Raúl Ríos Trejo

Alejandro Rosales Peña

Historia del Arte III
5 de diciembre de 2014

B A R RO C O Y RO C O C Ó
El nacimiento del estilo Barroco se debe en gran parte a la Contrarreforma de la Iglesia que
hubo en aquellos años en Europa. Como la tecnología ya estaba más avanzada se facilitaba el hecho
de poder poseer un libro y así adquirir conocimiento, al igual que los astrónomos, ellos estaban
elaborando teorías que sugerían (como Galileo ya lo había hecho y por ello encarcelado) que la Tierra
no era el centro del universo, así que el origen divino y la injerencia que tiene Dios sobre la vida
terrestre se veía debilitada.

Es por eso que se llevó acabo el concilio de Trento, donde se discutieron varios aspectos sobre
cómo debía ser la religión católica. Se le vio a Dios no sólo como un ser misericordioso y que ama a
los hombres, sino también como el juez que nos juzgará por cómo nos hayamos comportado en vida
para así vivir eternamente en el paraíso o en el infierno; la figura de Dios inspiraba en cierto modo
miedo para que así los creyentes siguieran al pie de la letra los nuevo estatutos de la Iglesia. Gracias a
esto comenzaron a surgir diferentes órdenes que tenían como patrón a algún santo y que se dedicaba
a ser misioneros o a otras tareas.

Así fue como empezó a surgir el arte Barroco que significa piedra irregular, inició en Italia y se
extendió a uno de los países que en ese entonces tenía grandes riquezas España, esto debido a los
exploradores que estaban en América y mandaban todo lo que sacaban a la Madre Patria, aquí se
encontraba el poder de la Iglesia católica romana y después de su llegada a España se extendió a
todos los países que profesaban dicha religión.

Debido a todo este revuelo que causo dentro de la Iglesia católica el Concilio, se empezó a hacer
un arte (en cuanto a pintura y escultura se refiere) que conmoviera con las imágenes, se buscaba la
representación de la realidad fielmente, entre más realista mejor; el uso de los simbolismos ya no era
tan socorrido como había sucedido anteriormente en el Renacimiento, sino que ahora se buscaba un
cierta espiritualidad para poder conservar a los fieles que aún seguían esta religión y que no se fueran
a otra, el arte fue utilizado como instrumento para lograr esto.

Fue entonces cuando pintores como Caravaggio hacen su aparición con un estilo tenebrista en el
que la luz artificial creada en el estudio da como resultado el poder apreciar pinturas de corte
escultorico, gracias a todo el juego y máximo contraste que logra con este tipo de iluminación, dota a
las obras de un dramatismo que era el que buscaba la Iglesia para poder impresionar al espectador,
esto aunado al grado de detalle que maneja Caravaggio para con los personajes, es un detalle
sumamente cuidado y perfectamente trabajado.

Los temas que trató Caravaggio fueron religiosos y mitológicos, pero los religiosos los llevó a un
plano más terrenal, esto en un principio a la Iglesia no le pareció aunque al final terminó aceptándolo.
Un claro ejemplo es la Vocación de San Mateo, en esta pieza se muestra a Mateo en una taberna con
otros personajes que cuentan dinero de los impuestos en una mesa en un entorno bastante oscuro, y
cuando llega Jesús ilumina de cierta manera toda la escena pero realza de manera importante a San
Mateo quien es el personaje importante de la obra, las expresiones que pinta Caravaggio para los
demás también son muy importantes pero más la de San Mateo que denota cierta sorpresa al ser
elegido por Jesús, esta obra no fue aceptada en un principio por la Iglesia debido a que era una
 escena muy mundana pero ya
después fue bien recibida,
Caravaggio argumentaba que así fue
como el evangelista relató cómo
fue que sucedió.

Los modelos que utilizaba

Caravaggio eran personas del
pueblo a quienes les hacía posar en
su estudio para ser los personajes
de las pinturas.

También uno de los cambios en el

ar te de la época respecto al
anterior fue que Caravaggio ya no
pintaba paisajes, ni escenarios
exteriores, todo era montado en su
estudio para poder trabajar la luz y
así logr ar el tenebr ismo tan
característico del pintor.

Si bien Caravaggio tenía una forma

La vocación de San Mateo, Caravaggio
de pintar con la que pretendía llegar
a las masas, en un principio no fue bien recibida del
todo, al que preferían más las masas fueron las esculturas de Bernini, por esto es que fue a él que le
encargaron el diseño de la Plaza y Basílica de San Pedro en Roma, junto con muchas otras capillas y
plazas en el paisaje romano, le dio a la ciudad un nuevo aspecto más moderno, algo parecido a lo que
había hecho Miguel Ángel en su tiempo.

