TEMA 3 : TECNICAS , MEDIOS Y MATERIALES

DE CREACION PLASTICA MAS USUALES

Publicado por anaeloisa en Diciembre 8, 2008

 Existen muchas y muy diferentes tecnicas, algunas existen desde hace mucho
tiempo y otras son mas modernas, a las primeras las podriamos llamar
tradicionales o artesanales y alas segundas TIC
 Ademas de estas dos hay otras formas que no se basa ni en objetos ni en
imágenes como son la expresión con el cuerpo, land art etc

Algo que hay que dejar claro como futuros maestros que seremos es que a la hora de
corregir un trabajo al alumnado no es la técnica que haya utilizado o su dominio de la
misma, sino los pasos que ha seguido el alumno hasta obtener el resultado. Con esto lo
que intentamos es hacer ver que todas las técnicas son válidas siempre y cuando se
consiga lo que se pide, ya que lo que para algunos es fácil según que técnica para otros
resultará muy difícil

A continuación explicaremos las tecnicas mencionadas al principio (artesanales y tic)

- Tecnicas y procedimientos tridimensionales ( volumen ) : aquí podremos ver

distintos tipos de tecnicas o de conceptos como son la adicion, sustracción,
construccion, deformación…

o Adicion : los materiales que se suelen usar en esta tecnica son el barro, la
escayola, plastilina…
Esta tecnica es la tecnica del modelado ( obtener y formar una figura de una
materia blanda)
Para hacer un buen modelado hace falta usar un armazon, ya que si no se usara
esto no se podria soportar el peso del material
Las tecnicas del modelado : cilindros, placas, torneado..
Para modelas se utilizan los palillos del modelaje pero hay una tecnica especial
que permite corregir y añadir sin parar, esta es la tecnica del torneado ceramico

Se puede conservar las obras modeladas mediante coccion, enfriado, vaciado etc
º Sustraccion: esta palabra significa QUITAR, esta tecnica se emplea en
materiales como la piedra, la madera, el corcho etc. Como la palabra dice se va
quitando sustancia y va adquiriendo forma, a esto se le llama tallar
se puede tallar en materiales de una sola pieza o uniendo varias piezas.
Hay dos tipos de tallas, directa e indirecta, la directa es mas difícil que la
indirecta ya que se va quitando directamente de la piedra, en la indirecta antes
de tallar directamente sobre la piedra se talla en otros materiales mas faciles
como es el barro, la escayola.. y se translada luego ala piedra con ayuda de
maquinas
En las tallas indirectas antiguamente se usaban metodos manuales como los
compases pero mediate va pasando en tiempo se han ido desarrollando
tecnicas mas modernas como el escaner, el pantografo mecanizado…
º Tecnicas de construccion: esta tecnica consiste en juntar piezas que ya existen a
partir de otras piezas
estas tecnicas se pueden utilizar mediante la soldadura, el esamblaje o el encofrado
el esamblaje consiste en unir objetos que ya existen para crear algo nuevo
el encofrado es uno de los metodos que mas se usan hoy en dia, consiste en hacer
moldes de madera u otro material y llenarlo de hormigón armado, después de que
el hormigón este seco se quitan esos moldes y queda la estructura del hormigón

º Deformacion : Este proceso se basa en deformar la materia original

doblandola,estirandola etc
el proceso de deformación lo usan mucho en orfebreria
Se llama orfebrería al trabajo artístico realizado sobre utensilios o adornos de
metales preciosos. Los metales que constituyen los objetos de orfebrería
 propiamente dichos son eminentemente la plata y el oro o una mezcla de ambos
que en la antigüedad se llamaba electrón o eléctrum
otro ejemplo en el que se usa la deformación es la forja
La forja es el arte y el lugar de trabajo del forjador o herrero, cuyo trabajo
consiste en dar forma al metal por medio del fuego y del martillo.

º Transformacion: aquí veremos las tecnicas de vaciado y transformación,

El vaciado es una técnica para reproducir modelos mediante moldes. Muchos
materiales, como metales y argamasa, se han utilizado para vaciados, y el bronce
ha sido el más popular de todos a lo largo de los siglos
Esto se rellena con barro para cocer, cementos…

La fundicion es el proceso de fabricación de piezas, comúnmente metálicas pero

también de plástico, consistente en fundir un material e introducirlo en una
cavidad, llamada molde, donde se solidifica.

El proceso tradicional es la fundición en arena, por ser ésta un material

refractario muy abundante en la naturaleza y que, mezclada con arcilla, adquiere
 cohesión y moldeabilidad sin perder la permeabilidad que posibilita evacuar los
gases del molde al tiempo que se vierte el metal fundido

En escultura se usa la fundicion de la cera perdida. En este caso, el modelo se

fabrica en cera o plástico. Una vez obtenido, se recubre de una serie de dos
capas, la primera de un material que garantice un buen acabado superficial, y la
segunda de un material refractario que proporciones rigidez al conjunto.
Una vez que se ha completado el molde, se calienta para endurecer el
recubrimiento y derretir la cera o el plástico para extraerla del molde en el que se
verterá posteriormente el metal fundido.

Tambien existen otras tecnicas, estas tecnicas son las bidimensionales:

Estas tecnicas se pueden hacer mediante dibujo o pintura

En dibujo podemos ver el carboncillo, el carboncillo se compone de pequeños trozos de

carbón de origen vegetal de forma y tamaño parecido a un lápiz.
Existen de diferentes grosores y durezas.
 Otra tecnica tradicional del dibujo es la sanguina.

La sanguina es una técnica pictórica basada en una variedad de óxido férrico llamada
hematites, que se presenta bajo la forma de polvo, barra o placa. Puede tener distintas
tonalidades, todas ellas en la gama del rojo -de ahí su nombre, ya que recuerda a la
sangre-, desde el rojo anaranjado hasta el rojo pardovioláceo. Llamada antiguamente
sinopia –por la ciudad turca de Sinope, de donde procedía la hematites-, fue utilizada en
principio para dibujos preparatorios del fresco: el trazado de sanguina era aplicado
directamente sobre el revestimiento del muro que se iba a pintar. La sanguina se
convirtió en técnica de dibujo propiamente dicha a finales del siglo XIV: fue empleada
entonces sobre un soporte de papel, bien bajo su forma sólida –trazo dejado por la barra
de sanguina-, bien bajo su forma líquida –agua aplicada con el pincel-, y mezclada a
menudo con otras técnicas: plumilla, piedra negra o tiza blanca. Las cualidades
esenciales de este material son la luminosidad y el poder ilusionista en el acabado de las
encarnaciones, que hacen de esta técnica la ideal para dos tipos de estudio: el retrato y el
desnudo. La sanguina ha sido utilizada por numerosos pintores, especialmente
Leonardo, Miguel Ángel, Pontormo, Lorrain, Le Brun, Fragonard y los impresionistas
franceses –Manet, Renoir, Morisot, etc-.
 Otra tecnica que los pintores usan mucho es la del lapiz de grafito , pero ¿ Que
es el grafito? El grafito es una de las formas alotrópicas en las que se puede
presentar el carbono junto al diamante y los fullerenos. A presión atmosférica y
temperatura ambiente es más estable el grafito que el diamante, sin embargo la
descomposición del diamante es tan extremadamente lenta que sólo es
apreciable a escala geológica. Fue nombrado por Abraham Gottlob Werner en el
año 1789 y el término grafito deriva del griego γραφειν (graphein) que significa
escribir. También se denomina plumbagina y plomo negro.
Aunque tambien existen lapices de colores con los que tambien se pueden hacer buenos
dibujos

Tambien hay distintos tipos de tintas.

