UNIVERSIDAD DE LOS ANDES

FACULTAD DE HUMANIDADES Y EDUCACIÓN

ESCUELA DE EDUCACIÓN

MENCIÓN BÁSICA INTEGRAL

CATEDRA: EDUCACION ESTETICA

TRBAJO SINGULAR:

Alumna: Raine Isamar Contreras R.

C.I V-20432496
 La formación estética auditiva
Pretende formar una conciencia auditiva, para oír conscientemente
sonidos y sonidos musicalmente desarrollados entre sí. Pretende desarrollar en
el alumno la representación de la escritura, la audición y ejecución musicales,
integrándolas en una imagen global, la audición interna. Pretende capacitarlo
para que conscientemente pueda captar, retener y reproducir los sucesos
musicales, más concretamente: el alumno debe aprender a reconocer y
nombrar los sonidos y sus relaciones contextuales por él escuchados, o sea, a
definirlos técnicamente. Debe aprender a traducir ejemplos musicales a signos
musicales con la ayuda de dicha definición. De la misma manera, esa definición
debe hacerlo capaz de reproducir en su instrumento lo que haya escuchado.
La coral:

El término coral se utilizaba originalmente para designar los

cantos monódicos que tenían lugar en la liturgia de la Iglesia Occidental, como,
por ejemplo, el canto gregoriano. En el siglo XIV se distinguía entre los cantos
corales o eclesiásticos. Los primeros eran monódicos y eran interpretados por
la Schola (de ahí el término coral). Los segundos correspondían a la
música polifónica interpretada en la iglesia.

La orquesta:

La orquesta sinfónica u orquesta filarmónica es una agrupación o

conjunto musical de gran tamaño que cuenta con varias familias de
instrumentos musicales, como el viento madera, viento metal, percusión y
cuerda. Una orquesta sinfónica o filarmónica tiene, generalmente, más de
ochenta músicos en su lista. Sólo en algunos casos llega a tener más de cien,
pero el número de músicos empleados en una interpretación particular puede
variar según la obra que va a ser ejecutada. El término orquesta se deriva de
un término griego que se usaba para nombrar a la zona frente al escenario
destinada al coro y significa ‘lugar para danzar'.

La Música:
 Viene del griego mousike que significa "el arte la musa", según la Real
Academia Española, es la melodía, ritmo y armonía, combinados. Más adelante
explica la sucesión de sonidos modulados para recrear el oído.

El Sonido:

Es la sensación o impresión producida en el oído por un conjunto de

vibraciones que se propagan por un medio elástico, asimismo, la manera
especial y propia de sonar que tiene una determinada cosa.

El Ruido:

Viene del latín rugitus que significa rugido o sonido ronco y sordo. Segun
la Real Academia es el sonido inarticulado, por lo general desagradable.

Los Instrumentos Musicales:

Es un objeto construido con el propósito de producir sonido en uno o

más tono que puedan ser combinados por un intérprete o músico para producir
una melodía. Existe la división de los instrumentos en tres familias: viento,
cuerda y percusión. Adicional a ellos la voz, los teclados y los instrumentos
electrónicos.

El Radio:

Es un término de comunicación que se basa en el envió de señales de

audio a través de ondas de radio.

Importancia:

El ser humano desde su gestación posee la capacidad auditiva, lo que

posibilita la relación con las personas que lo rodean y en el conocimiento de su
entorno. Esta capacidad permite también, desde el origen de la humanidad, el
desarrollo de la música a través de la utilización de la voz mediante la creación
de instrumentos musicales y nos posibilita el acceder a los diferentes estímulos
musicales que nos rodea en nuestra vida cotidiana.
 La audición es básica en la educación musical por lo que es necesario
que en la escuela se desarrolle esta formación a través de la planificación
pedagógica de actividades musicales desde el inicio de la escolarización ya
que:

1. Perfecciona la capacidad auditiva, implica la mejora de las

capacidades sensoriales lo que supone una estimulación en las
habilidades perceptivas, cognitivas y de aprendizaje.
2. Adquisición del razonamiento matemático, pues ambas esperas
desarrollan aspectos de cuantificación y de organización espacio-
temporal.
3. Permite mayor control y coordinación del propio cuerpo ya que a
través de diversas actividades musicales se tratara de poner en
relación lo escuchado con la representación motriz y grafica.
4. Posibilita el desarrollo de las actitudes de respeto hacia otros y el
saber manifestar una postura y actitud adecuada en el momento
de escuchar.
5. La capacidad de atención y concentración, cualidades de gran
importancia para las actividades escolares y la vida cotidiana.
6. Además, la educación auditiva como parte de la educación
musical y por tanto en clara relación con la creación, permite al
alumnado el desarrollo de la imaginación y de la creatividad, así
como del pensamiento divergente ya que el alumnado puede
compartir diferentes respuestas emocionales ante la audición de
una misma pieza musical.

Por ello se hace imprescindible el llevar a cabo desde la escuela

actividades que estén dirigidas a la educación auditiva para que el alumnado
desarrolle múltiples capacidades.