Todo esta nueva corriente (en cuanto a arquitectura se refiere) buscaba reinventar los elementos
renacentistas, dotándolos de más movimiento y ornamentos. Un claro ejemplo de esto es el
baldaquino con columnas salomónicas que diseño el propio Bernini que se encuentra en la Basílica de
San Pedro, la forma y todo el diseño que se muestra en este baldaquino puede dar una idea de cómo
era el carácter de su constructor que era extrovertido, toda una estrella de la época.

También fue un excelente escultor, para muestra está El éxtasis de Santa Teresa, que se basa en
los escritos que dejó, lo más impresionante (aparte del trabajo de las telas y los cuerpos) es la
expresión de la Santa, en la que se denota un éxtasis
casi orgánico que no le agradó del todo a los clérigos
de aquel entonces, pero ciertamente es una obra
impresionante, porque junta varios elementos
aparte de la figura central en mármol, sino que juego
con las luces de toda la capilla para lograr la
iluminación perfecta, con el brillo del metal dorado, es
una serie de conjunciones que nos lleva a pensar en
que la arquitectura no es sólo el construir una
fachada bonita, es más bien lograr una fusión de
varias artes para lograr un todo que sea armonioso y
funcione.

Existen otras piezas que son muy importantes en

su obra, como lo son Apolo y Daphne, en la que se

Éxtasis de Santa Teresa, Bernini

nota el momento exacto en el que Daphne está convirtiéndose en árbol, esto fue novedoso para la
época, el mostrar justo el momento aunado a la manera de captar el movimiento de la escena a la
perfección. El David es otra de sus piezas importantes, ya que a diferencia de los David anteriores en
ésta se ve un David con mucho más dinamismo, movimiento y emoción, por eso escoge el momento
exacto en el que está a punto de lanzar la piedra, se puede interpretar como un personaje con
espíritu de lucha contrarreformista, la lucha de un artista por hacerse de un lugar con los mejores de
la época, dejando de lado las posturas más rectas (Apolo y Daphne) haciendo un cuerpo
contusionado y en posición de tensión.

El Barroco en España estuvo regido por todo lo que se había acordado en el Concilio de Trento,
y fue en éste concilio donde se le dio forma a la misa como la conocemos hoy en día, haciendo una
fusión entre varios aspectos para que la misa fuera una especie de acto teatral, donde se involucra la
estimulación de diferentes sentidos, empezando con la vista, todos los adornos y la sensación de
movimiento de la que está dotado el arte de aquella época obedece a esta intención de hacer sentir
al fiel que está entrando a un espacio divino, sagrado, aunado al aroma del incienso para darle este
aspecto místico a todo el ritual que se lleva a cabo ahí, también utilizan la música para reforzar todo
este performance. También fue por éstos años cuando empezó todo el asunto de los milagros, los
estigmas en las personas, la aparición de los santos, la idea de la Virgen, etc. todo esto para acercar
más al pueblo la religión y de esa manera mantenerlos siendo parte de la comunidad creyente.

El arte barroco español es muy característico ya que se emplea la técnica del policromado en la
madera, principalmente para hacer representaciones de los santos, se busca lograr un naturalismo al
extremo, vistiendo a las imágenes con ropas de telas muy finas, poniéndoles cabello de personas
reales a la imagen para hacerla sumamente realista y así la gente poderse identificar y seguir algo en lo
que no está muy lejos de su realidad. Aún en la actualidad se siguen conservando muchas de estas
piezas de santos y vírgenes, una muestra es la Semana Santa en España, donde salen en procesión con
la imagen de aquellos tiempos, vestida y adornada con joyas finísimas (como ocurre con las vírgenes)
y se hace una serie de ritos por parte de las cofradías.

En la pintura se van a notar diferentes etapas, en los primeros años se ve una influencia de
Caravaggio muy fuerte como se nota en la obra de José Ribera, quien es un pintor que busca ser
efectista y dotar a su obra de un halo místico religioso, como se puede apreciar en su pintura de San
Bartolomé.

En los años centrales se encuentran dos pintores importantes, uno mucho más reconocido que el
otro este es Velázquez y el otro Zurbarán.

