Arte de

principios del
siglo XIX 
Heredero de la Revolución Francesa
  Este tema en selectividad es un poco "cajón desastre". Aparecen en el
movimientos artísticos que son propios del siglo XIX (1801-1900)
,pero hay también movimientos como lo son el art-nouveau (1890-
1910) o el art-decó (1910-1945) que corresponderían al siglo XX y
que, sin embargo, de acuerdo a los criterios de la prueba son
mencionados dentro de este tema. 
 Lo que hemos hecho, para no complicarnos mucho la vida es dividir
la presentación en tres series de diapositivas.
Advertencia  La primera serie de diapositivas, la presente, recoge aquellos
preliminar:  movimientos artísticos cercanos a la Revolución Francesa (1789-
1799) y que por tanto son más clásicos. 
 La segunda serie de diapositivas, titulada "Finales del siglo XIX"
recoge aquellos movimientos artísticos cercanos a la Revolución
Industrial y que son más tecnificados, novedosos y rupturistas con el
pasado clásico. 
 La tercera serie de diapositivas, no tiene tanto en cuenta el tiempo
histórico como la localización geográfica, y versa sobre el arte del
XIX en España. 
 Introducción
 La Revolución Francesa (1789-1799) y la
Revolución Industrial ( en torno a 1740-1840)
encauzaron los procesos de transformación
política, económica y social que se desarrollaron
durante el siglo XIX. 
 La Revolución Francesa supuso el triunfo de la
burguesía y el fin del Antiguo Régimen. 
 La Revolución Industrial favoreció la aparición
de la nueva figura del proletariado y dio un vuelco
a las estructuras económicas y productivas. 
 Introducción
 Las revueltas y la difusión de los ideales
revolucionarios desembocaron en el final o la
agonía más o menos prolongada del absolutismo
monárquico, al tiempo que surgía en muchos
lugares de Europa y en las colonias americanas
una consciencia nacional que se materializó en la
creación de nuevos estados. Fue el caso, por
ejemplo, de Grecia, que consiguió la
independencia con respecto al Imperio Otomano
en 1830, o las posiciones europeas del continente
americano, que se fueron emancipando a lo largo
de este periodo. 
 Introducción
 La consolidación de la clase
burguesa y el proceso de
industrialización provocaron,
durante las primeras décadas del
siglo XIX, un aumento notable de
los transportes y la aparición de
nuevas formas de energía. La
población creció también
considerablemente, sobre todo en
las zonas urbanas, donde se
derribaron las murallas que
aprisionaban las ciudades. 
 Introducción
 Este crecimiento demográfico fue el
resultado de diversos factores:
retroceso de la mortalidad, aumento
de la producción de alimentos,
progreso de la higiene y de la
medicina, etc. 
 Además, los problemas derivados de
la sociedad industrial generaron el
nacimiento de nuevas doctrinas
sociales, como el socialismo y el
anarquismo, y de movimientos
reivindicativos y revolucionarios. 
 Romanticismo

 El término romanticismo y romántico se usan a menudo

para expresar una determinada actitud sentimental,
generosa e idealista, y se aplica a la descripción de
hechos y situaciones e, incluso, de obras de arte de
todas las épocas. 
 Pero, frente a este uso genérico, el termino
Romanticismo, con un significado preciso, es el nombre
con el que se conoce el movimiento cultural y artístico
que surge en Europa a principios del siglo XIX. 
 Romanticismo
 Aplicado al arte, el concepto "romántico"
nace en contraposición al cálculo y la
armonía de las encorsetadas normas
neoclásicas. Después del totalitarismo
racional, se propone un nuevo orden
ideológico sustentado en la exaltación
vitalista y en la necesidad de explorar
nuevos campos: exotismo oriental,
conflictos bélicos, análisis psicológico,
exaltaciones nacionalistas y religiosas,
costumbres populares, encendidas pasiones
amorosas, cementerios, bandoleros, viajes y
aventuras, el suicidio, la locura,
tempestades, paisajes exóticos, etc. 
 Romanticismo: 

