Historia del anime

{{referencias|t=20070420|anime y manga}}
[[Archivo:Katsudō Shashin.jpg|thumb|Fotograma de ''[[Katsudō Shashin]]'' ([[1907]]), la primera
manifestación de la animación nipona.]]
La '''historia del [[anime]]''', el género de animación de origen [[Japón|japonés]], comienza en la
segunda década del [[siglo XX]], con una serie de cortometrajes similares a los encontrados en otros
países, influenciados por las obras de [[Disney]] en gran parte.

Algún tiempo tras la [[Segunda Guerra Mundial]], empezaron a surgir grandes compañías dedicadas
tanto a las series televisivas como a los largometrajes, entre las que destaca [[Toei]].

Aunque muchas siguieron en activo en las últimas década del [[siglo XX]], y siguen al principio del
[[siglo XXI]], una serie de directores y creadores de historias han alcanzado renombre propio en este
género, bien por obras de gran fama, como [[Katsuhiro Ōtomo]] con ("Akira"), [[Akira Toriyama]] con
''[[Dragon Ball]]'', o [[Masashi Kishimoto]] con ''[[Naruto]]'', como por sus largas y premiadas
trayectorias como [[Hayao Miyazaki]] con ''[[Mi vecino Totoro]]'', o como [[Rumiko Takahashi]] con
''[[Inuyasha]]'' o ''[[Ranma 1/2]]'', etc.

==Primeros trabajos ==
=== Pioneros ===
En el plano internacional, en [[1906]], aparece la primera película de [[animación]], ''[[Humorous
Phases of funny face]]'', del [[productor de cine|productor]] [[Estados Unidos|estadounidense]] [[James
Stuart Blackton]]. En [[1908]], aparece en [[Francia]] ''Fantasmagorie'', del dibujante Emile Cohl y
producida por [[Léon Gaumont|Gaumont]]. Este tipo de películas de animación llegan a los cines
japoneses hacia [[1910]]. Entre [[1914]] y [[1917]] se exhibieron unas 93 películas de animación
extranjeras, siendo las americanas las de mayor popularidad. Ante tal fenómeno, los productores
japoneses comenzaron a plantearse la realización de cine de animación nacional.

[[Archivo:Katsudō Shashin (1907).webm|thumb|El corto ''[[Katsudō Shashin]]'' (1907), la primera

manifestación del anime nipón.]]
[[Archivo:Saru Kani Gassen.jpg|thumb|Único fragmento que se conserva de ''Saru Kani Gassen''
(1917)]]
[[Archivo:Namakura-gatana (1917) toy movie filmstrip.png|thumb|Objeto de la película de 1917
''Hanawa Hekonai, Meitō no maki'']]
La primera manifestación de la animación en el país nipón de la animación, ''[[Katsudō Shashin]]'', está
fechada en el año [[1907]]. Se trata de un pequeño fragmento de 4 segundos de duración descubierto en
2005. Sin embargo, fue la compañía Tennenshoku Katsudō Shashin (Tenkatsu) quien produce la
primera manifestación significativa, al encargar en [[1916]] al dibujante de [[manga]] Ōten Shimokawa
una película del género. En aquella época no existía documentación en [[Japón]] sobre las técnicas de
animación, por lo que la tarea de Shimokawa no fue fácil. No obstante, consiguió realizar el que se
considera el primer filme de animación japonesa, ''[[Imokawa Mukuzō Genkanban no Maki]]'' —
literalmente "Mukuzo Imokawa y el guardián de la entrada"—, estrenado en enero de [[1917]]. Por su
parte, el pintor de estilo occidental Seitaro Kitayama, interesado por las películas extranjeras de
animación que veía, presenta un proyecto de realización propia a la compañía [[Nikkatsu
Corporation|Nippon Katsudo Shashin]] (Nikkatsu), que esta acepta encargarle. Kitayama tampoco era
un experto en la animación, pero a base de pruebas y errores, consiguió terminar ''Saru Kani Gassen''
—literalmente "La batalla del mono y el cangrejo"—, basada en el [[cuento]] popular japonés ''[[Saru
Kani Gassen]]'', que fue estrenada en mayo de [[1917]]. Shimokawa y Kitayama comenzaron la
realización de sus películas en [[1916]], coincidiendo con la puesta en marcha del dibujante de manga
de corte político Sumikazu Kouchi, que por encargo ahora de la compañía Kobayashi Shokai,
estrenaría en junio de [[1917]] ''Hanawa Hekonai, Meitō no maki'' —literalmente "Hekonai Hanawa y
su nueva espada"—, con un [[samurái]] como protagonista.

La historia del cine de animación japonés comienza efectivamente en 1917 gracias a los trabajos de
estos tres pioneros, pero no se conserva copia de ninguna de estas películas por lo que se desconocen
otros datos. La de Kouchi fue la más elogiada de ellas por las críticas de la época, siendo además la
primera en rodarse, aunque se estrenará después de las otras dos.

Shimokawa llegó a realizar cinco películas de animación, pero debido a la [[Exposición

(fotografía)|sobreexposición]] y al [[reflejo]] luminoso que conllevaba el proceso, sus [[ojo]]s
experimentaban gran cansancio, por lo que decidió abandonar este trabajo y volver a dibujar [[manga]].
Kouchi también se apartó del cine de animación tras realizar cuatro películas, pero luego volvería
temporalmente a este campo debido a que personalidades de la esfera política le encargaron cortos de
propaganda. Por el contrario, Kitayama se dedicó plenamente a la realización de películas de
animación. Comenzó empleando como ayudantes a jóvenes aspirantes a pintores, a los que enseñaba
las técnicas del dibujo animado. Kitayama, que en [[1917]] llegó a realizar hasta diez películas,
presenta ese mismo año una película basada en el personaje infantil [[Momotarō]], que consigue
exportar a [[Francia]], convirtiéndose en el primer producto de animación japonesa que llegó a
occidente. Kitayama crea sus propios estudios de cine en [[1921]] pero el [[gran terremoto de Kantō]]
de [[1923]] destruyó sus instalaciones de [[Tokio]], por lo que decide mudarse a [[Osaka]]. Allí se
aparta de los dibujos animados para dedicarse a rodar documentales informativos para una empresa de
noticias local. No obstante, la gran importancia de la labor de Kitayama residirá en haber enseñado las
técnicas de la animación a una serie de jóvenes que proseguirán el trabajo que él empezó.

