exploración del mundo abierto, por lo de geniales títulos de PlayStation para
que no hay un mapa con un indicador, un solo jugador, gracias al balance
sino que los jugadores deben estar justo entre cosas que se sienten bien,
atentos a las señales del entorno para fórmulas que conocemos y la dosis
alcanzar los objetivos, descubrir áreas exacta de novedades.
creando nuevos
megazords para
batallas épicas
espaciales. Más
allá de que los
recursos no son nuevos,
funcionan a la perfección
con los personajes y aportan
a la saga un aire diferente
para que un público
distinto pueda acceder
a ella.
Los guionistas
tomaron
riesgos
en una
franquicia
para chicos,
muy cuidada,
y lograron
algo más que
interesante
de la mano de
ilustradores que hoy están
en las grandes ligas.
LA COSA 47
 LA COSA MATIC Si querés llorar, llorá Como la vida misma Que chucho manucho Uno, dos, ultraviolento Science, bitch! Sí, fue magia *Risas*

PELÍCULA

7500
Alemania/Austria/USA, 2020
DIRECCIÓN Patrick Vollrath
GUION Patrick Vollrath y Senad Halilbasic
DURACIÓN 92’
REVIEW Cristian Calavia
La ópera prima del alemán Patrick
Vollrath es un ejemplo de que no
hace falta contar con una inversión
descomunal en efectos especiales
para hacer un buen thriller. Al mismo
tiempo, demuestra que el argumento
tampoco debe partir, necesariamente,
de una idea original brillante, ni tener
una bajada de línea grandilocuente.
DOCUMENTAL
ser un actor dúctil que se adapta a
distintos géneros y registros. Esto
es fundamental, ya que casi toda la
película transcurre en el mismo lugar
y gira en torno a su personaje.
El título proviene del código
numérico que se utiliza para dar
a entender que un avión ha sido
secuestrado o está sufriendo
algún tipo de amenaza. Esto es
justamente lo que le sucede a
Tobías Ellis (Levitt), el joven piloto
estadounidense que acompaña a
un comandante alemán en un vuelo
comercial de Berlín a París. A los
pocos minutos de despegar, cuatro
terroristas islámicos toman el
control de la nave a la fuerza y las
cosas se complican de sobremanera
para el centenar de personas que
viajan a bordo.
Si existiera una etiqueta de “dramas

ATLETA A
Athlete A, USA, 2020
DIRECCIÓN Bonni Cohen y John Shenk
DURACIÓN 104’
REVIEW Macarena Luna
La no ficción está atravesando uno
de sus mejores momentos gracias a
Netflix. Ya sea en formato de serie o
película, desde hace ya varios años son
un éxito en la plataforma, sin importar
la temática o el tono que utilicen.
Por eso, no será sorpresa que varios
usuarios se crucen con Atleta A (Athlete
A, 2020) en su camino. El film narra
con entrevistas actuales y material
de archivo, uno de los más grandes
escándalos de las competiciones
olímpicas estadounidenses: las
acusaciones de abuso sexual contra el
doctor Larry Nassar y la complicidad de
la USA Gymnastics.
¿Cuál es la clave de su efectividad? densos en espacios reducidos”
La construcción milimétrica de los dentro del catálogo original de
climas, la tensión constante y la Amazon Prime Video, esta sería una
capacidad de producir una empatía de las primeras de la lista. Con un
inmediata con su protagonista. Por desarrollo angustiante y una carga
eso, no es casualidad que el papel
principal haya recaído en Joseph
emotiva espesa, 7500 no es una
propuesta para distenderse y pasar
Gordon “Robin” Levitt quien, desde el rato. Al contrario, es una obra de
El documental dirigido por Bonni
sus inicios en la sitcom 3rd Rock from esquema hitchcockiano que estresa
Cohen y John Shenk comienza con la
the Sun (1996-2001) y a lo largo de su al espectador y lo deja tecleando
investigación del caso a cargo de Steve
variopinta filmografía, ha demostrado mientras pasan los créditos.
Berta, Marisa Kwiatkowski, Mark Alesia
y Tim Evans y, principalmente, con
Maggie Nichols, la primera gimnasta
en denunciar a Nassar. A través del
recorrido de Nichols y varias de las
víctimas se desentraña una cruda
verdad que va más allá de los actos
del osteópata del equipo, develando
una red de encubrimiento por parte de
la entidad y sus autoridades, quienes
estaban mucho más preocupados por
la imagen pública de USA Gymnastics
que el bienestar de sus jóvenes
atletas, llegando a abusar de ellas
también psicológicamente.
Todo lo resume el testimonio de
otra de las sobrevivientes, Jamie
Dantzscher, quien avergonzada
asegura que, a pesar de sus acciones
(las que le costaron una condena de
40 a 125 años en prisión), Nassar era
el único adulto que era amable con las
jóvenes competidoras.

48 LA COSA
 THE BOYS

CHICOS
MALOS
UNA DE LAS SERIES MÁS VISTAS Y QUERIDA
S DE AMAZON PRIME VIDEO CONFIRMÓ
CONTINUARÁ EXPLORANDO ESTE
SU REGRESO PARA SEPTIEMBRE. THE BOYS
RUPTOS Y JUSTICIEROS SANGUINARIOS
RETORCIDO MUNDO DE SUPERHÉROES COR
PEQUEÑOS CAMBIOS, NUEVAS
EN SU SEGUNDA TEMPORADA, CON ALGUNOS
RIDA DE SIEMPRE.
INCORPORACIONES Y LA MISMA ACTITUD POD

