NOMBRE Y APELLIDOS: Vidal Fernández Richart DNI: --------------------CENTRO ASOCIADO: Cuenca ASIGNATURA: Historia del Arte de la Baja Edad

Media I.Teórica. Tema nº I Contexto general, características, escuelas y principales obras de la escultura gótica en Francia.

Tema nº 2 Escultura gótica en España. I. Respuesta al tema 1. El arte Gótico se desarrolla en toda Europa occidental en la segunda mitad del siglo XII hasta finales del siglo XV. Francia es la cuna de este estilo y lo difunde por toda Europa. Los artistas del gótico no buscaban el éxito o la fama, tampoco los aplausos del público, sino que tenían firme propósito del Arte y para la gloria de Dios. La fuerza creadora de los artistas góticos se aprecia sobre todo en las escenas religiosas, pero también, en los santos patronos de cada localidad. La máxima representación de la escultura la encontramos en las catedrales y su centro de atención es Jesús y María junto a personajes bíblicos. En mucho menor medida podemos encontrar: reyes, obispos y personajes distinguidos de la época. La escultura gótica tallada en piedra se utiliza como decoración de la arquitectura, pero también tiene una función didáctica y evangelizadora. La escultura evolucionó desde la figura alargada y rígida, aún parte del románico, para transformarse en un sentimiento espacial y naturalista. Nace en las iglesias ( muros de las iglesias) mediados del siglo XII, en la isla de Francia, de la mano del Abad Suger, en la Abadía de Saint Denis en el 1140, le seguiría la Catedral de Chartres en 1145 y posteriormente las demás catedrales. La evolución iconográfica en la Baja Edad Media es esencialmente religiosa, ampliada con temas marianos y hagiografías en un ambiente de un naturalismo idealizado por la influencia de San Francisco de Asís. A partir del siglo XIV, peste negra, luchas sociales entre campesinos y nobleza, guerra de 100 años …, se produce una escisión en la pintura de temática realista cortesana, denominada (realismo cortesano), frente a otra temática realista-religiosa (realismo burgués). Podemos apreciar cuatro etapas principales la iconografía de la Virgen con el niño: Virgen en el trono, sentada , sede de la sabiduría, sin expresión de ternura y procedente de Oriente, desaparece a mediados del siglo XVIII. Virgen Real o triunfante (Virgen Reina), puede llevar al Niño indistintamente sobre el brazo derecho o izquierdo, se forma definitivamente en el siglo XII, pero domina en el siglo XIII. Virgen que amanta o muestra el seno al Niño, la encontramos en el periodo románico, pero también en el siglo XIII, pero mucho más en el XIV y XV. Durante el siglo XIV la Virgen aparece con una espada simbólica que traspasa el corazón de la Virgen puesta a los pies de la cruz. Las características más notables góticas son: un naturalismo idealizado donde vemos un volumen corpóreo de las figuras, tratamiento de los ropajes, amplios pliegues, las figuras adoptan gestos y actitudes más naturales y realistas: la verticalidad en altura como deseo y anhelo de alcanzar a Dios y la luminosidad, perdiendo el muro su papel estructural y ganando

terreno las vidrieras. Las figuras presentan un mayor naturalismo y expresividad dando mayor fuerza y humanización a las figuras, pero también fijándose en los ropajes, corporeidad y volumen. La iconografía es mucho más amplia tendente siempre a la figura de Jesús y María, todo ello centrado sobre todo en las portadas de las catedrales. Las primeras escuelas (talleres) ya consolidadas las encontramos en Chartres, Reims y Amiens en el siglo XIII, aunque debemos decir que la primera manifestación la podemos apreciar en el 1.150 en el Pórtico Real de Chartres, sirviendo de modelo para el resto de Europa. En la portada de Reims trabajan varios maestros y las esculturas de Reims son de una belleza que asombra. Por último en el siglo XVI proliferan las figuras exentas de vírgenes talladas en piedra policromada o marfil, siendo la provincia de Borgoña centro neurálgico de esta zona con Claus Sluter a la cabeza. Principales obras de la escultura gótica en Francia: - Ángel de la sonrisa (Reims), de tono casi burlón. - Pórtico Real de Chartres, que aunque presenta un cierto hieratismo románico se vislumbra ya una humanización en individualización en los personajes. - Catedral de Reims, donde una marcada tendenciosa a la sonrisa y amabilidad dieron nombre al que las hizo con el apelativo de “ Maestro de la sonrisa”, obras muy naturalistas con tratamiento de pliegues. - La Cartuja de Campmol y El pozo de Moisés de Claus Sluter, maestro flamenco que trabajó en Borgoña a finales del siglo XIV, representante de una angustia final en esta etapa y calificado como el gran patético del cristianismo. I. Respuesta al tema 2. Las primeras influencias del gótico francés llegan a Castilla a finales del siglo XII, sin embargo, fue a principios del siglo XIII cuando El rey de Castilla y León, Fernando III patrocinó la construcción de las grandes catedrales, siendo partícipes otros grandes personajes entre ellos el Obispo Mauricio, gobernador de Burgos. La influencia francesa es muy fuerte sobre todo en el siglo XIII, que penetra de la mano de los arquitectos franceses a través del Camino de Santiago. Las catedrales castellanas imitan a las francesas, la planta de la catedral de León es una copia de la planta de Reims, la catedral de León conserva en sus tres portadas un rico repertorio escultórico en el parteluz de la portada principal se encuentra la Virgen Blanca ( copia del original) ya que la original se encuentra dentro, desconociendo el nombre de su autor y fechándola entre el 1255 y 1260, en la escultura vemos el abandono de la solemnidad y el hieratismo romano dando paso al lado más humano y dulce de ambos ( Virgen y Niño), Las figuras tienen volumen con tendencia clara al realismo y la preocupación clara por los detalles. La fachada de Burgos se inspira en la de París, el triforio de Burgos copia del de Bourges. La Catedral de Burgos (1221-1260) en sus inicios trabajó un autor desconocido, para posteriormente hacerse cargo de las obras el Obispo Mauricio que le dio un gran impulso, posteriormente se le atribuyen trabajos al Maestro Enrique alrededor de 1277, que también realizó la traza de la Catedral de León. La última y con mucho menor influencia francesa sería la de Toledo que tiene una planta similar a la de París, pero rompe con la hegemonía francesa y continúa la tendencia hacia un gótico castellano, posteriormente la influencia mudéjar marcará una etapa típicamente hispánica para otras catedrales como: Segovia, Granada, etc. El pleno gótico va a ser introducido en España por escultores franceses. Los principales talleres estarán en Burgos y León. La orden del Cister en el siglo XII funda monasterios que se van extendiendo con un claro predomino de influencias francesas que se van asentando en el siglo XIII. Claro predominio en Cataluña y Aragón en el siglo XIV en el sur de Francia, con posterioridad se impone el Gótico Isabelino (siglo XV).

