TRABAJO PRACTICO N4:

“Clasicismo en Mozart y estructura de la forma Sonata”

Retrato de la familia Mozart hacia ​1780​, obra de Johann Nepomuk della Croce

1. Audición:

En la guía anterior se mencionan a algunos de los hijos de Bach como representantes

de los principales centros de composición en Europa. Proponemos en este ítem
detenernos en algunas obras para después compararlas con el caso Mozart.

A)​ ​Johann Christian Bach (1735-1782) Sinfonía Concertante en La Mayor WC34

¿Como ​está​ conformado el orgánico de la orquesta?

¿Hay instrumentos solistas?
​¿Por qué podríamos decir que la forma Concierto sinfónico es una mezcla entre la sinfonía y
el concierto?

Relaciona este género con los cuatro centros de composición de la guía anterior
(punto 4 de TP 3 Pre- Clasicismo y Clasicismo): en dónde se cultivan
preferentemente, que compositores lo hacen?
 ● El orgánico de la orquesta está conformado por: Oboe- Corno en La -Violín
Obbligato - Violoncello obbligato - Violín 1-2- Viola -Violoncello-Contrabajo. Sí
hay instrumentos solistas: violín y cello.

● Sí, es una mezcla entre sinfonía y concierto, dado que tanto los solistas como el
orgánico sinfónico tienen rango “solista”, y jerarquía en cuanto a la textura se
refiere de exponer, elaborar, desarrollar los temas principales, en un diálogo
con los solistas y orquesta, y viceversa.

● En la Escuela de París, aparece la sinfonía concertante. La sinfonía, relacionado

al “Concerto Grosso” barroco, y por su mayor formato como por su vinculación
a las formas clásicas germánicas. Surge el afán por establecer un estilo francés
distintivo. Propició la práctica de estructuras alternativas, con la sinfonía en
tres movimientos o las sinfonías concertantes (con solista) como algunas de las
más exitosas. Tanto la sinfonía y el concierto habían adquirido significados más
definidas, y el concerto grosso habían desaparecido por completo. Esto condujo
en las últimas décadas del siglo 18 a intentos de combinar los dos géneros,
tales como las de compositores de la escuela de Mannheim. Johann Christian
publicaba sinfonías concertantes en París desde principios de la década de 1770
en. Mozart, familiarizarse con la escuela de Mannheim de 1777 y
probablemente consciente de las publicaciones de JC Bach, dedicando
considerables esfuerzos para intentar producir convencer con la sinfonie
concertanti.

● Se cultivan en la Escuela de Francia (París), y los compositores que

preferentemente lo hacen son: Mozart, Haydn, Pleyel, Kozeluch, Gresnick,
Gossec. Estos son algunos de quienes fueron exponentes en este género.

b) Carl Philippe Emanuel Bach (1714-1788) Concerto para clave y pianoforte en

MI bemol mayor

Qué función/es cumple el clave? (es la base armónica y/o se comporta como
solista?) ¿Cómo se comportan los demás instrumentos?

El clave cumple la función de solista solista, y por lo momentos tiene base armónica,
dado que es un Concierto para clave y pianoforte. Los demás instrumentos se
comportan con texturas diversas en contrapunto a lo solístico. Siendo a veces imitación
de lo que hace el solista, a veces como acompañamiento, a veces elaborando temas, o
exponiéndolos.