 En cuanto a las artes plásticas, el Romanticismo fue un movimiento eminentemente pictórico,

en el que se distinguen algunos rasgos fundamentales: 
1) La diversidad opuesta a la uniformidad, y la exaltación del individuo y de las tradiciones. 
2) La aspiración a la libertad individual y nacional, idea que conecta con las revoluciones
burguesas de la época. 
3) El historicismo como búsqueda de las raíces nacionales en el pasado, intentado fundamentarse
esencialmente en la Edad Media. 
4) La comprensión y el sentimiento de la naturaleza desde las vertientes sensible y religiosa. 
5) Predilección por lo exótico, lo imaginario y lo irracional; interés por el mundo musulmán del
norte de África y por la cultura oriental. 
Romanticismo
 La pintura romántica presenta una gran diversidad estilística, furto del individualismo y el
nacionalismo característico del período, así como de la libertad creativa, contraria a la
rigidez del academicismo. 
 En cuanto a los temas, el Romanticismo se muestra muy homogéneo. Destacan el género
histórico, ya sea representando acontecimientos contemporáneos o episodios importantes
en el entorno del artista, y el género del paisaje, en el que adquieren una gran importancia
los espacios naturales, las ruinas medievales y los escenarios exóticos y orientales. 
La libertad
guiando al pueblo

Eugène Delacroix 
La libertad guiando al
pueblo

 Autor: Eugène Delacroix

 Cronología: 1830. 
 Técnica: Óleo sobre lienzo
 Medidas: 2,60 x 3,25 m
 Estilo: Romántico
 Tema: alegórico o histórico
 Localización: Museo del Louvre 
 La libertad guiando al
pueblo

 Delacroix estructura la
composición de la obra en un
triángulo en el que la bandera
tricolor de Francia ocupa el
vértice superior, y los cuerpos
muertos, en el primer plano,
ocupan la base. La figura
femenina se convierte en el eje
central, alrededor de la cual se
distribuyen el resto de los
personajes. 
 La libertad guiando al
pueblo 
 Delacroix consigue que la acción se dirija hacia el espectador y lo invita
participar de la escena. Al fondo se intuye la silueta de algunos edifici
de París, así como las dos torres de Notre-Dame, en un detalle que permi
situar geográficamente la acción. 
 Cromáticamente, la obra está dominada por tonalidades oscuras y ocre
Delacroix rompe esta monotonía con la inclusión de los colores de
bandera francesa: blanco, rojo y azul. Estos colores son iluminados por u
foco irreal que el artista dispone expresamente estas zonas. 
 Todo esto nos indica que Delacroix ha supeditado las funcion
naturalistas del color y de la luz a la voluntad de crear un dinamism
interno que refuerce el carácter combativo del cuadro. 
 Este cuadro muestra, de modo alegórico,
los hechos revolucionarios que se
produjeron en París los días 27, 28 y 29
de julio de 1830 y que pusieron fin al
reinado de los Borbones en Francia. El
lienzo tiene como finalidad resaltar el
espíritu combativo y de rebeldía que unió
al pueblo francés. Con esta intención
están representadas clases y categorías
sociales: 
1) La burguesía personificada en la figura que
lleva chistera y toma el fusil. 
2) La clase artesanal, con un sombrero de
escarapela y un sable en la mano derecha. 
3) Los jóvenes, que simbolizan el futuro
cambio, armados con pistolas. 
4) La gran masa popular, que ocupan el fondo
de la obra. 
La libertad guiando al pueblo
 Guiando a todos estos personajes
destaca una figura femenina, medio
desnuda y armada con un fusil, que
ondea la bandera tricolor. Es la
personificación de la libertad y, por
asimilación, de la nueva Francia por
la que todos luchan. 
 El gran impacto de la obra hizo que,
con el tiempo, se olvidase la función
propagandística inicial para pasar a
adquirir un carácter más
conmemorativo. 
El caminante sobre
el mar de nubes

