Nombre del proyecto interdisciplinario

Matemáticas y Arte

Línea curricular base Matemáticas

Líneas curriculares de apoyo
Arte y medios de Ética y Estética
comunicación

Competencias
Genéricas Disciplinares
M6. Cuantifica, representa y contrasta
G2. Es sensible al arte y participa en la apreciación experimental o matemáticamente las magnitudes
e interpretación de sus expresiones en distintos del espacio y las propiedades físicas de los objetos
géneros. que lo rodean.

G4. Escucha, interpreta y emite mensajes
pertinentes en distintos contextos, mediante la
utilización de medios, códigos y herramientas
apropiados.
G5. Desarrolla innovaciones y propone soluciones a
problemas, a partir de métodos establecidos.
H11. Analiza de manera reflexiva y crítica las
manifestaciones artísticas, como una manifestación
de su personalidad y arraigo de la identidad,
considerando elementos objetivos de apreciación
estética.
H12. Desarrolla su potencial artístico, como una
manifestación de su personalidad y arraigo de la
identidad, considerando elementos objetivos de
apreciación estética.

Objetivo del proyecto

Establecer una relación entre matemáticas y arte, en particular con la pintura, en donde los estudiantes
utilizarán conceptos matemáticos, principalmente vinculados con la geometría, para comunicar el análisis
de obras artísticas relacionadas con la pintura. En algunos casos, las obras pictóricas serán obras
reconocidas a lo largo de la historia, y en otros casos, serán obras producidas por los mismos estudiantes.

Descripción general del proyecto

Actualmente las matemáticas son reconocidas por su utilidad para solucionar y dar explicación a
problemas y fenómenos relacionados con diversas áreas de estudio, como la física, química, biología, u
otros contextos extraescolares. Sin embargo, su utilidad en el arte no ha sido muy evidente.
Con este proyecto se busca la interdisciplinariedad de las matemáticas, el arte y la estética para analizar
obras pictóricas, tanto reconocidas a lo largo de la historia, como obras elaboradas por los estudiantes. En
las cuales se observan elementos matemáticos, principalmente geométricos, tales como: simetría, armonía
de cuerpos geométricos, líneas, curvas, polígonos, circunferencias, profundidad, proporcionalidad y
desproporcionalidad en las formas, perspectiva del ángulo de visión, efectos de la luz, entre otros.
Consideramos que el empleo de estos elementos matemáticos en el análisis de las obras artísticas
relacionadas con la pintura, dotará a los estudiantes de una visión crítica, además de reconocer la utilidad
de las matemáticas en relación con el arte.

Pregunta detonadora/Situación o problema

¿Cómo se relacionan las matemáticas y el
arte, en particular con la pintura?

Actividades

Sugerencia de trabajo para el desarrollo del proyecto.

Se dedicará una hora a la semana de la asignatura para entablar discusiones, avanzar en el proyecto y
aclarar dudas. A su vez, se dedicará tiempo extra clase para el avance del proyecto de acuerdo a las
orientaciones del profesor y necesidades de los estudiantes.

El tiempo estimado del proyecto es de ocho semanas y nueve sesiones clase.

En la primera semana se trabajará en pequeños equipos. En las semanas 2, 3, 4, 5, y 6 se trabajará en

forma individual y en las semanas 7 y 8 se trabajará en forma grupal.

Habrá un secretario por grupo que rotará cada semana, el cual al inicio de la clase leerá los acuerdos a los
que se llegó la última sesión dedicada al proyecto.

En la primera sesión el profesor explicará la forma de trabajar, el objetivo del proyecto y realizará la
pregunta generatriz a los estudiantes. ¿Cómo se relacionan las matemáticas y el arte, en particular con la
pintura?

Para contestar la pregunta el profesor permitirá que los estudiantes en sus equipos lleguen a ciertas
conclusiones y las compartan con el grupo. A su vez, el profesor puede proponer consultar los conceptos
de matemática y arte, para después analizar si es posible relacionarlos de alguna manera.

Al finalizar la clase y llegar a ciertas conclusiones en consenso, el profesor repartirá a cada equipo algún
género de corriente artística como lo son: Renacimiento, Barroco, Realismo y Cubismo (Ver anexo 3, apoyo
para el profesor).

