Paula Gonzalez

Barroco

El Barroco es considerado como uno de los mayores estilos artísticos que

comprendió múltiples movimientos, tanto el religioso, el político y el social. Este
es una continuación del estilo manierista italiano que tuvo vigencia hasta la mitad
del siglo XVI.1

Este estilo se lo considera como una tendencia de ostentación y de

exageración.

“El Barroco comprende, esfuerzos artísticos tan diversificados, los cuales

surgen en formas tan varias en los distintos países y esferas culturales, que
parece dudosa la posibilidad de reducirlos a un común denominador, además no
solamente el Barroco de los ambientes cortesanos y católicos es completamente
diferente al del de las comunidades burguesas y protestantes”.2 (Hauser, pág
497)

“Antes del Barroco se podía, desde luego, decir siempre si la intención

artística de una época era en el fondo naturalista o antinaturalista, integradora o
diferenciadora, clásica o anteclásica; pero ahora el arte no tiene ya carácter
unitario en este sentido estricto, y es a la par naturalista y clásico, analítico y
sintético”.3

Según Arnold Hauser, “en cuanto al origen del término Barroco es

moderna, este concepto fue aplicado en el siglo XVIII cuando surgen fenómenos
del arte que eran sentidos, conforme a la teoría del arte clasicista de entonces
como desmesurados, confusos y extravagantes. El Mismo clasicismo se
encontraba excluido de este concepto que continuó siendo dominante hasta el
siglo XIX”.

Según Gombrich, “el término Barroco fue empleado por comentaristas de

una época posterior que combatieron las tendencias del siglo XVII y desearon
ridiculizarlas. Barroco significa, realmente, absurdo o grotesco, y el término fue

1
https://tiposdearte.com/que-es-el-arte-barroco/https://tiposdearte.com/que-es-el-arte-barroco/
2
Hauser Arnold - Historia Social De La Literatura Y El Arte (pág. 497)
3
Idem (pág 498)

1
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empleado por personas que insistieron en que las formas de los edificios clásicos
nunca debían ser aplicados o combinados de otra manera que como lo fueron
por griegos o romanos”4

Diversos críticos rechazaban al Barroco por la “falta de reglas”, de su

“capricho” , como por ejemplo Jacob Burckhardt5 y Benedetto Croce6, distinguen
en el Barroco solamente signos de la falta de lógica y de tectónica, observan
columnas y pilastras que no sostienen nada, arquitrabes y muros que se doblan
y retuercen como si fueran de cartón, en cuanto a las figuras de los cuadros,
están iluminadas de modo antinatural y que realizan gestos antinatuales como
en la escena, esculturas que buscan efectos ilusionistas superficiales, cuales
corresponden a la pintura, y que, como se menciona, debían quedar reservados
a ésta.

En cambio la valoración e interpretación del Barroco en el sentido actual

fue hecha por Heinrich Wolfflin7 y Alois Riegl8

“Las composiciones de los maestros del Barroco son más ricas y

complicadas que la de los maestros del Renacimiento, pero son a la vez de las
más utilitarias, están llenas de un aliento más amplio, más profundo, más
ininterrumpido. La unidad en ellas no es un resultado a posteriori, sino la
condición previa de la creación artística; el artista se acerca con una visión
utilitaria a su objeto, y en esta visión hunde finalmente todo lo particular e
individual”.9

Características del arte Barroco

 Representa sentimientos y emociones más que por la pura imitación de la

realidad que giraba en torno a los artistas de la época.

4
Gombrich, pág 236
5
Jacob Burckhardt, historiador suizo de arte y cultura.
6
Benedetto Croce, filosofo, escritor, historiador, político italiano.
7
Heinrich Wolfflin, crítico de arte suizo. Considerado uno de los mejores historiadores de arte de toda
Europa.
8
Alois Riegl, historiador de arte austrohúngaro. Fue uno de los fundadores de la crítica del arte como
disciplina autónoma.
9
Arnold Huser, pág 503

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 Las obras de este estilo tienen temas religiosos que fueron dejado de lado
por el Renacimiento y procuran representarlas nuevamente de manera
altamente expresiva.
 Contiene un fuerte sentido del movimiento, energía y tensión. Además de
fuertes contraste de luces y sombras que enaltecen los efectos
escenográficos de diversas obras.
 Una fuerte espiritualidad que se manifiesta con frecuencia en las escenas
de éxtasis, martirios y apariciones milagrosas.
 La insinuación de grandes espacios es frecuente en la pintura y escultura,
tanto en el renacimiento como en el barroco, los artistas siempre
pretendieron que en sus obras fuera la representación correcta del
espacio y de la perspectiva.
 Otra característica importante del arte barroco es el naturalismo, las
figuras no se representan en los cuadros como simples estereotipos sino
que de manera individualizada con su propia personalidad.
 Los artistas barrocos buscaban representar los sentimientos interiores, las
pasiones y los temperamentos majestuosamente reflejados en los rostros
de sus personajes.
 La intensidad e inmediatez, el individualismo y el detalle de este arte
hicieron de este uno de los estilos más arraigados del arte occidental.
 Los edificios se acostumbraban a construir con materiales pobres pero se
resaltaba la majestuosidad y la monumentalidad de la obra.

