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Una breve guía de la orquesta moderna: Instrumentación

por Artemus

Historia

La orquesta, tal y como la veis y escucháis hoy en día, tiene una gran historia detrás; ha
evolucionado, crecido y disminuido con el tiempo según los avances tanto en tecnología como en
música. En el gran esquema de la música y su historia, el establecimiento del conjunto orquestal
occidental puede considerarse moderno en sí mismo. Durante el siglo XVI se puede encontrar algún
tipo de ensamblaje de la orquesta en el que las partes se marcaban para múltiples instrumentos y se
dividían (normalmente el coro de cuerda), aunque rara vez se daba una instrumentación específica.
Esto se debía a la disponibilidad de músicos de un lugar a otro; los conjuntos variaban y era
necesario repartir las partes necesarias con prontitud. No fue hasta el siglo XVIII que la orquesta
comenzó a formarse cuando Bach experimentó con muchas combinaciones de instrumentos
orquestales y comenzó a anotarlas. Aunque no fue el primero, su prestigio musical ayudó al avance
de la escritura para instrumentos específicos. La composición se centró predominantemente en la
familia de las cuerdas y no fue hasta la época de Mozart cuando los conjuntos se convirtieron en un
pilar permanente de las actuaciones musicales fuera de la ópera y una orquesta se consideró un
conjunto mayor establecido que consistía en tres familias: cuerdas, maderas y metales. Esto, junto
con el desarrollo de la música hasta el período clásico, y la influencia de la escuela de Mannheim
que desarrolló la dinámica y las texturas homofónicas, abrió el camino a la orquesta establecida que
se asemeja a la orquesta de hoy en día. Los instrumentos de viento de madera se estandarizaron y
tomaron mayor precedencia.

A medida que el conjunto orquestal se fue estableciendo, la musicalidad de sus miembros

mejoró, lo que significó que la orquesta podía convertirse en un medio para la música más
compleja. Las nuevas técnicas, la inclusión de instrumentos nuevos o mejorados y la audacia de los
compositores de vanguardia, conducen a la expansión de la orquesta y sus posibilidades. Quizás el
avance más crucial se produjo en el siglo XIX cuando se inventó la válvula, que permitía el
cromatismo de las trompetas y los cuernos. Este desarrollo significó que los metales se hicieron más
prominentes y, con la inclusión de la tuba, se convirtió en un importante coro de la orquesta. Antes
de la válvula, las trompetas y los cuernos sólo podían tocar las notas de sus series armónicas,
aunque se podían añadir varios timbres de diferente longitud a un solo instrumento para permitir su
uso en diferentes tonalidades. Se necesitaban orquestas más grandes y de mayor envergadura,
especialmente con la influencia de Wagner y Berlioz. En respuesta a esta hinchazón de la orquesta,
compositores posteriores como Debussy y Ravel crearon una orquesta de tamaño más moderado,
aunque virtuosa, en la que se podía explotar la diversidad de texturas y combinaciones de diferentes
timbres de los instrumentos. Este desarrollo de la orquesta a finales del siglo XIX se solidificó a lo
largo del siglo XX dándonos el estándar que tenemos hoy en día.

Las familias

La orquesta se compone de cuatro familias de instrumentos, o coros; cuerdas, maderas,

metales y percusión. La jerarquía del conjunto comienza con el director. Aunque ha habido
ejemplos en la historia de orquestas sin director, con diversos grados de éxito, toda la orquesta está
dirigida por un director que dicta el ritmo y guía la entrada de los instrumentos en relación con los
pasajes de la música, así como la configuración de la música para su interpretación. Además del
director, cada sección tiene su propio líder. La sección de cuerdas se divide en dos: el primer violín
(primo) y el segundo (secondo), cada uno con su propio líder. Por debajo del director, el líder de la
sección de primer violín es a menudo considerado como el líder de la orquesta, así como la sección
de cuerdas. El oboe principal es el líder del viento de madera, mientras que la trompeta principal es
considerada como el líder de la sección de metales. La sección de metales inferior (trombones,
eufonios, tubas) son dirigidos por el trombón principal. El director de cada sección a menudo tiene
asistentes que pueden ayudar, especialmente para las trompas, a doblar al director o tomar la parte
del director que lleva a los solos.
 El sonido se percibe de varias maneras, incluyendo lo fuerte que es, de dónde viene, el tipo
de sonido que es (timbre), así como lo alto o bajo que es. Esta última cualidad se llama "tono" y su
variación es la esencia de la melodía en la música. En las interpretaciones, los instrumentos suelen
estar afinados al "tono de concierto", que generalmente se acepta hoy en día como 440Hz (la
frecuencia) para la nota A por encima del Do medio. Esta norma también es necesaria debido a la
convención de transposición de instrumentos, cuyas partes se transponen en diferentes tonalidades,
por ejemplo, un instrumento en Sib que toque un Do como está escrito produciría un Sib bemol en
la afinación de concierto.