Por
Ezequiel Leis

A
mazon Prime Video tenía un gran
competidor enfrente, pero no se achicó
y fue hacia adelante con una gran
cantidad de series, sin las que hoy no
podríamos vivir (¿?). The Boys es una
de ellas. No solo aportó un torbellino
de aire fresco a un género superheróico
repleto de opciones, sino que también lo hizo con los mejores
números del servicio de streaming hasta ese momento,
asegurando así la continuidad del show por un tiempito más.
¿Cuál es la fórmula de The Boys y por qué funcionó tan bien?
La base es simple y común a todos los productos de la dupla
Seth Rogen/Evan Goldberg: adaptar no es calcar. Mientras
algunos realizadores buscan meter todas las referencias, y hasta
imitar cuadros de los cómics en sus películas y series, la filosofía
de estos dos muchachos -que arrancó con Preacher (2016-2019)-
se preocupa más por entender lo que el material original quiere
transmitir. Desde ahí, su versión parte de la misma premisa,
pero va en otra dirección.
Ambas maneras de hacer las cosas funcionan cuando se hacen
bien pero, aunque usted no lo crea, este tipo de acercamiento
tiene más sentido por el simple hecho de que se trata de
dos lenguajes muy diferentes. La narrativa de los cómics
-con monólogos internos, globos de pensamiento y mucha
ocultación de información importante- suele no ser compatible
con la de la TV, que es casi omnipresente. Al mismo tiempo,
lo que genera una página doble llena de información es
prácticamente imposible de llevar a la pantalla. En vez de
intentar hacerlo, lo mejor es traducirlo.
Los fans de los cómics de Garth Ennis y Darick Robertson
pronto descubrieron que el show va por direcciones diferentes,
principalmente a la hora de mostrar a sus personajes
protagonistas. Sin embargo, también notaron que el mensaje
punk está intacto, así como la cantidad de sangre por minuto,
que era uno de los principales miedos a la hora de mostrar una
historia encabezada por superhéroes demasiado familiares.
Ese nivel de violencia también es parte de la fórmula, pero no
actúa por sí solo. El Universo Cinematográfico de Marvel

LA COSA 49
(MCU) superó la década y a la par salieron todo tipo de adaptaciones
comiqueras, pero pocas se animaron a derribar el mito del superhéroe, “MIENTRAS ALGUNOS
a mostrar el lado siniestro de lo que implica tener superpoderes, o REALIZADORES BUSCAN METER
siquiera imaginar cómo funcionarían realmente esos personajes en un TODAS LAS REFERENCIAS, Y HASTA
mundo regido por las corporaciones y el marketing. En otras palabras,
no muchos se animaron a contar una historia de superhéroes cagándose IMITAR CUADROS DE LOS CÓMICS
en los superhéroes. EN SUS PELÍCULAS Y SERIES, LA
Mientras otros se preocupan por buscar el lado humano de los villanos
para enriquecer la narración y que la audiencia se pueda identificar con
FILOSOFÍA DE SETH ROGEN Y EVAN
ambos lados de un problema, The Boys patea el tablero y provoca que GOLDBERG SE PREOCUPA MÁS POR
todos los personajes sean despreciables. Los dilemas morales quedan en ENTENDER LO QUE EL MATERIAL
la puerta.
Todas estas transgresiones o elementos poco comunes en los relatos
ORIGINAL QUIERE TRANSMITIR.
tradicionales de superhéroes son suficientes para hacer un producto DESDE AHÍ, SU VERSIÓN PARTE DE
atractivo por el simple hecho de no ir con la marea. También tiene LA MISMA PREMISA, PERO VA EN
su grado de originalidad por buscar adaptar una obra y no repetirla
en otro formato, y tampoco se le puede restar OTRA DIRECCIÓN”

50 LA COSA

importancia al elenco maravillosamente
elegido para la misión. Este gran combo
prometedor funciona gracias al ritmo
impreso en The Boys, que no para nunca,
siempre tiene algo para decir y, al menos
una vez por episodio, descoloca a su
audiencia con algún elemento inesperado.
Todo el material que anticipa la nueva
temporada de The Boys parece mostrar
más de lo mismo y eso sería suficiente.
La trama fue tomando complejidad
hacia el final, y los nuevos episodios
deberán lidiar con cuestiones bastante
más pesadas que la primera entrega, pero
siempre y cuando lo hagan con mucha
DUPLA GANADORA sangre, muerte y destrucción, todo va a
estar bien.
Toda fórmula debe ser consciente de
un pequeño factor que afecta a todos
por igual: el tiempo. Así como no es lo
mismo diseñar una narrativa para una
serie semanal o para un show que lanza
su temporada completa el mismo día,
no es lo mismo sostener la originalidad
y la transgresión para siempre.
La segunda temporada de The Boys
estrenará sus primeros tres episodios a
Hace algunos años, los
nombres Seth Rogen y Evan
Goldberg eran sinónimo de
comedias stoner y películas
con humor para adolescentes,
llenas de chistes de pitos y
amigotes de ambos, como
James Franco, Jonah Hill y
esa banda. Nada de malo ahí:
salieron cosas interesantes
de ese grupito. Sin embargo,
la dupla decidió cambiar un
poco su enfoque en estos
últimos tiempos y comenzó
un camino diferente de la
mano de la TV. El último guion
escrito por Goldberg fue para
Buenos Vecinos 2 (Neighbors
2: Sorority Rising, 2016). Desde
entonces, el dúo dinámico se
dedica más a la producción de
proyectos, donde imprimen
sus intenciones y su manera
de abordar historias, pero
dejan las tareas de
escritura y dirección
en manos de
otros. De este
enfoque salieron
cosas como
Preacher, Future
Man (2017-2020) y
The Boys, por lo que no
nos quejamos. De hecho,
nos gustaría ver un poco más
de esto y menos La Fiesta
de las Salchichas (Sausage
Party, 2016). El último
proyecto anunciado de
Rogen y Goldberg es
un reboot animado
de las Tortugas
Ninja, y con el
currículum de sus
últimos años no
podemos evitar
emocionarnos
un poquito.
LA COSA 51
 MARVEL MAX STITCHED
ALTERNATIVAS (2012)