2. Compara la forma y estructura de la forma Sonata en el Preclasicismo en

Scarlatti y la forma Sonata en el Clasicismo, en Mozart y/o Haydn.

a) ¿Cuántos movimientos tienen ambas? ¿Cuál es la idiosincrasia de

cada uno en la Sonata Clásica?
Sonata Preclasicismo en Scarlatt​i:

Posee un solo movimiento, organizadas mediante relaciones tonales, Este es el

esquema básico subyacente en gran cantidad de música instrumental y vocal a solo,
del siglo XVIII. En las sonatas de Scarlatti, la conclusión de la primera sección se vuelve
a escuchar invariable, aunque en la tonalidad principal, al final de la segunda sección.
En cuanto a la idiosincrasia sobre el compositor y en sus sonatas, todas están
organizadas mediante relaciones tonales dentro del esquema binario de fines del
barroco y comienzos del clasicismo que utilizaba para las piezas de danza u otros tipos
de composición. En efecto del mismo que Scarlatti parece haber creado su propio
lenguaje, para el teclado sin modelos tampoco tuvo sucesores, con la posible
excepción de algunos compositores portugueses y españoles como Soler. Los excercisi
y algunas otras sonatas fueron conocidas y admirados en Inglaterra durante el siglo 18,
aunque pocas piezas de Scarlatti circularon por Francia y prácticamente ninguna se
llegó a conocer en Alemania e Italia.​

Sonata clásica en Haydn/Mozart:

La sonata clásica (y de manera similar, la sinfonía y la mayoría de los tipos de la música

de cámara), tal como se encuentra en Haydn, Mozart, es una composición en 3 o 4
movimientos (A veces dos) de atmósfera y tiempos contrastantes. En cuanto a la
idiosincrasia sobre Mozart, y en sus sonatas, gracias a las excelentes enseñanzas de su
padre, y más aún a los muchos viajes efectuados durante sus años de formación, el
joven Mozart tomó contacto con toda la música que se escribía o escuchaba en la
Europa occidental contemporánea. Absorbió todo cuanto congeniase con él con una
capacidad asombrosa. Imitaba, pero al hacerlo mejoraba sus modelos; además, las
ideas que ejercían influencia sobre él no sólo resonaban en sus producciones
inmediatas, sino que seguían creciendo en su mente y a veces daban frutos muchos
años más tarde. De esta manera, su obra llegó a ser una síntesis de estilos nacionales,
un espejo en el cual se reflejaba la música de toda una época, iluminado por su propio
y trascendente genio.

En el caso de Haydn que recibió sus primeras lecciones de su tío. Llegó a dominar el
contrapunto por cuenta propio gracias al Gradus ad Parnassum de Fux, y empezó a ser
conocido entre personas influyentes en Viena, recibiendo lecciones de grandes
maestros. El año 1761 fue trascendental en la vida de Haydn, dado que entró al
servicio del príncipe Paul Anton Esterházy, jefe de una de las familias más acaudaladas
y poderosas de la nobleza húngara, hombre consagrado a la música y generoso
mecenas de las artes. Luego lo sucedió su hermano Nicolás, cuyo príncipe y cuya corte
estaba al sur de Viena., donde Haydn paso en su hacienda rural de Eszterháza. Haydn
estaba obligada a componer cualquier música que le solicitó el príncipe, a dirigir las
representaciones a instruir y supervisar a todo el personal música y encargarse de la
reparación de instrumentos. Los ocasionales, pero pocos, viajes de Haydn a Viena, le
permitieron estar al tanto del desarrollo de los acontecimientos de actualidad en el
mundo de la música. Además de cumplir con éxito todas las múltiples tareas en las
que se desempeñaba en la corte de Eszterhazy, podría efectuar experimentos,
observar que reforzaba un efecto y que lo atenuaba, e introducir mejoras a raíz de ello,
cambiando, omitiendo e intentando cosas nuevas;
El contrato de Haydn con los Esterházy le prohibió la venta o cesión de sus
composiciones; pero esta disposición se relajó más adelante y la fama luego se
propagó en la décadas siguiente, con lo que pudo cumplir más encargos de editores y
particulares de Europa. Aunque la música de Haydn respondía a los cambios de gusto y
a una variedad de géneros, sobresalen ciertos trazos imperecederos que podemos
observar en las sinfonías, que muchas de ellas derivan de la sonata da chiesa barroca,
o también de la forma clásica estándar en cuatro movimientos de la sonata
(1. Allegro 2. andante moderato 3. minueto y trío, 4. Allegro).