 Autor: Caspar David Friedrich

 Cronología: 1818
 Técnica: Óleo sobre lienzo
 Medidas: 74,8 x  94,8 cm 
 Estilo: Romántico 
 Tema: Retrato-Paisaje
 Localización: Museo Kunsthalle de
Hamburgo (Alemania) 
 El caminante
sobre el mar
de nubes

 Representa a un hombre de espalda que, con los atuendos propios de su época contempla la inmensidad
del paisaje que se despliega ante él. 
 Es una obra paradigmática del romanticismo, principalmente porque, aunque el personaje ocupa la
posición central, lo que se nos obliga a contemplar es la naturaleza. 
 A pesar de la centralidad del hombre el mensaje que se nos transmite es la importancia de la totalidad
frente a la pequeñez del individuo.
El caminante sobre el mar de
nubes
 Algunos intérpretes afirman que la posición con la pierna
adelantada del personaje representa una superación de los
problemas terrenales, una cierta actividad espiritual que lleva a la
reflexión sobre la vida, la muerte y la vida ulterior o
trascendente. Cosa que, por otra parte, estaría muy en sintonía
con los valores del romanticismo. 
 Las nubes harían referencia a la divinidad y las cadenas
montañosas haría referencia a la trascendencia y superación de
los límites humanos.
 El Impresionismo 

 Hacia 1860, un grupo de pintores realistas (corriente que nos

hemos saltado pero que básicamente buscaban una
representación objetiva de la realidad, sin idealismos)  se reúnen
en torno a la figura de Manet y deciden organizarse como grupo
independiente. 
 Su denominador común era el interés por el color y los reflejos
de la luz en el paisaje, y pintar al aire libre en busca de las
variaciones de la luz. 
 Esta corriente fructificará en París en torno a 1870. Opuesta al
arte académico y a los salones oficiales donde se les rechazaba,
debe su nombre al cuadro de Monet "Impresión, amanecer".  El
cuadro provocó tal impacto que la crítica calificó a todo el grupo
como "impresionista". 
El impresionismo

