ÍNDICE INDEX

INTRODUCCIÓN INTRODUCTION 4-7

MUSEO NACIONAL DEL PRADO PRADO MUSEUM 8-9

1- Van Der Weyden, El Descendimiento de la Cruz Descent from the Cross 10-11
2- El Bosco, El Jardín de las Delicias The Garden of Earthly Delights 12-13
3- Tiziano, El Emperador Carlos V, a caballo, en Mülhberg The Emperor Charles V in Mühlberg 14-15
4- El Greco, La Anunciación The Annunciation 16-17
5- Velázquez, Las Meninas Las Meninas 18-19
6- Rubens, Las Tres Gracias The Three Graces 20-21
7- Goya, El tres de Mayo en Madrid The 3rd of May 1808 22-23
8- Sorolla, Niños en la Playa Boys on the Beach 24-25

MUSEO THYSSEN-BORNEMISZA THYSSEN-BORNEMISZA MUSEUM 26 - 27

1- Van Eyck, Díptico de la Anunciación The Annunciation Dyptich 28-29
2- Ghirlandaio, Retrato de Giovanna Degli Albizzi Tornabuoni Portrait of Giovanna Degli Albizzi Tornabuoni 30-31
3- Vittore Carpaccio, Joven Caballero en un Paisaje Young Knight in a Landscape 32-33
4- Caravaggio, Santa Catalina de Alejandría Saint Catherine of Alexandria 33-34
5- Van Gogh, “Les Vessenots” en Auvers ”Les Vessenots” in Auvers 35-36
6- Edgar Degas, Bailarina Basculando Swaying Dancer 37-38
7- Edward Hopper, Habitación de Hotel Hotel Room 39-40

8- Picasso, Arlequín con espejo Harlequin whith a Mirror 40-41

MUSEO REINA SOFÍA REINA SOFÍA MUSEUM 44 - 45

1- Juan Gris, La Botella de Anís Juan Gris, The Bottle of Anis 46-47
2- Ángeles Santos, Un Mundo Ángeles Santos, A World 48-49
3- Pablo Picasso, Guernica Pablo Picasso, Guernica 50-51
4- Salvador Dalí, Rostro del Gran Masturbador Salvador Dalí, Face of the Great Masturbator 52-53
5- Joan Miró, Hombre con Pipa Joan Miró, Man wiht Pipe 54-55
6- Lygia Clark, Bicho Deshojado Lygia Clark, Husked Creature 56-57
7- Michelangelo Pistoletto, Las Trompetas del Juicio Michelangelo Pistoletto, The Trumpets of Judgement 58-59
8- Yvonne Rainer, Trío A Yvonne Rainer , Trio A 60-61
 EL MUSEO DEL PRADO, EL THYSSEN-BORNEMISZA Y EL REINA SOFÍA THE WORKS HELD BY THE PRADO, THE THYSSEN-BORNEMISZA AND THE REINA
REÚNEN UNA DE LAS MEJORES COLECCIONES DE OBRAS DE ARTE DEL MUNDO SOFÍA MUSEUMS MAKE UP ONE OF THE WORLD’S BEST COLLECTION OF ART WORKS
A lo largo del Paseo del Prado, una de las principa- alrededor de 1.000: en ningún otro lugar del mundo The Paseo del Prado is one of Madrid’s main will you find so many works of art per square metre.
les avenidas de Madrid proyectada en el siglo XVIII encontrarás tal cantidad de obras de arte por metro avenues. It was designed in the 18th century for the
para disfrute de los ciudadanos, hoy se encuentran cuadrado. enjoyment of the city’s people, and is now home to In addition to the restaurants located in the museums
tres de las más importantes pinacotecas del mundo: three of the world’s most important museums: the themselves, you will also find multiple establishments
el Museo Nacional del Prado, el Museo Thys- Además de los restaurantes de los propios museos, Prado, the Thyssen-Bornemisza and the Reina Sofía. where you can eat and relax in the surrounding area.
sen-Bornemisza y el Museo Reina Sofía. Se trata en esta zona de Madrid encontrarás numerosos The Paseo del Arte (Art Walk), as this area is known,
de un agradable recorrido a través de la historia del establecimientos para comer y descansar. offers a pleasant stroll through the history of Western This mini-guide takes you on a tour of 24 masterpie-
arte occidental, desde la Edad Media hasta nuestros art, from the Middle Ages to present day. ces hanging in these three museums, an absolute
días. Esta mini guía te propone un recorrido por las must if you are spending a few days in Madrid.
24 obras maestras del Paseo del Arte, una visita The Reina Sofíaand Prado museums each exhibit
El Prado y El Reina Sofía exponen más de 1.500 imprescindible si has decidido pasar unos días en over 1,500 works of art, and the Thyssen-Bornemis-
obras de arte cada uno, y el Thyssen-Bornemisza Madrid. za Museum around 1,000: nowhere else in the world
4 5
 MAPA PASEO DEL ARTE IMPRESCINDIBLE PASEO DEL ARTE ESSENTIAL MAP ABONO PASEO DEL ARTE
THE PASEO DEL ARTE TICKET
28,80 €

El Abono Paseo del Arte permite hacer una visita

a cada una de las colecciones permanentes de los
tres museos (Prado, Thyssen-Bornemisza y Reina
Sofía), en el plazo de un año desde el día de su
adquisición en las taquillas o a partir de la fecha
seleccionada al efectuar la compra on líne.
Cuando se compre a través de la página web
de uno de los museos debe canjearse en sus
taquillas correspondientes. A partir de entonces
podrá acceder sin hacer colas y directamente
presentándolo en la puerta de entrada.

The Paseo del Arte Ticket includes one visit to the

permanent collections of each of the three museums
(Prado, Thyssen-Bornemisza and Reina Sofía). The
pass is valid for a one-year period from the date of
purchase in the museums’ ticket offices, or from the
date of the selected visit upon making the purchase
online.
The pass must be redeemed at the ticket office of
the museum where the online purchase was made.
You can then access all three museums, without
any need for queuing, upon presenting the ticket at
the door.

6 7
 Museo Nacional del Prado
PRADO MUSEUM
Inaugurado en 1819, el Museo Nacional del
Prado reúne una de las más importantes
colecciones de pintura que existen. Las obras
de Tiziano, Velázquez, Rubens, Goya y otros
pintores que trabajaron para los reyes de
España reflejan muchos de los episodios más
significativos de la historia europea.
“POCOS SE ATREVERÍAN A PONER EN DUDA QUE
ES EL MUSEO MÁS IMPORTANTE DEL MUNDO EN
PINTURA EUROPEA” JONATHAN BROWN
8 9
Opened in 1819, the Prado Museum boasts
one of the largest painting collections in the
world. Works by Titian, Velázquez, Rubens,
Goya and other painters who worked for the
kings and queens of Spain reflect many of the
most significant episodes in European history.
“FEW WOULD DARE TO QUESTION THAT IT IS THE
MOST IMPORTANT MUSEUMIN THE WORLD FOR
EUROPEAN PAINTING” JONATHAN BROWN
datos de interés
DIRECCIÓN
Paseo del Prado, s/n, 28014 Madrid
Web: www.museodelprado.es
Email: cmuseo.nacional@museodelprado.es
Metro: Atocha (L1), Banco de España (L2)
Autobús: 9,10, 14, 19, 27, 34, 37, 45
Centro de Atención al Visitante (CAV):
902 10 70 77
PRECIO
General: 15€
General + ejemplar guía oficial: 25 €
Reducida: 8 €
HORARIO
Abierto:
-- De lunes a sábado: 10.00 a 20.00 h
-- Domingos y festivos: 10.00 a 19.00 h
Cerrado:
-- 1 de enero, 1 de mayo y 25 de diciembre
Horario reducido:
-- 6 de enero, 24 y 31 de diciembre:
10.00 a 14.00 h
Horario gratuito:
-- De lunes a sábado: 18.00 a 20.00 h
-- Domingos y festivos: 17.00 a 19.00 h
PRACTICAL INFORMATION
ADDRESS
Paseo del Prado, s/n, 28014 Madrid
Web: www.museodelprado.es
Email: museo.nacional@museodelprado.es
Metro: Atocha (L1), Banco de España (L2)
Autobús: 9,10, 14, 19, 27, 34, 37, 45
Visitor Assistance Area: 902 10 70 77
PRICE
General admission: 15 €
General admission + official guidebook: 25 €
Concessions: 8 €
OPENING HOURS
Open:
--Monday to Saturday: 10.00 to 20.00 h
--Sundays and holidays: 10.00 to 19.00 h
Closed:
--January 1st, May 1st and December 25th
Limited Opening hours:
--January 6th, December 24th and 31th: 10.00 to
14.00 h
Free access:
--Monday to Saturday: 18.00 to 20.00 h
--Sundays and holidays: 17.00 to 19.00 h