SANGRIENTAS Mientras DC tenía su línea Vertigo con

personajes e historias más retorcidas,
Otro trabajo de Garth Ennis,
esta vez acompañado por el
Marvel quiso descargar toda la dibujante Mike Wolfer. Un grupo
La serie The Boys
violencia contenida en lo que se de soldados, responsables de
es altamente
sangrienta porque hizo llamar la línea MAX. Personajes una misión de rescate, llega
su contrapartida como Punisher, Deadpool, Wolverine a Afganistán después de un
comiquera tiene y Destroyer estuvieron muy felices aterrizaje forzoso que dejó un
algunas de las de poder (finalmente) mostrar par de muertes y un herido. Sin
escenas más de qué están hechos sin embargo, sus problemas recién
iracundas y llenas preocuparse por las empiezan porque se cruzan
de tripas de la audiencias más con unos seres extraños, los
historia del papel.
jóvenes, y obvio Stitched: una suerte de zombies
Sin embargo, no
está sola, porque que Garth Ennis que se dedican a desmembrar
hay muchas otras tuvo un poco a sus víctimas. Ennis también
narraciones que ver en escribió un corto que se lanzó en
violentas dando todo esto. 2011 para promocionar el cómic
vueltas por ahí. de Avatar Press.

la par, para luego lanzar los cinco restantes de a uno por

semana. Más allá de ser una estrategia de Amazon
Prime Video para mantener suscriptos a los usuarios
durante más tiempo, puede que afecte también
la manera en la que se cuenta la acción, con
cliffhangers más potentes y giros más
reveladores. La gran consecuencia que
espera el estudio es que la charla
sobre la serie se sostenga mucho
más en el tiempo y que la
audiencia se junte cada viernes
a comentar el más reciente
capítulo en las redes sociales.
Es un poco extraño,
teniendo en cuenta que la
primera entrega ya marcó
un récord para el servicio
de streaming, pero puede
que estén buscando superarse
nuevamente y sentar un nuevo
precedente. Además, seguro le
tienen envidia a series como The
Mandalorian, que se beneficiaron
muchísimo de su formato semanal.
Las fichas están puestas en los creativos
de la serie, que seguramente subirán
la apuesta traspasando nuevos límites.
El combo que ofrece The Boys sigue
manteniendo su diferencial, al menos,
hasta que otras editoriales vean la mina
de oro que es mostrar superhéroes
más decadentes en pantalla. El otro
distintivo importante es Karl Urban,
que siempre que se metió en algo
comiquero, lo hizo bien.

52 LA COSA
 INVINCIBLE
Robert Kirkman es otro
maestro de la sangre y el gore.
The Walking Dead (2003-2019)
es un claro ejemplo de eso,
pero el blanco y negro no deja
mostrar la violencia en todo
su esplendor. Por otro lado,
Invincible parece un cómic
divertido y alegre por sus
tapas, con un protagonista
un poco torpe y diferente al
típico héroe de historietas.
Pero en sus páginas esconde
algunas de las peleas más
encarnizadas del género
superheroico, con mucha
hemoglobina y mucho
enojo descargado.
NEMESIS
(2010)
Otro experto que siempre
tiene un balde de tinta roja
a mano es Mark Millar. Lo
demostró con Kick-Ass y
Hit-Girl que, a pesar de tener
protagonistas menores de
edad, son ultra sangrientos.
De todas maneras, Millar se
soltó mucho más con Nemesis,
cuya premisa involucra a un
superhéroe tipo Batman, pero
completamente desquiciado.
No solo traspasa la línea
que Bruce Wayne se niega a
cruzar, sino que se divierte
haciéndolo y busca maneras
creativas de llevarlo a cabo
para no aburrirse.
CROSSED
(2008-2010)
La lista cierra con otra historia
made by Ennis, que esperamos
esté yendo a terapia. Crossed
es su versión de un futuro
post-apocalíptico no muy lejano,
donde un virus hace que las
personas se vuelvan locas y
lleven adelante sus pensamientos
más oscuros, lo que termina en
muchos asesinatos, violaciones
y demás. Aunque Garth creó el
cómic, contó con la participación
de diferentes guionistas e
ilustradores a lo largo de los
volúmenes, lo que significa que se
retratan prácticamente todas las
maneras de morir violentamente,
y algunas más también.

“LOS FANS DE LOS CÓMICS DE GARTH
ENNIS Y DARICK ROBERTSON PRONTO
DESCUBRIERON QUE EL SHOW VA
POR DIRECCIONES DIFERENTES,
PRINCIPALMENTE A LA HORA DE
MOSTRAR A SUS PERSONAJES
PROTAGONISTAS. SIN EMBARGO, TAMBIÉN
NOTARON QUE EL MENSAJE PUNK ESTÁ
INTACTO, ASÍ COMO LA CANTIDAD DE
SANGRE POR MINUTO”
¿Qué hay de nuevo, viejo? Según el showrunner, Eric Kripke
-responsable de Supernatural-, la segunda temporada será
más loca, más intensa y más emocional. “De hecho, es
demasiado”, agregó poco antes de mostrar el más reciente
tráiler oficial, que confirma sus palabras. El hecho de
continuar las historias planteadas en la primera temporada
ya trae mayores riesgos, pero lo que el público quiere ver, por
lo general, son caras nuevas. Y The Boys incorporará caras
nuevas en su segunda entrega.
El gran punto de venta de los nuevos episodios es que hay
una nueva heroína entre Los Siete. En el material original,
Stormfront es el primer superhéroe, creado por los nazis. En
la serie, en vez de ser un hombre, es una mujer, pero sus

LA COSA 53
 objetivos y motivaciones son similares y pondrán en peligro
el liderazgo de Homelander dentro del grupo, aunque muy
difícil no lo es. El gran cambio respecto de la llegada de este
personaje es que, en los cómics, Stormfront pertenece a un
grupo diferente de héroes. Son los segundos en popularidad
y hay otros individuos interesantes, y particularmente
carismáticos, dentro del contexto de The Boys. Pero en esta
versión, y como consecuencia directa de lo que pasó en la
primera temporada, Stormfront pasará a ocupar la silla que
quedó vacante en la mesa de Los Siete.
Este es otro de los desvíos principales de la serie con respecto
del material original. Sin embargo, al mantener la esencia
se puede predecir y mostrar una versión alternativa de esa
historia. Un tipo muy específico de fan suele quejarse de que
las adaptaciones arruinan el material de base, pero lo cierto es
que los cómics siempre van a estar ahí a disposición del que
quiera leer. Por eso, en este caso y gracias a los cambios en los
diferentes arcos argumentales, no solo no se está “arruinando”
nada, sino que se está creando un relato complementario para
disfrutar en otro formato. Así, el mundo puede tener una doble
dosis de The Boys.
Según anticipó el elenco, casi todos los personajes verán sus
reinos caer y perderán todo eso que los hacía ‘super’, para
mostrar su lado más humano y escondido. Stormfront (Aya
Cash) tendrá un poco que ver con eso. Pero no sería The Boys
si todo esto no se hiciera de la manera más bizarra posible.
“Se pone realmente muy raro y no les puedo decir qué, pero
realicé algunas de las cosas más extrañas que hice en mi vida”,
anticipó Anthony Starr, el mismísimo Homelander.
Volviendo a los muchachos -y muchacha- titulares,
también quedan cuestiones en los pasados de algunos de
los protagonistas, que serán abordadas durante la segunda

