ARQUITECTURA

POSMODERNA
Se conoce como arquitectura posmoderna a una tendencia arquitectónica que se
inicia en los años 1950, y comienza a ser un movimiento a partir de los años 1970,
continuando su influencia hasta nuestros días. El posmodernismo se dice que está
anunciado por el regreso de "el ingenio, el ornamento y la referencia" de la
arquitectura, en respuesta al formalismo causado por el Estilo Internacional del
movimiento moderno. Al igual que con muchos movimientos culturales, algunas de
las ideas más pronunciadas y visibles del posmodernismo se pueden ver en la
arquitectura. Las formas y espacios funcionales y formalizados del estilo moderno
se sustituyen por diversas estéticas: los estilos colisionan, la forma se adopta por
sí misma y abundan las nuevas formas de ver estilos familiares y espacios. Quizás
siendo lo más obvio, los arquitectos redescubrieron el valor expresivo y simbólico
de los elementos arquitectónicos y las formas que se habían desarrollado través
de siglos de construcción, que habían sido abandonados por el estilo moderno.
La arquitectura posmoderna también es definida como "neoecléctica" donde la
referencia y el ornamento han vuelto a la fachada, en sustitución de los estilos
agresivos modernos sin ornamentos. Este eclecticismo se combina
frecuentemente con el uso de ángulos no ortogonales y superficies inusuales. Las
más destacadas en estos aspectos son la Nueva Galería Estatal de Stuttgart de
James Stirling y la Piazza d'Italia de Charles Willard Moore. El Edificio del
Parlamento de Escocia en Edimburgo también se han citado como de moda
posmoderna.

ORIGENES
El movimiento postmodernista comenzó en Estados Unidos alrededor de los años
1960 y 1970, luego extendiéndose a Europa y el resto del mundo, siguiendo activo
hasta el presente. Según Charles Jencks el fin simbólico del Movimiento Moderno
y el tránsito al posmodernismo se produjo a las 15:32 del 15 de julio de 1972,
cuando el complejo habitacional Pruitt-Igoe en St. Louis (una versión premiada de
la «máquina para la vida moderna» de Le Corbusier) fue dinamitada por
considerárselo un lugar inhabitable. Los objetivos de la posmodernidad o
modernismo tardío comienza con su reacción al modernismo, intentando abordar
las limitaciones de su predecesor. La lista de objetivos se amplía para incluir la
comunicación de ideas con el público a menudo de manera humorística o
ingeniosa. A menudo, la comunicación se realiza al citar extensamente pasados
estilos arquitectónicos, a veces muchos de estos a la vez. Desprendiéndose del
modernismo, también se esfuerza para construir edificios que son sensibles al
contexto dentro del cual están construidos.
El posmodernismo tiene su origen en la carencia constatada de la arquitectura
moderna. Su preocupación por el funcionalismo y la construcción económica
significó que los ornamentos fueran eliminados y los edificios estaban cubiertos
con un aspecto racional y austero. Muchos consideraron a las construcciones no
para satisfacer la necesidad humana para la comodidad tanto para el cuerpo como
para la vista, ese modernismo no tuvo en cuenta el deseo de belleza. El problema
se agravó cuando algunos bloques de apartamentos que ya monótonos se
degeneraron en barrios marginales. En respuesta, los arquitectos buscaron
reintroducir el ornamento, el color, la decoración y la escala humana a los
edificios. La forma ya no se define únicamente por sus requisitos funcionales o
mínima apariencia.

CARACTERISTICAS
Los objetivos de la posmodernidad, incluyen la resolución de los problemas del
Modernismo, la comunicación de los significados con ambigüedad, y la
sensibilidad para el contexto de la construcción, están sorprendentemente unidos
por un período de edificios proyectados por arquitectos que nunca colaboraron en

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gran medida entre sí. Los objetivos, sin embargo, dejan espacio para diversas
implementaciones que pueden ser ilustradas por los diversos edificios creados
durante el movimiento. La característica del postmodernismo permite su propósito
de ser expresado de diversas maneras. Estas características incluyen el uso de
formas esculturales, adornos, antropomorfismo y materiales que llevan a cabo un
trampantojo. Estas características del significado son el pluralismo, la doble
codificación, los arbotantes y los techos altos, la ironía y la paradoja, y el
contextualismo.

Las formas esculturales, no necesariamente orgánicas, se han creado con mucho

ardor. Estos se pueden ver en el Museo Abteiberg(1972-1982) de Hans Hollein. El
edificio se compone de unidades de construcción diversas, todas muy diferentes.
Las formas de cada edificio no son como las que conforman rígidas el
modernismo. Estas formas son esculturales y son un poco juguetonas. Las
mismas no se reducen a un mínimo absoluto, sino que se construyen y se forman
por sí mismas. Las unidades de construcción encajan entre sí de una manera muy
orgánica, que realza el efecto de las formas.