Si bien la Iglesia estaba tenía una fuere injerencia sobre el arte, hay pintores como Velázquez que
pintó muy pocas escenas bíblicas o de carácter religioso, el se dedicó a pintar escenas más
costumbristas, a retratar la vida cotidiana. En un principio su estilo estaba muy influenciado por
Caravaggio, con un tenebrismo muy marcado utilizando la luz artificial para crear volúmenes muy
marcados en los personajes. Posteriormente su técnica y su paleta fue evolucionando, ya no era tan
tenebrista, sus pintoras ahora tenían más luz ambiental y no tan focalizada en los personajes. Se
dedicó a pintar muchos retratos, pero a el no le interesaba disfrazar o interpretar la imagen y e
semblante de las personas para hacerlos lucir algo que no son, el retrataba a todos como él los veía,
con sus defectos y con las expresiones que era imposible esconder, de hecho varios de sus modelos
eran personas con problemas mentales, con la mirada perdida, o personas enanas, a las que retrató
con atuendos aristócratas. Así fue como se introdujo a la corte del rey Felipe IV y se convirtió en el
pintor de cámara, hacía los retratos de las infantas y los príncipes, de los propios reyes y encargos
varios para adornar los pasillos del palacio. Entre Velázquez y la familia real existía una gran
camaradería como lo deja ver en su obra maestra La Familia de Felipe IV.
 Ésta obra que también es llamada Las Meninas es magnífica, no sólo por la técnica que emplea y
la composición que son geniales, sino más bien por todo lo que nos da a entender de manera tácita.
Velázquez consideraba a la pintura una actividad superior a la de un artesano, ya que el decía que el
verdadero mérito no reside en la técnica pura, sino en todo el trabajo intelectual que se hace antes
de plasmar el óleo en el lienzo, el por qué de todos los elementos, la posición de los personajes, el
uso de la perspectiva y la luz para resaltar a ciertos personajes para dar un mensaje, las expresiones
de los mismos, y en este cuadro en particular el
hecho de pintar otras pinturas en su cuadro,
junto con el uso del espejo para pintar el reflejo
de los reyes, que nos hace darle muchas
interpretaciones sobre qué es lo que sucede en
la escena, que es una escena de la vida cotidiana
real, pero no por eso carente de un mensaje
importante y sustancioso. En el cuadro vemos a
los reyes y la infanta en el estudio del pintor en
una actitud relajada, lo que marca la camaradería
que tenía Velázquez con la familia real, así que
podemos asumir que la figura del artista ya no
era un sirviente o alguien que le pagaban por
hacer algo, sino que está compartiendo con el
rey en su entorno, el rey va a visitarlo en su
lugar de trabajo, en la pintura se ve el reflejo de
los reyes por debajo de la línea del autorretrato
del propio Velázquez lo que dice que en su
espacio, en su taller, él es el importante porque
él es el que está pintando a los reyes, él es el
que tiene el poder del pincel para retratarlos.
Velázquez es de los que tratan a la pintura Las meninas, Diego Velázquez
como eso, cómo pintura y son conscientes de lo
que representa, no es como antes cuando se
hacían figuras más escultóricas, o imitando en su totalidad la realidad, utiliza su pincelada más suelta
para pintar los últimos cuadros y delinear los personajes al frente, y difuminando lo que se encuentra
en los planos más lejanos, éste cuadro pertenece a los últimos de su producción.

En Francia se comenzó a dar el absolutismo con Luis XIV, viniendo de las ideas que tenía Felipe II
de España, en ésta se le consideraba al rey como máximo gobernante y el tenía toda la razón, esto se
vio reflejado en las artes, ya que con las óperas de Lully se mostraba como se supone que es la vida
cortesana, pero de manera disfrazada ya que se mostraban pomposas pelucas, escenografía muy
elaborada pero todo con un equilibrio casi perfecto, pero no mostraba en realidad cómo era que se
vivía, todo era una especie de ilusión al servicio de lo que mandaba el rey. El palacio de Versalles es un
ejemplo muy claro, en el se ve una confabulación de las artes al capricho del rey, no hay espacio para
el arte que propone algo nuevo, las esculturas están ahí para adornar los jardines, así como las
pinturas obedecen al diseño interiorista de los salones del palacio. Así fue como también surgió una
especie de academia, donde los artistas que decidía el rey eran los que enseñaban y decían cómo es
que se debía pintar, construir, componer música, siguiendo la estética y el buen gusto que le apetecía al
rey y por lo tanto a todos estos personajes encargados de la academia, fuma así que pintores como
Rembrandt no eran tan bien vistos por los seguidores de este tipo de arte ya que su obra era más
personal, no tan racionalista como era la pintura barroca que dictaba la academia, es por eso que
Rembrandt es una parte esencial de toda esta época, porque en un mundo donde se dictaba desde
las altas esferas de poder cómo es que se debían hacer las cosas, pintura como la de él siempre es la
que marca algo nuevo en la historia del arte.
 Gracias a la inquietud y necesidad de tener a los mejores artistas en la corte, los reyes se
volvieron mecenas de los pintores de la época, así fue como llegó Rubens de Flandes a la corte. Había
pasado un tiempo estudiando a los grandes maestros en Venecia y Roma, también residió un tiempo
en España y otro tanto en Mantua. María de Médicis fue la que lo trajo a la corte, principalmente para
que decorara las paredes del salón donde realizaban las fiestas en el palacio, si bien ella no tuvo una
gran participación en la historia, lo que sí le concede es haber contratado a Rubens para desarrollar su
genio con su mecenazgo.