En Cataluña el escultor Pere Johan (1394-1458) relacionado con los talleres italianos hace el San Jorge en el Palacio de la Generalitat y el retablo mayor de la Catedral de Tarragona. Pere Oller, que sabemos de su actividad en 1395 en Barcelona, desarrolla durante tres décadas unos estupendos trabajos: retablo mayor de la catedral de Vic, trabajó para el rey (sepulcro de Fernando de Antequera en Poblet), pila bautismal de la Catedral de Tortosa y algunos retablos de la Catedral de Osona. Pere Moragues (1358-1386) intervino en la fachada de la catedral de Tarragona. En Zaragoza trabajó para y los franciscanos , se hizo cargo del mausoleo del arzobispo Lope Fernández de Luna en la Seo. Bartomeu de Robio (1359-1376), dirigió algunos trabajos de la Catedral de Lleida, ejecutó su retablo mayor e hizo innumerables muebles de carácter monumental para parroquias cercanas. En España se reconocen cuatro períodos que podíamos resumir en los siguientes: Protogótico, primera mitad del siglo XII y principios del XIII. Fuerte dependencia del románico (Maestro Mateo). Periodo Clásico, mediados del siglo XIII cuya relación y dependencia francesa son muy notables, Catedrales de Burgos y León. Tres talleres son los más relevantes: Palencia, León y Burgos. Periodo Manierista, donde se ubican los talleres más importantes y las escuelas más significativas como son: Navarra y Levante, se va introduciendo la estética italiana. Periodo Hispano-Flamenco, se siente la influencia borgoñesa, también el germánico y el flamenco. Se labran infinidad de retablos en el siglo XV, la mayoría de ellos son de alabastro y están policromados: - Retablo mayor de la catedral de Tarragona. - Retablo mayor de la Seo de Zaragoza. Los sepulcros son de una excepcional belleza con claro predomino de la escuela borgoñesa como podemos apreciar en el sepulcro de los reyes de Navarra.La escultura de borgoña se extendió por Castilla, fachada de hospital de Valladolid (Anunciación). Sepulcro del obispo Alonso Carrillo de Albornoz en la catedral de Sigüenza. Gil de Siloé es el escultor más grande y el mayor ornamentista de la época en España (siglo XV) a él se le atribuyen el sepulcro del obispo Alonso de Cartagena, sepulcro de los reyes Juan II de Castilla e Isabel de Portugal, como también se le atribuyen el retablo mayor de la Cartuja de Miraflores en Burgos. Supo combinar las influencias flamencas del tipo flamígero y términos híbridos del arte mudéjar, dando origen al Gótico Isabelino.

Bibliografía y páginas Web consultadas HISTORIA DEL ARTE DE LA BAJA EDAD MEDIA González Vicario, Mª Teresa Alegre Carvajal, Esther Tussel García, Genoveva Martínez Pino, Joaquín Editorial Universitaria Ramón Areces. LA BAJA EDAD MEDIA VOLUMEN 11 Jacques le Goff Siglo XXI de España Editores 1990. ESCULTURA GÓTICA 1140-1300 Williamson Paul Editorial Cátedra 1997 ARTE GÓTICO EN ESPAÑA Azcárate, José María Editorial Cátedra DICCIONARIO DE TÉRMINOS DE ARTE Fatás Guillermo y M.Borrás Gonzalo. DICCIONARIO VISUAL DE TÉRMINOS ARQUITECTÓNICOS De la Plaza Escudero, Lorenzo Morales Gómez, Adoración Bermejo López, María Luisa Martínez Murillo, José María Grandes temas Cátedra.
LA ENSEÑANZA EN LA EDAD MEDIA Nájera, 1999 INSTITUTO DE ESTUDIOS RIOJANOS Logroño 2000.

http://portal.uned.es/foro (asignatura: Historia del Arte de la Baja Edad Media) http://gradoarteblog.wordpress.com/ http://www.mashistoria.com/ http://www.uned-historia.es/ http://www.wdl.org/es/ http://www.bibliotheka.org/ www.arteguias.com/esculturagotica.htm www.historiayarte.net/a-escultura-gotica.html www.youtube.com/watch?v=DS18o5CIVrY www.lasalle.es/santanderapuntes/.../ gótico/escultura/escultura _ gótica.... www.catedralesgoticas.es/go_escultura.php