La música en el programa educativo Venezolano.

Antiguamente, existían en los programas educativos la enseñanza de la

música en forma específica y detallada por grados en donde se debía impartir
todos los elementos concernientes a esta: elementos de lenguaje musical de la
producción instrumental (como la flauta y el cuatro) y aspectos relacionados
con la técnica del canto: para la enseñanza se recurría a personal que
dominara algún instrumento musical y se insertaban como maestros del área
musical, aunque no cumpliera los aspectos indispensables que todo docente
debe dominar como lo es la didáctica pedagogía, psicología u además los
conocimientos en cuanto a los diferentes sistema de enseñanza musical que
existen.

El Ministerio del Poder Popular para la Educación creo en el año 2007

un nuevo subsistema de educación primaria bolivariana donde garantiza la
formación integral de los niños y niñas de (6) a (12) años de edad o hasta su
ingreso al subsistema siguiente. Se definen como áreas de aprendizaje en el
subsistema de educación primaria bolivariana las siguientes: Ciencias Sociales,
Lenguaje, Comunicación Y Cultura, Ciudadanía E Identidad, Ciencias Naturales
Y Sociales, Deporte Y Recreación. Ahora bien en cuanto al aspecto cultural el
ministerio precisa en el CBN el abordaje de los mismos según el grado.

Quinto grado de la educación Primaria.

• Manifestación emocional a través de la creación artística.

• Clasificación de los instrumentos musicales.
• Estudio del timbre de voz en la formación de coros
• Diferenciación de sonidos
• Contaminación sónica.
• Desarrollo de la danza a través de ritmos nacionales.
• Ejecución de instrumentos musicales.
• Entonación del himno nacional, y otros himnos de importancia.
• Representación creativa de una melodía.
• Desarrollo de la danza de forma libre y organizada provenientes de
ritmos provenientes de culturas locales, regionales, nacionales y
mundiales.
• Creación colectiva o individual de diversas melodías y canciones.
• Manifestación de opiniones sobre la diversidad musical

La realidad de la aplicación de la música en el contexto educativo venezolano.

 Se observo von lo expuesto anteriormente, que el CBN todavía engloba,
a pesar de los diferentes cambios y reformas educativas que se han hecho, las
expresiones musicales, artes platicas y escénicas dentro de la educación
estética, quedando establecidas dentro de una sola área. Ahora bien ¿Quién
transmite la educación estética y más específicamente los conocimientos
musicales según el CBN? Es la Maestre integral quien se encarga de la
educación estética dentro del aula. Y al maestro de música se le asignan
actividades de extensión, como lo es la constitución coral del colegio, a entonar
el himno nacional o el del estado en fechas especiales.

El CBN señala contenidos específicos en cuanto a la enseñanza de la música

y sus elementos básicos como:

• Timbre
• Ritmo
• Duración
• Intensidad
• Altura
• Elementos primarios
• El silencio musical.

Además señala la ejecución de instrumentos musicales, en el que no

solamente debería ser el cuatro sino la guitarra, y como en otros currículos se
establece la enseñanza de la flauta dulce.
 Arte en el Tiempo

Arte del Renacimiento y Arte Moderno

Arte del Renacimiento

Movimiento artístico de renovación cultural y artística que se produjo en Europa

y muy específicamente en Italia, durante los siglos XV y XVI.
De la concepción teocentrista medieval, en la que Dios era considerado, el
centro de todas las cosas, se pasó a una concepción humanista, donde cobró
mayor relevancia la representación del ser humano y su entorno, apareciendo
nuevas temáticas como la mitológica o la histórica, o nuevos géneros como
el paisaje, el bodegón e, incluso, el desnudo. La belleza dejó de ser simbólica,
como en la era medieval, para tener un componente más racional y mesurado,
basado en la armonía y la proporción. A partir de este renacimiento surgieron
los llamados mecenas, ya que los artistas pudieron desligarse de la rígida
estructura de los gremios y convertirse en autores individuales, con un rango
muy superior al de su antigua condición de artesanos.
La arquitectura
Se abandonan las dimensiones sobrenaturales del gótico y pasa a construir
edificios a la medida humana, en los que las leyes de la simetría y de las
proporciones dan la medida de la belleza. Así, que la verticalidad del gótico
deja paso a la arquitectura de líneas predominantes horizontales, en la que los
principales elementos estructurales son el arco de medio punto, la columna,
que sustituye al pilar gótico, y la cubierta plana con casetones.
La cúpula central de los romanos vuelve a adquirir un gran protagonismo y se
aplica sobre plantas que son preferentemente centrales o basilicales, pero que
pueden ser también de cruz latina. La repetición simétrica de elementos
(ventanas, columnas y frontones) pasa a ser algo habitual y a menudo los
edificios y las fachadas se conciben como un juego perfectamente calculado de
figuras geométricas.

Santa María Novella

 Templete de San Pedro en Roma

En América latina
El renacimiento llego de la mano de las órdenes religiosas y dieron vida a un
estilo original en el que la ornamentación se inspira en elemento decorativo.
Las construcciones que más destacaron fueron la de los conventos, los cuales
estaban acompañados de una iglesia precedida por un enorme atrio para la
catequesis.