Una de ellas es la tinta china a plumilla. La tinta es un líquido que contiene
varios pigmentos o colorantes utilizados para colorear una superficie con el fin de crear
imágenes o textos. Comúnmente se considera que la tinta es utilizada en lapiceras,
bolígrafos o pinceles; sin embargo, es utilizada extensivamente en toda clase de
impresiones..

Tambien existe la tinta bistre . La definición de “bistre” dada por Wikipedia es la de

“un pigmento marrón hecho de hollín” y de aspecto “marrón cálido medio a oscuro, con
un dejo amarillento” que, disuelto en agua hirviendo, se utilizaba, según Maltese, como
tinta para dibujos en códices miniados a partir del siglo VII. Maltese la define como
“hollín en suspensión acuosa de diversas concentraciones, según la tonalidad que se
quiera obtener” y afirma luego que es acuarela más que tinta y se emplea más para dar
sombras que para trazar líneas de contorno.

El pastel, el pastel es un medio pictórico que ha resultado atractivo a infinidad de

artistas, tanto por la luminosidad e intensidad del color, debida a la gran proporción de
pigmento que las barras contienen, como por la sencillez de su manejo, puesto que no
requiere paleta, pinceles ni sustancias diluyentes.
El hecho de que el pastel sea una técnica seca proporciona al pintor la ventaja de la
rapidez, ya que no se ve obligado a esperar a que la pintura se seque para aplicar nuevas
capas encima. Esta pintura, además, encierra una interesante versatilidad que permite
pintar con finas líneas superpuestas, hacer veladuras y también trabajar con empaste y
colores saturados.

La punta de plata es otra tecnica, Conocido ya por los romanos para dibujar en tablillas
y pizarras, usado con frecuencia en los siglos XIV y XV para dibujos en pergamino
sobre un soporte duro y en papel preparado con blanco de china o de fondo coloreado.
Proporciona un trazo delicado y brillante, con efectos de esfumados (Paolo Uccello, Fra
Angelico, Lorenzo di Credi, Benozzo Gozzoli, Leonardo )
La tecnica que mejor conocemos desde nuestro punto de vista es la acuarela, ya que la
conocemos desde que eramos pequeños
La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua. Los
colores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla) y a veces
dejan ver el fondo del papel (blanco), que actúa como otro verdadero tono. Se compone
de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel. En sus procedimientos se emplea la
pintura por capas transparentes, a fin de lograr mayor brillantez y soltura en la
composición que se está realizando.

Una muy poca conocida por su nombre pero que en realidad la conocemos todo es la
tecnica del guache

El gouache o guache, es una acuarela opaca. Es distinto de la pintura transparente sobre

papeles brillantes, si uno quiere puede pintar aplicando campos lisos, con líneas
precisas, pero normalmente es utilizado para producir un efecto de pinceladas con un
flujo espontáneo.

Un gouache bien pintado no debe tener gruesos empastes ni capas muy espesas de
pintura, sin embargo produce un efecto de ser más espeso de lo que en realidad es. Su
luminosidad no depende de la base, si es blanca o no, sino que su brillo está en la misma
pintura. Debido a su opacidad, los colores claros pueden pintarse sobre los oscuros sin
que estos aparezcan a través de los claros. Además, puede rebajarse en agua, dándole
una transparencia parecida a la de la acuarela.
El acrilico tambien lo usan muchos pintores para dibujar. El ácido acrílico es un
compuesto químico (fórmula C3H4O2). Se trata del ácido carboxílico insaturado más
simple, con un enlace doble y un grupo carboxilo unido a su C3. En su estado puro, se
trata de un líquido corrosivo, incoloro y de olor penetrante. Es miscible con agua,
alcoholes, éteres y cloroformo. Se produce a partir del propileno, un subproducto
gaseoso de la refinación del petróleo. Presenta una acentuada tendencia a la creación de
polímeros, los cuales se utilizan comercialmente en su forma neutralizada (como el
poliacrilato de sodio).

La pintura acrílica es una clase de pintura de secado rápido, en la que los pigmentos
están contenidos en una emulsión de un polímero acrílico (cola vinílica, generalmente).
Aunque son solubles en agua, una vez secas son resistentes a la misma. Destaca
especialmente por la rapidez del secado. Asimismo, al secar se modifica ligeramente el
tono, más que en el óleo. La pintura acrílica data de la primera mitad del siglo XX, y fue
desarrollada paralelamente en Alemania y Estados Unidos

“Látex” es la denominación común de los polímeros obtenidos mediante polimerización

en emulsión, y son dispersiones coloidales de partículas muy pequeñas de polímero en
un medio continuo. Los látex pueden ser aplicados en la fabricación de pinturas de
arquitectura, pero también en adhesivos para madera (cola vinílica), pinturas para papel,
aditivos para cemento y concreto, y últimamente desde hace unos años en
modificadores de reología.
Oleo . En arte se conoce como óleo a los aceites que se usan para combinar con otras
sustancias y obtener así un producto idóneo para la pintura y como extensión, se fueron
llamando óleos a la misma pintura en sí.

El uso del óleo se conoce desde la modernidad y estaba ya extendido entre los artistas
de la Edad Media sobre todo combinándolo con la pintura al temple o al fresco. Con
esta mezcla retocaban las obras realizadas en yeso y conseguían así un secado más
rápido. Con el avance y las investigaciones de la alquimia se fueron inventando mezclas
favorables para los resultados de la pintura. El aceite que más se empleaba era el de
linaza que solía mezclarse con los pigmentos de minerales que son los que proporcionan
el colorido, pero no era el único y cada artista en su taller tenía su propia fórmula que
guardaba muy en secreto. Muchos siguieron los consejos y experiencias escritos en el
Tratado del monje Teófilo que ya se conoce y se menciona en el año 1100.