II. Práctica Tema 1. - Pintura mural Alegoría del buen Gobierno de Ambrogio Lorenzetti. Tema 2. - Detalles de las yeserías del interior de la Sinagoga del Tránsito. Tema 3. - La Adoración de los Reyes Magos, Giotto de Bondone (1305-1306). Tema 4. - Retablo Mayor de la Cartuja de Santa María de Miraflores, Gil de Siloé. II. Respuesta al tema 1. Fresco realizado entre 1337 y 1339 en el Palacio Comunal de Siena por los hermanos Lorenzetti, aunque fue Ambrogio quien llevó la carga mayor del fresco. Pintado en el siglo XIV, creando una ruptura con lo tradicionalmente establecido en la época. La pintura sobre temas e iconos religiosos, pues en esta pintura podemos apreciar el lado profano. Los hermanos Lorenzetti lo realizan como un ideario político, frescos pintados en la sala del Palacio Comunal, sede de los gobernantes de Siena para que se fijaran y pudieran apreciar el ideario de corte político-moral. Estamos por tanto ante un tema civil y no religioso, que se aleja de un Gótico Lineal francés del siglo XIII, para adentrarse en el Gótico Internacional europeo del siglo XIV y más concretamente en la escuela de Siena. Las características principales que definen esta escuela y más concretamente la pintura mural de Ambrosio Lorenzetti son unos colores de una gran riqueza cromática donde los azules cobran mucha intensidad, los rojos muy profundos, amarillos y rosas poco naturales, buscan el naturalismo en la expresión del sentimiento y tratan de expresar los estados anímicos por medio del gesto. Desarrollan un marco real con paisajes rurales o urbanos donde superponen figuras, característica principal de la Escuela de Siena es la dulzura y elegancia pura y concentrada en la búsqueda de la belleza, el resultado concluyente y final es una obra llena de imaginación, espontaneidad y colorido, a la vez que diferente curiosa y graciosa, abriendo caminos en la era Medieval. No sabemos con exactitud la fecha de nacimiento de Ambrosio Lorenzetti, datándola más o menos alrededor de 1285-1290. Hermano de Pietro Lorenzetti pintor de reconocida fama por aquella época. Su máxima actividad se desarrolla entre 1317 y 1348, fecha en la que se le da por muerto, a él, y su hermano a causa de la peste negra, no obstante diremos que no son muchos los datos de los que se dispone de este insigne pintor sienes. Otras obras suyas son: - Madona del Vico l’Abate, 1319. - Madona y el Niño con María Magdalena y Santa Dorotea, 1325. - Madona amamantando al Niño, 1330. - Madona con Ángeles y Santos, 1335. - La presentación en el Templo ,1342.

- La Anunciación, 1344. II. Respuesta al tema 2. La Sinagoga de Tránsito ubicada en Toledo fue construida entre 1353 y 1357 (5122 año judío), por el judío Samuel Haleví Abulafia, tesorero, consejero y asesor, en el reinado de Pedro I. Edificio de planta rectangular y medidas: 23x9, 50 y 17 metros de altura. Es un edificio espectacular, donde podemos apreciar tres culturas distintas sin por ello dejar de apreciar la riqueza artística, la epigrafía hebrea se mezcla con la flora gótica toledana, geometría y motivos vegetales hispano-musulmanes. Las yeserías de la sinagoga del Tránsito en Toledo son de un detalle y minuciosidad impresionante, destacando la fase ornamental sustentada en la heráldica y epigrafía árabe, hebrea de su tiempo labradas en estilo mudéjar y…¡ por supuesto !respetando la ley mosaica contemplada en la Torá, así como en el Talmud ( Mishná y Guemará ). Las yeserías en su mayor parte son formadas en las escuelas toledanas y repartidas por distintos lugares, donde el arte Mudéjar toledano adquiere resonancia y prestigio. Frisos de mocárabes y una decoración tan rica como tupida de formas geométricas conforman las paredes y los espacios, así como los arcos polilobulados. El molde se utilizó con bastante frecuencia, de ahí las repeticiones. Se hacían trabajos preparatorios dibujando primero, tallando en vacío después, trabajando distintas formas y niveles geométricos o vegetales y se terminaban pintando o dorando, aunque en algunas ocasiones se les daba una capa de aceite. El yeso era un material barato y manejable, pero que había que trabajar con esmero y precisión. Los arquitectos escultores y artistas eran buenos conocedores de la geometría que superponiendo distintos planos conseguían complejísimas composiciones. Controlaban la fragua del yeso con gran habilidad para finalmente colorear con: rojos, azules, dorados, verdes, negros y blancos, de los que desgraciadamente quedan muy pocos. II. Respuesta al tema 3. La Adoración de los Reyes Magos (1305-1306) Giotto de Bondone Capilla de los Scrovegni, Papua (Italia).

Pintor, escultor y arquitecto de la escuela italiana del Trecento cuya fecha de nacimiento a día de hoy es discutida, pero que podemos cifrar entre 1266 y 1267, en un pueblecito cercano a Florencia. Fallece a la edad aproximada de setenta años (8 de Enero de 1337). Giotto no tenía conocimientos técnicos avanzados de anatomía o perspectiva y eso lo podemos apreciar muy bien en esta pintura que analizaremos posteriormente. Toda su obra gira entorno a la religión realizando sobre todo retablos y frescos para diversas iglesias. Giotto rompe con la tradición bizantina y aunque se mueve en un ámbito medieval es el puente y enlace hacia la modernidad, de ahora en adelante sus pinturas y seguidores tendrán una consideración histórica y social sin precedentes en el mundo de la pintura. Aunque poco o