Hay un par de razones por las que tales instrumentos se transponen en diferentes claves.
Estos instrumentos se han estandarizado por convención a través del desarrollo histórico. Por
ejemplo, las trompas del período Clásico, antes de la válvula o el uso de los ladrones, estaban en Fa.
Con el advenimiento del cromatismo alcanzable con las válvulas era más simple hacer que las
trompas permanecieran en Fa que transponer siglos de música. La transposición de instrumentos
también surgió del deseo de mantener la digitación entre instrumentos de la misma familia y así,
debido a sus diferentes rangos, se asignaron diferentes claves. Sin embargo, la razón más importante
de la existencia de los instrumentos de transposición es su tono. Reconstruir un instrumento con una
clave diferente o un instrumento no transpuesto altera la forma en que suenan, su calidad o su
timbre. Los instrumentos transpuestos suenan mejor en las teclas para las que están construidos.

La orquesta sinfónica moderna suele estar compuesta por los siguientes instrumentos y
números:

Sección de
cuerdas: 1er
Violín16 - 18 jugadores
2º
Violines14 - 16 jugadores
Violas10 - 12 jugadores
Cellos 10 - 12 jugadores
Doblebasses 8 - 10 jugadores

Sección de Viento
de Madera: Flautas
Piccolo
2x
2x Clarinetes en Sib y Clarinete bajo
en Mib Clarinete inglés de trompa
2x Oboes
2x Fagotes
Contrafagot

Sección de
latón: 3x
Trompetas
4x F
Cuernos
2x Trombones Tenor y Eufonio de
Trombón Bajo
Tuba

Percusión:
Timbales, caja, tambor bajo, tambor tenor...
Címbalos, Bloque de madera, Triángulo, Pandereta, Campanas,
Campanas tubulares Glockenspiel, Xilófono, Vibráfono
Cuerdas

La sección de cuerdas está compuesta por cuatro secciones de instrumentos. Las secciones
orquestales se denominan a menudo coros que surgen de la organización de los sonidos, o más bien
de la gama de tonos, de las diferentes secciones, de mayor a menor: soprano, alto, tenor y bajo. Las
secciones equivalentes de las cuerdas se dividen en violines, violas, violonchelos y contrabajos,
mientras que la sección de violín se divide en dos secciones. La sección de cuerdas de la orquesta
fue la primera en establecerse y su precedencia se debe a una serie de factores como el enorme tono
y rango dinámico, la variedad de articulaciones posibles y su continuidad, es decir, un músico de la
familia de los violines puede tocar sin descanso mientras que los de las maderas y los metales no
pueden tocar continuamente sin fatigarse, especialmente en los extremos de las gamas de
instrumentos.

La familia de los violines se llama así por la similitud en la construcción de los diferentes
instrumentos. Aparte de su tamaño y los sonidos y rangos correspondientes, son casi idénticos entre
sí y consisten en el cuerpo hueco de forma similar y el diapasón/mástil, con cuatro cuerdas afinadas
en quintas, excepto el contrabajo que está afinado en cuartas. A continuación se muestran las
afinaciones y las gamas de cada instrumento.

Violín:

Sintonización

Rango

Viola:

Sintonización

Rango
Violonchelo:
Rango de

sintonía
 Bass:
Rango de

sintonía

Los instrumentos de la familia del violín se tocan nominalmente con un arco, que se dibuja a
través de las cuerdas para crear el sonido, aunque hay muchos métodos diferentes de hacer el arco
que producen diferentes efectos. Otras articulaciones son posibles sin el uso del arco también, pero
más sobre esto más adelante. Lo más importante es apreciar la forma en que se tocan los
instrumentos de la familia de los violines, en particular la inclinación y el fraseo de los pasajes.

