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Ani Me
Ani Me
Etimología
El término anime proviene de la abreviación de la transcripción japonesa de la palabra
inglesa "animation" (アニメーション animēshon?). De ahí que se abrevie a "anime".[1] Sin
embargo, en inglés la palabra "animation" no puede ser abreviada a "anime", ya que la "e"
no forma parte de la palabra original. Por este motivo, en Occidente se decidió no cambiar
cuadros de géneros y que debería de provenir de otro idioma. Y es así como nace la teoría
del término francés "animé" (animado).[2] Aún así, el uso de la palabra "animé" para
referirse a la animación japonesa se considera incorrecto, ya que al ser una palabra extrajera
no lleva tilde, y si la tuviera sería en la primera letra ("ánime").
Internacionalmente, el anime llevó una vez el nombre popular "Japanimation", pero este
término ha caído en desuso. Los fans pronunciaban la palabra preferiblemente como
abreviación de la frase "Japanese Animation" (animación japonesa en inglés). Vio su
mayor uso durante los años 1970 y 1980[cita requerida], que generalmente comprende la primera
y segunda oleada de anime fandom. El término sobrevivió al menos hasta principios de los
1990, pero pareció desaparecer justo antes del resurgir del anime a mediados de los
1990[cita requerida].
[editar] Romanticismo
[editar] Realismo
Aunque es más predominante la fantasía sobre los sucesos reales,[10] algunas series han
tenido influencia del movimiento del realismo, incluso se han adaptado obras literarias al
anime.[11] Las historias contadas a través de este medio pueden ser producidas mediante la
combinación de variados géneros cinematográficos, como tales hay una gran cantidad de
temas, pueden describir acontecimientos históricos, como los citados después. Algo que sí
se tiene que tomar en cuenta es que en el anime se reflejan la cultura y las tradiciones
japonesas.[12] Las ideas populares de los personajes son: la persistencia, la falta de voluntad
de entrega personas muy poderosas o las circunstancias, de que la idea de la libre
determinación y la elección de vida, tienen algo importante en la moral. También hay series
con drama histórico, que narran diferentes sucesos de Japón, como Rurouni Kenshin Meiji
Kenkaku Romantan, o también de Europa como la película Steamboy, en donde parte de los
personajes son ficticios, pero otros pueden ser parte de la historia. Algo que también se
toma en cuenta es la política, que inclusive los primeros largometrajes de anime eran
publicidad de la guerra, en donde también el género mecha ha sido parte de un dominio de
diferentes lugares e ideologías dentro de las series, también se ven los abusos que se
cometen en la autoridad (que se hace presente en los personajes contrarios). Otro elemento
muy distinguido es el existencialismo, en donde los personajes tratan de analizar su
historia, y los diferentes sucesos por los que han pasado, puede verse de manera muy
profunda en Ghost in the Shell. También puede tratar de desastres, por ejemplo Tokyo
Magnitude 8.0.
Lo que se ha dicho acerca de la tradición sintoísta también es útil para ilustrar la forma en
que el complejo debate sobre la relación entre la naturaleza y la tecnología ha sido desde
hace mucho tiempo importante en la sociedad japonesa (aunque también en el mundo
entero), y esto se refleja en el anime. Por ejemplo, la película Taro Melocotón, el guerrero
divino de los mares, muestra una relación entre el medio ambiente, al ser representado por
animales en una isla, y la tecnología, al ser parte de propaganda de la Segunda Guerra
Mundial, en donde también el gran desarrollo de la tecnología ha sido parte de la posguerra.
[7]
También dentro de los géneros de la ciencia ficción están el mecha (robots gigantes), en
donde se puede explicar como la tecnología en vez de ser un desarrollo positivo, comienza
a ser una gran fuente de devastación, paradójicamente el daño ocasionado es recuperado
por la misma tecnología. Otro concepto es el Cyberpunk, en donde la película Akira se le
considera una pionera. También en la serie Serial Experiments Lain, el concepto de
humanidad es mezclado con tecnología, y la humanidad se le toma menos importancia,
generalmente van acompañadas con temas de existencialismo. En otro sentido, el hombre-
tecnología, en particular, es también la cara a través de la cual en el anime toma una
transposición de la modernidad y, en última instancia, lo que dio lugar a una inseparable
combinación entre lo viejo y lo nuevo.[13]
Este género narrativo es una mezcla principalmente de las culturas japonesa y occidental.