Uno de estos fue Sanae Yamamoto, cuyo nombre original era Zenjiro Yamamoto. Era un aspirante a
pintor que acudió a trabajar a los estudios de Kitayama, donde quedó fascinado por el mundo del dibujo
animado. Al marcharse su maestro de [[Tokio]], Yamamoto decidió independizarse y formar sus
propios estudios de animación. En [[1925]] realizó ''Ubasute yama'' —literalmente "La montaña donde
se abandona a los viejos"—, que tiene como tema el respeto y cuidado de los [[anciano]]s. Consiguió el
patrocinio de la Secretaría de Educación para una serie de películas de animación de corte educativo, y
entre sus obras más representativas se encuentran ''Usagi to Kame'' —literalmente "El conejo y la
tortuga", [[1924]]— y ''Nippon-ichi Momotarō'' —literalmente "Momotarō, el número 1 de Japón",
[[1928]]—.

También de esta época es ''Shiobara Tasuke'', dirigida por Hakuzan Kimura. Este trabajaba pintando
murales de anuncios para las salas cinematográficas, pero cambió su profesión para dedicarse a los
dibujos animados, y pronto destacó por sus historias de samuráis. En [[1932]] rueda la primera película
erótica de la animación japonesa, ''Suzumi-Bune'' —literalmente "El paseo nocturno en barco"—, que
le cuesta ser detenido por la [[policía]] y la confiscación de la película. Kimura, individuo del que se
desconocen muchas cosas, entre ellas las fechas de nacimiento y muerte, se retiró tras este incidente.
Existen rumores de que una copia fue vendida ilegalmente al extranjero, pero en cualquier caso
''Suzumi-Bune'' se convirtió en una película fantasma, imposible de ver. Al parecer se trataba de un
traslado a la pantalla del mundo erótico creado por los artistas del [[Ukiyo-e]] del [[período Edo]].

Otro discípulo de los pioneros —en este caso de Sumikazu Kouchi— fue Noburō Ōfuji, que empezó la
producción de dibujos animados gracias a la ayuda económica de su hermana mayor, Yae. Su primera
película fue ''Bagudajo no tozoku'' —literalmente "El ladrón del castillo de Baguda", [[1926]]—. Como
material de trabajo utilizaba el tradicional papel ''chiyo'', popular desde el período Edo, pero sus colores
no pudieron ser recogidos por la fotografía en blanco y negro de la época. Ōfuji también realizó varias
películas de animación con siluetas, como fue el caso de ''Kujira'' —literalmente "La ballena",
[[1927]]—, cuyas imágenes hizo acompañar con la música de la ópera ''[[Guillermo Tell
(ópera)|Guillermo Tell]]'' de [[Gioachino Rossini|Rossini]]. Ōfuji dedicó mucho tiempo a estudiar la
posibilidad del [[cine sonoro]] y en color, y gracias a la ayuda de su hermana, consiguió realizar casi
todas sus películas prácticamente sólo.

En [[1923]], año del [[gran terremoto de Kantō]], Yasuji Murata ingresó en la recién formada
Yokohama Cinema Shokai, en principio dedicada a la importación de películas extranjeras. Murata
comenzó a trabajar allí pintando esporádicamente murales de películas para los cines, pero el
presidente de la compañía le contrató como empleado fijo al ver su talento para el dibujo. Murata
también escribía los rótulos para las películas extranjeras de la compañía, pero, impresionado por las
películas de animación de John Randolph Bray que aquella importaba, propuso a su presidente la
producción propia de cintas similares. Autodidacta de la materia, Murata escogió una popular historia
infantil para su primera realización, ''Saru Kani Gassen''. Desde entonces hasta que dejó la compañía en
[[1937]], Murata rodó cerca de 30 películas de dibujos animados, la mayoría de corte educativo.

=== Primeros adelantos técnicos ===

[[Archivo:Chikara to Onna no Yo no Naka screenshot.jpg|thumb|Fotograma de la película de [[1933]]
''[[Chikara to onna no yo no naka]]'', la primera película de animación japonesa sonora.]]
Normalmente el trabajo de animación era muy laborioso. La empresa Yokohama Cinema Shokai se
adelantó a sus competidores al comprar una nueva cámara de motor automático que no requería mover
una manivela, lo cual permitía acelerar el trabajo. La primera película rodada con esta cámara fue
''Kaeru wa kaeru'' —literalmente "Una rana es una rana", [[1929]]—, encargada nuevamente a Yasuji
Murata.

Para el cine de animación, el [[celuloide]] es un material indispensable, pero en Japón no se fabricaba.

El celuloide comenzó a distribuirse con profusión Estados Unidos a finales de [[1914]] con los trabajos
de Earl Hurd, quien además lo patentó. Como producto de importación, el celuloide era muy caro en
Japón, por lo que en su lugar se empleaba una especie de [[cartulina]] sobre la que se dibujaban los
personajes, que luego se recortaban y fotografiaban —[[animación con recortes]]—. Murata era un
maestro de esta técnica y no tenía nada que envidiar a sus competidores que usaban celuloide. Como
título más representativo de animación con recortes destaca su ''Tsuki no miya no Oujo-sama'' —
literalmente "La reina del Castillo de la Luna", [[1934]]—.

El primero en utilizar en [[Japón]] el tan preciado celuloide para el cine de animación fue Kenzō
Masaoka, nacido en una familia adinerada de [[Osaka]]. Tras estudiar dibujo en una escuela de artes,
inicialmente entra en el mundo del cine como actor, abandonando poco después en favor de la
realización de dibujos animados. Su primera película fue ''Nansensu monogatari dai ippen
Sarugashima'' —literalmente "La absurda historia de la isla de los monos", [[1930]]—, acerca de un
muchacho criado por un mono. Masaoka realizó también la primera película de animación sonora,
''[[Chikara to onna no yo no naka]]'' —literalmente "Las mujeres y la fuerza mueven el mundo",
[[1932]]—, donde utilizó parcialmente el todavía caro celuloide. Masaoka no escatimó en gastos para
aumentar la calidad de sus películas, y así a partir de ''Chagama ondo'' —literalmente "El ritmo de la
tetera", [[1934]]— empleó el celuloide para el total de sus obras. Otro de sus títulos, ''Mori no yosei'' —
literalmente "El hada del bosque", [[1935]]— recibió elogios de sus colegas en el mundo de la
animación y fue comparado a los cortos ''[[Silly Symphonies]]'' de [[Walt Disney]].

Mientras que la mayoría de los cineastas contemporáneos se dedicaban a hacer películas de propaganda
bélica para el ejército nacional, Masaoka realizó durante la guerra una obra de gran poesía que hará
olvidar las penurias de la época y que quedará para la posteridad del género, ''Kumo to Chūrippu'' —
literalmente "El tulipán y la araña", [[1944]]—. De sus cintas de posguerra, la más representativa fue
''Suteneko tora-chan'' —literalmente "Tora, el gato abandonado", [[1947]]—, sobre una gata que decide
criar a un gatito que ha sido abandonado. Masaoka, por haber sido el primero en introducir el celuloide
en los dibujos animados y el primero también en realizar una película sonora de esta modalidad, ha sido
llamado «el padre de la animación japonesa» y es respetado como tal.