Después de muchos años de abandono, el ornamento retorna. La Venice Beach

house de Frank Gehry construida en 1986, está llena de pequeños detalles
ornamentales que se han considerado excesivos e innecesarios en el
modernismo. La Venice Beach House cuenta con un conjunto de troncos
circulares existentes principalmente para la decoración. Los troncos en la parte
superior tienen un propósito menor de sostener los cubre ventanas. Sin embargo,
el mero hecho de que podría haber sido sustituido por un clavo prácticamente
invisible, hace que su existencia principalmente ornamental. El ornamento en el
Edificio de Servicios Municipales de Portland (Edificio Portland) (1980) es aún más
prominente. Las dos formas triangulares impulsadas hacia afuera son
principalmente ornamentales. Existen por razones estéticas o de objetivo propio.
El posmodernismo, con su sensibilidad al contexto de la construcción no excluye
las necesidades de los seres humanos con respecto a la construcción. El
Cementerio Brion (1970-72) de Carlo Scarpa ejemplifica esto. La necesidad de
recursos humanos de un cementerio es que posee un carácter solemne, sin
embargo, no debe hacer que el visitante se deprimen. El cementerio de Scarpa
logra el estado de ánimo solemne con los colores desvaídos de gris de las
paredes y las formas perfectamente definidas, pero la hierba de color verde
brillante impide que esto sea demasiado abrumador.

Construcciones posmodernas en ocasiones utilizan trampantojos, creando la

ilusión de espacio o de profundidad donde no existen realmente, como se ha
hecho por los pintores desde los romanos. El edificio Portland (1980) tiene pilares

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representados en el lado del edificio que hasta cierto punto parecen ser reales,
pero no lo son.

El museo de arte Hood (1981–1983) cuenta con una típica fachada simétrica, que
fue en el momento prevalente en todo el edificio posmoderno.

La Vanna Venturi House (1962–64) de Robert Venturi ilustra el objetivo

posmodernista de comunicar un significado y las características de simbolismo. La
fachada es, según Venturi, una imagen simbólica de una casa, mirando hacia
atrás al siglo XVIII. Esto se consigue en parte mediante el uso de simetría y el arco
sobre la entrada.

Quizás el mejor ejemplo irónico en las construcciones posmodernas es la Piazza

d'Italia (1978) de Charles Moore. Moore cita (arquitectónicamente) los elementos
del Renacimiento italiano y de la Antigüedad romana. Sin embargo, lo hace con
una torcedura. La ironía llega cuando se observa que los pilares están cubiertos
con acero. También es paradójico en la forma en que cita a la antigüedad italiana
lejos de la original de Nueva Orleans.

La codificación doble da significado a las construcciones de transmitir significados

de manera simultánea. El Edificio Sony en Nueva York hace esto muy bien. El
edificio es un rascacielos que lleva consigo connotaciones de una tecnología muy
moderna. Sin embargo, la parte superior contradice esto. La sección superior
transmite los elementos de la antigüedad clásica. Esta doble codificación es un
rasgo predominante de la posmodernidad.
Las características de la posmodernidad se unificaron en lugar teniendo en cuenta
sus diversas apariciones. El más notable entre sus características son sus lúdicas
formas extravagantes y el humor de los significados que se transmiten en las
edificaciones.

APORTES
Resolución de los problemas del Modernismo, la comunicación de los significados con
ambigüedad, y la sensibilidad para el contexto del la construcción, están sorprendentemente
unidos por un período de edificios proyectados por arquitectos que nunca colaboraron en gran
medida entre sí. Los objetivos, sin embargo, dejan espacio para diversas implementaciones
que pueden ser ilustradas por los diversos edificios creados durante el movimiento. Las
características del postmodernismo permite su propósito de ser expresado de diversas
maneras. Estas características incluyen el uso de formas esculturales, adornos,
antropomorfismo y materiales que llevan a cabo un trampantojo. Estas características del
significado son el pluralismo, la doble codificación, los arbotantes y los techos altos, la ironía y
la paradoja, y el contextualismo.
Las formas esculturales, no necesariamente orgánicas, se han creado con mucho ardor. Estos

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SIMBOLISMO
Se pueden ver en el Museo Abteiberg(1972-1982) de Hans
Hollein. El edificio se compone de unidades de construcción
diversas, todas muy diferentes. Las formas de cada edificio no
son como las que conforman rígidas el modernismo. Estas
formas son esculturales y son un poco juguetonas. Las
mismas no se reducen a un mínimo absoluto, sino que se
construyen y se forman por sí mismas. Las unidades de
construcción encajan entre sí de una manera muy orgánica,
que realza el efecto de las formas.