¿QUIÉN ES QUIÉN? Queen Maeve

Aunque The Boys
tiene muchos méritos, La Mujer Maravilla de
la gran mayoría de Los Siete, pero con
sus superhéroes y problemas mucho A-Train
superheroínas son
parodias o versiones
más humanos.
Black Noir No puede faltar un
más desagradables de
personajes conocidos en
Homelander velocista, considerado
editoriales como Marvel El típico Batman de una versión de Flash,
y DC. Algunos son más
obvios que otros, pero
Una versión de cualquier parodia Quicksilver o cualquiera
creemos necesaria una Superman cínica y con superheroica, pero con de los miles de
pequeña guía. fetiches cuestionables. experiencia en asesinatos. personajes similares.

54 LA COSA
 temporada. Sin embargo, lo más importante, según anticipó Karen
“MIENTRAS OTROS SE PREOCUPAN Fukuhara (Kimiko), es que pasaron mucho más tiempo juntos durante
POR BUSCAR EL LADO HUMANO el rodaje de los nuevos capítulos, por lo que tuvieron oportunidad de
desarrollar mucho más la química entre los cinco.
DE LOS VILLANOS PARA Desde el estreno de la primera temporada, el elenco de The Boys pasó a
ENRIQUECER LA NARRACIÓN Y convertirse en un grupo muy particular. Antes de la pandemia, visitaron
QUE LA AUDIENCIA SE PUEDA gran cantidad de convenciones para recibir ovaciones de pie y pasar
tardes enteras sacándose fotos con los fans, para después comentárselas
IDENTIFICAR CON AMBOS LADOS DE a los otros en sus redes sociales, casi sin salir del personaje. Cuando
UN PROBLEMA, THE BOYS PATEA se les pregunta sobre los nuevos episodios, prefieren no anticipar
EL TABLERO Y PROVOCA QUE demasiado. Por un lado, para no arruinar las sorpresas; por el otro,
porque aseguran que no les creerían las locuras que van a suceder.
TODOS LOS PERSONAJES SEAN Igualmente, en algo están todos de acuerdo: la segunda temporada es
DESPRECIABLES. LOS DILEMAS más sangrienta.
MORALES QUEDAN EN LA PUERTA” Mientras la espera por este estreno parece interminable, la gente detrás
de la serie ya tiene la mente en lo que se viene todavía más adelante.

Starlight Mesmer Stormfront

A pesar de tener Su nombre de pila, En los cómics se inventa
habilidades similares Charles, lo conecta un origen relacionado
a las de Dazzler, es la directamente con el a los vikingos y el
Supergirl de este equipo. Lamplighter profesor Charles Xavier. trueno, lo que
The Deep
la emparenta
Parodia, tanto de Clara parodia a con personajes
Aquaman como de Linterna Verde, en como Thor,
Namor, pero con especial al primero Shazam y
algunos elementos de todos, Alan Tormenta.
propios. Scott.

Después de lo que representó la primera temporada para

Amazon Prime Video y la expectativa por esta segunda
entrega, no sorprende a nadie la confirmación de una
MÁS tercera tanda de episodios, anuncio que llegó durante
INFO la Comic Con at Home. De todas maneras, Kripke ya
adelantó que estuvo charlando largo y tendido con Jeffrey
Dean Morgan, después de que el actor expresara sus
ganas de participar en The Boys. El tono de la serie y
su crudeza parecen ir mucho más de la mano del actor
que lo que hace en The Walking Dead, así que sería una
Mirá el genial incorporación, más teniendo en cuenta su paso por
tráiler Supernatural y la relación con el showrunner, que puede
sumar una química única con el guion.
Es muy temprano para sacar conclusiones y hacer
futurología, así que no se sabe si se tratará de un personaje
nuevo o una reinterpretación de alguno de los que ya se
conocen de los cómics. Todavía falta para que una tercera
entrega se ponga en marcha, con o sin pandemia, pero el
consumo seriéfilo es así. Sin importar si una temporada sale
completa o de a un episodio por semana, más vale pedir
la nueva tanda bien temprano, que llorar la cancelación
cuando ya es demasiado tarde.