=== Segunda Guerra Mundial ===

[[Archivo:Momotaro's Divine Sea Warriors-screeny.JPG|thumb|''[[Momotarō, dios de las olas]]'', el
primer largometraje de anime con audio realizado en 1943.]]

En [[1933]], [[Mitsuyo Seo]] es contratado por los estudios de [[Kenzō Masaoka]]. Seo era un
dibujante que destacó pronto por la gran rapidez con que realizaba su trabajo, que fue decisiva en la
anteriormente citada ''[[Chikara to onna no yo no naka]]''. Seo, que aprendió la técnica de sonorización
de Masaoka, pronto se independizó. Su primera película fue ''[[Osaru no Sankichi bokusen]]'' —
literalmente ''Sankichi el mono. Defensa antiaérea'', [[1933]]—, que recibió muy buenas críticas.

El [[7 de diciembre]] de [[1941]] Japón ataca la base [[Estados Unidos de América|estadounidense]] de

[[ataque a Pearl Harbour|Pearl Harbour]], comenzando su participación en la [[II Guerra Mundial]].
Entonces, la [[Armada Imperial Japonesa|Armada Imperial]] encargó a Seo una película de propaganda
que realzara los éxitos militares del Japón a los más jóvenes. Así, con un equipo de cinco personas, Seo
realizó la película de dibujos animados ''[[Las águilas marinas de Momotarō|Momotarō no Umiwashi]]''
—literalmente ''Las águilas marinas de Momotarō'', [[1942]]—, de 37 minutos de duración, que a pesar
de su descarado carácter propagandístico, tuvo gran éxito entre el público infantil. La película la
protagoniza el personaje de los cuentos infantiles [[Momotarō]], capitán de un portaaviones, y por
perros, monos y perdices que eran los pilotos de aviación. La flota enemiga es dirigida por un personaje
de gran parecido con [[Bluto]], antagonista de [[Popeye]], que se dedica a correr de un lado para otro
huyendo de los ataques japoneses.

Seo entró a formar parte de la [[Shochiku Doga Kenkyusho]], donde también trabajaba [[Kenzō
Masaoka]], y allí vuelve a recibir un encargo de la [[Armada Imperial Japonesa|Armada]]. En enero de
[[1942]], el Cuerpo de Paracaidistas de la Armada había descendido sobre la isla de
[[Célebes|Sulawesi]] —[[Indonesia]]—, conquistando la base americana, así que se decidió airear
también este primer éxito del cuerpo ante los niños japoneses con otra película de dibujos. De esta
manera se gestó la realización de ''[[Momotarō, dios de las olas|Momotarō - Umi no Shinpei]]'' —
''Momotarō, dios de las olas'', [[1943]]—, con un equipo de 70 personas, el mayor hasta entonces en la
historia de la animación, y un tiempo total de elaboración de 14 meses. Finalmente se consiguió toda
una superproducción de 74 minutos de duración, aunque el equipo se había reducido a 25 personas por
haber sido llamado a filas parte del personal masculino y a las fábricas de armamento el femenino.
Terminada la guerra, Seo realizó en 1947 ''[[Ōsama no shippo]]'' —literalmente ''La cola del rey''—,
vagamente inspirada en el famoso cuento de [[Hans Christian Andersen]] ''[[El traje nuevo del
emperador]]'', pero la película no se llegó a estrenar. Después de esto, Seo dejó el cine y se dedicó a
dibujar para las revistas de niños, o a diseñar personajes para adornar la ropa infantil.

En [[1933]] se estrenó ''[[Ugoku-e Kori no tatehiki]]'' —literalmente ''El duelo del zorro y el tejón en
dibujos animados''—, que contaba una historia protagonizada por unos [[Meles meles|tejones]] que
viven en un [[templo]] [[budismo|budista]]. Un [[kitsune|zorro]] que ha adoptado la forma de
[[samurái]] llega al templo, sucediéndose un duelo de transformaciones entre los tejones y el zorro que
termina con la derrota de este último. Entre los gags que aparecen en la película, está el del zorro-
samurái disparando una [[ametralladora]]. El director fue [[Ikuo Oishi]], quien tras filmar un anuncio
en dibujos animados para una fábrica de chocolate, decidió dedicarse a la realización de cine de
animación. Su obra más representativa fue ''[[Futatsu no taiyô]]'' —literalmente ''Los dos soles'',
[[1929]]—, pero con el estallido de la guerra se dedicó a realizar películas de instrucción para la
[[Armada Imperial Japonesa|Armada]]. Durante uno de estos trabajos, el barco en el que volvía de
rodar unas tomas en el extranjero es hundido por un submarino norteamericano, y Ikuo Oishi falleció.

En [[1940]] se estrenó una adaptación en dibujos animados de la famosa ópera de [[Puccini]]

''[[Madame Butterfly]]'', ''[[Ocho-fujin no genso]]'' —literalmente ''Fantasía sobre la Dama
Mariposa''—, realizada por el sistema de animación con siluetas y firmada por [[Kazugoro Arai]] y su
amigo [[Tobiishi Nakaya]]. Arai, que al igual que Tobiishi en realidad ejercía como dentista, decidió
dedicarse a la animación por sombras tras quedar fuertemente impresionado por la visión de la alemana
''[[Las aventuras del príncipe Achmed|Prinzen Achmed]]'' —[[1926]]— de [[Lotte Reiniger]]. En los
ratos libres que les dejaba su profesión, ambos se dedicaron a estudiar el mundo de la animación,
llegando a convertirse en profesionales. En [[1942]] Tobiishi murió como consecuencia de la guerra,
pero Arai continuó su trabajo en solitario. De sus obras más representativas destacan [[Ogon no
tsuribari]] —literalmente ''El anzuelo de oro'', [[1939]]—, ''[[Jack to Mame no Ki]]'' —literalmente
''Jack y la mata de habichuelas'', [[1941]]— y ''[[Kagee eiga: Kaguya hime]]'' —literalmente ''La
princesa resplandeciente'', [[1942]]—.