El arco hacia abajo es el recorrido desde el extremo de la rana (el extremo de agarre del
arco) hasta la punta y el recorrido hacia arriba es el inverso. Las consideraciones sobre el arco son
importantes para la unidad entre las cuerdas y pueden influenciar enormemente el carácter de la
música. El tempo y la dinámica de los pasajes son claves en las decisiones que se toman respecto a
las direcciones de la reverencia. Generalmente, los pasajes no legato requieren cambios en la
dirección del arco con cada nota (détaché), mientras que los pasajes legato se tocan con un largo
movimiento de arco. Pueden requerirse movimientos de arco dobles hacia abajo o hacia arriba,
dependiendo del ataque de las notas y del efecto deseado. Las notas sostenidas requerirán cambios
en la dirección del arco, pero si la nota comienza con un movimiento de arco hacia arriba o hacia
abajo debe decidirse por el tempo y el ataque requerido a la nota que le sigue. También es
importante darse cuenta de que un crescendo natural ocurre cuando se realiza un golpe ascendente y
viceversa. Igualmente importante para la consideración de los pasajes de arco y legato son la
dinámica y el tempo; la velocidad y la presión de un movimiento de arco dicta la dinámica, más
rápido equivale a más fuerte, lo que limita la cantidad de notas que pueden ser arrastradas juntas en
un movimiento de arco. También vale la pena recordar que los arcos del violonchelo y el contrabajo
son ligeramente más cortos que los del violín y la viola.

El sonido predominante de las cuerdas en la música orquestal también proviene de la

variedad de diferentes sonidos que se pueden lograr con las cuerdas. Todos los instrumentos de
cuerda pueden ejecutar una gran cantidad de articulaciones diferentes, algunos ejemplos de los
cuales voy a enumerar muy brevemente.
• Portato - notas separadas pero con un golpe de legato; tenuto como
• Staccato - articulación muy corta (para un tempo moderado)
• Marcato - acento fuerte como sforzando; notas separadas pero el arco permanece en la cuerda
• Spiccato - staccato donde el arco rebota ligeramente en la cuerda
• Saltando - como spiccato para pasajes rápidos de piano donde la muñeca controla el rebote
del arco en la cuerda
• Jeté/richochet - una rápida sucesión de notas lograda al "lanzar" el arco a la cuerda para un
efecto de rebote
• Trémolo (arqueado/dedos/undulante) - una sucesión sostenida y regular de notas rápidas
• Flautando - un tono suave producido por el arco cerca del diapasón
• Sul ponticello - efecto logrado al jugar en o cerca del puente
• Col legno - usando la parte de madera del arco; tratto - acción de arco; battuto - acción de
rebote
• Pizzicato - desplumar las cuerdas; también pizzicato de la mano izquierda y pizzicato snap
(hacer saltar la cuerda contra el diapasón); pizzicato arpegiado que es como una acción de
rasgueo
 Se pueden lograr otros efectos, en particular con sordino, es decir, el uso de un mudo que se
fija en el puente y se pueden crear armónicos tanto naturales como artificiales.

Antes de componer y marcar para una orquesta, es útil empezar por estudiar algo de música
de cámara para cuerdas y ejemplos de cómo se utiliza la sección de cuerdas. Una de las mayores
ventajas de la sección de cuerdas, aparte de la variedad de articulaciones, rango y dinámica, es que
es la sección más grande de la orquesta en términos de músicos. Por lo tanto, es común ver "divisi"
- la división de partes entre diferentes secciones de la familia de cuerdas. Los instrumentos de la
familia de los violines son capaces de tocar dobles paradas, es decir, dos notas en cuerdas
adyacentes simultáneamente. Las paradas triples también son posibles para pasajes más fuertes y las
paradas cuádruples pueden ejecutarse arpegiando rápidamente a través de las cuerdas. Sin embargo,
las partes se dividen a menudo entre los instrumentos de cada sección por los músicos "internos" y
"externos" en el mismo atril tomando las partes respectivas, o dividiéndolas por atril (da leggii).

Al estudiar la sección de cuerdas y componer para ella, es útil comprender los timbres de
cada instrumento y los sonidos de sus diferentes registros. Las secciones instrumentales de la
familia de los violines se han vuelto todas importantes e iguales a la sección del primer violín. Los
registros se superponen y es útil estudiarlos para conocer la paleta disponible para las diferentes
texturas. Sin embargo, esto está fuera del alcance del artículo introductorio.