 Sus integrantes dejan los talleres para pintar al aire libre en busca de la
captación atmosférica del momento a través de la luz y del color. 
 Aplican el color en pequeñas manchas sueltas brillante; además, no
mezclan los colores en la paleta, sino que su fusión se produce en la
retina del espectador al mirar de lejos la composición. 
 Sus temas son el paisaje, retratos o figuras y bodegones, pero como
algo accesorio, ya que el interés está en la luz y en su reflejo sobre los
objetos captados del natural, según la intensidad lumínica que reciben. 
 El impresionismo se desarrolló fundamentalmente en Francia, pero
estos artistas tendrán una enorme repercusión en el arte europeo y
americano. 
 Édouard Manet (1832-
1883)
 Manet es uno de los fundadores del impresionismo, pero
su estilo viene a ser mucho más un precursor de este
movimiento que un artista puro del mismo. 
 Su principal influencia es el Barroco Español, pero
adopta una técnica brillante y luminosa que abrió el
camino al impresionismo. 
 Es, de cierta manera, un rupturista ya que la presencia de
desnudos femeninos provocan un gran escándalo en su
época, aunque se muestren en una visión distanciada y
sin apasionamientos. Fue el caso de dos de sus obras
más conocidas: Olimpia y El almuerzo en la hierba. 
Olympia 
 Autor: Éduard Manet
 Cronología: 1863 
 Técnica: Óleo sobre lienzo
 Medidas: 130 x 190 cm 
 Tema: Retrato 
 Localización: Museo d'Orsay,
París (Francia) 
 Olympia
 La obra representa una mujer desnuda
tumbada sobre un diván, con un gato
negro situado a su pies. Al fondo, una
criada negra le ofrece un ramo de flores. 
 Sabemos que la modelo del cuadro  es una
conocida pintora (Victoria Meurent), pero
está pretendidamente representada como
una prostituta que nos mira como si
fueramos sus clientes y tratara de
seducirnos para contratar sus servicios. 
Olympia
 Destaca la orquídea en su
cabello, la cuál es considerada
una flor afrodisiaca. 
 El gato negro que está a sus
pies, es también un símbolo
de la lujuria, la ambigüedad y
el deseo. Levanta su cola en
actitud juguetona. 
 Además, la figura lleva un
zapato de tacón, lo que nos
remite al fetichismo. 
Esta obra causó un gran escándalo cuando fue Olympia
expuesta por primera vez. El problema
era el realismo de la obra, los desnudos en
esta época solo eran aceptados cuando se daban
dentro de una temática mitológica.
El tema está inspirado en la Venus de Urbino de
Tiziano que, por su parte, si era un retrato
mitológico. 
Manet es considerado el precursor de los
impresionistas, en este cuadro no hay técnicas
impresionistas. No obstante, destaca el tratamiento de
la luz que hace que la figura de la prostituta resalte
sobre el fondo oscuro.  
 Claude Monet (1840-
1926) 
 Nace en París, en su juventud conoce la pintura al aire
libre y, junto a Renoir, hace excursiones para pintar al
natural, dedicándose al paisaje. 
 Impresionista puro hasta su muerte, con la luz crea el
color y la forma. Su temática se centra en temas marinos,
escenas fluviales y paisajes, en los que refleja las
variaciones cromáticas creadas por la luz natural a lo
largo del día. 
 Su obra Impresión, amanecer, de gran audacia técnica,
está realizada a base de pinceladas rápidas y colores
luminosos sin mezclar, y da nombre al movimiento. 
Impresión,
Amanecer
 Artista: Claude Monet
 Año: 1862
 Medidas: 48 x 63 cm 
 Ubicación: Museo Marmottan
Monet, París, Francia.  
 Tema: Paisaje
 Tipo: Óleo sobre lienzo
 Estilo: Impresionismo 
Impresión,
Amanecer
 Explicación de Monet de la obra: 
"El paisaje no es otra cosa que una
impresión, una impresión instantánea,
de ahí el título, una impresión que me
dio. He reproducido una impresión en
Le Havre, desde mi ventana, sol en la
niebla y unas pocas siluetas de botes
destacándose en el fondo […] me
preguntaron por un título para el
catálogo, no podía realmente ser una
vista de Le Havre y dije <pongan
impresión>" 
 Impresión,
Amanecer
 El cuadro presenta el puerto de Le Havre
(Normandía, Francia) al amanecer. Monet
tomó la escena directamente del natural. 
 Los efectos de luz protagonizan el cuadro,
como será propio de los impresionistas. El
sol, la mancha roja que destaca al fondo, sale
entre la neblina y tiñe de efectos anaranjados
el mar y el cielo. La atmósfera vaporosa
difumina las formas, y las grúas del puerto y
las barcas casi desaparecen. 
 Los colores aplican con pinceladas gruesas y
rápidas que se aprecian a simple vista. 
 Esta obra, sin proponérselo, dio nombre al
impresionismo.
Auguste Renoir (1841-1919) 