=== Posguerra ===

Con la derrota de [[Japón]] en agosto de [[1945]] termina la [[II Guerra Mundial]], constituyéndose en
octubre del mismo año la [[Shin Nihon Dogasha]], dedicada a la producción de películas de dibujos
animados, con [[Sanae Yamamoto]] y [[Kenzō Masaoka]] como figuras principales. Centrada en
[[Tokio]], llegó a reunir hasta 100 personas para dedicarse al mundo de la animación, pero la falta de
trabajo obligó a disolver la recién nacida compañía. En [[1947]], contando entonces con la
colaboración de [[Yasuji Murata]], se formó en su lugar la [[Nihon Manga Eigasha]], donde Masaoka
concluyó ''[[Sakura (película)|Sakura]]'' —literalmente ''El cerezo''—, obra que describe las bellezas de
[[Kioto]] a lo largo de las cuatro estaciones pero que, sin embargo, no llegó a estrenarse. Tras ello, en
[[1948]] Yamamoto y Masaoka decidieron independizarse de Nihon Manga Eigasha para formar la
[[Toei Animation|Nihon Doga Company]].

En septiembre de [[1950]], con gran retraso, se estrenó en Japón la película de [[The Walt Disney
Company|Disney]] ''[[Snow White and the Seven Dwarfs|Blancanieves y los siete enanitos]]'' —
[[1937]]—, que según se dice, el director de animación [[Osamu Tezuka]] vio unas 50 veces. En
[[1952]] [[Noburō Ōfuji]] rueda un ''[[Adaptación (artes audiovisuales)|remake]]'' de su película de
[[1927]] ''[[Kujira (1927)|Kujira]]''. A la idea primitiva de animación por sombras, Ōfuji añadió la
inspiración de las vidrieras occidentales para utilizar celofán coloreado. En el [[Festival de Cannes]] de
[[1953]] compitió en la sección de cortos, pero finalmente el premio se lo llevó ''[[Crin Blanc]]'' —
[[Albert Lamourisse]], [[1953]]—, quedando su obra en segundo puesto. Se dice que [[Pablo Picasso]]
vio entonces este trabajo de Ōfuji, por el que quedó fuertemente impresionado. Poco después, la
película de animación por siluetas ''[[Nazo no yurei-sen]]'' —literalmente ''El barco fantasma'',
[[1956]]— consigue un premio especial en [[Festival Internacional de Cine de Venecia|Venecia]], con
lo que el nombre de Ōfuji pasa a ser reconocido en el extranjero.

En enero de [[1950]], el dibujante [[Ryūichi Yokoyama]], conocido por el [[manga]] ''[[Fuku-chan]]'',

decidió dedicarse al mundo de la animación tras haber visto el corto de [[The Walt Disney
Company|Disney]] ''[[The Skeleton Dance]]'' —[[1929]]—, que se había estrenado en Japón en
[[1930]]. Para ello, compró una cámara de 16 mm y convirtió su casa en estudio de cine, que
llamó [[Otogi Productions]], comenzando el trabajo en marzo del mismo año con un equipo de seis
personas. Su primera película fue el mediometraje ''[[Onbu o-bake]]'' —literalmente ''El duende a
hombros''—, de la que hizo una proyección en sala privada en diciembre de [[1955]], con asistencia de
varias personalidades de la esfera cultural, entre ellas [[Yukio Mishima]]. Su segunda película fue
''[[Fukusuke]]'', que se estrenó en salas comerciales en octubre de [[1957]]. Al año siguiente utilizó el
amplio terreno del jardín de su casa para construir unos estudios mayores, aumentando su equipo a 23
personas. Tras ello realizó su tercera película, ''[[Hyotan suzume]]'' —[[1959]]—, que cuenta la lucha
contra unas ranas malvadas que han roto la paz de una aldea de pacíficas congéneres. A continuación
estrenó ''[[Otogi no sekai ryoko]]'' —literalmente ''Viaje alrededor del mundo'', [[1962]]—, compuesta
por cinco partes, la tercera de los cuales, ''[[Tatsumaki ni sukareta akai shatsu]]'' —literalmente ''La
camisa roja que se llevó el ciclón''—, tiene el interés adicional de remitirse al estilo del [[ukiyo-e]].

[[Otogi Productions]] necesitó considerables préstamos de dinero para poder realizar largometrajes,
pero no consiguió recuperar la inversión realizada, por lo que terminó en bancarrota en [[1972]].
Yokoyama termina así su labor pero contribuyó a la formación de nuevos técnicos del género. Uno de
ellos, [[Shinichi Suzuki]], llegó a realizar por su cuenta un cortometraje de ciencia-ficción titulado
''[[Purasu 50 000 nen]]'' —''50 000 años después'', [[1961]]—, que recibió buenas críticas
en [[Francia]] con motivo de su proyección en el [[Festival Internacional de Cortometrajes]].
=== Bunraku ===
[[Archivo:The Life Of Oharu.0-45-36.732.jpg|thumb|Fotograma de ''[[Saikaku Ichidai Onna]]'' (1952)
en el que se ve una de estas marionetas del ''[[bunraku]]''.]]
[[Archivo:Kihachiro Kawamoto 2006 Ottawa.JPG|thumb|[[Kihachirō Kawamoto]] en 2006 junto a una
marioneta del género.]]
En [[Japón]] existe un teatro tradicional de muñecos llamado ''[[bunraku]]'', que todavía se representa
de vez en cuando. En el cine de animación existe también la variante de películas de marionetas, cuyo
exponente más conocido está en la cinematografía [[República Checa|checa]]. [[Tadahito Mochinaga]]
([[1919]]-[[1999]]) fue el primero en producir animación basada en el ''bunraku'', y enseñó esta técnica
para el cine de animación a los realizadores chinos. Mochinaga, discípulo de [[Mitsuyo Seo]], había
sido encargado de realizar películas en [[China]] durante la guerra, y permaneció allí hasta [[1955]]. Al
regresar a Japón formó la [[Ningyo Eiga Seisakusha]], dedicada al cine de marionetas y que ofreció
nueve títulos, de los cuales destacan ''[[Uriko-hime to amanojaku]]'' —literalmente ''La princesa Uriko
y el diablo rabioso'', [[1956]]— y ''[[Chibikuro Sambo no tora taiji]]'' —''El negrito Sambo vence al
tigre'', [[1956]]—. Este último consiguió el premio a la mejor película infantil en el [[Festival de Cine
de Vancouver]].