casi nada tiene que ver la pintura de Giotto con el gótico su forma de innovar, la monumentalidad de sus figuras y la captación del espacio hacen ver el inicio de una nueva época. Su pintura es de un naturalismo tal que lo refleja lo más real posible pareciéndose en ocasiones al Cuatrocentrismo. Los colores son reducidos ( no hay cantidad), pero riquísimos en gradaciones. Detalles de la pintura: Giotto dota a sus figuras de una presencia monumental que las distingue de otros pintores, utilizando la masa corporal y la individualización de sus personajes que los dota en sus rostros de gestos, siendo capaz de distinguir lo esencial de las emociones. Empieza a utilizar gamas tonales y relegando a un segundo plano los colores absolutos en el comienzo del Trecento. Otro rasgo característico de la modernidad de Giotto en sus frescos es el empleo del sobrio dorado. La obra se realiza directamente sobre el revoque de las paredes cuando todavía están húmedas convirtiéndose en parte integral de la construcción es un cuadro por tanto al fresco, fechado entre 1304 y 1306 de 200 x 185 CMS, donde las imágenes muestran emociones humanas y parecen ocupar un espacio real. Una de las curiosidades del cuadro es como pinta el camello: con orejas de burro y patas de caballo, señal inequívoca que nunca había visto ninguno, a eso hay que sumarle que Giotto no dominaba muy bien la anatomía humana y que también podemos apreciar en este cuadro donde María sujeta a un niño bastante más grande que un recién nacido. El dosel de madera trata de dar un aspecto tridimensional, posiblemente copiado de la vida real, nos recuerda una mesa vista desde abajo. La estrella fugaz no es como en otras pinturas y pintores, sino que es un cometa que posiblemente viera y fuese el Halley que podía haber visto en el 1301. El temple es la pintura predilecta de Giotto en casi todas sus manifestaciones artísticas. Aunque hoy día se discuten las firmas de muchos de sus cuadros, porque muchos expertos piensan que actuó su escuela y el dio el visto bueno a esas obras, lo que en cualquier caso formó a quien lo hizo. La forma de preparar la pintura era muy artesanal a base de pigmentos y yema de huevo, e incluso en muchas ocasiones el huevo entero, que los propios ayudantes y el mismo Giotto preparaban con gran esmero, disolvían el pigmento (polvo molido) de un determinado color que mezclaban con agua y engrosarlo con huevo al que añadían según la consistencia a conseguir y el resultado final: glicerina, goma, cola, cera, caseína o cualquier otra materia soluble al agua. Algunas de sus obras:
Basílica San Francisco de Asís Material: fresco Pinturas sobre la vida de San Francisco Museo Basílica San Francisco de Asís El sueño de Inocencio III Material: Fresco. Museo: Basílica San Francisco de Asís. Asís. Llanto sobre el Cristo muerto Material: Fresco. .Museo: Capilla Scrovegni. Padua 1El anuncio a Santa Ana Material: Fresco. Museo: Capilla Scrovegni. Padua Capilla Scrovegni Material: Frescos. Museo: Capilla Scrovegni. Padua 1El festín de Herodes

Material: Pintura mural. Museo: Iglesia de Santa Croce. Florencia Bóveda de la cubierta Material: Fresco. Museo: Iglesia de Santa Croce. Florencia

II. Respuesta al tema 4. Retablo Mayor de la Cartuja de Santa María de Miraflores Gil de Siloé 1496-1499 (Burgos).

Gil de Siloé 1445 – 1505? Aunque no sabemos con exactitud su procedencia se le considera español. Gil de Siloé desarrolla toda su obra en España, aunque su procedencia entre Amberes u Orleáns es menos discutida entre los expertos. Tampoco se sabe su fecha de nacimiento ni su muerte, fijándola aproximadamente entre 1440/5 y 1501/5. Llega a Burgos alrededor de 1480. Es sin lugar a dudas uno de los máximos escultores del siglo XV, sino el que más. En esta etapa el gótico y el Mudéjar irrumpen con mayor fuerza dando paso al estilo Isabelino, siendo uno de sus mayores representantes Gil de Siloé. Estamos muy lejos de conocer bien sus orígenes y formación, muchas son las incógnitas a resolver, no obstante, es lo que menos nos preocupa, ya que el decidió quedarse en España y realizar toda su obra y trabajo en este país, es uno de los mayores artistas de la época y tuvo su reconocimiento internacional. Fue llamado Gil de Siloé por la reina Isabel la Católica para realizar el sepulcro de su hermano Alfonso, años más tarde le encargan el Retablo Mayor de la Cartuja de Santa María de Miraflores. El retablo es de madera policromada y dorada, pero no la policromó él, sino el pintor Diego de la Cruz. La crucifixión es el tema central del retablo. Se da una mayor importancia y prevalece el orden riguroso de la geometría. Una visión más humana de un Cristo que se presenta sufriendo y muriendo, con una talla precisa de las figuras que lo rodean y una fuerte expresividad. Jesús es la figura central, donde el autor intenta conseguir su atención rodeado de lo que conocemos bíblicamente e incluyendo a los reyes del momento, evitando así el miedo al vació por la disposición de una manera densa y abigarrada. Detalles del retablo: El Retablo Mayor de la Cartuja de Miraflores se inicia en 1496 y se concluye en 1499 de la mano de los maestros: Gil de Siloé como escultor y Diego de la Cruz como policromador en tiempos de Isabel la Católica. A los pies de este retablo se encuentra el sepulcro de Juan II e Isabel de Portugal, de excepcional belleza donde numerosas personas dejaron por escrito su impresión con alabanzas al sepulcro más que al retablo, sobre todo por parte de los italianos. Dos aspectos son los que más impresionaban a los que visitaban el retablo: la impresionante dimensión y la acumulación de imágenes. Retablo que se organiza de una forma geométrica muy precisa. En n rectángulo superior se coloca un gran círculo (rueda de ángeles). Una gran crucifixión cuyos brazos dividen en cuatro zonas casi iguales el círculo o rueda, en cada una de ellas surgen nuevas ruedas decorativas alusivas a historias de la Pasión. El retablo hace alusión

a los cuatro evangelistas, así como a Pedro y Pablo. A modo de entrecalles se colocan cuatro imponentes figuras de santos ( parte inferior rectángulo menor ).Debemos destacar que la parte central fue manipulada posteriormente para incluir un sagrario que nada tiene que ver con la disposición primitiva, que incluso obligó a elevar una de las partes más originales del conjunto, lastimando así la parte inferior de la rueda de ángeles. Cuando se trata de un retablo de madera policromado ambos artistas (escultor y policromador) están al mismo nivel, porque aplicar el color oro supone un trabajo esmerado y notable que requería de la práctica de un oficio especializado de un gran maestro como era Diego de la Cruz. Realmente no hay nada igual a este retablo en España, pero tampoco en Europa, aunque si fue inspirada en la organización de los grabados alemanes del rosario y medallones.