ARQUITECTOS
Diana Agrest
BIBLIOGRAFIA
Una arquitecta, ensayista y documentalista argentino-estadounidense. Es
reconocida por su enfoque único e innovador de la teoría y la práctica de la
arquitectura y el urbanismo. Desde el comienzo de su carrera, cuando todavía era
estudiante en Buenos Aires, empezó a desarrollar un trabajo crítico acerca del
discurso urbano como consecuencia de la ineficacia de las teorías y modelos
existentes de diseño urbano, y la necesidad de encontrar maneras alternativas de
pensar la ciudad en relación con su práctica. Como resultado, desarrolló un trabajo
crítico, tanto en la teoría como en la práctica. Desarrolló su trabajo a través de la
escritura de ensayos teóricos, de su propio trabajo como arquitecta y de la
enseñanza. Estuvo a la vanguardia de un enfoque posestructuralista como una
herramienta para el repensar crítico de la arquitectura, y en particular de la ciudad
y el urbanismo.En 1967 el grupo se separaría. Rogers se asoció entonces con el
italiano Renzo Piano, con quien construiría el famoso y polémico Centro Georges
Pompidou en 1971. En este edificio, la estructura y las instalaciones discurrían por
el exterior, dejando completamente diáfanos los espacios interiores.
Actualmente, es el director para la arquitectura y el urbanismo del Greater London
Authority. Milita activamente en el partido laborista británico.

TRABAJO ACADÉMICO
En 1972 y 1973 obtuvo ―tras una selección competitiva― su primer puesto
docente en la Escuela de Arquitectura y Planeamiento de la Universidad de

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Princeton como profesora a tiempo completo. Fue la primera arquitecta mujer que
dio clases en esa universidad. Enseñó tanto estudio de diseño como clases
teóricas y seminarios, entre los que fue notorio el influyente «La práctica teórica de
la arquitectura». En 1972 se convirtió en miembro del IAUS (The Institute for
Architecture and Urban Studies: Instituto de Arquitectura y Estudios Urbanos) de
Nueva York, donde permaneció doce años como becaria, hasta 1984. En el IAUS
hizo la investigación sobre el concepto de lugar financiada por el NIMH (National
Institute of Mental Health: Instituto Nacional de Salud Mental) y enseñó en el
Programa de Licenciatura en Educación Arquitectónico, donde estuvo a cargo de
la orientación pedagógica de los estudios de diseño.
En 2001 fue candidata al decanato de la Facultad de Arquitectura de la Cooper
Union, pero se retiró como semifinalista.

OBRAS REPRESENTATIVAS

 John and Mary Pappajohn Sculpture Park, en Des Moines (Iowa)

 Des Moines Vision Plan, segunda fase.6
 Green Belt, en South Amboy (Nueva Jersey)
 Liberty Harbor Market Square, en Jersey City
 International Film Center, en Shanghái (China)
 Diseño urbano y plan maestro para la urbanización Xu Jia Hui, de 13 km2,
en Shanghái (China)
 Manhattan West, plan urbanístico para el West Side de Manhattan (Nueva
York)
 Plan mastro para el Renault Trapeze Site, de 0,61 km2, en Boulogne
Billancourt (Francia)
 Breukelen Community Center, en Brooklyn (Nueva York)
 Complejo campestre (farm complex) en José Ignacio (Uruguay)
 Complejo campestre (farm complex), renovación y adiciones, en Sagaponack
(Nueva York).
 Shingle-Schinkel Holiday House (1981-1982).4
 Edificio Medrano 172. en Buenos Aires, Argentina (1977)

CONFERENCIAS

Agrest ha tenido una pasión por el cine desde hace mucho tiempo y ha
desarrollado un enfoque de la arquitectura urbana basada en gran parte en el cine
y en la teoría del cine. Ella fue la primera en llevar este tema a la luz en el marco
de la arquitectura como un tema teórico fundamental. en 1973 presentó en
Berkeley este trabajo como Design vs. non-design: a problem in the re-definition of

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architecture (‘el diseño contra el no diseño: un problema en la redefinición de la
arquitectura’). Posteriormente se publicó como «Design vs. non design», en la
revista Oppositions, 6 (1976).10 El tema del cine y la ciudad ha sido objeto de una
serie de ensayos, así como una importante herramienta en su enseñanza.4
Basándose en su trabajo teórico sobre el tema, en 1993 el Museo Whitney de Arte
Estadounidense le solicitó que creara un programa ―patrocinado por el museo, la
Fundación Rockefeller y la Universidad de Nueva York― acerca del cine y la
ciudad. Como resultado de ello, creó y dirigió Framing the city: film, video, urban
architecture (‘el enmarcado de la ciudad: cine, video, arquitectura urbana’), donde
desarrolló un enfoque de la arquitectura urbana mediante el cual la película se
utiliza en su relación con la ciudad mediante la producción de «lecturas
cinematográficas» de la ciudad, como punto de partida para la producción de la
forma urbana. Ella ha aplicado este enfoque de desarrollo y comprensión del
discurso urbano en sus estudios de diseño, ampliando así las limitaciones de la
teoría y la práctica del diseño urbano.