Como discípulos más aventajados de [[Tadahito Mochinaga]] en el cine de marionetas destacaron

[[Kihachirō Kawamoto]] ([[1924]]) y [[Tadanari Okamoto]] ([[1932]]-[[1990]]). Kawamoto, tras una
etapa trabajando con Mochinaga, viajó a [[Checoslovaquia]] en [[1963]] para conocer a su admirado
[[Jiří Trnka]] ([[1912]]-[[1969]]), gracias al cual perfeccionó la técnica de animación de marionetas. De
vuelta a Japón realizó con producción propia títulos de esta modalidad como ''[[Hanaori]]'' —
literalmente ''La flor arrancada'', [[1968]]—, ''[[Oni (película)|Oni]]'' —literalmente ''El demonio'',
[[1972]]—, ''[[Dōjōji]]'' —literalmente ''El templo de Dojo'', [[1976]]— y ''[[Kataku]]'' —[[1979]]—,
en su mayor parte basados en piezas tradicionales del teatro [[Nō]] o el [[Kyōgen]].
Kawamoto consiguió varios premios en festivales internacionales, por lo que dio su nombre a conocer
en el extranjero. [[Tadanari Okamoto]], que aprendió también la técnica de Mochinaga, se independizó
para formar la [[Eko sha]], dedicada al público infantil. Sus trabajos más representativos fueron
''[[Fushigi na Kusuri]]'' —literalmente ''Un medicamento extraño'', [[1965]]—, ''[[Home my home]]'' —
[[1970]]—, ''[[Chiko tan]]'' —[[1971]]— y ''[[Okon joruri]]'' —[[1982]]—.

== La industria de la animación ==

=== Toei Doga ===

En agosto de [[1958]] nació la mayor productora de cine de animación de [[Japón]], [[Toei
Animation|Toei]]. [[Hiroshi Okawa]], presidente de la productora, se fijó en sus viajes al extranjero en
el cine de dibujos animados norteamericano, y decidió poner los medios necesarios para el crecimiento
en calidad del género en Japón hasta hacerlo exportable y competitivo. Hasta entonces, los productores
japoneses de cine de animación contaban con instalaciones muy pobres y equipos reducidos, por lo que
no era posible realizar largometrajes tan notables como los occidentales, ni alcanzarles tampoco en
longitud o volumen. Okawa, tras estudiar la situación del género en Japón, decidió comprar la
compañía [[Nichido Eiga]] de [[Sanae Yamamoto]], pasando éste y sus 23 empleados a formar parte de
Toei, que crea la subdivisión [[Toei Doga]].

Okawa, al son de su lema favorito, «tenemos que convertirnos en la Disney de Oriente», construyó
unos estudios de tres plantas con todas las facilidades modernas, y puso al frente de estos a Yamamoto
como máximo responsable. Su primer y espectacular trabajo fue ''[[Hakujaden]]'' —''La leyenda de la
serpiente blanca'', [[1958]]—, superproducción de 78 minutos en la que trabajaron 109 personas y que
se convirtió en el primer largometraje en color del cine de animación japonés.

Gracias al éxito de esta primera producción, Okawa se marcó el objetivo de estrenar un largometraje de
animación por año. Uno de los que recibió mayor aceptación de crítica y público fue ''[[Wanpaku Ōji
no Orochi Taiji]]'' —literalmente ''El valeroso príncipe derrota a la serpiente gigante'', [[1963]]—,
dirigida por [[Yugo Serikawa]] ([[1931]]-[[2000]]), que procedía del cine de imagen real, donde era
ayudante de dirección de [[Nobuo Nakagawa]] y [[Kyōtarō Namiki]] en [[Shintoho]]. Entre los
ayudantes de Serikawa en esta película estaba el aún desconocido [[Isao Takahata]], así como [[Yasuo
Ōtsuka]] ([[1931]]), que era un funcionario dedicado a la lucha anti-drogas que dejó su trabajo para
dedicarse a la animación.

[[Archivo:Isao Takahata.jpg|thumb|[[Isao Takahata]] en 2014.<br/>Takahata y [[Hayao

Miyazaki|Miyazaki]], ambos empleados de Toei, abandonaron el estudio para fundar el suyo propio,
[[Studio Ghibli]].]]
Takahata realizó otra de las obras maestras del cine de animación de [[Toei Doga]], ''[[Las aventuras de
Hols: Príncipe del sol|Taiyou no ouji Horusu no daibouken]]'' —literalmente ''Las aventuras de Horus,
Príncipe del Sol'', estrenada en [[España]] como ''La princesa encantada'', [[1968]]—, basada en una
mezcla de la saga [[Yukara]] con leyendas escandinavas y que contaba la lucha del valeroso príncipe
Horus contra el país de los hielos y la nieve, dominado por un ser malvado y su hermana menor Hilda,
obligada a su pesar a obedecerle. Hilda, que posee una hermosa voz, es incapaz de resistirse a las
órdenes de su hermano e intentará destruir la aldea donde vive Horus. Este tipo de tormento
psicológico por la lucha entre el bien y el mal de un personaje, además femenino, no se había visto
nunca en el cine de animación, por lo que fue muy comentado. El responsable principal de este retrato
psicológico fue [[Yasuji Mori]] ([[1925]]-[[1992]]), mientras que el joven desconocido que se encargó
del diseño de los paisajes de la aldea fue [[Hayao Miyazaki]] ([[1941]]), que ganó prestigio entre la
profesión gracias a ello. ''La princesa encantada'' tenía como tema central la necesidad de unirse para
hacer frente a las dificultades, una actitud que irónicamente rodeó su filmación, pues mientras el equipo
mostraba ganas de trabajar frente la productora no paraba de poner pegas ante la continua escalada del
presupuesto y la prolongación del trabajo. De hecho, estuvo a punto de paralizarse la producción de la
película, pero gracias a la insistencia con que Takahata y su equipo defendieron su causa ante sus jefes,
pudo terminarse. A pesar de las buenas críticas que cosechó, la película, que había costado una fortuna,
sufrió un duro fracaso comercial, del que Takahata fue obligado a hacerse responsable con una bajada
de categoría y sueldo más que notable. Ante ello, Takahata y Miyazaki deciden abandonar Toei poco
después y buscar la forma de continuar realizando libremente películas de dibujos animados. Otros
títulos representativos de Toei Doga fueron ''[[Wan wan chushingura]]'' —literalmente ''Rock el
valiente'', [[1963]], [[Daisaku Shirakawa]]—, ''[[El gato con botas (película de 1969)|Nagagutsu o haita
neko]]'' —''El gato con botas'', [[1969]], [[Kimio Yabuki]]—, [[Dōbutsu takarajima]] —''La isla del
tesoro'', [[1971]], [[Hiroshi Ikeda]] y [[Yasuji Mori]]— y ''[[Tatsu no ko Tarô]]'' —''Taro, el hijo del
dragón'', [[1979]], [[Kirio Urayama]]—.

Toei Doga, que en [[1998]] cambió su nombre por el de [[Toei Animation]], se adelantó a sus
competidores al empezar en [[1993]] la digitalización del proceso de animación, que sustituyó a los
largos procesos tradicionales y que hoy día es empleada en la casi totalidad del género producido en
Japón. Por ello, a Okawa le corresponde no sólo el mérito de haber apostado por la animación japonesa
consiguiendo llevarla hasta un nivel que permitiese su exportación a todo el mundo, sino también el de
haber producido su digitalización, creando con ambas decisiones las bases para su crecimiento y
difusión.