El volumen de la familia de los violines puede hacer que sea fácil pasar por alto otro
miembro de la familia de las cuerdas que se utiliza mucho, un único instrumento que tiene un rango
de más de seis octavas: la arpa. Aunque ha sufrido algunos cambios a lo largo de los años, el arpa
comúnmente utilizada consta de 47 cuerdas afinadas en Do mayor. Los pedales pueden aumentar la
afinación en un semitono o en un tono y cada pedal es responsable de una nota en todas las octavas.
Un arpista toca tocando las cuerdas con todos los dedos, excepto los pequeños, y una mano puede
estirarse hasta una décima fácilmente. Una técnica comúnmente escuchada en el arpa es el
glissando. En notación, esto se dirige especificando la nota inicial y final y la afinación del arpa. El
arpa también puede ejecutar armónicos, sin embargo, son muy silenciosos.

Woodwinds

En los casos en que se ha descrito que el coro de cuerdas tiene un sonido homogéneo en toda
su gama de instrumentos, el de viento-madera tiene la colección de instrumentos más diversa y
heterogénea. Existen varias clasificaciones de los instrumentos de viento-madera; por su familia, el
tipo de lengüeta que utilizan, su forma de tubo y si son instrumentos transpositores.

Las siguientes familias consisten en los instrumentos enumerados:

• Familia de flautas flauta(non-reeds): piccolo, flauta, flauta alta, flauta baja
• Familia de los oboes (dobles cañas): oboe, oboe d'amore, corno inglés, heckelphone, fagot,
contrafagot
• Familia de clarinetes (lengüeta simple): clarinetes, clarinete alto, clarinete bajo, clarinete
contrabajo,
corno bassett
• Saxofones (saxofones simplesreed): soprano, soprano, alto, tenor, barítono y bajo)

Todos estos instrumentos poseen timbres únicos, pero algunos son más comunes en la
música clásica que otros, y es sólo de estos de los que hablaré aquí. Los instrumentos más utilizados
de la sección de viento-madera incluyen la flauta, el oboe, el fagot, el clarinete y el clarinete bajo.

Se trata de una serie de colores y articulaciones comunes a estos instrumentos, como el

vibrato, el legato y el staccato, en los que las notas de staccato pueden hacerse cortando la
respiración (suministro de aire) al instrumento o "tonificando" (utilizando la lengua para detener el
flujo de aire). Para pasajes más rápidos, se puede realizar un doble o triple "tonguing". Un efecto
similar al del trémolo del violín puede ser
...con una técnica llamada "Fluttertongue". Esto se consigue normalmente con un rápido giro de la
lengua mientras se sopla, similar al giro de las "R" pero sin emplear las cuerdas vocales. Algunos de
los vientos de madera pueden tocar un efecto silenciado rellenando una tela en la apertura
(obviamente no las flautas). También hay otros efectos especiales que se han utilizado en la
escritura más contemporánea, como los silbidos en la flauta, los sonidos de chasquido de las teclas,
la articulación no tonal/nota (es decir, sólo la respiración en el instrumento). Estas peculiaridades no
son tan comunes, pero vale la pena mencionarlas.

Flautas
Rango:

El sonido de la flauta tiene una calidad lírica muy respirable que proviene del método con el
que se toca, es el único instrumento de viento de madera que no se toca con una lengüeta. La nota
más baja que se puede tocar es el Do, sin embargo, las flautas con un "pie de Si" son capaces de
tocar el Si natural por debajo. Desde la nota más baja hasta el sol de arriba es el registro más bajo y
tiene una calidad bastante débil pero resonante. El registro siguiente al sol de una octava más arriba
tiene una calidad melódica pero, de nuevo, no se lleva muy bien. La siguiente octava es el registro
más alto que tiene una clara brillantez que se puede llevar bien. Por encima de este Sol, las notas
pueden ser muy difíciles de producir y el sonido se vuelve muy penetrante y estridente. Como el
instrumento requiere bastante "soplo", vale la pena recordar que hay que dar períodos de descanso
al instrumento y ser cautelosos al componer pasajes más largos y sostenidos.

El flautín es una flauta de transposición de octava y a menudo se puede utilizar para doblar
con las flautas. Naturalmente, su sonido transporta los registros más altos de la flauta y extiende su
rango una octava más arriba, por lo que puede ser muy penetrante. Aunque sus registros inferiores
tienen un tono suave y similar al de la flauta, no transmite tan bien como los registros superiores.
Además del flautín, las flautas alta y baja pueden ser utilizadas para completar la familia de flautas
como un coro integral, sin embargo no son tan comúnmente llamadas.