Como cineasta escribió y dirigió el documental The making of an avant-garde©:

The Institute for Architecture and Urban Studies, 1967-1984 (‘cómo se hizo un
avant-garde: el Instituto de Arquitectura y Estudios Urbanos, 1967-1984’), que tuvo
su primera proyección privada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en
2012.

Uno de sus últimos proyectos recientes han sido honrados con el Premio a la
Excelencia por parte del Estado de Nueva York, es el centro de la comunidad de
Melrose, Nueva York.

REPRESENTACIONES, PUBLICACIONES y TEORIAS

 Libros de Diana Agrest

 «La lectura del sistema» (con Mario Gandelsonas), en el catálogo de

exhibición Proceso a la imagen: recorrido conceptual; elementos para una
reflexión activa. Buenos Aires: Galería Carmen Waugh, diciembre de 1970
 «Critical remarks on semiology and architecture», artículo en la
revista Semiótica, IX, págs. 252-271, 1972.
 «Design vs. non design», en la revista Oppositions, n.º 6, 1976.
 A romance with the city: the work of Irwin S. Chanin. Nueva York: The
Cooper Union, 1982.
 Monuments and places; the photographic work of Roberto Schezen, Rizzoli,
1987

TEORIA | 12/02/2019
 Architecture from without: theoretical framings for a critical practice, MIT
Press, 1991 (publicado en japonés por el Kajima Institute).
 Agrest and Gandelsonas works. Nueva York: Princeton Architectural Press,
1995.
 Agrest/Conway/Weisman (eds.): The sex of architecture. Harry N. Abrams,
320 páginas, 1996.1 Por este libro ganó el premio International Book Award de
la AIA (American Institute of Architects: Instituto Estadounidense de
Arquitectos).
 «Two pavilion house», en la revista Lotus International, 44, págs. 51-54,
1984
 «Shingle Schinkel», en la revista Lotus International, 44, págs. 55-57, 1984.
 Sus trabajos y ensayos se presentan en libros y
enciclopedias, incluyendo:

 «Deep Ellum, Dallas, Texas», en la revista Lotus International, 50, págs. 47-

57, 1986.
 «Agrest and Gandelsonas», artículo en la revista Architecture Digital, págs.
20-21, 1991.
 Contemporary american architects, volumen II. Alemania: Benedikt Taschen
Verlag GmbH, primavera de 1996.
 Hughes, Francesca (ed.): The architect: redefining her practice. MIT Press
1996.
 Vercelloni, Mateo (ed.): New American Houses. Italia: Edizioni L’Arcivolto,
1997.
 Hays, K. Michael (ed.): Architecture theory since 1968, MIT Press, 1998.
 Hayes, K. Michael (ed.): Oppositions reader. Nueva York: Princeton
Architectural Press, 1998.
 Dictionnaire encyclopedie de l’architecture du XX siecle. París: Hazan,
1998.
 Jodidio, P. (ed.): American architecture 2. Taschen, 1998.
 Allen, Stan (ed.): Practice, architecture, technique, and
representation. Newark (Nueva Jersey): G+B International Publishing Group,
1999.
 Hodge, Brooke: Not architecture but evidence that it exists: Lauretta
Vinciarelli’s watercolors. Nueva York: Princeton Architectural Press, 1999.15
 White, Norval, y Elliot Willensky: AIA guide to New York City. Nueva York:
Three Rivers Press, 2000.
 Grey, Susan (ed.): Architects on architects. Wiley and Sons, 2001.
 Balfour, Allan: World cities: New York. Inglaterra: Academy Editions, 2001.
 Balfour, Allan: New York architects. Wiley and Sons, 2002.
 Schezen, Roberto; y Michael Webb: Beach houses. HarperCollins, 2002.
 Harris, Bill; Jorg Brockmann; y Judith Dupre (eds.): 1000 New York
buildings. Nueva York: Black Dog & Leventhal Publishers, 2002.