 Pierre Auguste Renoir fue originario de Francia, y forma parte de los

grandes artistas del impresionismo. Un elemento característico de su estilo
es el difuminado que suele aplicar sobre sus desnudos.  Este elemento típico
de Renoir probablemente venga de su experiencia como pintor de
porcelanas, lo que explicaría el carácter traslúcido de su obra, su interés por
la luz, los matices de color, y las pinceladas dinámicas y borrosas. 
 Es, fundamentalmente, un pintor de la vida parisina en cuadros de riquísimo
colorido, llenos de encanto y de gracia. Al contrario que en el resto de los
impresionistas, la figura femenina está muy presente en sus composiciones.
Capta estas figuras femeninas en ambientes despreocupados al aire libre, o
en ambientes intimistas, desnudas en interiores. Su ideal femenino es de
formas rotundas y voluminosas, de rostro rosáceo, mejillas encendidas y
labios carnosos.  
Baile en el Moulin
de la Galette
 Fecha: 1876
 Técnica: Óleo sobre lienzo
 Formato: 1,31 x 1,75 cm
 Estilo:  Impresionismo
 Localización actual: Museo d´
Orsay   (París) 
 Baile en el Moulin de la
Galette
 Es una de las obras de arte más reconocidas de Renoir.
Representa uno de los bailes que se celebran todos los
festivos en el Moulin de la Galette, un viejo molino
abandonado del barrio de Montmartre, en la zona
bohemia de París.  Aprovecha este tema nuevo para
captar el efecto de la luz del sol veraniego filtrada a
través de los árboles. El cuadro muestra dos zonas, una
de figuras en primer plano, en reposo, y tras ellas una
serie de parejas bailando. De alguna manera el cuadro
nos sumerge las conversaciones de los distintos grupos,
bajo multitud de manchas de luz, lleno todo por el
ritmo alegre de un vals que agita faldas y reúne los
cuerpos en la danza. 
Baile en el Moulin de la
Galette
 A Renoir, como a otros artistas de su tiempo, le
gustaba elegir temas de la vida moderna, de la
propia realidad. Todo el cuadro derrocha alegría y
vida: las actitudes son relajadas y los colores
vibrantes. 
 La escena transmite alegría, recogiendo la
variedad de actitudes y la sensación de ambiente
logrado al difuminar las figuras, creando un
efecto de aire alrededor.
Baile en el Moulin de
la Galete

 Sus pinceladas dinámicas

plasman perfectamente los
efectos de la luz, tanto natural
como artificial, y las formas se
diluyen, por lo que fue criticado
en su época. Esta difuminación
de las figuras consigue crear eso
que llamamos "efecto del aire". 
 La composición se organiza
Baile en el Moulin de la Galette
mediante un diagonal que separa
los dos círculos en los que se
divide la multitud: uno formado
por los personajes en primer
plano y otro por el resto, que se
agrupan en torno a las parejas de
bailarines. 
 Cada uno de estos grupos tiene
una perspectiva diferente: los
bailarines se ve den desde un
plano frontal; las figuras en
primer plano se captan desde un
plano en picado desde arriba. 
Baile en el Moulin de la Galette 

En una obra de arte del impresionismo, tanto por su calidad e innovación artística, como por su testimonio
histórico de la vida en París a finales del siglo XIX. 
Edgar Degas (1834-1917)

 Este pintor francés participó en la mayoría de las

exposiciones del grupo impresionista, aunque su
obra tiene poco que ver con las característica del
grupo. De hecho, él prefería que se los
considerara "independiente" más que
"impresionista", un término que hacía hincapié
en la ruptura con los estilos anteriores, más que
en una determinada forma de pintar.
 Edgar Degas
(1834-1917)
 Las obras de Edgar Degas son de
gran calidad técnica y la
personalidad del autor
se caracteriza por su incesante
búsqueda de la belleza. Degas no
pintaba paisajes al aire libre, y en su
obra destacan dos temáticas:
las escenas de caballos y jinetes, y
las bailarinas. En sus pinturas
realiza auténticos
estudios anatómicos de los cuerpos
en distintas posiciones. 

El ensayo(1873) 
Edgar Degas (1834-1917)

 Su obra se caracteriza por sus

composiciones novedosas,
asimétricas, en las que no se
observa la escena completa y el
motivo principal queda desplazado
del centro, quizá por la influencia de
las estampas japonesas y la
fotografía. 