01. El Descendimiento de la cruz descent from the cross
Museo Nacional del Prado
Weyden, Rogier Van Der (Antes de 1435)
Óleo sobre tabla Oil on panel
Merece la pena contemplar con detenimiento esta
obra de Van der Weyden, uno de los pintores más
representativos de la escuela flamenca del siglo XV.
La escena representa el descendimiento de Cristo
muerto de la cruz, ante la presencia de su madre, la
Virgen María, que cae desmayada.
Conocidos por el mimo con el que pintaban sus
obras, los artistas flamencos alcanzaron una enorme
capacidad técnica para plasmar los volúmenes y
las texturas, como podemos apreciar en esta tabla
que muestra todo un inventario de telas diferentes.
Observa los terciopelos, satenes, rasos o sedas que
sirven para reflejar el estatus social de cada uno de
los personajes.
También la composición demuestra un enorme
cuidado. Los cuerpos de la Virgen María y Cristo,
protagonistas principales de la historia, se colocan
en paralelo, como si uno fuera el reflejo del otro, y de
forma transversal al resto de figuras de la pintura. Un
motivo más para decir que esta es la obra maestra
de Van der Weyden.
¿Sabías QUÉ...?
El pigmento azul empleado en el manto de las
vírgenes es lapislázuli, una piedra semipreciosa de
gran valor.
10
Planta 0 - Sala 58 floor 0 - room 58
This work by Van der Weyden -one of the most
representative artists of the 15th century Flemish
school- deserves to be contemplated carefully. The
scene represents the descent of Christ, already
dead, from the cross, before his mother, the Virgin
Mary, who faints.
Known for the careful detail with which they painted
their works, Flemish artists had an enormous
technical ability to capture volumes and textures, as
we can see in this panel, where the artist shows us a
variety of fabrics and other materials. Take a moment
to admire the velvet, satin or silks that are used to
reflect the social status of each character.
The composition has also been the subject of careful
thought. The bodies of Mary and Christ, the main
characters in the story, are parallel to each other, as
if one was the reflection of the other, while the rest
of the figures in the painting remain vertical. Another
reason to consider this as being Van der Weyden’s
masterpiece.
DID YOU KNOW...?
The blue pigment used in the virgin’s gown is
lapislazuli, a valuable semi-precious stone.
Rogier Van Der Weyden, El Descendimiento, antes de 1443 © Museo del Prado, Madrid 11

02. El Jardín de las Delicias THE GARDEN OF EARTHLY DELIGHTS
Museo Nacional del Prado
El Bosco (1500-1510)
Óleo sobre tabla Oil on panel
Considerado como uno de los artistas más enig-
máticos de la historia del arte, El Bosco es el autor
de una de las obras más extrañas del siglo XVI: El
Jardín de las Delicias.
Los cuadros de El Bosco suelen tener una lectura
religiosa o moralizante que en gran medida hoy
escapa a nuestro conocimiento. En El Jardín de las
Delicias se muestra una humanidad entregada a
los placeres de la carne. Puedes recrearte en las
absurdas escenas que imagina El Bosco: diversos ri-
tuales eróticos, torturas y animales fantásticos. Cada
vez que vuelvas a mirarlo encontrarás imágenes
distintas que antes no habías visto. Nunca dejará de
sorprenderte.
El Bosco también fue una fuente de inspiración para
los poetas y pintores surrealistas, entre los que se
encontraba Salvador Dalí.
¿Sabías QUÉ...?
Es posible que El Bosco haya incluido su
autorretrato en varias escenas del tríptico.
12
Planta 0 - Sala 56A floor 0 - room 56A
Considered one of the most enigmatic artists in the
history of Art, Hieronymus Bosch is the creator of
one of the strangest works in the 16th century: The
Garden of Earthly Delights.
Bosch’s works usually have a religious or moral tone
that goes largely over the head of the modern viewer.
The Garden of Earthly Delights shows us a mankind
given to the pleasures of flesh. Enjoy the absurd sce-
nes imagined by Bosch: various erotic rituals, torture
and fantastic animals. Every time you look at it, you’ll
find different, new details you had not seen before.
This picture will never cease to amaze you.
Bosch was also a source of inspiration for the Su-
rrealistic poets and painters, among them Salvador
Dalí.
DID YOU KNOW...?
Bosch may have included his self-portrait in
several scenes of this tryptych.
El Bosco, El jardín de las delicias, h.1500-1505 © Museo del Prado, Madrid 13

03. El emperador Carlos V a caballo en Mühlberg
Museo Nacional del Prado
THE EMPEROR CHARLES V IN MÜHLBERG
Tiziano, Vecellio di Gregorio (1548)
Óleo sobre lienzo Oil on canvas
Este fue uno de los encargos más importantes que
recibió Tiziano a lo largo de su dilatada carrera: el
retrato del emperador Carlos V, el hombre más pode-
roso del mundo a mediados del siglo XVI.
El cuadro sirvió para conmemorar la victoria de
Mühlberg en 1547 y nos muestra a un hombre capaz
de gobernar un conjunto heterogéneo de estados.
Para reflejar su fortaleza, su poder, Tiziano pinta a
Carlos V como un emperador de la Antigua Roma,
es decir, a lomos de su caballo.
Como en otras obras de la escuela veneciana,
encontrarás esa misma luz dorada del anochecer,
que se refleja tanto en los árboles del fondo como en
la armadura de Carlos V. Por cierto, esa armadura se
conserva en el Palacio Real de Madrid.
¿Sabías QUÉ...?
Tiziano es el creador de la imagen oficial de
Carlos V, paradigma de poderoso militar y
gobernante.
14
Planta 1 - Sala 27 floor 1 - room 27
This painting was one of the most important commis-
sions Titian received in the course of his long career:
the portrait of emperor Charles V, the most powerful
man in the world in the mid -16th century.
The picture’s purpose was to commemorate Charles’
victory at Mühlberg in 1547, and shows us a man
who is capable of ruling over a heterogeneous group
of states. To reflect his power and might, Titian depic-
ted Charles V as a Roman Emperor, on horseback.
As in other Venetian school paintings, you’ll find here
that golden, evening light reflected both in the trees
on the background and in Charles’ suit of armour.
By the way, that suit of armour is kept in the Royal
Palace of Madrid.
DID YOU KNOW...?
Titian C reated the official image of Charles V, the
paradigm of the powerful soldier and ruler.
Tiziano, Carlos V en la batalla de Mühlberg, 1548 © Museo del Prado, Madrid 15

04. La Anunciación THE ANNUNCIATION
Museo Nacional del Prado
El Greco (1597-1600)
Óleo sobre lienzo Oil on canvas
Esta Anunciación, junto a otras pinturas que se
exhiben en la misma sala, formó parte del retablo
del Colegio de la Encarnación de Madrid.
Nacido en la isla de Creta, El Greco vino a España
e instaló su propio taller en la ciudad de Toledo a
finales del siglo XVI. Son rasgos propios de su estilo
la alteración de las proporciones humanas, como
puedes apreciar en las alargadas extremidades de
las figuras, y el uso de colores poco frecuentes en la
naturaleza: amarillos y verdes ácidos. Por este mo-
tivo El Greco fue considerado un artista excéntrico
y su obra estuvo olvidada durante mucho tiempo.
Sólo a principios del siglo XX fue recuperado por los
pintores más vanguardistas.
El Greco inspiró profundamente a artistas como
Pollock o Picasso, que conoció la pintura del artista
en las salas de este museo.
¿Sabías QUÉ...?
El Greco prescinde de referencias espaciales
para crear una escena sobrenatural.
16
Planta 1 - Sala 8b-10B floor 1 - room 8b-10B
This Annunciation, along with other pictures exhibited
in the same room was part of the altarpiece of the
Colegio de la Encarnación, in Madrid.
Born on the island of Crete, El Greco came to Spain
and opened his own workshop in the city of Toledo at
the end of the 16th century. His style includes a cer-
tain alteration of human proportions, as can be seen
in the elongated limbs of the figures, and also the
use of colours that are not usually found in nature:
acid yellows and greens. For these reasons, El Greco
was considered for a long time an eccentric artist
and his work was practically forgotten. It was only at
the beginning of the 20th century that avant-garde
artists rediscovered him and his work.
El Greco was a great inspiration for artists such as
Pollock and Picasso, who was actually introduced to
his paintings in the rooms of this museum.
DID YOU KNOW...?
El Greco removes all spatial references to create
supernatural scenes.
El Greco, La Anunciación (detalle), 1596-1600 © Museo del Prado, Madrid 17