=== Osamu Tezuka ===

[[Archivo:Osamu Tezuka 1951 Scan10008-2.JPG|thumb|[[Osamu Tezuka]] en 1951.]]
[[Osamu Tezuka]] ([[1928]]-[[1989]]) fue también una figura clave. Era un estudiante de medicina que
se vio obligado a trabajar en las fábricas durante la guerra. En abril de [[1945]], un día que descansaba
de la fábrica, vio la película de [[Mitsuyo Seo]] ''[[Momotarō, dios de las olas|Momotarō, mi no
shinpei]]'' —''Momotarō, dios de las olas'', [[1943]]— que, según lo que anotó en su diario, le dejó
impresionado hasta el punto de prometerse realizar algún día su propia película de dibujos. Con objeto
de concretar este sueño, en [[1961]] formaría su propia compañía, [[Mushi Production]].

Su primera obra, de carácter experimental, es ''[[Aru machikado no monogatari]]'' —literalmente

''Historia de un rincón de la calle'', [[1962]]—. Con un trasfondo [[Antimilitarismo|antimilitarista]], los
protagonistas son las paredes de una ciudad, testigos de una apasionada historia de amor entre el póster
de un violinista y el póster de una pianista, romance que será interrumpido continuamente por los
pósteres de un [[dictador]]. Con una duración de 39 minutos y un tono poético, Tezuka coordinó el
montaje y la dirección, contando en este último apartado con la ayuda de [[Eiichi Yamamoto]]
([[1936]]), procedente de [[Otogi Productions]], y [[Yusaku Sakamoto]], que venía de Toei Doga.
=== Series para televisión ===
[[Archivo:Tetsuwan Atom logo.png|thumb|La primera serie de televisión de la animación nipona fue
''[[Astroboy]]''.]]
La siguiente realización de [[Mushi Production]] fue una serie para la pequeña pantalla. La televisión
comenzó sus emisiones en [[Japón]] en [[1953]], y las primeras muestras de animación que se
televisaron procedían de [[Estados Unidos de América|Estados Unidos]], con gran popularidad entre el
público infantil. [[Toei Doga]] también se planteó la posibilidad de crear series de dibujos para la
televisión, pero una entrega por semana suponía un trabajo demasiado pesado para ser rentable, por lo
que abandonó la idea. En cambio, Tezuka, al frente de [[Mushi Production]], decidió afrontar el reto
que ello suponía, naciendo así la primera serie de la animación japonesa, con entregas semanales de 30
minutos.

El tema elegido fue el personaje de [[manga]] que el propio Tezuka había creado para aparecer
periódicamente en una revista [[shōnen]], el robot Tetsuwan Atomu, conocido en occidente como
[[Astroboy]]. El laborioso trabajo que suponía hacer cuatro entregas mensuales se llevó a cabo por el
sistema de [[animación limitada]], que empleaba la menor cantidad posible de [[celuloide]]. En enero
de [[1963]] se empieza a emitir la serie, que se ganó enseguida la aceptación infantil, llegando hasta un
tercio de la audiencia. Tras ello, [[Toei Doga]] decide aprovechar el fenómeno y en noviembre del
mismo año produce ''[[Ōkami shōnen Ken]]'' —literalmente ''Ken, el niño lobo'', [[Sadao Tsukioka]]—,
según una historia original que en cierto modo se acercaba a la de ''[[El libro de la selva]]'' de
[[Rudyard Kipling]].

Otra de las obras más conocidas de Tezuka es ''[[Janguru Taitei]]'' —literalmente ''El imperio de la
jungla'', [[1966]]—, y la primera del medio que utiliza el color. Sin embargo, en aquella época la
televisión en color era un lujo que pocos podían permitirse, por lo que la mayor parte de los niños tuvo
que verla en blanco y negro.

Estas obras de [[Mushi Production]] para televisión consiguieron exportarse a [[Estados Unidos de
América|Estados Unidos]], donde Tetsuwan Atomu fue rebautizada como Astroboy y ''Janguru Taitei''
como ''Kimba, El León Blanco'', nombres con que más tarde saltarían a [[Europa]].

=== Los robots gigantes ===

[[Archivo:Mecha samurai.jpg|thumb|Las series de robots gigantes consagraron un género propio, el
[[Mecha (vehículo)|mecha]].]]
Gracias al éxito de las series de televisión de Mushi Production y Toei Doga, surgió la competencia por
parte de otras productoras. Cualquier género era susceptible de ser usado: deportes, fantasía, aventuras,
series para chicos y para chicas... Al igual que ''[[Astroboy]]'', muchas de estas series se emitieron en el
extranjero. En la [[Años 1960|década de los 60]] comenzó el tema de los robots gigantes con el anime
en blanco y negro ''[[Tetsujin 28-gō]]'' —exportada como ''Gigantor''—, de la productora Tele-Cartoon
Japan —[[Eiken (estudio)|Eiken]] en la actualidad—, basado en el manga homónimo de [[Mitsuteru
Yokoyama]]. Sin embargo, no fue hasta principios de los [[Años 1970|años 70]] cuando comenzó el
auge de las series de robots gigantes con a ''[[Mazinger Z]]'', basada en los personajes creados por [[Gō
Nagai]], a la que seguirían varias imitaciones. Parte de estas series se exportaron, pero algunas de ellas
resultaron problemáticas en países como [[Francia]] o [[Filipinas]].

También hubo series de carácter educativo basadas en la literatura occidental, algunas mundialmente
famosas como ''[[Heidi (anime)|Heidi]]'' ([[1974]]), ''[[El perro de Flandes (anime)|El perro de
Flandes]]'' ([[1975]]) o ''[[Marco, de los Apeninos a los Andes]]'' ([[1976]]). De éstas, [[Heidi
(anime)|Heidi]] fue dirigida principalmente por [[Isao Takahata]], mientras que el diseño y paisajes de
las escenas corrió a cargo de [[Hayao Miyazaki]]. Incluso viajaron a [[Suiza]] para buscar paisajes
reales que luego pudieran utilizar. La serie se emitió en [[Italia]] en [[1976]], pero muchos pensaron
que se trataba de una serie italiana y no japonesa.

Fue gracias a la serie ''[[Space Battleship Yamato|Uchū Senkan Yamato]]'' —exportada como ''Space
Battleship Yamato'' o ''Star Blazers'', [[1974]]— la animación japonesa llegó a ser reconocida. En su
primera retransmisión no consiguió una repercusión destacada, pero sí en su segundo pase, y a partir de
que se efectuase un remontaje para su exhibición en salas cinematográficas, que provocó que los
jóvenes hicieran cola ante los cines desde la noche anterior al estreno, fue recogido por todos los
periódicos del momento como fenómeno sociológico. El creador de los personajes de esta serie fue
[[Leiji Matsumoto]], y gracias al éxito de ''Uchū Senkan Yamato'', otras de sus obras fueron adaptadas a
la pantalla. De éstas, la más popular fue ''[[Galaxy Express 999]]'', cuyas adaptaciones para el cine,
realizadas por [[Rintaro]], comenzaron a estrenarse en [[1979]].