El estilo de Rubens es un estilo que rompe totalmente con el tenebrismo de Caravaggio, el es el

pintor de la carnosidad sensual, las carnes que el pinta son blandas y vivas, en contraste con su
opositor (estilísticamente hablando) Poussin quien era un pintor más academicista, con sus personajes
más estoicos y duros, a diferencia de la pincelada más suelta y libre con la que plasmaba en sus lienzos
la obra. Rubens se dedica a pintar, a tratar la pintura como lo que es pintura, manejando las luces y
detalles de la manera más pictórica posible.

Los pintores de ésta época pintaban más por temáticas, la gente que tenía el poder adquisitivo
para comprar una pintura encargaba un cuadro de algún tema, no le importaba tanto quién era el
autor (como sucede en la actualidad) lo encargaban y ya, esto hizo que pintores como Rubens
montaran en su taller una especie de línea de producción en la que tenía a sus aprendices pintando a
su estilo, Rubens los revisaba y los firmaba para poder cubrir la demanda de pinturas en esos días, eso
causó que en nuestros días existan muchos cuadros iguales de Rubens y todos son originales, porque
tienen la firma del pintor y ese es su estilo, poder identificar cuales son los que hizo él y cuales son de
su taller es sumamente complicado, así que todos son originales de Rubens.

En Ámsterdam no había castillos ni mucha pomposidad en los pueblos que ahí se encontraban,
los holandeses son más rústicos, sin tantos excesos, esto se debía a la reciente independencia de
España y de cierta manera a la forma de ser de los habitantes de los Países Bajos, esto hizo que
pintores como Rembrandt no trabajaran para un monarca que le pagara por pintar lo que le pedía, en
estos lares se cultivo más la pintura de género, que era la pintura que la gente consumía y de esa
manera el pintor sobrevivía. Rembrandt pintó distintos temas sin especializarse en uno sólo, pintaba
paisajes, como retratos y cuadros religiosos, haciendo que lograra darles un toque especial sin
importar el tema, todas sus obras tenían ese algo que hoy las hace parte de la historia y que sean
reconocidas a nivel mundial.

La técnica que el ocupa

es claroscuro, y a diferencia de
Rubens él es el pintor de la
vejez decrépita, las carnes
viejas y arrugadas son su
característica con la que se
p u e d e i d e n t i fi c a r u n
Rembrandt, eso hace que en
sus retratos pinte a los sujetos
tal cual los ve, con todas las
arrugas y expresiones que
tienen.

Una de sus pinturas

icónicas es la Lección de

Lección de anatomía del Dr. Tulp, Rembrandt

Anatomía del Dr. Tulp, en ella se muestra al grupo de médicos observando la lección, la composición
de los distintos personajes a diferentes alturas demuestra un estilo más libre y despreocupado a la
hora de pintar, las diferentes expresiones que van desde una profunda concentración hasta la
indiferencia denota que eso es lo que ocurre en verdad en la vida real, no es una idealización de la
situación, la luces y sombras con las que se ven los rostros de los médicos hace alarde al manejo
impresionante del claroscuro que utilizaba Rembrandt, una muestra más de éste asunto del claroscuro
junto con las expresiones es La Ronda de Noche.

También utilizó otra técnica mucho más barata y de fácil reproducción como fue el aguafuerte, en
este soporte pudo hacer más notorios y lograr de mejor manera el asunto de la luz en sus obras. Para
Rembrandt desde el inicio le fue muy complicado conseguir modelos que posaran para él, así que
comenzó a hacer su autorretrato desde muy temprana edad y así siguió hasta lograr una serie de 62
autorretratos, formando así una especie de autobiografía pictórica en la que se muestra en cada etapa
de su vida lo siguió haciendo más por una cuestión de autointrospección que de mera vanidad, como
cuando le fue muy bien económicamente y estaba casado, se le ve en los ojos y en su rostro una
estabilidad y cierta felicidad, a diferencia unos años después cuando su madre murió y su esposa
también, se le ve más cansado y deprimido, pero no por eso se alejó de su actividad pictórica; en uno
de sus últimos retratos se le puede ver en la expresión y en el semblante de sus ojos una resignación
frente a la muerte de su amante y de su hijo, aunado a que ya no tenía dinero para comer y vivir, de
hecho murió en la miseria y con la única camisa que traía.