05. Las Meninas LAS MENINAS or PHILIP IV’S FAMILY
Museo Nacional del Prado
Velázquez, Diego Rodríguez de Silva y (1656)
Óleo sobre lienzo Oil on canvas
Estamos ante una de las obras cumbres del arte
español y universal: Las Meninas. Un cuadro con el
que Velázquez quiso reivindicar la nobleza de la pin-
tura, incluyendo su autorretrato junto a los miembros
de la familia del rey Felipe IV.
El cuadro ha suscitado numerosas interpretaciones
a lo largo de la historia. En el centro vemos a la
infanta Margarita, hija de Felipe IV, acompañada por
sus meninas, palabra que designaba a las damas
que debían entretenerla. Justo al lado, delante de
un gran lienzo, se encuentra Velázquez, que nos
mira de frente como si fuera a pintarnos. Y al fondo,
reflejados en un espejo, vemos a los reyes, que tal
vez están posando para el artista. La escena, que re-
presenta un día cualquiera en el Alcázar de Madrid,
es la excusa que tiene el pintor para autorretratarse
junto a la familia real, lo que era toda una osadía en
aquel momento.
Las Meninas es la referencia que tiene Goya cuando
pinta La familia de Carlos IV, también en el museo, y
una de las obras más comentadas de la colección.
¿Sabías QUÉ...?
Velázquez no era todavía caballero de la Orden
de Santiago cuando pintó esta obra.
18
Planta 1 - Sala 12 floor 1 - room 12
The picture you are looking at is one of the master-
pieces of Spanish and universal art: Las Meninas. In
this work, Velázquez wanted to reclaim the nobility
of painting as an art, including his self portrait along
with that of the members of King Philip IV’s family.
The scene has been subjected to a number of inter-
pretations along history. In the centre is the Infanta
(royal princess) Margarita, daughter of Philip IV, in
the company of her meninas, or maids of honour.
Right beside them, and in front of a large canvas,
is Velázquez himself, who looks at us straight in
the eye, as if he was going to paint us. And, in the
background, reflected in a mirror, we can see the
King and Queen, who may be posing for the artist.
The scene, depicting a normal day in the Alcázar in
Madrid, is the ‘excuse’ of the artist to paint himself
alongside the royal family, which was quite a bold
thing to do at the time.
Las Meninas is the picture Goya used as reference
when he painted Charles IV’s family, also in this
museum, and one of the most commented on works
in the collection.
DID YOU KNOW...?
When he painted this work, Velázquez had not yet
been given the order of st. james, which cross he
shows on his chest.
Diego de Velázquez, Las meninas (detalle), 1656 © Museo del Prado, Madrid 19

06. Las tres Gracias The Three Graces
Museo Nacional del Prado
Rubens, Pedro Pablo (1630-1635)
Óleo sobre tabla Oil on panel
Encarnación de la belleza, el amor y la fertilidad e
hijas del dios romano Júpiter, las Tres Gracias son
las protagonistas de esta obra de Rubens, conocido
por transmitir en sus obras un enorme vitalismo.
Observa que gracias a una pincelada muy suelta,
Rubens es capaz de reproducir con maestría las
cualidades de la piel.
Durante siglos era frecuente recurrir a escenas
mitológicas de este tipo para justificar los desnudos
femeninos en el arte. Tras la muerte de Rubens, que
había pintado el cuadro para disfrute personal, Las
Tres Gracias pasó a formar parte de las colecciones
más íntimas de los reyes españoles. Hoy sabemos
que la segunda mujer del artista, Helena Fourment,
posó para este cuadro de contenido erótico.
¿Sabías QUÉ...?
A principios del siglo XIX se exhibía en la sala
reservada del Museo del Prado junto a otras
pinturas de desnudos.
20
Planta 1 - Sala 29 floor 1 - room 29
The Three Graces, embodiment of beauty, love and
fertility, were daughters of the Roman god Jupiter
and the subject of this work by Rubens, known for
the great vitality conveyed by his works. Please
notice the very loose strokes that Rubens uses here
to masterfully reproduce the aspect of skin.
For centuries, these mythological scenes were often
the excuse to justify the representation of female
nudes in art. After the death of Rubens, who had
painted this picture for his own personal enjoyment,
The Three Graces became part of the Spanish kings’
most intimate collections. Nowadays we know that
the artist’s second wife, Helena Fourment, posed for
this erotic picture.
DID YOU KNOW...?
In the early 20th century, this work was exhibited
in the reserved room of the Prado Museum, along
with other nude pictures.
Rubens, Las tres Gracias (detalle), h. 1630-35 © Museo del Prado, Madrid 21

07. El 3 de mayo en Madrid The 3rd of May 1808
Museo Nacional del Prado
Goya y Lucientes, Francisco de (1814)
Óleo sobre lienzo Oil on canvas
Resulta complicado elegir una sola de entre las más
de 1.600 obras de Goya que conserva el museo. Sin
embargo es más que probable que la mayoría de los
especialistas coincidan en señalar El tres de mayo
de 1808.
Goya pinta con gran dramatismo el fusilamiento de
un grupo de hombres por parte de las tropas de Na-
poleón, que habían invadido España en 1808. Frente
a la frialdad con la que el artista representa a los
soldados, vestidos con su uniforme gris de campaña,
destaca el colorido de los ciudadanos anónimos que
van a morir. Fíjate cómo el artista hace que cada uno
de los personajes exprese su miedo de una forma
distinta, con el gesto de las manos, la posición del
cuerpo o los ojos.
Los fusilamientos se consideran una pintura revolu-
cionaria por dar protagonismo a los héroes anónimos
en lugar de a los líderes políticos o militares y en
cierto modo inaugura una forma nueva de narrar los
acontecimientos bélicos.
¿Sabías QUÉ...?
Tras el regreso a España de Fernando VII “el
Deseado”, Goya decidió exiliarse a Francia.
22
Planta 1 - Sala 64 floor 1 - room 64
It’s very difficult to choose just one among the more
than 1600 works by Goya in the museum’s collection.
However, most of the specialists would agree in
choosing this one, The Third of May 1808.
Goya paints, with great drama, the execution of a
group of men by Napoleon’s troops who had invaded
Spain in 1808. He contrasts the coldness of the
soldiers, dressed in gray campaign uniforms, with the
colourful anonymous citizens who are about to die.
Take a moment to observe how the artist has made
each character show their fear in a different way, with
their hand gestures, the position of their bodies, or
their eyes.
The executions is considered a revolutionary work,
because it puts these anonymous heroes in the
centre rather than their political or military leaders
and, in a way, it is the first of a new way of depicting
war scenes.
DID YOU KNOW...?
After Fernando VII returned to spain, Goya
decided to exile himself to france.
Francisco de Goya, El 3 de mayo en Madrid (detalle), 1814 © Museo del Prado, Madrid 23