En [[1979]] se emitió la serie de robots gigantes ''[[Mobile Suit Gundam]]'' de [[Yoshiyuki Tomino]]
([[1941]]), pero no consiguió gran audiencia. No obstante, la alcanzó en su segunda emisión, llegando
también a montarse ediciones especiales para su estreno en salas de cines (7 películas entre el año
[[1981]] y el [[2002]]). De la saga ''[[Gundam]]'' se emitieron hasta seis series distintas. Se vendieron
perfectamente todo tipo de juguetes y reproducciones de robots inspirados en ''[[Gundam]]''.

=== El formato OVA ===

El formato [[OVA]] ''(Original Video Animation)'' tuvo su punto álgido a comienzos de la década de los
[[Años 1980|80]]. Se trata de producciones lanzadas directamente al ámbito doméstico, sin haber sido
emitida previamente por televisión o estrenada en cines. La mayor calidad de estas producciones, junto
con la situación económica de [[Japón]], hizo que este formato compitiera con las series televisivas que
los seguidores del género se daban el lujo de comprar.
El primer OVA fue el de ''[[Dallos]]'' realizado en diciembre de [[1983]]. Era un anime de ciencia
ficción que fue fruto del pionero esfuerzo del [[estudio Pierrot]], que se aventuró en este nuevo y
desconocido mercado.

<!-- He puesto la imagen de la siguiente sección encima del título debido al pequeño tamaño de la
sección -->
[[Archivo:Dragon Ball anime logo.png|thumb|Series como ''[[Dragon Ball]]'', ''[[Saint Seiya|Los
Caballeros del Zodíaco]]'' o ''[[Sailor Moon]]'' tuvieron un gran éxito en lugares de todo el mundo.]]
<!-- He puesto la imagen de la siguiente sección encima del título debido al pequeño tamaño de la
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=== Finales del siglo XX ===

Las décadas de los [[Años 1980|80]] y [[Años 1990|90]] trajeron coincidencias con la irrupción a gran
escala del [[anime]] en occidente, entre cuyos principales exponentes estuvieron series como
''[[Doraemon]]'', basada en el manga de [[Fujiko F Fujio]]; [[Shin Chan]]; ''[[Hokuto no Ken]]'', basada
en el manga homónimo de [[Buronson]] y [[Tetsuo Hara]]; ''[[Dragon Ball]]'', basada en el manga
homónimo de [[Akira Toriyama]]; ''[[Saint Seiya]]'', exportada como ''Los Caballeros del Zodiaco'';'
''[[Capitán Tsubasa]]'', conocida en el mundo hispano como ''Oliver y Benji'' o ''Supercampeones'';
''[[Rurouni Kenshin]]'', que fue titulada ''El guerrero samurái'' o ''Samurái X''; ''[[Slayers]]'', más
conocida en el mundo hispano como ''Rina y Gaudi'' o ''Justicieros''; ''[[Neon Genesis Evangelion]]'',
del director [[Hideaki Anno]]; ''[[Marmalade Boy]]'' o ''[[Kimagure Orange Road]]'' o [[Ranma 1/2]] de
[[Rumiko Takahashi]]. También hay animes de monstruos como ''[[Pokémon]]''; ''[[Digimon]]'' y ''[[Yu-
Gi-Oh]]''

Estas permitieron el redescubrimiento del anime en occidente y que en muchos países se abriera el
camino a la creación de culturas ''[[otaku]]s'' propias. Además, permitió la masificación de las [[Mahō
shōjo|chicas mágicas]] que protagonizaban animes como ''[[Sailor Moon]]'', [[Sakura Card Captor]] y
''[[Magic Knight Rayearth]]''.

=== Inicios del siglo XXI ===

[[Archivo:Maid Cafe Staff Akihabara Tokyo Japan.jpg|thumb|Los aficionados de la animación nipona,
conocidos como ''[[otaku]]s'', han tenido una enorme repercusión en la expansión de la misma.]]
Una parte considerable de los mangas de éxito en [[Japón]] acaban en la actualidad con su versión en
dibujos animados, ejemplos claros de los cuales son series como ''[[Rozen Maiden]]'', ''[[One Piece]]'',
''[[Naruto]]'', ''[[Bleach]]'', ''[[Inuyasha]]'' o ''[[Fullmetal Alchemist]]'', entre muchas otras. Empiezan a
ser menos frecuentes las series de anime originales, las que no están basadas en mangas, además de
darse mucho menos el caso de mangas creados a partir de series de animación.

Gracias al terreno preparado en occidente por las series de las décadas anteriores ha permitido que gran
parte del anime creado sea traducido y distribuido en los mercados de todo el mundo. En los últimos
años surge además en occidente, de la mano de las culturas ''otaku'' de la década de los noventa, gran
cantidad de grupos y ''[[fansub]]'' que traducen y distribuyen en Internet series de dibujos animados y
mangas. Esto es, a su vez, causa y consecuencia de la creciente distribución del anime fuera de Japón,
puesto que muchas series ya cuentan con renombre antes de ser licenciadas y traducidas, lo cual
permite su más fácil exportación.

== Directores reconocidos ==
=== El estudio Ghibli ===
Mientras, [[Isao Takahata]] y [[Hayao Miyazaki]], tras abandonar [[Toei Doga]] se hallaban trabajando
en series de televisión, pero este último sentía grandes deseos de volver al cine de dibujos para la
pantalla grande. Miyazaki consiguió firmar como director su primera película gracias al encargo
recibido de adaptar para el cine el popular personaje televisivo de ''[[Lupin III]]'', en ''[[El castillo de
Cagliostro]]'' ([[1979]]). Gracias al ritmo rápido que le insufló Miyazaki y a unos [[gag]]s basados
sobre todo en la acción, resultó una obra altamente reconocida.

Miyazaki publicaba desde [[1982]] en la revista especializada ''[[Animage]]'' el manga ''[[Nausicaä del
Valle del Viento (manga)|Nausicaä del Valle del Viento]]'', que gozaba de gran prestigio. Así, en 1984
se presenta la producción ''[[Nausicaä del Valle del Viento (película)|Nausicaä del Valle del Viento]]'',
que el propio Miyazaki dirigió y guionizó, mientras que Takahata la produjo. Miyazaki retrata una
Tierra devastada por la guerra, donde la humanidad está en peligro de extinguirse. A pesar de tratar un
tema tan poco comercial como el de la relación entre los seres humanos y la naturaleza, el público
mostró una gran respuesta.