LA COSA 55
 HAMILTON
Por
Ana Manson
L
in-Manuel Miranda estaba
buscando algo tranqui
para leer durante su vuelo
a México, luego de tomarse unas
merecidas vacaciones tras el éxito de
su primer musical, In the Heights. El
destino quiso que ese libro comprado
en el aeropuerto fuera la biografía de
Alexander Hamilton, una de las figuras
históricas más impopulares de Estados
Unidos, de esas que no se habla mucho
en la escuela. Pero la leyenda del
inmigrante huérfano que se convirtió
en uno de los “Padres Fundadores de
la Patria” norteamericanos lo inspiró
tanto, que se puso a trabajar en un
álbum conceptual basado en la vida
del infravalorado prócer. Este podría
haber sido un musical como cualquier
otro, pero Miranda tomó una serie de
decisiones que revolucionaron todo y,
de paso, le cambiaron la vida.
Todo un año se dedicó a escribir
“Alexander Hamilton”, el número que
abre la obra y sirve de presentación
al protagonista, y le llevó un año más
componer “My Shot”, la canción que
funciona como su principal leitmotiv.
De esa manera el autor decidió
recuperar esta técnica narrativa que
popularizaron las óperas de Wagner,
utilizando una melodía recurrente para
identificarla con cada personaje e ir
desarrollándolo a lo largo de la obra.
Durante todo el tiempo que estuvo
trabajando en estas dos canciones,
se aseguró de que captasen lo mejor
posible la esencia de lo que quería
transmitir sobre la personalidad de
56 LA COSA
su protagonista y de sí mismo. Y
así fue como, para 2009, ya estaba
absolutamente seguro de tener lo
necesario para presentarlo frente
a la audiencia más importante e
históricamente relevante que podría
pedir: el presidente de los Estados
Unidos. Durante una jornada
dedicada a la poesía en la Casa Blanca,
Lin-Manuel Miranda interpretó
públicamente por primera vez la
introducción de su obra frente a Barack
y Michelle Obama.
“DURANTE TODO EL
TIEMPO QUE ESTUVO
TRABAJANDO EN ESTAS
CANCIONES, MIRANDA
SE ASEGURÓ DE QUE
CAPTASEN LO MEJOR
POSIBLE LA ESENCIA
DE LO QUE QUERÍA
TRANSMITIR SOBRE LA
PERSONALIDAD DE SU
PROTAGONISTA Y DE
SÍ MISMO”
El público festejó con risas la audacia
del cantautor, que definió a Alexander
Hamilton como la encarnación del hip-
hop, por su habilidad de marcar una
diferencia a través de la palabra. Pero
su reinterpretación de la historia en
clave de rap le ganó rápidamente gran
reconocimiento y siguió incorporando
otros géneros muy disímiles a su obra,
rompiendo con el clasicismo de
los musicales de Broadway. A la
marcada base de hip hop le sumó
rock ‘n’ roll, jazz e incluso una
balada romántica al mejor estilo brit
pop, para representar a la corona
británica. Hamilton se convirtió así
en una popular lección de historia
para el público norteamericano,
cuasi ignorante de su biografía, y
puso al patriota Aaron Burr como
su principal antagonista: un tipo
tibio y calculador, que contrasta
maravillosamente con el apasionado
y ambicioso Alexander.
El fenómeno cultural no tardó
en explotar. Desde sus primeras
puestas en 2015 a sala llena, la fama
rupturista del musical pasó de boca
en boca y los que lograban verlo
salían del teatro fascinados con las
canciones, las actuaciones, la puesta
en escena y el diseño de sonido.
Lin-Manuel Miranda se adueñó
por completo de su obra y no dejó
que nadie más la protagonizara,
de hecho, no solo puso la figura
del autor en un lugar privilegiado,
sino que además eligió un elenco
diverso integrado por artistas latinos
y afrodescendientes para reivindicar
a los verdaderos fundadores de
Estados Unidos: los inmigrantes y
los esclavos. Su osadía escandalizó
a más de uno, pero le valió once
premios Tony, un Grammy a Mejor
Álbum del Año y hasta el Pulitzer.
El musical se convirtió en un
éxito tan grande que agotaba
sus entradas con muchísima
anticipación, a tal punto
que la frase “Tengo tickets
para Hamilton” fue
utilizada en varias series
como sinónimo de estatus.
Pero en septiembre del mismo año, Lin-
Manuel Miranda tomó otra decisión
radical: editar el álbum completo de
la obra. De esta forma, millones de
personas pudieron escuchar la banda
de sonido en formato físico y digital,
accediendo a la historia a través de su
álbum conceptual. La popularidad de
Hamilton se disparó internacionalmente
y -aunque pocos eran los afortunados
que habían visto la obra en vivo con
el elenco original- se convirtió en
un fenómeno cultural de consumo
obligatorio. Eventualmente, se trasladó
a Chicago con otro elenco, y más tarde
¿Quién
Cuenta Tu
Historia?
El fenómeno del teatro musical llegó a la pantalla de Disney+ y,
por primera vez, millones de personas pudieron acceder a esta
obra que rompió todo en Broadway. Acá te contamos por qué
Hamilton es distinta a las demás y por qué todo el mundo la ama.
comenzó una gira internacional por
el prestigioso West End de Londres y
Puerto Rico (de donde son originarios “SU REINTERPRETACIÓN
los antepasados de Miranda), a
beneficio de las víctimas de un
DE LA HISTORIA EN
huracán que azotó el archipiélago. CLAVE DE RAP LE GANÓ
Sin embargo, la primera puesta de RÁPIDAMENTE GRAN
Hamilton sigue teniendo esa mística RECONOCIMIENTO Y
que a esta altura ya la convirtió
en toda una leyenda. Y en plena SIGUIÓ INCORPORANDO
pandemia, con los teatros cerrados, OTROS GÉNEROS
su autor volvió a revolucionar todo. MUY DISÍMILES A SU
En febrero de este año se anunció
OBRA, ROMPIENDO
que en octubre de 2021 llegaría una
versión cinematográfica de Hamilton CON EL CLASICISMO
a la plataforma de streaming Disney+. DE LOS MUSICALES DE
BROADWAY”
Filmada en 2016 con el elenco original
durante dos noches con el teatro repleto
(y otra noche con el teatro vacío para
los primeros planos), y dirigida por
Thomas Kail, el mismo que trabaja
desde hace añares con Lin-Manuel
Miranda y también dirigió su musical
In the Heights. Esta versión estaba
programada para estrenar en cines
selectos y luego pasar al servicio on
demand, pero el COVID-19 adelantó
los planes y finalmente Hamilton llegó a
las pantallas de todo el mundo en julio
(o a los países que sí pueden acceder a la
plataforma), democratizando el acceso
a la obra y convirtiéndose -una vez más-
en la favorita de todos.
MÁS Mirá el
INFO tráiler
LA COSA 57
 LA RECORDADORA UNA LECCIÓN DE HISTORIA

Aunque podríamos pensar que sus orígenes están relacionados con alguno de esos videojuegos que lo empezaron todo,
la verdadera razón de esta celebración no tiene tanta mística, pero llegó para quedarse y festejar el orgullo gamer.