08. Niños en la playa Boys on the Beach
Museo Nacional del Prado
Sorolla y Bastida, Joaquín (1909)
Óleo sobre lienzo Oil on canvas
Dada la precisión con la que Sorolla capta la luz del
Mediterráneo, podemos afirmar que estos niños es-
tán en una playa de Valencia un mediodía de agosto.
Heredero tanto de la tradición española como de la
pintura al aire libre desarrollada por los paisajistas
franceses, Sorolla hace un estudio del impacto del
sol sobre el agua y la piel. A través de las sombras
y los reflejos en la arena mojada, para los que usa
tanto los tonos morados como los añiles, el artista
crea un cuadro que tiene la espontaneidad de la
imagen fotográfica.
Sorolla expuso en París y Nueva York y para él
posaron las más importantes personalidades de su
tiempo, como el Nobel de Medicina Ramón Santiago
y Cajal o el rey Alfonso XIII.
¿Sabías QUÉ...?
La casa de Sorolla en Madrid es hoy un museo
dedicado al artista.
24
Planta 0 - Sala 60A floor 0 - room 60A
Given the precision with which Sorolla captures the
Mediterranean light, we can say without a doubt
that these kids are on Valencia beach at midday, in
August.
An heir both of Spanish tradition and of the open air
painting developed by French landscape painters,
Sorolla studies here the impact of sunlight on water
and skin. Through the shadows and reflections on
the wet sand, for which he uses purples and indi-
goes, the artist creates a picture with the spontaneity
of a photographic image.
Sorolla exhibited his works in Paris and New York,
and some of the most important personalities of
his time posed for him such as Nobel Prize winner
Ramón Santiago y Cajal, or King Alfonso XIII.
DID YOU KNOW...?
Sorolla’s house in Madrid is now a museum
devoted to his life and work.
Joaquín Sorolla, Chicos en la playa (detalle), 1909 © Museo del Prado, Madrid 25
 Museo THYSSEN-BORNEMISZA
THYSSEN-BORNEMISZA MUSEUM
La colección del museo ofrece un recorrido
por el arte occidental desde el siglo XIII
hasta finales del XX y refleja el gusto de sus
principales artífices, los barones Heinrich
Thyssen-Bornemisza y Hans Heinrich
Thyssen-Bornemisza, formados en la
tradición artística centroeuropea. Están muy
bien representados los géneros del retrato
y el paisaje, la pintura impresionista y las
vanguardias históricas.
LA MÁS EXTRAORDINARIA COLECCIÓN PRIVADA
REUNIDA EN EL SIGLO XX. UN PASEO POR LA
HISTORIA DEL ARTE OCCIDENTAL.
26
datos de interés
DIRECCIÓN
PRACTICAL INFORMATION
ADDRESS
Paseodel Prado, 8, 28014, Madrid
Web: www.museothyssen.org
Email: mtb@museothyssen.org
Paseo del Prado, 8, 28014, Madrid
Web: www.museothyssen.org
Email: mtb@museothyssen.org
Metro: Banco de España (L2) Metro: Banco de España (L2)
Autobús:1, 2, 5, 9, 10, 14, 15, 20, 27, 34, 37, 41, 51, Bus: 1, 2, 5, 9, 10, 14, 15, 20, 27, 34, 37, 41, 51, 52,
52, 53, 74, 146 y 150 53, 74, 146 y 150
PRECIO PRICE
General: 12 € General: 12 €
The museum collection provides a tour Reducida: 8 € Concessions: 8 €
through Western art from the 13th through to Tarifa de grupo (a partir de 7 personas): 10 € Tickets Groups (from 7 people): 10 €
the late 20th centuries and reflects the tastes
of the two persons principally responsible
for its existence,barons Heinrich Thyssen-
HORARIO OPENING HOURS
Bornemisza and Hans Heinrich Thyssen-
Abierto: Open:
Bornemisza, both of whom were well versed
--Lunes: 12.00 a 16.00 h --Monday: 12.00 to 16.00 h
in the Central European artistic tradition. The --De martes a domingo: 10.00 a 19.00 h --Tuesday to Sunday: 10.00 to 17.00 h
portrait and landscape genres are very well Cerrado: Closed:
represented, as areImpressionist paintings --1 de enero, 2 de mayo y 25 de diciembre --January 1st, May 2nd and December 25th
and historical avant-gardes. Horario gratuito: Free access:
--Acceso gratuito a las Colecciones Permanentes --Free entry to the Permanent Collection on
los lunes de 12.00 a 16.00 h Mondays between 12.00 to 16.00 h
THE MOST OUTSTANDING PRIVATE COLLECTION
AMASSED IN THE 20TH CENTURY. A STROLL
THROUGH THE HISTORY OF WESTERN ART.
27
museo thyssen-bornemisza
01. Díptico de la anunciación The Annunciation Diptych
Eyck, Jan Van (1433-1435)
Óleo sobre tabla Oil on panel
Esta Anunciación es obra del pintor flamenco Van
Eyck, precursor, a principios del siglo XV, de una
nueva forma de pintar, caracterizada por la detallada
representación de la naturaleza y por un gran
realismo.
Observa que gracias al uso de efectos lumínicos e
ilusionistas, Van Eyck dota de tridimensionalidad a
las figuras y logra que parezcan auténticas estatuas
de piedra, técnica que se conoce con el nombre de
grisalla.
En los bordes superiores se distinguen unas inscrip-
ciones que recogen el diálogo de los protagonistas
en el Evangelio. En la tabla del Arcángel se lee
“Salve, llena de gracia, el Señor es contigo”, y en la
de la Virgen, “He aquí la sierva del Señor; hágase en
mí según tu palabra”.
¿Sabías QUÉ...?
Gracias a que Van Eyck perfeccionó la técnica del
óleo pudo hacer pinturas que engañan a la vista.
28
Planta 2 - Sala 3 floor 2 - room 3
This Annunciation is a work by the Flemish artist Van
Eyck who, in the early 15th century, was a precur-
sor of a new style of painting, whose main features
were a detailed representation of nature and a great
realism.
Please notice that, thanks to the use of light and illu-
sionist effects, Van Eyck gives the figures a three-di-
mensional effect and makes them look like real stone
statues, a technique known as grisaille.
On the top edges the artist has recorded the
dialogue between the two characters in the Gospel.
On the Archangel’s panel we can read “‘Hail, full of
grace, the Lord is with thee” and on the Virgin’s side
it says “Behold the handmaiden of the Lord; be it
unto me according to thy word”.
DID YOU KNOW...?
Thanks to his contribution to perfecting the oil
painting techniques, Van Eyck was able to paint
pictures that trick the eye.
Jan Van Eyck, Díptico de la Anunciación, c. 1433-1435 © Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid. 29
museo thyssen-bornemisza
02. RETRATO DE GIOVANNA DEGLI ALBIZZI TORNABUONI
PORTRAIT OF GIOVANNA DEGLI ALBIZZI TORNABUONI
Ghirlandaio, Domenico (1489-90)
Temple y óleo sobre tabla Mixed technique on panel
Realizado por Domenico Ghirlandaio este retrato
es uno de los ejemplos más bellos de la pintura del
Renacimiento y todo un icono del Museo
Thyssen-Bornemisza.
Giovanna había contraído matrimonio con Lorenzo
Tornabuoni en 1486 y sólo dos años más tarde
murió, embarazada de su segundo hijo y antes de
cumplir los veinte. Apesadumbrado, el esposo en-
cargó a Ghirlandaio un retrato que la inmortalizara.
Giovanna viste unas lujosas prendas en las que está
bordada la letra “L”, inicial del nombre de su esposo.
La inscripción de la cartela dice: “Arte, ojalá pudieras
representar el carácter y el espíritu. No habría sobre
la tierra imagen más bella” para ensalzar tanto la be-
lleza física y espiritual de la retratada como la propia
grandeza del arte.
Además de ser amigo de la familia Tornabuoni,
Ghirlandaio fue uno de los grandes pintores de su
tiempo, contemporáneo a Botticelli y maestro de
Miguel Ángel.
¿Sabías QUÉ...?
Ghirlandaio pintó este retrato después de la
muerte de la joven.
30
Planta 2 - Sala 5 floor 2 - room 5
This portrait by Domenico Ghirlandaio is one of the
most beautiful examples of Renaissance painting
and a true icon in the Thyssen-Bornemisza Museum.
Giovanna had married Lorenzo Tornabuoni in 1486
and, just two years later, she died, pregnant with her
second child and before she reached twenty years
of age. The grieving husband asked Ghirlandaio to
paint a portrait to immortalise her. Giovanna is depic-
ted wearing luxurious clothes, on which an “L” -initial
of her husband’s name- is embroidered. The small
plaque on the painting reads “Art, I wish you could
represent the character and spirit. There would be
no image more beautiful on Earth”, thus praising the
physical and spiritual beauty of his subject, as much
as the greatness of art itself.
In addition to being a friend of the Tornabuoni family,
Ghirlandaio was one of the great artists of his time,
contemporary to Botticelli and the teacher of Miche-
langelo.
DID YOU KNOW...?
Ghirlandaio painted this portrait after the death of
the young woman it shows.
DomenicoGhirlandaio, Retrato de Giovanna degliAlbizziTornabuoni (detalle), 1489-1490 © Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid 31
museo thyssen-bornemisza
03. JOVEN CABALLERO EN UN PAISAJE YOUNG KNIGHT IN A LANDSCAPE
Carpaccio, Vittore (1510)
Óleo sobre lienzo Oil on canvas
Seguramente este sea uno de los cuadros más
misteriosos de la colección Thyssen-Bornemisza. Lo
pintó Vittore Carpaccio en 1510 y en el vemos a un
joven caballero rodeado de una minuciosa represen-
tación de flora y fauna. Muchas de estas plantas y
animales tienen un valor simbólico y evocan distintos
virtudes del modelo.
La identidad del retratado ha dado lugar a multitud
de hipótesis. Sin embargo parece bastante probable
que se trate de algún miembro de una orden de
caballería, la Orden del Armiño. Se ha llegado a esta
conclusión porque dicho animal aparece justo en el
primer plano a la izquierda, debajo de una cartela
que dice: “Antes morir que contaminarse”, lema de los
caballeros de la Orden.
Otro de los misterios del cuadro es que durante
algún tiempo la obra estuvo atribuida a Durero, ya
que alguien había añadido el anagrama del artista
alemán.
¿Sabías QUÉ...?
Se considera uno de los primeros retratos de
cuerpo entero de la pintura europea.
32
Planta 2 - Sala 7A floor 2 - room 7A
This must be one of the most mysterious paintings
in the Thyssen-Bornemisza collection. It was painted
by Vittore Carpaccio in 1510, and it shows a young
knight surrounded by a meticulous representation of
flora and fauna. Many of these plants and animals
have symbolic value and evoke the virtues of the
model.
The model’s identity, however, has been the subject
of a number of hypothesis. It does seem quite
possible that he was the member of the Order of
the Ermin, an order of knighthood. The said animal
appears prominently on the left, under a plaque
reading “Better to die than be defiled”, which was the
motto of that Order.
Another mystery linked to this picture is that for some
time it was attributed to Dürer, because someone
had added the German artist’s anagram to it.
DID YOU KNOW...?
This is considered one of the earliest examples
of full-length portraits in european painting.
VittoreCarpaccio, Joven caballero en un paisaje (detalle), 1510 © Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid 33
museo thyssen-bornemisza
04. Santa Catalina de Alejandría Saint Catherine of Alexandria
Caravaggio (1598)
Óleo sobre lienzo Oil on canvas
Caravaggio representa en este lienzo a Santa
Catalina, vestida con lujo, como corresponde a su
clase. Era la princesa de Alejandría. Además se nos
muestra los atributos que aluden a su martirio: la
rueda con los cuchillos, la espada con la que fue
decapitada y la palma.
Para esta obra posó Filli de Melandroni, una célebre
prostituta de su tiempo, lo que suponía toda una pro-
vocación por parte del artista. Se dice que fue ella
quien le presentó a Ranuccio Tomassoni, a quien
Caravaggio mataría por accidente en 1606. Motivo
que le obligaría a exiliarse de Roma.
Podrás reconocer las obras de Caravaggio gracias al
contraste violento entre las zonas de luz y sombra,
conocido como claroscuro. Se trata de un rasgo
característico de su estilo, estilo que ha ejercido una
gran influencia a lo largo de la historia.
¿Sabías QUÉ...?
Caravaggio ha pasado a la historia como un
artista violento y apasionado.
34
Planta 2 - Sala 12 floor 2 - room 12
Caravaggio represents Saint Catherine in this
canvas, richly dressed since she was princess of
Alexandria. She is depicted with the attributes of her
martyrdom: the breaking-wheel, the sword with which
she was beheaded and the martyr’s palm.
The model for this work was Fillide de Melandroni,
a famous prostitute at the time, which implied great
provocation on the artist’s part. Apparently, she in-
troduced Caravaggio to Ranuccio Tomassoni, whom
Caravaggio would accidentally kill in 1606, which
forced him to exile himself from Rome.
You can easily recognise Caravaggio’s work by the
violent contrast between light and shadow, known
as chiaroscuro. This was a particular feature of his
style - a style that was to exert a great influence
throughout history.
DID YOU KNOW...?
Caravaggio has gone into history as a violent,
passionate artist.
Caravaggio, Santa Catalina de Alejandría (detalle), c. 1598 © Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid 35
museo thyssen-bornemisza
05. Les Vessenots
Gogh, Vincent Van (1890)
Óleo sobre lienzo Oil on canvas
En un campo de trigo similar al que vemos en este
cuadro, Van Gogh se quitaría la vida. Durante sus
dos últimos meses el pintor se instaló en Auvers, una
localidad situada a 35 kilómetros de París donde se
encontraba la consulta del doctor Gachet. Desde
este momento el médico se ocuparía de su depre-
sión. Esta fue sin embargo una de las épocas más
productivas del artista.
Reconocerás las pinturas de Van Gogh por su
pincelada nerviosa y de ritmo ondulante y repetitivo.
En este cuadro utiliza unos verdes y amarillosos muy