Del género occidental rescata algunos arquetipos de personajes, presentación en capítulos
de misma duración y técnicas de animación entre otras cosas. A esto le añade conceptos
tradicionales japoneses como el énfasis en la vida cotidiana y el estilo tradicional de dibujo
japonés modernizado. Además se pueden presentar otros tipos de mitologías, como la
griega, china, escandinava (si se tomaran ejemplos estarían las series de Saint Seiya,
Dragon Ball y Matantei Loki respectivamente). También hay que tomar importancia que
han tomado otras religiones, como el Hinduismo y el Cristianismo.
[editar] Bushidō
[editar] Senpai-Kohai
En el camino de los budōka hay una norma que no podrá comenzar sin un guía, ya sea de
un padre o un maestro (先生 sensei?), poco importa, lo que indica la calle con su
comportamiento. En la sociedad japonesa, por lo general es representado por el par senpai-
kōhai (tutor-trabajador), donde el primero es "el que se inició por primera vez, y la
segunda, que comenzó más tarde".[19] Este informe, que implica el respeto y la devoción de
kōhai hacia el senpai, pero también que son efectivamente en condiciones de asesorar y
orientar en la vida, casi puede determinarse en cada contexto social, de la escuela al trabajo,
de los deportes a la política, y también, se refleja en el anime, en donde muchas veces los
personajes son enseñados por un maestro.[20]
En el sentido del deber presentado en el anime por los japoneses, la verdadera fuerza está
en no preocuparse por su propia felicidad personal con el fin de lograr los ideales y cumplir
con un deber, es una búsqueda por tratar de buscar un camino interno.[17] Las visitas tienen
el deber de pagar una deuda, que puede ser contra el rey, los padres, los antepasados y aun
en contra de su nombre, pero en las historias de muchas personas llegan a estar en contra de
todo el mundo, el respeto en el que el protagonista, a menudo más allá de sus sentimientos
personales y el aislamiento que implica su inevitable diversidad, asume la responsabilidad
por el sacrificio propio, que es inspirado por la historia militar de Japón.[21] Sin embargo, la
moral es un término que es donde el universo es considerado por japoneses amoral e
indiferente.[22]
[editar] Cristianismo
Aunque el anime se considera separado de los dibujos animados, este utiliza muchas
características aplicadas en las caricaturas como storyboard, actuación de voz, diseño de
personajes, entre otras. El anime también tiende a tomar prestados elementos de muchos
textos de manga en el fondo, y los paneles de diseños también. Por ejemplo, un opening
puede emplear paneles a contar la historia, o para dramatizar una cuestión de efecto
humorístico.
El anime es conocido por su animación, la cual es muy particular[25] comparada con la que
tienen los dibujos animados occidentales tales como los de Disney. Los estudios en los que
se realiza anime han perfeccionado técnicas para utilizar la menor cantidad de cuadros de
animación por segundo que sea posible (8 cuadros por segundo),[26] tales como mover o
repetir escenarios, imágenes de los personajes que se deslizan por la pantalla, y diálogos
que impliquen animar únicamente las bocas mientras que el resto de la pantalla permanece
estática. Otros argumentan que el mejor anime debe acentuar la dirección sofisticada sobre
la animación actual (movimiento del personaje), proporcionando una ilusión de
movimiento cuando en realidad no lo hay.[25] Aunque en los últimos años todo ha mejorado
debido al uso de tecnologías computacionales usándose software especializado en
animación 2D o combinación 2D/3D. Los lugares representan la atmósfera de las escenas,
también pueden haber series como en La melancolía de Haruhi Suzumiya, en donde los
lugares pueden hacer referencias a diferentes localizaciones en la vida real.[27] También hay
simulación de ángulos de cámara, movimiento de cámara que juegan un importante rol en
las escenas. Los directores tienen la discreción de determinar ángulos viables para escenas
y fondos y también pueden escoger efectos de cámara como en la cinematografía.
Los ojos: comúnmente son muy grandes, ovalados, muy definidos y con colores
llamativos como rojo, rosa, verde, morado, aparte de los normales como café y azul.
Osamu Tezuka introdujo los ojos grandes inspirado por producciones de Disney
como Mickey Mouse y de este modo se toman de un modo humorístico o de
personalidad al personaje. El coloreado es para dar a los ojos profundidad.