Algunas obras de Gil de Siloé: Sepulcro del Infante Alfonso, Monasterio Cartuja de Miraflores (Burgos) Virgen con el Niño, Sepulcros Reales de la Cartuja de Miraflores (Burgos) Virgen entronizada con el Niño, Museo Nacional del prado. Sepulcro de Juan II e Isabel de Portugal, Monasterio Cartuja de Miraflores (Burgos) Sepulcro de Don Juan de Padilla, Museo de Burgos Fachada del Colegio de San Gregorio (Valladolid)

Bibliografía y páginas Web consultadas HISTORIA DEL ARTE DE LA BAJA EDAD MEDIA González Vicario, Mª Teresa Alegre Carvajal, Esther Tussel García, Genoveva Martínez Pino, Joaquín Editorial Universitaria Ramón Areces . ESCULTURA GÓTICA 1140-1300 Williamson Paul Editorial Cátedra 1997 ARTE GÓTICO EN ESPAÑA Azcárate, José María Editorial Cátedra LA PINTURA GÓTICA DEL SIGLO XV EN TIERRAS DE ARAGÓN Y OTROS TERRITORIOS PENINSULARES Lacarra Ducay, Mª Del Carmen ME LLAMO GIOTTO DI BONDINI bdigital.binal.ac.pa/bdp/clioyafrodita4.pdf EL LEGADO MATERIAL HISPANO JUDIO López Álvarez, Ana María SINAGOGA DEL TRÁNSITO EN IMÁGENES edu.jccm.es/cp.alfonsovi/images/.../ sinagogadeltransito.pdf Gombrich Ernst H - Historia Del Arte pdf Pijoan José - Historia Del Arte 1 Pdf al 4 Pi Y Margall Francisco - Estudios Sobre La Pintura En La Edad Media Pdf DICCIONARIO DE TÉRMINOS DE ARTE Fatás Guillermo y M.Borrás Gonzalo. http://portal.uned.es/foro (asignatura: Historia del Arte de la Baja Edad Media) http://gradoarteblog.wordpress.com/ http://www.mashistoria.com/ http://www.uned-historia.es/ http://www.wdl.org/es/ http://www.bibliotheka.org/ http://www.icono14.net/files/actas_ccc09_vol1.pdf http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2007/02/la-pintura-gtica.html www.artcyclopedia.com/.../lorenzetti_ambrogio www.biografiasyvidas.com/biografia/l/lorenzetti.htm www.biografiasyvidas.com/biografia/g/giotto.htm www.artecreha.com/Miradas.../gil-de-siloe-cartuja-de-miraflores.html www.artehistoria.jcyl.es/v2/contextos/4182.htm

III. Practica. Tema 1. - Portada Real de la Catedral de Chartres. Tema 2. - Fachada occidental de la Catedral de León. Tema 3. - Virgen del Canciller Rolin de Jan Van Eyck (Museo del Louvre, París 1435). Tema 4. - Virgen con el Niño. Maestro Female ¿Robert Camping? National Gallery .Londres 1420-25. III. Respuesta al tema 1. La portada Real de Chartres data de 1150, paradigma del gótico inicial francés fue construida con otras dos más, izquierda y derecha entre 1145 y 1155. En 1134 un incendio destruyó la antigua catedral románica donde se tuvo que reconstruir su fachada, incluido el Pórtico Real, en 1194 otro incendio acaba con el resto, reconstruyéndose de nuevo y partiendo de la planta del antiguo edificio. Hecha en piedra caliza presenta una escultura monumental donde apreciamos en menor medida escultura exenta y mucha menor funeraria que aparecería alrededor del siglo XIV. Las tres portadas de Chartres nos hacen ver un recorrido desde el protogótico al gótico clasico. La Catedral de Chartres está inspirada en la de Saint Denis, y más concretamente en su portada oeste, erigida por el abad Surger. Desde el punto de vista constructivo como iconográfico el Pórtico Real de Chartres estaría en un punto intermedio entre la tradición escultórica romana y los caminos que el gótico abre con sus nuevas formas de expresión. Otra de las características de la época es la fusión entre arquitectura y escultura en un todo. La división de las portadas nos traslada a los tiempos paleocristianos cuyas basílicas se dividían de la misma forma, donde una división geométrica y matemática nos simplifica las formas y nos hace ver con claridad la simplificación de las formas Divinas. Cada figura está tallada de un único bloque de piedra (la figura y la columna pertenecen al mismo bloque) y se trabajan dentro del taller de la Catedral. El hieratismo romano da paso a la expresividad y a las expresiones más humanas (tristeza, alegría, curiosidad, dolor…), de tendencia religiosa, advirtiéndose en los rostros y en los ropajes. Un naturalismo idealizado que recorre todo el siglo XIII. Las imágenes podemos seguirlas mucho mejor y más claras que en el románico. Se busca la compasión del espectador mediante la abundante iconografía (martirio de Santos, escenas de la Virgen…) aflorando también las leyendas locales. El peculiar estilo de la Catedral de Chartres fue llevado a otras catedrales como: la Catedral de Angers, Catedral de Le Mans y la Puerta sur de la Catedral de Burgos entre otras. La Puerta Sur, también conocida como Puerta del Sarmental, (1230 – 1240), mantiene de una forma viva e innegable la influencia francesa y muy concretamente el estilo de la Catedral de Chartres por el paralelismo en sus portadas en cuanto al estilo empleado, pero que en menor medida