TEORIA | 12/02/2019
 Encyclopedie de l’architecture du XX siecle. París: Hazan, 2003.
 Encyclopedia of twentieth century architecture. Nueva York: Routledge,
2003.
 Chinese architecture highlights, 2005.
 Freireiss, Kristin: Informal city. Prestel, 2005.
 A guide to contemporary architecture in America, volumen 2. Tokio: Toto,
2006.
 Stern, Fishman, y Tilove: New York 2000: architecture and urbanism from
the bicentennial to the millennium. The Monacelli Press, 2007.
 Gössel, Peter: Modern architecture A-Z. Benedikt Taschen GmbH, 2007.

PREMIOS

 Premio Excellence in Design Awards, de la AIA (American Institute of

Architects: Instituto Estadounidense de Arquitectos) del Estado de Nueva York
 Premio Excellence in Design Awards, del capítulo de la AIA correspondiente
a la ciudad de Nueva York
 The Masterwork Award, de la Sociedad Municipal de Arte al mejor edificio
en la ciudad de Nueva York
 Premio «Award of Merit» de la Society of Registered Architects (Sociedad
de Arquitectos Registrados), capítulo Nueva York.
 En 2008 fue convertida en miembro de la AIA (American Institute of
Architects: Instituto Estadounidense de Arquitectos).

 En dos oportunidades (2004 y 2009) ha recibido becas de la Fundación

Graham.
 En 2005 y 2009 obtuvo subvenciones del New York State Council on the
Arts (Consejo de las Artes del Estado de Nueva York),
 En 2006 obtuvo la beca AIA Brunner Grant.
 Dos veces obtuvo fondos de donantes privados para su película
documental The Making of an Avant-Garde: The Institute for Architecture and
Urban Studies (1967-1984).
 En 1996 recibió el AIA International Book Award (Premio Internacional del
Libro de la Asociación de IA) por el libro The sex of architecture.
 Fue nominada para el Premio Chrysler en 1997, 1999 y 2001.
 Fue nominada para el premio de la Academia Estadounidense de las Artes
y las Letras en 1991, 1992 y 1993.
 En 1967 recibió una beca del Gobierno francés para estudiar dos años en
París.

TEORIA | 12/02/2019
OPINION
Agrest fue un arquitecto que de demostró y
innovo en muchos aspectos en cuanto a lo
tecnológico en la arquitectura hablamos, refleja su
pasión y el concepto de edificio como maquina.
Es entusiasta y enfoca sus espacios para crear
lugares con una vista agradable para la gente

Gae Aulenti
BIBLIOGRAFIA
Gaetana Aulenti (Palazzolo dello Stella, Udine, 1927 - Milán, 31 de octubre de
2012) fue una arquitecta italiana. Aulenti es una de las pocas mujeres que han
dejado una profunda huella, a veces polémica, en la arquitectura internacional, así
como en la escenografía teatral y en el diseño industrial.

Su padre era contador, hijo de un maestro de la escuela de Trani y su madre,

napolitana, hija de un médico que enseñaba en Palermo. Aulenti asiste al Liceo

TEORIA | 12/02/2019
artístico de Florencia, pero a causa de la Guerra debe retornar al norte, donde
presta pequeños servicios a la Resistencia.3
En 1954 se licencia en la Facultad de Arquitectura del Politécnico de Milán, y
empieza su decenal colaboración con la redacción de la revista Casabella dirigida
por Ernesto Nathan Rogers. Entre otras actividades fue miembro del Comité de
Dirección de la revista Lotus International desde 1974 hasta 1979. A lo largo de
casi 60 años de carrera, Aulenti trabajó de forma independiente en proyectos de
arquitectura, diseño industrial, diseño de interiores e incluso escenografía teatral.
Luego de obtener el título de Doctora, dio clases en la Escuela de Arquitectura de
Venecia desde 1960 hasta 1962 y en la Escuela de Arquitectura de Milán desde
1964 hasta 1967.
OBRAS REPRESENTATIVAS

 1960 : Recorrido de ingreso al Parque Sempione para la XII Trienal de

Milán
 1965 : Showroom de Olivetti en París
 1968 : Showroom de Olivetti en Buenos Aires
 1970 : Casa de un coleccionista - Reestructuración del departamento
de Gianni Agnelli en Milán
 1973 : Residencia privada en Pisa
 1975 : Residencia privada en Parma
 1980/86 : Recualificación de la Gare d'Orsay y acondicionamiento
del Museo d'Orsay, París
 1982/85 : Acondicionamiento interior del Museo Nacional de Arte Moderno
en el Centro Georges Pompidou, París
 1985/2004 : Museo nacional de Arte de Cataluña, Barcelona
 1985/86 : Reestructuración del Palazzo Grassi, Venecia

CONFERENCIAS
Además le fueron concedidos los siguientes honores:

 Caballero de la Legión de Honor (Francia), 1987

 Medalla de oro Benemérito de la cultura y del arte, 28 de marzo de 199414
 Dama de la Gran Cruz de la Orden al Mérito de la República Italiana, 6 de diciembre
de 199515
 Sigillo Longobardo otorgado por la Lombardía 27 de abril de 1999

REPRESENTACIONES, PUBLICACIONES y TEORIAS

Algunas palabras aclaran su actitud:

TEORIA | 12/02/2019
Aspiro a una dignidad idéntica a la del arquitecto del siglo XVI, en tanto diseñador:
el arquitecto como 'machinatore' que inventa y proyecta hasta los útiles para hacer
lo que concibe.