Haydn rara vez introducía ideas temáticas nuevas después de la doble barra con que
concluía la exposición. El desarrollo a menudo comenzaba con una reexposición del
tema inicial, o podía comenzar con material de transición o con alguno de los otros
temas. Los motivos de la exposición se combinante, superponen, amplían; se llevan a
cabo por secuencias parecidas a fugas, contrapuntos y estrechos; o se convierten en
figuraciones para apresurados pasajes. Abruptos cambios de tema, digresiones y
silencios son particularmente característicos de Haydn. La sección de desarrollo ganó
en extensión e importancia en el curso de su carrera hasta alcanzar la igualdad con
otras dos secciones.
La reexposición, pero su verdadera aparición, a veces se disfraza o minimiza y a veces
no se reconoce hasta después de los hechos. Todo el material se reexpone en la tónica,
aunque a veces el tema que originalmente estaba en el modo mayor puede volver en
el modo menor o viceversa. Generalmente no escribía coda, en lugar de ellos
ampliaba la sección conclusiva. Este modelo de movimiento de sinfonía en forma
sonata es solo una plantilla abstracta que se ajusta más o menos bien a un movimiento
específico.
Resulta notable la riqueza de ideas musicales, los rasgos felices de inventiva armónica,
de colorido instrumental, que supo infundir a esta modesta forma, sobre todo los
Minuetos, tríos, scherzos, Él decía que deseaba que alguien escribiese un minueto
realmente nuevo.​

b) La forma del primer movimiento de la Sonata Clásica, el Allegro de Sonata.

¿En qué se parece a la sonata preclásica y en qué se diferencia?​ (pensar
en las modulaciones, en las secciones y sus funciones y en las configuraciones
motivicas o temáticas)

Por un lado, la sonata preclásica ubicada dentro del esquema binario del fin del
barroco y comienzos del clasicismo que se utilizaba para piezas de danza u otros tipos
de composición. Es decir: Dos secciones, cada una de ellas repetida, la primera de las
cuales termina en la dominante o relativo mayor, (rara vez en alguna tonalidad),
mientras que la segunda se apartaba en modulaciones, para luego regresar a la tónica.
Mientras que la sonata clásica, su primer movimiento, de acuerdo con el tratado de
Koch de 1793, la forma del primer movimiento, conocido en la actualidad como forma
sonata o forma primer movimiento, está constituido por dos secciones, cada una de las
cuales puede repetirse. La primera cuenta con un período principal, la segunda con
dos, el resultado son tres períodos dentro de una forma binaria.
En el primer periodo principal prevalece la tonalidad principal hasta que tiene lugar
una modulación a la dominante. El resto del primer período se halla en la nueva
tonalidad. El segundo período a menudo se inicia en la dominante con el tema
principal, a veces con otra idea o en una tonalidad distinta que modula de regreso a la
tónica mediante otra idea melódica más. El último periodo casi siempre se inicia con el
tema principal en la tonalidad del movimiento. Se revisan las ideas melódicas del
primer período y, frecuentemente, se modula a la tonalidad de la subdominante sin
cadenciar en ella. Finalmente, la sección de conclusión del primer período, que estaba
en la dominante o en la tonalidad relativa, se repite en este momento en la tónica.
Resumiendo, entonces:

1) Una exposición casi siempre repetida en la que se incorpora el primer tema o grupos
de temas en la tónica, un segundo tema o grupo, a menudo más lírico, en la dominante
o relativa mayor, (si el movimiento está en una tonalidad menor), y un tercero de
cierre a menudo cadencial, terminan en la dominante o relativa mayor, y estos temas
diferentes se relacionan entre sí mediante transiciones o pasajes de puente
apropiadas.