luminosos. Las nubes parecen correr a gran veloci-
dad mientras el viento agita el trigo.
El primer propietario de este cuadro fue el propio
doctor Gachet, uno de los pocos coleccionistas que
compró obras al artista. Hoy, sin embargo, Van Gogh
es una figura indiscutible y el eslabón que enlaza la
pintura de finales del siglo XIX con la del XX.
¿Sabías QUÉ...?
Van Gogh pintó este cuadro días antes de acabar
con su vida.
36
Planta 1 - Sala 32 floor 1 - room 32
Not long after painting this work, and in a wheat field
similar to this one, Van Gogh would take his own
life. In the last two months of his life, he had moved
to Auvers, a small village only 35 kilometres from
Paris, where Dr. Gachet had his surgery. The doctor
would take care of Van Gogh’s depression from then
on. This was, however, one of the most productive
stages of the artist’s life.
You can recognise Van Gogh’s pictures by their ner-
vous, undulating strokes, rhythmical and repetitive. In
this painting he uses greens and yellows full of light.
Clouds seem to pass by rapidly while the wind stirs
the wheat.
The first owner of this picture was Dr. Gachet him-
self, one of the few collectors who bought the artist’s
work. However, nowadays Van Gogh is an undenia-
ble household name and the link that joins the late
19th century art with that of the 20th century.
DID YOU KNOW...?
Van Gogh painted this picture only days before he
commited suicide.
Vincent van Gogh, “Les Vessenots” en Auvers (detalle), 1890 © Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid 37
museo thyssen-bornemisza
06. Bailarina basculando Swaying Dancer
Degas, Edgar (1877-1879)
Pastel y gouache sobre papel Pastel and gouache on paper
Degas, como el resto de pintores impresionistas, qui-
so reflejar en su pintura la vida moderna, los teatros,
los cafés-concierto o la ópera. Una realidad siempre
transitoria, cambiante e incompleta, y que por lo tan-
to debía representarse de forma fragmentada, como
vemos en este cuadro.
Al contemplar la pintura, nuestra mirada cae sobre la
escena como si la estuviéramos viendo a través de
unos prismáticos desde un palco lateral. Exactamen-
te desde una de esas localidades que proporcionan
vistas privilegiadas del escenario y permiten ver lo
que pasa entre bastidores. La utilización de un punto
de vista alto y sesgado era un recurso del que se
valía el artista para captar a las modelos en posturas
inesperadas. Por otro lado la manera de cortar las fi-
guras, que Degas utilizó en todas sus obras sobre el
ballet, deriva de la doble influencia de las estampas
japonesas y de la fotografía.
¿Sabías QUÉ...?
Degas trabajaba tanto con modelos como con
fotografías para representar el movimiento.
38
Planta 1 - Sala 33 floor 1 - room 33
Degas, along with the rest of the Impressionist pain-
ters, wanted to reflect modern life in his art: theatres,
café-concerts, or the opera. An ever changing, tran-
sient, incomplete reality that begged to be represen-
ted in a fragmented manner, such as this picture.
When looking at this picture, our eyes fall on to the
scene as if we were watching it through binoculars
from a side box. From one of those seats that offer
privileged views of the stage and also allow the
audience to see what’s going on in the wings. Using
a high, slanted point of view was a resource used by
Degas to capture his models in unexpected positions.
On the other hand, the way he cuts the figures,
something Degas did in all his ballet-related works,
is due to the double influence of Japanese prints and
of photography.
DID YOU KNOW...?
Degas worked both with live models and with
photographs to represent movement.
Edgar Degas, Bailarina basculando (Bailarina verde) (detalle), 1877-1879 © Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid 39
museo thyssen-bornemisza
07. Habitación de hotel Hotel Room
Hopper, Edward (1931)
Óleo sobre lienzo Oil on canvas
En Habitación de hotel, el pintor realista estadouni-
dense Edward Hopper hace una evocadora metáfora
de la soledad. Representa una muchacha semides-
nuda en el interior de la habitación de un modesto
hotel, en una noche calurosa.
La joven acaba de llegar y, sin deshacer su equipaje,
se ha desvestido y sentado lánguidamente en el
borde de la cama, con la característica introspección
de las figuras femeninas del pintor. Como general-
mente nos ocurre al contemplar las obras del artista
americano, nuestra imaginación se lanza a articular
una historia. Ahora, trata de adivinar tú mismo un
antes y un después de este instante inmortalizado
en el cuadro.
Sabemos gracias al diario de Josephine Nivinson,
esposa del artista desde 1924, que ella es la joven
del cuadro y que el papel amarillento que sostiene
en las manos es el horario del tren.
¿Sabías QUÉ...?
En 1910 Hopper visitó España, donde pudo
contemplar la obra de Goya, uno de los artistas a
los que más admiraba.
40
Planta 1 - Sala 40 floor 1 - room 40
In Hotel room, the American realistic artist Edward
Hopper paints an evocative metaphor of loneli-
ness. The painting shows a young woman in her
underwear inside a modest hotel room, during a hot
summer night.
The woman has just arrived and, without unpacking,
she has undressed and sat listlessly on the edge of
the bed, with the typical introspective air of Hopper’s
female figures. As is often the case when looking at
this artist’s works, our imagination will soon try to
come up with a story. Now, try to imagine what ha-
ppened just before and just after the instant forever
captured in this picture.
Thanks to Josephine Nivinson’s diary, who was
the artist’s wife from 1924, we know that the young
woman in the picture is herself and that the yellow
paper she’s holding is the train timetable.
DID YOU KNOW...?
Hopper visited Spain in 1910, and then he was
able to see the work of Goya, one of the artists he
admired the most.
Edward Hopper, Habitación de hotel (detalle), 1931 © Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid 41
museo thyssen-bornemisza
08. Arlequín con espejo Harlequin with a Mirror
Picasso, Pablo (1923)
Óleo sobre lienzo Oil on canvas
Después de haber encabezado el movimiento cubis-
ta, que proponía la descomposición de las figuras en
formas geométricas esquemáticas, Picasso vuelve a
una pintura más clásica en obras como este Arlequín
con espejo.
Pero la experiencia del cubismo le había dado al
artista la clave para compaginar en una misma obra
varios puntos de vista. Por ejemplo, esta figura repre-
senta simultáneamente a tres de los personajes más
reconocibles del mundo del circo y de la commedia
dell’arte, por los que Picasso se sentía muy atraído.
El atuendo de acróbata nos traslada al mundo de los
saltimbanquis; el sombrero de dos picos es la refe-
rencia más evidente al propio Arlequín; y, finalmente,
la máscara alude a Pierrot.
El arlequín se mira melancólico en un espejo, atribu-
to del desengaño y del paso del tiempo y un objeto
muy frecuente en la pintura clásica.
¿Sabías QUÉ...?
Un estudio radiográfico ha demostrado que el
rostro del arlequín era inicialmente el del propio
Picasso.
42
Planta 0 - Sala 45B floor 0 - room 45b
After leading the Cubist movement, which involved
decomposing figures in simpler, geometrical forms,
Picasso went back to a more classical style in works
such as this - Harlequin with mirror.
But the Cubism experience had given the artist the
key to connect several points of view in a single work
. For instance, this figure simultaneously represents
three of the most recognizable characters from the
circus world and the commedia dell’ arte, which held
a strong fascination for Picasso . The acrobat’s suit
evokes the world of tumblers, and the two-cornered
hat is the most obvious reference to Harlequin him-
self; last but not least, the mask refers to Pierrot.
Harlequin look at himself melancholically in a mirror,
a symbol of disappointment and of the passing of
time; mirrors are also a frequent object in classical
paintings.
DID YOU KNOW...?
An x-ray study has shown that the harlequin’s face
was initially that of Picasso himself.
Pablo Picasso, Arlequín con espejo, 1923 © Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid 43
 MUSEO REINA SOFÍA
REINA SOFÍA MUSEUM
El Museo Reina Sofía alberga una gran
colección de arte que abarca desde finales
del siglo XIX hasta nuestros días. Guernica, el
gran lienzo que Picasso pintó para el pabellón
de España en la Exposición Universal de
París del año 1937, constituye el núcleo de
unos fondos que cuentan con una amplia
representación de obras del propio artista, y
de otros, como Miró y Dalí.
UNO DE LOS MUSEOS DE ARTE MODERNO Y
CONTEMPORÁNEO MÁS PRESTIGIOSOS DE
EUROPA
44
The Reina Sofía Museum houses a major art
collection spanning the late 19th century to
the present day. Guernica, the large-format
canvas that Picasso painted for the Spanish
pavilion at the 1937 Paris Universal Exhibition,
forms the nucleus of a collection that boasts
a wide range of pieces by this artist and by
others including Miró and Dalí.
ONE OF THE MOST PRESTIGIOUS MODERN AND
CONTEMPORARY ART MUSEUMS IN EUROPE
datos de interés
DIRECCIÓN
Calle Santa Isabel, 52 y Calle Ronda de Atocha, 2,
28012 Madrid
Web: www.museoreinasofia.es
Email: info@museoreinasofia.es
Metro: Atocha (L1), Lavapiés (L3)
Autobús: 6, 14, 26, 27, 32, 34, 59, 85,102, C1
PRECIO
General: 8 €
Exposiciones temporales: 4 €
Entrada reducida: 50% con acreditación
Entrada gratuita: imprescindible acreditación
(consultar web del Museo)
HORARIO
Abierto:
--De lunes a sábado: 10.00 a 21.00 h
--Domingo: 10.00 a 14.15 h
--Domingo: 14.15 a 19.00 h. Abierto
Colección 1 y una exposición temporal
Cerrado:
--Martes (incluido los festivos)
--1 y 6 enero, 2 de mayo, 16 de mayo, 9 de
noviembre, 24, 25 y 31 de diciembre
Horario gratuito:
--Lunes, miércoles y sábado: 19.00 a 21.00 h
--Domingo: 13.30 a 19.00 h
--18 de abril, 18 de mayo, 12 de octubre y 6 de
diciembre durante todo el día
PRACTICAL INFORMATION
ADDRESS
Calle Santa Isabel, 52 y Calle Ronda de Atocha, 2,
28012 Madrid
Web: www.museoreinasofia.es
Email: info@museoreinasofia.es
Metro: Atocha (L1), Lavapiés (L3)
Bus: 6, 14, 26, 27, 32, 34, 59, 85,102, C1
PRICE
General: 8 €
Temporary exhibitions: 4 €
Reduced admission: 50% with accreditation
Free admission: only with accreditation (further
information at the Museum’s website)
OPENING HOURS
Open:
--Mondat to Saturday: 10.00 to 21.00 h
--Sunday: 10.00 to 14.15 h
--Sunday: 14.15 to 19.00 h. Only Collection 1 and
a temporary exhibition are open.
Closed:
--Tuesdays (including public holidays)
--1 and 6 January, 2 May, 16 May, 9 November,
24, 25 and 31 December.
Free access:
--Monday, Wednesday and Saturday: 19 to 21 h
--Sunday: 13.30 to 19.00 h
--18 April, 18 May, 12 October and 6 December:
Open and free all day
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01. La botella de anís The Bottle of Anis
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Gris, Juan (1914)
Óleo, collage y grafito sobre lienzo Oil, collage and graphite on canvas
Esta obra es considerada uno de los primeros y más
importantes ejemplos de la técnica del collage reali-
zados por Juan Gris, pintor de origen español y uno
de los más destacados del movimiento cubista.
En el collage se combinan elementos pintados que
representan la realidad, con otros procedentes de la
propia realidad que se incorporan físicamente a la
obra, dotándola de un nuevo significado. Si lo obser-
vas con atención te darás cuenta de que Juan Gris
ha utilizado papeles pintados que imitan las texturas
de la madera o el relieve de rombos característico de
la botella. También ha incluido recortes de periódico
y la etiqueta de la marca Anís del Mono. Todos estos
elementos, procedentes de la vida cotidiana y de la
cultura urbana, reflejan las costumbres y el contexto
personal de los artistas. Por ejemplo, en esta obra
podemos ver los nombres de ciudades como Badalo-
na, París y Madrid, ligadas a los tres grandes maes-
tros del cubismo: Pablo Picasso, Georges Braque y
el propio Juan Gris.
¿Sabías QUÉ...?
Se dice que la cara del Anis del Mono es una
caricatura de Darwin, autor de el origen de las
especies.
46
Planta 2 - Sala 210 floor 2 - room 210
This work is considered one of the first, and most
relevant, examples of collage technique by Juan
Gris, a Spanish artist and one of the main characters
in the Cubist movement.
The collage combines painted elements represen-
ting reality, with others from the actual reality that
are physically included in the work, thus giving new
significance to it. If you look carefully, you’ll realise
that Juan Gris has used painted papers to imitate
the textures of wood or of the diamond cut-glass
relief that is typical of the aniseed bottle. He has also
included pieces of newspaper and the label from the
“Anís del Mono” bottle. All these elements, part of
daily life and urban culture, reflect the habits and the
personal context of the artists. For instance, in this
work we can see the names of cities such as Bada-
lona, Paris and Madrid, each of which is linked to the
great masters of Cubism: Pablo Picasso, Georges
Braque and Juan Gris himself.
DID YOU KNOW...?
It is said that the face of the monkey in the “Anís
del Mono” label is a caricature of Darwin, author
of “the origin of species”.
47