PREMIOS

 Fue nombrada Miembro honorario del Instituto Americano de Arquitectura en 1990

 En 1991 recibió el Premio Imperial otorgado por la Japan Art Association (Tokio,
1991).11
 Recibió el título honorario en Bellas Artes en la Rhode Island School of
Design (Providence, 2001).
 En 2007 le fue otorgado ex aequo el Marble Architectural Awards 2007 junto a Renzo
Piano12
 En 2012, recibió la Medalla de Oro de la Trienal de Milán por su trayectoria artística en
reconocimiento a su posición como uno de los maestros del diseño italiano junto a Vittorio
Gregotti y a Maria Giuseppina Grasso Cannizzo.13

OPINION
Aulenti es una de las pocas mujeres que han dejado una profunda huella, a veces
polémica, en la arquitectura internacional, así como en la escenografía teatral y en
el diseño industrial.

Ricardo Bofill
Ricardo Bofill Leví (Barcelona, 5 de diciembre de 1939) es un arquitecto
postmodernista español.

Nacido en Barcelona, estudió en la Escola Virtèlia y después en la Escuela

Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona, de donde fue expulsado el 1957
por sus actividades políticas. Prosiguió sus estudios en la Escuela de Arquitectura
de Ginebra, Suiza.

TEORIA | 12/02/2019
En 1963, fundó un grupo formado por arquitectos,
ingenieros, sociólogos y filósofos, sentando las
bases para lo que hoy es el "Ricardo Bofill Taller de
Arquitectura”, equipo internacional con más de 40
años de experiencia en diseño urbano,
arquitectura, diseños de parques y jardines, y
diseño de interiores. Con este equipo Bofill abordó
proyectos de diversa naturaleza en diferentes
partes del mundo, adaptándolos a las realidades
culturales de cada lugar. En 1978 abrió un segundo
despacho en París.
PREMIOS
A lo largo de su carrera, Bofill ha recibido numerosos premios y reconocimientos,
entre ellos la Creu de Sant Jordi en 1973 que otorga la Generalitat de Catalunya.
En 1985 fue elegido miembro honorario del Instituto Americano de Arquitectos.
Bofill es Doctor Honoris Causa por la Universidad de Metz, Francia (1995), y
Officier de l’Ordre des Arts et des Lettres, del Ministerio de Cultura de Francia
(1988). Es miembro del jurado de Premio Internacional Cataluña.

 W Barcelona hotel (También conocido como Hotel Vela), (Barcelona Port, España),

2009
 Citadel Center (Chicago, Estados Unidos), 2003
 Cartier - Sede Principal (París, Francia), 2003
 Edificio Shiseido (Tokio, Japón), 2001
 Centro Cultural Miguel Delibes (Valladolid, España), 2001
 Corso, Praga (República Checa), 2000
 Weidert Complejo Residencial (Luxemburgo), 1999
 Casablanca Twin Center (Marruecos), 1999
 Teatro Nacional de Cataluña (Barcelona, España), 1997

Ricardo Bofill Taller de Arquitectura es estudio internacional de prestigio en el

campo de la arquitectura, la planificación urbana y el diseño. Su oficina principal
se encuentra en Barcelona y fue fundada en 1963 junto a músicos, poetas,
arquitectos y fotógrafos, que buscaban cambiar la arquitectura, haciendo
investigaciones y buscando alternativas de viviendas sociales. En el equipo inicial
estaban Anna Bofill, su hermana, Salvador Clotas, Ramón Collado, José Agustín
Goytisolo, Joan Malagarriga, Manuel Núñez Yanowsky, Dolors Rocamora y
Serena Vergano.

Organización

TEORIA | 12/02/2019
El equipo está dirigido por Ricardo Bofill y sus dos socios, Peter Hodgkinson y
Jean-Pierre Carniaux. Actualmente cuenta con una plantilla de alrededor de 60
personas de 12 nacionalidades diferentes, incluyendo urbanismo, arquitectos,
investigadores, diseñadores, maquetistas, diseñadores de interiores y de
mobiliario y diseñadores gráficos que trabajan en estrecha colaboración.

Aeropuerto de Barcelona T1.