Para la siguiente sesión, cada equipo deberá investigar y elaborar un breve video, en el cual mostrarán la
etapa histórica en que se desarrolló el género pictórico correspondiente, principales exponentes, ejemplos
de pinturas, principales características de las obras, principales técnicas y uso de elementos matemáticos
en la producción de las pinturas.

Segunda sesión
En esta sesión los equipos presentarán sus videos con las características solicitadas, mismas que serán
evaluadas por medio de una rúbrica por parte del profesor.(Ver anexo 1)

Además, en esta misma sesión, cada estudiante elegirá alguno de los géneros artísticos mostrados y se
entrevistará con algún integrante del equipo que realizó la presentación del género de su interés, con la
intención de obtener mayor información, sobre todo de las técnicas que puede utilizar.

Para la siguiente sesión cada estudiante deberá llevar material para iniciar a elaborar su propia obra
pictórica en relación con el género artístico elegido. En consenso profesor y estudiantes pueden decidir en
qué superficie podrán realizar las obras, materiales para pintar, medidas, etc. En relación con la superficie
de la obra, estas pueden ser, cartulinas, cartón cartulina, tela, manta, lienzo, madera, etc. En cuanto a los
materiales para pintar, se pueden utilizar, colores, acuarelas, crayolas, tizas, lápices, pinceles, óleo,
pigmentos, entre otros.

Tercera sesión
Cada estudiante deberá empezar a realizar un esbozo de su obra, primero a lápiz, para esto se recomienda
dividir el área de la superficie en cuatro cuadrantes, con la intención de dar una idea de los espacios
utilizados en la producción de la pintura que se desee.
Para le siguiente sesión el dibujo a lápiz ya debe estar terminado.

En la sesión cuatro y cinco cada estudiante continuará con el proceso de avance en su pintura, el profesor
por su parte deberá supervisar y orientar en dicho avance, además de fomentar un ambiente de respeto y
armonía entre los estudiantes.

En la sesión seis, los estudiantes deberán mostrar su pintura terminada al profesor, y explicar mediante un
pequeño ensayo de media cuartilla, lo que tratan de transmitir con su obra, así como el uso de las
matemáticas en la elaboración de la misma.

Por su parte, el profesor evaluará el desempeño de cada estudiante mediante una lista de cotejo, la cual
tomará en cuenta el trabajo en cada sesión, el producto final y el juicio crítico empleado en la elaboración
del ensayo.(Ver anexo 2)

Además, en esta sesión, cada estudiante deberá empezar con la elaboración de la ficha técnica para
añadirla en su obra. Misma que deberá contar con los elementos que se muestran en el siguiente ejemplo:

Ficha Técnica de Pintura

Título: “Los desposorios de la Virgen”.
Autor: Rafael Sanzio
Fecha: 1504
Estilo: Renacentista
Medidas: 170cm. x 117 cm
Técnica: temple y óleo sobre madera
Ubicación actual: Pinacoteca de Brera. Milán. Italia

Sesión siete
El salón se organizará para montar una galería de arte en la que se invitará a la escuela en general y padres
de familia. En dicha exposición el salón se dividirá en los diferentes géneros artísticos en donde en cada
sección un estudiante explicará, utilizando algunos conceptos matemáticos, las características de los
cuadros y su relación con el género artístico correspondiente. Después de un determinado tiempo los
estudiantes pueden ser relevados por otros estudiantes, para seguir exponiendo.

Sesión ocho
Los estudiantes presentarán su galería “Matemáticas y Arte” al público invitado.

Sesión nueve
Finalmente, en esta última sesión, el profesor recibirá retroalimentación por parte de los estudiantes en
relación con todo el trabajo realizado en el proyecto. Para esto, puede hacer uso del instrumento Positivo,
Negativo, Interesante. Estas consideraciones finales serán de utilidad para mejorar el proyecto, en caso de
que se decida una próxima realización del mismo.

Aportación de las líneas curriculares

Matemáticas Lenguaje y Humanidades
Comunicación
Uso de nociones Artes plásticas Valores estéticos
geométricas, como: Arte Renacentista en la obra de arte
Cuerpos Arte Moderno
geométricos, líneas,
curvas, polígonos,
circunferencias,
profundidad,
proporcionalidad y
desproporcionalidad
en las formas,
perspectiva del
ángulo de visión,
efectos de luz, entre
otros.