Pintura Barroca

Los artistas del estilo Barroco plasmaron la realidad tal y como la vieron,
con sus límites imprecisos, en cuanto a sus formas que salen y entran, los
escorzos y las violentas posturas, y las composiciones diagonales brindan a la
obra gran dinamismo. Los temas más utilizados eran: mitológicos, retratos,
religiosos, además de los retratos individuales como en grupo, y surge como
nuevo tema el bodegón.

En el arte Barroco existen dos diferentes estéticas: el tenebrismo y el

eclecticismo.
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 El tenebrismo se basa en el violento choque de la luz contra la sombra,

quedando el fondo en penumbra, mientras que la escena queda en primer
plano.
 El eclecticismo trata de amparar el gusto clásico dentro de la nueva
norma, siendo una estética decorativa efectista y teatral.

La pintura barroca de caracteriza por una gran expresividad en cuanto a las

figuras que muestran, recurre a la intensidad de los colores y a la utilización
de luces y sombras que genera una potente diferencia en los espacios, en
cuanto a las figuras, son complejas y hasta caóticas, a la intensa expresión
de las miradas. La pintura brindó un importante papel y a su vez homogéneo
que se fue desplazando a diferentes países y con esta expresión dió lugar a
la manifestación de dos ideas contrarias. Con estas ideas que son opuestas
se pueden observar el barroco cortesano, teatral, lujoso y católico, pero por
otro lado se ve la idea del barroco burgués que en sus obras se manifiestan
una vida normal y real.

Diego Velázquez

Nace en Sevilla en el año 1599 y es considerado un gran representante

de la pintura española y universal. Su estilo fue naturalista y tenebrista. Pintó
para el rey Felipe IV y se destacó como pintor de cámara (cargo más importante
entre los pintores de la corte). Se dedicó toda su vida a la pintura, pintando
retratos del rey y de su familia, junto con otros cuadros que para esa época
decoraban las mansiones reales.

Según Manet10, Velázquez fue “pintor de pintores”, maestro indiscutible

del arte universal, genio del barroco sevillano.

Otro grande representante de la pintura universal como Salvador Dalí 11

dice que Velázquez: “es el más grande pintor que jamás ha existido”.

10
Manet, pintor francés, reconocido por la influencia que ejerció sobre los iniciadores del
impresionismo.
11
Salvador Dalí, un pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español.

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Paula Gonzalez

Su padre de origen portugués, Juan Rodríguez da Silva y de madre

sevillana Jerónima Velázquez.

Se afirma que comenzó su aprendizaje con Francisco Herrera el Viejo 12,

pero lo cierto es que a los doce años se lo ve estudiando con Francisco
Pacheco13.

Según Diego Angulo: “Aunque sabemos poco de su carácter, los que le

conocen elogian él su fino ingenio y encarecen su flema. Persona modesta y
bondadosa, gusta de favorecer a otros pintores, y, nada ambicioso, no aprovecha
su trato frecuente con el monarca para prosperar desmedidamente. Su obra,
relativamente reducida, parece justificar la flema de que le tachan sus
contemporáneos”. 14

En cuanto a su arte, Velázquez no le gustaba contemplar la vida desde un

ángulo trágico ni espectacular, ni extremadamente realista. Cuando él retrataba
a un pobre ser monstruoso, no se aproxima a él con esa curiosidad de naturalista
tan frecuente en esta especie de temas.

En cuanto a sus primeros pasos fueron en el tenebrismo. Después de

1630, Velázquez comprende que el tenebrismo no es sino una primera etapa en
el problema de la luz; que la luz no solamente ilumina los objetos, sino que
además permite ver el aire interpuesto entre ellos, y como este aire hace que las
formas pierdan precisión y los colores brillantes. En conclusión, él se da cuenta
de la existencia de lo que denominamos perspectiva aérea, y se lanza
decididamente a su conquista.

Al abandonar el tenebrismo, él aclara su paleta y deja el color opaco y

oscuro de su juventud.

En cuanto a las obras de su juventud en la etapa sevillana aún no

trabajaba para la Corte, además de pintar sus primeros cuadros de temas

12
Francisco Herrera, el Viejo (Sevilla; h. 1590-Madrid; h. 1654); pintor y grabador español del Siglo de
Oro.
13
Francisco Pacheco, pintor manierista y tratadista de arte, conocido principalmente como maestro y
suegro de Velázquez
14
Angulo, Diego (pág 342).