02. Un mundo A World
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Santos, Ángeles (1929)
Óleo sobre lienzo Oil on canvas
Ángeles Santos tenía sólo 18 años cuando pintó esta
obra, que causó gran impresión entre los intelectua-
les del momento, como los poetas Federico García
Lorca o Juan Ramón Jiménez.
Un Mundo se enmarca en el contexto artístico de la
Europa de entreguerras, en el que surge una nueva
figuración que vino a incorporarse a las corrientes
más vanguardistas, como el surrealismo, preo-
cupadas por representar una “realidad mágica” o
“sobrerrealidad”. Por ejemplo, observa cómo Ángeles
Santos ha convertido el globo terráqueo en un enor-
me cubo que flota en medio el universo. Alrededor,
diversos personajes femeninos lo iluminan con
antorchas y lo protegen. Ángeles Santos parece su-
gerirnos la idea de un mundo en el que las mujeres
son protagonistas, comunicándonos así su personal
visión como mujer artista que reivindica su papel.
¿Sabías QUÉ...?
Esta obra de Ángeles Santos está inspirada en
unos versos de Juan Ramón Jiménez.
48
Planta 2 - Sala 207 floor 2 - room 207
Ángeles Santos was only 18 years old when she
painted this picture, which made a great impression
among the intellectuals of her time, such as poets
Federico García Lorca and Juan Ramón Jiménez.
A World must be placed in the artistic context of the
period between the wars in Europe, when a new
figurative style appeared and was incorporated into
the most avant-garde tendencies, such as Surrea-
lism, which wanted to represent a “magical reality” or
“over-reality”. For instance, see how Ángeles Santos
has turned the globe into a sort of enormous cube
floating in the middle of the Universe. A number of
female characters surround it and protect it while
holding torches. Ángeles Santos seems to suggest
the idea of a world in which women are protagonists,
thus conveying her personal vision as a female artist
who defends her role.
DID YOU KNOW...?
This work by Ángeles Santos is inspired in a poem
by Juan Ramón Jiménez.
© Ángeles Santos, VEGAP, Madrid, 2016 49