Evidencias

Video

Ensayo

Pintura realizada

Instrumento(s) de  Rúbrica
evaluación  Lista de cotejo

Estrategia para socializar Trabajo en equipo, trabajo en grupo y exposición de las obras.
el proyecto

Cápsulas de avance

¿Cómo se ¿Qué nociones ¿Son importantes

relaciona las matemáticas se las matemáticas
matemáticas con pueden encontrar en el arte?
el arte? en una pintura?
 ¿Por qué?

Fuentes de consulta

Emmer, M. (2005). «La perfección visible: matemática y arte». Artnodes [artículo en línea]. UOC.
Obtenido de <http://www.uoc.edu/artnodes/esp/art/emmer0505.pdf>

Servais, W (1980) “Humanizar la enseñanza de la matemática”, Revista de Bachillerato (MEC), Cuaderno

monográfico n° 5.

Ripota, P. (1990). Estética y Matemáticas. Las medidas de la belleza. Muy interesante, n°108. 138-144

Especialistas que participaron en la definición del proyecto

Jesús Omar Aldape Carrillo Especialista Académico de Matemáticas

Beatriz Martínez Ramírez Especialista Académico de Lenguaje y Comunicación

Ismael Gutiérrez López Especialista Académico de Formación Humana

Anexo 1

Geometría y Trigonometría
Proyecto Interdisciplinario: Matemáticas y Arte
Plantel SABES:
Equipo de trabajo:
Fecha: Hora:
Rúbrica para evaluar video del equipo

Criterios Niveles Total

3 puntos 2 puntos 1 punto
El video muestra imágenes claras Las imágenes son Solo algunas Ninguna imagen es
claras en el video. imágenes son clara.
claras.

El video es audible El video se escucha Solo algunas partes No es claro el audio

en forma clara. del video se del video.
escuchan en forma
clara.

El video cuenta con todos es El video cuenta con El video solo cuenta El video cuenta con
elementos requeridos, etapa todos los elementos entre 5 y 3 menos de 3
RÚBRICA

histórica en que se desarrolló el solicitados. elementos elementos

género pictórico correspondiente, solicitados. solicitados.
principales exponentes, ejemplos
de pinturas, principales
características de las obras,
principales técnicas y uso de
elementos matemáticos en la
producción de las pinturas.

PUNTUACIÓN FINAL _____________

Escala: Calificación Observaciones del profesor

De 8 a 9 puntos 10
De 6 a 7 puntos 7
De 1 a 5 puntos 5
 Anexo 2

Geometría y Trigonometría
Proyecto Interdisciplinario: Matemáticas y Arte

Plantel SABES:

Fecha: Hora:
Lista de cotejo para evaluar el proyecto

Instrucciones: Se evaluará el desempeño del estudiante en el desarrollo del proyecto, colocando una “x” en el indicador
correspondiente, dependiendo de su cumplimiento.
Los argumentos
El producto final presentados en el
El estudiante trabajo
cumple con las ensayo son sólidos en
responsablemente a
características del relación con la obra, y Calificación
lo largo del
Nombre del estudiante: género pictórico el uso de
proyecto
elegido justificaciones
matemáticas
SI NO SI NO SI NO
1
2
LISTA DE COTEJO

3
4
5
6
7
8
9
10
11
12
13
14
15
16
17
18
19
20
21

CALIFICACIÓN Tres si =10 Dos si = 8 Un si = 6 Tres no= 5 o menos

Anexo 3
Corrientes artísticas en la pintura
Renacimiento
La pintura renacentista abarca el período de la historia del arte europeo entre el arte de la Edad Media y el
barroco.

Como todo el arte del Renacimiento, la pintura de esta época está relacionada con la idea de volver a la
antigüedad clásica, el impacto que tuvo el humanismo sobre artistas y sus patronos, gracias a la adquisición
de nuevas sensibilidades y técnicas artísticas.

En un primer momento, en el quattrocento (siglo XV) se investigaron distintos aspectos técnicos. Así, Piero
della Francesca estudió la luz. Masaccio destacó por la figura humana. En Fray Angélico adquieren
importancia el color y una cierta sensibilidad, si bien su temática sigue siendo religiosa, con composiciones
que enlazan directamente con los modelos medievales precedentes. La perspectiva y la composición son el
punto de atención de Mantegna y Paolo Ucello.