La historia de este festejo empezó en el 2008, en España, cuando algunas revistas especializadas en
el tema como Hobby Consolas, Playmanía y PC Manía expresaron su necesidad de crear una fecha
dedicada al gaming. Así, el 29 de agosto fue elegido de un modo totalmente arbitrario. Aunque no
ESTE MES haya tanta magia detrás de esta fecha, nos quedamos con la hermosa celebración de un día que
reivindica a los videojuegos como un deporte electrónico, y aprovechamos para recordar algunos
DÍA DE LOS retrogames que nos marcaron a través de los años.
VIDEOJUEGOS

SUPER MARIO BROS. GOLDENEYE 007

(1985) (1997)
El Mario que lo empezó todo. El Considerado uno de los mejores
plomero italiano que debe rescatar a first-person shooters, este juego
la princesa de las garras del rey de fue creado para la consola Nintendo
los Koopas. Entre todas las versiones 64. Aunque hubo dos años de
y adaptaciones que llegaron diferencia entre el estreno de la
después, no podemos dejar afuera película homónima de James Bond
al Mario Kart 64 y el juego de las y la llegada del videojuego, se
carreras en donde competíamos con convirtió en un clásico instantáneo
Yoshi, Toad y todos los personajes y fue elogiado por la calidad de su
de este universo. modo multijugador.

TONY HAWK’S PRO SKATER 2 WORLD OF WARCRAFT

(2000) (1994)
Podíamos estar horas jugando con Sin dudas, de los videojuegos
el skater que se movía por Venice más adictivos que podrían existir.
Beach, el aeropuerto, la plaza La saga de Warcraft redefinió
de toros y la locación que se te el juego de rol y lo llevó a un
ocurra, con el único objetivo de nivel asombroso en el que podías
batir nuestro propio récord. En esta encarnar la piel de tu personaje.
segunda parte se agregaron cositas Dato no menor: abrió las puertas
para mejorar las habilidades del del mundo del juego en tiempo real
personaje, junto a la compra de con otras personas que estaban
nuevos skates y accesorios. conectadas en simultáneo.

STREET FIGHTER GRAND THEFT AUTO: SAN ANDREAS

(1987) (2004)
Los juegos de peleas tuvieron un Son incontables las historias
antes y un después con el Street de crimen y pasión que nos han
Fighter, el cual apareció por narrado las entregas de Grand
primera vez en el Arcade y derivó Theft Auto. Aunque este es nuestro
en uno de los juegos estrella favorito, su mundo abierto tiene
de Sega. Además, nos presentó una infinidad de títulos históricos
crossovers hermosos como el de y una única regla: podés hacer lo
X-Men vs. Street Fighter, y dio que quieras. A éste le siguieron
pie para la posterior creación del otros como Red Dead Redemption y
Mortal Kombat. Finish Him! Spider-Man PS4.

58 LA COSA
 POST MORTEM
E L C O N S U LTO R I O D E L

DR PHIBES
Señor Phibes:

LA COSA PREGUNTA ¿De qué película no les gustaría ver Vengo con esta duda desde hace años, y no sé
una remake y por qué? por qué regresó a mi cabeza. Supongo que la
cuarentena me deja demasiadas horas libres.
Hace un tiempo me crucé con una película

1
“Volver al Futuro. Prohibido arruinar esa obra de arte”. donde actúa el muchacho de Súper Escuela
de Héroes (Sky High, 2005) -disculpe por
ser esta mi única referencia-. En ella, el pibe
CRISTIAN HEREÑU escribe una historia que luego se transforma
en una película muy mala y, encima, uno de
sus escritores favoritos se la roba. Le pido,

2
“Paremos las remakes por 10 años y salvemos al mundo”. por favor, me ayude a saciar esta curiosidad.

TODD SANCHEZ Atentamente, Martina Aloy.

Señora Martina:

3
“Tiro cualquiera, pero Pequeños Guerreros. Porque harían los Le imito la formalidad, por si acaso.
muñecos con CGI y le van a quitar la magia a los Gorgonitas”. Concuerdo en que la cuarentena nos deja
demasiado tiempo libre, que bien podría
MATI utilizar usted para realizar esta misma
búsqueda. Pero ya que estamos en el
baile, bailemos. Si mis cálculos no me
fallan, aunque rara vez lo hacen, usted se

LA ENCUESTA DEL
refiere al film Gentlemen Broncos (2009),
Hicimos la siguiente pregunta en nuestro dirigido nada más y nada menos que

MES
Twitter y he aquí los resultados por el matrimonio conformado por Jared
Lawrence Hess y Jerusha Elizabeth Hess,
a quienes seguramente reconocerá de
¿Qué preferirían tener…? Napoleon Dynamite (2004). Creo que con
esta información podrá entender mucho más
sobre la película y volver a disfrutarla.

Un DeLorean 48%
El giratiempos 36%

El reloj de Bernardo 16%

P H I B E S
DR XPRESS
E
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ridículas y cuide bien sus videocasetes.