03. Guernica
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Picasso, Pablo (1937)
Óleo sobre lienzo Oil on canvas
Guernica de Pablo Picasso es sin duda uno de los
cuadros más célebres de la historia del arte. La
pintura, de gran formato, representa los bombardeos
alemanes sobre la villa de Guernica en 1937 durante
la Guerra Civil Española.
Sin embargo, como la obra no contiene referencias
concretas al suceso, se ha convertido en un alegato
contra la barbarie de todas las guerras y en un
icono universal. Picasso comunica el terror de la
escena con gran sobriedad, mediante una pintura en
blancos, grises y negros, que hace destacar el sufri-
miento y pánico de las figuras tanto humanas como
animales que se agitan, gesticulan y mueren en un
espacio ambiguo, mezcla de interior y exterior.
La obra fue realizada por encargo para formar parte
del Pabellón Español en la Exposición de París ese
mismo año de 1937, que presentaba los logros cultu-
rales y sociales de una República Española a la que
le quedaba ya un corto tiempo de vida antes de caer
bajo las tropas franquistas en 1939.
¿Sabías QUÉ...?
Picasso nunca visitó Guernica sino que conoció
el suceso a través de las noticias y fotografías
publicadas en la prensa.
50
Planta 2 - Sala 206.06 floor 2 - room 206.06
Pablo Picasso’s Guernica is, without a doubt, one of
the most celebrated paintings in the history of art.
This large work represents the German bombing of
the village of Guernica in 1937, during the Spanish
Civil War.
However, since the picture has no direct references
to the fact, it has become an allegation against the
brutality of all wars, and a universal icon. Picasso con-
veys the terror of the scene with supreme sobriety,
using only black, white and greys, which enhances
the suffering and panic in the figures, both animal and
human, that seem to convulse, gesture and die in this
ambiguous space, simultaneously inside and outside.
The work was commissioned to be part of the Spani-
sh Pavillion in the Paris Exhibition of that same year,
1937, which aimed to present to the world the cultural
and social achievements of a Spanish Republic that
was to be short-lived, until it fell under Franco’s troops
in 1939.
DID YOU KNOW...?
Picasso never went to Guernica. he only knew
what had happened there through the news and
the photos published in the press.
© Sucesión Pablo Picasso, VEGAP, Madrid, 2016 51
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
04. Rostro del Gran Masturbador
Face of the Great Masturbator
Dalí, Salvador (1929)
Óleo sobre lienzo Oil on canvas
Dalí pintó este cuadro al volver de pasar un verano
con la que sería su pareja, Gala, entonces aún
esposa del poeta Paul Éluard. Se trata, pues, de un
cuadro eminentemente autobiográfico reflejo de la
transformación anímica y erótica que había provoca-
do la aparición de su futura mujer.
El artista volcó sus obsesiones sexuales en esta
obra. Distinguirás un rostro de perfil parecido al del
pintor en posición horizontal, sin boca y apoyado
sobre la nariz. Tal vez los ojos cegados podrían ser
una alusión al mito de Edipo, que se los quitó con
sus propias manos al descubrir que había cometido
incesto con su madre. A la derecha, junto a un león
y una flor con elementos fálicos, hay un rostro de
mujer que se acerca a los genitales de una figura
masculina, cuyas piernas están manchadas de san-
gre haciendo referencia a la castración.
Como en otras obras del pintor se expresan aquí
las tensiones entre el erotismo y la muerte, o la
masculinidad y la feminidad, temas muy frecuentes
en la obra de Dalí.
¿Sabías QUÉ...?
Uno de los miedos irracionales del artista eran
los saltamontes, como el que aparece en este
cuadro.
52
Planta 2 - Sala 205 floor 2 - room 205
Dalí painted this picture after spending a summer
with Gala, who would become his partner, but who
still was at the time the wife of poet Paul Éluard. This
is, therefore, an autobiographic picture, which reflects
the emotional and erotic transformation suffered by
the appearance in his life of the woman who would
be his wife.
The artist displays his sexual obsessions in this
work. You can see a face, seen from the side, similar
to Dalí’s own, in a horizontal position, but without
a mouth and resting on his nose. The closed eyes
could be an allusion to the Oedipus myth, who tore
his own eyes out with his hands when he discovered
he had committed incest with his mother. On the ri-
ght, beside a lion and a flower with phallic elements,
there is a woman’s face near a man’s genitalia,
whose legs are blood stained, in a reference to
castration.
As in some of his other paintings, here Dalí ex-
presses the tensions between eroticism and death,
or masculinity and femininity, which are recurring
themes throughout his work.
DID YOU KNOW...?
One of the artist’s irrational fears were
grasshoppers, such as the one that is featured in
this painting.
© Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, VEGAP, Madrid, 2016 53