Se considera a Italia la cuna de la pintura renacentista al confluir allí las nuevas técnicas (como el
descubrimiento de la perspectiva) con una nueva ideología humanista. Allí se conservaban a la vista los
monumentos de la Antigüedad a la que se quería hacer renacer, buscando modelos de armonía y belleza.1
Se fue perfeccionando a lo largo del siglo XV en las ciudades estado italianas, comenzando por Florencia,
bajo el mecenazgo de los Médici. El papel de defensores de las artes que rivalizaban entre sí por dar más
brillo a sus estados, fue desempeñado por los Montefeltro en Urbino, los Sforza y los Visconti en Milán, los
Gonzaga en Mantua y los Este en Ferrara. En Roma fueron los papas quienes llamaron a los distintos artistas
de la época para trabajar en los palacios papales.

Los grandes maestros de la pintura renacentista aparecerán a finales de siglo, principios del XVI: Leonardo
da Vinci, Rafael y Miguel Ángel.

Características

1. Evocación de lo antiguo, cuya belleza idealizada pretendían tomar como ejemplo.

2. Observación viva de la naturaleza. Los cuadros se sitúan en paisajes naturales que se intentan
recrear con fidelidad, o en marcos arquitectónicos, en los que columnas, frontones, palacios y
templos sirven de excusa a alardes de perspectiva.
3. La figura humana se convierte en centro y medida de todas las cosas. El estudio de la anatomía,
incluso la realización de autopsias, ayuda a los artistas a comprender la realidad del cuerpo humano
y sus mecanismos de movimiento, de manera que lo representan de forma más realista pero
normalmente, idealizada.
4. Dominio de la perspectiva, y de las técnicas compositivas.
5. Los efectos de luces y sombras como el claroscuro o la grisalla. De ahí técnicas nuevas como el
esfumado (efecto brumoso, técnica en la que destacó Leonardo da Vinci).
6. Continúan realizándose decoraciones murales al temple y al fresco.
7. Se extiende el uso del lienzo, que es más económico que la tabla. Los grandes retablos, en que cada
cuadro es parte de un tema más amplio, pierde presencia, en favor del cuadro único, bien como
tabla de altar, bien como lienzo. Se adopta de manera casi exclusiva la pintura al óleo. Jan Van
Eyck sin haberla inventado, mejora la técnica de la pintura con este material. En Italia, sin embargo,
se conserva la pintura sobre tabla y la técnica del temple en la pintura llamada “de caballete”. Es
principalmente en Venecia donde, por influencia flamenca, se introduce el uso del óleo.
 8. Si en la Edad Media la pintura fue de manera casi exclusiva religiosa, en el Renacimiento se
introducen nuevos temas, como los mitológicos, alegorías y temas históricos. Aparece el desnudo,
no por sí mismo sino en el marco de una pintura de naturaleza por ejemplo mitológica. Siendo la
iglesia católica uno de los principales mecenas de la época, no dejan por ello de pintarse cuadros
religiosos. Se cultiva con extraordinario vigor el retrato con maestros como Tiziano o Antonio Moro.
En esta época empiezan, tímidamente, otros géneros considerados menores, como el paisaje o
el bodegón, entendidos en el Renacimiento como un elemento subordinado frente a la historia,
algo accesorio.

“La última cena”

Autor: Leonardo Da Vinci entre 1495 y 1498

Barroco
La mejor y más importante pintura durante el período que comienza alrededor del año 1600 y continúa a lo
largo de todo el siglo XVII, y a principios del siglo XVIII se identifica hoy como pintura barroca. El arte barroco
se caracteriza por el realismo, los colores ricos e intensos, y fuertes luces y sombras. En oposición al arte
renacentista, que normalmente mostraba el momento anterior a ocurrir cualquier acontecimiento, los
artistas barrocos elegían el punto más dramático, el momento en que la acción estaba ocurriendo: Miguel
Ángel, que trabajó durante el Alto Renacimiento, muestra a su David compuesto y quieto antes de luchar
contra Goliat; el David barroco de Bernini es captado en el acto de lanzar la piedra contra el gigante. El arte
barroco pretendía evocar la emoción y la pasión en lugar de la tranquila racionalidad que había sido
apreciada durante el Renacimiento.