Generalmente una textura de luz de sombra, el tono de color y una sombra oscura
son usados.[32] [33] Cabe destacar que no en todas las series hay ojos grandes como en
las películas de Hayao Miyazaki.
La cara: la nariz y la boca son pequeños, la parte baja de la cara parece ser la de un
pentágono. Una amplia variedad de expresiones faciales son usados por caracteres
para denotar estados de ánimo y pensamientos. El anime utiliza un conjunto
diferente de las expresiones faciales en comparación con la animación occidental.[37]
Otros elementos estilísticos son comunes y a menudo en la comedia de anime
personajes que están conmocionados o sorprendidos harán una "cara de culpa" en la
que se expone una expresión extremadamente exagerada[cita requerida].
También hay que tomar en cuenta que las características de seres no humanos como
animales, robots, monstruos y demonios[38] varían dependiendo el contexto y son muy
diferentes a las de los humanos. Los animales pueden tener un dibujo como realmente son,
aunque también puede haber híbridos entre humanos (véase kemono). Los robots y
monstruos pueden ser de tamaño gigantesco como los rascacielos, aunque también pueden
presentar características chibi, de manera cómica.
[editar] Audio
La banda sonora utilizada en los diferentes formatos suele ser llamada OST como
abreviación de Original Soundtrack. Esta puede estar compuesta de:
BGM o Background Music: Pistas musicales (muy pequeñas que no alcanzan a ser
una canción) utilizadas para acompañar las escenas.
Debido al tipo de difusión histórica del anime son más populares los términos ingleses que
sus traducciones al español.
Isao Takahata y Hayao Miyazaki, tras abandonar Toei Doga se hallaban trabajando en
series de televisión, pero éste último sentía grandes deseos de volver al cine de dibujos para
la pantalla grande. Miyazaki conseguirá firmar como director su primera película gracias al
encargo recibido de adaptar para el cine el popular personaje televisivo de Lupin III, en El
castillo de Cagliostro (1979). Gracias al ritmo rápido que le insufló Miyazaki y a unos gags
basados sobre todo en la acción, resultó una obra altamente reconocida.[41]
Miyazaki publicaba desde 1982 en la revista especializada Animage el manga Nausicaä del
Valle del Viento, que gozaba de gran prestigio.[42] Gracias a ello, surge el proyecto de que
Miyazaki realizara una versión para el cine, que Takahata se responsabilizará de producir.
Por su parte Miyazaki, además de dirigir, se encargó también del argumento, guión y story
board. Aparece así la película del mismo título en 1984, donde Miyazaki retrata una Tierra
devastada por la guerra, donde la humanidad está en peligro de extinguirse. A pesar de
tratar un tema tan poco comercial como el de la relación entre los seres humanos y la
Naturaleza, el público mostró una gran respuesta.
Gracias al éxito de esta película, Takahata y Miyazaki convencen al magnate del mundo
editorial Yasuyoshi Tokuma para que colabore en la formación de sus propios estudios de
cine de animación, inaugurándose de esta forma en 1985 el Studio Ghibli.[43] Dentro de
estos, Miyazaki dirigirá títulos como Laputa, el castillo en el cielo (1986), vagamente
inspirada en Los viajes de Gulliver de Jonathan Swift; Mi vecino Totoro (1988), con una
extraña criatura de los bosques que sólo los niños de corazón limpio pueden ver; Majo no
takkyūbin (1989), sobre las penalidades de una joven bruja, y Porco Rosso (1992).
Por su parte, Takahata dirige La tumba de las luciérnagas (1988), basada en un argumento
de Akiyuki Nosaka, que relata la historia de dos hermanos a los que los bombardeos
americanos durante la guerra han dejado huérfanos. Tras ésta, realizará Heisei Tanuki
Gassen Ponpoko (Pom Poko, 1994), donde los tanuki protagonistas ven amenazada su
morada por el desarrollo urbanístico y deciden pasar a la defensa empleando sus
habilidades para transformar su apariencia. Todas estas producciones tuvieron gran éxito
comercial y repercusión también en el extranjero, donde empezó a cobrar fama el nombre
del Studio Ghibli.[44]
En Japón es muy reconocido el anime de Mamoru Oshii (1951).[45] Tras trabajar un tiempo
para la televisión, Oshii llama pronto la atención por su serie Urusei Yatsura así como por
la muy posterior Patlabor. Sin embargo, el nombre de Oshii llegará a las audiencias
occidentales gracias a Ghost in the shell (1995). En la edición de Cannes de abril de 2004
presentó Ghost in the Shell 2: Innocence (2004), que viene a ser una secuela de la película
de 1995.