2) Una sección de desarrollo, en la que se presentan motivos o temas de la exposición

con nuevos aspectos o combinaciones y en cuyo desarrollo se pueden realizar
modulaciones a las tonalidades relativas remotas

3) una reexposición, en la que vuelve a exponerse el material de exposición en el

orden original, aunque con todos los temas en la tónica, a continuación de la
reexposición puede incluirse una coda.​

3. Qué instrumentos tocaba Mozart y qué actividades comprenden sus

conciertos públicos?

Wolfgang Amadeus Mozart, entre los instrumentos que tocaba se encuentran, órgano,
clavicordio, clavecín, fortepiano, violín, viola y piano. Tras su ruptura definitiva en
1781 con el Príncipe-arzobispo de Salzburgo, Hieronymus von Colloredo, Mozart se
estableció en Viena como músico por cuenta propia. ​ Los diecisiete conciertos escritos
en esta etapa vienesa ocupan un lugar central en la producción mozartiana. Los
compuso en primera instancia como repertorio de sus propios conciertos públicos y
procuró que agradecen a toda una multiplicidad de oyentes. ​ Cada uno de los
conciertos de Viena es una obra maestra individual; todos juntos evidencian al mejor
Mozart.

Aproximadamente dieciocho meses después de que llegase a Viena, en el otoño de

1782, Mozart escribió una serie de tres conciertos destinados a ser interpretados por
él mismo en sus conciertos por suscripción. ​ Este grupo de tres conciertos fue descrito
por Mozart a su padre en una famosa carta: Estos conciertos [números 11, 12 y 13] son
un feliz medio entre lo que es demasiado fácil y difícil; son muy brillantes, agradables
al oído, y naturales, sin ser insípidos. Hay pasajes aquí y allí de los que únicamente los
entendidos pueden obtener satisfacción; pero estos pasajes están escritos de forma
que el oyente común los encontrará satisfactorios también, aunque sin saber por
qué... El dorado promedio de la verdad en todas las cosas no es más largo ni conocido
o apreciado. Cuando únicamente se tiene la intención de ganar aplausos uno debe
escribir algo que sea tan fútil que hasta un cochero pudiera tararearlo, o tan
ininteligible que resulta agradable precisamente porque un hombre insensible puede
entenderlo.
Carta de Mozart a su padre desde Viena, fechada el 28 de diciembre de 1782
Este pasaje apunta a un importante principio de los conciertos de Mozart: que éstos
fueron diseñados para entretener al público y no solamente para satisfacer un impulso
artístico.

4. Que toma como influencia de Schobert y que de J.C. Bach?

De Johann Schobert, las sonatas para piano de Mozart están estrechamente

emparentados con las escritas para piano y violín; en realidad, durante sus tempranos
años, estas últimas, de acuerdo con la costumbre del siglo 18, no eran más que piezas
para piano con acompañamiento de violín opcional, como la sonata de Schobert op2,
n. 1. La influencia de Schobert se revela en sonatas con acompañamientos llenos de
acordes y trémolos que imitan las cuerdas.
En cuanto a J.C. Bach, fue una gran influencia importante y duradera, al que Mozart
conoció en Londres. La obra del primero abarcaba ampliamente los géneros de la
música para teclado, sinfónica y operística, tal como sucedería más tarde con la de
Mozart. J.C. Bach enriqueció estos géneros con la variedad de ritmo, melodía, y
armonía que tan rica era en la era de la ópera italiana, de la época. Sus temas
cantables, en allegro, el buen gusto a la hora de usar apoyaturas y tresillos, sus
ambigüedades armónicas llenas de incertidumbre y los sólidos contrastes temáticos
debieron de atraer a Mozart ya que estos rasgos se convirtieron en características
permanentes de su escritura.

5. ¿Comparar las composiciones de Haydn y las de Mozart, qué diferencias

puedes señalar?