La clase de danza (1873) 

Clase de danza en la
ópera
 Cronología: 1872
 Técnica: Óleo sobre lienzo
 Medidas: 32 x 46 cm
 Estilo: Impresionismo
 Localización actual: Museo
d'Orsay, París, Francia. 
 Clase de danza en
la ópera
 Corresponde a una de la serie de
pinturas que versa sobre uno de los
temas favoritos de Degas: el ballet. 
 La escena muestra una clase de
ballet, en una gigantesca sala del
teatro de la Ópera. Estaba prohibido
visitar estas salas, por lo que es la
imaginación del autor lo que opera
recreando la escena. 
 Clase de danza en
la ópera

 La obra presenta una composición

muy equilibrado, hay un espacio
vacío en el interior en torno al cual se
disponen las bailarinas de ballet y
profesores. 
 Un pequeño grupo de bailarinas
estira sus piernas al fondo en la
pared. 
 El profesor es un antiguo bailarín, y
junto a él, un violinista espera con su
partitura a que se de la orden para
empezar el ensayo. 
 Clase de danza en
la ópera
 La obra tiene gran profundidad
gracias a los espejos y a las
puertas abiertas. 
 Degas destaca por su
conocimiento anatómico,
estudiando el cuerpo humano en
movimiento. Cada bailarina tiene
una posición diferente: una
espera a empezar su baile, otras
ensayan en la barra y la
muchacha de la derecha
descansa. 
Clases de danza en
la ópera
 El efecto de la atmósfera y de la
luz, que procede de la derecha,
donde suponemos que hay una
ventana, está perfectamente
conseguido con la difuminación
de los contornos de las figuras,
pero Degas mantuvo una base de
dibujo más fuerte que el resto de
los impresionistas. 
Paul Cézanne
 Pintor francés y uno de los principales del
impresionismo. Se dice que con Cézanne se inicia el
impresionismo reinterpretado con descaro temas
tradicionales sobre la violencia  y la sexualidad
como crítica a la burguesía, con colores oscuros,
pincelada densa y ejecución brillante. 
 Añade un geometría de formas basada en el
cilindro, la esfera y el cono, por lo que muchos
afirman que Cézanne es un precursor del cubismo. 
 Sus temas favoritos son los bodegones, los paisajes
y la figura humana, eso sí, reflejada con la mínima
expresividad y gestual, y con un aspecto inacabado,
usando una pintura muy diluida. 
Los jugadores de
cartas
 Autor: Paul Cézanne
 Estilo: Impresionismo
 Formato: 47 x 57 cm
 Técnica: Óleo sobre lienzo 
 Año: 1894-1895
 Localización actual: Museo
D'Orsay, París, Francia. 
 Los jugadores de
cartas
 Los jugadores de cartas o Les Joueurs
de cartes ,en su título original en
francés, es la quinta obra de una serie de
cinco cuadros sobre la temática de una
partida de cartas, realizados por el
pintor Paul Cézanne entre los años 1890
y 1895. Particularmente esta obra fue
realizada entre los años 1894 y 1895. La
serie pertenece a la época de madurez
del pintor, donde crearía sus principales
obras maestras.
 Los jugadores de
cartas
 En el lienzo se representa a dos
campesinos de Aix, el pueblo natal del
pintor, inmersos en una partida de cartas.
Los jugadores se encuentran sentados cada
uno sobre una silla, y apoyan sus codos
sobre la pequeña mesa donde se ha
situado además, una botella de vino.
Ambos personajes centran su mirada en
sus respectivas cartas, ajenos al resto del
mundo.
 Los jugadores de cartas 

 El centro de la composición es la botella que

divide en lienzo en dos mitades, cada una
ocupada por un personaje. En esa zona
confluyen las manos de los protagonistas, que
sostienen las cartas y que, por tanto, centran
nuestra atención. La presencia incontestable
de los jugadores, su posición uno frente a
otro  y sus manos, todo intensifica la
sensación de enfrentamiento. 
 Los jugadores de cartas