Gracias al éxito de esta película, Takahata]] y Miyazaki convencen al magnate del mundo editorial
[[Yasuyoshi Tokuma]] para que colabore en la formación de sus propios estudios de cine de animación,
[[Studio Ghibli]], que fueron inaugurados en [[1985]]. Dentro de estos, Miyazaki dirigió títulos como
''[[El castillo en el cielo]]'' ([[1986]]), vagamente inspirada en ''[[Los viajes de Gulliver]]'' de [[Jonathan
Swift]]; ''[[Mi vecino Totoro]]'' ([[1988]]), con una extraña criatura de los bosques a la que sólo pueden
ver los niños de corazón limpio; ''[[Majo no takkyūbin]]'' ([[1989]]), sobre las penalidades de una joven
bruja; o ''[[Porco Rosso]]'' ([[1992]]).
Por su parte, Takahata dirigió ''[[La tumba de las luciérnagas]]'' ([[1988]]), basada en un argumento de
[[Akiyuki Nosaka]], que relata la historia de dos hermanos a los que los bombardeos americanos
durante la guerra han dejado huérfanos. Tras ésta realizó ''[[Pompoko]]'' —''Heisei Tanuki Gassen
Ponpoko'', [[1994]]—, donde los [[tanuki]] protagonistas ven amenazada su morada por el desarrollo
urbanístico y deciden pasar a la defensa empleando sus habilidades para transformar su apariencia.

Todas estas producciones tuvieron gran éxito comercial y repercusión también en el extranjero, donde
empezó a cobrar fama el nombre del [[Studio Ghibli]]. Desde entonces, el estudio ha cosechado
grandes éxitos, entre los que se encuentra el [[Anexo:Óscar a la mejor película de animación|Óscar a la
mejor película de animación]] en el 2002 por ''[[El viaje de Chihiro]]'', así como las nominaciones a la
misma categoría de ''[[Howl no Ugoku Shiro]]'' y ''[[Kaze Tachinu]]''.

=== Mamoru Oshii ===

[[Archivo:Mamoru Oshii(in 2008).jpg|thumb|[[Mamoru Oshii]] en 2008.]]
En [[Japón]] es muy reconocido el anime de [[Mamoru Oshii]] ([[1951]]). Tras trabajar un tiempo para
la televisión, Oshii llamó pronto la atención por su serie ''[[Urusei Yatsura]]'', así como por la muy
posterior ''[[Patlabor]]''. Sin embargo, el nombre de Oshii llegará a las audiencias occidentales gracias a
''[[Ghost in the Shell]]'' ([[1995]]). En la edición de [[Festival Internacional de Cine de Cannes|Cannes
de abril de 2004]] presentó ''[[Ghost in the Shell 2: Innocence]]'' ([[2004]]), que viene a ser una
continuación de la anterior.

=== Katsuhiro Ōtomo ===

[[Katsuhiro Ōtomo]] ([[1954]]) alcanzó fama internacional gracias a ''[[Akira (película)|Akira]]''
([[1988]]), basado en un [[Akira (manga)|manga homónimo de creación propia]], tras el cual viene la
película ''[[Memories (película)|Memories]]'' ([[1995]]), codirigida con [[Kōji Morimoto]] y [[Tensai
Okamura]]. Más tarde vuelve a llamar la atención por su ''[[Steamboy]]'' ([[2004]]), una historia del
''[[steampunk]]'' más tradicional con un presupuesto enorme.

=== Hayao Miyazaki ===

[[Archivo:Hayao Miyazaki.jpg|thumb|[[Hayao Miyazaki]] en 2008.]]
Con el estreno de ''[[La princesa Mononoke]]'' ([[1997]]) vuelve a resonar el nombre de [[Studio
Ghibli]]. Con esta historia ambientada en la [[era Muromachi]] —siglos [[Siglo XIV|XIV]] al [[Siglo
XVI|XVI]]—, se vuelve al tema de la [[naturaleza]] amenazada por los seres humanos. Sobrepasando
todas las expectativas, la recaudación rebasa los diez mil millones de [[yen]]es, superando incluso a la
norteamericana ''[[E. T.: El extraterrestre]]''. Miyazaki, que había declarado a los medios de
comunicación que ésta sería su última película, se retractará poco tiempo después de dicha afirmación.
Miyazaki volverá a la dirección en [[2001]] con ''[[El viaje de Chihiro]]'', historia de una chica
caprichosa que, para salvar a sus padres atrapado por un bruja, arriesga su vida internándose en una
gigantesca casa de baños poblada por seres sobrenaturales, aprendiendo a valerse por sí misma. Volvió
a renovar el listón de taquilla, con unos ingresos de treinta mil millones de [[yen]]es, por encima de los
veintiséis mil de ''[[Titanic (película 1997)|Titanic]]''. En la edición de febrero de [[2002]] del [[Festival
Internacional de Cine de Berlín]] consigue el [[Oso de oro]] y en marzo de [[2003]] el [[Premios
Oscar|Oscar]] a la mejor película de animación, hechos ampliamente recogidos por la prensa japonesa.

Miyazaki regresó más tarde con ''[[Hauru no Ugoku Shiro]]'' —traducida como ''El castillo ambulante'',
''El increíble castillo vagabundo'' y ''El Castillo Andante'', [[2004]]—. En septiembre de [[2005]]
Miyazaki recibe el [[León de Oro]] a su carrera. En cambio [[Isao Takahata|Takahata]], su compañero,
después del fracaso comercial de ''[[Mis vecinos los Yamadas]]'', ([[1999]]), se mantiene apartado del
[[anime]].

== Bibliografía ==
* Gobbi, Igor (2009). ''De Magic Island a Sand Land. Bienvenidos al fantástico mundo de Akira
Toriyama''. [[Dolmen Editorial]]
* Horno López, Antonio (2012). ''[http://polipapers.upv.es/index.php/CAA/article/view/1055
Controversia sobre el origen del anime. Una nueva perspectiva sobre el primer dibujo animado
japonés]''. Con A de animación. [S.l.], n. 2, p. 106-118, feb. 2012. ISSN 21733511. Disponible en:
https://polipapers.upv.es/index.php/CAA/article/view/1055/pdf Acceso el 29/1/2017.
* Horno López, Antonio (2015). Los orígenes del cine de animación japonés: De Katsudō Shashin a
Astroboy. Granada: Editorial Godel Impresiones Digitales S.L. ISBN 978-84-16478-10-1
* Mancosu, L. ''Curiosita su anime & manga''

[[Categoría:Anime| ]]
[[Categoría:Historia del cine]]