Las más destacadas se encuentran en México

Catedral de la Ciudad de México

La escultura
La principal característica de la escultura renacentista es su inspiración en los
modelos clásicos, de los que adopta su preocupación por la perfecta
reproducción de las proporciones y de la anatomía del cuerpo humano. Los
materiales más usados era el mármol y el bronce y los géneros más cultivados
son a escultura de bulto redondo, los sepulcros monumentales y los
medallones o tondos; en menor medida se realizan también relieves, bustos y
retratos ecuestres, directamente inspirados estos últimos en la antigüedad
clásica.

Puerta del paraíso de Lorenzo Ghiberti

La pintura
Sin duda alguna, la manifestación artística que experimentó una revolución
más profunda durante el renacimiento fue la pintura. Ello se debe en primer
lugar a la introducción de la perspectiva lineal, que permitió crear la ilusión de
espacio y de profundidad, y en segundo lugar a la búsqueda de una
reproducción exacta de la realidad.
El retablo, predominante durante el gótico, desaparece casi totalmente y
aumenta el número de cuadros de caballete, en los que ya no se cultiva sólo la
temática religiosa, sino también el retrato y las escenas mitológicas y
alegóricas.

Expulsión de Adan y Eva del

paraíso por Masaccio

Cristo muerto de Andrea

Mantegna

La Gioconda o Mona Lisa de Leonardo Da Vinci

Las artes industriales
Tuvieron un gran auge debido al gusto por el lujo de las nuevas clases
adineradas: se desarrolló la ebanistería, sobre todo en Italia y Alemania,
destacando la técnica de la intarsia, embutidos de madera de varios tonos para
producir efectos lineales o de ciertas imágenes. La tapicería destacó en
Flandes, con obras basadas en bocetos desarrollados por pintores
como Bernard van Orley. La cerámica se elaboró en Italia
con barnices vidriados, consiguiendo tonos brillantes de gran efecto.
El vidrio se desarrolló notablemente en Venecia (Murano), decorado a veces
con hilos de oro o con filamentos de vidrios de colores. La orfebrería fue
cultivada por escultores como Lorenzo Ghiberti, con piezas de gran virtuosismo
y elevada calidad, destacando especialmente los esmaltes y camafeos.

Bernard van Orley

La música renacentista
La música renacentista supuso la consagración de la polifonía, así como el
afianzamiento de la música instrumental, que iría evolucionando hacia
la orquesta moderna. Apareció el madrigal como género profano que aunaba
texto y música, siendo la expresión paradigmática de la música renacentista.
En 1498 OttavianoPetrucci ideó un sistema de imprenta adaptado a la música,
enpentagrama, con lo que se empezó a editar música. Como compositores
renacentistas destacaron OrlandusLassus, Carlo
Gesualdo,GiovanniGabrieli, Tomás Luis de Victoria, Cristóbal de
Morales, Claudio Monteverdi y Giovanni Pierluigi da Palestrina. A finales del
siglo XVI nació la ópera, iniciativa de un círculo de eruditos
(la CamerataFiorentina) que, al descubrir que el teatro griego antiguo era
cantado, tuvieron la idea de musicalizar textos dramáticos. La primera ópera
fue Dafne (1594), de Jacopo Peri, a la que siguió Euridice (1600), del mismo
autor; en 1602 Giulio Caccini escribió otra Euridice; y, en 1607, Claudio
Monteverdi compuso La favolad'Orfeo, donde añadió una introducción musical
que denominó sinfonía, y dividió las estructuras cantadas en arias.

La Danza
La danza renacentista tuvo una gran revitalización, debida de nuevo al papel
preponderante del ser humano sobre la religión, de tal manera que muchos
autores consideran esta época el nacimiento de la danza moderna. Se
desarrolló sobre todo en Francia –donde fue llamado ballet-comique–, en forma
de historias bailadas, sobre textos mitológicos clásicos, siendo impulsado
principalmente por la reina Catalina de Médicis. Se suele considerar que el
primer ballet fue el Ballet comique de la Reine Louise (1581), de Balthazar de
Beaujoyeulx. Las principales modalidades de la época eran la gallarda,
la pavana y el tourdion. En esta época surgieron los primeros tratados sobre
danza:Domenico da Piacenza escribió De arte saltandi et choreas ducendi,
siendo considerado el primer coreógrafo de la historia; ThoinotArbeau hizo una
recopilación de danzas populares francesas.