contribuirían también maestros de Amiens y Reims cerrando el círculo de escultores a tres maestros franceses. III. Respuesta al tema 2. La Fachada occidental de la Catedral de León y por extensión toda la Catedral de León es la más francesa de todas las catedrales góticas que se encuentran en España. En el siglo XIII y edificada sobre unas termas del siglo I, entre 1200 – 1300. La fachada tiene una notable y destacada influencia burgalesa y su construcción estaría entre 1260 y 1300. La fachada occidental es la principal y por la que se accede al templo normalmente. Su triple pórtico ojival nos recuerda a la Catedral de Reims. Del triple pórtico destacaremos que : la portada principal, de notoria influencia francesa está dedicada a la representación del Juicio Final, fechada alrededor de 1270, mientras que las laterales están dedicadas a San Juan Bautista y San Francisco. Detalles de las portadas: La portada izquierda o de San Juan tiene una gran carga de sentido narrativo: natividad, visitación, nacimiento, adoración de pastores, Herodes y matanza de inocentes entre otros. Podemos apreciar la genealogía de Cristo e historia relacionadas con la vida de San Juan Bautista, dando por ello nombre a la puerta. La portada central “de la Virgen Blanca” o del Juicio Final, esta presidida por Cristo, Juez que muestra sus estigmas. Alfonso X y San Francisco aparecen con varios instrumentos de música. Vemos claras referencias al infierno donde hay demonios que devoran y calderas hirviendo. El parteluz de ambas puertas es presidido por imágenes de la “Virgen Blanca” con el Niño, de ahí que se la conozca también por ese nombre anteriormente dicho. Junto a las puertas aparecen también referencias al Antiguo Testamento, evangelistas y esculturas de santos. La portada de la derecha o de “San Francisco” está dedicada a la Virgen y al relato de la coronación, representando en las arquivoltas: concejos de ángeles y en el exterior las cinco vírgenes prudentes frente a las necias. Por último resaltar las imágenes de varios profetas de distinta cronología. Secuencia evolutiva entre la Catedral de Chartres y la Catedral de León. Avances, mejoras y técnicas irán determinadas por el fundamento sobre las creencias religiosas tanto en la escultura como en la pintura. No se pudo conseguir en la Catedral de León el refinamiento de las catedrales francesas, siendo la piedra de menor calidad traída de la cantera de Boñar León, esta piedra dio algún que otro problema en la construcción en siglos venideros en la Catedral de León. La Catedral de Chartres presenta un gótico inicial con presencia del románico resultando una obviedad clara frente a la Catedral de León, que lo hace en un gótico más tardío. La Catedral de Chartres dedica los dos extremos del pórtico, norte y sur con sendos conjuntos de seis portadas para desarrollar el programa, en la Catedral de León se sintetiza en el pórtico occidental. Las arquivoltas son apuntadas y las esculturas siguen la dirección del arco mientras que en el románico eran arcos de medio punto y esculturas en sentido radial, y una mayor comunicación entre figuras que podemos apreciar mucho más detallado en la Catedral de León. Las figuras son más expresivas, menos hieráticas, pero no deja de ser la Catedral de León la más francesa de todas y estos rasgos enunciados anteriormente no son tan apreciados en otros conceptos y esculturas. Amiens en estructura y planta es la más parecida a la Catedral de León. Resumimos diciendo que la diferencia entre las portadas de la Catedral de Chartres y la Catedral de León, es que en la de Chartres se observa el estilo Románico con apertura Gótica y en la Catedral de León esa diferencia ya está superada por el gótico.

III. Respuesta al tema 3. VIRGEN DEL CANCILLER ROLIN

Jan Van Eyck, 1435.(París, Museo del Louvre) Jan Van Eyck nace alrededor del año 1390, fecha aproximada, puesto que los historiadores no se ponen de acuerdo, tampoco en la localidad aunque en esta hay menos discrepancias, situando al pueblo de Maaseyck muy cerca de Maastricht, muere en el 1440-41. Tiene un hermano mayor que él que también pinta, Hubert Van Eyck, a quien se le atribuyen algunos cuadros de Jan Van Eyck. La Virgen del Canciller Rolin es una obra representativa del final del gótico europeo siendo pintada alrededor de 1435 por uno de los mejores, sino el mejor pintor de lo que conocemos como escuela flamenca. Analizando este cuadro diremos: que el cuadro está realizado al óleo sobre tabla mezclando los pigmentos con aceite de linaza. Fue considerado el inventor de la pintura al óleo pero estudios hechos posteriormente no lo aseguran, lo que si aseguran es que elevó el óleo a su máxima expresión captando los reflejos luminosos de los objetos y prestaba mucha atención al cambio de tonalidades de la luz, perspectiva y aproximación detallada a cada uno de los elementos que detallan el cuadro. El cuadro se desarrolla dentro de una lujosa habitación, donde podemos apreciar al fondo arcos de medio punto sobre columnas peraltadas posiblemente en mármol y rematados por capiteles corintios e historiados con imágenes del Antiguo Testamento. Las imágenes pintadas guardan el mismo tamaño y proporcionalidad (Virgen y Canciller) lo que nos hace pensar en un cierto atrevimiento desmesurado del Canciller para esa época si fuel él, o JanVan Eyck. Toda la obra está tratada al más mínimo detalle, los colores son utilizados con gran maestría con una inmensa gama cromática, desde el rojo intenso del Manto de la Virgen, violáceos del horizonte, hasta el azul del Ángel. Amplia riqueza en los ropajes con angulosos pliegues. El cuadro está lleno de elementos arquitectónicos con un gran sentido lineal en la estructuración que permiten una profundidad espacial que juega con la luz y el color. A este cuadro también se le conoce por “La Virgen de Autun” porque Rolin era natural de Autun. El Canciller Rolin gozó de fortuna y poder es por ello que decimos que posiblemente Jan Van Eyck estuviera influenciado a la hora de pintarlo, por lo que comentamos anteriormente de pintar al mismo nivel a la Virgen y al Canciller Rolin. Jan Va Eyck desde muy joven es admirado y respetado, trabajando con gracia y soltura para Juan de Baviera, pero mucho mayor fue su relación con Felipe, el Duque Bueno, de Borgoña, pero también trabajó para italianos muy ricos y poderosos que vivían en los Países Bajos . Antes de morir recopila unas obras de su hermano y suyas propias entre 1432 y 1439, de las cuales la mitad están basadas en temas religiosos. Algunas obras suyas: - Retablo de Gante, óleo sobre madera, Catedral de San Bravo (Gante, 1432). - El Hombre del Turbante, óleo sobre tabla. National Gallery (Londres, 1433).