Oboes
Rango:

El oboe es un instrumento de doble lengüeta y posee un sonido muy único y característico.

Produce un sonido de tipo "lengüeta" y creo que, de todos los instrumentos de viento-madera, tiene
una cualidad que es la más descriptiva de un instrumento de "viento-madera". En general, los
pasajes de oboe pueden tener un hermoso y melancólico sonido. Su registro inferior de Sib a Fa por
encima tiene una textura más gruesa y puede ser un poco inestable, pero su registro medio de Sol a
La una octava más alto, tiene la mayor calidez. El registro superior es un poco más delgado pero su
sonido es muy claro.

Debido a la doble lengüeta, el instrumento es muy sensible, exigiendo bastante control por
parte del músico; hay una tendencia a que suene la bocina y el chirrido por parte de los músicos
menos capaces. Aunque, la sensibilidad extra significa que un buen oboe puede sostener las notas
por más tiempo que un flautista, pero vale la pena dar igual consideración a los períodos de
descanso.
 La técnica de la lengüeta simple también puede utilizarse para el efecto de staccato, pero la
lengüeta doble o triple rara vez se requiere y no es aconsejable. Los trinos y trémolos también son
posibles, pero las capacidades varían considerablemente con el modelo de instrumento.

Hay miembros auxiliares de la familia de los oboes que pueden extender el alcance hacia
abajo, como el oboe de los tacones y el barítono, pero estos se utilizan raramente. Sin embargo, una
relación del oboe llamada Cuerno Inglés es digna de mención ya que es un poco más común y tiene
una calidad sonora más tenue y sombría. Se considera el instrumento alto de la familia del oboe. Su
nombre es un poco equivocado; no es inglés ni se parece a nada de la familia de las trompas. Es un
instrumento transpositor, que suena una quinta parte por debajo de lo que está escrito (un
instrumento en Fa).

Fagot/Contrafagot
Rango de fagot:

Rango de contrafagot:

El fagot es también un instrumento de doble lengüeta, pero no se clasifica como miembro de

la familia de los oboes debido a su diferente timbre. Su sonido tiene una textura más de madera y
abierta, pero puede tener tanta calidad expresiva como el oboe. Sin embargo, su resonancia puede
perderse cuando se toca en combinación con otros instrumentos, su sonido tiende a "perderse en la
mezcla". A pesar de ello, sus registros extremos tienen tonos bastante singulares; el registro inferior
(de Sib a Sol por encima de él) con su riqueza de cría y su registro superior (Re una octava más arriba
y por encima) con su intensidad fina y clara.

Se puede utilizar una sola lengua para el staccato, pero, al igual que en el caso del oboe, rara
vez se utilizan lenguas dobles y triples. Se pueden realizar trinos, pero no se recomienda marcarlos
en el registro inferior y generalmente no se requieren trémolos. También cabe recordar que la
dinámica del registro inferior sólo puede ser efectivamente fuerte y el registro superior es bastante
silencioso.

La contrapartida de los fagots para ampliar el rango hacia abajo es el contrafagot y es similar
en la mayoría de los aspectos, especialmente en lo que respecta a su rango inferior de notas; son
sonoras y requieren una cantidad particularmente considerable de potencia de "soplo". Su calidad
tonal se utiliza a menudo para solidificar pasajes en la duplicación con el cello y/o los contrabajos.
Debido a la cantidad de aliento que se requiere, no se debe esperar una articulación en staccato.

Clarinetes/Clarinete bajo
La gama de clarinetes en Sib:
Gama de clarinete bajo:

El clarinete es un instrumento de una sola lengüeta y el sistema de digitación es el mismo

para todos los instrumentos de la familia del clarinete - un clarinetista puede tocar el clarinete en
Sib, La o bajo etc. simplemente cambiando de instrumento y tocando como está escrito. A
diferencia de otros instrumentos de viento de madera, cuyo carácter tonal cambia dependiendo del
registro tocado, el tono del clarinete se mantiene en toda su gama. Además, el rango dinámico es
mayor y menos limitado en el clarinete. El tono del clarinete se describe mejor con el nombre de
"clarinete", que proviene de la palabra italiana "clarinetta", que significa "pequeña trompeta". Su
carácter tonal es bastante suave y quizás sensual.