Barroco

Se denomina barroco al periodo que transcurre desde 1600 a 1750. Adquirió

mayor importancia en España y en las ciudades latinoamericanas.
Se sitúa en un periodo histórico y político marcado por la dialéctica entre la
reforma protestante y la contrarreforma católica y entre el absolutismo
monárquico y las tentativas del parlamentarismo protestante. En este sentido,
aunque identificado con la tendencia espectacular hacia lo decorativo y la
fantasía y un abandono de las reglas de la estética clásica, el barroco propone
en realidad una doble tendencia: un gusto por la realidad y la cotidianidad y a la
vez un gusto por lo monumental y aparatoso, como expresión e instrumento
propagandístico de la monarquía y de la iglesia.
La arquitectura
El arte barroco comenzó en Roma al servicio de la iglesia Católica y de los
ricos príncipes de la iglesia. Los edificios barrocos más representativos son las
iglesias y palacios, en ocasiones realzados por magnificas plazas y jardines.
Destacan también construcciones públicas como fuentes, teatros o puentes.

Las iglesias barrocas son espacios en los que se intran todas las artes, con un
carácter plenamente escenográfico y teatral. Los arquitectos barrocos se
inclinan por las plantas centralizadas, con grandes cúpulas y espacios
fluyentes, en las que impera el dinamismo de la línea curva y el movimiento
cóncavo-convexo así como los efectos del claroscuro. Perviven algunos
elementos clásicos como columnas, frontones t balaustradas, pero dispuestos
de forma poco ortodoza, y aparecen otros como la columna salomónica. Los
palacios se organizan en Italia en torno al cortile, del que sale la majestuosa
escalera principal, mientras que en Francia se sustituye por la cour d honneur.

La fachada de la iglesia Ilgesú de Roma

La escultura
En la expresión plástica del Barroco desaparece la contención: el verdadero
tema que se esculpe no es ya la figura, sino el movimiento, tal como manifiesta
la importancia otorgada a ropajes, plegados, gesto y expresión, que encuentran
un paradigma en las apoteosis, martirios y éxtasis de la escultura religiosa.
Dada su carácter de subordinación a la arquitectura, las esculturas barrocas
están concebidas para ser contempladas no como esculturas exentas, sino
siempre como elementos de un conjunto más vasto, contribuyendo, con su
carácter teatral y tensión dramática, a conmover y persuadir al espectador.
Incluso cuando están destinadas a plazas y lugares descubiertos, se realizan
en función de las grandes líneas arquitectónicas o urbanísticas de las que
forman parte.
 La beata ludovica de
AlbertoniBernini

La Pintura
A fines del siglo XVI se produce una frontal oposición al estilo manierista,
proponiéndose un arte capaz de estimular el sentimiento popular religioso. Este
interés por lo real, por el naturalismo, se traduce desde el punto de vista
iconográfico en los países católicos con una temática asequible, capaz de
acercar la religión a los fieles, y en los protestantes con una obra que refleje la
realidad más cotidiana, en una temática banal, de género,. Así, se realizarán
desde retablos de gran tamaño hasta apoteosis celestiales al fresco en
bóvedas y cúpulas.
Se cultivará la temática de género, bodegones, floreros, vistas urbanas,
marinas. Etc., en obras que se moverán dentro del formulismo pictórico y
dibujístico y en las que destaca la luz como elemento definidor de las formas.

La lección de Anatomía de
Rembrandt

La música
La música barroca destacó por el
contraste, los acordes violentos, los volúmenes móviles, la ornamentación
exagerada, la estructura variada y contrastada. Se caracterizó especialmente
por la utilización del bajo continuo, sección instrumental grave que sostenía
ininterrumpidamente la parte melódica superior. En esta época la música
alcanzó cotas de gran brillantez, desvinculándose plenamente de la voz y el
texto, surgiendo las formas instrumentales puras (suite, sonata, tocata,
concierto, sinfonía). Con la sonata nacieron los nombres de
velocidad: allegro, adagio, presto, vivace, andante, etc. En la música religiosa
nacen el oratorio y la cantata, mientras que la música coral triunfó
especialmente en el mundo protestante. En España nacieron la zarzuela y
la tonadilla como manifestaciones de la música popular. Entre las grandes
figuras de la música barroca conviene recordar a Antonio Vivaldi, Tommaso
Albinoni, ArcangeloCorelli, Marc-AntoineCharpentier, Johann
Pachelbel, Heinrich Schütz, Johann Sebastian Bach, Georg
PhilippTelemann, Georg Friedrich Haendel, etc.

Rococó
Desarrollado en el siglo XVIIIen convivencia a principios de siglo con
el barroco, y a finales con el neoclasicismo–, supuso la pervivencia de las
principales manifestaciones artísticas del barroco, con un sentido más
enfatizado de la decoración y el gusto ornamental, que son llevados a un
paroxismo de riqueza, sofisticación y elegancia. El progresivo auge social de
la burguesía y los adelantos científicos, así como el ambiente cultural de
la Ilustración, conllevaron el abandono de los temas religiosos a favor de
nuevas temáticas y actitudes más mundanas, destacando el lujo y la
ostentación como nuevos factores de prestigio social.