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El Matrimonio Arnolfini, óleo sobre tabla. National Gallery (Londres, 1434). Margaret Van Eyck, óleo sobre tabla. Museo Comunal de Bellas Artes (Brujas, 1439). III. Respuesta al tema 4. VIRGEN CON EL NIÑO

Maestro Flemalle ¿Robert Campin? 1425. (National Gallery, Londres). Robert Campin, también conocido como Maestro Flemalle nació en Tournai, Flandes entre 1375-78, muere el 26 de Abril de 1344. Fue uno de los grandes pintores de la Escuela Flamenca, pintó sobre todo retablos y tablas casi siempre de temas religiosos, apartándose del estilo Gótico Internacional más idealizado para adentrarse en el realismo, fijándose en la perspectiva de la vida cotidiana, figura humana y tridimensionalidad .Tuvo como alumnos a Rogier van der Weyden y Jan Van Eyck. Flemalle pinta pequeños cuadros sobre tabla de nogal o roble, de pequeño alcance para casas y oratorios de gente burguesa y normalmente adinerada. También pinta dípticos y trípticos de formato plegable por cuestiones de espacio. Como buen pintor gótico-flamenco utiliza un hogar para que el que mire el cuadro vea todo con absoluta normalidad, muy típico de los artistas flamencos, mezclando lo religioso con lo cotidiano en un mundo real, donde podemos apreciar que la Virgen actúa como cualquier madre dando el pecho y remarcando todos los elementos de la vivienda que le rodean como inquilina de ella. No hay nada erótico en la imagen, ni siquiera sensual y atrevido, como tampoco se ve en Vírgenes de aquella época. Todo está envuelto en un halo de sencillez extrema dentro de la vivienda y fuera de ella, donde apreciamos el exterior de una ciudad próspera. Otro sobrenombre por el que se conoce a Robert Campin es por el Maestro Merode, por el tríptico que pintó a principios del siglo XV. Como ya dijimos arriba también se le conoce por Maestro Flemalle, unos dicen por lo real de las llamas pintadas en sus cuadros, otros lo atribuyen a la localidad de Flemalle. La realidad es que no hay base documentada para apoyar los cuadros que se creen son suyos, pero la mayoría de los entendidos así lo creen y hay bastante unanimidad de criterios en las obras que llevan su nombre. Robert Campin era un gran observador y de los primeros que combinó los colores y aglutinantes de aceite dándole gran importancia a esta técnica aunque el pintó muchas de sus obras con Tempera al huevo. Sus trabajos al óleo fueron muy exitosos gracias a las veladuras, modelando luz y sombras. Algunas de sus obras: Tríptico de Merode, óleo sobre tabla. The metropolitan New Cork (1425). Tríptico de la anunciación, óleo sobre tabla. Museo metropolitano de Nueva Cork (1425). Retrato de un hombre robusto, óleo sobre tabla. Museo Thyssen-Bornemisza (1425). Santa Bárbara, óleo sobre tabla. Museo del Prado (1438).

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Retrato de un hombre, Madonna con el niño, óleo sobre tabla. Nacional Gallery Washinton (1450).