Esta pintura obtenida con la mezcla de óleos ofrecía muchas ventajas al pintor, entre
otras, el poder realizar su obra lentamente y sin prisas de acabado (lo contrario de lo que
ocurría en la pintura al temple, o al fresco), el poder retocar la obra día a día, variar la
composición, los colores, etc.

Las bases sobre las que se aplica el óleo son diversas, sin que por ello varíe su aspecto.
Lo que si varía es la técnica de preparación de estas bases pues es muy distinto pintar
sobre lienzo, tabla, fresco o cobre. A partir del siglo XVII con el arte barroco los
pintores eligieron como soporte favorito de sus pinturas al óleo sobre lienzo, siendo este
más práctico para la elaboración de grandes composiciones, que la tabla. De tal forma
tomó importancia el material empleado por los artistas que se empezó a emplear la
palabra lienzo u óleo en lugar de cuadro para designar las obras pictóricas. Los primeros
grandes artistas de pintura al óleo fueron los flamencos.

La tradición sostiene que fueron los hermanos Van Eyck los que inventaron la pintura al
óleo. Esta afirmación, falsa, se basa en que, efectivamente fueron ellos, sobre todo Jan,
los que explotaron las innumerables posibilidades de esta técnica, infrautilizada hasta
entonces.

Van Eyck utilizaba el óleo con gran precisión y los venecianos (Tiziano) lo ampliarán
aprovechando las posibilidades de textura de la pintura con base de aceite. La
perspectiva aérea la desarrolla Leonardo de Vinci (la Gioconda). El flamenco Rubens,
pintor barroco parte de una base oscura o neutra. Estos pintores se caracterizaban por
ser directos en grado extremo (capas con gran vitalidad y mínimas correcciones).
Rembrandt creará el “grisaille”; éste se convirtió en el método académico en el siglo
XVIII. En el Romanticismo hay mayor libertad técnica. En el impresionismo los
pintores usan una técnica más directa. En el expresionismo abstracto hay un intento de
primar la expresión en lugar de la corrección técnica, igual que los neoexpresionistas.

El equipo que usan estos artistas son pinceles (cerda blanca o marta roja, también de
pelo sintético, y diferentes tamaños), espátula, caballete y paleta. Las técnicas
fundamentales son, trabajar por capas, o en directo “alla Prima”.

Temple, En general, todas las técnicas pictóricas se basan en tres elementos básicos: el
pigmento, el disolvente y el aglutinante. En el caso de la pintura al temple el
disolvente es el agua y el aglutinante algún tipo de grasa animal u otras materias
orgánicas.

Las formas de obtener la emulsión son:

 Por enriquecimiento de pinturas magras (agregando aceites o similares).

 Por empobrecimiento de pinturas grasas: (pintura al óleo), no recomendado.

 Por emulsión directa: mezcla del pigmento con el aglutinante (óptima).

En el caso de ésta última, hay que diluir el pigmento en una emulsión que puede ser de
colas de conejo o pescado, clara o yema de huevo, caseína (proteína de la leche) o
cualquier mezcla de las anteriores.

Otros aditivos habituales son goma arábiga, para dar una cierta textura; ácido acético
(vinagre) y barniz de óleo (dammar o similar, por ejemplo) como conservante; sacarosa
(azúcar) como aglutinante no secativo; agua destilada como diluyente o aligerante;
glicerina como retardante del secado y aligerante; aceite de linaza; aguarrás o esencia de
petróleo; etc. El barniz se puede usar también como texturizante. En caso de agregar
disolvente orgánico, frente al aguarrás es más aconsejable la esencia de petróleo, dado
que es necesaria menos cantidad y su origen mineral la hace más estable (no amarillea
con el tiempo).

Otra forma de obtener el conservante es mediante la hidrolización de la acetidina (o

también llamado ester acetil acético, etanoato de etilo, acetato de etilo…) la cual se
comercia como disolvente universal. La proporción es de cuatro partes de agua destilada
por cada una de acetidina y agitar durante unos dos minutos hasta lograr una substancia
homogénea. Ésta es una disolución de ácido acético y etanol al cincuenta por ciento en
mol. Su olor es muy penetrante y desagradable (similar al del tiner) y requiere
cantidades pequeñas. También se puede usar para recuperar pintura casi seca.

Según normas antiguas (como los tratados de Cennino Cennini) a la hora de emplear
clara o yema, hay que saber que la clara da más transparencia y ligereza, siendo ideal
para las luces y sectores intermedios. La yema da tonos más oscuros y puede
estropearse con más facilidad, es más aconsejable para las sombras siempre aligerada
con algo de clara.

Históricamente, la pintura al temple es característica de la Edad Media europea. Puede

considerarse característico de los estilos Románico y Gótico en el occidente Europeo, y
de los iconos bizantinos y ortodoxos, en Europa Oriental.

Este procedimiento pictórico se aplica usualmente sobre tabla, aunque, a menudo era
utilizado para retocar pinturas murales al fresco y añadirles detalle. Esta técnica se
usaba abundantemente para aplicar azul ultramar, incompatible químicamente con el
buon fresco, por ejemplo en mantos azules, cielos, etc. Se conocía como fresco secco o
retoque alla secca.

Ya Cennino Cennini hablaba de un temple sólo de aceite, que es lo que luego se conoció
como pintura al óleo. En los últimos tiempos de la Edad Media eran muy habituales los
temples con mezcla de aceites y barnices grasos. E incluso ir añadiendo aceite a las
sucesivas capas de temple.

Desde finales del siglo XV, en consecuencia, el temple va siendo sustituido por la
pintura al óleo, a causa de las ventajas que presenta, sobre todo la invisibilidad de las
pinceladas y el poder aplicarse sobre lienzo.

En el Renacimiento, el óleo fue traído al sur de Europa proveniente de los Países Bajos
e introducido, entre otros por Leonardo Da Vinci.

Actualmente, la pintura al temple se está poniendo de nuevo de moda debido a las

recuperadas posibilidades que ofrece y a su precio más económico y producción más
sencilla.

Según algunos autores incluso se puede considerar a la pintura acrílica como una
pintura al temple, si se entiende temple como toda pintura fabricada con un aglutinante
en emulsión. Según este criterio, nuestra época es la del gran resurgir del temple.
Fresco. Un fresco es una pintura realizada sobre una superficie cubierta con una delgada
y suave capa de yeso, en la cual se va aplicando cal apagada (CaOH2) y cuando la
última capa está todavía húmeda, se pinta sobre ella, de ahí su nombre.

El fresco se ejecuta en jornadas de trabajo de 8 horas, ya que la cal en un periodo de 24

horas comienza su proceso de secado y no admite más pigmentos. Por ello algunos
acabados se realizaban en seco, con temple, es decir, aglutinados con cola. A esa técnica
se la conoce como fresco seco.

La realización de un fresco se desarrolla en tres fases: soporte, intonaco, colores.