Sede de United Airlines and United Continental Holdings.

Diseño urbano
La firma es responsable de destacados proyectos de diseño urbano, como la
Place de l'Europe (Luxemburgo), Nova Karlin (Praga), Port Praski (Varsovia),
Nueva Castellana (Madrid), nuevo frente marítimo de Tarragona, Nova Bocana
(Barcelona), el primigenio proyecto de Puerto Triana (Sevilla), Arteria Central
(Boston) y la remodelación de Kobe en Japón. Antígon, en Montpellier, Francia (4
millones de metros cuadrados construidos) es todo un barrio que ha sido diseñado
y construido por el Taller de Arquitectura durante veinte años. Estos proyectos se
basan en la convicción que la ciudad debe estar formada por calles y plazas, en
oposición al modelo adoptado en la construcción de bloques aislados separados
por amplios espacios abiertos. El modelo resultante es el de una ciudad
mediterránea sostenible, con espacios públicos bien definidos, y en el que sus
habitantes tienen todos los servicios básicos a una distancia razonable de sus
casas.

Edificios públicos
En el ámbito de las grandes infraestructuras del transporte, el Taller de
Arquitectura diseñó en 1991 la ampliación y la remodelación del Aeropuerto de
Barcelona (ahora conocida como Terminal 2), así como su ampliación más
reciente, la Terminal 1, terminada en 2010, que recibió el premio al Mejor
Aeropuerto del Sur de Europa.1 Otros proyectos públicos destacados incluyen el
Teatro Nacional de Cataluña en Barcelona, el Palacio de Congresos de Madrid, el
Auditorio Arsenal en Metz (Francia), la Escuela de Música de Shepherd para la
Universidad de Rice en Houston, la Villa Cultural del Prado en Valladolid, y el
Centro de Convenciones y Exposiciones de A Coruña (España).

Hoteles y centros comerciales

TEORIA | 12/02/2019
Hoteles de 5 estrellas diseñados por la firma incluyen el Shangri-la Hotel de
Pekín(China), el Costes K en París (Francia), el Colombo’s Resort en Porto Santo
(Portugal), y más recientemente el W Barcelona (España). El Taller de
Arquitectura ha completado con éxito la construcción de centros comerciales como
el Atrium Saldanha en Lisboa, Funchalcentrum (Portugal), y Lazona Kawasaki
Plaza en Tokio (Japón).

Proyectos residenciales
El Taller de Arquitectura destaca entre los estudios de arquitectura internacionales
por haber desarrollado gran parte de su actividad en proyectos residenciales,
incluyendo viviendas sociales. Ha diseñado más de 2.000 unidades de vivienda en
Francia, 1.500 en España, 400 en Suecia, 350 en los Países Bajos, también en
“Les Villes Nouvelles” en la región de París, como Les Espaces d'Abraxas en
Marne-la-Vallée, Les Arcades du Lac de Saint-Quentin-en-Yvelines, Le Belvedere
St. Christophe en Cergy-Pontoise, Echelles du Baroque (Francia), Monchyplein en
La Haya (Países Bajos) el proyecto Pa Soder, también conocido como Bagé Bofill,
en Estocolmo (Suecia), y, más recientemente, los proyectos de uso mixto en
Savona (Italia). El estudio de elementos prefabricados de hormigón o de los
moldes para encofrados in situ, motivados por la necesidad de obtener un gran
número de formas diferentes a partir de la combinación de un número muy
limitado de unidades, ha contribuido en la década de 1980 a que el Taller afirmara
la validez de las formas clásicas y la geometría en la arquitectura contemporánea.

Paisajismo
De "las ciudades jardín", a las grandes áreas urbanas verdes que se convierten en
la espina dorsal de las ciudades, el Taller de Arquitectura ha creado más de 100
diseños para parques que van de Puerto Rico a Pekín. Muchos proyectos de
paisajismo diseñados por el Taller implican la presencia del río y del mar: el tramo
de los jardines del Turia recayentes al Palau de la Música construidos sobre el
cauce del río Turia en Valencia, el diseño de las riberas del río Lez, en Montpellier,
el parque del Manzanares en Madrid, el Parque de la Riouxa en Vigo,2 etc.

