Gramática visual II. Apunte de cátedra. Lic. Carolina Porral.

Primeras vanguardias del S XX

Fauvismo.
El término fauves significa fieras y se dice que fue
acuñado por Louis Vauxcelles. Fue en 1905 en el
Salón de Otoño de Paris cuando aparecieron
colgados Matisse (1869-1954), Derain (1880-1954),
Manguin (1874-1949), Marquet (1875-1947),
Vlamink (1876-1958) y Rouault (1871-1958); estos
cuadros estaban caracterizados por el uso de colores
vivos y por la simplificación exagerada de las
formas.
Los pintores fauves constituyen un movimiento en
un sentido limitado, pues no formaron una sociedad
o asociación, no tenían un manifiesto o una estética
coherente. Se trataba más bien de un círculo de
amigos con Matisse como jefe reconocido.
Tuvieron influencia del neoimpresionismo de
Signac y Cross, ya que Matisse llego al cromatismo
intenso experimentando con los colores puros del
neoimpresionismo, en otro caso se interesaban por
la distorsión de las formas como Rouault.
Mantenían un interés especial por el dibujo y los
efectos decorativos del color; en una especie de
aparente espontaneidad.

Imágenes: Vlaminck ”Restaurant en marly le roi” 1905 y Matisse

“Pez dorado” 1912

El expresionismo.
Era un movimiento de rebeldía en el arte, la literatura y la música que alcanzo su clímax
en la Primera Guerra Mundial y se lo considera de carácter germánico.
Definido en 1912, comenzó con Kandinsky (1866-1944) y Franz Marc (1880-1916), y
buscaban la simplificación y el realce de aquellas formas expresivas que poseían ritmos
y colores nuevos; movimiento que pone de relieve el mundo de las emociones internas,
contrastando con el impresionismo que se atenía al mundo de la naturaleza y los
sentidos.
En general se intentaba expresar el alma del artista, no su habilidad, un a disposición
espiritual, o deseo, mucho mejor si se trata de una necesidad. Esta relevancia deja de
lado las instancias técnicas de concreción, y define una ruptura entre las diferentes
formas de arte. Es más, muchos experimentaron con diferentes medios de expresión.
Definían así una diferencia entre dos posicionamientos: uno se refería a la expresión de
la experiencia interior; y otra que establece una sublimación del exterior.
Estos posicionamientos definieron dos grupos:
Die brücke (El puente) (desde 1905). Ernst Ludwig Kirchner (1880-1970), Erich
Heckel (1883-1970), Karl Schmidt-Rottluff (1883-1976), cuya relación con el mundo se
establecía mediante una conciencia política elevada, agudizada por la crisis de la
Primera Guerra Mundial. En la elección de temas estuvieron muy influenciados por las
ideas que habían desarrollado Nietzsche, y Dostoievski.
 Con influencia del posimpresionismo en
general, principalmente de Van Gogh (1853-
1890) y Munch (1873-1944); también
investigaron sobre arte primitivo ya que
admiraban su fuerza expresiva, en algunos
casos estos motivos recuerdan la obra de
Gauguin.
En su manifiesto expresaron que:
Teniendo fe en una nueva generación de
creadores y amantes del arte, pedimos a la
juventud que se nos una.
Y siendo jóvenes y dueños del futuro exigimos
a las viejas generaciones, confortablemente
establecidas, libertad de vida y actuación.(
Gowing, L y otros:2006,23)

Der blaue Reiter (El jinete azul):

Kandinsky, Marc y Macke,
posteriormente Paul Klee.
Filosóficamente cercanos a
Schopenhauer, estaban más
interesados en la teoría que en la
práctica y tendían a la abstracción.
Lo que se quería representar a través
de las distintas formas representadas
son las diversas maneras en las que se
manifiestan los deseos internos del
artista.

Imágenes : kirchner “El artista(Marcella)” 1910. Marc “Vaca amarilla” 1911, Kandinsky “”