El soporte, de piedra o ladrillo, debe estar seco y nivelado. Antes de la fase de intonaco,
se prepara con una capa llamada arriccio, de un centímetro de espesor
aproximadamente, con el fin de dejar la superficie lo más lisa posible. El intonaco se
compone de un impasto compuesto de polvo de mármol, cal y agua. El color, se aplica
sobre el intonaco mientras éste se encuentra aún húmedo. La gama de colores se reduce
a los de origen mineral. Al secarse la cal, los pigmentos quedan integrados
químicamente en la propia pared, por lo que su durabilidad se vuelve muy alta.

La principal dificultad de esta técnica es el hecho de que no se puede corregir lo hecho.

Una vez que el color ha sido aplicado es inmediatamente absorbido por la base. Las
únicas correcciones posteriores se pueden hacer sólo cuando el fresco ha secado,
mediante aplicaciones de temple. Sin embargo, estas correcciones carecen de la
permanencia del buon fresco
Otra dificultad consiste en la diferencia de tono del color entre el momento de
aplicación y el resultado final una vez seco. El pintor debe anticipar y adivinar el
resultado final.

Probablemente el ejemplo más significativo de pintura al fresco sea el conjunto de

pinturas realizadas en la Capilla Sixtina por Miguel Ángel, que sumadas a las obras
realizadas en la misma capilla por los artistas de la generación anterior, Ghirlandaio,
Botticelli y Perugino, más el panel frontal con las escenas del Juicio Final del propio
Miguel Ángel, hacen de ese recinto el sancta sanctorum de la pintura al fresco, y quizá
de la pintura en general.

La famosa obra, La Última Cena de Leonardo Da Vinci no puede ser considerada un

fresco. Su autor nunca dominó esta técnica, por lo cual empleó una base de arcilla y un
aglutinante –elaborado de óleo y barniz- que le permitió corregir la pintura y lograr una
riqueza de color y una precisión en el detalle similar a la de un cuadro al óleo. Sin
embargo, el desgaste de la pintura es bastante mayor que en el caso de un fresco, en La
Ultima Cena el deterioro comenzó a los pocos meses de terminada la obra. Otro ejemplo
de falso fresco realizado por Leonardo y con los mismos resultados catastróficos es el
de La batalla de Anghiari, realizado en el palacio Viejo de Florencia y que resultó
igualmente dañado a causa de los afanes experimentadores de su creador

INSTRUMENTOS

Los instrumentos o útiles del pintor son esencialmente tres: la paleta, el pincel y la
espátula. En la Antigüedad los pintores hacían uso de conchas o tazas, donde se ponían
los colores ya mezclados. Luego se adoptó una pequeña paleta de madera, con un
pequeño agujero para introducir el dedo pulgar. En un principio su fondo parduzco se
adecuaba a la preparación de los lienzos, pero posteriormente, siendo la mayoría de las
preparaciones de color blanco, se cambió su color por otro de tonalidades claras y
luminosas.
El pincel es el agente que al actuar sobre los soportes los imprime. La gran variedad
existente en el mercado posibilita las diversas maneras pictóricas. Generalmente, los
pinceles redondos se usan para perfiles, fundidos y aplicaciones de color en pequeñas
extensiones; los de pelo corto sirven para las capas gruesas y firmes, mientras que los de
pelo largo sirven para extender el color. Los pinceles planos, muy utilizados, tienen una
práctica más general, sirviendo, puestos de lado, para realizar perfiles. Comúnmente,
son de cerdas, empleándose también los de pelo de ternera, camello, tejón, ardilla,
marta, mofeta…
La espátula tiene diversas formas y generalmente es de acero. Asta de cuerno,
marfil, hueso o caucho duro son también utilizadas cuando los colores no pueden tener
contacto, por reacción química, con el metal. Se utiliza para mezclar colores,
empastarlos, aplicarlos y extender capas de fondo y pintura. Con ella se consiguen
formas abiertas de gran expresividad.
Las manos, los tubos de pintura que vierten directamente el color, trozos de tela
para el frotage… son instrumentos que utilizan comúnmente los pintores para conseguir
un mayor impacto, a la vez que determinadas calidades táctiles.
Los instrumentos del dibujante son esencialmente el lápiz y la pluma. Los grandes
pintores renacentistas utilizaban un estilete con punta de plata sobre soportes de papel
preparado con blanco de China o fondo coloreado. El estilete de punta de plomo tiene la
ventaja de que se puede borrar y el soporte no necesita preparación. Sin embargo, es la
mina de plomo, conocida ya en el siglo XVII en Flandes y Holanda, la que actualmente
tiene mayor difusión, gracias a Conté, que en 1790 formó un conglomerado de grafito y
arcilla que hoy se aplica a los lápices corrientes, conocidos como lápiz Conté. En la
actualidad se utilizan los rotuladores y los bolígrafos, aunque su aceptación por los
grandes artistas es nula. La pluma ha evolucionado desde las cañas, utilizadas en los
primeros siglos, hasta las plumillas actuales de metal, pasando por las de ave,
comúnmente de oca por ser la más dúctil, aunque se utilizaban también las de pavo,
cuervo, cisne…
Sobre papel o cartulina, no podemos olvidar elementos tan importantes como la
sanguina, el carboncillo y otros que dan nombre a sus realizaciones como los pasteles
y las ceras. Actualmente se usa el spray, sobre todo para fondos y consecución de
matices. Otros útiles más opcionales son el caballete, la regla, el difumino, el tiento…
En todo proceso de impresión intervienen dos superficies, una que lleva la imagen, y
otra sobre la que se imprime. La forma más sencilla de aplicarlo es la que pueden
realizar los niños, o la que hacían los hombres primitivos en sus cavernas: mojar las
manos en tinta o pigmentos y aplicarlas luego a una superficie. En el otro extremo de la
escala están los métodos actuales, fruto del desarrollo tecnológico. A lo largo de todo el
proceso evolutivo son diversos los utensilios y máquinas utilizados para la
manipulación de ambas superficies. Entre las más relevantes encontramos los
siguientes: buril, gubia, escoplo, cuchilla, rascador, bruñidor, ruleta, graneador,
raspador…
En cuanto a la maquinaria empleada para hacer entrar en contacto las dos superficies,
imprescindibles en el proceso de impresión o estampación, destacamos la prensa
vertical, el tórculo, la prensa litográfica, el método offset, y el bastidor con la rasqueta
flexible.
Técnicas de grabado

En este tipo de técnicas, la imagen se realiza en la matriz incidiendo, rayando, cortando

o vaciando con diversas herramientas, o bien a través de la acción corrosiva de los
ácidos.