 La preocupación de Cézanne no es la luz, como lo es

para los impresionistas, su preocupación es el
volumen. El artista usa el color, aplicado mediante
pinceladas breves y superpuestas, de diferentes
matices, para crear las formas y aportar volumen. 
 Los gestos de los jugadores son mínimos,
contenidos, pero expresivos: están concentrados en
sus cartas, que sostienen cuidadosamente con sus
manos. 
 Paul Gauguin
(1848-1903)
 Este pintor se  caracteriza por su
idea de tratar de volver a las
sensaciones primigenias, a las
primeras sensaciones que teníamos
cuando éramos niños. 
 Partiendo del impresionismo crea
un estilo propio con gran fuerza
expresiva, próximo al simbolismo
con formas simples y abstractas.
Emplea colores puros, tal como
salían del tubo de pintura. 
 Paul Gauguin (1848-
1903)
 Se dice de él que vivía con la idea de recuperar el
"paraíso perdido", sus cuadros le permitían volver a ese
paraíso momentáneamente. 
 Fue broker o corredor de bolsa, bastante hábil en sus
negocios. En sus ratos libres se dedicaba a la pintura. 
 Su fascinación por Oceanía y el arte étnico le llevo a
instalarse en Tahití en 1891. En este entorno
paradisíaco recrea la atmósfera idílica de exuberantes
valles, con vegetación y mujeres nativas mediante
intensos colores planos, puros y contornos muy
marcados. 
 Mata Mua (Érase
una vez) 

 Autor: Paul Gauguin 

 Fecha: 1892
 Técnica: Óleo sobre lienzo
 Dimensiones: 87´5 x 65´5 cm.
 Localización actual: Museo del
Thyssen (Madrid) 
 Mata Mua (Érase
una vez)
 En 1891 Gauguin se trasladó a Tahití,
con el objetivo de conocer la
civilización polinesia antes de que
fuera destruida por la colonización
francesa y por la cristalización.
Gauguin esperaba encontrar allí el
paraíso terrenal, la edad de oro
anterior a la llegada de la civilización
occidental, cuando las personas
vivían en armonía con la naturaleza y
con los dioses. El título de la obra
(Érase una vez) hace referencia a ese
tiempo que se fue. 
Mata Mua (Érase
una vez)
 El enorme tronco de un árbol es el
centro del cuadro y lo divide en dos
escenas. A la derecha, una pareja de
jóvenes está sentada en actitud serena;
una de las toca la flauta y la otra
escucha. A la izquierda, un grupo de
mujeres danza alrededor de la estatua
de la diosa Hina (la luna). Gauguin
muestra gran interés en captar las
ceremonias religiosas. 
 El paisaje es idílico, denso y
asfixiante, y en él destacan los
verdes lujuriosos y, al fondo, las
montañas, rosas y violetas, que
cierran el valle, que aparece estar
aislado de toda contaminación. 
 Gauguin utiliza colores planos,
puros, intensos, sin claroscuros.
No intentaba copiar con precisión
los colores de la naturaleza, sino
que los empleaba a criterio
propio para intensificar las
posibilidades expresivas del
cuadro. Por ello, se considera que
abrió la puerta al fauvismo.
 Paréntesis ¿Qué es
el Fauvismo? 
 Es un estilo pictórico del siglo XX. 
 Lo estudiaremos en el próximo
tema. 
 Su nombre hacer referencia a la
fuerza del color. 
 Su objetivo es explorar las
posibilidades expresivas y plásticas
del color. 
Vincent Van Gogh
(1853-1890)