Los clarinetes pueden jugar al unísono o desempeñar papeles completamente diferentes y

todas las articulaciones y técnicas descritas anteriormente son posibles. Una técnica particular que el
clarinete puede ejecutar eficazmente es un glissando microtonal ascendente (como el que se puede
lograr en un violín o un trombón). El mejor y más famoso ejemplo de esto se puede escuchar en el
comienzo de la Rapsodia en azul de Gershwin.

Aunque hay varios instrumentos auxiliares de la familia del clarinete que pueden ampliar los
alcances del clarinete, el más utilizado es el clarinete bajo, que suele ser un instrumento en Sib. A
veces se pueden utilizar extensiones para producir un Do bajo (que suena en Sib en tono de
concierto), pero esto no siempre está disponible, por lo que generalmente se debe considerar que la
gama va desde el Mi bajo (tono de concierto Db). La calidad del tono es más rica en sus registros
más bajos, con un sonido siniestro o misterioso.

Brass

Como se mencionó al principio de este artículo, la sección de latón pasó a primer plano
durante el período romántico y Beethoven con el desarrollo de la válvula que permitió el
cromatismo. Antes de esto, los instrumentos de metal se basaban en la serie de sobretonos y se
utilizaban principalmente como un dispositivo de textura en lugar de uno para llevar la melodía. Las
tablas han cambiado un poco y ahora la sección de latón proporciona algunos de los sonidos más
poderosos y muchas texturas diferentes; pueden sonar feroces e intimidantes; pueden dar una
sensación de presentimiento o de alabanza, o pueden sonar regios y majestuosos. Su desarrollo
desde que se convirtió en un coro integral de la orquesta ha sido quizás el más significativo.

Los sonidos de los instrumentos de metal se hacen "soplando frambuesas" en una boquilla.
Esto funciona de la misma manera que las lengüetas de la madera donde los labios, o embocadura,
actúan como las lengüetas vibratorias. Debido a esto, las similitudes en el fraseo, las características
de rango/registro y la articulación son similares; la mayoría de las articulaciones, como la lengüeta,
pueden realizarse en los instrumentos de metal. Se recomiendan períodos de descanso,
especialmente después de exigir que un instrumento de metal toque en uno de los extremos de su
alcance; no sólo los instrumentos de metal requieren un poco más de aliento, sino que los labios y
los músculos de la boca se utilizan en toda su extensión. También son importantes las posibilidades
dinámicas de los instrumentos. Los registros más altos pueden ser agotadores y no pueden tocar en
silencio de manera realista. Articulaciones de particular importancia son el sforzando o forte-piano
donde la dinámica puede ser alterada rápida y drásticamente como una fuerte explosión que
inmediatamente se apaga. La consideración dinámica es crucial cuando se escribe para la sección de
metales en conjunto con el resto de la orquesta - su capacidad para dominar la orquesta debe ser
realizada. Otro factor de los metales es el uso de sordinas; no sólo reducen la dinámica de un
instrumento de metal sino que también cambian su tono.
 Las trompas y trompetones son instrumentos de transposición, mientras que los trombones y
la tuba/eufonio no son de transposición.

Cuernos

Las trompas son el miembro original de los metales de la orquesta y tienen dos sabores: la
trompa natural y la trompa con válvula. La trompa con válvula es ahora el estándar de la orquesta
moderna y es el único tipo que discutiré aquí. La gama es amplia como se ilustra a continuación.

Las notas del pedal pueden ser difíciles de ejecutar y se aconseja discreción al anotar las
partes que las usan o al escribir pasajes más rápidos en el registro inferior. También deben evitarse,
si es posible, los pasajes sostenidos en el registro superior o, al menos, deben ir acompañados de
suficientes períodos de descanso. La mitad inferior de la gama suena profunda y rotunda, el registro
medio tiene ese sonido de "héroe" y el registro superior tiene un claro brillo. Las cuatro trompas de
una orquesta se dividen normalmente en pares, un par para las partes bajas y el otro para las altas.
Deben evitarse los saltos de intervalo grandes y los saltos extremos en diferentes registros, así como
las carreras rápidas que no son idiomáticas.

El sonido de las bocinas puede ser alterado de muchas maneras con la mano que sobresale la
campana o con sordinas fabricadas que pueden ser insertadas. La trompa también puede realizar
matices como un "rip" que es un rápido ascenso a una nota a través de la serie de sobretonos o tocar
"cuivré" soplando más fuerte con más tensión en los labios para hacer vibrar el metal, o "bouché"
que es tocar con la mano detenida en la campana.