Neoclasicismo

Es la corriente artística literaria y musical que, a partir de 1760,

aproximadamente, reaccionó contra las formas extravagantes y recargadas a
las que había llegado el rococó, restaurando la sencillez de las formas, tanto en
los volúmenes arquitectónicos como en la decoración.
Los teóricos del arte de este periodo lo definieron como una búsqueda de la
belleza ideal que, al no existir en la naturaleza, debía ser creada por el hombre
con la fuerza de su espíritu artístico. Y como los griegos fueron los auténticos
maestros en la creación de esta belleza ideal, el artista neoclasicista busca
imitarlos.

La arquitectura
El postulado principal de la arquitectura neoclasicista es la vuelta a la
simplicidad y la racionalidad grecolatinas, mediante formas puras de textura
evidente y carente de todo engaño visual y de cualquier forma de
decorativismo. Los modelos básicos a imitar son el templo griego, y las
cúpulas, los arcos triunfales y las columnas conmemorativas del arte romano.
La iglesia de la Madeleine por Pierre Vignon

El Capitolio de Washington de Benjamín

Latrobe

La escultura
El interés por el mundo antiguo se refleja en la escultura neoclásica en la
preferencia del mármol blanco sobre la madera (dominante en el barroco), en
los acabados lisos y pulidos y en la ausencia de toda expresión y sentimiento
en los personajes representados. Se cultivan por igual la escultura de busto
redondo y el bajo relieve, aplicado este ultimo por lo general a la decoración de
monumentos arquitectónicos.

Paulina Bonaparte de Antonio Canova

La música
La música clásica supuso entre el último tercio del siglo XVIII y principios
del XIX la culminación de las formas instrumentales, consolidadas con la
definitiva estructuración de la orquesta moderna. El clasicismo se manifestó en
el equilibrio y la serenidad de la composición, la búsqueda de la belleza formal,
de la perfección, en formas armoniosas e inspiradoras de altos valores. Nació
el desarrollo, nueva forma de composición que consistía en desmontar el tema,
cogiendo el ritmo o la melodía, pero cambiando la tonalidad a través de la
modulación. Evolucionó la música de cámara al desaparecer el bajo continuo,
en distintos formatos: dúo, trío, cuarteto, quinteto, etc. La música clásica está
representada principalmente por: Franz Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus
Mozart, ChristophWillibaldGluck, Luigi Boccherini y DomenicoCimarosa. La
ópera clásica era menos recargada que la barroca, con una música austera, sin
ornamentos vocales, arias limitadas, recitativo con acompañamiento orquestal,
argumentos más sólidos y personajes más verídicos. Destacan: Jean-
PhilippeRameau, ChristophWillibaldGluck y, especialmente, Wolfgang
Amadeus Mozart, autor de varias de las mejores óperas de la historia (Le
Nozze di Figaro, 1786; Don Giovanni, 1787; La flauta mágica, 1791).

El romanticismo y realismo

A finales del siglo XVIII y como reacción frente a la estricta rigidez y frialdad del
academicismo neoclásico, se produce una afirmación de libertad sin limites,
que da origen a dos corrientes estéticas; el romanticismo y el realismo. Ambas
corrientes se desarrollan fundamentalmente en el campo de la pintura, pero
dan también algunas manifestaciones escultóricas notables. Simultáneamente,
la arquitectura se orienta hacia el florecimiento de los estilos neogóticos y
neogriegos, y al mismo tiempo comienza a dar frutos la nueva y moderna
construcción en hierro. Frente al racionalismo del siglo de las luces, el
romanticismo preconiza un culto a los sentimientos, a la subjetividad y a la
individualidad de artista, valores que pasan a ser prioritarios.

El realismo, por su parte, surge como oposición al idealismo de neoclásicos y

románticos, y propone buscar en la obra de arte un reflejo lo mas fiel posible de
la realidad objetiva, así como la descripción de la naturaleza y de la vida
cotidiana.

La balsa de la medusa es la obra maestra de

theodoregericault
El impresionismo

Se conoce con este nombre el movimiento artístico nacido en francia hacia el

1860. Tiene como principal obajetivo la plasmación de las impresiones
recibidas por el artista en su contemplación de la naturaleza. Los
impresionistas abandonaron todos los convencionalismos formales que
arrastraba la pintura y pasaron a pintar al aire libre, copiando directamente de
la naturaleza y centrandoce directamente en la plasmación de los efectos de la
luzc y color. Abandonando el dibujo, construyeron sus formas a base de
manchas de color y convirtieron el tema e un mero pretexto para la
experimentación lumínica.

Serie de la catedral de Rúan de

Claude Monet

El puntillismo

La consecuencia más extrema del impresionismo fue el puntillismo, técnica

pictórica creada por Georges Seurat (1859-1891) y basada en el hecho de que
toda mezcla de colores disminuye la luminosidad de sus componentes,
aumentando el sentido negro. Para evitar este inconveniente, los puntillistas
aplican los colores sobre la tela sin mezclar, en forma de pequeños toques o
puntos, dejando que la mezcla se realice en la retina del espectador.

Una tarde de domingo de Seurat

El post impresionismo

El impresionismo fue el partida de algunas pintores sea llegaron, el sin

embargo, más allá en su interpretación libre y expresiva de la realidad. Son los
representantes del post impresionismo, corriente en la que se inspiraron los
creadores de las primeras vanguardias del siglo XX . Todos los pintores
postimpresionistas ocupan un lugar destacadisimo en la historia de la pintura.