Entre los más grandes pintores del período barroco se encuentran Caravaggio,4 Rembrandt,5 Rubens,6
Velázquez, Poussin7 y Vermeer.8 Caravaggio es heredero de la pintura humanista del Alto Renacimiento. Su
enfoque realista de la figura humana, pintada directamente del natural e iluminada dramáticamente contra
un fondo oscuro, sorprendió a sus contemporáneos y abrió un nuevo capítulo en la historia de la pintura. La
pintura barroca a menudo dramatiza las escenas usando los efectos lumínicos del claroscuro

Características

1. Se desarrollan nuevos géneros como los bodegones, paisajes, retratos, cuadros de género o
costumbristas, así como se enriquece la iconografía de temas religiosos. Existe una tendencia y una
búsqueda del realismo que se conjuga con lo teatral y lo efectista.
2. El color, la luz y el movimiento, son los elementos que definen la forma pictórica. El color predomina
sobre la línea. Incluso, los efectos de profundidad, perspectiva y volumen se consiguen más con los
 contrastes de luz y de tonalidades del color que con las líneas nítidas y definidas del dibujo. La luz se
convierte en un elemento fundamental en la pintura barroca. La luz dibuja o difumina los contornos,
define también el ambiente, la atmósfera del cuadro, y matiza los colores. La utilización de la técnica del
claroscuro llega a la perfección gracias a muchos pintores del Barroco.
3. Se pretende transmitir sensación de movimiento. Las composiciones se complican, se adoptan
perspectivas insólitas y los volúmenes se distribuyen de manera asimétrica. Mientras que la dinámica
del espacio, la visión de las escenas en profundidad, la estructuración de las composiciones mediante
diagonales y la distribución de manchas de luz y de color, configuran el espacio como algo dinámico,
donde contornos se diluyen y las figuras pierden relevancia frente a la unidad de la escena.
4. Se produce en esta época un dominio absoluto de la técnica pictórica, tanto en la pintura al óleo sobre
lienzo como en la pintura al fresco. Ello permite alcanzar un gran realismo en la representación
pictórica. Se logra la imitación de la realidad teorizada por los renacentistas pero sin la idealización y
concepción propias del siglo anterior.

“La ronda de noche o La ronda nocturna”

Autor: Rembrant entre 1640 y 1642

Realismo
En el transcurso de la primera mitad del siglo XIX, mientras el Neoclasicismo rivalizaba con el Romanticismo,
el Realismo surgió como una nueva fuerza que dominaría la segunda mitad del siglo. El Realismo formó
parte inmediatamente del arte occidental. Durante el Renacimiento, los artistas superaron las limitaciones
técnicas para representar con fidelidad la naturaleza. Pero en el Realismo, los artistas modificaron los temas
e insistieron en la imitación precisa de las percepciones visuales sin alteración. Los artistas realistas buscaron
en el mundo cotidiano y moderno, las principales características, distanciándose de temas sobre dioses,
diosas y héroes del periodo clásico. Campesinos y trabajadores urbanos fueron los nuevos protagonistas. El
padre del movimiento realista fue Gustave Courbet (1819-1877). Insistió en que la pintura era un arte
esencialmente concreto que debía aplicarse a elementos reales y existentes. Cuando se le preguntó sobre
pintar ángeles, Courbet respondió: “Nunca vi a los ángeles. Si usted me muestra una, yo lo pinto”.
Milllet Jean-Francois (1814-1875) también tuvo un papel relevante en el movimiento. Sus trabajos se
asocian con los retratos de campesinos de labranza, siembra y cosecha. Nacido en una familia campesina,
una vez dijo que quería hacer que lo trivial resultase sublime. Antes de él, los campesinos fueron
presentados siempre de manera degradante. Millet dio una dignidad firme a este componente de la
estructura social.

Características
1. El artista utiliza el conocimiento de la perspectiva para crear la ilusión de espacio. Desarrolla una vista
aérea superior mostrando la visión del paisaje o los detalles de la escena.
2. Los volúmenes están muy bien representados por la gradación de color, luz y sombra.
3. Hay una preocupación para representar a la textura, la apariencia real del objeto (la textura de la piel, los
tejidos, pared, etc.)
4. El diseño y la técnica para representar el cuerpo humano es perfecto.
5. Abordan temas de orden político y social. Los pintores recrean escenarios realistas de la vida cotidiana y
lo contemporáneo.