Trompetas

De la familia de las trompetas, hay muchas variedades como la trompeta piccolo, la trompeta
en Do, Re y Sib, las trompetas bajas, la corneta y el flugelhorn. Sin embargo, aquí sólo nos
ocuparemos de la trompeta. La trompeta en Do y Sib tiende a ser empleada en la orquesta de hoy
sobre la trompeta en Fa que se usaba en la música clásica anterior debido al equilibrio - la trompeta
en Fa, aunque, resonando, puede llevar el sonido demasiado. El rango para la trompeta C se muestra
a continuación

Aunque algunos jugadores son capaces de tocar más alto que esto, el Do alto debe seguir siendo el
límite al componer y anotar las partes de trompeta. Es el miembro soprano de los metales. Por
debajo del Do bajo el sonido puede ser un poco apagado, pero los registros restantes tienen un
sonido muy claro y brillante que puede atravesar la orquesta muy eficazmente (demasiado
eficazmente si no se tiene cuidado). El registro medio ofrece la región más segura de tocar con la
mayor cantidad de control posible. Es un instrumento brillante y la dinámica silenciosa no es fácil,
pero es manejable por trompetistas más capaces. Naturalmente, el registro más alto no puede ser
tocado en silencio. Las articulaciones del staccato son más próximas a la trompeta y puede
considerarse uno de los instrumentos más ágiles de las secciones de metal.
Trombones

El trombón es un instrumento de metal sin válvula. El tono se altera ajustando la longitud de

dos tubos conectados en forma de U. La orquesta actual suele utilizar dos trombones tenor y un
trombón bajo, sin embargo, el trombón alto ha hecho su aparición y uno debe ser consciente de su
uso.

El sonido de un trombón es un tono muy fuerte y terrenal que puede ser majestuoso o sonoro
o sombrío dependiendo de la calidad requerida y la dinámica utilizada. Es posible que se toquen
notas más altas que el Sib pero es muy difícil y no debe esperarse de todos los trombonistas. El
trombón bajo tiene una afinación muy parecida a la del trombón tenor, sin embargo, tiene una
calidad ligeramente diferente a la del trombón grande y al tamaño de la campana. Sus notas más
bajas resuenan mucho más fuerte que las del trombón tenor.

Las lenguas simples, dobles y triples son todas posibles, pero son más difíciles de ejecutar
las articulaciones que en la trompeta debido a que la boquilla es más grande y estas articulaciones
no son tan eficaces en el registro inferior. Una característica que es única del trombón entre los
metales es su capacidad de realizar un glissando natural (microtonal) hacia arriba o hacia abajo. Esta
técnica se ha convertido en algo demasiado común y su uso debe hacerse con gusto.

Tuba

La tuba es una adición relativamente nueva a la orquesta, empleada (y concebida) por

primera vez por Wagner. Era para sostener las trompas y proporcionar el bajo para las trompetas y
los trombones. Toda una familia de tubas fueron usadas en su composición El Anillo, pero fuera de
la música de Wagner, la necesidad de una familia entera de tubas es raramente requerida. Las tubas
en Do y doble Sib son los instrumentos más comunes en la orquesta hoy en día. Son instrumentos
no transpirables - las clasificaciones se refieren a la gama de instrumentos, no a la clave.

A pesar de cierta lentitud en el rango inferior extremo, la tuba puede ser bastante ágil y
producir un buen rango dinámico pero, de nuevo, se debe considerar la posibilidad de períodos de
descanso debido a la cantidad de aliento que se requiere para tocar este, el instrumento más grande
de la familia de los metales. El instrumento ha sido estereotipado por su uso en bandas de música
militares y de festivales, pero el instrumento puede producir de hecho sonidos muy líricos y
melódicos, así como un soporte mixto para la orquesta. Mientras que las técnicas de doble y triple
lengüeta o aleteo son raramente encontradas para la tuba debido a la gran boquilla y la soltura
requerida de los labios, no es decir que estas técnicas sean imposibles - sólo que no son usuales. La
tuba tenor de Wagner tiende a ser reemplazada por un instrumento relacionado con la tuba llamado
eufonio, aunque no es el instrumento más comúnmente llamado. Su alcance es el mismo que el del
trombón bajo.
Percusión

El uso de la percusión en la orquesta y la música clásica es en realidad una adición reciente.