Katsuhiro Ōtomo (1954) alcanzó fama internacional gracias a su Akira (1988), basado en
un manga de creación propia, tras el cual viene la película Memories (1995), codirigida con
Koji Morimoto y Tensai Okamura. Años después, regresaría dirigiendo la película
Steamboy (2004), una historia del steampunk más tradicional y con un presupuesto
millonario.[46]
Con el estreno de La princesa Mononoke (1997) vuelve a resonar el nombre del Studio
Ghibli. Con esta historia ambientada en la era Muromachi (siglos XIV al XVI), se vuelve al
tema de la Naturaleza amenazada por los seres humanos. Sobrepasando todas las
expectativas, la recaudación rebasa los diez mil millones de yenes, superando incluso a la
norteamericana E. T.: El extraterrestre.[47] Miyazaki, que había declarado a los medios de
comunicación que ésta sería su última película, se retractará poco tiempo después de dicha
afirmación.
Miyazaki volvió a la dirección en 2001 con El viaje de Chihiro, historia de una chica
caprichosa que, para salvar a sus padres atrapados por un bruja, arriesga su vida
internándose en una gigantesca casa de baños poblada por seres sobrenaturales,
aprendiendo a valerse por sí misma. Volvió a renovar el listón de taquilla, con unos
ingresos de 150 millones de dólares, igual a la de Titanic.[47] En la edición de febrero de
2002 del Festival Internacional de Cine de Berlín consigue el Oso de oro y en marzo de
2003 el Oscar a la mejor película de animación, hechos ampliamente recogidos por la
prensa japonesa.[12]
Miyazaki regresó más tarde con Hauru no Ugoku Shiro (traducida como El castillo
ambulante, El increíble castillo vagabundo y El Castillo Andante, 2004). En septiembre de
2005 Miyazaki recibe el León de Oro a su carrera.[48] En cambio Takahata, su compañero,
después del fracaso comercial de Mis vecinos los Yamadas (1999), se mantiene apartado del
anime.[49]
En el 2001 las películas, videos y las producciones de televisión alcanzarón una cantidad
aproximada de 180, mil millones de yenes, y en cuánto a la exhibición se estima de 43, mil
millones de yenes. También la cantidad de emisiones de televisión ha sido muy
significativa:
[editar] Formatos
Hay diferentes formatos de producción usados:
[editar] OVA
[editar] Películas
Son los largometrajes producidos por las compañías, pueden ser historias originales basadas
en algún manga o muchas veces en las series de anime que pueden presentar historias
alternas o un tiempo lógico establecido de la serie. Normalmente este complejo (de 50 a
120 minutos) de películas difieren bastante de otros formatos de animación -por ejemplo, la
calidad de imagen- y en consecuencia causa mayores costes de producción.[52]
Especial como bonificación de la serie, a veces no está relacionado con la historia básica
que se muestra en la serie de televisión. Normalmente suelen transmitirse en televisión por
ser día feriado durante el cambio de estación; a veces después de la conclusión de anime.
La bonificación de la serie suele estar estrechamente vinculada con la trama de la serie,
pero no necesariamente la continúa.
A veces es alterna a la historia principal y muestra escenas de la serie con otro punto de
vista y escenas inesperadas. A menudo en la bonificación circular de la serie, la historia ha
estado trabajando con la serie, pero absolutamente no cambia el actual estado de
continuidad. Una serie puede ser omitida sin que se pierda. Normalmente para entender la
serie de bonificación se exige el conocimiento de los antecedentes de la serie: puede verse
en los especiales de Love Hina posteriores a dicha serie de televisión.
[editar] ONA
ONA ("Original Net Animation", animación creada por Internet) de anime especialmente
diseñado para su distribución en Internet. El formato ONA aún no es muy usado y su
duración es por lo general corta.[53] Un ejemplo de este es Azumanga Web Daioh.
[editar] Géneros
En el anime, suelen haber géneros que se encuentran en los medios audiovisuales. Estos son
acción, aventura, comedia, ciencia ficción, drama, historias infantiles, fantasía medieval,
romance y terror.