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mitológicos e históricos y probablemente inicia una serie de bufones. Luego de

su viaje a Italia comienza a pintar temas religiosos.

Velázquez pinta para el Salón de Reinos del Buen Retiro, era una
empresa de gran amplitud artística ideada por el conde-duque de Olivares para
halagar la vanidad del monarca el cual consiste en una serie de enormes lienzos
que son dedicados a gloriosos hechos del comienzo de su reinado que están
compartidos por otros grandes pintores de la época.

Pocos años antes de fallecer, no se sabe exactamente el año, se cree que

fue en 1656, pinta Las Meninas, que en realidad es el retrato de la Infanta
Margarita atendida por sus meninas doña Agustina Sarmiento que le ofrece de
rodillas una bebida y doña Isabel de Velasco.

Fue un pintor sinceramente enamorado de su arte y fue incapaz de

industrializarlo, no tuvo y jamás quiso tener un taller al estilo Rubens o Van Dyck.

En cuanto a sus discípulos el que más de cercarno Juan Bautista de

Mazo15 cuya obra más segura es el retrato de su Familia donde el propio
Velázquez aparece en su último término trabajando ante el caballete. 16

La coronación de la Virgen

En cuanto a la composición de las figuras es triangular, con el vértice

invertido, continuando la moda de la época, brindando la sensación de un gran
equilibrio y armonía de líneas.

El protagonismo es de María, cuyo rostro se presenta con la mirada hacia

abajo, la nariz recta y los labios perfilados. En cuando a la expresión es de
modestia, reverencia y emoción. La composición del cuadro en conjunto, tanto
por el color como por la forma, recuerda un corazón.

Se puede observar la actitud de la Virgen que señala con su mano

derecha su propio corazón, que a su vez refuerza esta idea y mueve a la piedad.

15
Juan Bautista de Mazo, fue un pintor barroco español, discípulo y yerno de Velázquez.
16
Diego Angulo

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Esa forma de corazón, que es lo que se puede considerar lo más original

del cuadro junto con la naturalidad de las figuras.

Se puede observar que a la derecha se encuentra Dios Padre,

representado con gran dignidad como un viejo bondadoso y a la izquierda está
Jesucristo, con cabello largo y ambos en actitud de coronar la cabeza de la
Virgen con una guirnalda de flores. Y en el centro, la representación del Espíritu
Santo, con la tradicional forma de una paloma blanca.

Estas tres personas se encuentran a la misma altura, a lo largo de una

hipotética línea que define la base del triángulo, de este modo se representa a
los tres con el mismo rango de supremacía en la Divinidad.

En cuanto al fondo de la escena es el cielo, y la luz irradia de los

personajes.

Los colores que emplea Velázquez en esta obra son los azules,
principalmente el lapislázuli en los tonos de azules más intensos de la capa de
la Virgen, rojos y morados, utilizando laca orgánica roja mezclada con blanco de
plomo y calcita en diversa proporción, y laca orgánica roja mezclada con el
lapislázuli y la azurita para obtener los morados.

En algunas partes, especialmente en los rojos, el pigmento utilizado es

muy escaso, el de mayor proporción es el aglutinante, sobre todo el rojo de los
mantos y de la túnica de la Virgen, casi traslúcido y mezclado con blanco de
plomo, aplicó nuevas veladuras por medio de toques de blanco, mientras la
pintura aplicada a la túnica de Dios Padre literalmente chorrea sobre el manto de
la Virgen a causa de ese abundante empleo de aglutinante.

Para obtener transparencias en las capas de color aplicó a las mezclas

carbonato cálcico en gran cantidad, que absorbe el aglutinante y se hace
traslúcido.

Los ojos y las manos aparecen de este modo casi difuminados.

También es muy escasa la materia pictórica empleada en las nubes, que

se superponen a los mantos y los cuerpos de los ángeles pues, como es habitual
en el pintor, no respeta el espacio asignado a cada figura y realiza numerosas

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correcciones sobre la marcha, aunque en este caso no pueda hablarse de

arrepentimientos.

Son dignos de destacar los angelitos que sirven de base a la Virgen.

Representan a cuatro tronos17 sujetando la tribuna de la Virgen, y dos
querubines que la rodean y la sirven, como al mismo Dios. La calidad pictórica
de estos angelitos nada tiene que envidiar a los pintados por Murillo y que le
hicieron tan famoso en ese tema.

Bibliografía

Hauser, Arnold - Historia Social De La Literatura Y El Arte

Gombrich, E.H - La Historia del Arte

https://tiposdearte.com/que-es-el-arte-barroco/

http://wpd.ugr.es/~agamizv/?p=1171

Angulo, Diego, Historia del Arte, Tomo II.

17
En la teología cristiana, el tercero de los coros, o tipos, de la más alta categoría de ángeles, tras los
serafines y querubines.