LA COSA 59
 VIVIR Y DEJAR
MORIR
íbamos
sea sonrisas y caramelos. En este último mes también
perdimos a mucha gente importante y, como siempre,
los recordamos con el respeto que se merecen.
NAYA RIVERA 33
LA VOZ DE MUCHOS La actriz de Glee hizo
historia con su personaje.
Para la mayoría, hoy es normal que el cine y la
TV aborden la diversidad sexual con naturalidad,
al menos, en gran parte del globo. Pero sabemos
que no siempre fue así. Una década atrás,
Glee (2009-2015) llegó para romper con los
estereotipos y estigmas de la comunidad LGBT+
en la pantalla, y una de las responsables de
conseguirlo fue Santana López, el personaje de
Naya Rivera. Por eso el mundo se conmovió con
su desaparición a comienzos del mes julio, y
mucho más cuando finalmente se halló su cuerpo.
Es que, aunque su carrera quedó marcada por el
show de Ryan Murphy, su personaje trascendió
y se convirtió en un ícono para los fans y todas
esas personas que encontraron en Santana a una
chica con la que se podían identificar.
CARL REINER 98
QUE VIVA LA COMEDIA Actor, humorista y
mucho más.
Nacido en el Bronx en 1922, Carl Reiner inició
su carrera actuando en obras de Shakespeare
cuando apenas era un adolescente. Pero su
paso más importante llegó con el estallido de la
Segunda Guerra Mundial, cuando fue reclutado
para entretener a los soldados, lo que lo impulsó
a escribir e interpretar sus propias creaciones.
Luego se unió a varios musicales de Broadway.
60 LA COSA
2019 fue un año indiscutiblemente difícil. Y no, no lo
Pasó otro
mes de este
a facilitar 2020 que
haciendo que parece
en estehaber empezado
comienzo todo
ayer, y a la vez, todo lo anterior resulta tan lejano.
Desgraciadamente, a la única que no le afecta es a la Parca,
que sigue con sus asuntos, llevándose a muchos grandes.
Su más destacado trabajo como guionista y
productor fue El Show de Dick Van Dyke (The
Dick Van Dyke Show, 1961-1966), con el que
ganó numerosos premios y donde también
participó como actor. Su rutina junto a Mel
Brooks, 2000 Year Old Man, fue merecedora de
un Grammy y es considerada todo un clásico de
la comedia estadounidense.
KELLY ASBURY 60
Pocas veces reconocemos como es debido el
trabajo de quienes se encuentran detrás de
nuestras películas animadas favoritas, pero la
pérdida de Kelly Asbury no pasó desapercibida
para Hollywood y la industria de la animación.
En sus inicios, el director de la icónica Shrek
2 (2004) formó parte de los equipos de La
Sirenita (The Little Mermaid, 1989) y La Bella y
la Bestia (Beauty and the Beast, 1991), además
de tener la oportunidad de trabajar codo a
codo con Tim Burton en El Extraño Mundo de
Jack (The Nightmare Before Christmas, 1994).
Su carrera no se detuvo ahí y siguió dirigiendo
films como Spirit: El Corcel Indomable (Spirit:
Stallion of the Cimarron, 2002) y Gnomeo y
Julieta (Gnomeo & Juliet, 2011).
JUAN CARLOS RICCI 70
MULTIFACÉTICO Actor y maestro todoterreno.
Juan Carlos Ricci era altamente reconocido por su
papel de Gaona en Los Simuladores (2002-2004),
pero su carrera hablaba por sí sola. Se destacó
en teatro, cine y televisión, y también en las
aulas como docente de primaria. Participó en
series como Mi Familia es un Dibujo, Amor Mío,
Mujeres Asesinas y Farsantes. En teatro se lució
en obras como Rey Lear, Calígula y Edipo Rey,
entre decenas de títulos. Un Año Sin Amor (2005)
y Perros de la Noche (1996) son algunas de sus
películas más renombradas.
KELLY PRESTON 57
El 13 de octubre de 1962 nacía en Hawái
Kelly Preston, quien acabaría estudiando
artes dramáticas en la Universidad del Sur
de California. Su gran salto a la fama llegó en
1988 en la comedia Gemelos (Twins), junto
a Arnold Schwarzenegger y Danny DeVito.
También trabajó en películas como Jerry
Maguire (1996), Enamorado (For the Love of
the Game 1999) y el reconocido vídeo musical
She Will be Loved, de Maroon 5. En 1991 se
casó con John Travolta, con quien tuvo tres
hijos: Ella, Jett y Benjamin. Su último trabajo
fue la película Off the Rails, que actualmente
se encuentra en postproducción.
OLIVIA DE HAVILLAND 104
De todos los grandes artistas que se
han ido en este 2020, la pérdida de
Olivia de Havilland es de las que más
ha marcado a la industria. Considerada
la última gran estrella del Hollywood
clásico y la única intérprete de Lo Que
el Viento se Llevó (Gone with the Wind,
1939) que aún estaba con vida, Olivia
dejó una marca que será imposible de
borrar. Ganadora de dos Oscar por sus
protagónicos en Lágrimas de una Madre
(To Each His Own, 1946) y La Heredera
(The Heiress, 1949), sin dudas, marcó su
huella con el papel de Melanie Hamilton
Wilkes en el clásico de Victor Fleming. En
total, participó en más de 60 películas y
series de televisión -antes de retirarse
definitivamente en 1988-, entre las que
se destacan Las Aventuras
de Robin Hood (The
Adventures of Robin
Hood, 1938), El Nido
de las Víboras (The
Snake Pit, 1948)
y Aeropuerto ‘77
(Airport ‘77, 1977).
UNA ESTRELLA
QUE NO SE APAGA
Histórica e
inolvidable.
 MITO
MANIA
En 1975, el director Richard Donner no era el
mismo que conocemos hoy. En su currículum
figuraban muchísimas series de televisión
importantes, pero en materia cinematográfica
tenía muy poco para ofrecer: La Profecía (The
Omen, 1976) se iba a convertir en su pase a las
grandes ligas. No es nuevo que los realizadores de
terror funcionan en las películas de superhéroes,
porque el siguiente proyecto de Donner fue
nada más y nada menos que Superman (1978).
Pero, para llegar hasta ahí, tuvo que transitar un
camino difícil e ignorar las señales que le decían
que se aleje de la historia de Damien.
Por
Ezequiel Leis
ESTE MES:
ADAS
SEÑALES IGNOR
Gregory Peck cuando
todo era risas.
Bob Munger era un ejecutivo de publicidad y
se juntó con el productor Harvey Bernhard
para proponerle la idea para una película.
Bernhard estaba entusiasmado por seguir
los pasos de El Exorcista (The Exorcist,
1973) y subirse al tren del horror, que
estaba en un gran momento, pero Munger
le advirtió que al mismísimo Diablo no le
iba a gustar que hicieran un film con esas
características, mostrando cómo actúa el
anticristo. Como nos enseñó la historia
del cine, el dinero es más importante, así
que el proyecto se puso en marcha y las
desgracias comenzaron a suceder, incluso
antes del inicio del rodaje.
El protagonista, Gregory Peck, sufrió el
suicidio de su hijo dos meses antes de
trasladarse a Londres para la filmación. Su
viaje al set también tuvo problemas, porque
su avión fue alcanzado por un rayo. Aunque
usted no lo crea, el productor Mace Neufeld
aseguró que pasó los peores cinco minutos
arriba de un avión cuando volaba desde Los
Ángeles y… también fue alcanzado por un
rayo. La aclaración de “arriba de un avión”
de Neufeld se debe a que, semanas después,
el hotel donde se estaba hospedando junto
a su esposa fue atacado por el Ejército
Republicano Irlandés. Por suerte, la
vocación de Mace hizo que continuara en la
industria y nos diera obras como La Caza
al Octubre Rojo (The Hunt for Red October,
1990), entre muchas otras cosas.
Peck y todo el team.
La escena con
los babuinos.
Continuando con las desgracias alrededor
de La Profecía (The Omen, 1976), uno de los
aviones contratados por la producción para
trasladar a parte del equipo por cortas
distancias se destruyó en el despegue,
matando al piloto y todos los tripulantes.
La escena de los babuinos es otra de
las tantas historias increíbles que se
revelaron tiempo después. Al parecer,
los animales estaban más inquietos de
lo normal con la presencia de Damien,
haciendo que la actriz Lee Remick
estuviera asustada de verdad. La
producción decidió resolver el asunto con
un entrenador profesional de babuinos. La
escena quedó como ya sabemos, pero el
entrenador fue asesinado por un tigre al
día siguiente.
De todas maneras, la “anécdota” más
extraña y terrorífica sucedió tiempo
después del estreno. John Richardson,
encargado de los efectos especiales
y responsable de la famosa escena
de decapitación, sufrió un accidente
automovilístico mientras viajaba con
su asistente en medio de otro rodaje.
Aunque él sobrevivió, la muchacha, Liz
Moore, murió decapitada. Con semejante
dato ya es suficiente para sospechar,
pero luego se reveló que el accidente
sucedió en la localidad de Ommen, en
Holanda, en el kilómetro 66.6 de la ruta
348. Cosa e’ mandinga.
LA COSA 61
 GRANDES POSTERS 28 PRÓXIMAMENTE
EN ESTA SALA
DE LA HISTORIA Los Siete Samuráis
(Shichinin No Samurai, 1954) Hey yo, I’m just like my country.
I’m young, scrappy and hungry.
Por Matías Cipollatti And I’m not throwin’ away my shot