Una noche estrellada de vicen van gogh

El simbolismo

La corriente que cierra la evolución artística del siglo XIX es el simbolismo, que
surgió en Francia hacia 1885 aproximadamente. Los simbolistas, sin renunciar
a la reproducción de la naturaleza, buscaron una síntesis entre realidad y
ficción, entre lo natural y lo imaginario.

Los Bañistas de Paul Cezanne

 ARTE, ESTETICA Y PSICOLOGIA:

Psicología

estudia la vida psíquica, sus funciones psicológicas como la memoria,

el pensamiento, las emociones, los instintos, los sueños,
el lenguaje, la inteligencia y la percepción; y también
características del crecimiento y desarrollo del hombre,
la conducta, la motivación, la personalidad, la conciencia,
el inconsciente, las relaciones, el aprendizaje,
la educación, el trabajo, la cultura, la sociedad y los
nuevos aportes de la Psicología Transpersonal, que
reconocen e investigan la dimensión trascendente del
hombre.
 Arte

El arte es un modo de expresión en todas sus actividades esenciales, la

misma intenta expresar algo acerca del universo del hombre y del artista
mismo. A su vez el arte se presenta como una forma de conocimiento precioso
para el hombre como también para el mundo de la
filosofía o de la ciencia en el que se aprecia distintas
producciones del ser humano con fines estéticos o
comunicativos que representan a través de medios
como la pintura, la escultura, la literatura o la música
diferentes realidades con escenas, ideas, emociones y
sentimientos.

Estética

Proceso educativo orientado a la formación y/o desarrollo de una actitud

estética en el hombre, hacia todo lo que posee valor estético en el mundo, lo
cual contribuye al desarrollo integral de la personalidad en
correspondencia con su contexto sociocultural. Esta se manifiesta
en: la naturaleza, las relaciones sociales, objetos creados por el
hombre, y el arte como portador específico de valor estético
 PENSADORES FILOSOFICOS:

Kant

Immanuel Kant nació en 1724 y murió en 1804, filósofo alemán,

considerado por muchos como el pensador más influyente de la era moderna.

Nacido en Königsberg, Rusia, el 22 de abril de 1724, Kant se educó en

el CollegiumFredericianum y en la Universidad de Königsberg. En la escuela
estudió sobre todo a los clásicos y en la universidad, física y matemáticas. Tras
la muerte de su padre, tuvo que abandonar sus estudios universitarios y
ganarse la vida como tutor privado. En 1755, ayudado por un amigo, reanudó
sus estudios y obtuvo el doctorado. Después, enseñó en la universidad durante
15 años, y dio conferencias primero de ciencia y matemáticas, para llegar de
forma paulatina a disertar sobre casi todas las ramas de la filosofía.

Imanuel Kant confió moderadamente en la Razón: no pensó que ella

sola pueda despegarse del mundo empírico y desde sus altos vuelos planear
sobre la región de lo metafísico (el "sueño dogmático" que criticó), pero sí que
penetrando a la Sensibilidad y en armonía con ella era capaz de ofrecernos
conocimientos plenos y verdaderos. A la vez, esta misma Razón puede
llamarnos desde lo más íntimo de nuestro ser e incitarnos a la vida buena, en
un mandato del bien que nada en el mundo puede quebrar

Aportaciones Filosóficas:

En Crítica de la razón práctica y analiza la conducta moral. El concepto

del deber es esencial, defiende el cumplimiento del deber por el deber. Se
deben colocar los criterios racionales por encima de todo interés aunque se
tengan que hacer sacrificios. Esto se logra por medio de la educación.

Aportaciones Pedagógicas

El pensamiento pedagógico de Kant esta formado por principios

filosóficos y morales y el fin de la educación en particularmente ético. La
educación debe modelar a hombres de carácter, capaces de decidirse por si
mismos. Esto supone una voluntad libre que quiere el bien por el bien La
educación debe proponerse preparar al hombre al cumplimiento puro del deber.
Disciplinada: poseedora de una humanidad.

Características de la educación según Kant:

Cultivada: dotada de instrucción y enseñanza

Moralizada: Consiste en que uno obre por el deber y sólo por el deber.
Se logra a través de la formación del carácter y fortalecimiento de la voluntad.

Prudencia: desarrollo de la civilidad para la convivencia humana.

Kant piensa que la buena educación comprende disciplina e instrucción

y dice “el que no es ilustrado es necio, el que no es disciplinado es salvaje”.

Georg Wilhelm Friedrich Hegel

Filósofo alemán. Hegel estudió primero en el instituto de su ciudad natal,

y entre 1788 y 1793 siguió estudios de teología en Tubinga, donde fue
compañero del poeta Hölderlin y del filósofo Schelling, gracias al cual se
incorporó en 1801 como docente a la Universidad de Jena, que sería
clausurada a la entrada de Napoleón en la ciudad (1806).