Cubismo y futurismo.
Varios paisajes presentados por Braque (1882-1963) en 1908-1909, elaborados
simultáneamente con Picasso (1881-1973), fue un estilo adoptado por otros pintores
Parisinos como Delaunay(1885-1941), Leger (1881-1955), Gris (1887-1927), Gleizes
(1881-1953), Metzinger (1883-1956), y Duchamp (1887-1968); escultores como
Lipchitz (), Laurens, Raymond Duchamp-Villon(1876-1918) y Archipenko, llegando a
influenciar a Europa y Rusia.
Su innovación implica una relación estrecha entre realidad y el arte. Incluyendo unas
nuevas sensaciones, expresiones y experiencias de la realidad en el arte.
El tema pictórico era el objeto que se veía, y así el interés del pintor se restringía a
innovar la técnica para acercarse a la representación de ese objeto; siguiendo ciertos
aspectos de la obra de Cezanne y Seurat; con refinadas secuencias de analogías y
contrastes de color, Braque escribió que “la nueva unidad es un lirismo que se consigue
exclusivamente con medios pictóricos puros”. Picasso acentúa la actitud libre y
conceptual al decir que, por ejemplo:”Una cabeza es un conjunto de ojos, nariz y boca
que se pueden distribuir y componer como se quiera; la cabeza seguirá siendo cabeza”
En esta búsqueda de nuevas maneras de representar los objetos tridimensionales sobre
una superficie bidimensional, aparecen paisajes con volúmenes angulares los elementos
representados, aunque reconocibles, se reducen a meros elementos pictóricos. La
posición es regulada mediante superposición y cambio de escala. La paleta es reducida a
unos cuantos colores que van del verde al marrón, e incluyendo grises calidos. El
dibujo se limito a una suerte de andamiaje de líneas rectas y la aplicación de la capa
pictórica se torna regular y como soporte expresivo de los otros elementos de la
composición.
Los cubistas creían que la pintura tenía que tener en cuenta la complejidad de la
experiencia humana de cosas y lugares, del tiempo y el espacio, que en general
irracional y fortuita. En esta presencia física de los objetos se hace presente también el
tiempo, el movimiento en el espacio con sus cambios de luz y las complejas y
simultaneas percepciones y circunstancias que afectan nuestra experiencia de las cosas.
Así el equilibrio que se plantea en la imagen entre referencia externa y la identidad
interna se rompe a favor de esa identidad, por ello los signos pictóricos aparecen como
alusión, en una ejecución intuitiva.
Se pueden identificar ciertas etapas de acuerdo al avance de las investigaciones
conceptuales y sus encuentros visuales. El cubismo analítico, es el momento de
desarrollo de las
inquietudes
formales y sus
encuentros
plásticos, se puede
diferenciar dentro
de este, un primer
momento de
cubismo primitivo
o protocubismo
que hace
referencia a los
primeros trabajos
caracterizados por
grandes simplificaciones en volúmenes geométricos y paletas restringidas.
El cubismo analítico propiamente y su etapa
final caracterizada por una profusa
fragmentación, dilución de límites entre figura
y fondo y restricción cromática que llega al
acromatismo denominado cubismo hermético,
instancia donde el objeto se diluye casi
llegando a la abstracción.
En toda esta etapa se experimenta con la
inclusión de tipografía y el collage (pegado),
que eleva a arte objetos cotidianos de tres
maneras: como ilusiones ya confeccionadas
(por ejemplo un papel que imitara las vetas de
la madera, en lugar de la madera), cuando el
elemento pegado se representa a si mismo
(como periódicos, tarjetas) o con una función
abstracta, como una superficie de color, línea o
tono determinado. (Esta técnica será retomada
por los dadaístas.)
En la etapa final o cubismo
sintético, se intenta la
recuperación del la realidad del
objeto en la pintura, su
reconocimiento, por ello se
reflexiona sobre aquellos
aspectos mínimos necesarios
para la percepción del objeto; la
recuperación del objeto, pero ya
en una instancia de absoluto
signo plástico, no concibiendo
la obra como ventana que se
abre a una ilusión, sino como
objeto plástico.

Imágenes: Picasso “las señoritas de Avignnon” 1907. Braque “Casas en l´estaque” 1907. Braque “Violin y
candelabro” 1910. Gris “la ventana abierta” 1921.

El futurismo.
Movimiento italiano sociopolítico, cuyo manifiesto fundacional de 1909 fue redactado
por Filippo T. Marinetti; “proclamaron la gloria y la belleza del dinamismo. La
juventud, la velocidad, la originalidad, el peligro, la energía y los objetos perecederos
modernos; piden la destrucción de los museos, bibliotecas y academias, de los sueños,
las tradiciones, la moral.” (p. 42)
Imágenes de grandes metrópolis modernas solares, con muchedumbres tumultuosas,
clubes nocturnos estaban realizados con una técnica algo impresionista; fue a partir de
1911-12 que maduro bajo la influencia del cubismo analítico, su paleta era más colorida
y menos literal. Fue la fragmentación de múltiples puntos de vista lo que facilito la
representación de la visión dinámica de los futuristas.

La importancia de la influencia futurista reside en el espíritu de modernismo agresivo y

anarquista. Experiencias futuristas en distintos medios artísticos posibilitaron
actividades pioneras en música con una mussique concréte primitiva, y la tipografía de
forma libre, experiencias luego retomadas por los Dada.