05. Hombre con pipa Man with a Pipe
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Miró, Joan (1925)
Óleo sobre lienzo Oil on canvas
Joan Miró es un artista español clave en el desa-
rrollo del primer surrealismo, cuyo origen estuvo
fuertemente vinculado a la literatura. Uno de los tex-
tos más influyentes para el artista y otros miembros
del grupo surrealista fue Les champs magnetiques
(1920), de André Breton y Philippe Soupault. En
él los autores proponían una forma de utilizar el
lenguaje recurriendo a métodos del automatismo, es
decir a la generación de asociaciones libres entre
imágenes, que no siguen una lógica racional.
En esta obra, Miró convierte la superficie del
lienzo en un “campo magnético” del que elimina las
referencias visuales que suelen tener los cuadros
figurativos, como el horizonte o la profundidad. Sobre
un fondo azul que nos remite al cosmos y al mundo
de los sueños, la figura de un hombre transparente
dibujado con una sola línea adquiere una apariencia
fantasmal, evocando un lenguaje poético.
¿Sabías QUÉ...?
Miró identificó el azul, color fundamental de este
cuadro, como “el color de sus sueños”.
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Planta 2 - Sala 202 floor 2 - room 202
Joan Miró is a Spanish artist that was key in the
development of the first wave of Surrealism which
was originally deeply linked to literature. One of the
most influential texts for Miró and other members of
the Surrealist group, was Les champs magnetiques
(1920), by André Breton and Philippe Soupault. In
that text, the authors proposed using language by
resourcing to automatism, that is, the generation of
free association of images, devoid of rational logic.
In this work, Miró turns the canvas surface into a
“magnetic field”, from which he removed all visual re-
ferences normally present in figurative pictures, such
as horizon or perspective. On a bluish background,
the figure of a transparent man drawn with a single
line acquires a ghostly aspect, evoking a poetic,
eerie language.
DID YOU KNOW...?
Miró identified blue, the main colour in this picture,
as “the colour of his dreams”.
© Successió Miró 2016 55
 Planta 4 EDIFICIO Sabatini - Sala 410 floor 4 SABATINI BUILDING- room 410
06. Bicho deshojado Husked Creature
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Clark, Lygia (1960-1973)
Chapa de aluminio Aluminium sheet
La artista brasileña Lygia Clark propone la serie
“Bichos” como forma de investigar una dimensión
del arte más social y participativa y la relación de las
obras con el espectador. Se trata de una estructu-
ra muy simple hecha con placas de metal que se
articulan por medio de bisagras. Clark resaltó que
el carácter orgánico de este tipo de obra no estaba
relacionado con la forma, sino con el hecho de que
el espectador podía establecer una interacción total
con ellas, cambiándolas de posición o moviéndo-
las, a diferencia de lo que pasa con los objetos del
museo que son intocables.
Lygia Clark formó parte del movimiento neoconcreto
que se desarrolla a partir de 1959 en Brasil y presen-
tó su serie “Bichos” en la VI Bienal de São Paulo de
1961.
¿Sabías QUÉ...?
Para Lygia Clark sus obras tenían una dimensión
terapéutica.
56
Brazilian artist Lygia Clark created the “Creatures”
series as a way to investigate a more social and
participative dimension of art, and the relationship
between works and spectator. This is a very simple
structure made with metal plaques articulated by
hinges. Clark declared that the organic nature of
this kind of work was not related to its shape, but
rather to the fact that the spectator could establish a
total interaction with them. changing their position or
moving them, unlike what is the norm with museum
objects, considered untouchable.
Lygia Clark was part of the Neo-concrete movement,
which was developed in Brazil around 1959. She
presented her “Creatures” series in the IV São Paulo
Biennal, in 1961.
DID YOU KNOW...?
Lygia Clark considered her works to have a
therapeutic dimension.
Lygia Clark, Bicho desfolhado, 1960/1973,© Cultural Association “The World of Lygia Clark” 2016.http://www.lygiaclark.org.br 57
 Planta 1 EDIFICIO NOUVEL - Sala 104.06 floor 1 NOUVEL BUILDING - room 104.06
07. Las trompetas del Juicio The Trumpets of Judgement
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Pistoletto, Michelangelo (1968)
Aluminio Aluminium
Michelangelo Pistoletto es considerado uno de los
principales representantes del llamado Arte Povera,
que plantea una crítica política y social a través,
entre otras cosas, del uso de materiales poco con-
vencionales, cotidianos o “pobres”.
Las tres grandes trompetas metálicas que componen
esta obra eran empleadas por los fascistas italianos
durante los años 30 y 40 del siglo XX para movilizar
a las masas populares. Pistoletto y su esposa
utilizaron estas piezas en una performance de 1968
haciéndolas sonar para convocar a un rito de paso
histórico: la humanidad debía transitar de su infancia
a su madurez y avanzar hacia el futuro. En relación
con el fascismo al que remiten las trompetas, Pistole-
tto afirmó: “Hace falta tener el valor de mirar lo que
hemos hecho y juzgarlo”.
¿Sabías QUÉ...?
Pistoletto hace uso de materiales reflectantes
para representar la necesidad de enfrentarnos a
nuestra propia necesidad e historia.
58
Michelangelo Pistoletto is considered one of the
main representatives of the so-called arte povera
(Poor Art), a movement that embodies political and
social criticism through, among other things, the use
of unconventional, every day materials considered
“poor”.
The three large trumpets that make up this work
were used by the Italian Fascists in the 40s and 50s
of the 20th century to mobilise the masses. Pistoletto
and his wife used these pieces in a performance in
1968, making them sound in a call to a historical rite
of passage: mankind was to move from its childhood
to its maturity and move towards the future. Regar-
ding the Fascist period, evoked by the trumpets,
Pistoletto commented: “We need to be brave enough
to look at what we have done and what we have
judged”.
DID YOU KNOW...?
Pistoletto uses reflective materials to represent the
need to face our own needs and history.
Los editores están a disposición de los titulares de derechos Pistoletto para la gestión de los derechos correspondientes
Publishers are made available to rights holders Pistoletto for managing corresponding rights 59
 Planta 1 EDIFICIO NOUVEL - Sala 104.04 floor 1 NOUVEL BUILDING - room 104.04
08. Trio A
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Rainer, Yvonne (1978)
Chapa de aluminio Aluminium sheet
Trio A forma parte de la coreografía La mente es
un músculo de 1966, una de las más conocidas de
la coreógrafa y cineasta estadounidense Yvonne
Rainer. Esta artista cuestiona el cliché histórico de
la danza como expresión de sentimientos o ejercicio
de virtuosismo, crítica compartida por otros artistas
como Merce Cunningham.
Verás que en sus coreografías, Rainer plasma
movimientos en apariencia triviales o mecánicos,
para explorar las posibilidades del cuerpo como
productor de una infinita variedad de movimientos
y acciones. En esta grabación de Trio A, de
1978, las evoluciones de la artista carecen de
acompañamiento musical y parecen sucederse
con fluidez, pero sin ningún momento de clímax
ni secuencia predecible, huyendo de la repetición.
Numerosos artistas, coreógrafos y también no
bailarines han reinterpretado esta obra a lo largo
de los años, transformando y actualizando su
significado.
¿Sabías QUÉ...?
En Trio A, la bailarina no mira directamente al
público para aumentar así la neutralidad de la
ejecución.
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Trio A is part of the choreography Mind is a muscle,
from 1966, one of the best known works by American
choreographer and filmmaker Yvonne Rainer. She
questions the historic cliché about dance as an ex-
pression of feelings or a virtuous exercise, a criticism
shared by other artists, such as Merce Cunningham.
You’ll see that, in her choreographies, Rainer uses
moves that look trivial or mechanical, to explore the
possibilities of the body as producer of an endless
variety of movements and actions. In this Trio A
recording, dating from 1978, the artist’s evolutions
are not accompanied by music and seem to flow
into one another, but the dance lacks climax or any
predictable sequence, avoiding repetition. Many
artists, choreographers and even non-dancers, have
performed this work throughout the years, transfor-
ming and updating its significance.
DID YOU KNOW...?
In Trio A, the dancer never looks directly at
the audience, to increase the neutrality of her
performance.
© de la imagen YvonneRainer, cortesía de Video Data Bank 61
NOTAS NOTES