Al tiempo que se introducía en la obra de pensadores como Schiller,

Herder, Lessing y Kant, Hegel compartió con sus compañeros el entusiasmo
por la Revolución Francesa. Aunque al principio se hallaba muy próximo al
idealismo de Fichte y Schelling, a medida que fue elaborando su propio sistema
filosófico, ya profesor en la Universidad de Heidelberg (1816-1818) y luego en
Berlín (1818-1831), se alejó progresivamente de ellos.

El propio Hegel calificaba el idealismo de Fichte de «subjetivo», el de

Schelling de «objetivo» y el suyo como «Absoluto» para denunciar la
incapacidad de éstos para resolver la contradicción, tarea que para él constituía
el objetivo último de la filosofía: «La supresión de la diferencia es la tarea
fundamental de la filosofía».

No en vano el de Hegel es el último de los grandes sistemas concebidos

en la historia de la filosofía. La «contradicción» significa aquí el conjunto de
oposiciones que había venido determinando la historia de las ideas desde el
pensamiento clásico: lo singular y lo universal, la Naturaleza y el Espíritu, el
bien y el mal, etc. La superación de la contradicción debe llevarse a cabo a
partir del pensamiento «dialéctico», cuyas fuentes están en Heráclito y en
Platón.

Si la filosofía alemana del momento se hallaba dominada por el concepto

kantiano de noúmeno, que establecía el límite más allá del cual el conocimiento
no podía avanzar, para Hegel «la filosofía tiene que dejar de ser "tendencia" al
saber para ser un efectivo y pleno "saber", para ser ciencia (Wissenschaft)».
Hegel parte de la realidad como un todo (monismo) compuesto por partes
integrantes cuyo sentido sólo puede ser aprehendido por remisión a la totalidad
en la que se inscriben.

Arthur Schopenhauer

(Danzig, actual Gdansk, Polonia, 1788-Frankfurt, Alemania,

1860).Filósofo alemán. Fue hijo de un rico comerciante que se trasladó con su
familia a Hamburgo cuando Danzig cayó en manos de los prusianos en 1793.
Su madre fue una escritora que llegó a gozar de cierta fama, y aunque el
Schopenhauer maduro no tuvo buenas relaciones con ella, el salón literario que
fundó en Weimar proporcionó al filósofo la ocasión de entrar en contacto con
personalidades como Goethe.

En 1805 inició, contra sus deseos, una carrera comercial como aprendiz
por voluntad de su padre; la muerte de éste (al parecer, por suicidio) le permitió
prepararse para los estudios superiores e ingresó en la Universidad de Gotinga
como estudiante de medicina en 1809.

Con Schopenhauer se inicia la crítica a la identidad entre el ser y el bien

que domina la filosofía occidental de Platón a Hegel; su filosofía ha de ser
entendida desde el prisma de su ataque al cristianismo y como reacción contra
el hegelianismo que entonces empezaba a dominar en la universidad alemana:
nada más significativo a este respecto que la constatación de que la obra
capital de Schopenhauer, El mundo como voluntad y representación fue
publicada tan sólo un año después que la primera edición de la gran
sistematización del pensamiento de Hegel, la Enciclopedia de las ciencias
filosóficas. La filosofía de Schopenhauer parte de un primer pensamiento
capital: el ser es voluntad, el ser quiere ser y quiere permanecer como querer;
el ser es esa voluntad que quiere ser siempre voluntad.

El modo de ser de la voluntad es un continuo devenir en el que se afirma

el querer-vivir. Todos los seres se disuelven en la voluntad única y en su
afirmación en el incontenible devenir; el determinismo absoluto es la expresión
de esta disolución de los múltiples en la serialidad del devenir: todo momento
del devenir procede de un momento anterior y va hacia un momento siguiente;
en la serie del proceso todo tiene una razón suficiente de su ser.

Shiller

Johann Christoph Friedrich Schiller, desde 1802 von Schiller, fue un

poeta, dramaturgo, filósofo e historiador alemán. Se le considera junto a
Goethe el dramaturgo más importante de Alemania, así como una de las
figuras centrales del clasicismo. Muchas de sus obras de teatro pertenecen al
repertorio habitual del teatro en alemán, sus baladas se cuentan entre los
poemas más famosos.

Friedrich Schiller conocido como poeta y dramaturgo también es filósofo

inclinando, sus reflexiones al mundo de la estética donde, la obra de arte tiene
un valor elevado. Quizá sea por el hecho de su oficio como creador artístico
pero, lo cierto es que sólo por medio del arte -nos plantea éste autor- que se
encontrara la verdadera esencia de nosotros.

Estas reflexiones se encuentran señaladas en un libro titulado Cartas

sobre la educación estética del hombre. Ya el título nos avisa del contenido y
las observaciones aquí apuntadas nos refiere al proceso de cómo el sujeto se
vuelve receptivo a la obra de arte, sensible a las emociones estéticas. Todo
basado desde el punto de vista del juego.