Imágenes: Antonio Sant´Elia “Central Electrica” 1914 .Boccioni “Carga de caballeria” 1915.
Dadá: nacido en Suiza como movimiento opositor a la Primera Guerra Mundial, fue un
producto orgánico nacido de la reacción dado que: los tiroteos continúan, el
mercantilismo continúa, el hambre continua, la mentira continua, para ellos es un fraude
que el arte creaba
valores espirituales.
Intentaron entonces,
que el arte sea una
monstruosidad que
asuste a las mentes
serviles. En su
manifiesto
rechazaban el código
rígido de moralidad
infringido por: la
familia, la Iglesia, y
el Estado,
propugnaban la
absoluta libertad de
las personas
especialmente despreciaban la razón y la lógica.
Reaccionaron contra todos los modelos estéticos tradicionales, no recurrieron entonces a
los medios habituales, sino al collage, el fotomontaje
(del cual fueron precursores) les interesaba el
inconsciente, por ello la importancia del azar por ello
la experimentación con la técnica del automatismo.
La gramática y el lenguaje fueron puestos en jake, los
cruces disciplinares como música y poema o
actuación y declamación con collage, etc.
Consideraban la acción colectiva más importante que
el individuo, atacando así la heredero de jerarquía
del artista como genio solitario.
Heredo técnicas de provocación propias del
futurismo, así como la experimentación con la
música- ruido; del cubismo utilizaron el collage
despreciando materiales refinados y la ejecución
cuidada, tomaron de postales populares realizadas en
fotomontaje este procedimiento.

Imágenes : Heartfield “Adolfo el superhombre traga dinero y suena falso” 1932. Picabia “parada amorosa” 1917.
Breton “Cadáver exquisito” 1927.

Surrealismo: (1925) movimiento heredero del Dadaísmo, sus técnicas y sus intereses.
André Breton, Man Ray, Picabia, Ernst, Miró, Tanguy, Magritte, Dalí consideraban la
condena sistemática a la tradición clásica sobre todo al ideal de fidelidad a la naturaleza;
trataban de demostrar que lo surreal formaba parte integral de la consciencia humana.
Le dieron capital importancia a las teorías de Sigmund Freud, sobre La interpretación de
los sueños, de allí que consideraban al sueño y los impulsos e imágenes irracionales.
Implementaron la técnica del frottage (frotado) y el grattage (raspado); también el
cadáver exquisito que consistía en la composición de una oración o dibujo por tres o
cuatro personas que trabajaban rotativamente sin ver la contribución de otros
operadores.
 El automatismo
psíquico era próvido
mediante la
provocación de
estados de trance,
tratando de anular el
mundo exterior.

Imágenes: Magritte “Los días gigantes” 1927.

Arte abstracto.
Se denomina así a ciertas obras de pintura y
escultura del siglo XX que carecen de una
función representativa o simbólica y que, sin
embargo, no son meros diseños; también
denominado “no objetivo”, “no representativo”
o “concreto”.
El arte abstracto no es de por si un estilo
artístico y dentro de esta denominación se
pueden encontrar tendencias estilísticas o
ciertas categorías más explicitas como
neoplasticismo o constructivismo.
Kandinsky quien estaba interesado en una
analogía música, al ir más allá de las
apariencias exteriores y ser capaz de
conmover el alma del espectador por
medio de efectos físicos y psicológicos del
color. Las denominaba con términos
musicales como “composiciones”,
“improvisaciones”. La resultante fue una
serie de abstracciones líricas, suaves,
fluidas que se tornaron abstracciones
geométricas posteriormente a la Primera
guerra Mundial.
Imágenes : Kandinsky “Pequeños placeres” 1913; y
“composición 8” 1923
 Orfismo: Robert Delaunay eligió el sol, la luz y la teoría del
color de Eugene Chevrel en sus “contrastes simultáneos”
junto a Sonia Terk, experimentaron con formas circulares en
composiciones rigurosas con inclusión de tipografía, Frank
Kupka y Francis Picabia como una derivación tardía del
cubismo, con influencias simbolistas

Imagen: KupKa “Discos de Newton ” 1912

Neoplasticismo: Piet Mondrian desarrollo una pintura

intelectual, geométrica junto a Theo Van Doesburg los
principios expresados por medio de la revista De Stijl
tenían posibilidades más allá de la pintura, sus teorías
revolucionarias comprendían tanto al arquitectura como
el diseño. La búsqueda de la esencia se refuerza en la
limitación de elementos plásticos para su representación,
es así como utilizan acromáticos, los tres colores
primarios y la distribución ortogonal de los elementos.

Imagen: Mondrian “tabla n° 1” 1919.

Suprematismo: Casimir Malevich de tendencia geométrica

con representación de tridimensión y ciertos rastros donde
prevalece la disposición de formas regulares en
composiciones simples, pretendía un significado trascendental
para sus obras. Otro artista fue Elizier “El” Lissitzky

Imagen: Malevich “Cuadrado negro y cuadrado rojo” 1915

Constructivismo: la pretensión de un arte espacial y

temporal dio como resultado un arte abstracto
tridimensional, un arte capaz de utilizar el vació y de
liberarnos de la masa compacta. Alexander Rodchenko,
Naum gabo, Tatlin, Pevsner.

Imagen: Rodchenko “Maqueta Rod nº9 ” 1917

Bibliografía:
Gowing, L.; Boardman, J.; Pickvance, R.; y otros. “Historia del Arte”, Del simbolismo
al surrealismo. Ed. Folio, Barcelona, 2006.