Gran parte de las series de anime pueden incluir dos o más géneros de los dichos. Por
ejemplo, acción y aventura pueden ser combinados de muy buena manera, lo que se da en
series como One Piece, donde los personajes recorren lugares distintos y, a la vez, hay
peleas. Hay muchas series de este tipo, y es más común verlas en el shōnen. Así también,
drama y romance se combinan de muy buena manera, y muchas series suelen mezclarlos
(especialmente en el shōjo). También, misterio y terror, como en Death Note y MONSTER
La siguiente tabla muestra los géneros usados exclusivamente para anime y manga:[54]
Josei (女性? literalmente "mujer"): anime como audiencia objetivo las mujeres
jóvenes adultas. Ejemplos: Nana, Paradise Kiss.
Kodomo (子供? literalmente "niño"): anime enfocado hacia el público infantil.
Ejemplos: Pokémon, Hamtaro.
Seinen (青年? literalmente "hombre joven"): anime como audiencia objetivo los
hombres jóvenes adultos. Ejemplos: Speed Grapher, Berserk, MONSTER.
Shōjo (少女? literalmente "chica" o "muchacha"): anime enfocado hacia las chicas
adolescentes. Ejemplos: Sailor Moon,Cardcaptor Sakura, Candy Candy.
Shōnen (少年? literalmente "chico" o "muchacho"): anime enfocado hacia los
chicos adolescentes. Ejemplos:Saint Seiya, Naruto, Dragon Ball, Bleach.
Otra forma de clasificar al anime es mediante la temática, estilo o gag que se utiliza como
centro de la historia. Así, tenemos:
[editar] Asia
La animación japonesa es muy popular en Taiwán, Corea del Sur, China y el sudeste de
Asia, donde la serie para niños Doraemon ha sido particularmente exitoso (traumatica) en
Tailandia y Filipinas a principios de los noventa, al igual que Pokémon.[55] En la televisión
de Medio Oriente, con la serie de UFO Robo Grendizer.[56]
[editar] América
En América el anime empezó en Estados Unidos en 1961 con la película Shōnen Sarutobi
Sasuke (bajo el nombre de Magic Boy),[57] y después Astroboy que fue la primera serie
transmitida.[58] En ese país han sido notables tanto las ediciones a referencias culturales y el
aplicamiento de censura a ciertas series por parte de algunas compañías, éstas con el
objetivo de que sean aptas para todo público.[59] [60] Debido a esto se han lanzado muchas
series en DVD bajo el sello "uncut" (sin cortes), generando muchas ganancias para los
distribuidores.[61] En Canadá, el anime ha tenido un impacto parecido al de Estados Unidos,
uno de los canales que transmite anime en ese país es YTV.[62]
[editar] Europa
[editar] España
En España, se transmitieron en 1970 las series Heidi y Marco y después Mazinger Z. En los
80s se transmitió Candy Candy. Al igual que en Latinoamérica, la popularidad del anime
empezó en los 90s con las series Saint Seiya, Dragon Ball y Captain Tsubasa y hubo otros
títulos como Kimagure Orange Road, City Hunter, Los Gatos Samurai y Sailor Moon. En
España actualmente son transmitidos por Buzz, Cuatro y algunos por la señal española de
Disney XD y Cartoon Network. En la década del 2000 se ha incrementado mucho la
programación, a pesar de que es muy inferior al transmitido en Japón.[73]
[editar] África
La propaganda del anime en África es una historia reciente. Con excepción de la edición en
árabe de UFO Robo Grendizer, que se transmitió con éxito en Egipto a comienzos de los
años ochenta,[76] la animación japonesa ha encontrado espacio en el mercado en el
continente africano sólo a partir del 2000, en particular en Sudáfrica,[77] y el canal Animax
en la telefonía móvil.[72] En 2007, sin embargo, Sony ha lanzado su canal de televisión por
satélite Animax también en varios estados africanos, como Sudáfrica, Namibia, Kenia,
Botsuana, Zambia, Mozambique, Lesotho y Zimbabue.[78]
Cuando varias series son licenciadas fuera de Japón, es posible que por malentendidos
culturales se editen esas series. El paralelo crecimiento de la popularidad del anime fuera de
Japón toma el creciente número de los adversarios de este género de la animación.[8] La
crítica más importante es en opinión de muchos el número excesivo de escenas de violencia
y erotismo en el anime,[4] [5] [68] comportamiento inapropiado y la visualización de los
deportes, colección de anime otaku que a veces lleva a las formas patológicas (retirada de la
realidad, cerca de la agresividad es llamada Toxicomanía).[79] En los países europeos y en