 Nacido en Holanda, se forma en

París con la vanguardia
impresionista bajo el apoyo
incondicional de su hermano
Theo. 
 Representa el arquetipo de artista
torturado e incomprendido, no
lograr vender más que una
pequeña cantidad de cuadros
suyos. 
 Vicent Van Gogh
(1853-1890) 
 Es muy conocida la historia por la
cual perdió la oreja.  
 Inicialmente era amigo de Paul
Gauguin, quien se instaló con él en
"la casa amarilla" (llamada así por el
color de sus paredes). 
 La amistad inicial terminó en fuertes
discusiones, quizás por el fuerte
temperamento de ambos. 
 Van Gogh llegó a atacar a Gauguin
con una navaja. Poco después se
arrepintió de esto y decidió cortarse
su propia oreja para expiar su culpa. 
 Vicent Van Gogh
(1853-1890)
 Gauguin lejos de conmoverse con el
gesto de Van Gogh, empezó a
considerarlo un loco peligroso. Dejó
de convivir con él. 
 De este extraño acontecimiento, dan
fe dos célebres retratos, donde Van
Gogh aparece con la oreja vendada,
fumando con su pipa y actitud
melancólica. 
 Vicent Van Gogh
(1853-1890) 
 Como hemos dicho Van Gogh se forma
con los impresionistas, pero a raíz de él
surgirá un movimiento: el
expresionismo, cuya característica
fundamental es la exageración de líneas
y colores. 
 El color resplandeciente es el gran
protagonista de sus obras. Lo usa con
pinceladas densas de colores puros, que
son fragmentados y provocan una
ilusión de vibración en todo el tiempo. 
 Mediante esta "pintura fragmentaria"
Van Gogh quiere expresar su inestable
estado de ánimo. 

La siesta (1890) 
 Vicent Van Gogh
(1853-1890) 

 Van Gogh concibió la pintura como un

legado de su espíritu. Usó los colores
puros que fueron fieles reflejos de los
estados del alma. Sus cuadros fueron
la exteriorización de su apasionada
reacción ante los seres y los objetos
del mundo circundante.
 Se entiende la pintura de Van Gogh
como un reflejo de sí mismo y de su
personalidad contradictoria y
convulsionada. 

La habitación de Van Gogh

en Arlés (1889)
Campo de trigo con cipreses (1889) 
Trigal con cuervos (1890)
La noche estrellada
(1889) 

 Fecha. 1889  
 Técnica: óleo sobre lienzo
 Formato: 73,7 x 92,1 cm 
  Estilo: Postimpresionismo 
  Género: Paisaje
  Localización. Museo de Arte
Moderno Nueva York      
 La noche estrellada
(1889) 

 Van Gogh realiza esta pintura en el

sanatorio de Saint-Rémy, donde
pintaba lo que contemplaba desde
su ventana. 
 Todo lo que se representa en el
cuadro no es real, existe una parte
que corresponde a lo que
efectivamente se vía desde la
habitación del manicomio, y otra
inventada por el artista. 
La noche estrellada
(1889) 
 Es parte de la representación
real de la imagen los montes
cercanos y los astros
representados, a saber: la gran
luna amarilla a la derecha,
Venus y la Constelación de
Aries, la gran espiral que va
de izquierda a derecha sería su
representación de la vía
láctea. 
 La parte imaginaria del cuadro
sería: el pueblo (que tiene
elementos de un pueblo holandés
y no de un pueblo francés) los
olivos, y la torre de la iglesia. 
 Según algunos teóricos del arte,
el tema de la noche estrellada
enlaza con las creencias de Van
Gogh sobre la muerte y la
eternidad. La muerte no es más
que un viaje a las estrellas, y el
cielo estrellado era una especie
de mapa de este viaje. La
presencia del ciprés, árbol
relacionado con los cementerios
intensifica este mensaje. 

La noche estrellada (1889) 

 La noche estrellada
(1889) 

"Mirar a las estrellas siempre me pone a

soñar. ¿Por qué, me pregunto, no
deberían los puntos brillantes del cielo
ser tan accesibles como los puntos negros
del mapa de Francia? Así como tomamos
el tren para llegar a Tarascon o Rouen,
tomamos la muerte para llegar a  una
estrella”
Vincent Van Gogh – Correspondencia
(Carta a su hermano)
La noche estrellada de Van Gogh en 360º

 Este interesante proyecto ha sido desarrollado por la compañía china “Digital Magic” que
hace posible adentrarse en el mundo del artista a través de este cuadro y algunos otros que
se describen ahí, como la famosa habitación que también pintó y en la cual expresó sus
sentimientos y estadios de depresión por medio de coloridas composiciones visuales.
 https://youtu.be/G7Dt9ziemYA
 https://www.periodicoelgancho.com/la-noche-estrellada-de-van-gogh-en-360o/