La evolución de Haydn hasta alcanzar la madurez artística fue mucho más lenta que la
de Mozart, que fue un niño prodigio. Haydn trabajó satisfactoriamente al servicio de
una familia noble húngara durante la mayor parte de su carrera. Mozart abandonó un
trabajo seguro en Salzburgo, su ciudad natal, para ser independiente en Viena. Lo más
importante es que Mozart viajó mucho durante sus primeros años, Inglaterra, Italia,
Alemania y Francia, y absorbió los muchos estilos, y prácticas en uso en aquellos
países, mientras que Haydn basó sus modelos en las tradiciones locales de los
alrededores de Viena.
Los temas de Mozart, más aún que los de Haydn, en cuanto a la Sonata se refiere,
tienen un perfil melódico muy marcado. A pesar de su aparente despliegue de
naturalidad y espontaneidad, frecuentemente a la manera fluida de los movimientos
de allegros italianos muestran cuidados y acicalados contornos. Normalmente las
frases de la exposición están equilibradas entre antecedente y consecuente.
Haydn en sus sinfonías, por lo general, buscaba insinuar sutilmente lo que habría de
venir, sin embargo, Mozart, es común que crease incertidumbre mediante tentadores
distanciamientos de la tonalidad que convertían la vuelta a esta en el más grande de
los acontecimientos.
Lo cierto es que estos dos compositores compartían herramientas compositivas muy
similares, la gran diferencia radica en la vida asentada que tuvo Haydn con los
Esterhazy y la vida “nómade” que tuvo Mozart, viajando de un lado a otros, sumándole
que su vida fue mucho menos longeva que la de su maestro J. Haydn.

6. Qué características tienen sus Misas en cuanto al uso de la orquesta y el uso

de la voz?

Tanto las misas de Haydn, como las de Mozart están escritas, en su mayor parte, con el
lenguaje, sinfónico-operístico de este periodo, mezclado con fugas en ciertos
momentos, según la costumbre vigente entonces, y todo ello concebido para coro y
solistas que se alternan libremente, con acompañamiento orquestal.

Escucha la Misa de Coronación en Do (k.317).

Escrita para solistas (soprano, alto, tenor y bajo), coro, órgano y orquesta: 2 oboes, 2
trompas, 2 trompetas, 3 trombones, timbales, violines I-II y bajos (violonchelos,
contrabajos y fagotes). Se trata de la decimosexta misa escrita por el autor. Escrita
para las celebraciones de Pascua de marzo de 1779 y, al igual que toda la música
compuesta en este periodo, muestra la nueva madurez del compositor.
Parece ser que el sobrenombre de esta misa se debe a que se interpretó en Viena
durante las celebraciones de la coronación del emperador Leopoldo II, en 1791, o la
del emperador Francisco II, en 1792.

7. Menciona las características musicales de su periodo en Viena, pensando en

la influencia de Haydn y de J.S. Bach. Escucha alguno de los cuartetos Haydn
(1785), describe alguna de las características que toma de Haydn.

La influencia de Haydn en Mozart:

En 1781 Mozart abandona el servicio al arzobispo de Salzburgo y establecerse en

Viena, contrariando los consejos de su padre. La mayor parte de las obras que
inmortalizaron el nombre de Mozart fueron compuestas durante los últimos diez años
de su vida, en Viena, cuando la maravillosa promesa de su infancia y primera juventud
se cumplió entre las edades de veinticinco y treinta y cinco años. La perfecta síntesis
de forma y contenido, de los estilos galant y erudito, de la tersura y el encanto, por un
lado, y de la profundidad de la textura y la emoción por el otro, se vio lograda por fin
en todo tipo de composición. Las principales influencias sobre Mozart durante este
período provenían de un continuo estudio de Haydn y de su descubrimiento de la
música de J.S. Bach. Esta última experiencia se la debía al barón Gottfried van Swieten,
quien, durante sus años como embajador austríaco en Berlín (1771-78), se convirtió en
una devota de la música de los compositores del norte de Alemania. Van Swieten era
bibliotecario imperial de la corte y activo aficionado a la música y a la literatura; más
tarde escribió los libretos de los últimos oratorios de Haydn. En casa de van Swieten,
en sesiones semanales de lectura durante el año 1782, Mozart conoció el Arte de la
fuga, El clave bien temperado, y otras obras de J. S. Bach. Arregló varias fugas de este
autor para trío o cuarteto de cuerdas; otro resultado inmediato de este nuevo interés
fue su propia fuga en do menor para dos pianos. La influencia de Bach fe profunda y
duradera; la misma se manifiesta en el creciente empleo de la textura contrapuntística
en las obras posteriores de Mozart.
Mozart al igual que Haydn abordó con mucha seriedad la sinfonía en su edad madura.
Hasta antes de 1782, estas les servían la mayoría de las veces, como preludios de
conciertos o de piezas de teatro; las que compuso cuando se estableció en Viena
constituyen el principal rasgo distintivo en los programas de concierto o, al menos,
tienen la misma categoría que los conciertos y las Arias. Desde las ambiciosas
dimensiones, mayor demanda de intérpretes, complejidad armónica y
contrapuntística, cromatismo y movimientos finales más culminantes que alegres, que
tenían sus últimas sinfonías.

Cuarteto op. 33-5 en Sol Mayor - J. Haydn.

Pertenece al ciclo de cuartetos denominados “Cuartetos rusos”. Es una colección de
seis en total. Mozart, que había conocido a Haydn en 1784, se inspiró en las
innovaciones compositivas de este ciclo de cuartetos, desarrollándolas en los seis
cuartetos dedicados a Haydn, por lo que tomo todas estas innovaciones en sus
cuartetos dedicados a Haydn tales como un cuidadoso trabajo con los motivos que
reaparecen en los distintos movimientos, el equilibrio y el diálogo entre los cuatro
instrumentos y la exploración de recursos rítmicos que contrarían la métrica escrita.
Compuesto en 1781, Haydn aquí apela al recurso de dejar truncas frases u oraciones y
a las técnicas compositivas, sobre todo, de la reparación de motivos en distintos
movimientos, y un tratamiento del ritmo que escapa por el momento de la métrica
escrita. Por ejemplo. en el movimiento 2, Haydn, que en 1778 dirigió en el palacio de
los Esterházy la ópera de Orfeo y Eurídice de C Gluck, había sido estrenada en Viena en
1762. El solo de oboe con el que comienza el aria de Orfeo Che puro Ciel” inspiró el
tema de este movimiento. El tercer movimiento “Scherzo” es un claro ejemplo de que
Haydn indaga dentro de un compás de 3 tiempo, con tratamientos del ritmo que
corren la acentuación según criterios de voces y acentos agógicos y armónicos, así
como también dinámicos (szf, matices, etc.)

8. Cuál es la importancia de los Conciertos para piano y orquesta dentro de su

producción, sintetiza alguna de sus innovaciones.

Un importantísimo lugar entre las creaciones de Mozart durante los años que vivió en
Viena es el que cabe asignar a sus 17 conciertos para piano y orquesta, todos ellos
fueron escritos a fin de proporcionar obras totalmente nuevas para sus conciertos, y el
auge y decadencia y la popularidad de Mozart en Viena puede medirse a groso modo
por el número de conciertos nuevos que consideraba necesario ofrecer cada año.
El concierto clásico tal como lo ejemplifican los de Mozart para piano y orquesta
conserva ciertos esquemas del concierto barroco, tiene la sucesión de tres
movimientos (rápido-lento-rápido). Entre otras de sus innovaciones se encuentra que
el 1er movimiento está escrito una forma modificada del ritornello del concierto. Koch
describe la estructura del primer allegro, como formada por 3 períodos principales
interpretados por el solista que se ven rodeados por 4 períodos secundarios
ejecutados por la orquesta como si fueran ritornelos. El segundo movimiento es una
especie de Aria y el fínale casi siempre tiene un carácter popular y parecido al de una
danza. Mozart jamás permitió que el elemento exhibicionista se le escapase de las
manos. Siempre mantiene un saludable equilibrio del interés musical entre las partes
orquestales y solistas; además al oído de Mozart era infalible para las infinitas
combinaciones de colores y texturas que podían surgir en el juego entre el piano y los
instrumentos de la orquesta especialmente los vientos. Mozart anteponía el contenido
musical al virtuosismo, esto se podía apreciar en las cadencias que esbozaba o escribía
completamente de sus conciertos. Las primeras cadencias de Mozart estaban
ornamentadas de una forma similar, sin lazos temáticos con el movimiento, pero a
partir de la década de 1780 servían para equilibrar las largas sección modulatorias o de
desarrolla. Estas cadencias (prácticamente secciones de desarrollo renovadas) arrojan
con sus audaces vuelos de maravillosa técnica, una nueva luz sobre un material que ya
nos resultaba familiar.