Se usaba muy poca percusión en los siglos XVII y XVIII. Sin embargo, con su creciente uso en la
música orquestal, se ha incrementado el número de instrumentos de percusión utilizados. Por lo
tanto, no voy a empezar a describir todos los instrumentos de percusión utilizados, sería como tratar
de describir todos los instrumentos que uno puede encontrar en una cocina.

Sin embargo, los instrumentos pueden agruparse en las siguientes clasificaciones,

subdividiéndose la clasificación en los de tono definido o indefinido.
• Idiofonos - sonidos producidos por la vibración de todo su cuerpo, generalmente a través de
golpes.
por ejemplo, triángulo, campana, bloque de madera, címbalos y gongs, campanas, vibráfono,
xilófono, celesta
• Memranófonos - también conocido como "tambor", el sonido producido por la vibración de una
membrana al ser golpeada.
por ejemplo, timbales, caja y bombo, bongos, pandereta, tabla, cuica
• Los cordáfonos - producen el sonido por la vibración de una cuerda cuando están atascados y
están todos afinados
por ejemplo, cimbalón, dulcimer (técnicamente piano, clavicémbalo y guitarra son ejemplos)
• Los aerófonos producen sonido cuando el viento sopla a través de ellos como el viento de
madera y el latón.
por ejemplo, silbatos, sirenas

Los timbales son el instrumento de percusión más importante y antiguo de la orquesta y a

veces se consideran miembros separados de la orquesta. Normalmente se utilizan cuatro timbales
para cubrir los rangos; 30'', 28'', 25'', 23''. Estos tambores pueden afinarse, lo que solía hacerse antes
de una actuación, poniendo a disposición sólo ciertos tonos. Hoy en día, un pedal permite cambiar
el tono de forma rápida y sencilla para que todos los tonos estén disponibles durante una actuación.
Son el instrumento de percusión más versátil - pueden ser golpeados con varios mazos diferentes
para producir diferentes sonidos y las notas pueden ser tocadas individualmente o pueden ser
rodadas, incluso se puede interpretar el glissandi. Además, el rango dinámico es vasto, desde un
delicado pianissimo hasta un atronador fortissimo. Los siguientes membranófonos que se escuchan
con más frecuencia son el tambor con bordón y el bombo.

Los idiófonos de tono que se usan comúnmente incluyen el xilófono, el vibráfono y el

glockenspiel. El xilófono fue el primer idiófono de mazo que se convirtió en un residente
permanente de la orquesta. Consiste en una serie de bloques de madera que se disponen y afinan en
forma de teclado, abarcando cuatro octavas y las notas de las barras de madera se amplifican a
través de un resonador. El sonido es inconfundible, a menudo utilizado como sinónimo de un
esqueleto cómico, o como sonaría si se tocara una melodía utilizando la caja torácica de la Parca.
Estrechamente relacionado con el xilófono está la marimba pero el sonido es más profundo. Similar
al xilófono en su construcción es el glockenspiel, su diferencia esencial es que las barras están
hechas de metal en vez de madera, creando un sonido completamente diferente, como el de una caja
de música. El sonido se transmite tan bien, que se puede escuchar sobre la orquesta tocando tutti
(todos los instrumentos juntos). El sostenimiento es más largo que el xilófono o la marimba. Los
vibráfonos son similares al glockenspiel pero tienen un motor que puede añadir un vibrato a las
notas tocadas. También son comunes los carillones orquestales, que son un conjunto de tubos
metálicos cilíndricos que se afinan. A menudo se llaman campanas tubulares.

La orquesta es el conjunto musical más amplio y diverso de la música occidental y, aunque

la instrumentación clave que constituye el núcleo de la orquesta ha sido discutida aquí, hay muchos
aspectos de la instrumentación y las diversas familias que no he mencionado. El mejor punto de
partida para apreciar la orquestación y su instrumentación es escuchando e identificando elementos
de la música que van desde el Barroco hasta las partituras de las películas actuales. Sin embargo,
existe una amplia literatura sobre el tema para su lectura y los compositores han dado ejemplo de
determinados instrumentos a través de sus obras. Para empezar, escuchen Pedro y el lobo de
Prokofiev, el Carnaval de los animales de Saint-Saen y la Guía de la orquesta de Britten.