Comentario a la secuencia evolutiva entre los pintores Jan Van Eyck, Virgen del Canciller Rolin y Robert Campin (Maestro Flemalle) Virgen con el Niño. Una nueva era está a punto de irrumpir en la pintura flamenca del siglo XV, pero también en Italia. El Gótico Internacional se sustituye progresivamente por un gusto más acorde a las situaciones sociopolíticas, pero sobre todo a una clase social burguesa dominante en todas las ciudades que a partir del 1420. El cambio no surge por una vía racional sino experimental de la mano de los Van Eyck, que con muy pequeño espacio de tiempo llegaría posteriormente a Italia. Un avance sin precedentes de los que se pudieron beneficiar todos los pintores de la época, pero que los hermanos Van Eyck impulsaron, enseñaron y plasmaron en sus obras, nos estamos refiriendo a la técnica con un medio a base de aceite y de secado rápido que facilita la superposición de capas y la técnica de las veladuras. Aunque muy de la mano ambas corrientes artísticas entre el Maestro Flemalle y Jan van Eyck, Robert Campin fue posiblemente el primero en utilizar esta técnica pero no la perfeccionó como los hermanos Van Eyck. Robert Campin (Maestro Flemalle) pintó muchos de sus cuadros con tempera y algunos menos con temple, pero su paso al óleo fue decisivo para depurar su técnica. Sin embargo los hermanos Van Ecyk (Hubert y Jan) dominaban con maestría al haber conseguido unas mezclas secativas más depuradas. Se les atribuye a los hermanos Van Eyck la técnica de las veladuras con óleo, pero eso no es cierto, puesto que ya existía antes, y así lo demuestra el manuscrito de Estrasburgo. Los rasgos de la búsqueda del naturalismo se plasman en ambos pintores, muy típico de la pintura flamenca, minuciosidad en los detalles y preciosismo de todas las obras, captación de texturas en bordados y tejidos, búsqueda por lograr la tridimensionalidad que plasmaban sobre una madrea de haya pulida y pintada de blanco que hacía resaltar mucho más las veladuras (capa sobre capa muy fina de óleo), produciendo ese brillo tridimensional. La pintura de caballete pasa a ser una realidad. Hay pocas diferencias entre Jan Van Eyck y Robert Campin, pero diremos de este segundo que supo entender el conocimiento del óleo y sus posibilidades, las pinturas tenían funciones muy específicas puesto que ellos no conocían el retrato como nosotros y tenían que ser capaces de reflejar la individualidad psicológica de cada sujeto, pero también los eventos. Robert Campin Sabe tratar la luminosidad de sus cuadros siendo un verdadero maestro, donde combina el temple y el óleo acuoso que podemos apreciar en este cuadro, pero también en el de Santa Bárbara (Museo del Prado).Casi todos los pintores flamencos tenían una cualidad común: la minuciosidad, diferenciándose de la pintura románica. Los cuadros de Robert Campin están llenos de simbología, es por ello que cuidaba mucho los pequeños detalles que podemos apreciar en este cuadro que parece hablarnos constantemente de todo lo religioso que va implícito en él. Robert Campin y Jan Van Eyck comparten un mismo estilo de pintura flamenca, en la que Robert Campin perfecciona su técnica en sus últimas obras consiguiendo con el óleo lo que no había conseguido antes, sin embargo, en esta comparativa entre los dos cuadros Jan Van Eyck proyecta una dimensión del color excepcional como nunca, además, la iluminación que irradia toda la habitación es de una habilidad incuestionable, manejando todos los objetos con luz y color. Dos son los cambios importantes en la época de Robert Campin y Jan Van Eyck, por un lado empieza a florecer el renacimiento y parte de Italia, por otro lado nos sitúa a finales del siglo XIV en los Países Bajos con los pintores citados. El gran idealismo francés es tratado magistralmente por los pintores flamencos. Una gran actividad comercial al final del XIV,

pero mucho más importante ya a comienzos del siglo XV establecerá una composición y organigrama en la estructura social de toda Europa creando una burguesía dominante en casi todo, pero mucho más en las organizaciones gremiales que a su vez se agrupan en gremios (guildas) donde para entrar en ellos se requiere unos conocimientos muy técnicos. La aristocracia se sirve de estos pintores que han demostrado su valía, pero que también son reclamados por la iglesia y la burguesía más exigente, siendo la burguesía la que solicita infinidad de trabajos por la alta calidad y ejecución en sus trabajos, todo estos encargos daban status social y económico a la clase burguesa con cuadros pequeños y medianos que exhibían en sus casas. En un principio es un conjunto de pintores quien marca las pautas de esta excepcional escuela que durarán casi 300 años y que se les denomina “primitivos flamencos”. La prosperidad económica de Flandes desarrolló el entorno urbano y como consecuencia de ello la burguesía que a su vez se traduce en la sensibilidad y cambios en la mentalidad sin apartarse de lo religioso proyectando una sociedad tranquila y ordenada que la burguesía interpreta en el interior de sus casa con estos cuadros de Robert Campin y Jan Van Eyck, el cliente burgués quiere ver reflejado su mundo y su personalidad en el cuadros y para ello necesita a los mejores.

Bibliografía y páginas Web consultadas HISTORIA DEL ARTE DE LA BAJA EDAD MEDIA González Vicario, Mª Teresa Alegre Carvajal, Esther Tussel García, Genoveva Martínez Pino, Joaquín Editorial Universitaria Ramón Areces. EL ENIGMA DE LA CATEDRAL DE CHARTRES Charpentier Louise Comentario: Vázquez Francisco J. Editorial Martínez Roca EL GÓTICO: LA CATEDRAL DE CHARTRES SIGLO XIII iespedro.educa.aragon.es/tic_sociales/arte/.../Gotico.pdf LA CATEDRAL DE LEÓN oa.upm.es/9532/1/1_neomedievalismo.pdf PINTURA GÓTICA DEL SIGLO XV Chico Picaza, María Victoria Editorial: Vicens-Vives
JAN VAN EYCK Y LOS PRIMITIVOS FLAMENCOS En el Museo Thyssen-Bornemisza

DICCIONARIO DE TÉRMINOS DE ARTE Fatás Guillermo y M.Borrás Gonzalo. http://portal.uned.es/foro (asignatura: Historia del Arte de la Baja Edad Media) http://gradoarteblog.wordpress.com/ http://www.mashistoria.com/ http://www.uned-historia.es/ http://www.wdl.org/es/ http://www.bibliotheka.org/ http://www.icono14.net/files/actas_ccc09_vol1.pdf http://www.arteguias.com/catedrales.htm http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2007/02/la-pintura-gtica.html www.educathyssen.org/fileadmin/plantilla/.../ van-eyck.pd... www.artelista.com/grandes-maestros/.../jan-van-eyck. www.museodelprado.es/enciclopedia/...on.../ eyck-jan-van... www.foroxerbar.com ›... › Galería Pintores Extranjeros books.google.es/books?isbn=8476004117 lineaserpentinata.blogspot.com/.../el-descubrimiento-de-ro... algargosarte.lacoctelera.net/.../la-pintura-los- primitivos-fla... es.scribd.com/.../Anon-Primitivos-Flamencos-en-El-Muse...