Nuestro autor nos adentrará al punto en que la sociedad moderna tiende

a considerar al hombre más que bajo su aspecto profesional, y, por tanto, a
limitarlo y hacer de él un ser fragmentario y especializado. Será necesario,
pues, restablecer la armonía del ser humano global, capaz de dignidad y
libertad. Éste es el papel del arte.

“…tenemos que dejarnos invadir por ese arte que nos une; ya sea a
través de la música, de la plástica, de la literatura, del cine y comenzar a
reconocernos a nosotros mismos en nuestra esencia, en nuestra identidad, a
través del arte que es el único mundo en el que podemos encontrar la
revelación autentica de nuestro ser. El ser autentico lo revela el arte como
portador de la belleza, que es ser, es bien y que es verdad”

La educación estética, se produce por el dinamismo de las luchas

sociales, por una autorreflexión de la humanidad. Schiller afirma: “en una
palabra, no hay otro medio de hacer razonable al hombre sensitivo más que
hacerle primero estético”. La educación estética anticipa al hombre entero, ella
no concierne únicamente el lado racional, comprende los dos, ella reemplaza la
discordia entre la naturaleza, la razón por la armonía. Lo esencial es encontrar
el equilibrio entre sus dos determinaciones fundamentales: entre sentir y
pensar, entre la sensibilidad, la diversidad de la receptividad y la estabilidad de
la forma intelectual.

Nietzsche

Friedrich Nietzsche Filósofo alemán, nacionalizado suizo. Su abuelo y su

padre fueron pastores protestantes, por lo que se educó en un ambiente
religioso. Tras estudiar filología clásica en las universidades de Bonn y Leipzig,
a los veinticuatro años obtuvo la cátedra extraordinaria de la Universidad de
Basilea; pocos años después, sin embargo, abandonó la docencia,
decepcionado por el academicismo universitario.

Nietzsche recibió amplio reconocimiento durante la segunda mitad del

siglo XX como una figura significativa en la filosofía moderna. Su influencia fue
particularmente notoria en los filósofos existencialistas, críticos,
fenomenológicos, post-estructuralistas y posmodernos.

Aportes acerca de la Filosofía:

❖ . La filosofía como forma del nihilismo, como el modo más
elevado del valor "conocimiento", al lado de la religión y la moral
como otras formas de valor. La filosofía como crítica de la
filosofía.
❖ La filosofía como contra movimiento frente al nihilismo. La filosofía
como transmutación de todos los valores, como transvaluación.
❖ La filosofía como doctrina de la voluntad de poder. El nuevo
fundamento para toda valoración: hacia una tabla de valores
nuevos.
❖ Los discursos de Zaratustra como el puente entre el último
hombre y el superhombre. La enseñanza de Zaratustra: el
pensamiento del eterno retorno de lo igual y el anuncio del
superhombre como culminación del pensamiento de Nietzsche.
❖ La filosofía como preparación del superhombre: disciplina y

educación. Filosofía y educación.

 TRATAMIENTO CURRICULAR. APRENDIZAJE INTEGRAL.

Es un proceso continuo, permanente y participativo que busca

desarrollar armónica y coherentemente todas y cada una de las
dimensiones del ser humano (ética, espiritual, cognitiva, afectiva,
comunicativa, estética, corporal, y socio-política), a fin de lograr su
realización plena en la sociedad.
Aprender debe der divertido las emocionales influyen de manera
significativa en el éxito del aprendizaje. Los temas que tienen
importancia desde el punto de vista emocional son los que se retienen
más fácilmente. Además, la implicación emocional promueve una actitud
positiva hacia la lengua y la cultura correspondientes, así como una
relación amistosa entre el profesor y el alumno.

La función del profesor es ayudar a los alumnos, motivándolos para que

entiendan los errores no como derrotas, sino como nuevas
oportunidades de éxito. Solo un alumno motivado y seguro de sí mismo,
que se involucra por iniciativa propia en el proceso de aprendizaje,
desarrolla el interés necesario hacia la asignatura, además de hacerse
responsable de su formación y de su propia vida. Por eso, el alumno no
debería tener ningún miedo a hacer el ridículo delante del grupo, sino
que se le debe estimular para que maneje el idioma de forma creativa,
aprovechando todas sus posibilidades.

TRATAMIENTO PEDAGOGICO. DESARROLLO INTEGRAL.

Los niños comienzan a aprender desde que nacen. Crecen y aprenden

más rápidamente cuando reciben atención, afecto y estímulos, además
de una buena nutrición y una atención de la salud adecuada. Alentar a
los niños a observar y expresarse por su cuenta, a jugar y a explorar, les
ayuda en su aprendizaje y en su desarrollo social, físico e intelectual.
Por ello el docente debe ser un animador pedagógico que acompañe y
aliente a sus alumnos en su proceso de construcción.
 Referencias Bibliográficas

• http://www.biografiasyvidas.com/biografia/h/hegel.htm
• http://www.biografiasyvidas.com/biografia/k/kant.htm
• http://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/schopenhauer.htm
• https://www.ecured.cu/Psicolog%C3%ADa
• www.antroposmoderno.com/