“Las espigadoras”
Autor: Milllet Jean-Francois 1857

Cubismo
El cubismo es un estilo pictórico que fue creado conjuntamente por Braque y Picasso en el periodo de 1907
a 1914 y que rápidamente fue adoptado y adaptado por muchos otros artistas. Surge así un amplio
movimiento artístico que, si bien está originalmente centrado en París, será de ámbito internacional. El
cubismo es la más radical y revolucionaria forma de representación desde el Renacimiento, pues abandona
el punto de vista único y fijo que dominó la pintura europea durante siglos por una multiplicidad de puntos
de vista que, simultáneamente, representan los objetos y figuras en la misma pintura. Esta nueva forma de
representación no es, evidentemente, de imitación, sino de concepción, es decir que aborda la realidad, no
bajo aspectos visuales como hace el impresionismo o el fauvismo, sino bajo aspectos intelectuales (de
carácter intuitivo).

El cubismo trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, representando todas las
partes de un objeto en un mismo plano. Es considerada la primera vanguardia ya que rompe con el último
estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. La representación del mundo pasaba a
no tener ningún compromiso con la apariencia real de las cosas. Además es un avance, pues el arte acepta
su condición de arte, y permite que esta condición se vea en la obra, es decir es parte intrínseca de la
misma. A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son vanguardistas, y entre ellos se
encuentran sobre todo bodegones, naturalezas muertas y retratos.

La denominación se debe al crítico Louis Vauxcelles quien bautizó de "cubistas" a los artistas de esta
tendencia en el Gil Blas de 25 de Mayo de 1909. La presentación pública del cubismo, como movimiento
pictórico, tuvo lugar en 1910 en el Salón de Otoño, donde muchos artistas mostraron trabajos con este
planteamiento estético. Al año siguiente varios de esos artistas, que a diferencia de Picasso y Braque no
tenían acceso regular a una galería privada, decidieron exponer juntos en el XXVII Salón de los
Independientes celebrado en Abril de 1911, donde se les asignó una sala (la 41) dedicada enteramente a
ellos. Entre esos artistas, practicantes de un cubismo herético o más torpe que el de los grandes maestros
(Picasso, Braque, Gris), estaban Gleizes y Metzinger, miembros de la Section d'Or y autores de "Du
Cubisme", el primer manifiesto sobre el movimiento publicado en 1912.

Características

1. Independencia y autonomía de planos, estallido del volumen: Los planos son objeto de estudio en sí
mismos, y no en visión global del volumen, de ahí que éste se disuelva. Los grandes volúmenes se rompen
en otros más pequeños. Así, queda rota también la línea de contorno, se interrumpe el trazo lineal. Por eso
se compara el resultado de este proceso con el reflejo en un espejo roto o con la visión a través de un
caleidoscopio.

2. Perspectiva múltiple: Viene dada por el estudio de cada plano en su autonomía. Se rompe con la
perspectiva monofocal albertiana. La pintura se ha liberado del yugo de la tradicional visión monocular. Se
multiplican los ángulos de visión de un mismo objeto. Así se ofrece una visión compleja del mismo ente, que
se puede presentar al mismo tiempo de cara, de perfil o desde cualquier otro ángulo significativo.

3. Desaparición de gradaciones de sombra y luz: Esto bien dado por la descomposición del volumen.

4. Color "Tono Local": El color no aporta indicaciones suplementarias. Por lo general se aplicaba por
pequeños toques. Esto se ha dado en llamar Color Passepartout, apto para todos los objetos, pero que no
consiste en el verdadero color de ninguno de ellos

5. Geometrismo: Los formas geométricas invaden las composiciones. Las formas observadas en la
naturaleza, son traducidas en cilindros, conos, esferas y cubos. La retina capta las formas y la mente del
pintor las simplifica. Cézanne ya redujo sus composiciones a las formas geométricas, por eso ejercerá tanta
influencia en el Cubismo.

6. Base filosófica: Las aportaciones filosóficas de Bergson son muy importantes para el Cubismo. Él afirma
que el observador acumula en su memoria una gran información sobre un objeto del mundo visual externo.
Esta es una experiencia que constituye la base intelectual. Los pintores cubistas vuelcan esta experiencia
distorsionando y superponiendo paisajes. No se trata de reflejar la realidad misma, sino la idea de realidad
que posee el artista.

“Mujer con abanico”

Autor: Pablo Ruiz Picasso 1908