9. Señala cuáles fueron las óperas más importantes y en qué subgéneros se

ubican (ópera seria, buffa, dramma giocoso, singspiel).

KV 620 (1791) Die Zauberflöte (La flauta mágica): (Singspiel en dos actos)
KV 492 (1786) Le nozze di Figaro (Las bodas de Fígaro) (Ópera buffa en cuatro actos)
KV 527 (1787) Don Giovanni (Don Giovanni o Don Juan) (Dramma giocoso en dos
actos)
KV 588 (1790)Così fan tutte (Así hacen todas) (Dramma giocoso en dos actos)
KV 384 (1782) Die Entführung aus dem Serail (El rapto en el serrallo) (Singspiel en
tres actos)
KV 621 (1791) La clemenza di Tito (La clemencia de Tito) (Ópera seria en dos actos)
KV 51​ (1768) La finta semplice (La falsa ingenua) (Ópera buffa en tres actos).

Estas son algunas de las más importantes entre las 22 óperas que compuso en diferentes
géneros musicales.

10. Escucha la Escena V de Don Giovanni, el Aria de Doña Elvira y el Aria del
Catálogo. Sigue el recuadro de Grout donde los trabaja y describe brevemente
las cuestiones musicales que grafican la letra del texto o la caracterización de
los personajes.

Don giovanni es un drama giocoso de una índole muy especial. La leyenda medieval
sobre la cual se basa la trama se vio tratada con frecuencia en la literatura y en la
música desde el comienzo del siglo 17, pero con Mozart por primera vez en la ópera, el
propio Don Juan fue tomado en serio, no como una mezcla incongruente de farsa y de
horrendo blasfemo sino como héroe romántico, rebelde contra la autoridad y
escarnecedor de la moralidad vulgar, individualista supremo, osado y sin
arrepentimiento ni siquiera al final.
Fue la música de Mozart más que el libreto de Da Ponte lo que elevó a Don juan hasta
su categoría eminente y definió sus facciones para todas las generaciones sucesivas. La
índole demoníaca de los compases iniciales de la obertura, intensificada por el sonido
de los trombones en la escena del cementerio y en la aparición de la estatua en el
final, excitaron especialmente la imaginación musical romántica del siglo XIX. Algunos
de los otros personajes, a pesar de estar sutilmente ridiculizados, deben tomarse
asimismo en serio; como ejemplo, la más bien trágica Doña Elvira, que jamás deja de
condolerse por haber sido desairada por Don Juan.

En el Aria del Catálogo, Leporello enumera las conquistas por países de su señor y
describe la clase de mujeres que le gustan, muestra otro lado serio del arte cómico de
Mozart. Aún impresionados por los detalles de sus caracterizaciones, por la animación
de sus textos, el sombreado armónico y la orquestación, está abocado a tomar en serio
la parte más entretenida de la ópera. El Aria consta de dos discretas partes, un Allegro
en tiempo normal y un Andante con moto en el metro y ritmo de un minueto.

Ignacio Salcedo- César Gimenez