¿Se imaginan que un cine produzca sus propios afiches para las películas que proyecta?
Bueno, eso pasó hace un tiempo en Londres, y todos los carteles eran creados por un único
artista: el gran Peter Strausfeld.

La dupla
Strausfeld conoció al productor y director austríaco George Hoellering
en un internado de exiliados en la Isla de Man (Reino Unido), en 1940.
Se hicieron grandes amigos y en 1944, cuando Hoellering se convirtió
en el director del Academy Cinema de Londres (foto), tuvo la brillante
idea de crear sus propios pósters y que Peter sea el afichista exclusivo.
King’s Man - El Origen
El lugar
Hasta su cierre en 1980, el Academy fue una de las salas más importantes de Londres. Era Nos vamos a los albores del siglo veinte,
el sitio preferido de los amantes del cine, con proyecciones que iban desde Bergman hasta cuando surgió esta agencia secreta británica
Kurosawa, y siempre con carteles al estilo “Strausfeld”. con la misión de salvar al mundo.

Se
observan
las marcas
del
sistema de
impresión.

Patria
La nueva producción de HBO se mete de
lleno en tres décadas de historia del País
Vasco amenazado por la ETA.

La técnica
Strausfeld empleaba la xilografía, el método de impresión
que utiliza como matriz un pedazo de madera. Peter
tallaba el diseño para luego estampar los afiches.
EL AUTOR
Nacido en Colonia (Alemania)
en 1910, Peter Strausfeld
desarrolló su arte influenciado
por el expresionismo. En plena
Segunda Guerra Mundial se escapó
a Inglaterra, pero el gobierno local
Peter no se dejaba lo mandó a la Isla de Man. Ya en
ver mucho, así que Londres, y durante 33 años -hasta su
pusimos su retrato
de Jack Nicholson. muerte en 1980-, creó sus famosos
afiches, que no solo se encontraban
en el Academy, sino también en
todas las estaciones del metro.
Otro de sus pósters
Sin Aliento
(À Bout de Souffle, 1960)
Retrato
Peter retrataba al protagonista
en cuestión con su estilo
inconfundible. Era su sello.
Ratched
EL GEMELO
Netflix y Ryan Murphy se sumergen en el
pasado de la monstruosa enfermera, unas
décadas antes de cruzarse con Jack Nicholson.
CALLES SALVAJES
(Mean Streets, 1973)
El estilo de Strausfeld es único
y se repite en todos sus afiches. Woke
Este con Robert De Niro es uno
de los más codiciados entre los Hulu nos trae una extraña comedia
coleccionistas. autobiográfica, inspirada en la vida y el
arte del caricaturista Keith Knight.

62 LA COSA
“Primero estaba el sueño, ahora hay realidad. Aquí, en la cuna
incontaminada de los cielos, se creará una nueva súper raza,
una raza de especímenes físicos perfectos”.

Hugo Drax
Moonraker: Misión Espacial
(Moonraker, 1979)
¿QUIÉN VIGILA A LOS VIGILANTES?

NÚMERO 278
AGOSTO 2020
Los superhéroes poco “convencionales” vienen ganando terreno en la pantalla chica y gracias a esta violentísima REVISTA COLECCIONABLE
adaptación comiquera, también podemos sondear en su lado más oscuro y corrompible. Por suerte hay un grupo de ARGENTINA $210
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valientes dispuestos a mantenerlos a raya y te contamos lo que nos traen para esta segunda temporada. AL INTERIOR $2.50
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DC FANDOME / ENTREVISTAS EXCLUSIVAS: PROYECTO POWER / LOVECRAFT COUNTRY

E L R E G R E S O T R I U N FA L D E LO S AUTO C I N E S / H A M I LTO N / E L O CAS O D E U N A V I DA / C O M I C C O N AT H O M E