Técnicas de grabado en relieve

Por técnicas de grabado en relieve se entienden aquellas en las que las áreas o líneas que
forman el dibujo o la imagen, corresponden a las zonas que en la matriz no han sido
rebajadas y han quedado en relieve. Las principales son la xilografía y la linografía.

Xilografía

La palabra xilografía tiene su origen en los términos griegos xilon, madera, y grafos
que significa dibujo o escritura. En esta técnica, se utiliza como plancha o matriz, un
bloque de madera o taco. La matriz se trabaja cortando y vaciando los espacios en
blanco, por medio de gubias, cuchillas y buriles, de modo que la imagen que se desea
estampar queda en relieve y el fondo está rebajado. Concluido el proceso de grabado, se
procede al entintado con un rodillo, la tinta se fija únicamente en la imagen que queda
en relieve, que posteriormente se transfiere al papel en el proceso de estampación. Este
proceso puede realizarse manualmente o mediante una prensa.

En sus comienzos, la xilografía estuvo ligada al arte popular, se utilizó para realizar
sellos, molduras y letras. En el siglo XVI, gracias a la iniciativa de Dürer, la técnica
pasa a ser empleada por los artistas. Tras un breve período de gran calidad, la xilografía
fue decayendo a lo largo del siglo, siendo sustituida por el grabado en metal. La
revalorización del trabajo artesano y las artes aplicadas que se produce a finales del
siglo XIX supuso la recuperación de la xilografía en el ámbito artístico. Artistas como
Gauguin, Munch, o miembros de Die Brücke, como Kirchner y Heckel, se inclinaron
por esta técnica debido a su origen popular, su antigüedad y su relación con la materia y
el trabajo artesanal, siendo ellos mismos quienes grababan sus propios dibujos en los
tacos xilográficos.

Linografía
Esta técnica utiliza como matriz el linóleo, un material flexible, ligero y fácil de cortar.
El proceso de trabajo y las herramientas son idénticos a los de la xilografía, aunque, al
ser un material más blando, resulta más fácil de trabajar. También el proceso de
entintado y estampación es similar al de la xilografía. Esta técnica se inicia con la
aparición de este material a finales del siglo XIX. Entre los artistas que han utilizado
esta técnica cabe destacar a Picasso.
Técnicas de grabado en hueco o calcográfico

Las técnicas de grabado en hueco se denominan así porque, al contrario que las de
grabado en relieve, quedan impresas en el papel las líneas o áreas que en la plancha se
han rehundido.
El origen de la palabra calcográfico viene del griego calcós que significa cobre y grafos
que significa dibujo. Por extensión, grabado calcográfico designa tanto aquel realizado
sobre planchas de cobre como sobre planchas de zinc, hierro, acero, o cualquier otro
metal. El término de grabado en hueco va asociado al entintado y a la estampación, ya
que se entintan y estampan las líneas o partes de la plancha grabadas, es decir hundidas
o rebajadas.

El grabado calcográfico comprende una multiplicidad de técnicas que podemos dividir

en dos grandes apartados: tècnicas directas y técnicas indirectas
Técnicas directas

Son aquellas en las que el grabador incide directamente sobre la superficie de la plancha
con un utensilio metálico punzante o cortante, tales como la punta de acero, el buril o el
berceau o graneador. Según el utensilio utilizado tendremos las siguientes técnicas:
buril, punta seca o manera negra.

Buril

El buril es una barra de acero templado de sección cuadrada, romboidal o circular, cuya
punta esta cortada a bisel. La parte superior de esta barra encaja en un mango de madera
que termina en forma de media seta. Si la punta está bien afilada permite trazar líneas,
así como realizar punteados e incisiones. Según la inclinación del buril y la presión
ejercida sobre la plancha realizaremos líneas y surcos más o menos profundos.
A mediados del siglo XV, surge esta técnica en el ámbito de la orfebrería. Durante
mucho tiempo se consideró que era una técnica artesanal, cuya practica requería años de
experiencia para lograr su dominio. Prácticamente, hasta el siglo XIX, el grabado
calcográfico fue una técnica de interpretación, es decir, el artista realizaba un dibujo,
que el grabador transfería mediante el buril a la plancha. En las estampas figuraban los
nombres del artista y el grabador. No obstante, algunos artistas como Dürer y
Rembrandt grabaron sus propias planchas, llevando la técnica más allá de lo puramente
artesanal. A partir del siglo XIX, el buril perdió terreno en favor del aguafuerte.

Punta seca
Es una técnica similar a la del buril, la única diferencia es que en lugar del buril, se
utiliza un utensilio punzante con el que el artista dibuja directamente sobre la superficie
de la plancha. Esta técnica se usa fundamentalmente para trazar líneas. Lo peculiar de
esta técnica es que al rayar la superficie de la plancha con la punta, se produce una
cresta, llamada rebaba, en uno o en ambos lados del surco. Al entintar la plancha, tanto
el surco como las rebabas retienen la tinta, de modo que al estampar la matriz sobre el
papel los contornos de los trazos aparecen poco nítidos, con un aspecto aterciopelado.
Esta característica implica que el número de estampas que se pueden imprimir partiendo
de una misma matriz es limitado, porque en los procesos de entintado, limpieza y
estampación las rebabas desaparecen con rapidez y con ellas la calidad aterciopelada de
las líneas, es decir, el efecto más especifico de esta técnica.
Manera negra o mezzotinta
A diferencia de otras técnicas de grabado calcográfico, la imagen se trabaja partiendo de
un fondo negro homogéneo. Para conseguir este fondo negro, la plancha debe ser
graneada, es decir, se van abriendo pequeños surcos con el graneador o berceau hasta
conseguir una textura rugosa, granulada y uniforme. El graneador o berceau es un
utensilio con una hoja dentada, en forma de media luna que va rayando la superficie de
la plancha, al ejercer presión sobre ella con un movimiento de balanceo. Una vez
graneada la plancha, se realiza sobre la plancha la imagen que se desea transferir al
papel. Los blancos se obtienen eliminando la textura rugosa de la plancha, es decir,
rebajando la superficie de la plancha con el rascador y aplastándola completamente con
el bruñidor. Se trata de una técnica pictórica con la que se consiguen desde suaves
gradaciones tonales a efectos de claroscuro. Esta técnica nació en Alemania a mediados
del siglo XVII, pero fue en Inglaterra donde se cultivó con gran éxito durante todo el
XVIII y parte del XIX.
Técnicas indirectas
Se denominan así, porque el artista no graba la imagen incidiendo directamente sobre la
plancha, sino que la dibuja sobre una capa de barniz protector que preserva la plancha
de la acción corrosiva del ácido. Los trazos del dibujo levantan la capa de barniz
protector, de modo que la plancha queda desprotegida en esas zonas. La imagen se
graba cuando la plancha se somete a la acción del ácido
Las técnicas indirectas son:
Aguafuerte
Para realizar un aguafuerte, se cubre la plancha con un barniz resistente al ácido. Una
vez seco el barniz, se realiza el dibujo con una punta de acero o un instrumento similar
que nos permita ir levantando la capa de barniz a medida que realizamos los trazos del
dibujo. A continuación, se sumerge la plancha en un ácido cuya composición varía en
función del material de la matriz, así como de los resultados que se desee obtener. Los
trazos abiertos por la punta son los que seran mordidos por el ácido. La profundidad de
las líneas variará según el tiempo de exposición de la plancha al ácido y según la
concentración del mismo. La corrosión se puede realizar en diferentes etapas para
producir distintas profundidades. Esta técnica se conoce desde el siglo XV, en un
principio empezó a utilizarse como técnica auxiliar de los grabados realizados con buril.
Ya en el siglo XVII, el aguafuerte fue empleado por artistas tan importantes como
Rembrandt.
Aguatinta