los Estados Unidos los productos de anime japonés deben pasar una evaluación preliminar
como se define en edad-audiencia y en ocasiones adaptar la trama a una demografía de
menor edad, por lo que el editor de las obras corta las escenas violentas.[80]
En Estados Unidos han sido editadas muchas series por considerarse inapropiadas para el
público infantil, por lo que cambian su contenido para hacerlos más accesible a los niños,
también se editan referencias culturales japonesas a estadounidenses. Por ejemplo, 4Kids
Entertainment hace las ediciones antes mencionadas, pero también lanzó los DVD de Yu-
Gi-Oh! y Shaman King sin cortes.[81] Aún con la censura en Shaman King, algunos
investigadores también la encontraron inapropiada para el público infantil.[82] Muchos se
molestaron con la edición en One Piece, haciéndola muy infantil, aun cuando pertenece al
genero shonen. Pero FUNimation adquirió los derechos exclusivos en Estados Unidos para
doblarla en abril de 2007 sin cortes.[83]
También para Latinoamérica suelen cortar algunas escenas cuando se transmiten por
televisión abierta. Cabe destacar la polémica que han tenido el anime transmitido en
televisión, por ejemplo Dragon Ball Z, algunos investigadores consideran a la serie como
sexista y violenta,[84] en donde también se considera inapropiado poner las series violentas
como programas infantiles.[85]
En Europa, algunas series tienen un parecido cambio como en Estados Unidos, con el
mismo fin de hacerlas más apta para todo el público.[68] La polémica que han tenido ha sido
por ejemplo en España y otros países, se cree que todo lo referente a la animación es algo
infantil, por esto se han dado muchos malentendidos en la transmisión por las las cadenas
de televisión.[86] También tuvo polémicas al hacer un estudio con niños, en donde se
consideraban que los que veían esta serie no entendían lo que realmente pasaba en ésta.[87]
El canal televisivo La Sexta empezó a incluir hentai en su programación, pero fue retirada
días después.[88]
Grandes éxitos a lo largo de la historia del anime han difundido este tipo de expresión en
sucesivas oleadas, normalmente películas de alto impacto que llaman la atención de nuevos
sectores hacia la industria del anime. Dentro de estas películas se puede encontrar: Akira,
Ghost in the Shell, y El viaje de Chihiro ganadora del oscar a la mejor película de
animación en 2002[91] y de un Oso de Oro en el Festival Internacional de Cine de Berlín
(2001)[cita requerida]. Un ejemplo claro de la asimilación en el mundo es la producción española
Gisaku (2005) que es el primer largometraje de estilo anime realizado íntegramente en
Europa[cita requerida].
También existe el Anime-Influenciado, que es animación hecha fuera de Japón, pero con el
estilo anime.[93] Parte de estas series es hecha en Estados Unidos, Europa y otras partes de
Asia. Como por ejemplo Avatar: la leyenda de Aang. Los creadores de las series de Megas
XLR y The Boondocks, han comentado que se inspiraron en el anime para la creación de
éstas.[94] [95] Un equipo de producción francesa para la serie Ōban Star-Racers fue movido a
Tokio para colaborar con un equipo de producción japonesa sobre el Hal Film Maker.[96]
Críticos y fans en general del anime no considera al anime influenciado como anime.[97]
Algunas series animadas de televisión americana también han hecho parodias o referencias
al anime como en South Park ("Chinpokomon" y el episodio de "Good Times With
Weapons"). Otra serie con parodias es Perfect Hair Forever. También las series de Los
Simpson y Los padrinos mágicos, han hecho diferentes parodias[cita requerida].
Al igual que las películas, las series de animación pueden dar lugar a un seguimiento
masivo,[61] especialmente si van dirigidas a niños o jóvenes. En ese caso, puede ocurrir que
se genere una variedad de artículos de mercadotecnia extendiéndolo a áreas como
videojuegos, películas y artículos de colección.
Puede que la fama de una serie quede confinada en un área relativamente pequeña o que,
por el contrario, se extienda por medio mundo. Casi todas las series de animación japonesa
pasan desapercibidas para el público general. A pesar de ello, pueden ofrecer historias,
personajes, escenas, frases míticas, guiños a otras series, que pasarán a formar parte de la
cultura otaku.