CONFERENCIAS

 Ricardo Bofill Taller de Arquitectura, Projectos e edifícios. Museu Casa da Luz,

Funchal, Madeira, Portugal. Sept. 2001
 Ricardo Bofill Taller de Arquitectura. Three Cities, Three Projects. Pristasvni Gallery,
Praga, República Checa. Julio-agosto 2000

TEORIA | 12/02/2019
 Le Architetture dello spazio pubblico, Aeropuerto de Barcelona, Milano Triennale, Italia.
1997-99
 Project for Bologna Central Station, Bologna Municipality, Italia. 1995
 Ricardo Bofill Taller de Arquitectura, Cantón, China. 1993
 Architecture & Sacred Space in Modernity, Venice Biennale, Italia. 1992-93
 Ricardo Bofill Taller de Arquitectura: Memory-Future, Recent Project. The Chicago
Athaeneum, U.S.A. 1992
 Barcelona the City and the '92, Venice Biennale, Italia. 1992
 Barcelona la ciutat i el 92, IMPU, Depósito de la Aguas, Barcelona, España. 1990
 Urban Furniture, Rotterdamse Kunst Stichting, Róterdam, Holanda. 1989
 Catalonian Art in New York (Design & Arts & Fashion), Armory, Nueva York, EE.UU.
1990
 R.B.Taller de Arquitectura, Musée d'Ixelles, Bruselas, Bélgica. 1989
 R.B. Taller de Arquitectura, Stichting de Beurs Van Berlage, Ámsterdam, Holanda.
1989
 La Coruña, El Mar y la Ciudad. Palacio Municipal de Exposiciones, Kiosco Alfonso. La
Coruña, España. 1986
 R.B. Taller de Arquitectura, The City, Classicism and Technology, Max Protetch
Gallery, Nueva York NY, EE.UU. 1985
 Ricardo Bofill and Leon Krier, Architecture, Urbanism and History,5 Nueva York. 19856
 Architecture Espagnole (Années 30-80) Europalia '85, Bruselas, Bélgica. 1985
 Domaine Clos Pegase Winery Competition, San Francisco, EEUU. 1985
 Spaanse Kunst 1984, (Spanish Art), Nouvelles Images Gallery, La Haya, Holanda.
1984
 Follies: Architecture for the Late XXth Century Landscape, J. Corcoran Gallery, Los
Ángeles, New York NY, EEUU. 1984
 Follies, Ministerio de Obras Públicas y Urbanismo, Madrid, España. 1984
 Primera Semana de Video y Arquitectura, Ministerio de Obras Públicas y
Urbanismo, Madrid, España. 1984
 Arquitectura de Tierra, Palau Lonja Valencia, España. 1984
 Les Places d'Europe-Histoire et Actualité d'un Espace Public, Centro Pompidou, París,
Francia. 1984
 Image et Imaginaire de l'Architecture, Centre Pompidou, París, Francia. 1984
 Architecture et Industrie. Passé et avenir d'un mariage de raison, Centro
Pompidou, París, Francia. 1984
 Follies: Architecture for the Late XXth Century Landscape, Leo Castelli Gallery, Nueva
York, EE.UU. 1983
 El Jardí del Turia -Metamorfosi della Cittá tra Cultura e Natura- Un esempio Spagnolo,
Palazzo Braschi, Roma, Italia. 1983
 Modern Islamic Architecture, Biennale 1982, Venecia, Italia. 1982
 El Jardí del Turia, Palau Lonja, Valencia, España. 1982
 The Presence of the Past, The International Architecture Exhibition from the Venice
Biennale, Fort Mason Center, San Francisco, EE.UU. 1982
 Presence de l'Histoire, Chapelle de la Salpêtrière, París, Francia. 1981
 Projets Français 1971-1981-La Cité: Histoire et Technologie, Ecole Nationale
Supérieure des Beaux Arts, París, Francia. 1981
 Ricardo Bofill Taller de Arquitectura,78 Architectural Association, Londres, Reino Unido.
19819

TEORIA | 12/02/2019
 La Strada Novissima, Biennale 1980, Venecia, Italia. 1980
 Taller de Arquitectura, Centro de Arte y de Cultura, Buenos Aires, Argentina. 1976
 Mostra di Architettura, Biennale 1976, Venecia, Italia. 1976
 Les Halles, Hotel de la Ville, París, Francia. 1976
 La Ciudad en el Espacio, Galería Mente 4, Madrid, España. 1969
REPRESENTACIONES, PUBLICACIONES y TEORIAS
Uno de los eventos más trágicos de Europa en 2018 fue el colapso del
Puente Morandi en Génova, Italia, el 14 de agosto, que se cobró 43 vidas. Como
consecuencia del desastre, el arquitecto Renzo Piano ofreció donar el diseño de
un puente para reemplazar el anterior, después de haber sido profundamente
afectado por la tragedia.
Justo antes de fin de año, el alcalde de Génova anunció que Piano liderará el
proyecto de 200 millones de euros para el reemplazo del puente, inspirado en la
histórica importancia marítima de la localidad.

OPINION
Ricardo Bofill fue un arquitecto ue profundizo en el campo de la arquitectura, la
planificación urbana y el diseño

TEORIA | 12/02/2019