También en Holanda estaba Vermeer quien fue el pintor de la intimidad, de los espacios
pequeños, ya que en Holanda no había palacios enormes porque a los habitantes no les interesaba
tener una gran construcción, con una casa de tamaño no muy grande les bastaba, aunque tenían los
recursos para hacerlo prefirieron mejor algo más acogedor, esto debido a el sentimiento
contrarreformista que se vivía en el país, la religión católica no era profesada en aquellos lares, por eso
el arte no fue muy grande ni majestuoso con
grandes adornos ni nada por el estilo, a diferencia
de los países centrales europeos.

Las pinturas de Vermeer se centran en los

retratos, de fondo la esquina de su estudio, que
utiliza como escenario de muchas de sus pinturas,
retrata a las personas como son en la intimidad,
haciendo algo cotidiano, sin pretensiones, es un
gran detallista tanto del entorno como de los
sujetos retratados, para darle algo de variedad al
fondo de los retratos a veces cambia el diseño del
suelo del estudio o los mapas que hay en la pared,
los mapas es un elemento importante en su
pintura. Una pintura que sin duda es de las más
importantes, aparte de la Joven de la perla,
Alegoría a la pintura, en ella se muestra a Vermeer
autorretrato pintando a Clío la musa de la
Historia, que la ilumina la luz de la ventana que se
supone está al costado, se supone porque no es
visible en la pintura, esta luz se vuelve más intensa
a la hora de iluminar a Clío, algunos dicen por ser
la propia musa se mezcla la luz natural de la
ventana con la propia luz que emite, se ve a un
Alegoría a la pintura, Vermeer
Vermeer vestido de forma elegante haciendo
referencia a lo que otros pintores ya habían dicho
como Da Vinci o Velázquez, en cuanto a que un pintor ya no es un artesano cualquiera es el creador
de las obras con su talento y técnica depurada, por lo tanto se da su lugar y se viste como a él más le
gusta.

La época barroca fue una época llena de cambios tanto científicamente y a religión se refiere los
artistas comenzaron siguiendo estando al servicio de la Iglesia pero poco a poco se fueron separando
para ser más libres y no estar bajo el mando de algún mecenas propiamente dicho, en los inicios los
reyes fueron quienes dictaron cómo fue el arte, pero la visión de la gente con la contrarreforma y los
avances tecnológicos y científicos hicieron que el pueblo comenzara a cambiar y a preferir obras de
distinto corte al religioso o místico como había sido con anterioridad.

Comenzó el barroco con formas y temas mandados a hacer por los reyes como a ellos les
placiera, para después liberarse un poco de esa forma que proponía el academicismo con el
absolutismo con Rembrandt, para después terminar con más sobriedad y quizás con algo de
academicismo con Vermeer pero sin dejar de lado el discurso propositivo y no complaciente como lo
habían sido algunos de sus antecesores.

Rococó

El Rococó debe entenderse como una variante del Barroco ya que en esta corriente se siguen
usando formas llenas de movimiento, elipses, líneas curvas, etc. pero esta vez adaptadas a las casas
burguesas y salones de los aristócratas, dejando de lado aquella enormidad y majestuosidad de los
grandes salones y fachadas de palacios.

Así como la arquitectura y las formas que utiliza se adaptaron a lugares reducidos, también la
pintura uno de los grandes exponentes es Watteau quien seguía haciendo pintura de caballete pero
en menor formato, ya no era común cuadros de grandes formatos como los que utilizó Velázquez o
Rubens, de hecho sus las figuras que hacen sus personajes son más fugaces y sutiles, ya no tienen esta
elegancia, majestuosidad y pomposidad como los burgueses que se retrataban antes.

Fue un movimiento que no abarcó mucho tiempo y que más bien yo lo pondría como la parte
final, pero muy al final del Barroco, una especie de hermano menor, pero que sin duda merece una
mención aunque sea breve.
 Fuentes:

Fleming, William. Arte, música e ideas. Traducción Dr. José Rafael Blengio Pinto McGrall Hill,
México, 1989.

H. W. Janson, A. F. Janson, Historia del Arte para jóvenes, Akal, 1988

Museo Nacional del Prado. https://www.museodelprado.es/educacion/recursos/audioguias/la-

familia-de-felipe-iv-o-las-meninas (03/12/14).

Apuntes de clase Barroco.