El aguatinta es una técnica pictórica cuya finalidad es obtener áreas tonales en una
imagen. Sobre la plancha limpia y desengrasada se espolvorea resina en polvo y, a
continuación, se calienta la plancha hasta que la resina se funda y se adhiera. Una vez
adherida a la plancha, la resina actúa como protectora de la plancha. Los intersticios, es
decir, los pequeños espacios que quedan al descubierto entre los diminutos granos de
resina, serán mordidos por el ácido. Para conseguir las diferentes tonalidades se pueden
hacer sucesivas reservas con barniz de las zonas que se desea proteger y sucesivas
inmersiones de la plancha en el ácido. La intensidad del color dependerá del tiempo de
exposición de la plancha al ácido, ya que la profundidad de los surcos aumentará
paralelamente al tiempo de exposición. El aguatinta se empezó a utilizar en el siglo
XVIII. Francisco de Goya utilizó esta técnica en algunas de sus series, en particular, en
la de Los proverbios

Aguatinta al azúcar
Tal como indica su denominación esta técnica está relacionada con el aguatinta y, al
igual que ésta, permite conseguir efectos tonales. Se utiliza sobre todo en los casos en
los que se desea obtener el efecto de pincelada. Normalmente se dibuja la imagen con
una mezcla saturada de tinta china con azúcar. Esta solución se puede aplicar sobre la
plancha con un pincel, una caña o una pluma. Una vez seca esta mezcla, se recubre toda
la plancha con una capa fina y uniforme de barniz líquido. Cuando el barniz se ha
secado, se introduce la plancha en una cubeta con agua caliente. El azúcar se irá
disolviendo poco a poco levantando la capa de barniz que lo recubre y dejando el metal
al descubierto, mientras que el resto de la plancha permanece cubierta por el barniz. En
esta técnica, al igual que en el aguatinta, debe resinarse la plancha, bien al principio del
proceso, bien una vez que se extraiga la plancha del agua caliente.
Barniz blando
El nombre de esta técnica proviene del tipo de barniz utilizado para cubrir la plancha. Se
trata de un barniz compuesto de cera, resina y sebo que tarda en secar y se adhiere
fácilmente a cualquier superficie. La plancha se recubre con una capa fina y uniforme
de barniz blando, aplicada con un rodillo. Este tipo de barniz permite reproducir la
textura de cualquier objeto que entre en contacto con él, telas, gasas, hojas u cordones.
A menudo, mediante esta técnica el artista busca reproducir efectos similares a los de un
dibujo realizado a lápiz. En ese caso, sobre la plancha barnizada, se coloca una hoja de
papel sobre la que se dibuja con un lápiz o con un utensilio de forma análoga. La
presión ejercida por la punta del lápiz sobre el papel, hace que el barniz se adhiera al
papel, dejando el metal al descubierto.
con una tarlatana, con papel, o incluso con la mano y blanco de España.

Entintado y estampación calcográfica

La finalidad de las planchas grabadas, mediante cualquiera de las técnicas calcográficas
anteriormente descritas es ser estampadas, es decir, reproducir la imagen que se ha
grabado en la plancha, al papel. Para ello hace falta realizar el proceso de entintado y
posteriormente el de estampación. Para aplicar la tinta sobre la plancha, se utilizan
tampones, muñequillas, espátulas de plástico o de cartón, presionando para que penetre
en todos los surcos, líneas grabadas o tallas. A continuación, se retira el exceso de tinta
limpiando la plancha
Una vez entintada la plancha, pasamos a la estampación, la cual se realiza en una prensa
llamada tórculo. Se trata de una máquina, cuyo diseño básicamente no ha variado desde
el siglo XV. Se compone de dos soportes laterales sobre los que reposan dos cilindros
macizos, antiguamente de madera y, en la actualidad, metálicos. El cilindro superior se
mueve por medio de una rueda de aspas que se impulsa bien manualmente bien
mediante un pequeño motor eléctrico. Entre los dos cilindros, hay una tabla de madera o
placa metálica denominada platina, donde se pone la matriz entintada, sobre la que se
coloca, a su vez, el papel y un paño de fieltro que suavice la presión. Los presión
ejercida por los cilindros hace que la tinta de los surcos de la matriz sea tranferida al
papel. El proceso de entintado y estampación de la plancha debe repetirse cada vez que
se desea imprimir una nueva estampa.
Técnicas aditivas
Llamamos técnicas aditivas al conjunto de técnicas en las que la matriz se construye a
partir de un soporte rígido con la adición de diversos materiales. La matriz puede ser de
metal, cartón, madera, caucho, hierro o de cualquier otro material, sobre el que se
añaden colas, barnices, arenas, resinas etc. para formar la imagen. La superposición de
estas substancias sobre la matriz permite crear diferentes texturas que facilitan la
retención de tinta y, en consecuencia, son susceptibles de ser estampados. Estas técnicas
de arte gráfico se caracterizan por sus texturas y sus efectos matéricos.

Carborundo
Es una técnica aditiva que se utiliza para obtener efectos pictóricos de mancha. Para
conseguirlo, sobre el dibujo que hemos realizado en la plancha con un adhesivo, se
espolvorea el carborundo para que se fije. Una vez seco se entinta y estampa. El
carborundo permite conseguir una matriz con zonas rugosas o granuladas, con gran
capacidad de retención de tinta. Esta cualidad texturada de la matriz se tranfiere también
al papel en el proceso de estampación. Henri Goetz descubrió esta técnica en la década
de los setenta del siglo XX. Esta técnica aditiva se puede utilizar en combinación con
otros procedimientos directos o indirectos del grabado calcográfico. Joan Miró utilizó, a
menudo, esta técnica tan innovadora, en general, paralelamente al uso de técnicas más
tradicionales de huecograbado.
Tecnicas del mosaico

Un mosaico era una obra compuesta de rocas. También puede estar hecha de madera.
Por extensión se llama mosaico a cualquier obra realizada con fracciones diversas.

Se utilizó en los yacimientos de la ciudad asiria llamada Nínive.Se ha podido ver que
decoraban las paredes y las columnas con pequeños trozos de arcillas de colores
dibujando formas geométricas.

En el mundo europeo fue muy frecuente y desde muy temprano (desde fines del siglo
V a. C.) el pavimento compuesto por guijas de río (piedrecillas chicas que se encuentran
en las orillas) de tamaños y de colores distintos. Con estas guijas se hacían dibujos
sencillos de temas geométricos. En los pueblos de Castilla y León (en España) han
seguido a través de los siglos esta tradición para los patios y zaguanes de las casas. Es lo
que llaman enguijarrado.

Este sistema de pavimentación se ha podido ver claramente en las casas de Olinto

(Olynthos), antigua ciudad griega de la región de Macedonia en la península Calcídica,
que fue destruida por Filipo II de Macedonia en el año 348 a. C., y en las ciudades de
Pella y Corinto. Las escenas representadas con estos guijarros suelen ser del mundo
marino, del repertorio homérico y del culto a Dioniso.

Todos los pueblos antiguos hicieron incursión en este arte tanto en la antigüedad clásica
como en la de Mesoamérica. En la antigüedad clásica llegó a ser un producto muy
elaborado y de gran lujo con la cultura helenística, en que se empezaron a realizar obras
más complicadas con temas complejos y episodios de la vida cotidiana y de la
mitología. Los materiales empleados también fueron más ricos (mármol, vidrio, ónice).
El arte del mosaico adquiere su difusión en época del Imperio romano.
A lo largo de la historia de la humanidad el arte del mosaico se ha ido desarrollando y
enriqueciéndose, adquiriendo el estilo y los materiales adecuados a cada época, hasta
llegar al siglo XXI en que las obras de arte se siguen sucediendo aunque no mucho.

Tecnicas de imágenes fotograficas e infograficas

La cámara oscura (del latín camera obscura) es un instrumento óptico que permite
obtener una proyección plana de una imagen externa sobre la zona interior de su
superficie. Constituyó uno de los dispositivos ancestrales que condujeron al desarrollo
de la fotografía. Los aparatos fotográficos actuales heredaron la palabra cámara de las
antiguas cámaras oscuras.

Originalmente, consistía en una sala cerrada cuya única fuente de luz era un pequeño
orificio practicado en uno de los muros, por donde entraban los rayos luminosos
reflejando los objetos del exterior en una de sus paredes. El orificio funciona como una
lente convergente y proyecta, en la pared opuesta, la imagen del exterior invertida tanto
vertical como horizontalmente.
La frase camara oscura fue acuñada por Johannes Kepler en su tratado Ad Vitellionem
Paralipomena de 1604. En él expone el funcionamiento de la cámara oscura, que
servirá para desarrollar el invento del telescopio.

El daguerrotipo, construido por Louis Daguerre en 1839, es un invento precursor de la

fotografía moderna. Fue además un puente entre la cámara negra creada por Johann
Zahn y retocada por Joseph-Nicéphore Niépce, y la cámara de objetivo del alemán
Joseph Petzval, también conocido como Jozef Maximilián Petzval. Las publicaciones
del momento dieron a conocer el nuevo aparato a la sociedad, pero supuso sobre todo
una revolución en el mundo de la información ya que permitió cubrir el seguimiento de
la Guerra de Crimea y de la Guerra de Secesión estadounidense.

Para la obtención de la imagen se parte de una capa sensible de nitrato de plata

extendida sobre una base de cobre. A partir de una exposición en la cámara, el positivo
se plasma en el mercurio. Finalmente, la imagen se fija tras sumergir la placa en una
solución de cloruro sódico o tiosulfato sódico diluido.

A finales del año 1840 se habían conseguido tres progresos técnicos en el daguerrotipo.
En primer lugar, se consiguió una lente hasta 22 veces más brillante. Además, se
aumentó la sensibilidad de las placas ante la luz al ser recubiertas por sustancias
halógenas (aceleradores o sustancias rápidas), con lo que el tiempo de exposición se
redujo. Finalmente, las placas se doraron para enriquecer los tonos.

Sus inconvenientes era:

  Tiempos de exposición exageradamente largos, 15 a 30 minutos bajo luz
brillante. Extraído de “La fotografía como documento social” Giselle Freund.
 Al no existir negativo no permite hacer copias. Es necesaria una nueva
exposición para realizar una nueva copia.
 Los vapores del yodo y del mercurio son muy perjudiciales para la salud

El negativo. En fotografía, se llama negativo a la película que se utiliza en la cámara

fotográfica convencional para, seguidamente, realizar el positivado en papel. Las partes
del negativo en las que ha incidido la luz se verán con un color oscuro, mientras que en
las partes donde no ha incidido, quedarán transparentes.

PROYECTOR CINEMATOGRAFICO

Louis Jean (5 de octubre de 1864 – 6 de junio de 1948) y Auguste Marie Louis

Nicholas (19 de octubre de 1862 – 10 de abril de 1954) fueron los inventores del
proyector cinematográfico.
Ambos nacieron en Besançon, Francia, pero crecieron en Lyon. Su padre tenía un taller
fotográfico y ambos hermanos trabajaban con él, Louis como físico y Auguste como
administrador. Louis hizo algunas mejoras en el proceso de fotografías estáticas.

Al morir su padre en 1892 los hermanos empezaron a trabajar en la posibilidad de

imágenes en movimiento. Patentaron un número significativo de procesos notables,
como agujerear la cinta del film para permitir su movimiento por la cámara.

Crearon un aparato que servía tanto como cámara o como proyector: el cinematógrafo,
que se basaba en la persistencia retiniana de imágenes en el ojo humano. Ellos cargaban
las piezas de la cámara filmadora en un cajón para su traslado.

El cinematógrafo fue patentado el 13 de febrero de 1894. Así, en el verano de 1894, los

hermanos Louis y Auguste Lumière tenían a punto la cámara que servía tanto como
tomavistas o como proyector, y con ella llevaron a cabo su primera filmación ese otoño.
El 22 de marzo de 1895 fue mostrada en París en una sesión de la Société
d’Encouragement à l’Industrie Nacional la conocida La sortie des ouvriers des usines
Lumière à Lyon Monplaisir («Salida de los obreros de la fábrica Lumière en Lyon
Monplaisir»), rodada tres días antes el 19 de marzo de 1895.

Tras diversas presentaciones en sociedades científicas, en la Universidad de la Sorbona,

en Bruselas y otros lugares, se procedió a su explotación en la primera sesión exhibida
para un público comercial, como primer espectáculo de pago el 28 de diciembre de
1895 en París, en el Salon Indien del Grand Café, en el Boulevard des Capucines,
donde se proyectaron varias cintas entre las que destacaban, aparte de la ya citada
Salida de la fábrica Lumière, otras como Llegada de un tren a la estación de la Ciotat o
El desayuno del bebé, e incluía la primera película de ficción: El regador regado. Así,
con este catálogo, el cine comenzó su historia a modo de documental, como testigo
objetivo de la vida cotidiana.

Los hermanos pensaban que «el cine es una invención sin ningún futuro», utilizable sólo
para el ámbito de la intimidad. No obstante, aprovecharon todo lo que el nuevo invento
les ofreció para generar riqueza y montar un negocio rentable. Los Lumière enviaban un
cinematógrafo y un operador allá donde era requerido, por ejemplo a la Coronación del
zar Nicolás, etc. Con estas cintas rodadas en los lugares más exóticos del planeta surge
el montaje.

Su posición económica y el interés que mostraban hacia la ciencia les hizo menospreciar
las posibilidades comerciales de su invento, por lo que finalmente abandonaron la
producción cinematográfica.

En 1903 patentaron un proceso para realizar fotografías en color, el Autochrome

Lumière, lanzado al mercado en 1907.

Actualmente su cámara esta en el museo de cine de Paris, con la de George Méliès.

Las camaras de hoy en dia son camaras digital

 Happening

Happening (de la palabra inglesa que significa evento, ocurrencia, suceso).

Manifestación artística, frecuentemente multidisciplinaria, surgida en los 1950
caracterizada por la participación de los espectadores. Los happenings integran el
conjunto del llamado performance art y mantiene afinidades con el llamado teatro de
participación.

La propuesta original del happening artístico tiene como tentativa el producir una obra
de arte que no se focaliza en objetos sino en el evento a organizar y la participación de
los “espectadores”, para que dejen de ser sujetos pasivos y, con su actividad, alcancen
una liberación a través de la expresión emotiva y la representación colectiva. Aunque es
común confundir el happening con la llamada performance el primero difiere de la
segunda por la improvisación o, dado que es difícil una real improvisación, por la
imprevisibilidad.

El happening en cuanto manifestación artística es de muy diversa índole, suele ser no

permanente, efímero, ya que busca una participación espontánea del público. Por este
motivo los happenings frecuentemente se producen en lugares públicos, como un gesto
de sorpresa o irrupción en la cotidianeidad. Un ejemplo de ello son los eventos
organizados por Spencer Tunik en los cuales se implican a masas de gente desnuda.
Performance

Performance se ha difundido en las artes plásticas a partir de la expresión inglesa

performance art con el significado de arte en vivo. El performance está ligado al arte
conceptual, a los happenings, al movimiento artístico fluxus events y al body art. La
palabra performance comenzó a ser utilizada especialmente para definir ciertas
manifestaciones artísticas a finales de los años sesenta. Este medio artístico tuvo su auge
durante los años setenta.

La historia del “performance art” empieza a principios del siglo XX, con las acciones en
vivo de artistas de movimientos vanguardistas. Creadores ligados al futurismo, al
constructivismo, al dadaísmo y al surrealismo, realizaban por ejemplo las exhibiciones
no convencionales en el Cabaret Voltaire. Entre estos artistas se destaca la participación
de Richard Huelsenbeck y Tristan Tzara.

 El arte de la performance es aquél en el que el trabajo lo constituyen las

acciones de un individuo o un grupo, en un lugar determinado y durante un
tiempo concreto.

 La Performance o acción artística puede ocurrir en cualquier lugar, iniciarse en

cualquier momento y puede tener cualquier duración.

 Una “acción artística” es cualquier situación que involucre cuatro elementos

básicos: tiempo, espacio, el cuerpo del artista y una relación entre este y el
público. El performance se opone a la pintura o la escultura, ya que n o es el
objeto sino el sujeto el elemento constitutivo de la obra artística.

 La performance tiene parentesco con la acción poética, la intermedia, la poesía

visual y otras expresiones del arte contemporáneo. Algunos llaman a tales
expresiones (idénticas o muy similares a la performance): live art, action art,
intervenciones y manoeuvres.
  El sniggling es una forma activista y engañosa de performance art en público,
que típicamente se desarrolla de modo que los espectadores inicialmente no se
dan cuenta de que se está ejecutando una performance.

En el arte contemporáneo- que siempre busca redefinír sus formas y maneras-, nos
referimos a acción poética cuando distinguimos una performance de una acción
basada en el sentido poético del arte, la literatura o la cultura

El Land art es una tendencia del arte contemporáneo, que utiliza el marco y los
materiales de la naturaleza (madera, tierra, piedras, arena, rocas, etc.). Esta expresión
inglesa se ha traducido también como «arte de la construcción del paisaje» o «arte
terrestre». Generalmente, las obras se encuentran en el exterior, expuestas a los
elementos, y sometidas a la erosión natural; así pues, algunas desaparecieron, quedando
de ellas sólo el recuerdo fotográfico. Las primeras obras se realizaron en los paisajes
desérticos del Oeste americano a finales de los años sesenta. Las obras más imponentes,
realizadas con equipamientos de construcción como excavadoras, se llaman
Earthworks, palabra que puede traducirse como excavaciones, aterramientos o
desmontes).

El arte generado a partir de un lugar, que algunas veces parece un cruce entre escultura
y arquitectura, en otras un híbrido entre escultura y arquitectura de paisaje en donde
juega un papel cada vez más determinante en el espacio público contemporáneo. En
realidad, puede considerarse como un nuevo comportamiento artístico, alejado de los
modos tradicionales, como otros que surgieron en los años sesenta y setenta en
respuesta a la comercialización del objeto artístico tradicional (cuadros, esculturas).
Otras nuevas modalidades artísticas del mismo tipo serían en body-art, el happening o el
Arte Povera.
 Un boceto, también llamado esbozo (Layout en inglés), es un dibujo realizado de forma
esquemática y sin preocuparse de los detalles o terminaciones para representar ideas,
lugares, personas u objetos.

Un boceto es un dibujo hecho a mano alzada, utilizando lápiz, papel y goma de borrar,
realizado generalmente sin instrumentos de dibujo auxiliares. Puede ser un primer
apunte del objeto ideado que aún no está totalmente definido. Se pueden utilizar tanto
técnicas de perspectiva como vistas ortogonales. Es un dibujo rápido de lo que luego
llegará a ser un dibujo definido o la obra de arte final en sí.

PEQUEÑA CONCLUSION: En este tema podemos ver que hay muchas tecnicas tanto
para hacer esculturas como para realizar imágenes, tecnicas muy diferentes que a veces
las personas no diferenciamos pero que existen y que los grandes artistas como otras
personas comunes las utilizan